lundi 31 août 2015

TULPA - PERDIZIONI MORTALI

                                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site horreur.net  

de Federico Zampaglione. 2012. 1h32. Italie. Avec Claudia Gerini, Michela Cescon, Ivan Franek, Nuot Arquint, Laurence Belgrave, Yohann Chopin.

Sortie salles Italie: 20 Juin 2013

FILMOGRAPHIE: Federico Zampaglione est un réalisateur et scénariste italien, né le 29 Juin 1968 à Rome. 2007: Nero bifamiliare. 2009: Shadow. 2012: Tulpa - Perdizioni Mortali.


Inédit en salles chez nous, Tulpa - Perdizioni Mortali relate les vicissitudes d'une femme d'affaires ébranlée par un mystérieux tueur s'en prenant à son entourage, uniquement la clientèle de la Tulpa, boite d'échangisme aux pratiques occultes que Lisa s'adonne chaque soir. Alors que les meurtres s'accélèrent, elle tente d'avertir son nouveau compagnon sexuel, Stéphano.


Giallo typiquement représentatif de la tradition du genre, à contre-emploi donc des expériences auteurisantes (voires gonflantes pour les réfractaires !) d'Amer et de L'Etrange couleur des larmes de ton corps, Tulpa empreinte le moule de sa série B sous la houlette d'un réalisateur respectueux de ces illustres ancêtres. Comme souvent chez le genre codifié, le scénario ne brille ni par son originalité (la forme de conscience et la volonté psychique de la "Tulpa" sont à peine survolées !) ni par ses rebondissements avares en suspense (la révélation du meurtrier s'avérant assez insignifiante), l'intrigue n'étant qu'un prétexte à émailler habilement des séquences de meurtres directement inspirés de Dario Argento. Sur ce point, difficile de décevoir les amateurs face au stylisme de sa violence graphique aussi cruelle que cradingue. On appréciera d'ailleurs le clin d'oeil du prologue faisant écho à un célèbre assassinat vu dans Opera ! En ce qui concerne la forme, Tulpa s'avère donc une réussite, notamment pour le soin esthétique imparti à ses décors baroques (bien que minimalistes) régis autour des nuances de rouge et de noir profond. Et en dépit du classicisme de son cheminement narratif et du manque de profondeur des personnages, on se prend d'intérêt à suivre les péripéties nocturnes de notre héroïne malmenée par un assassin revanchard. D'autant plus que l'élégante Claudia Gerini se fond dans le corps (lubrique) d'une entrepreneuse parmi l'autorité d'une personnalité respectée du cadre professionnel. On appréciera aussi le magnétisme ensorcelant qu'invoque implicitement son regard concupiscent !


Sympathique série B à la réalisation perfectible mais récupérée par une ambition formelle, Tulpa réexploite les codes du giallo avec assez de sincérité pour façonner un divertissement sanglant mené tambour battant. En dépit du caractère éculé des situations et de la révélation aseptique du tueur, on gardera surtout en mémoire une ambiance ombrageuse assez palpable, des séquences horrifiques de meurtres très crus et le jeu suave de la charmante Claudia Gerini parfois contemplée dans des étreintes sexuelles mystiques ! 

Dédicace à Céline Trinci et Cid Orlandu.
Bruno Matéï

Qu’est-ce qu’un/une Tulpa ?

Tulpa(e): Littéralement “Forme de pensée” en Sanscrit. Le concept émergea il y a longtemps en Asie, et s’inscrivait naturellement dans les longues sessions de méditation des moines tibétains.

Pour compléter la définition donnée plus haut, on peut dire qu’une tulpa est une forme de conscience autonome et indépendante, modelée à partir de la simple volonté psychique. Elle possède les mêmes capacités intellectuelles que son hôte (créateur) ainsi que les mêmes possibilités à penser, raisonner, croire, espérer et percevoir le monde... que lui.


vendredi 28 août 2015

OTAGE

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site dougrichardson.com

de Florent Emilio Siri. 2005. U.S.A. 1h53. Avec Bruce Willis, Ben Foster, Jonathan Tucker, Marshall Allman, Kim Coates, Robert Knepper, Tina Lifford, Kevin Pollak.

Sortie salles France: 27 Avril 2005. U.S: 11 Mars 2005

FILMOGRAPHIE: Florent Emilio Siri est un réalisateur et scénariste français, né le 2 Mars 1965 à Saint-Avold en Lorraine.
1998: Une Minute de Silence. 2001: Nid de Guêpes. 2005: Otage. 2007: L'Ennemi Intime. 2012: Cloclo. 2015: Pension Complète.


Quatre ans après nous avoir agréablement surpris avec le très efficace Nid de Guêpes, digne hommage à AssautFlorent Emilio Siri empreinte la voie du thriller à suspense avec Otage. Un huis-clos aussi intense qu'implacable comme le souligne son prologue abrupt lorsqu'un négociateur se retrouve en porte-à-faux face au comportement désaxé d'un père de famille déterminé à abattre froidement sa femme et son fils. Cette séquence choc d'une rare violence dans le châtiment imparti aux victimes, notamment cette mort impardonnable perpétré sur l'enfant, nous éprouve émotionnellement par son réalisme rigoureux, même si le hors-champs nous épargne intelligemment l'impact graphique du carnage annoncé. Par l'intensité de la prestation de Bruce Willis endossant avec humanisme fébrile le négociateur, nous nous éprenons d'empathie pour l'accablement de son affliction allouée à la responsabilité de sa déroute. Un an plus tard, toujours marqué par cette tragédie, Jeff Taller se retrouve à nouveau confronté à une situation de prise d'otage lorsque trois jeunes marginaux ont décidé de s'en prendre à la famille d'un riche comptable.


Convenue mais efficace, l'intrigue aurait pu s'en tenir là pour laisser diluer le traditionnel suspense haletant autour des stratégies du négociateur jouant une ultime fois le héros en guise de rédemption. Mais afin de corser l'affaire, Florent Emilio Siri relance rapidement les enjeux avec le stratagème imposé d'une autre bande de malfaiteurs délibérés à faire chanter Jeff Taller afin de le forcer à récupérer un Dvd chez le domicile du comptable. Sa femme et sa fille étant kidnappés vers un endroit tenu secret, le négociateur n'a d'autre choix que de s'efforcer de convaincre les trois marginaux à libérer les otages et tenter de pénétrer en interne de la bâtisse pour pouvoir avoir accès au disque contenant des informations capitales. En décuplant les situations de péril face au contexte inédit de deux prises d'otages, Florent Emilio Siri insuffle un suspense d'une tension tangible dans son lot de rebondissements et revirements souvent imprévisibles. Exploitant à merveille les compartiments intimes de la riche demeure (barricadée de l'extérieur par une alarme dernier cri !), notamment les combles derrière les murs que le fils cadet parvient à emprunter pour pouvoir s'y réfugier et correspondre avec la police, Otage multiplie les situations de stress parmi ce personnage secondaire aussi audacieux que retors. Par le tempérament erratique des trois ravisseurs, l'intrigue suscite également une angoisse diffuse par la rigueur de son réalisme traversée d'éclairs de violence à la dramaturgie tantôt éprouvante, tantôt dérangeante. Dans celui du héros hanté par le passé de son échec professionnel, Bruce Willis agence les actions de bravoures de dernier ressort et négociations perfides dans une prise de conscience hésitante afin d'acheminer deux situations alertes vers le succès. Un dilemme draconien que l'acteur parvient à rendre crédible face à sa fonction désespérée de héros faillible néanmoins motivé par la volonté de vaincre sa peur afin d'épargner victimes et sa propre famille.


Fort d'un scénario astucieux fertile en rebondissements impondérables et péripéties explosives, Otage parvient surtout à faire naître l'angoisse et la tension parmi l'efficacité d'une réalisation maîtrisée exploitant sans fioritures le cadre d'un huis-clos de tous les dangers. Un thriller percutant donc largement au dessus du tout venant commercial, notamment dans la vigueur vertigineuse de ses séquences d'action éprouvantes. 

Bruno Matéï
2èx

jeudi 27 août 2015

ENTRETIEN AVEC UN VAMPIRE

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

"Interview with the vampire" de Neil Jordan. 1994. U.S.A. 2h02. Avec Tom Cruise, Brad Pitt, Kirsten Dunst, Antonio Banderas, Stephen Rea, Christian Slater, Thandie Newton, Domiziana Giordano.

Sortie salles France: 21 Décembre 1994. U.S: 11 Novembre 1994

FILMOGRAPHIE: Neil Jordan est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain irlandais, né le 25 Février 1950 à Sligo. 1982: Angel. 1984: La Compagnie des Loups. 1986: Mona Lisa. 1988: High Spirits. 1989: Nous ne sommes pas des Anges. 1991: L'Etrangère. 1992: The Crying Game. 1994: Entretien avec un Vampire. 1996: Michael Collins. 1997: The Butcher Boy. 1999: Prémonitions. 1999: La Fin d'une Liaison. 2002: L'Homme de la Riviera. 2005: Breakfast on Pluto. 2007: A vif. 2009: Ondine. 2012: Byzantium.


Quelle gageure que d'avoir osé transposer à l'écran le célèbre roman d'Anne Rice ovationné aux quatre coins du monde par le lectorat ! Un défi que le célèbre réalisateur irlandais Neil Jordan relève haut la main grâce à son ambition formelle flamboyante (notamment une reconstitution historique inscrite dans le lyrisme et soucieuse du détail !) et le parti-pris aussi judicieux que couillu d'opposer à l'écran deux stars bankables, Tom Cruise et Brad Pitt ! Les acteurs incarnant respectivement avec une vérité troublante un duo de vampires (aux tendances homosexuelles) incapables de s'apprivoiser dans leur éthique contradictoire. Lestat, le vampire par qui Louis fut malencontreusement mordu, n'étant qu'un ingrat sans vergogne totalement tributaire de son avidité meurtrière mais aujourd'hui délibéré à s'épauler d'un fidèle compagnon pour tenir lieu d'ennui. Alors que l'on pouvait craindre le pire de la part du bellâtre Tom Cruise, ce dernier parvient pourtant dans une fonction à contre-emploi à transcender son rôle de vampire égocentrique avec cynisme souvent détestable !


Du point de vue de Louis que Brad Pitt endosse avec une aigreur chétive, ce dernier se morfond dans la peau d'un vampire mélancolique, faute de l'empathie qu'il réussit encore à éprouver pour ses victimes, quand bien même sa condition damnée l'entraîne un peu plus vers une désillusion sans échappatoire. Autour de ce duo dissonant, une fillette orpheline viendra violemment s'interposer entre eux dans sa nouvelle condition d'immortelle infantile que Lestat a égoïstement sacrifié afin que Louis se résigne à rester à ses côtés ! Et du haut de ses 12 ans, la néophyte Kirsten Dunst exprime déjà un intense tempérament pour l'autorité de son caractère impertinent, rehaussé d'un regard mature ambivalent ! Grande fresque illustrant le cheminement existentiel de Louis, vampire dépressif interrogé par un journaliste au sein d'une chambre d'hôtel, Entretien avec un Vampire s'édifie au fil de ses vicissitudes comme un album d'images fulgurantes que Neil Jordan illustre au service d'une narration pessimiste. De par la condition existentielle de Louis, on peut notamment y voir un discours sur le fardeau de la solitude et le désintérêt de l'existence, qu'elle soit mortelle ou immortelle lorsque l'amour est en berne face à l'orgueil du Mal ! Outre le sens esthétique imparti à son imagerie gothico-baroque (notamment cette représentation théâtrale sardonique, avant-coureur du snuf-movie !) multipliant traquenards sanglants, règlements de compte punitifs et rebondissements aussi cruels qu'inventifs, cette oeuvre désenchantée parvient avec un réalisme stupéfiant à traiter du thème du vampire par l'entremise d'une vérité historique. Dans le sens où le vampirisme ne tient ici plus lieu de légende séculaire conforme aux clichés désuets (le pieu dans le coeur, les longues canines, la peur de l'ail et du crucifix) mais d'une réalité diachronique par la chimère du cinéma. Autant dire que Neil Jordan croit fermement à ses suceurs de sang, nouveaux aristocrates du 18è siècle, le cinéaste étant parvenu à leur donner chair par le soutien d'un trio de comédiens magnifiquement taillés pour leur discorde en roue libre.


Une splendide fresque sur la désillusion d'une errance immortelle.
Epaulé de maquillages et d'effets spéciaux numériques très convaincants que Neil Jordan exploite par moments avec une cruauté graphique sans concession, Entretien avec un Vampire réussit à parfaire à l'écran l'un des plus beaux romans jamais écrits sur le mythe. Avec sa reconstitution flamboyante, son climat gothique ensorcelant et surtout la caractérisation nihiliste allouée aux antagonistes immortels (que les comédiens transcendent sans grandiloquence !), le vampire archaïque renaît ici de ses cendres avec autant de réalisme que de lyrisme blafard ! 

Bruno Matéï
4èx


mercredi 26 août 2015

LES AUTRES

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

"The Others" d'Alejandro Amenabar. 2001. France/Amérique/Espagne. 1h44. Avec Nicole Kidman, Fionnula Flanagan, Christopher Eccleston, Alakina Mann, James Bentley, Eric Sykes, Elaine Cassidy, Renée Asherson.

Sortie salles France: 26 Décembre 2001. U.S: 10 Août 2001

FILMOGRAPHIE: Alejandro Amenabar est un réalisateur, scénariste, écrivain, monteur, acteur, producteur et compositeur de nationalité hispano chilienne, né le 31 Mars 1972 à Santiago.
1996: Tesis. 1997: Ouvre les Yeux. 2001: Les Autres. 2004: Mar Adentro. 2009: Agora. 2015: Régression.


Poème gothique sur la solitude de la mort autour du cheminement psychotique d'une mère de famille prise à parti avec de potentiels fantômes, les Autres renoue avec le classicisme des suspenses psychanalytiques, à l'instar des pièces maîtresses, les Innocents et la Maison du Diable. Par le biais d'un scénario retors remarquablement structuré, Alejandro Amenabar dédie son intrigue à la fragilité de ses personnages caractérisés par une mère et ses deux enfants en quête désespérée de vérité. 1945. Alors que son mari n'est toujours pas revenu de la guerre, Grace accueille les trois nouveaux domestiques de sa demeure. Persécutée par d'étranges bruits résonnants de l'intérieur de la bâtisse, cette dernière accuse dans un premier temps sa fille, particulièrement espiègle et impertinente car ne cessant d'importuner son frère cadet sur l'éventuel apparition du fantôme de Victor. Peu à peu, Grace sombre dans un délire de persécution alors que les domestiques adoptent un comportement de plus en plus équivoque. Inspiré du roman le Tour d'Ecrou d'Henry James, Alejandro Amenabar transcende à l'écran avec une ambition formelle (l'architecture gothique est d'autant plus renforcée par de magnifiques éclairages incandescents) une sombre histoire de fantômes inscrite dans la fragilité de l'accablement. Prenant pour cadre une immense demeure victorienne confinée au milieu d'un parc champêtre alors que la brume environnante y masque une partie de sa devanture, Les Autres cultive un goût pour l'angoisse et l'inquiétude parmi l'intelligence d'un détournement des codes usuels.


Dans le sens où les rôles classiquement attribués au premier abord sont finalement inversés au profit d'une énigme astucieuse brouillant les identités des personnages (les vivants se substituant aux fantômes et vice-versa !). Se focalisant sur le désarroi neurotique d'une mère de famille apeurée par des phénomènes irrationnels depuis la disparition de son mari et son isolement dans la pénombre (ses enfants atteints de protoporphyrie ne supportant pas la lumière), Alejandro Amenabar en dresse un magnifique portrait de femme démunie incapable d'accepter le fardeau de la mort par sa posture désaxée d'une solitude nécrosée. Brossant en second plan l'innocence bafouée de ses enfants toujours plus curieux à déceler les présences surnaturelles, les Autres insuffle un climat d'étrangeté palpable, notamment par le pouvoir de suggestion d'une réalisation épurée entièrement vouée à ausculter les névroses de ces trois personnages. Fort d'une montée progressive d'un suspense impeccablement huilé, l'intrigue parvient autant à nous déranger que nous questionner sur le comportement équivoque de ses protagonistes, notamment les trois domestiques nous signalant assez rapidement qu'il s'agit en fait de commanditaires d'une conjuration. Et si Les Autres parvient autant à envoûter dans son immersion spirituelle et occulte, il le doit énormément à la dimension humaine des comédiens criants d'instabilité. Que ce soit la présence gracile de Nicole Kidman en épouse catholique extrêmement susceptible, la posture arrogante de Alakina Mann, en soeur aînée teintée de perversité lorsqu'elle effraie cruellement son frère, ou encore la personnalité de James Bentley endossant avec candeur un garçonnet transi d'émoi à l'idée d'entrevoir un mort. A eux trois, ils parviennent avec une intensité toujours plus rigoureuse à nous interpeller dans leur psychose en chute libre, quand bien même la révélation du twist final nous arrache les larmes pour aborder avec une grande sensibilité l'acceptation de la mort et la quiétude du repos éternel quelque soit l'endroit élu (ici la maison mère, incarnation identitaire des propriétaires).


Poème élégiaque sur le consentement du deuil et la perte de l'être cher, métaphore sur le traumatisme de la guerre, réflexion spirituelle sur la foi et l'illusion de la réalité (la vie n'est qu'un long rêve dont la mort nous réveille !), Les Autres aborde la peur de l'inconnu (du point de vue de fantômes errants) avec une sensibilité inconsolable (le point d'orgue m'a autant effondré que perturbé malgré la dignité de son message mystique). Tout le fondement de ce récit n'étant au final qu'un dérivatif, une délivrance à accepter la fragilité de l'existence intimement liée à la destinée morbide d'un questionnement existentiel avec l'au-delà.  

Bruno Matéï
4èx

Récompenses:
Festival international du film de Flandres 2001.
Prix du meilleur film d'horreur, meilleure actrice pour Nicole Kidman, meilleur second rôle féminin pour Fionnula Flanagan, par l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur en 2002.
Prix du meilleur réalisateur, meilleur scénario et meilleure photographie, lors des Cinema Writers Circle Awards 2002.
Prix Goya du meilleur film, du meilleur réalisateur, du meilleur scénario original, de la meilleure photographie, du meilleur montage, des meilleurs décors et du meilleur son (Ricardo Steinberg, Tim Cavagin, Alfonso Raposo, Daniel Goldstein) en 2002.
Actrice de l'année pour Nicole Kidman, lors des London Critics Circle Film Awards 2002.
Saturn Award pour Nicole Kidman.

mardi 25 août 2015

DIE HARD 4: RETOUR EN ENFER

                                             
                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site instantcritique.com

"Live Free or Die Hard" de Len Wiseman. 2007. U.S.A. 2h08. Avec Justin Long, Timothy Olyphant, Cliff Curtis, Maggie Q, Mary Elisabeth Winstead, Jonathan Sadowski, Kevin Smith, Cyril Raffaelli.

Sortie salles France: 4 Juillet 2007. U.S: 21 Juin 2007

FILMOGRAPHIE: Len Wiseman (Len Ryan Wiseman) est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 4 Mars 1973 à Fremont, Californie, Etats-Unis.
2003: Underworld. 2006: Underworld 2: Evolution. 2007: Die Hard 4. 2012: Total Recall: Mémoires Programmées.

                                              

Douze ans après Une Journée en Enfer, John McClane renoue ses exploits dans Die Hard 4 sous la direction de Len Wiseman, cinéaste reconnu pour ces deux premiers métrages, Underworld 1 et 2. Avec l'aide d'un jeune Hacker, McClane doit à nouveau déjouer le complot terroriste d'un ancien agent des services secrets délibéré à prendre sa revanche depuis son éviction injustifiée. Epaulé d'experts en informatique, Thomas Gabriel cible le réseau informatique national contrôlant les communications, les transports et l'énergie des Etats-Unis. Son but: plonger l'Amérique dans le chaos et en profiter pour lui soutirer des milliards de dollars.

                                           

A partir de ce pitch pointant du doigt les technologies innovantes de l'informatique et ses moyens de communications exploités à des fins terroristes, Len Wiseman compte essentiellement sur la surenchère de morceaux de bravoure étourdissants de réalisme. Bien évidemment, et depuis l'ère triviale du numérique exploitant à tout va une action outre-mesure, l'intensité des situations périlleuses s'avère parfois invraisemblable à force d'esbroufe ostentatoire. Toutefois, grâce à l'inventivité d'une action vertigineuse et de sa virtuosité technique, ses séquences anthologiques parviennent malgré tout à travestir les exploits pyrotechniques dans le domaine du crédible. Niveau action disproportionnée, nous sommes donc épatés par cette démonstration de force récurrente dont le clou du spectacle culmine avec une poursuite en camion à couper le souffle. Pour le reste, il faut avouer que l'intrigue dénuée de surprises patine à mi-parcours pour le règlement de compte (tiré par les cheveux !) alloué entre les deux rivaux (McClane ayant supprimé la compagne de Gabriel, ce dernier décide donc de s'en prendre à sa fille pour se venger). Ce jeu du chat et de la souris, ce "cours après moi que je t'attrape", Len Wiseman nous le livre de manière orthodoxe dans son suspense éventé dénué d'intensité, et ce malgré l'efficacité de la réalisation. Quand bien même la stature cabotine de Timothy Olyphant (car jouant trop sur l'expression révulsée !) est très loin d'égaler les prestations antagonistes iconisées dans les opus de John McTiernan. Pire encore, l'identité emblématique du héros moderne de John McClane s'est ici évaporée, Bruce Willis faisant office de surhomme sclérosé dans sa caractérisation austère où les répliques ironiques tombent ici à plat. On regrette alors de ne plus retrouver cette "cool attitude" si chère au personnage aguerri où l'arrogance fougueuse et son sens de dérision étaient en harmonie. Epaulé du jeune Justing Long en hacker retors et débrouillard, ce nouveau duo opposant le choc des générations s'avère néanmoins attachant dans leur cohésion aussi pugnace que suicidaire.

                                        

Avec indulgence et grâce au caractère réellement jouissif de son action épique, Die Hard 4 parvient in extremis à distraire avec le savoir-faire technique d'une réalisation soignée et l'efficacité timorée d'une intrigue débridée (plier les USA à genou par le biais de l'informatique !). Quant aux inconditionnels du personnage archétypal de John McClane créé par Mc Tiernan, ils risquent de faire grise mine pour la caricature semi-parodique que Bruce Willis insuffle avec une locution sévère. 

Les autres opus de la saga:
Piège de Cristal: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/piege-de-cristal.html
58 Minutes pour vivre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/…/58-minutes-pour-vivre.html
Une Journée en Enfer: http://brunomatei.blogspot.fr/…/08/une-journee-en-enfer.html

Bruno Matéï
2èx


lundi 24 août 2015

58 MINUTES POUR VIVRE

                                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site dpstream.net

"Die Hard 2" de Renny Harlin. 1990. U.S.A. 2h04. Avec Bruce Willis, Bonnie Bedelia, William Atherton, Franco Nero, William Sadler, John Amos, Dennis Franz, Art Evans.

Sortie salles France: 3 Octobre 1990. U.S: 4 Juillet 1990

FILMOGRAPHIE: Renny Harlin est un réalisateur et producteur américain d'origine finlandaise, né le 15 Mars 1959 à Riihimäki (Finlande).
1986: Born American. 1988: Prison. 1988: Le Cauchemar de Freddy. 1990: 58 Minutes pour vivre. 1990: The Adventures of Ford Fairlane. 1993: Cliffhanger. 1995: L'île aux Pirates. 1996: Au revoir à jamais. 1999: Peur Bleue. 2001: Driven. 2004: Profession Profiler. 2004: L'Exorciste, au commencement. 2006: Le Pacte du Sang. 2008: Cleaner. 2009: 12 Rounds. 2011: Etat de Guerre. 2013: Dvatlov Pass Incident. 2014: La Légende d'Hercule.


Second volet de la célèbre franchise initiée en 1988, 58 Minutes pour vivre revient deux ans plus tard sous l'égide du cinéaste inégal Renny Harlin. Si ce dernier peine à retrouver la virtuosité de John Mc Tiernan pour l'élaboration des séquences d'action, sa structure narrative et la rigueur du montage, on peut malgré tout vanter son savoir-faire à avoir su façonner une grosse série B d'action, de par le caractère trépidant de son rythme explosif. Cette fois-ci, John McClane doit déjouer la menace de terroristes délibérés à faire évader un trafiquant de drogue, le général Ramon Esperanza, juste après que ce dernier doit atterrir sur l'aéroport de Washington-Dulles. Avec leur logistique et leur hiérarchie militaire, ils parviennent à couper toutes communication avec la tour de contrôle contraignant chaque avion de rester en vol jusqu'à épuisement du carburant. Alors que la police et l'armée sont dépêchés sur les lieux pour tenter de compromettre leur projet, McClane, se résout individuellement à trouver une solution depuis que les terroristes ont mis à exécution leur première menace. 



Combinant à nouveau les codes du film d'action avec ceux du cinéma catastrophe, Renny Harlin peine à diluer un suspense haletant autour du sort précaire de quelques avions contraints de survoler les airs depuis la prise d'otage d'une piste d'atterrissage épargnée de signalisation. Et pour épicer la situation singulière, d'y introduire à bord d'une des embarcations l'épouse de McClane accompagnée d'un journaliste mégalo tête à claque (celui du 1er volet !). Et question humour, là aussi le film pâti d'un certain manque d'originalité pour les quelques répliques échangées (comme celles de McClane avec le Capitaine Lorenzo) alors que la caricature impartie aux antagonistes n'évite pas non plus le stéréotype. Néanmoins, avec l'efficace habileté d'une série de rebondissements et subterfuges, et la vélocité de McClane, 58 minutes pour vivre insuffle une indéniable sympathie pour sa stature ludique de spectacle bourrin ! Et bien que Bruce Willis s'avère ici moins habilement exploité dans sa fonction ironique de héros stoïque, il parvient tout de même à s'y impliquer spontanément dans ses risques alloués aux bravoures de dernier ressort.


Malgré le manque de maîtrise de sa réalisation perfectible, à l'instar de quelques moments d'action maladroitement découpées, 58 minutes pour vivre tire-parti de son attrait ludique par l'efficacité d'une intrigue échevelée multipliant sans modération les morceaux de bravoure. Au final, grâce à sa vigueur démonstrative et la bonhomie de ses têtes d'affiche (notamment quelques seconds-rôles plaisantins), on ne s'ennuie jamais de cet excellent spectacle de samedi soir !

Focus sur les autres opus:
Piège de Cristal: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/piege-de-cristal.html
Une Journée en Enfer: http://brunomatei.blogspot.fr/…/08/une-journee-en-enfer.html

Bruno Matéï
4èx

vendredi 21 août 2015

PIEGE DE CRISTAL

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site bryanonion.com

"Die Hard" de John Mc Tiernan. 1988. U.S.A. 2h12. Avec Bruce Willis, Alan Rickman, Alexander Godunov, Bonnie Bedelia, Reginald VelJohnson, Paul Gleason, De'voreaux White, William Atherton, Hart Bochner.

Sortie salles France: 21 Septembre 1988. U.S: 22 Juillet 1988

FILMOGRAPHIE
: John McTiernan est un réalisateur et producteur américain, né le 8 janvier 1951 à Albany à New-York. 1986: Nomads. 1987: Predator. 1988: Piège de Cristal. 1990: A la Poursuite d'Octobre Rouge. 1992: Medicine Man. 1993: Last Action Hero. 1995: Une Journée en Enfer. 1999: Le 13è Guerrier. 1999: Thomas Crown. 2002: Rollerball. 2003: Basic. 2015: Red Squad.


Modèle de suspense et d'efficacité au sein du cinéma d'action, Piège de Cristal renouvela le genre à la fin des années 80 par le biais d'un réalisateur surdoué (un an au préalable, il triomphait déjà avec son second film, Predator), quand bien même Bruce Willis accéda à la consécration du public pour son rôle aguerri d'héros seul contre tous. Un groupe de faux terroristes prennent en otage les hôtes d'une réception en interne d'un gratte ciel afin de décoder un coffre fort contenant 640 millions de dollars. Au même moment, le lieutenant John McLane confiné dans une salle de bain entend les coups de feu de sommation du leader allemand Hans Gruber. Délibéré à se cloisonner, McLane va tenter avec bravoure suicidaire de déjouer l'ambitieux projet des cambrioleurs. Plaçant le cadre de son action dans le huis-clos d'un gigantesque immeuble d'une trentaine d'étages, dédale de tous les dangers pour notre héros sans repère, John McTiernan l'exploite avec une inventivité constante pour ses déplacements imposés, ce dernier étant contraint de s'isoler dans les endroits les plus restreints (cage d'ascenseur, conduit d'aération, combles du plafond) avant de canarder les terroristes frayant son chemin. 


Dans la peau du flic arrogant infatigable coursant ses adversaires à pied nu et en "marcel", Bruce Willis iconise son personnage avec un charisme hargneux dénué de prétention sachant que l'acteur ne cesse de se railler de lui même dans sa situation désespérée d'intrus malgré lui ! Bourré de répliques cocasses échangées entre lui et ses ravisseurs, Piège de Cristal alterne action, humour et catastrophe (à l'instar de son final en apothéose rappelant l'anthologique Tour Infernale !) avec un sens du suspense vertigineux. De par l'habileté dont le cinéaste charpente son intrigue, la précision accordé au sens du découpage et la tension omniprésente qu'insuffle ce contexte de siège. En prime, pour épicer les caractérisations humaines, quelques seconds-rôles tantôt sournois, cupides ou obtus (un journaliste en mal de notoriété, un otage transfuge, un adjoint de police condescendant) viennent bouleverser la situation avec irresponsabilité. Outre la trempe antipathique de ces derniers, Piège de Cristal sait également se montrer altruiste lorsque McLean sympathise avec un sergent de police (un afro-américain ventripotent au coeur tendre) pour lui dévoiler des infos sur le blocus tout en lui révélant le nombre de morts qu'il eut pu supprimer chez les terroristes. Enfin, une pointe de romance est impartie à ces efforts lorsqu'il doit préserver la vie de sa propre épouse prise en otage, cette dernière tentant fébrilement de masquer son identité aux yeux des assaillants. Bourré de situations et revirements imprévues, à l'instar de la police réunie en masse autour de l'immeuble et tentant d'y pénétrer quand bien même les terroristes ripostent sans modération, Piège de Cristal attise le danger omniprésent parmi l'appui de notre redresseur de tort en prise aux subterfuges et stratégies d'affront pour la survie des otages. 


Au rythme d'une bande-son haletante, Piège de Cristal renouvelle le cinéma d'action sous l'autorité d'une réalisation virtuose exploitant à merveille les espaces restreints de l'empire de cristal, quand bien même le duo impétueux formé par Bruce Willis et Alan Rickman se provoque avec une impudence jouissive ! Un chef-d'oeuvre du genre n'ayant rien perdu de son souffle épique dans ses explosions et canardages sans compter l'attrait émotionnel d'une intrigue fertile en incidents arbitraires !  

58 Minutes pour vivre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/…/58-minutes-pour-vivre.html
Une Journée en Enfer: http://brunomatei.blogspot.fr/…/08/une-journee-en-enfer.html


Bruno Matéï
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jeudi 20 août 2015

UNE JOURNEE EN ENFER

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

"Die Hard with a vengeance" de John Mc Tiernan. 1995. U.S.A. 2h08. Avec Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Jeremy Irons, Graham Greene, Colleen Camp, Larry Bryggman, Anthony Peck, Nick Wyman.

Sortie salles France: 2 Août 1995. U.S: 19 Mai 1995

FILMOGRAPHIE: John McTiernan est un réalisateur et producteur américain, né le 8 janvier 1951 à Albany à New-York. 1986: Nomads. 1987: Predator. 1988: Piège de Cristal. 1990: A la Poursuite d'Octobre Rouge. 1992: Medicine Man. 1993: Last Action Hero. 1995: Une Journée en Enfer. 1999: Le 13è Guerrier. 1999: Thomas Crown. 2002: Rollerball. 2003: Basic. 2015: Red Squad. 


Cinq ans après 58 minutes pour vivreJohn McTiernan reprend les commandes de la saga pour transcender une suite aussi digne que son modèle ! Concentré d'action, d'humour et de suspense sur fond de scénario catastrophe imparti au thème du terrorisme, Une Journée en Enfer est également la réunion de deux vétérans en la matière, Bruce Willis et Samuel L. Jackson. Nos deux cabotins formant avec complicité impayable (répliques incisives à l'appui !) un couple de héros à perdre haleine pour leur course intrépide engagée à travers les rues de New-York afin de déjouer le prochain attentat du terroriste Peter Krieg (Jeremy Irons, épatant de fourberie dans son modeste narcissisme !). Ce leader allemand (le frère du franc-tireur du 1er volet !) s'est investi par esprit de vengeance de se payer la tête de Mc Lean en lui assignant un jeu de devinettes. Un défi morbide que nos deux héros vont devoir relever dans un enjeu de survie afin de débusquer l'origine de la bombe et son potentiel désamorçage avant la fatale explosion.


Course effrénée contre la montre, Mc Lean et son co-équipier noir Zeus Carver sont donc contraints de se soumettre à ce chantage sardonique afin d'épargner la vie de centaines d'innocents. Spoil ! Mais toute cette mise en scène savamment planifiée autour d'un métro et d'une école n'était finalement qu'un leurre, un subterfuge afin que Krieg et son armée puissent dévaliser l'or de la réserve fédérale de New-York ! Fin du Spoil ! Cet hold-up du siècle renfermant des milliards de dollars, John McTiernan le transcende parmi l'audace d'un terroriste utopiste et la perspicacité de nos héros à bout de course. Jubilatoire dans son suspense à couper au rasoir et ses revirements homériques impromptus, le cinéaste se permet en outre de nous offrir une leçon de mise en scène par le biais d'un savoir-faire technique millimétré. Avec son intrigue alerte taillée sur mesure et la complicité pugnace de nos héros en roue libre, une Journée en Enfer décuple son intensité émotionnelle par le biais d'un montage nerveux enchaînant parfois en même temps deux situations alertes (la tentative policière de désamorçage d'une bombe infiltrée dans une école au moment même où nos héros s'efforcent de poursuivre les meurtriers en cavale). Les séquences intermittentes d'action et de catastrophe s'avérant d'autant plus vraisemblables et justifiées sous l'impulsion intraitable de terroristes et héros se défiant ironiquement l'autorité. Le réalisme imparti aux bravoures, la rigueur du montage et le sens inventif des cadrages (le prologue explosif en plein centre urbain, l'altercation sanglante dans l'ascenseur, la course-poursuite de véhicules entamée sous une pluie battante !) décuplant l'aspect addictif d'un jeu du chat et de la souris opposé entre bons et méchants.


Fun, drôle, trépidant, spectaculaire et jubilatoire, Une Journée en Enfer relève le défi d'égaler son modèle par le biais d'une leçon de mise en scène à inculquer dans les écoles et par la complicité de deux héros sévèrement raillés dans leur épreuve de survie. Pour le genre si improbable et fantaisiste du cinéma d'action en quête d'esbroufe souvent gratuite, le terme "chef-d'oeuvre" reprend ici tout son sens sous la caméra circonspecte d'un maître non dupe de dérision.  

Piège de Cristal: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/piege-de-cristal.html
58 Minutes pour vivre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/…/58-minutes-pour-vivre.html


Bruno Matéï
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mercredi 19 août 2015

BAD LIEUTENANT

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

d'Abel Ferrara. 1992. U.S.A. 1h36. Avec Harvey Keitel, Frankie Thorn, Victor Argo, Paul Calderon, Leonard L. Thomas, Zoë Lund, Jaime Sanchez, Peggy Gormley.

Sortie salles France: 10 Mars 1993. U.S: 20 Novembre 1992

FILMOGRAPHIE: Abel Ferrara est un réalisateur et scénariste américain né le 19 Juillet 1951 dans le Bronx, New-York. Il est parfois crédité sous le pseudo Jimmy Boy L ou Jimmy Laine.
1976: Nine Lives of a Wet Pussy (Jimmy Boy L). 1979: Driller Killer. 1981: l'Ange de la Vengeance. 1984: New-York, 2h du matin. 1987: China Girl. 1989: Cat Chaser. 1990: The King of New-York. 1992: Bad Lieutenant. 1993: Body Snatchers. Snake Eyes. 1995: The Addiction. 1996: Nos Funérailles. 1997: The Blackout. 1998: New Rose Hotel. 2001: Christmas. 2005: Mary. 2007: Go go Tales. 2008: Chelsea on the Rocks. 2009: Napoli, Napoli, Napoli. 2010: Mulberry St. 2011: 4:44 - Last Day on Earth. 2014: Welcome to New-York. 2014: Pasolini.


Témoignage édifiant sur la déliquescence morale un flic ripoux et sur l'avilissement de sa toxicomanie (drogue et alcool compris !), Bad Lieutenant est une descente aux enfers qu'Abel Ferrara filme au plus près des tourments de son personnage autodestructeur. Filmé à la manière d'un reportage en plein coeur des cités marginales new-yorkaises, son hyper réalisme s'avère d'autant plus rigoureux avec l'appui des comédiens poussant le vice jusqu'à l'extrême puisque véritablement shootés devant la caméra d'un Ferrara complice. 


Immersif, viscéral, glauque, étouffant, sensitif, Bad Lieutenant insuffle le malaise pour ausculter l'introspection licencieuse d'un lieutenant condamné à répéter les mêmes gestes de routine pour son accoutumance à la came, l'alcool et l'argent. Une posture davantage dépravée afin de fuir une réalité trop véreuse dans son lot quotidien de faits divers criminels et de délinquances mineures sans repères. Sa dérive vers le néant n'étant que les conséquences de ses excès toxicomanes, son goût pour les paris d'argent et son parti-pris libertaire à souiller l'honneur de son insigne jusqu'à concrétiser ses fantasmes pervers (son chantage sexuel imparti à deux jeunes fêtardes durant un contrôle routier). Avec une rare intensité émotionnelle, Ferrara filme les séquences de défonce à la manière d'un documentaire hardcore que n'aurait pas renié la chaîne allemande Arte. Les shoots à la seringue pénétrant dans les veines avec un réalisme chirurgical quand bien même le décorum restreint d'appartement délabré participe au climat putassier de l'environnement insalubre ! De par sa crudité abrupte et le jeu halluciné d'Harvey Keitel véritablement transi par sa déchéance humaine, le malaise éprouvé durant son cheminement existentiel inspire nausée mais aussi pitié lorsque ce dernier tente in extremis de trouver la rédemption auprès de Dieu. Subitement épris d'empathie pour le viol d'une nonne qui aura décidé d'invoquer le pardon à ses agresseurs (deux jeunes mineurs issus de quartier miséreux), le lieutenant l'incite dans un revers de conscience à déposer plainte. La puissance du film émanant également de son idéologie catholique, de ses remords éprouvés, de sa décision d'affronter sa culpabilité pour finalement se confesser à Dieu et qui, dans un ultime acte salvateur, décide d'alpaguer ces deux violeurs afin de se racheter une conduite. 


Réflexion sur le pardon, la rédemption spirituelle et l'influence perverse du Mal, cri d'alarme sur les ravages de la toxicomanie, Bad Lieutenant est un uppercut émotionnel d'une intensité crapuleuse aussi dérangeante que malsaine lorsque Harvey Keitel se met à nu devant la caméra expérimentale d'un Ferrara aussi torturé par ses vieux démons. 

A Zoë Lund...

Bruno Matéï
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mardi 18 août 2015

JACKIE BROWN

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site fontsinuse.com

de Quentin Tarantino. 1997. U.S.A. 2h34. Avec Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert Foster, Robert De Niro, Bridget Fonda, Mickael Keaton, Michael Bowen, Chris Tucker, Lisa Gay Hamilton, Sid Haig, Hattie Winston, Tom Lister, Quentin Tarantino, Denise Crosby, Helmut Berger.

Sortie salles France: 1er Avril 1998. U.S: 25 Décembre 1997

FILMOGRAPHIE: Quentin (Jérome)Tarantino est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 27 Mars 1963 à Knoxville dans le Tennessee.
1992: Réservoir Dogs. 1994: Pulp Fiction. 1995: Groom Service (segment: The Man from Hollywood). 1997: Jackie Brown. 2003: Kill Bill 1. 2004: Kill Bill 2. 2007: Boulevard de la Mort. 2009: Inglorious Basterds. 2012: Django Unchained. 2015: The Hateful Eight.


Hommage à la Blaxploitation et déclaration d'amour à son égérie féminine, Pam GrierJackie Brown emprunte un roman d'Elmore Leonard, Punch Creole, afin de célébrer le complot d'une hôtesse de l'air prise à parti avec la police et un trafiquant d'armes pour lequel elle intervient en tant que passeuse de monnaie. Par l'entremise d'un tour de passe-passe avec des sacs et avec l'aide d'un prêteur sur gages, elle décide de s'emparer de 550 000 dollars sous la surveillance discrète de la police délibérée à coincer son mentor, le gangster Ordell Robbie. Trois ans après la consécration de Pulp FictionQuentin Tarantino continue de surfer sur le polar dans une démarche de suspense policier et de mettre sur piédestal une anti-héroïne au passé galvaudé cette fois-ci déterminée à prendre sa revanche sur sa médiocre existence. Comme de coutume, Tarantino rassemble autour de son intrigue un florilège de stars notoires pour mettre en exergue des numéros d'acteur à la verve infatigable. 


Que ce soit De Niro pour son numéro parodique de braqueur de banque en beauf semi-retraité, Bridget Fonda dans sa fonction railleuse de garce arrogante ou Samuel L. Jackson interprétant avec cynisme un trafiquant d'armes sournois dans ses accès de rancoeur meurtrière. Mais la palme du duo le plus proéminent revient à Pam Grier, l'actrice en second souffle endossant avec flegme couillu une hôtesse de l'air apte à duper ses adversaires, quand bien même Robert Foster (l'inoubliable interprète de Vigilante de Lustig) lui partage la vedette dans celui du prêteur de caution, un quinquagénaire subitement amoureux de cette récidiviste malmenée. Au rythme d'une BO entraînante enchaînant sans modération les plus beaux tubes de Soul-Music, et parmi la stylisation d'une réalisation toujours aussi épurée, Quentin Tarantino bâti une intrigue charpentée autour d'une conjuration retorse que mène Jacky pour parfaire son dessein et piéger à son tour une police perfide. Outre l'aspect stimulant de ce complot de longue haleine non dénué d'humour et de rebondissements caustiques pour ses éclairs de violence réaliste, l'intensité émotionnelle qui s'y dégage est largement impartie à la spontanéité flamboyante des comédiens en roue libre superbement dessinés dans leur étude caractérielle. Notamment l'intérêt que porte son auteur au thème de la vieillesse qu'il aborde avec tendresse sous l'impulsion romantique de Jackie et Max. C'est ce que laisse transparaître la sous-intrigue, une histoire d'amour forte et mature allouée au couple véreux de quinquagénaires. Par le biais de leur rapport timoré, voir hésitant, mais par l'alchimie de leurs sentiments qu'ils partagent implicitement, Jackie Brown bouleverse les coeurs au sens noble du terme. Le film abordant l'amour et la vieillesse avec la considération de ces seniors en quête de rédemption mais finalement incapables de s'autoriser une seconde chance par crainte de l'engagement et de l'échec. Le film se clôturant sur leur amertume d'un destin infortuné quand bien même l'usure du temps s'étiole un peu plus entre leurs mains. 


En dépit de son brio technique inébranlable, de la fougue faconde des comédiens et de l'aspect roublard de son intrigue, Quentin Tarantino livre peut-être avec Jackie Brown son oeuvre la plus intimiste et émouvante afin de sacraliser la Blaxploitation parmi l'icone de deux anciens vétérans du cinéma Bis, Pam Grier et Robert Foster. Un grand moment de cinéma d'une maturité beaucoup plus sensible et profonde qu'elle n'y parait !

Bruno Matéï
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lundi 17 août 2015

SPLICE

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Vincenzo Natali. 2009. U.S.A/France/Canada. 1h47. Avec Adrien Brody, Sarah Polley, David Hewlett, Delphine Chanéac, Brandon McGibbon, Simona Maicanescu.

Sortie salles France: 30 Juin 2010. U.S: 4 Juin 2010

FILMOGRAPHIE: Vincenzo Natali est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 6 Janvier 1969 à Détroit, Michigan. 1997: Cube. 2002: Cypher. 2003: Nothing. 2009: Splice. 2013: Haunter.


Mise en garde contre les manipulations génétiques à des fins médicales, Splice empreinte ce thème d'anticipation pour façonner une série B efficace malgré le caractère prévisible du scénario. Afin de favoriser la recherche médicamenteuse, un couple de chercheurs a décidé de jouer aux apprentis-sorciers en combinant l'ADN humain avec celui de divers animaux. Il en résulte une créature hybride mi-humaine, mi-animale que le duo décide de planquer dans la grange de leur foyer. Prénommé Dren, cette dernière adopte un comportement toujours plus agressif depuis sa claustration, quand bien même les rapports du couple de scientifiques s'avèrent houleux face à leur situation devenue ingérable. 


Sous couvert de science-fiction alarmiste, le réalisateur de Cube exploite le mythe du savant fou sous l'impulsion d'un suspense soutenu quant à l'évolution morale (et physique) de la créature. Par le biais d'effets spéciaux très réussis, Splice insuffle un indéniable pouvoir de fascination pour son apparence immaculée nantie d'un regard sensuel aussi trouble que magnétique. Le réalisateur accordant notamment avec soin documenté de dépeindre les diverses étapes de sa transformation, de sa gestation à sa maturité. Outre l'aspect attractif de cette découverte révolutionnaire tenant lieu de situations tantôt tendres, tantôt cocasses, l'intrigue met en parallèle les rapports équivoques du couple de chercheurs bravant les lois pour parfaire leur intérêt personnel (la quête de célébrité) et médicale (notamment afin de créer un vaccin contre Alzheimer). De leurs expériences frauduleuses émanent un comportement malsain bâti sur le mensonge, la trahison et même l'adultère lorsque la sexualité commence à susciter chez l'un d'eux un désir irrépressible d'expérience nouvelle avec l'autre. Par leur autorité contradictoire dénuée de repère dans leur éthique du Bien et du Mal, et l'attitude toujours plus farouche de Dren, une tension palpable commence à s'irriguer autour d'eux, quand bien même le spectateur, conscient de leur tardive prise de conscience, redoute une issue dramatique. Sans véritable surprise quant au cheminement narratif prévisible, Splice n'en demeure pas moins captivant, de par le caractère attachant des amants en perdition (Adrien Brody et Sarah Polley provoquent une réelle empathie dans leurs accès de remords et quête désespérée de rédemption) et l'aspect onirique d'une créature en mutation progressive (nouvelle icone cinégénique du bestiaire fantastique).


Sans révolutionner le genre mais avec sincérité de le respecter, Splice parvient surtout à générer suspense et tendresse autour des agissements véreux du trio maudit, que ce soit au niveau de leur amour maternel ou de la montée progressive du danger engendrant le ressort du sacrifice. Outre l'alchimie romantique du duo de comédiens se disputant la vedette avec intensité, le film cultive un sens de l'émerveillement en la présence androgyne de Dren, victime hybride enfantée par le genre humain.

Bruno Matéï
2èx 
(17.08.15 / 02.11.10 - 70v)

samedi 15 août 2015

L'HOMME QUI VENAIT D'AILLEURS

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site blogs.rue89.nouvelobs.com

"The Man Who Fell to Earth" de Nicolas Roeg. 1976. Angleterre. 2h19. Avec David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry, Bernie Casey, Jackson D. Kane.

Sortie salles France: 6 Juillet 1977. U.S: 28 Mai 1976

FILMOGRAPHIE: Nicolas Roeg est un réalisateur anglais et directeur de photo, né le 15 Août 1928 à Londres. 1970: Performance. 1971: La Randonnée. 1973: Ne vous retournez pas. 1976: l'Homme qui venait d'ailleurs. 1980: Enquête sur une passion. 1984: Eureka, 1985: Insignificance. 1986: Castaway. 1988: Track 29. 1990: Les Sorcières. 1991: Cold Heaven. 1995: Two Deaths. 2007: Puffball.


                          Une chronique exclusive de Audrey Jeamart (http://scopophilia.fr/)

À l’opposé de son titre français laconique, ou anglais (« The man who fell to earth ») factuel, le quatrième film du britannique Nicolas Roeg est une œuvre complexe, sinueuse, d’une circonvolution confinant au vertige. Tenter de la résumer serait, plus qu’une gageure, une erreur, tant l’on savait bien avant X-Files que la vérité est ailleurs. Son intrigue, dévoilée par bribes, part d’une base linéaire et relativement sommaire (un extra-terrestre ayant pour mission de trouver un moyen d’acheminer de l’eau sur sa planète, où se meurent sa femme et ses deux enfants), mais emprunte constamment des chemins de traverse qui la rendent finalement accessoire et font du film, saturé d’ellipses et de soubresauts, une œuvre aussi décontenançante que fascinante.

Si la trame du film, dans sa globalité, suit bien une ligne chronologique, Roeg brouille constamment les repères et se montre peu avare en ellipses. On reste également interdits devant l’étrangeté et la beauté de ses montages alternés, dont le sens peu ou prou nous échappe. À nous de reconstituer, déduire, supposer, sans jamais acquérir de certitude. Tout comme la trajectoire du personnage, la narration du film se caractérise par un certain flottement, entre détours et raccourcis. Les motivations même du héros semblent floues, ses réactions parfois incohérentes. Sans plus d’explications, il nous faut accepter que Thomas Jerome Newton, qui vient tout juste d’arriver sur Terre, et après avoir simplement eu le temps de vendre son alliance, se retrouve assis dans le salon d’un avocat spécialisé dans les brevets (d’où découlera l’entreprise qui le rendra riche, mais dans quel but ?), qu’il s’établisse, en dépit de sa fortune, dans une chambre d’hôtel peu cossue où il accumulera les postes de télévision (abrutissement délibéré ou volonté d’engranger en peu de temps l’ensemble des us et coutumes humains ?), qu’il s’installe avec Mary-Lou, la femme qu’il y a rencontrée, dans une maison isolée, pour finalement ne se sentir bien nulle part.


De ce désordre apparent naît le vertige. Vertige d’une narration heurtée, ponctuée de cul-de-sac, traversée de réminiscences-visions de cet ailleurs (des étendues blanches et désertiques, et trois êtres aux yeux jaunes vêtus d’étranges combinaisons : souvenirs, visualisations mentales en temps réel ou espoirs futurs matérialisés, on ne saurait vraiment dire) dont on ignore au fond si le héros souhaite vraiment le retrouver. Vertige de la quête qui se délite progressivement (a-t-elle seulement existé ?), se désagrège comme une navette qui exploserait en entrant dans l’atmosphère. Car il apparaît de plus en plus évident que ce qui pouvait s’apparenter au départ à une mission des plus essentielles (retrouver sa famille et la sauver) n’est en fait qu’une errance. Celle d’un être qui s’invente un but sans être lui-même convaincu de son importance, qui bâtit un empire et devient millionnaire pour tout abandonner et finir reclus (d’abord volontairement, puis contre son gré, mais au fond, cela fait-il une différence ?). Qu’importe d’où il vienne (ni où il va), Thomas Jerome Newton est surtout dévasté par le nihilisme.

Difficile alors de ne pas voir le film de Roeg comme une allégorie de la chute originelle. Thomas Jerome Newton n’est-il pas celui qui littéralement « tombe sur la Terre » ? Dans leur dénuement, leur ascétisme serein, les visions de sa planète d’origine ne reflètent-elles pas une sorte de paradis perdu, où seul compte le bonheur d’être ensemble et de mener une vie simple ? Troublant également est ce plan de Tommy et Mary-Lou (qui interprète également sa femme extraterrestre), cet homme et cette femme, nus, qui se regardent, puis nous regardent, nimbés d’un voile vaporeux.

L’espoir d’un retour à l’âge d’or s’incarnerait alors dans cette mission de sauvetage familial, ni plus ni moins qu’une illusion destinée à amortir la chute, dont Tommy devient le symbole errant. Une fois identifiée comme un leurre, cette quête fait de Tommy un homme tout ce qu’il y a de plus ordinaire. Un homme s’inventant un personnage. D’extraterrestre, en l’occurrence. Et c’est là que le choix de David Bowie (pour qui Roeg a conçu l’adaptation du roman de Walter Stone Tevis), d’emblée évident sans que l’on puisse au premier abord avancer une raison autre que son magnétisme et l’atypisme de sa silhouette frêle, de ses yeux vairons et de ses cheveux orange, prend tout son sens.


Qui d’autre pouvait mieux incarner Thomas Jerome Newton (nom ternaire comme celui de David Robert Jones) qu’un musicien qui semblait lui-même venu d’ailleurs et s’était toujours inventé des personnages, dont le plus connu, Ziggy Stardust, créé en 1972 (le film a été tourné en 1975), n’est autre qu’un messager d’une intelligence extraterrestre ? En 1969, Space Oddity, inspiré par sa fascination pour 2001 L’Odyssée de l’espace de Kubrick, raconte déjà l’errance, spatiale, du Major Tom, dont on apprendra quelques dix années plus tard, dans Ashes to Ashes, qu’il n’était qu’un junkie, et que l’astronaute était donc un personnage.

La figure de l’extraterrestre n’est pas innocente en ce sens que les termes « alien » et « aliénation », cette idée de dépossession de ce qui fait l’essence d’un être, proviennent du même mot latin. L’alien éprouvant des difficultés à s’intégrer n’est autre qu’un être aliéné qui traverse l’existence à la recherche, comme à tâtons, d’une complétude se dérobant sans cesse devant lui. Sans raison de vivre (l’autodestruction, par l’alcool, ou en tant qu’idée, comme avec ce pistolet intervenant dans les jeux érotiques de Tommy et Mary-Lou, parcourt le film entier), l’homme vit dans l’illusion de grands projets qui ne font que masquer le vide qui l’accable. C’est ce qui rend L’Homme qui venait d’ailleurs si mélancolique, si tragique, au fond.


Et comme les correspondances à l’œuvre dans le film n’en finissent plus et donnent elles aussi le vertige, la légende raconte que Bowie était sous l’emprise de substances pendant toute la durée du tournage. Qu’importe. Peu nous intéresse, au final, de savoir si cet air détaché, ce faciès quasiment imperturbable traversé par quelques sourires et mimiques ironiques d’autant plus saisissants qu’ils sont rares, découlent d’une volonté de jeu d’acteur ou d’un état second. Il est surtout troublant de superposer l’altérité manifeste à la fois de l’acteur, et du personnage. « Just being me as I was was perfectly adequate for the role. I wasn’t of this earth at that particular time », avait-il déclaré.

Au terme de cette déambulation chaotique, c’est par la création artistique que Tommy (qui tel Dorian Gray ne prend pas une ride, quand tous les autres personnages sont devenus vieux) se reconnecte à sa quête. On découvre en effet qu’il a composé un album (que sa femme entendra peut-être de là où elle est, nous suggère-t-on) sous le nom de The Visitor. Quelques années, plus tard, ce seront des portraits de Bowie tirés du film qui orneront les pochettes des albums Station to Station et Low (sur lequel figurent certains morceaux écrits pour la bande originale du film, mais qui ne furent pas utilisés).

En dépit de sa complexité, de sa continuité malmenée ne facilitant pas la compréhension immédiate et nous laissant parfois hagards, L’Homme qui venait d’ailleurs est d’une beauté confondante. D’une poésie rare, lancinante, profondément mélancolique. On demeure fasciné devant la trajectoire de cet homme qui se prend parfois à rêver et s’invente, échappatoire illusoire aux tourments qu’il tente de contourner, de sublimer, une seconde peau qui ne remplacera jamais vraiment la première, et devient le sublime et fragile écrin métaphorique de la difficulté de vivre et de s’adapter.

Audrey Jeamart (http://scopophilia.fr/)

vendredi 14 août 2015

PLANET TERROR

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site planetterror.wikia.com

de Robert Rodriguez. 2007. U.S.A. 1h45. Avec Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Marley Shelton,
Josh Brolin, Naveen Andrews, Michael Biehn, Stacy « Fergie » Ferguson, Michael Parks, Tom Savini, Jeff Fahey, Carlos Gallardo, Nicky Katt, Bruce Willis, Quentin Tarantino.

Sortie salles France: 14 Août 2007. U.S: 6 Avril 2007

FILMOGRAPHIE: Robert Rodriguez est un réalisateur et musicien américain, d'origine mexicaine, né le 20 Juin 1968 à San Antonio, Texas, Etats-Unis.
1992: El Mariachi. 1993: Roadtracers (télé-film). 1995: Desperado. 1995: Groom Service (Four Rooms, segment: The Misbehavers). 1996: Une Nuit en Enfer. 1998: The Faculty. 2001: Spy Kids. 2002: Spy Kids 2. 2003: Spy Kids 3. 2003: Desperado 2. 2005: Sin City. 2005: Les Aventures de Shark Boy et Lava Girl. 2007: Planète Terror. 2009: Shorts. 2010: Machete (co-réalisé avec Ethan Maniquis). 2011: Spy Kids 4. 2013: Machete Kills. 2014: Sin City: j'ai tué pour elle. 2014: From dusk till Daw: The Series (épis 1,2 et 4). 2015: Machete Kills Again... in Space.


Vibrant hommage aux séries Z horrifiques des années 70 et 80, Planet Terror s'édifie en offrande ultime que tous les amoureux du Bis espéraient voir naître un jour sur grand écran. Ceux ayant été bercés par des peloches aussi incongrues que l'Avion de l'Apocalypse, le Monstre qui vient de l'espace, le Manoir de la Terreur ou Contamination. Si le duo Rodriguez / Tarantino nous avait déjà comblé avec le polar vampiresque (tendance Tequila !) Une Nuit en Enfer, nos lurons remettent le couvert de l'ultra-référence en décuplant l'épice action/gore autour d'une invasion de zombies putrescents. La faute de leur condition vérolée incombant à une transaction militaire menée par le lieutenant Muldoon, puisqu'un gaz mortel vient de se libérer dans les airs pour y infecter la population d'une bourgade rurale. Cherry, une go-go danseuse en démission et son ex amoureux décident de s'allier avec un restaurateur et une poignée de mercenaires afin de repousser les monstres affamés de chair humaine. 


Ce pitch éculé que les amateurs connaissent par coeur, Rodriguez en extirpe une gigantesque farce macabre dans son lot jubilatoire de poursuites, gunfights et agressions sauvages. Une confrontation outre-mesure déployée entre zombies (à tête de pizza svp !) et survivants communément confinés au sein d'un centre hospitalier, d'un restaurant et d'une base militaire. Baignant dans le mauvais goût parmi l'audace d'un gore aux effluves transalpines (dont un fameux clin d'oeil à Fulci pour l'archétype de l'écharde !), Rodriguez s'en donne à coeur joie afin d'illustrer avec esbroufe grand-guignolesque des séquences d'éventrations, de décapitations, de démembrements, de mutilations à grand renfort de geysers de sang ! Outre le caractère ultra jouissif des son action trépidante saturée d'humour mesquin, Planet Terror est également transcendé par une galerie de personnages tous plus excentriques, cyniques et ubuesques les uns des autres. Avec les trognes charismatiques de comédiens en roue libre, dignes représentants des années 80, le film possède une facture vintage proprement irrésistible, notamment dans la manière iconique dont le cinéaste parvient à dessiner le portrait pugnace de deux héroïnes estropiées. Rivalisant d'idées saugrenues (la mitraillette encastrée au moignon d'une unijambiste !) et de situations scabreuses pittoresques (les couilles émasculées s'imposent en tractation durant tout le cheminement de l'intrigue quand bien même les pustules éjaculent sur les visages de témoins !), Planet Terror se vautre dans le ridicule avec un ton parodique extraverti. Qui plus est, avec une volonté d'atmosphériser le cadre de l'action rurale (le grill-room) et médicale (l'hôpital en alerte), Rodriguez soigne l'esthétisme flamboyant d'une photo rongée de scratchs (afin de se fondre aux vieilles bobines du Grindhouse !) au rythme entêtant d'une partition électro échappée d'un Carpenter. Bref, toute une poésie visuelle et auditive jamais à court de carburant dans son panel de trouvailles fantasques, graveleuses et répulsives !


Hymne solennel aux bisseries Z et autres classiques du gore transalpin que Fulci a initié de sa patte licencieuse, Planet Terror transfigure l'hommage et dépoussière le cinéma d'exploitation avec une vigueur galvanisante, une inventivité débridée, une verve insolente (les dialogues rivalisent de grivoiserie et vulgarité !) et une générosité intarissable. Immersif en diable dans sa volonté de sacraliser l'atmosphère palpable d'une bourgade Texane en prise avec un surnaturel morbide, Planet Terror redore le zombie apathique avec purisme sous l'impulsion prétentieuse de comédiens cartoonesques. 

Bruno Matéï
2èx