Les Dents de la Mer (Jaws)

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinemovies.fr

de Steven Spielberg. 1977. U.S.A. 2h04. Avec Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey Kramer, Susan Backlinie, Jonathan Filley, Chris Rebello.

Sortie salles France: 1er Janvier 1976. U.S: 20 Juin 1975

FILMOGRAPHIE: Steven Allan Spielberg, Chevalier de l'Ordre national de la Légion d'honneur est un réalisateur, producteur, scénariste, producteur exécutif, producteur délégué et créateur américain, né le 18 décembre 1946 à Cincinnati (Ohio, États-Unis). 1971: Duel , 1974: Sugarland Express, 1975: Les Dents de la mer, 1977: Rencontres du troisième type, 1979: 1941, 1981: les Aventuriers de l'Arche Perdue, 1982: E.T. l'extra-terrestre , 1983: La Quatrième Dimension (2è épisode), 1984: Indiana Jones et le Temple maudit, 1985: La Couleur pourpre, 1987: Empire du soleil, 1989: Indiana Jones et la Dernière Croisade, Always, 1991: Hook, 1993: Jurassic Park, La Liste de Schindler, 1997: Le Monde Perdu, Amistad, 1998: Il faut sauver le soldat Ryan Saving Private Ryan, 2001: A.I., 2002: Minority Report, Arrête-moi si tu peux, 2004: Le Terminal , 2005: La Guerre des Mondes, 2006: Munich, 2008: Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal, 2011: Les Aventures de Tintin, Cheval de Guerre.

Premier blockbuster de l'histoire du cinéma et troisième long-métrage d'un jeune metteur en scène surdoué, les Dents de la mer créa dès sa sortie un véritable vent de panique auprès des baigneurs qui désertèrent en masse les plages du monde entier. C'est dire si l'impact émotionnel du film fut considérable de par sa diabolique habileté à susciter l'effroi face aux mâchoires acérés d'un requin surdimensionné. D'après le célèbre roman de Peter Benchley, les Dents de la Mer est notamment un immense succès commercial et critique à travers le globe. Même si à contrario, il influencera la machinerie hollywoodienne à confectionner des produits à grand spectacle misant sur l'esbroufe au grand dam des personnages et du scénario. Dès la séquence d'ouverture, terrifiante d'intensité à travers son réalisme à la fois cinglant et impitoyable, Steven Spielberg provoque sans répit l'horreur pure d'une situation dramatique auprès d'une nageuse furtivement agressée par un requin ! La jeune fille nageant en toute quiétude se retrouvant subitement ballottée de gauche à droite par une force invisible venue du fond de l'océan. Alors qu'elle tente de se débattre désespérément, ses hurlements d'effroi s'étranglent avec l'eau salée au moment où le squale décide de l'entraîner au fond de l'eau pour la dévorer ! 

Cette séquence d'anthologie terriblement brutale est d'autant plus efficiente que Spielberg mise sur le pouvoir de suggestion en ne dévoilant jamais l'apparence du monstre marin et encore moins une goutte de sang ! Ainsi, cette règle d'occulter la présence hostile de l'immense requin blanc sera respectée une bonne heure durant afin d'attiser l'expectative, latente et oppressante, transcendée d'une mise en scène assidue, pour ne pas dire millimétrée. Par conséquent, en prenant soin d'y caractériser la contrariété des protagonistes plongés dans le dépit de devoir autoriser ou interdire une station balnéaire, faute de découvertes macabres, Spielberg distille une inquiétude tangible face à la menace sous-jacente du requin aux aguets ! Sans céder à une quelconque outrance spectaculaire, les deux scènes de paniques perpétrées aux abords de la plage s'avèrent des moments d'affolement d'une perversité insidieuse. Car si de prime abord on redoute la crainte du squale pouvant à tous moments s'extraire de l'eau afin d'happer un nageur lambda, Spielberg utilise aussi le sarcasme lorsque deux marmots ont décidé de se railler des adultes en leur jouant un subterfuge.  

Après cette mise en condition de l'angoisse diffuse et de la terreur cinglante (Spielberg ose même tolérer la mort innocente d'un enfant ! ), la seconde partie beaucoup plus échevelée et haletante s'oriente vers l'odyssée maritime de trois pêcheurs de requins engagés dans une lutte sans merci contre l'animal. Entre une beuverie impromptue et quelques chamailleries caractérielles octroyées entre le scientifique et le chasseur expert, les trois hommes vont se confronter à leur pire cauchemar face à la menace toujours plus belliqueuse du requin increvable ! (c'est peu de le dire !). Les séquences homériques se succédant à un rythme davantage fertile jusqu'à ce que le monstre réussit à réduire en lambeaux la carcasse du bateau trop étroit. Là encore, l'intensité des séquences d'action savamment coordonnées dans la vigueur d'un montage géométrique implique émotionnellement le spectateur, complètement immergé dans les enjeux alarmistes de nos héros démunis se battant avec acharnement contre l'animal. Telle cette séquence aquatique suffocante où l'un des protagonistes se retrouve piégé en interne d'une cage d'acier pendant que le requin essaie à maintes reprises de l'appréhender en défonçant hargneusement les barreaux ! Avec une maîtrise technique imparable et des Fx bluffants de réalisme, Spielberg réalise une véritable prouesse technique à daigner authentifier la menace du monstre, toujours plus agressif et furtif lorsqu'il décide de s'élancer sans réserve vers ses victimes hébétées ! Pour mettre en exergue la bravoure anxiogène de ces combattants de la mer, Roy Scheider suscite le jeu contracté d'un commissaire intègre mais inhibé d'une terreur infantile (la peur de l'eau). Néanmoins c'est en héros vaillant qu'il sortira vainqueur lors de sa dernière bataille esseulée contre le requin blanc. En chasseur de squale intarissable, Robert Shaw s'alloue du rôle le plus viril dans sa conviction opiniâtre à provoquer sans répit l'animal, et ce avec orgueil et une arrogance un peu trop appuyée Spoil ! quant à sa destinée morbide Fin du Spoil. Enfin, Richard Dreyfuss incarne avec perspicacité un scientifique océanographique particulièrement lucide. Ses brimades échangées avec le capitaine pour un conflit de classes sociales donne lieu à de cocasses moments de réparties avant de retourner affronter le monstre sans répit. 

Elle fut la première...
En empruntant le schéma du film catastrophe agencé à l'horreur, l'aventure et le grand spectacle, les Dents de la mer constitue une véritable leçon de mise en scène transcendée du score tonitruant de John Williams. Une manière judicieuse, inégalable, d'avoir su combiner densité des personnages, scénario singulier (quelle idée de génie de nous confronter à la phobie du requin auprès d'une station balnéaire !), intensité dramatique et suggestion de l'effroi. Quand à la photogénie ombrageuse de l'animal quasi indestructible, il demeure l'un des monstres les plus pugnaces, pernicieux et impressionnants du cinéma de genre. 

Apport technique du Blu-ray 4K: 10/10. Totale redécouverte.

*Eric Binford

23.07.21. 6èx

15.08.12. 

La chronique des Dents de la Mer 2: http://brunomatei.blogspot.fr/…/les-dents-de-la-mer-2e-part…

Sang pour Sang / Blood Simple. Grand Prix du Jury, Sundance 85.

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Fan-de-cinema.com

de Joel et Ethan cohen. 1984. U.S.A. 1h37. Avec John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya, M. Emmet Walsh, Samm-Art Williams, Deborah Neumann, Raquel Gavia, Van Brooks, Senor Marco, William Creamer.

Sortie salles France: 3 Juillet 1985. U.S: 18 Janvier 1985. Director's cut: France: 19 Juillet 2000. U.S: 2 Juin 2000.

FILMOGRAPHIE: Joel Coen (né le 29 novembre 1954) et Ethan Coen (né le 21 Septembre 1957) sont deux frères réalisateurs, scénaristes, monteurs, acteurs et producteurs américains.
1984: Sang pour Sang, 1987: Arizona Junior, 1990: Miller's Crossing, 1991: Barton Fink, 1994: Le Grand Saut, 1996: Fargo, 1998: The Big Lebowski, 2000: O'Brother, 2001: The Barber, 2003: Intolérable Cruauté, 2004: Ladykillers, 2006: Paris, je t'aime (tuileries), 2007: No country for old men, Chacun son cinéma (sktech: world cinema), 2008: Burn After Reading, 2009: A Serious Man, 2010: True Grit.

                 Tuer quelqu'un est très dur, très douloureux, et très... très long (Alfred Hitchcock)

Cette illustre citation énoncée par le maître du suspense Alfred Hitchcock constitue le pivot de Sang pour Sang, première réalisation des frères Cohen multi récompensée dans divers festivals. Hommage au film noir sur le déclin au début des années 80, cette immense farce sardonique est un concentré de suspense au vitriol jalonné de déconvenues impromptues ! Synopsis: Marty, tenancier, se résigne à payer un détective véreux pour se débarrasser de sa femme infidèle ainsi que son amant. Mais rien ne se déroulera comme prévu. 

Pour une première réalisation au budget minimaliste, les frères Cohen élaborent un véritable coup de maître pour leur dextérité à renouveler des codes du genre. Car à partir d'un canevas éculé exploité dans divers classiques du genre, nos deux complices se réapproprient du concept criminel agencé autour de l'adultère à travers un savant dosage d'humour noir et de réalisme acerbe. Un couple d'amants indécis se retrouve confronté au subterfuge meurtrier d'un détective véreux payé par le mari jaloux. Déterminé à faire liquider les amants infidèles, Marty est pris au piège du tueur à gage trop cupide pour duper un à un le trio corrompu. Superbement photographié au sein de la contrée bucolique d'un Texas crépusculaire et transcendé du score envoûtant de Carter Burwell, Sang pour Sang est un inépuisable jeu de massacre. Une farce macabre à la limite de la parodie (la rancune du mari imbécile n'en finit plus d'être brocardée jusqu'au point de non retour) où chaque adversaire antipathique exprime une austérité sournoise à contrecarrer son allié. Pour cause, les réalisateurs prennent malin plaisir à nous caractériser le profil peu recommandable de personnages autonomistes, couards et contrariés dans leur désir de se dépêtrer d'un cadavre encombrant. La preuve éloquente du briquet et la complicité indirecte de l'amant y seront les éléments déclencheurs de vicissitudes interminables entre le détective avide de retrouver son objet, et ce prétendant, persuadé que sa maîtresse s'avère l'unique responsable du meurtre de l'époux.

S'ensuit une multitude de déconvenues à hauts risques auprès du trio maudit par le biais d'inversion des rôles si bien que le premier responsable de cette machination criminelle en sera châtié pour trépasser de manière aussi apathique qu'insupportable (d'où la tagline de l'affiche empruntée à Hitchcock!). Ce retournement de situation abrupt permettant de relancer l'intrigue sur une série de situations génialement grotesques où chacun des antagonistes ne saura plus où donner de la tête à déceler qui tire les ficelles du traquenard criminel. Parmi cette rupture de ton alternant humour noir corrosif et réalisme macabre, les frères Cohen en cristallisent un bijou de film noir d'une diabolique inventivité. Comme en témoigne le simulacre d'un piège mortel intenté à l'un des antagonistes (sa main poignardée sur le rebord d'une fenêtre et sa tentative de s'y extraire par le biais de son arme à feu et de la force de sa poignée).

Fort du charisme irrésistible de trognes gouailleuses, contrariées et taiseuses, Sang pour Sang constitue une farce macabre à la dérision insolente au sein de l'atmosphère opaque d'une nature en clair obscur. Un véritable modèle de film noir, étonnamment brutal et sanglant, mais d'une cocasserie incongrue à travers sa suite de déboires amorcées par ces pieds nickelés empotés. On peut même sans rougir  y prôner le chef-d'oeuvre du genre tant ce 1er essai demeure aussi ensorcelant que jubilatoire. 

*Bruno

21.01.24. 4èx. Vostfr

14.08.12. 

Récompenses: Grand Prix du Jury à Sundance, 1985.
Prix de la Critique à Cognac, 1985
Prix du Public à Fantasporto, 1986

LES FRISSONS DE L'ANGOISSE (Profondo Rosso / Deep Red)

de Dario Argento. 1975. Italie. 1h47 / 2h06. Avec David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Macha Meril, Eros Pagni, Giuliana Calandra, Piero Mazzinghi, Glauco Mauri, Clara Calamai, Aldo Bonamano.

Sortie salles France: 17 Août 1977. U.S: 11 Juin 1976. Italie: 7 Mars 1975

FILMOGRAPHIE: Dario Argento est un réalisateur et scénariste italien né le 7 septembre 1940, à Rome (Italie).
1969: l'Oiseau au plumage de Cristal, 1971: Le Chat à 9 queues, Quatre mouches de velours gris, 1973: 5 Jours à Milan, 1975: Les Frissons de l'Angoisse, 1977: Suspiria, 1980: Inferno, 1982: Ténèbres, 1985: Phenomena, 1987: Opera, 1990: 2 yeux Maléfiques, 1993: Trauma, 1996: Le Syndrome de Stendhal, 1998: Le Fantome de l'Opéra, 2001: Le Sang des Innocents,2004: Card Player, 2005: Aimez vous Hitchcock ?, 2005: Jennifer (épis Masters of Horror, sais 1), 2006: J'aurai leur peau (épis Masters of Horror, sais 2), 2006: Mother of Tears, 2009: Giallo, 2011: Dracula 3D.

Un pianiste est malencontreusement témoin du meurtre d'une médium trop curieuse pour démasquer un assassin. Intrigué par un détail énigmatique vis à vis d'un tableau dans la demeure de la victime, il décide de mener sa propre enquête. Le tueur susceptible continue sur sa lancée meurtrière en supprimant les témoins gênants.

Chef-d'oeuvre de Dario Argento, panthéon du Giallo novateur, les Frissons de l'Angoisse arrive quatre ans après sa trilogie animale achevée en 1971. C'est avec ce thriller baroque au goût prononcé pour la violence sanguine que le réalisateur va pouvoir déployer sa maestria beaucoup plus circonspecte. Soin du cadrage et travellings tarabiscotés par une caméra mobile, décors insolites d'une recherche esthétique stylisée et raffinement cruel dans l'élaboration de meurtres sanglants. Ajoutez à cela une angoisse sous jacente pour l'investigation criminelle, une ambiance gothique surnaturelle (dans la hantise d'une demeure pour dégoter un macabé décharné !) et un suspense lattent imparti à une narration finaude en trompe l'oeil ! Car ici, méfions nous des apparences et ce dès le générique musical ! Argento se résout en l'occurrence à jouer avec la perception visuelle du spectateur observant un bambin potentiellement coupable ou témoin d'un meurtre commis à l'arme blanche. Dans le salon conjugal d'une nuit de noël, une violentes rixe est entrevue à travers le mur de deux ombres menaçantes. Un cri infantile est soudainement intoné ! Un couteau de cuisine ensanglanté trébuche sur le sol tandis que la scène suivante nous illustre de façon prononcée deux jambes d'un enfant s'approchant près de l'objet tranchant ! Le montage parfaitement structuré est musicalement scandé d'une comptine entêtante ! Une séquence d'anthologie roublarde évoquant l'homicide d'un trauma infantile et sa faculté suggestive à semer le doute auprès du spectateur pour tenter de déceler certains éventuels indices ! La suite continue dans cette logique du "faux semblant" avec l'investigation criminelle du héros et la représentation picturale d'un tableau où un détail éloquent lui était préalablement oublié ! C'est ensuite dans une maison abandonnée que Marcus va une nouvelle fois manquer de constance pour décortiquer l'intégralité d'un dessin morbide incrusté à travers les murs. Alors que l'instant d'après, il décèle à travers une photo d'archive que la maison divulgua une fenêtre condamnée ! Autour de lui, les cadavres s'amoncellent, faute d'une médium omnisciente, alors que le tueur de plus en plus déterminé, tente à plus d'une reprise d'intenter à sa propre vie.

Il faut indubitablement louer l'incroyable partition musicale des Goblin déployant à rythme cadencé un tempo entraînant pour mettre en exergue la fascination ombrageuse d'une intrigue criminelle jalonnée d'indices irrésolues. Et Argento d'agencer un goût funeste pour le baroque et l'insolite (jeux de lumière, couleurs hybrides contrastées, architecture picturale de sculptures historiques) mais aussi le surnaturel feutré (toute la fouille archéologique se déroulant dans la demeure gothique) afin de transcender le genre Giallesque dans une mouvance singulière. Les Frissons de l'Angoisse est notamment la prémices d'une transition pour le maître d'augurer ses délires sanglants d'un fantastique occulte entrepris 2 ans plus tard avec Suspiria. En effet, on sent déjà ici une nette influence putanesque à confectionner quelques meurtres sadiques d'un réalisme cru et stylisé (la mâchoire d'une des victimes fracassée contre le marbre d'une cheminée puis sur le bois d'une table ou encore la lapidation infortunée de Carlo n'en finissant plus d'agoniser !). Le point d'orgue final fertile en déconvenues et péripéties instables instaure avec acuité le mode opératoire du suspense préalablement distillé, juste avant de nous dévoiler l'identité du meurtrier entraperçu dès les cinq premières minutes du film ! Cet alliage d'hermétisme indicible, d'anxiété diffuse et de suspense croissant nous confine au sein d'un environnement insécurisant jonché de détails troubles, tel ce combat bestial entre chiens, le lézard perforé d'une aiguille, les tableaux au visages mortifères ou le piano bar et sa clientèle statique. Tandis que d'autres éléments macabres nous sont accolés parmi la symbolique d'une poupée pendue ou celle d'un pantin de porcelaine (au rictus diablotin) violemment projeté sur une victime.

Maîtrise technique d'un esthétisme stylisée, intrigue tortueuse émaillée d'éléments patibulaires, meurtres sadiques d'une verdeur audacieuse et science du suspense planifiée autour de protagonistes malhabiles, Les Frissons de l'Angoisse est conçu à la manière d'un puzzle édifié sur le simulacre. Baignant dans une atmosphère hybride délicieusement funèbre et sublimé par le score inimitable des Goblin, cette oeuvre expérimentale possède en outre une aura de fascination dépassant notre raison.

Note perso: préférence pour la version courte d'1h47, plus fluide, moins bavarde et mieux rythmée.

13.08.12. 3èx

Bruno Matéï

LE REGNE DES INSECTES (Court-Métrage)

De Pascal Frezzato. Court-métrage. France. 2012. 12 mns. Avec Sylvie Gonnord, Bruno Dussart, Pascal Frezzato. Scénario: Pascal Frezzato, Bruno Dussart.

On Rembobine.fr: LE REGNE DES INSECTES : Un court-métrage à ne pas rater !
Le point de vue de Gilles Rolland:

Chez On Rembobine.fr, on s’intéresse aux longs-métrages, mais aussi aux courts. Parfois, il nous arrive de tomber sur de petits bijoux qui, à force d’inventivité, de malice et d’une sincérité boostée par une véritable passion communicative, arrivent à s’imposer.

C’est le cas du Règne des insectes, un court-métrage de Pascal Frezzato, qui met en scène Bruno Dussart, Sylvie Gonnord et Jérôme Roulon.

L’histoire du Règne des insectes est aussi simple que rudement efficace :

Le 2 septembre 2014, les hommes et les animaux ont disparu de la surface de la Terre, victimes de la cupidité de l’être humain. Désormais, ce sont les insectes qui règnent sans partage sur le monde…

Un cataclysme pourtant prévu par un chercheur du nom de Madeira. Madeira qui, quelques temps avant la catastrophe, tente d’avertir les autorités de ce qui se prépare. Sans succès… La fin est ineluctable.

Le Règne des insectes débute alors que Madeira se présente devant Delphine Dullac, la mystérieuse représentante d’une non moins mystérieuse agence gouvernementale toute-puissante de sureté nationale. Le ton monte chez Madeira qui tente de justifier son point de vue sur une situation qui de toute façon est inévitable…

Aujourd’hui, Le Règne des insectes est enfin disponible sur internet. L’occasion de vous présenter dans son intégralité ce film prenant, immersif et puissant dans son propos concerné. Un film à la photographie irréprochable et chirurgicale, qui souligne le talent d’un réalisateur qui prouve une nouvelle fois qu’il est possible aujourd’hui de réaliser un film puissant sur un sujet pourtant maintes fois abordé. Ici, pas de sensationnalisme facile, mais plutôt une tension qui n’en finit pas de monter jusqu’au climax impressionnant.

Mélancolique, d’une certaine façon poétique et relativement tendu, Le Règne des insectes bénéficie en outre de l’interprétation au cordeau de Bruno Dussart (dans son premier rôle). Un comédien, dont l’intensité habite l’œuvre d’un bout à l’autre, confronté à une Sylvie Gonnord glaciale et effrayante, en représentante d’une société sourde qui creuse ironiquement sa propre tombe en refusant d’ouvrir les yeux.

Métaphore brillante, Le Règne des insectes se doit d’être vu le plus largement possible.
Gilles Rolland
http://www.onrembobine.fr/news/news-le-regne-des-insectes-un-court-metrage-a-ne-pas-rater

Le Point de vue de Mathias Chaput:
Synopsis :
Dans un avenir très proche, suite à une catastrophe cataclysmique de la plus grande ampleur, la population humaine a été décimée et seuls ont survécu les insectes qui peuplent la surface terrestre…
Toute trace de vie de l’homme a été anéantie !
Peu de temps avant cette fin du monde annoncée, un homme du nom de Madeira, qui se préfigure comme annonciateur de ce cataclysme, est interrogé dans les locaux de l’agence de sureté nationale par Delphine Dullac, une chargée de développement du groupe qui veut percer le mystère et éluder le pourquoi du comment inhérent au carnage qui va arriver !
Très vite le ton monte !
Jusqu’à ce que Madeira commette l’irréparable !
Comme une évidence balancée à la face des politiques, il va mettre devant leurs propres responsabilités tous ces représentants de l’establishment qui refusaient de croire à l’ampleur de ce désastre et à l’évidence de ses conséquences…
L’affrontement verbal vire au drame !

Avis :
Construit sur une trame solide et un ton très convaincant, « Le règne des insectes », outre ses qualités narratives incontestables, bénéficie d’une mise en condition radicale du spectateur, presqu’une une mise en immersion directe et ce, des le début du court !
ON EST DEDANS tout de suite et c’est ça qui est fascinant !
Les comédiens sont animés d’une volonté de bien faire, notamment Bruno Dussart dont c’est le premier rôle et qui s’en sort admirablement bien !
Sylvie Gonnord dégage avec son personnage un aura certain mais Dussart arrive à transcender sa prestation par une sincérité et une prestance inoubliable, car il insuffle un côté émotionnel très fort dans sa composition et se révèle très adroit et habile dans un jeu d’acteur particulièrement appuyé et abouti !

Bruno Dussart, Sylvie Gonnord et Pascal Frezzato

Pascal Frezzato, passionné de cinéma de genre (tout comme Bruno Dussart) a pondu un petit joyau et a réussi à transmettre sa passion via un scénario imparable, petit condensé de la plupart des films post apocalyptiques déjà référencés à ce jour, mais en y rajoutant sa patte !
En fait « le règne des insectes » est bien plus sincère et honnête en tant que court métrage que bien des LONGS métrages sortis dans le milieu professionnel, prétentieux et déplaisants, ici Frezzato parle avec son CŒUR et c’est ce qui fait la qualité indéniable du « Règne des insectes »…
On va de surprises en surprises, d’un niveau exemplaire pour une œuvre amateur et d’une efficacité très bien rôdée, « Le règne des insectes » remporte un succès indubitable et se prépare pour rentrer dans les rang très serré des meilleurs courts réalisés cette année, n’en doutons pas !
Gorgé d’émotion et nerveux au niveau de l’action en même temps, « Le règne des insectes » s’avère une franche réussite, à cautionner et encourager de façon certaine !
Très beau boulot à l’équipe !

Mention spéciale à mon fidèle ami Bruno : tu as fait un malheur !
Note : 10/10.

La critique de Memory of the dead: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/11/memory-of-dead-court-metrage.html

La critique de Pour une Poignée de Spaghettis: http://brunomatei.blogspot.fr/…/per-un-pugno-di-spaghetti-p…

Le film ci-dessous ! Bonne séance !

                         

Le Dragon du Lac de Feu / Dragonslayer

                                             

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Matthew Robbins. 1982. U.S.A. 1h49. Avec Peter McNicol, Caitlin Clarke, Ralph Richardson, John Hallam, Peter Eyre, Albert Salmi, Sydney Bromley, Chloe Salaman, Emrys James, Roger Kemp, Ian McDiarmid.

Sortie salles France: 20 Octobre 1982. U.S: 26 Juin 1981

FILMOGRAPHIE: Matthew Robbins est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur américain.

1978: Corvette Summer. 1981: Le Dragon du Lac de Feu. 1985: La Légende de Billie Jean. 1985: The Main Attraction (Episode TV). 1985: Histoires Fantastiques (1 épisode). 1987: Miracle sur la 8è Rue. 1989: Mothers, Daughters and Lovers (télé-film). 1991: Bingo.

Co-produit par Walt Disney et Paramount, le Dragon du lac de Feu fut malencontreusement un échec financier à sa sortie. Sombré dans l'oubli depuis, en dehors d'une poignée d'aficionados indéfectibles, cette production de 18 millions de dollars (qui en rapporta 14 !) demeure pourtant un spectacle d'héroïc-fantasy aussi inhabituel que grandiose de par son réalisme naturaliste. Si bien qu'en l'occurrence, l'écurie Disney s'attelle cette fois-ci à faire preuve d'une certaine violence audacieuse chez les méfaits du dragon destructeur, friand de jouvencelles candides. Le Pitch: Au royaume d'Urland, un dragon sème la terreur auprès de la population. Pour calmer sa haine, le roi est fréquemment contraint de lui offrir en sacrifice une jeune vierge tirée au sort parmi sa population. Galen, un apprenti-sorcier, va tenter de le combattre depuis que son maître fut malencontreusement assassiné. Fort d'une photo somptueuse aux teintes maltaises et de décors naturels transcendant l'immensité de plaines et montagnes clairsemées, Le Dragon du Lac de Feu séduit par son esthétisme d'une époque moyenâgeuse où la sorcellerie semble en phase de déclin. Le choix des comédiens est notamment un atout anticonformiste pour crédibiliser les enjeux dramatiques de nos protagonistes. Car en oracle autoritaire vieillissant, Ralph Richardson fait preuve de son charisme paternel habituel, alors que son comparse, Galen, interprété par le néophyte Peter McNicol, s'attribue un rôle chevaleresque à la bonhomie étonnamment naïve et quelque peu empotée. Sa compagne Valérik, campée par Caitlin Clarke, possède elle aussi une physionomie ordinaire dans sa beauté suave somme toute modeste.

Ainsi, cette aventure assez obscure, notamment sobrement cocasse, nous illustre donc l'initiation d'un jeune apprenti sorcier délibéré à combattre un monstre belliciste que personne ne semble pouvoir circonscrire. Si son maître nécromancien s'était accordé la tâche de l'enrayer, il en aura décidé autrement au moment opportun pour se porter en sacrifice et ainsi privilégier Galen d'y prendre la relève. S'ensuit alors une expédition de longue haleine pour le jeune disciple afin de traquer le monstre et assurer la sérénité auprès du royaume d'Urland. Ce qui surprend durant son cheminement narratif à l'intérêt grandissant, c'est son refus de l'esbroufe et la volonté majeure de rationaliser un monde médiéval régi par un monarque égocentrique. Pour cause, le roi empli d'orgueil réfute à ce que sa fille chaste soit tirée au sort comme toutes les paysannes prudes de sa contrée afin de satisfaire le dragon irascible. Le réalisateur misant notamment sur la suggestion en retardant au possible les apparitions dantesques de l'animal. Un peu comme les Dents de la Mer ou Alien, le dragon nous sera dévoilé avec parcimonie en divulguant certaines parties de son anatomie. Tant auprès de son immense queue de serpent, l'intonation rugissante de sa gueule cracheuse de feu ou de ses larges ailes déployées du fond d'un ciel crépusculaire !

Or, conjuguant certains traits pittoresques auprès de l'apprenti maladroit féru de renommée, la tendresse de sa liaison naissante avec une paysanne timorée et son aventure dantesque d'une traque laborieuse contre le cruel dragon tant redouté, cette épopée médiévale nous transfigure un univers dépaysant où la magie est en instance d'initiation. L'ultime demi-heure échevelée laissant place à la frénésie de combats homériques entre Galen et l'animal réfugiés dans une grotte de feu pour se livrer une lutte sans merci. Quand au point d'orgue tout aussi épique, il met en valeur les envolées aériennes d'un dragon plus pugnace que jamais afin de provoquer l'antagoniste réfugié en altitude d'une montagne. C'est à cet instant fatidique que la sorcellerie acquise pourra enfin porter ses fruits de par l'anticipation de l'alchimiste retors. Toutes ces séquences impressionnantes où le dragon apparaît dans sa complète anatomie s'avèrent assez saisissantes de réalisme de par son aspect funèbre terriblement hostile. D'ailleurs, en ce qui concerne les effets spéciaux, il s'agit du premier film ayant utilisé la technique de l'animation go-motion supervisée par ordinateur. On est également surpris par la cruauté tolérée à certaines séquences martyrs où de jeunes vierges y sont sacrifiées par embrasement d'un brasier ou simplement dévorées par les rejetons du dragon !

Anticonformiste aux spectacles familiaux édulcorés, Le Dragon du Lac de Feu aborde le genre d'héroic fantasy avec une évidente maturité et même une certaine audace horrifique lors de deux séquences portées en offrande. En réalisateur intègre, Matthew Robbins n'omet pas pour autant la légèreté de l'humour imparti à son héros en herbe et surtout la crédibilité d'un univers médiéval à la fois ténébreux, naturaliste, expressif, sans fioriture aucune. Quand à la caractérisation du monstre belliqueux, il se révèle l'un des dragons les plus probants jamais conçus au cinéma ! (si on écarte Le Règne du Feu et la série prestigieuse Game of Thrones digne du format long). A revoir fissa.

*Bruno

10.08.23. 4èx

10.08.12. 

JEEPERS CREEPERS 2 (Jeepers creepers 2 : like a bat out of hell)

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Victor Salva. 2004. U.S.A. 1h43. Avec Ray Wise, Jonathan Breck, Garikayi Mutambirwa, Eric Nenninger, Nicki Aycox, Marieh Delfino, Diane Delano, Thom Gossom J.R, Billy Aaron Brown, Lena Cardwell.

Sortie salles France: 4 Février 2004. U.S: 29 Août 2003

FILMOGRAPHIE: Victor Salva est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 29 Mars 1958 à Martinez.
1989: Clownhouse. 1995: Powder. 1999: Rites of Passage. 2001: Jeepers Creepers. 2003: Jeepers Creepers 2. 2006: Peaceful Warrior. 2012: Rosewood Lane.

Modeste réalisateur, Victor Salva avait particulièrement surpris les amateurs du genre avec Jeepers Creepers, petite série B passée inaperçue en salles en 2001 mais bénéficiant ensuite d'un bouche à oreille élogieux ! Son parfum rétro hérité des années 80 et l'efficacité d'un pitch inspiré de Duel et du slasher contemporain ayant réussi à captiver le spectateur pour mettre en valeur un croquemitaine hybride. Trois ans plus tard, Victor Salva nous revient avec une suite toute aussi réussie et encore plus vigoureuse dans son principe du survival ! Sur la route d'une campagne isolée, un autocar transportant une équipe de basketteurs se retrouve immobilisé après que l'un des pneus eut été mystérieusement crevé. Ce traquenard est élaboré par le Creeper, monstre affamé de chair humaine apparaissant tous les 23 printemps durant une période de 23 jours avant sa prochaine hibernation. La lutte pour la survie est engagée !

Bénéficiant harmonieusement d'une photo solaire splendide, la séquence d'ouverture du film attise déjà anxiété et stupeur pour le subterfuge imparti à un épouvantail plus vrai que nature. Déguisé en mannequin de paille parmi d'autres modèles au sein d'un champ, le Creeper souhaite en l'occurrence jeter son dévolu sur un adolescent pour le ravir devant les regards médusés de son père et son frère aîné ! Accablé de tristesse et de colère d'avoir perdu son rejeton après cette tragédie, le fermier semble habité par une rancoeur vindicative pour retrouver le responsable de cet enlèvement. Passé ce prologue incisif, nous faisons ensuite connaissance avec un groupe de basketteurs et leurs pom-pom girls faisant route à bord d'un autocar. A la suite d'une panne accidentelle compromise par le Creeper, le groupe de jeunes se retrouve coincé au milieu d'une route champêtre éludée de citadins.

C'est sur cette voie campagnarde jalonné de champs de maïs que l'action se focalise pour laisser libre court aux exactions insidieuses de notre créature ailée, bien avant de renouer avec les retrouvailles de notre fermier revanchard, délibéré à l'annihiler. Interprété par de jeunes comédiens parfois stéréotypés (le bad boy détestable souhaitant dicter sa hiérarchie, le froussard invétéré, l'hypocrite autonome) mais épris d'une conviction tangible quand il s'agit de faire face à la terrible menace, leurs vicissitudes sont habilement planifiées par des péripéties jamais répétitives, exploitant notamment à bon escient le cadre de son environnement naturel (la fuite à travers champs des rescapés, les vols aériens du Creeper aperçus du fond d'un ciel lunaire émaillé d'étoiles). Grâce à la tension d'un suspense solidement charpenté puis l'entremise d'idées saugrenues, telle la mutation de la créature contrainte de changer de tête pour en décapiter une autre, le véhicule confectionné avec l'aide d'un lance harpon, ou encore l'épilogue confiné à une exhibition macabre, Jeepers Creepers 2 joue la carte du pur divertissement du samedi soir. Mais surtout, le parti-pris de Victor Salva est à nouveau d'authentifier son monstre hétéroclite encore plus railleur et pugnace. Cette vigueur impartie aux affrontements et le charisme morbide de l'icone monstrueuse renouvellent sans redite ses méfaits meurtriers ! Et sur ce point, notre Jeepers Creepers est LA véritable star du film, déployant avec vélocité ses immenses ailes et son ricanement étriqué pour se projeter le plus furtivement sur ses victimes infortunées. Ses poursuites aériennes ainsi que son point d'orgue explosif (la vengeance du père opiniâtre) continuant de surenchérir sur les séquences vertigineuses à l'aide d'une poésie funèbre !

Mené à un rythme échevelé, haletant et spectaculaire, Jeepers Creepers 2 s'avère l'une des rares suites égalisant son modèle grâce à l'intégrité du réalisateur vouant son amour à un monstre interlope toujours plus prégnant. Esthétiquement superbe et exploitant habilement certaines situations éculées par un humour sardonique et de nombreux effets de surprise, ce 2è opus réussit encore à surprendre le spectateur embarqué dans un rollercoaster cartoonesque !

La Chronique de Jeepers Creepers: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/01/jeepers-creepers.html

Dédicace à Christophe Cosyns

06.08.12
Bruno Matéï

TERREUR A DOMICILE / D'ORIGINE INCONNUE (Of Unknown Origin)

                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site groovydoom.blogspot.fr

de Georges Pan Cosmatos. 1983. U.S.A. 1h28. Avec Peter Weir, Jennifer Dale, Lawrence Dane, Kenneth Welsh, Louis Del Grande, Shannon Tweed.

FILMOGRAPHIE: George Pan Cosmatos était un réalisateur et scénariste grec né le 4 janvier 1941 à Florence (Toscane, Italie), mort le 19 Avril 2005 à Victoria (Colombie-Britannique, Canada) d'un cancer du poumon. 1977: Le Pont de Cassandra. 1979: Bons Baisers d'Athènes. 1983: Terreur à Domicile. 1985: Rambo 2, la Mission. 1986: Cobra. 1989: Leviathan. 1993: Tombstone. 1997: Haute Trahison.

Habile artisan de la série B musclée, George Pan Cosmatos est surtout connu pour avoir réalisé l'excellent film catastrophe Le Pont de Cassandra, puis Rambo 2 et Cobra pour les fans irréductibles d'actionner bourrin. Néanmoins, c'est en 1983 qu'il réalise son oeuvre la plus percutante et originale, un huis-clos sous tension resté inédit en salles Hexagonales puis directement sorti en Vhs ! Interprété par le futur héros de Robocop (Peter Weller), Terreur à Domicile (ou d'Origine Inconnue) reste un modèle d'efficacité et de suspense, transcendé par un scénario roublard impeccablement maîtrisé !

Alors que sa femme et son fils sont en villégiature, un cadre supérieur isolé dans sa demeure est harcelé par un rat belliqueux. Bientôt, ce cauchemar impromptu va virer à l'obsession et engendrer un affrontement impitoyable entre l'homme et l'animal.

A partir d'un concept délirant à peine probable (la lutte sans merci entre un rongeur et un bourgeois prospère communément embrigadés dans un huis-clos), George Pan Cosmatos procède à authentifier un film de terreur d'une diabolique sagacité dans son suspense en crescendo. C'est la maîtrise de son argument à la limite du plausible et une réalisation sans faille qui élèvent Terreur à Domicile à un degré d'efficacité rarement atteint pour le thème de l'agression animale ! L'habileté première qui diffère des films fantastiques outranciers est qu'ici le rat est caractérisé comme un animal physiquement "normal". Son caractère intimidant lui est gratifié d'une redoutable perspicacité à brimer sans répit l'homme retranché ! En alternant scènes de terreur cinglantes et suspense machiavélique distillé au compte goutte, le réalisateur joue autant avec les nerfs du protagoniste exténué que celui du spectateur désorienté. Cette rivalité peu commune entre l'homme et un rat "d'origine inconnue" réussit le tour de force de nous convaincre que ce mammifère puisse ridiculiser l'être humain avec une intelligence finaude !

D'ailleurs, avant les rixes, le réalisateur ne va pas manquer de nous évoquer la réputation notoire de notre rongeur et sa dangerosité universelle. Tel sa faculté à pouvoir se glisser dans un trou de 3 cms, nager 1 km et se maintenir sur l'eau durant 3 jours ! Sa capacité de traverser le plomb et le béton avec ses crocs dont la pression exerce 1,700 kg par cm2 ! Il peut notamment survivre à la descente des WC et à une chute de 5 étages sans blessure ! Quand à sa progéniture, deux rats ont l'aptitude de proliférer jusqu'à 20 millions de nouveaux nés en moins de 3 ans ! Enfin, nous apprenons aussi qu'1/5 des céréales du globe est toujours dévasté (ce qui évalue une perte de 2,5 milliards de kilos rien qu'aux USA !) et qu'au 14è siècle, le rat a transporté la peste noire tuant 1 personne sur 3 de l'Inde en Islande (1/3 du monde civilisé anéanti par le rat !). En alternance, le réalisateur va nous énoncer d'autres infos vis à vis du comportement inflexible du rat pour mieux l'éradiquer, quand bien même  certains pays (l'Inde et l'Extrême- Orient) le considèrent comme une divinité. Cette foule d'informations alarmistes sont mises en évidence de manière à accentuer le sentiment d'appréhension, d'incertitude et de préoccupation avant le combat final redouté ! Et on peut avouer sans rougir que ce baroud d'honneur apocalyptique pour la victoire est un moment d'anthologie aussi furieusement frénétique que belliqueux. Mais auparavant, George Pan Cosmatos nous aura planifié avec réalisme consciencieux et tension permanente la lente dérive paranoïaque d'un homme toujours plus désaxé car confronté aux provocations insidieuses d'une rate implacable !

Dominé par un Peter Weller erratique en diable et utilisant avec dextérité l'aspect terrifiant d'un rongeur ordinaire (en insistant sur les gros plans de sa physionomie), Terreur à Domicile demeure un modèle de terreur anxiogène. Sans nul doute le film le plus roublard jamais réalisé sur le rongeur quadrupède ! Son efficacité toujours plus insolente, son sens du rythme incisif et la rigueur d'une mise en scène autoritaire nous déconcertent sans jamais défaillir ! Mais la plus grande réussite de cette fable sarcastique fustigeant le matérialisme de l'homme moderne réside dans son scénario original proprement jubilatoire. Il pourrait même se révéler potentiellement plausible dans nos fantasmes les plus fous !

http://www.thesun.co.uk/sol/homepage/news/3102460/Invasion-of-the-giant-rats-in-Bradford.html

03.08.12. 4èx
Bruno Matéï

28 Jours plus tard / 28 Days later

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site listal.com

de Danny Boyle. 2002. Angleterre. 1h53. Avec Cillian Murphy, Naomie Harris, Megan Burns, Brendan Gleeson, Christopher Eccleston, Alex Palmer, Bindu De Stoppani, Jukka Hiltunen, David Schneider.

Sortie salles France: 28 Mai 2003. U.S: 27 Juin 2003

FILMOGRAPHIE: Danny Boyle est un réalisateur Britannique, né le 20 Octobre 1946 à Manchester. 1994: Petits Meurtres entre amis. 1996: Trainspotting. 1997: Une Vie moins Ordinaire. 2000: La Plage. 2002: 28 Jours plus tard. 2004: Millions. 2007: Sunshine. 2008: Slumdog Millionaire. 2010: 127 Hours. 2013: Trance. 2015: Steve Jobs.

"Se prendre une claque au 3è visionnage avec la troublante impression d'avoir revu une expérience étonnamment différente." 

Précurseur du film d'infectés - moderne - (si on élude le pizzaiolo Avion de l'Apocalypse !), renouveau de la vague déferlante des zombies sous amphétamines, 28 Jours plus tard est le premier volet d'une trilogie post-apo. S'il doit en priorité son influence à Zombie de Romero, Danny Boyle se révèle suffisamment adroit, très inspiré, tatillon, intègre dans son amour des films d'ambiance pour nous concocter une terrifiante descente aux enfers à la dignité humaine spécialement désabusée. Le Pitch: Une association de la cause animale pénètre par effraction dans un laboratoire pour libérer des chimpanzés condamnés à la vivisection. Contaminé par la rage, le premier singe relaxé se jette sur l'un des sauveteurs et le mord violemment au cou. 28 jours plus tard, la plupart des êtres humains ont été enrayés par cette maladie du sang poussant les infectés à s'entretuer avec une rage incontrôlée. Jim, patient hospitalier sorti d'un coma, rencontre sur sa route quelques survivants pour tenter de résister ensemble à la menace meurtrière.

Ainsi, à partir d'un argument éprouvé (une poignée de survivants tentent de résister à une menace meurtrière dans un pays dévasté), Danny Boyle dénonce dès son prologue social l'embrasement des guerres de religions et la folie de l'homme toujours plus belliqueux à combattre son rival. Avec l'entremise de véritables images d'archives extraites d'infos télévisuels, 28 Jours plus tard provoque le malaise à illustrer sans concession le comportement barbare de civils livrés à l'anarchie la plus confuse. Une façon catastrophique à mettre en évidence la violence urbaine en recrudescence avant qu'un primate atteint par la rage ne contamine l'humanité entière vouée à une furie irraisonnée ! Avec sa photo à la fois rugueuse, trouble, désaturée, exploitée en caméra DV, de manière à mettre en exergue sa facture documentaire, le film de Danny Boyle dépayse allégrement le spectateur plongé dans une splendide ambiance de solitude où un pays tout entier est éludé de sa démographie. Ce climat post apo prédomine donc avec souci d'authenticité une aura de décrépitude auprès des rares survivants cloîtrés dans des appartements insalubres car abandonnés. Alors que dehors, les cadavres s'amoncellent sous l'allégeance de hordes d'infectés extrêmement agressifs pour courser toute présence humaine. C'est Jim, ancien blessé à peine sorti d'un hôpital vacant qui établira de façon aléatoire la rencontre d'un père et sa fille, ainsi qu'une femme solitaire particulièrement déterminée. Communément, ils décident de s'aventurer vers des contrées inexplorées pour peut-être découvrir un asile plus serein et côtoyer quelques rares survivants. 

Avec vulnérabilité, Danny Boyle privilégie un soin humaniste à la densité de ces personnages particulièrement attachants dans leur quête désespérée de daigner survivre dans ce monde infiniment chaotique. Pour amplifier ce sentiment d'insécurité sous-jacent, certaines attaques cinglantes perpétrées par les contaminés contre nos héros s'avèrent redoutablement efficaces pour nous ébranler dans leurs exactions sanglantes d'une vigueur estomaquante ! La réalisation personnelle exploitant lestement ce sentiment de peur mais aussi d'isolement anxiogène qui planent tout le long du récit sur les frêles épaules de nos héros. Bien avant qu'un cortège de militaires extrémistes se résout à les prendre en otage après les avoir tièdement accueilli dans leur château. En crescendo, la mise en scène préalablement dépouillée de surenchère déploie quelques scènes d'action et d'horreur particulièrement éprouvantes. En prime, la splendide partition musicale ajustée par le cinéaste en personne ainsi que ses acolytes, Godspeed You, Black Emperor puis John Murphy contribuent d'y scander son ambiance mortuaire quand nos héros vont tenter de s'opposer à la dictature militaire et déjouer les enragés planqués aux abords du château. Le scénario constamment efficient, jouant d'autant mieux sur la perplexité, le doute, la peur de mourir nous a longuement accordé une empathie à la destinée incertaine de nos protagonistes évoluant dans un no man's land précaire. Tandis que son alerte point d'orgue lèvera le voile sur les motivations insidieuses de nos militaires vouées à la déchéance primitive et stigmatiser l'avilissement du machisme communautaire en humiliant la femme par outrage sexuel.

Une ambiance pestilentielle à couper au rasoir. 

Si 28 Jours plus tard réussit aisément à transcender tous ces ersatz ayant repris le concept du zombie infecté dans les années à venir, il le doit tout autant à la densité humaine de ces personnages remarquablement dessinés qu'à son incroyable ambiance de désolation plaquant le spectateur au siège sans sourciller. Cette compassion désenchantée impartie à son atmosphère élégiaque exploitant à merveille l'environnement naturel / urbain confiné à une exode étrangement mutique. Réaliste, d'une violence âpre, tendu, désespéré, car profondément humain, dépressif et parfois même poétique (la traversée des chevaux), cet incontournable du genre laisse en mémoire un moment de cinéma sensoriel par son magnétisme formel hérité du documentaire. Ni plus ni moins un authentique classique. 

*Bruno

16.10.23. 3èx

31.07.12. 

La chronique de 28 Semaines plus tard: http://brunomatei.blogspot.fr/…/28-semaine-plus-tard-28-wee…

Info Erratum ! http://www.erreursdefilms.com/sf/voir-toutes-les-erreurs-28-jours-plus-tard-28JP.html

Récompenses: Prix du meilleur film britannique lors des Empire Awards en 2003.
Prix de la meilleure photographie lors des Prix du cinéma européen en 2003.
Prix du meilleur réalisateur lors du festival Fantasporto en 2003.
Prix du meilleur film étranger lors du Festival international du film fantastique de Neuchâtel en 2003.
Saturn Award du meilleur film d'horreur en 2004.

THE DARK KNIGHT RISES

de Christopher Nolan. 2012. U.S.A./Angleterre. 2h45. Avec Christian Bale, Liam Neeson, Joseph Gordon-Levitt, Anne Hattaway, Gary Oldman, Morgan Freeman, Marion Cotillard, Michael Caine, Juno Temple.

Sortie salles France: 25 Juillet 2012. U.S: 20 Juillet 2012

FILMOGRAPHIE: Christopher Nolan est un réalisateur, scénariste et producteur anglais, né le 30 Juillet 1970 à Londres en Angleterre.
1998: Following. 2000: Memento. 2002: Insomnia. 2005: Batman Begins. 2006: Le Prestige. 2008: The Dark Knight. 2010: Inception. 2012: The Dark Knight Rises.

Huit ans après les tragiques évènements qui vont valu la défaite du Joker, d'Harvey dent et de Batman, Bruce Wayne reste reclus dans sa demeure, épargné de la foule et des médias. Mais une cambrioleuse circonspecte et un terroriste du nom de Bane vont contraindre le justicier masqué à renflouer sa panoplie pour combattre le crime et l'injustice.

Suite et fin de la trilogie du Chevalier noir entamé en 2005, The Dark Knight Rises conclu de manière toujours aussi ambitieuse la destinée du héros névrotique issu des planches de Comic books. Cette fois, Christopher Nolan aborde le thème du terrorisme de grande ampleur dans un état en crise où les nantis véreux ont davantage le monopole de la mégalomanie. Tristement actuel donc pour mettre en exergue l'impuissance des pauvres, des exclus et des marginaux, subordonnés au côté obscur du terroriste Bane, délibéré à faire exploser un engin nucléaire en plein centre urbain. Sombre et fascinant dans la densité d'un scénario catastrophiste aux enjeux démesurés, le troisième chapitre de Batman est une quête initiatique sur le sens de la bravoure et du sacrifice en transcendant ses peurs par la rage de vaincre. L'impact du film est indubitablement imparti à ces protagonistes meurtris, que ce soit Bruce Wayne réduit à l'état d'esclave dans la cavité d'une prison séculaire; mais obnubilé à remonter à la surface pour combattre un nouvel antagoniste redoutable. Bane, dangereux terroriste au passé trouble et galvaudé est uniquement voué à annihiler la terre entière par dépit revanchard. Entre nos deux rivaux pugnaces, Selina Kayle, cleptomane de renom s'accapare des fortunes de riches industriels pour tenir lieu de sa rancoeur inhérente. Il y a aussi John Blake, un policier orphelin particulièrement empathique pour daigner convaincre Batman de rempiler la panoplie afin que l'injustice soit à nouveau combattue pour redresser une cité en chute libre. Spoiler ! Pour clore ses profils torturés mais téméraires et afin de ne pas spoïler, j'occulterai le nom d'un personnage clef plutôt discret (voir, faussement effacé !) auquel son point d'orgue révélateur lèvera le voile sur sa véritable identité dans un coup de théâtre percutant ! Fin du Spoiler. 

Réalisé de main de maître avec une virtuosité à couper le souffle pour exacerber un suspense oppressant, The Darl Knight Rises n'oublie pas pour autant de nous façonner dans sa dernière heure  un immense spectacle au souffle épique disproportionné. Les séquences d'actions, de poursuites en véhicules ou de guérilla urbaine impressionnent par leur acuité spectaculaire d'une débandade civile livrée à l'anarchie. Alors que sa dramaturgie émotive empreinte de lyrisme parachève une course éreintante contre la mort que Batman et ses comparses vont devoir endurer pour contrecarrer un psychopathe contestataire.

Et afin de symboliser une nouvelle icône du mal, Tom Hardy se révèle parfaitement approprié dans sa nouvelle stature corpulente (15 kilos d'embonpoint entrepris rien que pour sa prestance corporelle !) afin de crédibiliser un terroriste au visage martelé d'un masque d'acier. Son timbre de voix élevé et profond exprime d'une manière théâtrale ses ambitions nihilistes à un peuple assujetti sans faire preuve d'une once d'indulgence. Son passé trouble et torturé est d'autant plus partial que sa vengeance planifiée l'a définitivement assouvie aux racines du mal. Dans celui du chevalier noir, Christian Bale endosse une ultime fois un héros malmené après avoir retrousser sa panoplie, cette fois-ci exilé au fond d'un gouffre carcéral. Mais sa vaillance pugnace de réfréner ses peurs par la rage de vaincre l'illégalité nous confine vers l'endurance d'une confrontation physique afin de corriger le mécréant Bane !

Réflexion sur la défaillance d'une politique affabulatrice, tutrice de la crise économique, introspection du dépassement de soi et du sens du sacrifice, The Dark Knight Rises achève de manière olympienne une trilogie fondée sur la notion d'héroïsme et la responsabilité de l'engagement. Ses protagonistes meurtris opposés à leur raison et aux sentiments nous bouleversent finalement dans leur propre affliction galvaudée par la colère ou la haine punitive. La partition musicale puissamment orchestrée par Hans Zimmer scande le rythme d'une épopée homérique à l'intensité dramatique en apothéose. Cet embrasement d'apocalypse élève pourtant le mythe du héros "sans pouvoir" à sa valeur humaine par le sens de l'offrande. Là où les surhommes ou demi-dieu se lèguent à la mort, à l'exception des légendes vouées à perdurer pour ne jamais s'éteindre... 

La critique de mon ami Gilles Rolland: http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-the-dark-knight-rises
01.08.12

Bruno Matéï