mercredi 26 juin 2013

LOOKER

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Michael Crichton. 1981. U.S.A. 1h33. Avec Albert Finney, James Coburn, Susan Dey, Leigh Taylor-Young, Dorian Harewood, Terri Welles, Kathryn Witt, Ashley Cox.

Sortie salles France: 6 Juin 1984

FILMOGRAPHIE (source Wikipedia): Michael Crichton est un écrivain, scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 23 Octobre 1942, décédé le 4 Novembre 2008 à Los Angeles.
1972: Pursuit (télé-film inédit en France). 1973: Mondwest. 1978: Morts Suspectes. 1979: La Grande Attaque du Train d'or. 1981: Looker. 1984: Runaway, l'évadé du futur. 1989: Preuve à l'appui (Physical Evidence).


Thriller d'anticipation préoccupé par les nouvelles technologies de la robotique et les images de synthèse, Looker préfigurait déjà l'ère de la réalité virtuelle et des dangers de l'audiovisuel. En l'occurrence le pouvoir de la publicité et sa tentative toujours plus pernicieuse d'"hypnotiser" son spectateur à l'aide d'un procédé révolutionnaire pour mieux l'asservir vers une politique totalitaire. Le "looker" se caractérisant par une pulsation optique générée par ordinateur et synchronisée au rythme cortical afin de produire une transe auto hypnotique suggestive chez le sujet. Pour leur projet publicitaire, les scientifiques de la Reston Industries se servent ici de cette animation afin d'inclure des pulsions narcotiques lumineuses dans les pupilles des acteurs utilisées comme des lasers. A partir d'un pitch bâti sur les meurtres inquiétants de Top models, Michael Crichton allie le thriller high-tech, l'érotisme chic et l'anticipation alarmiste avec une efficacité redoutable. Pourvu de thèmes passionnants avant-gardistes (la nouvelle réalité numérisée, le pouvoir de l'image à travers les médias), le réalisateur redouble d'idées ingénieuses pour nous alarmer sur les dangers d'un simulacre technologique. A l'image du "looker", ce pistolet produisant des éclairs de lumière intenses afin de nous donner l'illusion d'invisibilité chez l'agresseur lorsque que l'on en est la cible. 


A la manière d'un flash incandescent, le projectile nous interpelle dans un état de transe hypnotique afin de nous faire perdre la notion de temps. Cette arme sophistiquée de gros calibre donne lieu à des séquences d'action percutantes non exempts de cocasserie (la poursuite en voiture que le chirurgien entreprend pour fuir ses ravisseurs culmine sa course au milieu d'une fontaine) ou d'humour noir (les règlements de compte macabres perpétrés autour du plateau virtuel de télévision où les cadavres iront se confondre avec les acteurs de synthèse !). A travers son cocktail original d'action et de science-fiction, Looker insiste à nous alarmer sur notre rapport (inconsciemment) addictif face aux méfaits pervers de la télévision. Cette publicité omniprésente au volume sonore subitement élevé pour rappeler à notre raison notre devoir de consommer des produits industriels exclusifs. D'ailleurs, le directeur de Reston Industries énoncera que l'américain moyen passe plus d'un an et demi de sa vie à regarder des publicités à la télévision ! 50 minutes chaque jour à observer de la réclame ! Voilà le pouvoir, s'exclamera t'il ! En prime, avec le défilé sensuel de mannequins perfectibles, Michael Crichton traite notamment de la chirurgie esthétique et préfigure cette mode tristement actuelle que notre société s'évertue à faire entrer dans les moeurs. Prioritairement, influencer la plus jeune génération avide de célébrité à daigner concourir pour la beauté la plus sophistiquée en corrigeant et fignolant leur apparence au scalpel. Tous ces thèmes évoqués sont traités avec l'intelligence d'un scénario retors émaillé d'ironie tout en nous interpellant avec une inquiétude fascinante sur l'avenir des médias obnubilés par la quête du pouvoir et de l'audimat à l'aide de nouvelles technologies virtuelles !


Ludique et passionnant, pessimiste et inquiétant, Looker n'a rien perdu de sa force et son pouvoir attractif pour son rapport obsédant à l'audiovisuel et la prolifération des écrans de télévision. Au rythme d'une partition électronique stylisée, il continue par la même occasion (non sans dérision !) de nous charmer parmi l'auditoire d'un défilé de mannequins immaculés ! L'une des oeuvres majeures des années 80, à trôner auprès de son compère Videodrome.

26.06.13. 4èx
B-M

mardi 25 juin 2013

LA GUERRE DES GANGS (Luca il contrabbandiere / Contraband)

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site grindhouseposters.tumblr.com

de Lucio Fulci. 1980. Italie. 1h37. Avec Fabio Testi, Ivana Monti, Enrico Maisto, Marcel Bozzuffi, Saverio Marconi, Ferdinando Murolo, Tommaso Palladino.

Sortie salles Italie: 8 Août 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996.
1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 :L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio,1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence.


C'est un an après son fameux poème putrescent, l'Enfer des Zombies, que Lucio Fulci bifurque de genre pour s'orienter cette fois-ci du côté du "poliziesco", polar d'ultra-violence particulièrement prisé dans les années 70. Sans doute inspiré par l'imagerie gore abondamment explicite qui avait fait (en partie) la renommée de son oeuvre charnière, le maître du macabre va transformer son polar italien en sommet d'ultra violence à la brutalité tranchée. Torture au chalumeau sur le visage d'une passeuse de drogue, supplice au tournevis sur la poitrine d'un contrebandier, viol en réunion sur une otage, moult gunfights canardés sur la chair d'autres victimes (tandis que certaines se feront littéralement éclater la boite crânienne ou les intestins sous l'impact des balles !). La Guerre des Gangs, c'est du sévère, ça ne fait pas de quartier, c'est du polar hardgore qui carbure au règlements de compte crapoteux pour la contrebande de drogue. 

Luca, contrebandier de cigarettes, vient de perdre son frère lors d'un guet-apens. Fou de colère, il décide de mener son enquête pour se venger du responsable. Après avoir été berné par la fausse piste d'un illustre rival, son investigation l'amène à identifier un nouvel étranger surnommé "le marseillais". Ce leader opiniâtre est délibéré à détruire le marché de Lucas afin de mieux gérer son juteux trafic de drogue et ainsi imposer sa dictature sur Naples. 


Comme souvent, Lucio Fulci ne s'embarrasse pas de subtilité scénaristique pour élaborer un polar classique dénué de surprise. Néanmoins, avec l'efficacité d'une réalisation nerveuse et d'un montage retors (notamment l'habileté d'alterner les plans pour intensifier l'attente d'une torture infligée !), le réalisateur réussit à maintenir l'intérêt dans un conflit de rivalité entre clans mafieux. Par l'esprit de vengeance d'un héros transgressif, La Guerre des gangs suit la dangereuse destinée de ce bandit loyalement intègre envers la couverture de sa famille ainsi que la hiérarchie de ses hommes de main. Avec l'arrivée d'un baron de la drogue, notre trafiquant va devoir faire face à son autorité drastique et ne pas se laisser intimider pour oser se compromettre au trafic expansif du marché de la drogue. En dépit du charisme viril de ces illustres comédiens transalpins (Fabio Testi et Marcel Bozzuffi se tiennent tête avec une pugnacité impassible !), ce dense chassé-croisé est fertile en action belliqueuse et violence acerbe pour provoquer une certaine intensité exponentielle. Par ailleurs, en quelques brèves occasions, on peut souligner le caractère documentaire imparti à l'oeuvre politique. Puisque Lucio Fulci va mettre en exergue la condition difficile des ghettos de Naples, où chacun des habitants livrés à une vie marginale sont contraints de tolérer une illégalité commerciale. En l'occurrence la transaction illicite du marché de la cigarette auquel une descente de police va subitement intervenir pour appréhender toute la population. Avec une provocation assumée et un esprit jusqu'au-boutiste, Fulci va apporter un cachet subversif (plutôt douteux diront ses réfractaires) à l'ambiance diaphane de ce polar blafard. Cette forme ostentatoire de violence sanguine réussit à provoquer un impact spectaculaire et une intensité horrifique rarement étalées dans un film dit policier. Ce désir d'exploser les barrières de la bienséance culmine l'oeuvre de commande en véritable ovni frénétique où la moralité n'a plus lieu d'être (pendant que les gangs s'entretuent, les forces de l'ordre observent de manière impuissante à la dégénérescence de leur ville avec une ironie caustique !). 


Apre, tendu, spectaculaire et méchamment cinglant, la Guerre des Gangs démontre une nouvelle fois la preuve irréfutable que notre artisan du Bis était capable de oeuvrer dans tous les genres, en y incluant une fois encore sa touche raffinée de sadisme et de perversité. Plus de 30 ans après sa sortie, il reste en l'état un solide polar aussi foudroyant et malsain qu'irrésistiblement attrayant. 

Un grand merci à la boite éditrice The Ecstasy of Films. http://the-ecstasy-of-films.com/
25.06.13. 2èx
Bruno Matéï



lundi 24 juin 2013

LES AVENTURES FANTASTIQUES DU BARON MUNCHHAUSEN (Münchhausen)

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviecovers.com

de Josef von Baky. 1943. Allemagne. 1h50. Avec Hans Albers, Ilse Werner, Wilhelm Bendow, Brigitte Horney, Michael Bohnen, Ferdinand Marian.

FILMOGRAPHIE SELECTIVEJosef von Baky est un réalisateur allemand d'origine austro-hongroise, né le 23 Mars 1902 à Zombor (Autriche-Hongrie), décédé le 28 Juillet 1966 à Munich.
1936: Intermezzo. 1943: Les Aventures fantastiques du Baron Munchhausen. 1948: Via Mala. 1957: Un petit coin de paradis. 1957: Les Frénétiques.


Enorme production de l'époque financée par l'Allemagne nazie de la seconde guerre mondiale, Les Aventures du Baron Munchhausen doit son éternelle jeunesse à sa folie visuelle et à ce personnage extravagant impliqué dans des conflits politiques.

Dans son château du 18è siècle, le baron Munchausen narre à un couple d'invités les différents épisodes de son incroyable existence qu'il avait parcouru à travers le monde parmi l'amicalité de son serviteur Christian et du coureur le plus rapide du monde. Car avant de rencontrer l'amour, le baron était féru d'évasion, de passions et de guerres politiques !


Avec un budget démesuré déployant moult figurants costumés, des décors et paysages grandioses ainsi que des trucages audacieux, les Aventures du Baron Munchhausen s'était donné les moyens pour célébrer en fanfare le 25è anniversaire de la UFA (la plus grosse maison de production de l'époque). Conçu au départ comme un film de commande dans l'unique but de divertir les soldats du front, cette aventure fantaisiste tirée du célèbre roman de Carl Leberecht Immermann est un enchantement de tous les instants ! Décalé, débridé, insolite et atypique, il fait la part belle à l'évasion et l'émerveillement dans un récit homérique tributaire de l'héroïsme d'un noble avenant. En l'occurrence, un baron épris d'éternelle jeunesse et de chimères qui décide de parcourir un nombre incroyable de péripéties face à l'allégeance politique de dirigeants étrangers. Si le film garde intact son pouvoir féerique et ne cesse de surprendre, il le doit à l'insolence de son esprit déluré et la verve ironique de ses protagonistes embarqués dans des vicissitudes saugrenues. Tourné pour la première fois en procédé Agfacolor (afin de concurrencer le Technicolor des américains !), les couleurs sont saturées afin d'expérimenter une imagerie flamboyante, alors que les trucages adroitement bricolés restent encore aujourd'hui surprenants d'efficacité ! Cette imagination foisonnante est impartie au caractère chevaleresque de rebondissements fortuits et à l'excentricité de personnages pourvus d'étranges pouvoirs. Sans jamais user d'esbroufe gratuite, les Aventures du baron Munchhausen est équilibré par son malicieux dosage d'humour et de romance imbriqués dans des aventures fantastiques. Qui plus est, il nous séduit aussi avec l'intelligence d'un scénario ciselé à la portée philosophique (le sens de notre vie destiné à cristalliser nos rêves les plus inouïs, notre rapport épidermique face à la jeunesse réfutant l'usure du temps).


Eternellement jeune !
Dans la veine miraculeuse du Magicien d'Oz, du voleur de Bagdad ou du Livre de la Jungle, Les Aventures du Baron Munchhausen est une oeuvre d'une éclatante modernité qui perdure son pouvoir séducteur par son audace visuelle et l'incroyable bonhomie d'un Baron féru de tribulations et de passion amoureuse !

Un grand merci à Artus Filmshttp://artusfilms.com/
24.06.13. 2èx
Bruno Matéï



vendredi 21 juin 2013

ANOTHER DAY IN PARADISE. Grand Prix du Jury à Cognac, 1999

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Larry Clark. 1998. U.S.A. 1h45. Avec James Woods, Melanie Griffith, Vincent Kartheiser, Natasha Gregson Wagner, James Otis, Lou Diamond Phillips.

Récompense: Grand Prix du Jury au Festival du film policier de Cognac, 1999

FILMOGRAPHIE: Larry Clark est un réalisateur, photographe, directeur de la photographie, né le 19 Janvier 1943 à Tulsa dans l'Oklahoma.
1995: Kids. 1998: Another Day in Paradise. 2001: Bully. 2002: Teenage Caveman (télé-film). 2002: Ken Park. 2004: Wassup Rockers. 2006: Destricted (segment Impaled). 2012: Marfa Girl (uniquement dispo sur le net). 2012: The Smell of us.


Trois ans après la révélation Kids, Larry Clark revisite le malaise existentiel d'une jeunesse désoeuvrée dans Another day in paradise. Véritable descente aux enfers filmée à la manière d'un doc, ce drame criminel s'avère pour le spectateur une épreuve psychologique toujours plus abrupte dans sa description tranchée d'une famille marginale compromise au vol et au meurtre. Un couple d'adolescents à la dérive se retrouve embrigadé par un duo d'amants asociaux habitués à commettre de gros cambriolages. Si le début de leur relation s'avère des plus hospitalières, entre les sorties éméchées dans les boites branchées et la consommation régulière de came, leur itinéraire va les mener dans une impasse meurtrière irréversible. 



Film choc d'un réalisme cru parfois insupportable, Another Day in Paradise nous illustre sans aucune fioriture l'équipée sauvage de deux couples vers les paradis artificiels de la drogue et de l'argent facile. Par sa mise en scène hyper réaliste et le jeu authentique de ces acteurs, Larry Clark transcende les clichés inhérents au genre pour nous immerger de plein fouet dans le monde crapuleux du vrai banditisme. Par l'influence autoritaire mais avenante d'un couple de quinquagénaires, deux adolescents en perte de repère familial vont être inculqués à jouer dans la cour des grands en découvrant une nouvelle déontologie, celle de la criminalité immorale. Avec son atmosphère toujours plus tendue et poisseuse, le réalisateur nous saisit à la gorge quand il met en exergue le portrait immoral d'un père perfide, délibéré à entraîner de jeunes gamins pour l'unique profit de sa propre cupidité. Toujours insatiable de décrocher un prochain butin faramineux, ce junkie alcoolique et intraitable va peu à peu entraîner sa petite famille dans une virée sauvage où l'unique issue de secours s'imposera par l'esprit d'individualité. Larry Clark nous confronte ici à la déchéance humaine, l'influence de la vie facile par les drogues dures et l'argent sale, l'avilissement d'une jeunesse désespérée en quête éperdue d'amour et de liens parentaux. Si le spectateur semble vivre en direct cette effroyable odyssée meurtrière, c'est pour mieux nous interpeller que la pègre n'a aucune conduite morale à enseigner et qu'elle est destinée à galvauder et détruire les plus faibles.


A bout de souffle, ou la rage de vivre
D'une violence rigide à tel point que le spectateur semble subir un calvaire exponentiel confiné au marasme, Another day in paradise puise autant sa densité dans l'exceptionnelle contribution de ses quatre interprètes (James Woods est habité par la décadence inhumaine tandis que Melanie Griffith extériorise une empathie maternelle devant la fragilité d'adolescents rebelles !). Soutenu par le blues d'une soul music entraînante, ce road movie au vitriol nous laisse un tel goût amer dans la bouche qu'il nous largue d'autant plus sur un sentiment d'abandon inconsolable. 

21.06.13. 3èx
Bruno Matéï


jeudi 20 juin 2013

VORACE (Ravenous)

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site mymediawelt.de

de Antonia Bird. 1999. U.S.A/Angleterre. 1h41. Avec Guy Pearce, Robert Carlyle, Jeffrey Jones, David Arquette, Jeremy Davies, John Spencer, Stephen Spinella.

Sortie salles France: 7 Juillet 1999. U.S: 19 Mars 1999

FILMOGRAPHIE: Antonia Bird est une réalisatrice et productrice anglaise, né en 1959 à Londres.
1994: Prêtre. 1995: De l'amour à la folie. 1997: Face. 1999: Vorace. 2006: The Meat Trade


Echec commercial à sa sortie d'autant plus mésestimé par une partie de la critique, Vorace est un ovni incongru à la douce folie furieuse. Sous couvert de western au vitriol, le film d'Antonia Bird ose braver ce genre académique dans un contexte purement horrifique ! Cette audace de juxtaposer deux genres antinomiques et d'autant plus couillue qu'elle aborde un thème peu traité à l'écran: le cannibalisme ! A partir d'une légende indienne particulièrement reconnue en Amérique du Nord, la réalisatrice s'inspire ici du Wendigo pour justifier la capacité surnaturelle que nos protagonistes entreprennent afin de guérir rapidement de leurs graves blessures et combattre frontalement leurs adversaires. Durant la guerre américano-mexicaine de 1867, le capitaine John Boyd se retrouve muté dans un fort isolé après avoir été décoré pour sa bravoure au champ de bataille. Sur place, il est recueilli par le colonel Hart et quelques comparses. Un jour arrive un étranger, Colqhoun, unique survivant de ses compagnons de voyage qui s'étaient réfugiés dans une grotte, faute d'un climat hivernal rigoureux. Il prétend que tous les membres du groupe ont été contraints de pratiquer des actes de cannibalisme pour subvenir à leur survie. Au fil des mois, leur leader autoritaire aurait dévoré tous ses compagnons jusqu'à ce que Colqhoun réussisse à s'échapper.


Pourvu d'un scénario original fort bien construit et toujours imprévisible, Vorace est une farce macabre horriblement sarcastique dans son esprit cynique, parabole sur l'accoutumance, le vampirisme et la mégalomanie de l'homme régie par sa société individualiste. Tour à tour oppressant, terrifiant et haletant, Antonia Bird nous entraîne ici dans la descente aux enfers d'un capitaine déchu de remords mais délibéré à récupérer sa dignité. Ereinté par une guerre sanglante et belliqueuse, ce survivant avait préalablement réussi à feindre sa mort pour déjouer l'ennemi. Aujourd'hui, il va à nouveau devoir transcender ses peurs pour affronter un nouvel antagoniste surgi de nulle part et d'autant plus coriace: l'anthropophage ! Dans un climat anxiogène inquiétant et palpable, Vorace nous confronte à une peur viscérale, celle d'être mangée par l'homme féru de cannibalisme ! Puisqu'à l'instar d'une drogue puissante irrésistiblement addictive, celui qui ose dévorer son voisin est condamné à ne plus pouvoir se passer de chair humaine. Tel un épicurien culinaire, il est ici destiné à perpétrer cette pratique agressive dénuée de moralité dans une nouvelle philosophie égotiste. Stoïque, athlétique et pourvu d'une énergie toujours plus cuisante, le cannibale épris de démence est ici totalement tributaire de sa dépendance à daigner assassiner les pèlerins, ingurgiter leur sang et ainsi accéder à l'omnipotence ! Cet atmosphère hostile qui règne sur tout le récit, Antonia Bird l'a peaufine grâce à une mise en scène acérée et son interprétation de premier choix. Car il faut bien souligner que l'acteur Robert Carlyle excelle à incarner un personnage aussi cynique que sournois car dénué de vergogne. Littéralement habité par le Mal, son jeu délétère de cannibale insatiable laisse planer une ambiance aussi malsaine qu'erratique pour ses exactions sanguinaires. En capitaine indécis mais gagné par la hargne de vaincre ses démons, Guy Pearce lui donne la réplique en s'initiant à la constance et la pugnacité. Durant leur cheminement, ils forment à eux deux une rivalité particulièrement dense et impitoyable avant un ultime baroud d'honneur d'une rare sauvagerie !


Formidablement soutenu par un score mélodique en contrepoint et agrémenté de paysages naturels grandioses, Vorace peut enfin accéder au rang de film culte tant son intensité et sa densité psychologique nous immergent de plein fouet au sein d'un western gore terriblement sardonique !

Dédicace à
Christophe Cosyns
20.06.13. 3èx
Bruno Matéï

INFO WIKIPEDIA: Définition de Wendigo:
Le wendigo (pluriel : wendigowak / wendigos) est une créature surnaturelle, maléfique et cannibale, issue de la mythologie des Amérindiens algonquiens du Canada, qui s'est étendue à tout lefolklore d'Amérique du Nord. Cette légende est partagée par plusieurs tribus amérindiennes et peut désigner la transformation physique d'un humain après la consommation de viande humaine comme une possession spirituelle. Le wendigo a aussi renforcé le tabou autour de la pratique du cannibalisme chez ces peuples. Les wendigowak (wendigos) vivent dans les profondeurs de la forêt et apparaissent dans des contes où le surnaturel côtoie des choses inhumaines et atroces. Parmi les histoires qui circulent, ils sont solidement ancrés dans les légendes amérindiennes où ils tiennent une place importante. De nombreux lieux et lacs portent ce nom, tel le parc national du wendigo, et de nombreuses œuvres modernes s'en inspirent dans la littérature comme au cinéma, bien que ces wendigowak puissent avoir des caractéristiques différentes de ceux des légendes originelles.


mercredi 19 juin 2013

SUPERMAN 2. La version de Richard Donner.

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site kahramanlarsinemada.com

de Richard Donner. 1980. U.S.A. 1h56. Avec Christopher Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman, Jackie Cooper, Marc McClure, Ned Beatty, Terence Stamp, Sarah Douglas.

Sortie salles France: 10 Décembre 1980. U.S: 19 Juin 1981

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York.
1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).


Enfin exhumée de l'anonymat depuis 2006, la fameuse version de Richard Donner tant escomptée par les fans du monde entier a enfin pu voir le jour même si 30% de scènes manquantes resteront à jamais sous scellés !
Cette suite trépidante haute en couleurs privilégie cette fois l'action homérique puisque Superman doit non seulement faire face à l'intarissable génie du crime, Lex Luthor, mais surtout il doit combattre un trio de supers méchants ayant ses mêmes capacités de pouvoir surnaturel ! Cette confrontation titanesque culmine son apothéose au centre d'une mégalopole urbaine auquel notre justicier va devoir multiplier les rixes démentielles face à l'arrogance d'adversaires impitoyables ! Les nombreux FX, parfois désuets, réussissent néanmoins à impressionner par leur vigueur incisive et les moyens artisanaux déployés. Avant ce dernier acte particulièrement jouissif, Richard Donner a pris soin d'étoffer le rapport familial de Superman avec son père puisque notre super-héros a décidé de rendre sa panoplie et ainsi perdre ses pouvoirs pour l'amour de Lois Lane afin de vivre comme un citoyen terrestre. Avec une touche de cocasserie et de romance, le réalisateur accorde notamment l'avantage de la suspicion envers Lois Lane, davantage persuadée que Clark Kent est bel et bien le justicier volant. Pour cela, elle décide en désespoir de cause de mettre sa vie en péril en provoquant une série d'incidents majeurs afin qu'il puisse la sauver et divulguer sa véritable identité ! 


En rapport à la version de Richard Lester, le montage de Donner diffère largement dans une sobriété moins axée sur la dérision, gagnant ainsi en profondeur et cohérence pour une structure narrative en filiation avec le premier volet. A titre d'exemple, la cause dont le général Zod et ses comparses ont réussi à s'extraire de leur prison de verre diffère ici complètement et entretient une cohésion avec la fin originelle de son modèle (le largage d'un des missiles que Superman avait réussi à projeter dans l'espace va malencontreusement libérer ce trio d'assassins !). Ou encore la manière plus substantielle dont Superman va pouvoir se réapproprier ses pouvoirs face au discours moral d'un père déçu mais clément. Enfin, l'épilogue émouvant s'avère en l'occurrence moins démonstratif, plus crédible dans la liaison romantique impartie entre le couple d'amants. Car pour préserver sa fameuse identité, il n'est plus question pour Superman d'invoquer à Lois Lane un simple baiser magique mais de reprendre une course rotative autour de la terre (l'alibi temporel préalablement entrepris à la fin du premier volet !). 


Si aujourd'hui Superman 2 parait moins attractif dans sa surenchère spectaculaire, faute de trucages aujourd'hui obsolètes, (en particulier sa dernière demi-heure fertile en destruction massive), il reste un spectacle plein de charme dans son esprit bienveillant où l'humour et l'émotion (notamment les adieux poignants de Lois et Superman) s'harmonisent avec simplicité.  
19.06.13. 5èx
Bruno Matéï

mardi 18 juin 2013

SUPERMAN, LE FILM

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site forum.nanarland.com

de Richard Donner. 1978. U.S.A/Angleterre. 2h31. Avec Christopher Reeve, Marlon Brandon, Gene Hackman, Ned Beatty, Jackie Cooper, Glenn Ford, Trevor Howard, Margot Kidder.

Sortie salles France: 26 Janvier 1979. U.S: 15 Décembre 1978

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York.
1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).


Découvrir à l'âge de 8 ans les premiers exploits de Superman devant un écran de cinéma tient du prodige pour les yeux d'un enfant, ébloui de pouvoir enfin s'exaucer un rêve qui n'existait que dans les pages de BD ou dans ses songes les plus fous. Observer avec émerveillement les pouvoirs d'un homme surhumain vêtu d'une combinaison bleue et d'une cape rouge, capable de voler dans les airs à une vitesse supersonique ! Ce moment de grâce irréelle se révèle devant l'innocence d'un bambin une expérience atypique à jamais gravée dans son coeur et sa mémoire ! C'est en 1978 que Superman sort sur les écrans et pulvérise les records du box-office devant un public médusé ! Pourvu d'un budget de 55 000 000 de dollars, Richard Donner s'est acquis les gros moyens pour retranscrire avec ambition les aventures de l'homme volant, préalablement dessinées à travers la BD de Jerry Siegel et Joe Shuster. C'est notamment grâce à cette superproduction puissamment orchestrée par John Williams que les films de super-héros vont pouvoir se concrétiser afin d'exploiter le filon et tenter de réitérer le même exploit cinématographique.


Se replonger 35 ans plus tard dans cette odyssée féerique inscrite dans la noblesse prouve à quel point l'oeuvre de Richard Donner est touchée par la grâce. Car Superman suscite avec autant de poésie que de souffle épique un pouvoir d'enchantement immaculé. Cette tendresse immodérée que le réalisateur accorde à son personnage héroïque, partagé entre le devoir de l'équité et la raison de ses sentiments, transcende des séquences d'une acuité émotionnelle rare ! A l'image de cette envolée lyrique accomplie au dessus d'un ciel étoilé entre Superman et Lois Lane ! Cette séquence exaltante à la naïveté fantaisiste, à deux doigts de chavirer dans le ridicule, s'achemine pourtant en moment magistral d'émotion pur par la magie de ces trucages, son sens d'émerveillement et la tendre complicité des amants. Quand aux scènes d'action spectaculaires qui émaillent et servent le récit, inspirées de la mouvance "catastrophe", elles se révèlent encore impressionnantes (à deux, trois plans de carton pâte) et réussissent aussi malgré le poids des années à crédibiliser les exploits aériens de notre super-héros parti combattre le génie du crime, Lex Luthor ! (Gene Hackman composant un numéro jubilatoire de méchant sardonique et mégalo !). Si Superman s'avère en l'occurrence toujours aussi prodigieusement exaltant, il le doit autant à la révélation saillante du grand Christopher Reeve ! Cet acteur novice dont il s'agit ici de son second rôle à l'écran retransmet avec humilité le portrait d'un super-héros entièrement érigé sur les valeurs de vérité, de la justice et de l'idéal américain. Cette notion de héros idéal, le comédien la transcende avec une conviction naturelle troublante épaulée d'une touche d'humour particulièrement attendrie ! Il EST superman et aucun acteur au monde ne réussira à accomplir cette même performance pour le genre. Quand à la prestance de sa compagne, Margot Kidder véhicule un charme de séduction espiègle par son jeu spontané et sa douce naïveté impartis au rôle de journaliste insolente. A eux deux, ils forment un duo émouvant inoubliable où la dimension humaine prime avant les élans de bravoure homériques.


Chef-d'oeuvre du film de super-héros, Superman constitue un miracle cinématographique qui a marqué de son empreinte lyrique une légion de spectateurs infantiles. Aujourd'hui, cette même génération ayant su préserver son âme d'enfant continuera de rêvasser (jusqu'aux larmes de mélancolie !) des exploits aériens du plus grand super-héros de son enfance ! C'est en tous cas le point de vue d'un cinéphile ému qui vous le dit car l'émotion vibrante continuera toujours de perdurer au-delà des décennies et des progrès numériques... Alors ce soir contemplez bien le ciel ! Un Kryptonien volant veille sur notre terre primitive ! 

Cette critique est dédiée à la mémoire de Christopher Reeve, sans qui nous n'aurions jamais cru qu'un homme était capable de voler...

La critique de Superman 2http://brunomatei.blogspot.fr/2013/06/superman-2-la-version-de-richard-donner.html

Dédicace à Olivier Dussart
18.06.13. 4èx
Bruno Matéï

lundi 17 juin 2013

LE CORPS ET LE FOUET (La Frusta e il corpo)

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site dvdclassik.com

de Mario Bava. 1963. Italie. 1h25. Avec Daliah Lavi, Christopher Lee, Tony Kendall, Ida Galli/evelyn Stewart, Gustavo de Nardo, Harriet White.

FILMOGRAPHIE: Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie).
Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo.
1946 : L'orecchio, 1947 : Santa notte, 1947 : Legenda sinfonica, 1947 : Anfiteatro Flavio, 1949 : Variazioni sinfoniche, 1954 : Ulysse (non crédité),1956 : Les Vampires (non crédité),1959 : Caltiki, le monstre immortel (non crédité),1959 : La Bataille de Marathon (non crédité),1960 : Le Masque du démon,1961 : Le Dernier des Vikings (non crédité),1961 : Les Mille et Une Nuits,1961 : Hercule contre les vampires,1961 : La Ruée des Vikings, 1963 : La Fille qui en savait trop,1963 : Les Trois Visages de la peur, 1963 : Le Corps et le Fouet, 1964 : Six femmes pour l'assassin, 1964 : La strada per Fort Alamo, 1965 : La Planète des vampires, 1966 : Les Dollars du Nebraska (non cédité), 1966 : Duel au couteau,1966 : Opération peur 1966 : L'Espion qui venait du surgelé, 1968 : Danger : Diabolik ! , 1970 : L'Île de l'épouvante ,1970 : Une hache pour la lune de miel ,1970 : Roy Colt e Winchester Jack, 1971 : La Baie sanglante, 1972 : Baron vampire , 1972 : Quante volte... quella notte, 1973 : La Maison de l'exorcisme, 1974 : Les Chiens enragés,1977 : Les Démons de la nuit (Schock),1979 : La Venere di Ille (TV).


Après La Fille qui en savait trop et Les Trois visages de la peur, Mario Bava réalise la même année le Corps et le Fouet, thriller gothique à tendance sexuelle. Car oser évoquer en 1963 les thèmes fétichistes de la perversion et du sadomasochisme étaient peu courants dans un pays aussi puritain que l'Italie. Par l'entremise d'un suspense lattent compromis à une hantise spectrale, Mario Bava renoue avec l'esthétisme baroque d'un gothisme raffiné au sein d'un château isolé du 19è siècle. La splendeur de ses décors d'architecture, le soin alloué à sa superbe photographie sépia, ornée de teintes azur et carmin, renforcent son sens pictural dans un esprit typiquement transalpin. Envoûtant et inquiétant, Le Corps et le Fouet renoue avec la tradition de l'esprit frappeur venu persécuter sa filiation. 

Après avoir été chassé de sa famille, faute de l'étrange suicide intenté par la fille d'une domestique, le Baron Kurt Menliff revient parmi les siens et tente de renouer la relation sulfureuse qu'il entretenait avec sa belle-soeur


Sur le schéma classique de la hantise, Mario Bava va y apporter une touche personnelle en y introduisant le thème sulfureux du masochisme sexuel par l'entremise d'un couple maudit. Si sa structure narrative habilement construite présage un récit éculé axé sur le thème du fantôme persécuteur, le réalisateur détourne sa situation rebattue par l'utilisation du "whodunit" mais surtout la relation incestueuse entretenue avec ce duo d'amants interlopes. On est d'autant plus surpris de son aura transgressive que Mario Bava ne lésine pas sur la violence acerbe quand le baron décide de prolonger son loisir masochiste avec sa belle-soeur soumise (mais complice !) pour la fouetter immodérément !
Au fil de ces incidents meurtriers et par le principe du coupable présumé, Le Corps et le Fouet laisse planer le doute sur l'identité du fameux criminel ou la potentielle vengeance d'un spectre tyrannique avant de nous divulguer son issue salvatrice.
Dans le rôle du baron renfrogné, Christopher Lee insuffle une présence glaçante par sa sinistre silhouette autant que son regard impassible dénué de moindre vergogne. Avec l'arrogance de ses activités masochistes perpétrées au delà de la mort, l'acteur dégage une aura malsaine vertigineuse auprès de ses hôtes toujours plus indécis envers son hostilité surnaturelle. En maîtresse soumise et torturée, Daliah Lavi illumine l'écran par sa beauté ténébreuse et ne cesse de provoquer une fascination troublée pour ses attirances sexuelles et sa répulsion haineuse envers un tyran possessif. ATTENTION SPOILER !!! Cette charge érotique, ce romantisme déchu qui enveloppe le récit sont impartis au portrait de cette femme névrosée et Mario Bava transcende son introspection schizophrène avec la complicité du Mal influent ! FIN DU SPOILER.


D'une beauté gothique ensorcelante, le Corps et le Fouet se pare d'une ambition effrontée à oser dépeindre le thème de la sexualité sous une forme ambiguë de violence délétère et de machisme primaire. Cette puissance formelle et l'atmosphère diaphane qui en émane restent toujours aussi prégnantes et nous fascinent irrémédiablement par son romantisme éperdu. 

Le film est disponible en Dvd chez Mad Movies.
17.06.13. 3èx
Bruno Matéï

vendredi 14 juin 2013

THE KISS (The Host)

                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de Pen Desham. 1988. U.S.A/Canada. 1h40. Avec Joanna Pacula, Meredith Salenger, Mimi Kuzyk, Nicholas Kilbertus, Sabrina Boudot.

FILMOGRAPHIE: Pen Desham est un réalisateur, scénariste et producteur, né en 1947 en Angleterre.
1998: Houdini (télé-film). 1996: Moll Flanders. 1988: The Kiss. 1985: The Zoo Gang.


L'arrivée fortuite d'une tante au sein d'une famille endeuillée va provoquer une succession d'étranges incidents meurtriers afin d'intenter à la jeunesse d'Amy par le biais d'un baiser !


B movie symptomatique des années 80 dans son esprit ludique dénué de prétention, The Kiss est une petite production horrifique érigée sur le principe du vaudou parmi la présence symbolique d'un chat maléfique. Si sa réalisation maladroite et le jeu superficiel des comédiens accusent d'autant plus le poids des années, cette oeuvre mineure dégage tout de même un charme non négligeable dans sa naïveté ainsi que l'attitude attachante des protagonistes. Que ce soit l'adolescente candide incarnée par la jolie Meredith Salenger, le paternel versatile passablement interprété par Nicholas Kilbertus ou la mégère perfide campée par une Joanna Pacula ensorcelante. Si cette ancienne mannequin d'origine polonaise s'avère plutôt fade pour interpréter son rôle de mécréante, le charisme sensuel qu'elle y insuffle, renforcé par un regard félin, réussit néanmoins à imposer une posture hostile.
Outre la futilité d'une intrigue rebattue mais assez efficacement menée, The Kiss déploie une petite montée progressive d'un suspense haletant vers sa dernière demi-heure. Si les 2/3 du récit se cantonnent à un jeu de suspicion entre une jeune fille pubère et l'arrivée surprise de sa tante, Pen Desham agrémente ce conflit familial de séquences chocs spectaculaires parfois sanglantes (à l'image de cette mère de famille violemment projetée contre une vitrine par une voiture pour y être ensuite encastrée !). Si les apparitions délirantes du chat erratique prêtent plutôt à sourire, ses exactions furibondes s'avèrent assez bien rendues par l'efficacité d'un montage véloce. Enfin, le soin alloué à sa photographie chargée de nuances chaudes laisse parfois transparaître une photogénie lyrique (à l'image de son préambule solaire !).


Plaisir coupable gentiment attractif ou nanar rigolard selon l'humeur du jour, The Kiss est une production mineure des eighties n'ayant pour but que de distraire son public dans un procédé éculé. Néanmoins, la bonhomie des comédiens, le charme singulier de Joanna Pacula, l'efficacité modeste de sa structure narrative et des scènes chocs (supervisées par Chris Wallas !) réussissent à rendre sympathique ce pur produit d'exploitation.

14.06.13. 3èx
Bruno Matéï

jeudi 13 juin 2013

V/H/S 2

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site collider.com

de Simon Barrett (Tape 49), Jason Eisener (Slumber party alien abduction), Gareth Evans (Safe Haven), Gregg Hale (A ride in the park), Eduardo Sanchez (A ride in the park), Timo Tjahjanto (Safe Haven), Adam Wingard (Phase 1 Clinical Trials). 2013. U.S.A. 1h35. Avec Kelsy Abbott, Hannah Al Rashid, Fachry Albar, Oka Antara, Devon Brookshire, Samantha Gracie, L.C. Holt, Hannah Hughes.

Sortie salles US: 6 Juin 2013

Ce found foutage de gueule bat tous les records de la nullité !
1H35 de vacuité abyssale !
Les amateurs de gore hardcrad façon Ogrish trouveront tout de même matière à sauter des pieds joints !
Bon courage pour la découverte et bonne sieste pour ceux qui avaient déjà rendu les armes avec son modèle.

Bruno Matéï
13.06.13

mercredi 12 juin 2013

THE CALL

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Brad Anderson. 2013. U.S.A. 1h35. Avec Halle Berry, Abigail Breslin, Morris Chestnut, Michael Imperioli, Ella Rae Peck, Michael Eklund.

Sortie salles France: 29 Mai 2013. U.S: 15 Mars 2013

FILMOGRAPHIE: Brad Anderson est un réalisateur, scénariste et monteur américain, né en 1964 à Madison (Connecticut).
1995: Frankenstein Planet Monster. 1996: The Darien Gap. 1999: Et plus si affinités. 2001: Session 9. 2001: Happy Accidents. 2005: The Machinist. 2008: Transsibérien. 2010: L'empire des ombres. 2013: The Call.


Réalisateur inégal à qui l'on doit au moins deux réussites perfectibles, Session 9 et The Machinist, Brad Anderson renoue au principe traditionnel du thriller effréné avec The Call afin de maintenir en haleine son spectateur.  

Par l'entremise du téléphone, une opératrice des urgences va tenter de porter secours à une jeune fille kidnappée par un maniaque. 

Dans la lignée des thrillers horrifiques initiés par Black Christmas, Terreur sur la Ligne,  ou encore Appels au meurtre, The Call étire sur une heure de métrage le concept de la victime démunie, oppressée par un maniaque et n'ayant comme seul recours un téléphone pour tenter d'invoquer de l'aide. Il ne s'agit donc pas ici du traditionnel harcèlement téléphonique conformément établi par un serial-killer mais de l'appel désespéré d'une otage auprès du service administratif des urgences.
Avec une efficacité infaillible et l'empathie éprouvée pour la complicité des interlocutrices (deux séquences s'avèrent même assez poignantes !), Brad Anderson exploite ce filon afin de mettre en place un suspense anxiogène quand une victime décide d'accorder sa confiance auprès d'une opératrice hésitante. Embrigadée dans le coffre d'un véhicule circulant sur autoroute, l'adolescente va tenter par tous les moyens d'invoquer sa présence parmi les automobilistes puis de s'y extraire afin d'échapper à une sentence inévitable.
Avec la tonitruance de sa bande son technoïde, le réalisateur insuffle une tension permanente dans cette situation alerte auquel nombre de rebondissements vont venir motiver l'intrigue avec vélocité. Et cela, en dépit de quelques grossières incohérences, comme le fait que le tueur laissera le soin à la victime de conserver son portable (potentiellement défectueux) durant la quasi totalité de sa séquestration !


Mené sans répit durant ses 2/3 de métrages, The Call renforce son caractère acerbe par une terreur persuasive (son prologue cinglant s'avère aussi intense que radical !) une violence parfois brutale  (deux meurtres nous sont illustrés avec un réalisme assez cru) et le jeu dépouillé des deux comédiennes principales. En priorité Halle Berry incarnant ici avec autant de fragilité humaine que de vaillance le rôle d'une opératrice préalablement contrariée par la culpabilité d'une faute professionnelle. En victime oppressée, contrainte de se terrer dans le coffre d'un véhicule, Abigail Breslin retransmet avec un désarroi fébrile son calvaire incessant ainsi qu'un désespoir de cause de daigner faire front à son tortionnaire.
Malheureusement, si The Call avait réussi jusque là à maintenir son intérêt dans l'agencement d'un suspense oppressant, sa dernière demi-heure retombe dans les ficelles balisées du genre avec nombre de revirements éculés (le trauma lié à l'enfance du tueur, sa confrontation dantesques avec ces deux  dernières victimes) et d'invraisemblances outrées (la facilité à laquelle l'héroïne trouve la planque du criminel). Qui plus est, son prélude militant pour l'apologie de la vengeance (les féministes pourront tout de même trouver matière à fantasmer d'une telle idéologie réac !) sombre vulgairement dans le ridicule. Néanmoins, cette dernière partie privilégiant une angoisse sous-jacente et l'action spectaculaire nous égaye l'esprit et parvient même à quelques occasions d'intensifier le jeu offensif d'affrontements sanglants.


Série B du samedi soir à voir entre amis ou de préférence avec sa nouvelle copine, The Call peut autant se savourer comme un thriller haletant en demi-teinte qu'un plaisir coupable entièrement bâti sur l'efficacité d'une réalisation alerte et de clichés rebattus (à l'instar du sympathique et rigolard Cellular). 

12.06.13
Bruno Matéï


MEME LA PLUIE


Changer le monde commence par changer soi même !

Un très beau film humaniste sur le peuple Bolivien asservi par une multinationale délibérée à confisquer l'eau. En dépit d'une première partie laborieuse et peu captivante, le film prend son envol au bout de 45 minutes pour ne plus lâcher la pression avec l'introspection d'un mouvement de foule hurlant sa révolte contre l'intolérance de leur état despotique. Avec une belle dimension humaine, Iciar Bollain dépeint ici le portrait d'un cinéaste et de son équipe partis tourner un long-métrage à valeur historique au sein d'un pays en crise. L'homme intransigeant pour la hiérarchie de son entreprise va se retrouver davantage contrarié par des dilemmes moraux pour la sauvegarde d'une famille bolivienne et le conflit caractériel du père de famille en situation précaire.
Poignant, intense et jamais larmoyant, cette oeuvre naturaliste ne cesse de nous questionner sur notre éthique confrontée à l'affres du danger et la sauvegarde d'un peuple famélique. Enfin, Même la pluie peaufine également avec sobriété une belle histoire d'amitié entre deux hommes de culture et classe sociale distincte.

12.06.13
Bruno Matéï

lundi 10 juin 2013

HYSTERICAL

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au sitfilmaffinity.com

de Chris Bearde. 1983. U.S.A. 1h27. Avec Bill Hudson, Mark Hudson, Brett Hudson, Cindy Pickett, Richard Kiel, Bud Cort, Julie Newman.

Sortie salles France: 16 Mars 1983. U.S: Juillet 1983

FILMOGRAPHIE: Chris Beard est un réalisateur et scénariste (essentiellement des séries TV) anglais.
1983: Hysterical



Occulté aujourd'hui en France alors qu'à l'époque de sa sortie ciné il rencontra un timide accueil public, Hysterical est une parodie du genre horrifique initialisée par les "Hudson Brothers". Durant les années 70, ces trois compères s'étaient fait connaitre auprès des téléspectateurs américains en tant qu'humoristes et chanteurs. Ici, il s'attellent à tenter l'expérience cinématographique en s'octroyant les postes consécutifs de scénaristes et interprètes.
Chris Beard, dont il s'agit ici de sa première (et unique !) réalisation, s'est entrepris de revisiter les grands classiques du cinéma d'horreur sous le mode parodique avec l'entremise de gags clins d'oeil supposés hilarants. 


Ceux qui, à l'époque de sa sortie, s'étaient quelque amusés de son caractère pittoresque lors des séquences les plus folles risquent sévèrement de faire grise mine aujourd'hui en revoyant Hysterical tant il provoque consternation et soupir. La faute en incombe à une poignée de comédiens aseptiques (les Frères Hudson, particulièrement ceux formant le duo d'aventuriers, s'avèrent de piètres lurons pour tenter de nous arracher les rires), à une réalisation néophyte (notamment desservie par un montage déstructuré) et à un scénario approximatif éludé d'une moindre surprise (un couple de revenants sèment le zouc sur une station balnéaire et contaminent un à un les vivants en zombies !). 
Sur ce dernier point, sa structure narrative semble indécise pour coordonner un scénario cohérent et ne fait qu'empiler maladroitement une succession de situations débridées sans véritable fil conducteur. On pastiche donc dans une chronologie sporadique des idées empruntées aux classiques genre comme les Aventuriers de l'arche perdue, les Dents de la mer, Duel, l'Exorciste, Shining et la Nuit des Morts-vivants, alors que nos comédiens mal dirigés gesticulent comme des attardés azimutés pour provoquer les fou-rires escomptés. Seule, l'apparition récurrente du sexagénaire à bicyclette (répétant incessamment : "ça couve !") suscite une certaine drôlerie plutôt clémente !
Le peu d'empathie éprouvée pour chacun de nos héros ne fait que régresser l'entreprise et on suit donc ces aventures horrifiques avec un brin de curiosité puisque l'ambiance de folie qui y règne réussit néanmoins à nous maintenir éveillé !


Pour les nostalgiques de l'époque, Hystérical risque fort de vous laisser sur une impression de frustration alors que la nouvelle génération pourra sans regret occulter cette mauvaise parodie, non exempte de bonnes intentions dans son esprit bon enfant mais noyée par sa lourdeur. 

10.06.13. 3èx
Bruno Matéï

                                    



vendredi 7 juin 2013

STOKER

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site popculturekeys.blogspot.com

de Park Chan-wook. 2013. U.S.A/Angleterre. 1h40. Avec Mia Wasikowska, Nicole Kidman, Matthew Goode, Dermot Mulroney, Lucas Till, Alden Ehrenreich, Jacki Weaver.

Sortie salles France: 1er Mai 2013. U.S: 1er Mars 2013

FILMOGRAPHIE: Park Chan-wook est un réalisateur et scénariste sud-coréen, né le 23 Août 1963 à Séoul.
1992: Moon is the Sun's Dream. 1997: 3 members. 2000: Joint Security Area. 2002: Sympathy for Mister Vengeance. 2003: Old Boy. 2005: Lady Vengeance. 2006: Je suis un Cyborg. 2009: Thirst. 2013: Stoker.


J'entends ce que d'autres n'entendent pas. D'infimes choses que les gens ne voient pas normalement me sont visibles. Ces sens sont le fruit du désir de toute une vie. Le désir d'être sauvée. D'être accomplie. Comme la jupe a besoin du vent, je suis faite de choses qui sont aussi à d'autres. Je porte la ceinture de mon père sur le chemisier de ma mère... et les chaussures venant de mon oncle. Je suis ainsi. Toute comme la fleur ne choisit pas ses couleurs, on n'est pas responsable de ce qu'on devient. Une fois que l'on a compris ça on est libre. Devenir adulte, c'est devenir libre. 

Thriller vénéneux chargé d'amertume et de nonchalance, Stoker joue dans la cour des grands pour tenter de renouer avec l'esprit hitchcockien dans une mise en scène aussi stylisée qu'épurée. A partir d'une intrigue tortueuse où nos protagonistes sont indirectement mêlés à un passé tragique, Park Chan-wook ausculte un portrait de famille meurtri par le deuil au cours duquel une jeune fille dépitée ATTENTION SPOILER !!! finira par se laisser berner par l'influence d'un ange exterminateur. FIN DU SPOILER

A la suite de la mort de son père auquel elle était très proche, la jeune India n'éprouve que peu d'empathie pour sa mère. Avec l'arrivée de son oncle qu'elle n'a jamais connu, une étrange relation va se nouer entre eux.


De façon circonspecte et avec l'alchimie d'un climat diaphane toujours plus étouffant, Stoker est conçu à la manière d'un puzzle où les thèmes de la suspicion, la jalousie, la rancoeur nous sont établis à travers l'introspection douloureuse d'une adolescente timorée. Park Chan-wook prend son temps à broder son intrigue interlope en se focalisant essentiellement sur l'ambiguïté psychologique (lourde de sens !) de ses personnages. C'est d'abord les rapports difficiles entre une veuve accablée et sa fille inconsolable qu'on nous présente studieusement dans l'intimisme d'une demeure gothique. C'est ensuite avec l'arrivée fortuite d'un oncle distingué que le film va amorcer une ambivalence pour les relations charnelles qu'il va compromettre avec ces deux veuves contrariées. Dans une mise en scène aussi raffinée qu'inventive, Stoker nous dévoile ensuite au compte goutte le cheminement torturé de cette jeune fille introvertie, difficilement sociable envers la gente masculine de ses camarades de classe.
On en dira pas plus afin de ne pas ébruiter le moindre indice de son canevas charpenté mais sachez que le réalisateur Park Chan-wook nous dresse ici le tableau peu reluisant d'un trio d'amants en perte identitaire. L'impact émotionnel du film et l'acuité qui en émane réside non seulement dans la psychologie meurtrie de ses protagonistes mais aussi dans la confection scrupuleuse d'un climat poisseux en ascension. L'aura malsaine sous-jacente qui s'y dégage de manière exponentielle nous colle à la peau et s'infiltre insidieusement en notre conscience à la manière d'un poison mortel, sachant ici que les notions de bien et de mal n'ont plus d'éthique !
Si tous les interprètes attestent d'une conviction imperturbable dans leurs rôles respectifs (Nicole Kidman insuffle un naturel aigre dans sa douleur maternelle et Matthew Goode redouble d'ambiguïté  dans son élégance flegme), il faut surtout saluer le jeu équivoque de l'étrange Mia Wasikowska pour sa prestance versatile d'adolescente en perdition. Sa froideur innocente galvaudée par la mauvaise influence puis la rancoeur ainsi que le charme de son visage opalin nous pénètre l'esprit dans une confusion dérangée.


Magnifiquement photographié dans les décors gothiques d'une demeure feutrée mais aussi sa nature entâchée, Stoker véhicule avec subtilité et élégance formelle une ambiance crépusculaire autour d'un trio maudit inconsolable. Si on devine le clou de son dénouement c'est qu'il était également irréversible dans sa fatalité et que Park Chan-wook conclut magistralement son épilogue fétide ATTENTION SPOILER !!! dans l'achèvement d'une puberté désaxée.FIN DU SPOILER

07.06.13.
Bruno Matéï