vendredi 29 novembre 2013

PHILADELPHIA SECURITY (Fighting Back)

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinesud-affiches.com

de Lewis Teague. 1982. U.S.A. 1h38. Avec Tom Skerritt, Michael Sarrazin, Yaphet Kotto, Patti Lupone, David Rasche, Varona Donna, Angelis Gina, Adam Sherman, Pete Richardson, Pat Cooper.

Sortie salles: 21 Mai 1982 

FILMOGRAPHIE: Lewis Teague est un réalisateur, monteur, directeur photo et acteur américain, né le 8 mars 1938 à Brooklyn, New-York, Etats-Unis.
1974: Dirty O'Neil. 1979: The Lady in red. 1980: L'Incroyable Alligator, 1982: Philadelphia Security. 1983: Cujo. 1985: Cat's Eye. 1985: Le Diamant du Nil. 1989: Collision Course. 1990: Navy seals: les meilleurs. 1991: Wedlock.


Habile faiseur de séries B à qui l'on doit l'excellente adaptation de Stephen King, Cujo, Lewis Teague réalise en 1982 un curieux film d'auto-défense, dans la mouvance d'Un Justicier dans la villeVigilante et du Droit de tuer.

Un paisible épicier décide de fonder un comité de vigilance suite à l'agression brutale de sa femme et de sa mère par des voyous. Sa popularité prend une telle ampleur que les médias s'emparent du phénomène. Alors que la police semble dans une impasse pour tenter de le condamner, la politique s'en mêle à son tour afin de l'inciter à se présenter aux prochaines élections. 



Film d'action efficacement mené et porté à bout de bras par l'excellente interprétation de Tom Skerritt, Philadelphia Security réexploite le concept de la légitime défense sous l'entremise d'une milice avec une ambiguïté particulièrement dérangeante. En effet, durant le cheminement expéditif du héros vindicatif et de ses sbires, on ne sait jamais si le réalisateur dénonce leurs exactions illégales ou si, au contraire, il approuve leur comportement brutal où la violence ne fait qu'engendrer une riposte encore plus nauséeuse. En prime, le discours sur le problème de l'insécurité grandissante n'apporte aucune solution et le questionnement sur le droit de fonder un comité de vigilance s'avère trop simpliste car maladroitement exposé par ces altercations musclées. D'autant plus qu'après nombre de bravoures et ripostes irréfléchies, la notoriété du héros redresseur de tort est récupérée par l'enthousiasme d'une population désarmée ainsi que l'influence d'une politique véreuse. Enfin, vers son épilogue, Lewis Teague enfonce le clou de l'ambivalence puisque notre justicier s'est décidé une fois de plus à braver les barrières de la morale en assassinant lâchement un proxénète afin de venger la mort de son ami. Un homicide exécuté de sang froid au moment même où sa femme vient le féliciter pour lui annoncer sa victoire des élections municipales ! Toute cette radicalisation extrémiste s'avère donc franchement fumeuse et laisse au final le sentiment amère que notre justicier n'était qu'un prolétaire primaire aussi naïf que verni dans son endoctrinement à la violence permissive.


En résulte un film d'action distrayant mais peu subtil dans son traitement superficiel, où le ridicule effleure même parfois certaines situations héroïques (la descente musclée dans le café équivaut à une bagarre de saloon et le nettoyage en interne du parc rappelle un peu l'assaut final du cartoonesque Justicier de New-York). Néanmoins, les nostalgiques ayant été bercés par le standard de la Vhs (le film avait connu une petite heure de gloire au début des années 80 ! ) trouveront encore matière à se divertir des agissements stoïques de John d'Angelo, d'autant plus que la distribution s'avère réellement attachante !

29.11.13. 4èx
Bruno Matéï



jeudi 28 novembre 2013

LA HORDE (Prix du Jury Syfy au Festival de Gérardmer, 2010)

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site nerdalors.fr

de Yannick Dahan et Benjamin Rocher. 2009. France. 1h33. Avec Claude Perron, Jean-Pierre Martins, Eriq Ebouaney, Yves Pignot, Doudou Masta, Jo Prestia.

Sortie salles France: 10 Février 2010

Récompense: Prix du jury Syfy à Gérardmer, 2010

FILMOGRAPHIE: Yannick Dahan est un journaliste, critique de cinéma, réalisateur et scénariste français. 2009: La Horde
Benjamin Rocher est un réalisateur français. 2009: La Horde. 2012: Les Prophétionnels (documentaire)


Je ne vais pas revenir sur les critiques assassines qu'ont fait preuve Benjamin Rocher et l'intarissable Yannick Dahan mais plutôt délivrer mon ressenti d'un second visionnage pour ce divertissement bisseux plein de bruit et de fureur. C'est d'abord le casting éclectique justement approprié qui stimule l'aventure parmi la présence d'acteurs virils comme on en voit peu dans le paysage français. Confronter notamment un comédien notoire issue de l'ancienne génération (le vétéran Yves Pignot) à la nouvelle classe de comédiens en herbe démontre que notre duo de réalisateurs souhaitait rassembler des têtes forts en gueule spécialement sélectionnées pour leur charisme buriné ! Le pitch de départ plutôt linéaire s'avère également des plus efficaces. Dans un immeuble d'HLM, une bande de flics vindicatifs vont devoir s'allier avec le gang de malfrats qu'ils combattaient afin de se défendre de la menace externe d'une légion de zombie. Piégés à l'intérieur des appartements, ils vont tenter par tous les moyens de se protéger de leurs agresseurs mais aussi tenter de s'échapper afin de regagner la ville.


En rendant hommage à Assaut, Zombie et tout un pan du cinéma Bis, Benjamin Rocher et Yannick Dahan ont décidé en toute modestie (budget restreint oblige) de divertir un public friand d'action décérébrée et d'horreur qui tâche. Avec le tempérament furibond de ces anti-héros aux méthodes expéditives et la vigueur de zombies dégénérés, la Horde est conçu à l'instar d'un tour de montagne russe auquel une poignée de survivants n'aura de cesse de se déplacer d'un étage à un autre pour les combattre et accéder timidement vers une issue de secours. La brutalité violente des altercations qui en résulte illustre bien les motivations radicales de nos deux réalisateurs, clairement délibérés à proposer un divertissement méchant dénué de moralité (tous les protagonistes, flics compris, sont des réactionnaires ne comptant que sur leur indépendance) et où les éclaboussures de sang vont abondamment tapisser les mur de béton. Seul compte ici la loi du plus fort (aucune indulgence pour les retardataires en porte-à-faux !), même si les deux camps adverses auront décidé de s'unifier pour augmenter leur chance de survie. Aux différents conflits de discorde s'oppose notamment un retournement de situation dans la division du groupe (au détour d'une offensive avec les zombies, Aurore va se retrouver séparée avec l'intermédiaire d'un de ces partenaires). Enfin, pour dédramatiser l'intrigue d'une touche ironique, l'arrivée improvisée d'un nouveau venu va venir égayer la troupe. Un sexagénaire bedonnant sévèrement impétueux qui n'hésitera pas à dézinguer à la sulfateuse tous les contaminés qui empiéteront son chemin. Au rythme efficacement soutenu, La Horde va finalement augmenter l'intensité haletante des rixes pour converger vers un point d'orgue destroy ultra jouissif ! A l'image singulière (et très bisseuse !) de ce survivant encerclé par des zombies sur le capot d'une voiture, et de les combattre fougueusement flingues et machette à la main !


Avec la dérision de ces dialogues incisifs, le tempérament fort en gueule de ces anti-héros (où la femme occupe une place de choix !) et le rythme toujours plus échevelé de l'action, la Horde s'érige en plaisir coupable fun et décomplexé. Un B movie hargneux à l'ultra violence irascible et à l'énergie communicative. Le divertissement idéal du samedi soir à privilégier entre amis, le pack de bières à la main ! 

Note subsidiaire: En dépit de son échec commercial et critique, La Horde s'est exporté avec succès en Angleterre, en Italie et au Japon

28.11.13. 2èx
Bruno Matéï

mercredi 27 novembre 2013

LA FOIRE DES TENEBRES (Something Wicked This Way Comes)

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Jack Clayton. 1983. Angleterre. 1h35. Avec Jason Robards, Jonathan Pryce, Diane Ladd, Royal Dano, Vidal Peterson, Shawn Carson, Mary Grace Canfield, Richard Davalos.

Sortie salles: 29 Avril 1983

FILMOGRAPHIE: Jack Clayton est un réalisateur, producteur et scénariste anglais, né le 1er mars 1921 à Brighton, décédé le 26 Février 1995 à Slough (Royaume-Uni).
1959: Les Chemins de la haute ville. 1961: Les Innocents. 1964: Le Mangeur de Citrouilles. 1967: Chaque soir à 9 heures. 1974: Gatsby le magnifique. 1983: La Foire des Ténèbres. 1987: The Lonely passion of Judith Hearne. 1992: Memento Mori (télé-film).


Produit au début des années 80 par la célèbre firme Walt Disney, à l'époque où ils souhaitaient se démarquer du produit familial standard en privilégiant des récits plus sombres et adultes (les Yeux de la forêt), La Foire des Ténèbres est notamment la réunion de deux auteurs prodiges, Jack Clayton et Ray Bradbury. D'après le roman éponyme du célèbre écrivain, le réalisateur anglais le transpose ici avec un charme nostalgique évident dans sa reconstitution archaïque d'une fête foraine chargée de mystères ! A l'instar d'un conte infantile, le film relate l'arrivée d'une bien étrange foire au coeur d'un petit village de l'Illinois. Deux enfants inséparables, Jim et Will, y font la rencontre de Mr Dark, un sombre dandy capable de matérialiser nos rêves d'antan. Depuis son intrusion et celle de sa troupe, d'étranges évènements portent atteintes à la vie des citadins. Persécutés à leur tour, Jim et Will vont tenter d'avertir le père de ce dernier que la population encourt un grave danger. Echec commercial lors de sa sortie officielle, la Foire des Ténèbres eut la déveine de ne pas rencontrer son public sans doute rebuté par l'aspect austère de son climat hermétique. Pourtant, ce conte pour adultes s'avère véritablement intriguant dans son cheminement cauchemardesque en nous propose un récit original des plus fascinants chez la caractérisation perfide d'antagonistes atypiques.


C'est d'abord la conviction de sa distribution (Jason Robards et Jonathan Price s'affrontent à la manière charismatique de gentlemens avisés !) qui nous permet d'adhérer à cette étrange carrousel de l'étrange où un être démoniaque s'est insinué dans l'intimité des citadins afin de les asservir. Pour cela, il s'approprie de leurs rêves les plus inaccessibles et envieux en leur donnant l'illusion de renouer avec un bonheur passéiste. Ce cadeau empoisonné, Mr Dark leur élabore sans vergogne afin de se nourrir de leurs cauchemars et de leurs peurs les plus noires. Sous l'entremise de deux enfants avides de curiosité, et d'un père sclérosé réfutant la vieillesse, la Foire des Ténèbres nous convie à une lutte sempiternelle entre les forces du Bien et du Mal. Qui plus est, la caractérisation humaine de ces personnages est d'autant mieux traitée afin de souligner une réflexion sur l'usure du temps, l'amertume de la vieillesse et des regrets insolubles. Car ici, et d'une manière hétérodoxe, l'héroïsme est établi du point de vue d'un sexagénaire rongé par la contrariété d'un acte de bravoure qu'il n'avait pu braver. Alors que les enfants, en pleine défiance avec les démons, vont finalement s'acheminer vers une virée initiatique dans leur mauvaise posture ! Cette expérience avec les forces démoniaques va donc leur permettre d'accéder à la rédemption et au dépassement de soi en extériorisant une idéologie optimiste (le fait de positiver et de songer au bonheur permet de rompre les liens destructeurs du Mal). Emaillé de séquences oniriques (les agissements de l'envoûtante sorcière de verre, le labyrinthe du temps) ou cauchemardesques (la dégénérescence corporelle de Mr Dark au sein du carrousel), la Foire des Ténèbres déroute le spectateur avec un sens retors de l'illusion, à l'instar de sa séquence de claustration viscérale (l'invasion des mygales rampants dans la chambre des enfants !).


Pourvu d'une partition opulente de James Orner, du charisme gandin de ces interprètes et d'un soin formel délicieusement archaïque, La Foire des Ténèbres peut aujourd'hui accéder à la renommée qu'il aurait dû mériter. Avec le recul, c'est également l'occasion de se rendre compte que l'usure du temps abordée dans le film n'a entachée aucune emprise sur l'entreprise de Clayton ! Je dirais même qu'à contrario, et peut-être avec la complicité alchimique de Mr Dark, la Foire des Ténèbres s'est convertit au rajeunissement ! 

27.11.13. 3èx
B-M

mardi 26 novembre 2013

COLORADO (La Resa dei conti)

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site az-movies.centerblog.ne

de Sergio Sollima. 1966. Italie/Espagne. 1h50. Avec Tomas Milian, Lee Van Cleef, Luisa Rivelli, Fernando Sancho, Nieves Navarro.

Sortie salles France: 4 Juin 1969. Espagne: 29 Novembre 1966

FILMOGRAPHIE: Sergio Sollima est un réalisateur et scénariste italien, né le 17 Avril 1921 à Rome.
1965: Agente 3 S 3 passaporto per l'inferno. 1966: Agente 3 S 3 massacro al sole. 1966: Requiem per un agente segreto. 1966: Colorado. 1967: Le Dernier face à face. 1968: Saludos Hombre. 1970: La Cité de la violence. 1973: Revolver. 1976: Le Corsaire Noir.


Premier volet d'une trilogie, Colorado est le western auquel collaborèrent durant 3 années successives le réalisateur Sergio Sollima et l'acteur caméléon Tomas Milian. Moins connu que Le Dernier face à face et Saludos Hombre et peu diffusé à la TV, ce grand classique refait aujourd'hui surface sous la bannière de Wild Side Video en version haute définition !


Influencé par l'inattendu succès de Pour une poignée de dollars, Sergio Sollima livre avec Colorado un western spaghetti diablement ironique dans son florilège de rebondissements impromptus. A travers l'escapade inlassable d'un illustre chasseur de prime délibéré à mettre la main sur un potentiel tueur d'enfants, Sergio Sollima établit surtout une étude caractérielle de deux personnages contradictoires mais mutuellement impressionnés par leur sens de bravoure et de perspicacité. Car en jouant sur le faux semblant d'un malfrat inculte mais redoutablement rusé, le réalisateur ne cesse de nous interroger sur sa culpabilité d'autant plus que ce dernier ne cesse de se dépêtrer de ses ennuis avec une audace cynique. Pour incarner ce rôle de malfrat licencieux peu banal dans le paysage du western, Tomas Milian rivalise de raillerie, mesquinerie et subterfuge afin de ridiculiser son ennemi juré redresseur de tort. Avec son regard reptilien impassible, Lee Van Cleef endosse la responsabilité de l'honnête chasseur de prime, partagé entre la décision de s'associer avec un propriétaire cupide pour la construction d'une ligne de chemin de fer et celui de pourchasser sans relâche l'odieux assassin. Au fil de cette narration habilement charpentée mettant en exergue actions et bévues fortuites, Sergio Sollima étudie les rapports de force qui unit ces deux antagonistes tout en remettant en cause le manque de preuves tangibles que l'homme de loi se doit de témoigner.
Cette traque intrépide menée à travers le désert du Texas jusqu'à la frontière du Mexique culmine son point de chute vers l'itinéraire d'une nouvelle chasse à l'homme encore plus déloyale après avoir divulgué la véritable identité du meurtrier.


En dénonçant la corruption et la xénophobie chez une justice arbitraire (les villageois mexicains molestés n'ont également aucune considération), Sergio Sollima immortalise surtout le portrait peu commun d'un duo d'ennemis intraitables mais rattrapés par leur instinct de survie et d'équité. Soutenu par la partition lyrique d'Ennio Morricone, Colorado met notamment en lumière les vastes étendues d'un désert aride dérangé par une traque des plus perfides !

26.11.13
Bruno Matéï

    lundi 25 novembre 2013

    LE PROFESSIONNEL

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemotions.com

    de Georges Lautner. 1981. France. 1h48. Avec Jean Paul Belmondo, Jean Desailly, Robert Hossein, Cyrielle Claire, Marie-Christine Descouard, Elisabeth Margoni, Jean-Louis Richard, Michel Beaune, Bernard-Pierre Donnadieu.

    Sortie salles France: 21 Octobre 1981

    FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Georges Lautner est un réalisateur et scénariste français, né le 24 Janvier 1926 à Nice, décédé le 22 Novembre 2013 à Paris.
    1958: la Môme aux boutons. 1959: Marche ou crève. 1962: L'Oeil du monocle. 1963: Les Tontons flingueurs. 1963: Des Pissenlits par la racine. 1964: Le Monocle rit jaune. 1964: Les Barbouzes. 1966: Ne nous fâchons pas. 1967: Le Grande sauterelle. 1968: Le Pacha. 1969: Sur la route de Salina. 1970: Laisse aller, c'est une valse. 1971: Il était une fois un flic. 1972: Quelques messieurs trop tranquilles. 1973: La Valise. 1974: Les Seins de glace. 1975: Pas ce problème ! 1976: On aura tout vu. 1977: Mort d'un pourri. 1978: Ils sont fous ces sorciers. 1979: Flic ou voyou. 1980: Le Guignolo. 1981: Est-ce bien raisonnable ? 1981: Le Professionnel. 1984: Joyeuse Pâques. 1984: Le Cowboy. 1985: La cage aux folles 3. 1986: La vie dissolue de Gérard Floque. 1988: La Maison Assassinée. 1989: Présumé dangereux. 1991: Triplex. 1991: Room service. 1992: l'Inconnu dans la maison.


    Enorme succès en France (il totalise 5 243 511 entrées !) mais aussi au delà de nos frontières (en Allemagne il dépasse les 3 millions !), Le Professionnel a marqué toute une génération de spectateurs et forgé la réputation d'un acteur charismatique au naturel spontané. Film d'action populaire réalisé par un spécialiste du genre et réunissant pour la troisième fois le tandem Lautner/Bébel, Le professionnel n'a aujourd'hui rien perdu de son capital séducteur, à l'image de l'inoubliable score interprété par Ennio Morricone: Chi Mai ! Tiré du roman, Mort d'une bête à la peau fragile de Patrick Alexander, le film nous relate la vengeance d'un émissaire qui était chargé d'abattre un président dictateur au Malagawi. Vendu par les services secrets français, il est finalement condamné au bagne par les autorités africaines. Deux ans plus tard, avec l'aide d'un complice, Joss Beaumont réussit à s'échapper et rentre à paris pour régler ses comptes.


    Réalisé avec savoir-faire et efficacement structuré, Le Professionnel est le modèle symptomatique du spectacle populaire alliant avec symétrie humour et action. Sur ce dernier point, il est à noter qu'au passage d'une course poursuite, une cascade a entièrement été supervisée par le spécialiste en la matière, Rémy Julienne. Outre la gestion d'un rythme sans faille et d'une intrigue bien huilée multipliant rebondissements et revirement dramatique (son final inopiné reste sacrément audacieux pour délaisser le public !), le film doit aussi sa réussite à sa galerie de protagonistes aussi couards qu'insidieux. Sévèrement malmenés par un professionnel véloce, ils vont tenter par tous les moyens de l'abattre afin d'occulter une machination ministérielle. Au sous-texte politique, et avec une belle ironie, Georges Lautner n'hésite pas non plus à égratigner l'hypocrisie de nos ministres français dans leurs relations diplomatiques avec l'état africain, tout en ridiculisant notamment le comportement lubrique d'un dictateur entaché d'une catin ! Dans celui de l'agent secret reconverti en transfuge, Jean Paul Belmondo reste fidèle à son image de séducteur au gros bras, déployant une verve goguenarde (dialogues incisifs de Audiard à l'appui !) et subterfuges stratégiques afin de railler ses adversaires. Sa bonhomie extrêmement sympathique, son aisance naturelle et son charisme viril prouvent encore que l'acteur reste une icône du cinéma d'action dans le paysage hexagonal.


    Combinant adroitement humour et action, parfois même dans les moments cruciaux (le duel émis entre Robert Hossein et Bébel est subitement dédramatisé par l'intervention d'un badaud !) et porté sur les larges épaules de Bébelle Professionnel ne démérite pas à son statut de classique populaire. Scandé par son thème élégiaque et agrémenté du charme polisson de ces actrices, on garde malgré tout la gorge nouée face à l'aigreur de l'épilogue inopinément tragique. 

    A Georges Lautner
    25.11.13. 3èx
    Bruno Matéï

    samedi 23 novembre 2013

    L'ATTENTAT

     
                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

    de Ziad Doueiri. 2012. France/Belgique/Qatar/Belgique. 1h44. Avec Ali Suliman, Evgenia Dodina, Reymonde Amsellem, Dvir Benedek, Uri Gavriel, Ruba Salameh.

    Récompense: Etoile d'Or au Festival du film de Marrakech

    Sortie salles France: 29 Mai 2013

    FILMOGRAPHIE: Ziad Doueiri est un réalisateur et scénariste arabe.
    1998: West Beyrouth. 2004: Lila dit ça. 2012: L'Attentat


    "Comment a t'elle pu un jour mettre une ceinture d'explosifs et se faire exploser au milieu d'un restaurant ? comment ?"
    Je pense que les terroristes ne comprennent pas vraiment ce qui leur arrive.
    Quelque chose change dans leur cerveau et ils ne sont plus les mêmes.
    Ca peut arriver à n'importe qui, ça peut te tomber dessus comme une tuile ou te ronger de l'intérieur
    et après tu ne vois plus le monde de la même façon.
    T'attends juste le moment de franchir le pas !


    Sur un thème d'actualité brûlant, l'attentat-suicide chez les kamikazes compromis au conflit israélo-palestinien, le réalisateur Ziad Doueri livre un drame bouleversant en évitant l'écueil de la morale ou de l'apologie. Avec une profonde humanité, il nous retranscrit le cheminement désespéré d'un éminent médecin, en quête de vérité pour tenter de comprendre l'exaction d'un attentat commis par sa propre femme. Responsable de la mort innocente de 11 victimes dans un restaurant de Tel Aviv, cette jeune palestinienne semblait auparavant une femme équilibrée dénuée d'une quelconque haine intégriste. C'est ce que le film nous remémore avec l'alternance de flash-back où le couple était en harmonie amoureuse. Avec humilité et sensibilité aiguë, L'Attentat s'attache notamment à dépeindre le mal-être de deux patries en guerre, incapables de trouver une solution pacifique à leur problème. Avec sa réalisation limpide dénué de logorrhée inutiles, le film prend aux tripes dans son sens de la dignité et tente de nous expliquer les motivations morales qui ont pu conduire un kamikaze à perpétrer un acte aussi lâche. En évitant les clichés usuels du manichéisme, le réalisateur insiste surtout à mettre en avant la dimension humaine du mari perplexe et de sa femme révoltée, témoin malgré elle du résultat d'un génocide à Jenine, et donc intérieurement rongée par son accablement et sa honte. Face à cette rancœur inconsolable ne lui reste plus qu'adouber sa loi du talion, c'est à dire agir en tant que martyr afin de venger l'honneur de sa patrie et le sacrifice des innocents.   


    "Nous ne sommes pas des fanatiques ni des islamistes, nous sommes un peuple qui se bat par tous les moyens pour retrouver sa dignité"
    Mis en scène avec une incroyable pudeur et filmant ses personnages tourmentés au plus près de leur sentiments, L'Attentat s'accapare de notre éthique avec une rare puissance émotionnelle pour établir un regard nouveau sur l'expression des Kamikazes. Face au thème brûlant si brillamment illustré, le fait qu'il n'apporte aucune solution pour panser la haine des peuples nous implique personnellement dans un sentiment de désespoir et d'injustice. Au-delà de souligner l'humilité de ces personnages meurtris, l'Attentat n'oublie pas pour autant de transcender une déchirante histoire d'amour où l'amertume de sa conclusion risque de vous chavirer vers un collapse inconsolable.

    Un grand merci à Pascal Frezzato
    23.11.13
    Bruno Matéï
                                    

    vendredi 22 novembre 2013

    LA BAIE SANGLANTE (Reazione a catena / Ecologia del delitto)

                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site 50ansdecinema.wordpress.com

    de Mario Bava. 1971. Italie. 1h24. Avec Claudine Auger, Luigi Pistilli, Claudio Camaso, Anna Maria Rosati, Chris Avram, Leopoldo Trieste, Laura Betti.

    Sortie salles France: 22 Mars 1973. Italie: 1971

    FILMOGRAPHIE: Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie).
    Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo.
    1946 : L'orecchio, 1947 : Santa notte, 1947 : Legenda sinfonica, 1947 : Anfiteatro Flavio, 1949 : Variazioni sinfoniche, 1954 : Ulysse (non crédité),1956 : Les Vampires (non crédité),1959 : Caltiki, le monstre immortel (non crédité),1959 : La Bataille de Marathon (non crédité),1960 : Le Masque du démon,1961 : Le Dernier des Vikings (non crédité),1961 : Les Mille et Une Nuits,1961 : Hercule contre les vampires,1961 : La Ruée des Vikings, 1963 : La Fille qui en savait trop,1963 : Les Trois Visages de la peur, 1963 : Le Corps et le Fouet, 1964 : Six femmes pour l'assassin, 1964 : La strada per Fort Alamo, 1965 : La Planète des vampires, 1966 : Les Dollars du Nebraska (non cédité), 1966 : Duel au couteau,1966 : Opération peur 1966 : L'Espion qui venait du surgelé, 1968 : Danger : Diabolik ! , 1970 : L'Île de l'épouvante ,1970 : Une hache pour la lune de miel ,1970 : Roy Colt e Winchester Jack, 1971 : La Baie sanglante, 1972 : Baron vampire , 1972 : Quante volte... quella notte, 1973 : La Maison de l'exorcisme, 1974 : Les Chiens enragés,1977 : Les Démons de la nuit (Schock),1979 : La Venere di Ille (TV).il va inventer 13 manières de tuer


    Chef-d'oeuvre du giallo moderne, avant-coureur du psycho-killer (prénommé de nos jours slasher) dont Sean S. Cunninghan reprendra le concept de manière aseptique (Vendredi 13), la Baie Sanglante supporte le poids des décennies par son pouvoir de fascination érigé sous une nature automnale, théâtre macabre d'une hécatombe meurtrière. Après le meurtre d'une comtesse et de son mari, leur fils et deux couples sans vergogne vont tenter de s'emparer de leur propriété située à proximité d'une baie. 


    A partir d'un scénario machiavélique alignant une succession de meurtres d'un gore raffiné, Mario Bava redouble d'efficacité afin d'illustrer le jeu de massacre d'une poignée d'antagonistes aussi cupides que véreux dans leur requête d'une vaste propriété. Ce qui frappe d'emblée quand on se replonge dans les eaux troubles de La Baie Sanglante, c'est le contraste saisissant impartie à la beauté rassurante de la nature et la cruauté des meurtres outranciers qui en découle (gros plans insistant sur les plaies entaillées). Face aux agissements putanesques de personnages cyniques s'entretuant pour l'acquisition d'un lieu touristique, Mario Bava en dépeint une métaphore sur le respect de l'écologie. Comme si la baie semble éprise de rancoeur et d'imprécation face à l'attitude désinvolte de ces étrangers. Car en bafouant ce lac par des exactions sanglantes ainsi qu'un viol pour le transformer en station balnéaire (voire, une plaque de béton !), la baie semble observer leur mépris avec mélancolie (score élégiaque à l'appui !). Au milieu de ce pathétique conflit entre amants bornés, et pour rajouter le côté disproportionné de ce massacre organisé, quatre jeunes ados vont pénétrer par effraction dans la propriété et faire les frais de leur curiosité après la découverte d'un noyé ! Ce scénario implacable toujours plus jouissif dans les stratégies perfides émises par nos énergumènes, Mario Bava le dirige avec une maestria géométrique et un sens visuel qui laisse pantois d'admiration. La poésie macabre qui émane de ses images oniriques ou morbides s'avère d'autant plus envoûtante que le jeu de lumière pastel et la nuance polychrome de la photographie s'harmonisent sensuellement pour nous véhiculer une émotion trouble. Et ce jusqu'à l'ironie grotesque d'un épilogue tristement dérisoire !


    Au score inoubliable de Stelvio Cipriani qui enveloppe le récit et à la mise en scène stylisée de Bava, La Baie Sanglante s'édifie en pierre angulaire du cinéma d'horreur où l'audace gore est excusée par l'élégance d'un érotisme macabre. L'efficacité cinglante de son scénario impliquant une galerie pitoyable d'antagonistes rustres exacerbant sans répit son pouvoir émotionnel chargé de dérision caustique. Une oeuvre d'art au sens le plus épuré !

    22.11.13. 6èx
    Bruno Matéï


    jeudi 21 novembre 2013

    TERREUR DANS LE SHANGAI EXPRESS (Horror Express / Pánico en el Transiberiano)

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site ohmygore.com

    de Eugenio Martin. 1972. Angleterre/Espagne. 1h30. Avec Christopher Lee, Peter Cushing, Alberto de Mendoza, Silvia Tortosa, Julio Pena, Helga Line, Telly Savallas.

    Récompense: Médaille CEC en 1972 au Festival International de Catalogne, à Sitges.

    FILMOGRAPHIE: Eugenio Martin est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1925 à Grenade.
    1965: L'uomo di Toledo. 1966: Les Tueurs de l'Ouest. 1969: La vida sigue igual. 1971: Les 4 Mercenaires d'El Paso. 1972: Terreur dans le Shangaï express. 1973: La Chica del Molino Rojo.


    Bisserie ibérique bien connue des cinéphiles des années 80 puisque le film sortit au prémices de la VHS, Terreur dans le Shangaï Express allie harmonieusement science-fiction et épouvante d'après un pitch inspiré de The ThingEn chine, un paléontologue fait la stupéfiante découverte d'un fossile mi-humain, mi-singe. Il décide de le rapatrier à Moscou en empruntant le train. Mais à bord, une série de morts mystérieuses commence à ébranler les passagers, les victimes étant retrouvées aveugles. 


    Série B modeste aux moyens minimalistes mais transcendée d'une imagination sans borne et le talent de ces illustres interprètes (Christopher Lee et Peter Cushing se partagent la vedette avec un habituel snobisme alors que Telly Savallas cabotine en cosaque castrateur !), Terreur dans le Shangaï-Express joue la carte du divertissement efficient. C'est de prime abord l'aspect débridé des motivations de la créature ainsi que sa physionomie rubigineuse qui fascinent le spectateur. Car sous son apparence glauque et velue se cache un extra-terrestre exilé sur terre depuis des millions d'années. Son but: nous annihiler par l'intelligence de notre cerveau en l'absorbant pour se nourrir de nos connaissances. Par son regard rutilant, elle hypnotise chacune de ses victimes jusqu'à ce que leurs yeux ensanglantés soient rendus aveugles ! En prime, à l'instar de La Chose, et pour mieux détourner l'attention de ces ennemis, elle possède la faculté d'usurper les corps humains par le simple esprit de sa pensée. Ce pitch improbable, Eugenio Martin le trousse avec une ironie macabre (à l'instar de l'intégriste insidieux prêt à corrompre son âme pour le prix de la vérité !) et un sens de l'action horrifique fertile en rebondissements, d'autant plus que le lieu de claustration s'avère bien choisi pour diluer l'angoisse. Car à bord du Shangaï-express, depuis que les cadavres pleuvent, la paranoïa se distille peu à peu auprès des passagers et ne cessent d'interroger un duo de scientifiques à l'affût. D'ailleurs, au fil de leur investigation pour démystifier l'objectif de la chose, ils iront de découvertes en révélations (comme le fait que la mémoire de la chose est uniquement confinée à l'intérieur de l'oeil !). Enfin, pour parachever, le réalisateur culmine vers une issue catastrophiste (déraillement ferroviaire à l'appui !) où les morts récalcitrants vont se relever pour importuner les vivants !


    Le Monstre aux yeux rouges
    Nanti d'un scénario fantasque multipliant les idées extravagantes et campé par des vétérans notoires issus de l'horreur vétuste, Terreur dans le Shangaï-Express épouse un cachet bisseux parmi le soin de maquillages modestes mais qualitatifs et de l'originalité d'une mélodie entêtante. Son esprit iconoclaste d'allier science-fiction alarmiste et horreur cheap au sein d'une scénographie inédite renforcent le caractère débridé d'une série B bonnard aujourd'hui considérée comme culte. 

    21.11.13. 4èx
    Bruno Dussart

    mercredi 20 novembre 2013

    LA PORTE DU PARADIS (Heaven's Gate)

                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

    de Michael Cimino. 1980. 3h37 (Director's Cut). Avec Kris Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert, Jeff Bridges, John Hurt, Sam Waterston, Richard Masur, Brad Dourif, David Mansfield, Terry O'Quinn.

    Sortie salles U.S: 19 Novembre 1980

    FILMOGRAPHIE: Michael Cimino est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 3 février 1939 à New-York.
    1974: Le Canardeur. 1978: Voyage au bout de l'enfer. 1980: La Porte du Paradis. 1985: L'Année du Dragon. 1987: Le Sicilien. 1990: La Maison des Otages. 1996: The Sunchaser. 2007: Chacun son cinéma - segment No Translation Needed.


    Chef-d'oeuvre maudit du cinéma hollywoodien, de par son échec cinglant qui valut la faillite de United Artists, La Porte du paradis renaît aujourd'hui par le support du blu-ray dans une version director's cut entièrement supervisée par son réalisateur.

    Retraçant un triste épisode de l'histoire américaine après la guerre de sécession (la bataille du comté de Johnson de 1890 qui opposa des mercenaires contre des immigrants d'Europe de l'Est), Michael Cimino démonte les mécanismes de la guerre sous l'insurrection de ces expatriés, condamnés à être exécutés pour anarchisme et vol chez les propriétaires de bétail. Au coeur de ce conflit sanglant, un shérif aigri et un mercenaire raciste vont participer à cette sédition tout en se disputant l'amour d'une tenancière de bordel.


    Fresque monumentale d'une durée excessive de 3h37, La porte du Paradis est un western romanesque d'une ampleur démesurée dans le déploiement de ses moyens faisant intervenir des milliers de figurants au sein de paysages immaculés. Souffle épique et lyrique se côtoient avec le sens ambitieux d'une mise en scène circonspecte prenant son temps à élucider un épisode peu glorieux de l'ouest américain. Outre le fait de dénoncer une Amérique fasciste et xénophobe, hostile à tout étranger venu s'exiler sur leur patrie, Michael Cimino s'intéresse surtout à dépeindre les tourments d'un trio romanesque impliqué dans une situation politique qui leur échappe. De par leur divergence morale (Nathan est un tueur exerçant pour le syndicat des éleveurs alors que son acolyte James est prêt à défendre les démunis) et leur fragilité humaine (leur rancoeur compromise par l'infidélité amoureuse), le réalisateur décrypte leur remise en cause avec une acuité prude. Par la faute d'une idylle indécise, ces deux acolytes vont finalement se mesurer à leur aplomb pour la sauvegarde d'une catin depuis que cette dernière est consignée sur la liste noire des 125 immigrants (elle est coupable de rameuter sa clientèle étrangère contre du bétail volé). Alors que James se morfond dans la peine et tente de digérer sa rupture amoureuse, Nathan va peu à peu renoncer à ses activités de mercenaire réactionnaire afin de prémunir celle qu'il aime ! A sa réflexion sempiternelle apposée sur l'aboutissement de la guerre, Michael Cimino dépeint surtout l'état d'âme de personnages complexes asservis par un enjeu belliqueux et compromis par une romance en perdition. Il traite notamment de la vieillesse qui s'étiole inexorablement, du regret du temps passé alors que le chagrin d'un homme est engendré par le dépit amoureux.


    Autant en emporte le vent
    D'une intensité émotionnelle bouleversante et jalonné de batailles homériques hallucinantes de virtuosité, La Porte du Paradis sublime la romance de trois amants inconsolables, embourbés dans la barbarie d'une guerre inéquitable. A travers une page sordide de l'expansion d'une bourgeoisie ricaine, ce western contemplatif célèbre le courage et confine au vertige de la tragédie pour le sacrifice émis aux martyrs du chaos ! 
    Un monument en état de grâce, à l'image des ses illustres comédiens transis d'humanisme versatile, déchirant et inoubliable !

    20.11.13
    Bruno Matéï

    mardi 19 novembre 2013

    LE MANOIR DES FANTASMES (Dark Places)

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

    de Don Sharp. 1974. Angleterre. 1h35. Avec Christopher Lee, Joan Collins, Herbert Lom, Robert Hardy, Jane Birkin, Jean Marsh.

    Sortie salles France: 1979

    FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Don Sharp est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur anglais d'origine australienne, né le 19 Avril 1922 à Hobart (Australie), décédé le 18 Décembre 2011.
    1963: Le Baiser du Vampire. 1964: Les Pirates du Diable. 1965: La Malédiction de la Mouche. 1965: Le Masque de Fu-Manchu. 1966: Raspoutine, le moine fou. 1966: Opération Marrakech. 1966: Les 13 Fiancées de Fu Manchu. 1967: Le Grand Départ vers la lune. 1968: Les Champions. 1973: Le Manoir des Fantasmes. 1978: Les 39 marches. 1979: Le Secret de la banquise.


    Modeste production British sortie tardivement chez nous (1979 vs 1974) et occultée aujourd'hui, le Manoir des Fantasmes est une série B d'épouvante à l'aura gothique dans sa caractérisation d'une ancienne bâtisse, ancien théâtre d'un massacre familial lié à un conflit d'adultère. Dans un asile psychiatrique, Andrew Marr décide de léguer son manoir à son ami Edward Foster. Juste avant de rendre l'âme, il lui avoue qu'une somme d'argent était restée cachée à l'intérieur des murs. Le lendemain, Edward s'empresse de prendre la route pour investir les lieux, mais un notaire et un docteur assisté de sa soeur envisagent également de mettre la main sur le magot.



    Avec sa trame efficace alliant intrigue criminelle et épouvante spectrale, le Manoir des Fantasmes véhicule machinalement un suspense progressif quand à la destinée d'une poignée d'individus peu fréquentables. Compromis par les activités véreuses de rivaux cupides, Edward va non seulement devoir se confronter à leur subterfuge surnaturel mais aussi s'opposer aux intentions sournoises de véritables fantômes revanchards. Avec ironie, Don Sharp entremêle donc machination criminelle et apparitions fantomatiques sous l'allégeance du précédent défunt, Andrew Marr. A partir d'une quête au trésor planquée derrière les parois du manoir, notre nouveau titulaire tout aussi avide va peu à peu perdre pied avec la réalité en s'identifiant à l'existence familiale de l'ancien propriétaire. A cet égard, on songe facilement à Shining, pour la dérive progressive d'un homme en prise avec sa démence et ses démons, et l'environnement surnaturel auquel il évolue. Par l'entremise de divers flash-back, Don Sharp va ensuite démystifier au compte goutte l'adultère intentée par Andrew avec sa gouvernante (Jane Birkin endosse ce rôle frivole avec le charme qu'on lui connait), alors que les enfants ricaneurs n'auront de cesse de la persécuter. Avec ses illustres têtes d'affiche, la fiabilité des comédiens est également le point fort de ce divertissement attachant. Christopher Lee, Joan Collins et Herbet Lom se délectant à camper un trio d'antagonistes mégalos habités par l'orgueil et la lâcheté. En crescendo, le suspense horrifique va culminer vers un épilogue caustique quand à la véritable implication des témoins du massacre familial et le sort envisagé pour ces nouveaux hôtes.


    Sobrement réalisé et efficacement troussé, Le Manoir des Fantasmes est une série B tout à fait estimable, de par le soin qualitatif de l'interprétation et d'une intrigue savamment planifiée. Enfin, il réussit louablement à distiller une atmosphère d'étrangeté sous-jacente par l'architecture gothique de son manoir poussiéreux. 

    19.01.14. 3èx
    Bruno Matéï

    lundi 18 novembre 2013

    LA SENTINELLE DES MAUDITS (The Sentinel)

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ecranlarge.com

    de Michael Winner. 1977. U.S.A. 1h35. Avec Christina Raines, Ava Gardner, Chris Sarandon, Burgess Meredith, Sylvia Miles, José Ferrer, Arthur Kennedy, John Carradine, Christopher Walken, Eli Wallach, Jerry Orbach, Jeff Glodblum, Beverly D'Angelo, Martin Balsam, William Hickey, Tom Berenger.

    Sortie salles U.S: 7 Janvier 1977

    FILMOGRAPHIEMichael Winner est un réalisateur britannique né le 30 Octobre 1935 à Londres.
    1967: Qu'arrivera t'il après ?, 1971: les Collines de la Terreur, 1971: l'Homme de la loi, le Corrupteur, 1972: Le Flingueur, 1973: le Cercle noir, 1973: Scorpio, Un justicier dans la ville, 1976: Won ton ton, 1977: la Sentinelle des Maudits, 1978: le Grand Sommeil, 1979: l'Arme au poing, 1982: Un justicier dans la ville 2, 1985: le Justicier de New-York, 1988: Rendez-vous avec la mort, 1993: Dirty Week-end.

                                   
    Surfant sur la vague des succès satanistes de l'époque, Michael Winner s'essaie au genre horrifique en portant à l'écran un roman de Jeffrey Konvitz, The Sentinel. Entouré d'une pléiade de stars peu habituées à fréquenter le genre, cette curieuse série B à la renommée modeste a depuis gagné un échelon de vilain p'tit canard déviant.

    En guise d'indépendance, Alison Parker décide de quitter le foyer de son fiancé pour s'installer dans un appartement à Brooklyn. Rapidement, d'étranges évènements se manifestent, à l'instar des bruits entendus la nuit au dessus du plafond de sa chambre ou de la rencontre improvisée avec ses voisines saphiques. Alors que du haut d'une fenêtre du dernier étage, un vieillard aphone semble scruter les environs.     
                                 

    En dépit de sa réalisation académique et de l'omniprésence d'une partition musicale plutôt cheap, La Sentinelle des Maudits réussit à captiver par l'inquiétude exponentielle régie autour d'un sinistre immeuble. Emaillé de séquences chocs parfois sanguinolentes (le corps nu du père d'Alison tailladé à coups de couteau !) et de visions d'effroi (le final mémorable érigé autour d'une "monstrueuse parade" !), Michael Winner souhaite de toute évidence provoquer un malaise hétérodoxe au vu du caractère déviant des situations. Au rythme des hallucinations successives que notre héroïne doit parcourir (la charmante Christina Raines insuffle d'ailleurs une densité humaine dans son émoi suicidaire), le réalisateur laisse libre court à une imagerie lubrique devant l'orgie de vieillards dévergondés ou du libertinage insolent de lesbiennes insatiables ! Face au caractère interlope d'une intrigue assez bien construite et du mystère diffus, la Sentinelle des Maudits puise son impact devant les vicissitudes indécentes que notre héroïne doit déjouer avec le bénéfice du clergé. Avec l'entremise d'un mari peu empathique, autrefois suspecté du meurtre de son ancienne épouse, la plupart des autres personnages qui interfèrent le récit s'avèrent tout aussi distants, voirs désincarnés. A l'instar du comportement énigmatique de Monseigneur Franchino ou de l'investigation infructueuse d'un flic en mal de reconnaissance. D'ailleurs, le jeu cabotin de ce dernier rajoute l'aura excentrique qui émane de sa paranoïa et renforce par la même occasion un climat d'inquiétude prédominant.


    Modestement réalisé mais récupéré par un rythme sans faille et une ambiance des plus malsaines, La Sentinelle des Maudits fait office de série B étrange dans sa galerie de personnages sclérosés où la folie semble contaminer la pellicule en elle même ! Enfin, avec l'habileté des maquillages de Dick SmithMichael Winner en profite pour transcender en intermittence une poignée de séquences cauchemardesques en putréfaction. 
                                 
    Dédicace à Guillaume Matthieu

    14.04.11. 18/11/13. 4èx
    Bruno Matéï




                                             

    vendredi 15 novembre 2013

    WE ARE WHAT WE ARE

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site geektyrant.com

    de Jim Mickle. 2013. France/U.S.A. 1h45. Avec Kelly McGillis, Michael Parks, Wyatt Russell, Ambyr Childers, Julia Garner, Bill Sage.

    Sortie salles France: Prochainement. U.S: 18 Janvier 2013

    FILMOGRAPHIE: Jim Mickle est un réalisateur et scénariste américain.
    2006: Mulberry Street. 2010: Stake Land. 2013: We are what we are.


    Jim Mickle nous avait déjà surpris avec Mulberry Street, un premier film maladroit et redondant mais plutôt prometteur dans sa vision apocalyptique d'un monde contaminé par un mystérieux virus. Son second essai, Stake Land nous a assuré un survival post-apo perfectible mais plein de bonnes intentions dans sa réactualisation du mythe vampirique tout en dressant un joli portrait de fuyards farouches. Avec We are what we are, le réalisateur grimpe d'un échelon dans sa maîtrise de réalisation pour décrire en l'occurrence une histoire de cannibalisme inscrite dans notre époque contemporaine ! Faute d'une vieille tradition, une famille est contrainte de perpétrer une fois par an un acte de cannibalisme afin d'honorer la survie de leurs descendants. Mais une tempête torrentielle finit par dévoiler à la police certains indices d'ossements retrouvés aux abords d'une rivière.


    Partant de l'idée originale du film mexicain Ne nous jugez pas, Jim Mickle réexploite intelligemment le filon sans passer par la mode du remake. Si les 45 premières minutes peinent à démarrer, faute d'un rythme languissant où l'ambiance dépressive exacerbe ce sentiment de désuétude, la narration va progressivement accroître un intérêt dans la caractérisation interlope d'une famille religieuse. Avec l'élégance d'une photo limpide aux images parfois ténues, We are what we are traite ici de fondamentalisme sous l'autorité d'un paternel entièrement voué à la cause de Dieu pour la théorie du cannibalisme. Rongés par le chagrin depuis la mort accidentelle de Mme Parker, ses deux filles ainsi que le fils cadet vont devoir se mesurer à son intransigeance afin de perpétrer une tradition inscrite dans la filiation. Si le film exploite habilement ce thème grand-guignolesque pour dénoncer l'intégrisme, il le traite d'autant mieux avec une densité psychologique vis à vis de la posture démunie des enfants et le souci réaliste de nous familiariser avec cette lignée recluse. Avec fragilité, le metteur en scène se focalise sur le fardeau désespéré des soeurs Parker (les actrices dévoilent naturellement un jeu glaçant d'anémie !), contraintes d'obtempérer au paternel pour assassiner de sang froid une pauvre fille enchaînée dans la cave. Mais rongées de remord et de honte, leur regain de pudeur est peut-être un pas vers la rédemption, d'autant plus que l'innocence de leur petit frère est à prémunir. Emaillé de séquences-chocs parfois inattendues, We are what we are met à mal à nos émotions d'empathie et nous extériorise un malaise lattent vis à vis du replis des soeurs Parker. Qui plus est, au rythme d'une musique monotone, le film véhicule sans fioriture un climat diaphane en osmose avec le climat pluvieux d'une rivière jonchée d'ossements humains. Plongé dans l'existence esseulée de cette famille en perdition, le spectateur semble, à l'instar des deux soeurs, abandonné à la solitude, même si l'une d'entre elles est sur le point de se réconforter dans les bras de l'adjoint du shérif. En poussant le bouchon très loin, le réalisateur va intensifier le drame psychologique qui se noue inévitablement en élaborant au final un affrontement paroxystique où l'explosion de l'horreur va sévèrement ébranler les plus sensibles d'entre nous !


    En cinéaste avisé réfractaire aux artifices usuels du divertissement, Jim Mickle livre avec We are what we are son film le plus abouti et original dans une démarche auteurisante et avec l'entremise d'une interprétation hors-pair. En résulte une oeuvre austère remplie de mélancolie et de silence lourd, à mi-chemin entre le conte social (le père est comparable à la figure de l'ogre insatiable !) et l'horreur extrême (la barbarie hallucinée qui en découle face à l'achèvement punitif). 

    15.11.13
    Bruno Matéï

    jeudi 14 novembre 2013

    LA RESIDENCE (la residencia /The house that screamed/Gli orrori del liceo femminile)

                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorpedia.com

    de Narcisso Ibañez Serrador. 1969. Espagne. 1h40. Avec Lilli Palmer, Christina Galbo, John Moulder Brown, Pauline Challoner, Tomas Blanco, Candida Losada, Mary Maude.

    Sortie salles France: 9 Août 1972

    FILMOGRAPHIE: Narciso Ibanez Serrador est un scénariste, producteur et réalisateur uruguayen, né le 4 Juillet 1935 à Montevideo (Uruguay).
    1969: La Résidence. 1976: Les Révoltés de l'An 2000


    Chef-d'oeuvre d'épouvante gothique à l'aura perverse d'autant plus trouble qu'elle découle du refoulement de jeunes collégiennes (défilé d'actrices particulièrement vénéneuses !), La Résidence est un acmé de l'angoisse où l'ombre du tueur giallesque plane derrière les murs d'une prison scolaire.
    Thérèse, nouvelle collégienne d'un internat du sud de la France, se retrouve confrontée à la discipline d'une directrice n'hésitant pas à flageller les filles insolentes. Alors qu'Isabelle part rejoindre une nuit le fils de l'administratrice, elle disparaît sans laisser de traces. 


    Pour tous les amoureux d'épouvante séculaire à l'ambiance gothique littéralement ensorcelante, La Résidence est une clef de voûte ibérique d'une puissance émotionnelle diaphane ! A travers la claustration d'un pensionnant de jeunes filles, sévèrement perturbées par la dictature d'une matriarche (en tenue étriquée d'Ilsa Fraulein, Lili Palmer vampirise et éructe d'ambiguïté masochiste !), Narciso Ibanez Serrador nous plonge dans les racines de la perversité sous l'influence du conservatisme et d'une sociopathie. Préfigurant les figures baroques de Suspiria (la scénographie prégnante est constituée d'un internat pratiquement féminin, la directrice s'accoutre d'une posture aussi rigide que Miss Tanner et l'expérimentation des meurtres est influencée par un stylisme charnel), La Résidence possède ce même magnétisme environnemental où le mal semble s'être infiltré à l'intérieur des murs. En pleine possession de son talent de conteur (cheminement ombrageux en crescendo) et de maîtrise technique (mouvements de caméra fluides), Narciso Serrador transcende ici un univers mortifère extrêmement immersif, de par la caractérisation effrontée des personnages que du point de vue d'un assassin invisible constamment voyeur ! A travers l'ombre du suspect et la sévérité de l'enseignante, la manière dont le réalisateur façonne un sentiment d'oppression par un suspense lattent est d'autant plus incisive que l'effet de suggestion prime le plus souvent avant le caractère cruel des exactions (flagellations punitives sur les enseignantes arrogantes et meurtres vertigineux invoqués sur les plus innocentes !).


    Sous le même mode opératoire de Psychose, le réalisateur distille donc une montée progressive du suspense en jouant sur l'angoisse d'une menace sourde et se délecte à broder une relation (limite) incestueuse à travers les rapports intimes de la directrice et son rejeton adolescent. Avec une audace encore plus insolente qu'Alfred Hitchcock, SPOILER !!! le cinéaste ose supprimer au bout au bout d'1h13 de métrage son héroïne principale (du moins le personnage le plus candide et attachant) ! FIN DU SPOILER. Au climat malsain diffus instauré par la directrice saphique (quinquagénaire attirée par les jeunes collégiennes et d'autant plus amoureuse de sa comparse sadienne), la contagion du vice semble propager la plupart des pensionnaires ! Que ce soit leurs coucheries récurrentes avec un paysan, leurs fantasmes sexuels durant une séance de couture ou encore la draguerie de l'une d'elles établie sous la douche devant la gouvernante en émoi ! Autant dire que derrière ce portrait d'étudiantes insidieuses se cache un malaise existentiel causé par l'intolérance, le fanatisme religieux et le fétichisme d'une mégère interlope. Quand au point d'orgue révélateur, Narciso Serrador va enfoncer le clou du nihilisme pour transcender une anthologie de l'effroi SPOILER !!! causée par l'obscurantisme d'une doctrine parentale FIN DU SPOILER (d'ailleurs, un certain Lucky McKee a du s'en inspirer pour brosser l'introspection meurtrière de May). Qui plus est, sa dernière image littéralement dérangeante va venir nous hanter bien au-delà du générique final !


    Profondément pervers, poisseux et malsain mais terriblement immersif car pourvu d'un pouvoir de fascination irrépressible, La Résidence sublime au possible sa scénographie gothique au sein d'une résidence rubigineuse. A la splendeur de sa photo se juxtapose le charme mesquin des collégiennes livrées à leurs pulsions depuis l'endoctrinement d'une hiérarchie asexuée. 

    14.11.13. 3èx
    Bruno Matéï