ROBOCOP 2

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site c1n3.org

d'Irvin Kershner. 1990. U.S.A. 1h57. Avec Peter Weller, Nancy Allen, Dan O'Herlihy, Tom Noonan, Belinda Bauer, Robert DoQui, John Glover, Gabriel Damon.

Sortie salles France: 5 Septembre 1990. U.S: 22 Juin 1990

FILMOGRAPHIE: Irvin Kershner est un réalisateur et producteur américain, né le 29 Août 1923 à Philadelphie (Pennsylvanie), décédé le 27 Novembre 2010 à Los Angeles (Californie).
1958: Stakeout on Dope Street. 1959: The Young Captive. 1961: Le Mal de vivre. 1963: Face in the Rain. 1964: The Luck of Ginger Coffey. 1966: l'Homme à la tête fêlée. 1967: Une sacré fripouille. 1970: Loving. 1972: Up the Sandbox. 1974: Les 'S' Pions. 1976: La Revanche d'un Homme nommé Cheval. 1978: Les Yeux de Laura Mars. 1980: l'Empire contre-attaque. 1983: Jamais plus jamais. 1990: Robocop 2.

C'est au réalisateur de l'Empire contre-attaque (et de l'excellent Les Yeux de Laura Mars !) qu'incombe finalement la tâche t'entreprendre une suite du chef-d'oeuvre de Verhoeven. Robocop 2 étant astucieusement un titre à double sens puisqu'il caractérise surtout le prototype d'un nouveau cyborg malintentionné ! Avec l'aide du scénariste Frank Miller, cette séquelle reprend les mêmes ingrédients de son prédécesseur dans son mélange de satire politique (pubs parodiques à l'appui) et d'action destroy où l'ultra violence continue de verser dans la surenchère. Je songe particulièrement à l'éventration chirurgicale opérée sur un flic corrompu, ou encore aux mesquineries d'une bande de marmots cambrioleurs n'hésitant pas à tabasser son commerçant. Si cette dernière séquence s'avère un brin ironique par son caractère débridé, elle n'en demeure pas moins implicitement dérangeante dans son amoralité, quand bien même un peu plus tard, un gamin d'à peine 13 ans régira le contrôle du marché de la drogue depuis que Cain aura été vaincu par Robocop !

Dans les rues de Detroit, violence et délinquance règnent en maître alors que nos politiciens et magistrats continuent de sombrer dans la corruption. Cain, trafiquant notoire, décide de ravitailler la population de sa nouvelle drogue synthétique: le Nuke ! Lancé à ses trousses, Robocop est piégé par ses sbires lors d'un guet-apens. Réduit en charpie, il est rapatrié dans les locaux de l'OCP afin de pouvoir le remettre sur pied. Mais sous la direction d'une doctoresse arriviste, il devient aujourd'hui une nouvelle machine docile dénuée de bravoure et de lucidité. Conscient de son état régressif, il décide de s'électrocuter afin de retrouver sa mémoire. Pendant ce temps, le dealer Cain reprend ses activités de dealer avant que Robocop ne revienne prendre sa revanche. 

Voilà pour le bref résumé de la première partie, car sous la plume de Frank Miller, Robocop 2 remotive son intrigue à mi-parcours avec la présence d'un nouvel intervenant ! Un cyborg particulièrement irascible car préalablement dépendant à la prise de stupéfiants ! J'ai nommé Cain, réduit en l'occurrence à l'état de mi-homme, mi-androïde par les membres de l'OCP afin de pouvoir concurrencer avec l'obsolète Robocop ! Bien évidemment, notre héros d'acier redresseur de torts n'aura pas dit son dernier mot ! 

Ce scénario huilé est un nouveau prétexte afin de transfigurer une bande dessinée destroy grandeur nature ! Fertile en péripéties et action explosive, le spectacle n'est jamais une complaisance gratuite afin de combler nos attentes car il ne fait que respecter la ligne directive de sa narration. Cette efficacité endiablée est notamment renforcée par la fluidité de la mise en scène ainsi que la crédibilité imposée aux effets-spéciaux, quand bien même la lisibilité de l'action nous permet de nous y immerger intensément. Particulièrement son point d'orgue anthologique étalant sur une durée de près de 20 minutes un florilège de bastons dantesques et de fusillades épiques !

Privilégiant la générosité du spectacle explosif, Irvin Kershner ne loupe pas le coche pour faire honneur à son modèle, même s'il pallie un peu la psychologie humaine émise à l'homme machine. Outre sa mise en scène solide et l'efficience des rebondissements, c'est notamment sa galerie excentrique de personnages véreux (en particulier sa délinquance juvénile !) et la peinture caustique impartie à une société anarchique qui rendent l'aventure aussi stimulante ! 

La critique de Robocop: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/09/robocop-directors-cut.html

Bruno Matéï

4èx

THE FACULTY

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Robert Rodriguez. U.S.A. 1998. 1h44. Avec Jordana Brewster, Josh Hartnett, Laura Harris, Elijah Wood, Clea DuVall, Shawn Hatosy, Salma Hayek.

Sortie salles France: 2 Juin 1999. U.S: 25 Décembre 1998

FILMOGRAPHIE: Robert Rodriguez est un réalisateur et musicien américain, d'origine mexicaine, né le 20 Juin 1968 à San Antonio, Texas, Etats-Unis.
1992: El Mariachi. 1993: Roadtracers (télé-film). 1995: Desperado. 1995: Groom Service (Four Rooms, segment: The Misbehavers). 1996: Une Nuit en Enfer. 1998: The Faculty. 2001: Spy Kids. 2002: Spy Kids 2. 2003: Spy Kids 3. 2003: Desperado 2. 2005: Sin City. 2005: Les Aventures de Shark Boy et Lava Girl. 2007: Planète Terror. 2009: Shorts. 2010: Machete (co-réalisé avec Ethan Maniquis). 2011: Spy Kids 4. 2013: Machete Kills. 2014: Sin City: j'ai tué pour elle. 2014: From dusk till Daw: The Series (épis 1,2 et 4).

Deux ans après le défouloir horrifique Une Nuit en Enfer, Robert Rodriguez continue de verser dans l'hommage amusé avec The Faculty. Une satire sur le milieu scolaire auquel une bande de lycéens vont devoir se mesurer à l'autorité drastique de leurs professeurs grâce à l'usage de la coke ! Et cela depuis qu'une nouvelle entité extra-terrestre s'est infiltrée dans le corps des enseignants ! La seule arme pour les démasquer et les éradiquer est dégotée par la poudre blanche qu'un étudiant avait discrètement trafiqué dans son laboratoire !

Partant de ce maigre postulat hérité d'une série Z des années 50, difficile de faire plus grotesque ! Sauf que Robert Rodriguez assume son sens du second degré avec une bonne dose d'ironie et de frénésie. La mise en scène énergique exploitant habilement péripéties et clichés tout en reprenant les thèmes conceptuels du complot et de la paranoïa (une illustre séquence de The Thing est implicitement reprise sous un ton parodique !). D'ailleurs, le récit s'avère si bien construit et captivant qu'on finit rapidement par se laisser convaincre de la menace improbable allouée au corps enseignant. Ce ton pittoresque est notamment renforcé par l'impertinence des professeurs se prenant un malin plaisir à brimer nos étudiants. Quand bien même ces derniers n'auront jamais autant psychotés devant leur présence interlope ! Avec l'entremise de jeunes comédiens en herbe, Rodriguez n'évite pas le stéréotype pour leur personnalité distincte, mais réussit néanmoins à insuffler une réelle sympathie dans leur esprit de solidarité et leur complicité héroïque. D'ailleurs, deux de ces comédiens ont depuis su faire leur preuve dans d'autres productions pour accéder au rang de notoriété (Josh Hartnett, Elijah Wood !). Enfin, un bémol est à souligner envers certains FX numérisés (les plans rapides de doigts coupés ou d'une tête sectionnée) alors que d'autres sont beaucoup plus persuasifs (je pense à l'imposante créature finale !).

Mort aux profs !
Hommage à la science-fiction alarmiste des années 50 et au Monster Movie, The Faculty tire parti de son caractère ludique par la spontanéité des jeunes comédiens et par l'esprit décomplexé d'un réalisateur motivé par la dérision. A titre subsidiaire, outre son rythme infaillible, on peut aussi louer l'exploitation judicieuse de son thème musical, retouche modernisée au tube The Wall ! 

Bruno Matéï 
3èx

RAGE (Rabid)

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de David Cronenberg. 1977. Canada. 1h31. Avec Marilyn Chambers, Frank Moore, Joe Silver, Howard Rysphan, Patricia Gage, Susan Roman, Jean-Roger Périard, Terry Schonblum.

Sortie salles France: 3 Août 1977. Canada: 8 Avril 1977

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada). 1969 : Stereo, 1970 : Crimes of the Future, 1975 : Frissons, 1977 : Rage, 1979 : Fast Company, 1979 : Chromosome 3, 1981 : Scanners, 1982 : Videodrome, 1983 : Dead Zone, 1986 : La Mouche, 1988 : Faux-semblants,1991 : Le Festin nu, 1993 : M. Butterfly, 1996 : Crash, 1999 : eXistenZ, 2002 : Spider, 2005 : A History of Violence, 2007 : Les Promesses de l'ombre, 2011 : A Dangerous Method. 2012: Cosmopolis.

Rage: définition. La rage est une maladie virale grave touchant les mammifères dont les humains. Elle est causée par un virus qui provoque une encéphalite. La rage est une zoonose assez commune qui touche surtout les carnivores. Les symptômes sont nerveux ; parfois une agressivité bien qu'il existe aussi des formes plus frustes où le malade est particulièrement calme. En Europe, la rage a efficacement été éliminée de certains pays par distribution d'appâts vaccinants dispersés dans la nature. Entre 40 000 et 70 000 personnes décèdent de la rage chaque année dans les pays d'Afrique et d'Asie, où la maladie est endémique.

Deux ans après le séminal Frissons, David Cronenberg renoue avec l'épouvante viscérale en empruntant le schéma du film catastrophe. Après un accident de moto et suite à une greffe de peau, une femme est porteuse de germes. En état de manque, car acculé à pomper leur sang, elle pique ses victimes à l'aide d'un dard confiné sous son aisselle. Sommairement, chaque contaminé entre dans une phase de violence erratique semblable à l'épidémie de rage. 

Diptyque inauguré par Frissons, Rage possède cette même aura malsaine que la mise en scène clinique de Cronenberg va amplifier à l'aide d'une photo blafarde et d'une réalisation documentée. Nouvelle expérience de la terreur dénonçant les dérives de la médecine de pointe, Rage met en exergue la peur du virus sous sa forme la plus alarmiste et emprunte la thématique du vampirisme de manière singulière. Son cheminement narratif se frayant à une descente aux enfers irréversible, la progression furtive d'une épidémie mortelle extrêmement contagieuse où chaque quidam en incubation est incapable de refréner ses pulsions ! Epris de fièvre, l'écume aux lèvres, les yeux injectés de sang et le regard abêti, ils se précipitent sur leurs proies pour les mordre voracement ! Ce climat d'insécurité implanté dans une ville en état de siège, Cronenberg le retransmet avec souci de véracité sous l'impulsion de séquences chocs souvent terrifiantes ou terriblement dérangeantes ! A l'instar de son inoubliable image finale auquel Marilyn Chambers est vulgairement jetée dans le conteneur d'un camion par des éboueurs en combinaison ! En talent de maître à frissons, Cronenberg sait renouveler l'horreur dans sa forme la plus crue au gré d'un sujet percutant imputé au mode catastrophe. A savoir, la peur virale, en l'occurrence celle de la rage et l'incapacité des pouvoirs publics d'enrayer la menace. Ne reste plus alors qu'à appliquer la loi martial la plus réactionnaire ! Ancienne star du X, Marilyn Chambers surprend agréablement dans son rôle à contre-emploi puisqu'elle transmet ici un réel talent de comédienne (professionnelle !) afin d'incarner une femme-vampire infectieuse inconsciente de ces actes. Pourvue d'un charme sensuel et érotique, elle véhicule une aura magnétique presque surnaturelle lorsqu'elle décide de séduire ses victimes avec sous-entendu lubrique. Sa présence aussi délétère que charnelle doit également beaucoup au climat anxiogène émanant de ses sournoises exactions.   

Véritable cauchemar sur pellicule, expérience viscérale à bout de souffle, Rage étrille le spectateur au sein d'une descente aux enfers vertigineuse. La folie de ces images morbides et la maîtrise à laquelle Cronenberg parvient à provoquer la répulsion laissent en mémoire une décadence meurtrière indécrassable. 

La critique de Frissons: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/08/frissons-shivers-parasite-murders-they.html

Bruno Matéï

4èx 

JE SUIS UNE LEGENDE (I am legend)

                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Francis Lawrence. 2007. U.S.A. 1h44. Avec Will Smith, Alice Braga, Charlie Tahan, Salli Richardson-Whitfield, Willow Smith, Darrell Foster, April Grace.

Sortie salles France: 19 Décembre 2007. U.S: 14 Décembre 2007

FILMOGRAPHIE: Francis Lawrence est un réalisateur américain, né le 26 Mars 1971 à Vienne en Autriche.
2005: Constantine. 2007: Je suis une Légende. 2011: De l'eau pour les Eléphants. 2013: Hunger Games: l'Embrasement. 2014: Hunger Games, la Révolte (part 1). 2015: Hunger Games: la Révolte (Part 2).

Troisième adaptation du roman de Matheson, Je suis une légende n'est pas le blockbuster formaté que l'on aurait pu craindre avec sa tête d'affiche largement prisée des ados. Servi par un Will Smith d'une surprenante sobriété dans son humanisme déchu, cette relecture post-apo joue la carte de l'intimisme avec ce scientifique plongé dans le désarroi de la solitude, car dernier new-yorkais depuis qu'un virus a enrayé 90% de la démographie mondiale. Ayant comme seule compagnie son chien, ils sillonnent ensemble les quartiers dévastés pour tenter de retrouver un quelconque rescapé. Mais dès la nuit tombée, des infectés assoiffés de sang sortent de leur tanière afin d'éradiquer toute présence humaine !

Avec ces décors d'urbanisation décharnée où le climat feutré s'avère tangible, Je suis une Légende joue la carte de la désolation dans un réalisme rigoureux. Eludé de présence humaine (du moins dans sa 1ère partie !), le film dégage un sentiment trouble de silence diffus quand bien même notre héros s'exprime le plus souvent de manière laconique. Observer l'amertume d'un survivant condamné à sa solitude et contraint de bavasser avec des mannequins de vitrine illustre bien le besoin intrinsèque de tout être humain de vivre en communauté et échanger la discussion avec son prochain. Quand à l'attention et la tendresse qu'il témoigne pour son chien, c'est l'instinct amoureux et l'amitié que notre héros dévoile en désespoir de cause. En privilégiant l'atmosphère monocorde, le réalisateur nous fait également partager son isolement au sein de sa demeure. De façon récurrente, il se réfugie dans le sous-sol pour pratiquer des expérimentations sur des contaminés afin de trouver un vaccin pour les guérir. De manière très efficace, car ne cédant jamais à la gratuité de l'esbroufe, Francis Lawrence n'oublie pas d'entretenir un climat d'angoisse particulièrement tendu lorsque Robert Neville est pris à parti avec les mutants dans les souterrains obscurs de la ville. Sa manière expectative de télescoper suspense et tension est renforcée par l'attitude forcenée des mutants. Des créatures de l'ombre redoutablement furtives quand il s'agit de sortir la nuit pour pourchasser leur proie ! Si les FX numériques auraient gagnés à être perfectibles (texture trop léchée), ils n'en demeurent pas moins convaincants et réellement impressionnants, principalement au niveau de la physionomie émaciée des infectés et de leur vélocité incontrôlée ! La seconde partie apaise un peu la tension préalablement instaurée avec la rencontre fortuite d'une survivante et de son fils. SPOILER ! Persuadée qu'une colonie de survivants existe en dehors de New-York, elle va tenter de convaincre Robert Neville de prendre la route, avant qu'une dernière altercation avec les mutants ne vienne les bouleverser FIN DU SPOILER. Entre défaitisme et aspiration, le réalisateur privilégie leur rapport conflictuel avec pudeur pour la postérité d'un monde nouveau mais aussi pour l'évolution humanisée des mutants (du moins dans son épilogue originel souhaité par le réalisateur). A contrario, on peut aussi approuver la thématique du sens du sacrifice émise par le héros dans la version diffusée en salles.

En privilégiant la dimension humaine de son héros, Francis Lawrence réadapte un classique d'anticipation avec l'humilité poignante, tout en s'autorisant des moments de tension réellement anxiogènes ainsi qu'une action homérique salutaire. L'esthétisme post-apo retranscrit dans un New-York délabré s'avère également expressif pour nous immerger dès le prélude dans un climat des plus mutiques. 

Bruno Matéï
2èx

DALLAS BUYERS CLUB

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Jean-Marc Vallée. 2013. U.S.A. 1h57. Avec Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner, Denis O'Hare, Steve Zahn, Michael O'Neill, Kevin Rankin.

Sortie salles France: 29 Janvier 2014. U.S: 1er Novembre 2013

FILMOGRAPHIE: Jean-Marc Vallée est un réalisateur et scénariste américain, né le 9 Mars 1963 au Québec.
1992: Stéréotypes. 1995: Les Fleurs Magiques. 1995: Liste Noire. 1997: Los Locos. 1998: Les Mots Magiques. 1999: Loser Love. 2005: C.R.A.Z.Y. 2009: Victoria: les jeunes années d'une reine. 2011: Café de Flore. 2013: The Dallas Buyers Club.

Témoignage de survie contre le Sida, Dallas Buyers Club puise sa densité dans l'intérêt de sa narration fustigeant les compagnies pharmaceutiques ricaines. L'action se situe à Dallas en 1986. Ron Woodroof est un joueur de rodéo homophobe très porté sur le sexe et la drogue. Un jour, il apprend qu'il est déclaré séropositif, quand bien même le médecin lui avoue qu'il lui reste 30 jours à vivre. Refusant de se faire soigner à l'AZT, il décide de se lancer dans la contrebande médicamenteuse afin de prolonger son existence face à des produits beaucoup plus fiables.

De manière dépouillée et sans effet de pathos, Jean-Marc Vallée nous livre un drame poignant sur la condition du malade tout en sublimant le portrait d'un homophobe en rédemption. Servi par deux acteurs hors-pair, le film doit beaucoup de son intensité par la complicité qu'ils entretiennent à l'écran. Jared Leto incarnant un jeune homosexuel fragile et extravagant dans sa posture efféminée, alors que Matthew McConaughey endosse celui d'un cow-boy incontinent mais fugace dans son désir de bafouer les réglementations de son pays. Presque méconnaissables dans une posture famélique, les comédiens se livrent à coeur ouvert dans leur combat acharné de daigner repousser la fatalité de la mort en retardant le plus loin possible sa probation. Ce qui donne parfois lieu à des moments d'émotion bouleversante quand l'un d'eux doit se préparer à accepter sa défaite. Cet instant de vérité où l'on se refuse à admettre l'inéluctable, le réalisateur le retransmet avec la dimension du jeu d'acteur où la notion d'injustice est exprimée par l'affliction du désespoir.
Le réalisateur nous fait donc partager leur amitié à travers la cohésion professionnelle dans leur projet émis au "Dallas buyers club". Un centre officieux permettant d'accueillir les malades porteurs du VIH et de les soigner avec une médicamentation illégale mais beaucoup plus fructueuse que celle instaurée dans les hôpitaux. Avec empathie humaine, le réalisateur met en évidence le parcours évolutif de Ron Woodroof, personnage gueulard plutôt rustre mais contraint de cohabiter avec un gay lui permettant ainsi d'éprouver regain de tolérance. Grâce aux produits de substitution, leur parcours drastique à souhaiter prolonger leur vie et celle des malades permet de pointer du doigts l'inefficacité des administrations américaines à négliger sur leur sol des médicaments étrangers beaucoup plus compétents pour le traitement du patient.

Dominé par l'interprétation viscérale de deux acteurs méconnaissables, Dallas Buyers Club tire parti de leur présence humaine avec une vérité aussi poignante que bouleversante. Leur sombre destin s'érige en témoignage humble pour la survie de millions de malades et stigmatise avec lucidité l'hypocrisie de la déontologie médicale. C'était au milieu des années 80, en pleine ascension de l'homophobie et du SIDA, et Ronald Woodroof y laissera son empreinte le 12 Septembre 1992 !

Bruno Matéï

Récompenses: Prix du Public et Prix du meilleur acteur pour Matthew McConaughey au Festival international de Rome 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Loto, Alliance of women film journalists awards 2013.

Meilleur acteur pour Jared Leto, African-American Film Critics Association Awards 2013
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Alliance of Women film journalists Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Austin Film Critics Association Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Black Film Critics Circle Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Boston Online Film Critics Association Awards 2103. 

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Chicago Film Critics Association Awards 2013.
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Dallas-Fort Woth Film Critics Association Awards 2013.
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Detroit Film Critics Society Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Florida Film Critics Circle Awards 2013

Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, Gotham Awards 2013
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto: Houston Film Critics Society Awards 2013.

Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Las Vegas Film Critics Society Awards 2013.
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Nevada Film Critics Society Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, New-York Film Critics Circle Awards 2013. 

Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Phoenix Film Critics Society Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, San Diego Film Critics Society Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Southeastern Film Critics Association Awards 2013. 

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, St-Louis Film Critics Association Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Toronto Film Critics Association Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Washington D.C Area Film Critics Association Awards 2013

Desert Palm Achievement Award pour Matthew McConaughey (ex-æquo avec Sandra Bullock), Festival international du film de Palm Springs 2014.

Meilleur Acteur pour Matthew McConaughey, Meilleur acteur de second rôle pour Jared Leto au Critics'Choice Movie Awards 2014.
Meilleur Acteur pour Matthew McConaughey, Meilleur acteur de second rôle pour Jared Leto au Golden Globes 2014.
Meilleur Acteur pour Matthew McConaughey, Meilleur Acteur de second rôle pour Jared Leto au Screen Actors Guild Awards 2014

Le Guerrier de l'Espace (Spacehunter adventures in a forbidden zone)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Moviecovers.com

de Lamont Johnson. 1983. U.S.A. 1h30. Avec Peter Strauss, Molly Ringwald, Ernie Hudson, Michael Ironside, Andrea Marcovici, Beeson Carroll, Grant Hallianak, Deborah Pratt.

Sortie salles France: 7 Septembre 1983

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lamont Johnson est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 30 Septembre 1922 à Stockton (Californie), décédé le 25 Octobre 2010 à Monterey (Californie). 1967: A Covenant with Death. 1969: Haute tension dans la ville. 1970: L'Evasion du capitaine Schlütter. 1971: Dialogue de feu. 1972: Requiem pour un espion. 1976: Viol et Châtiment. 1978: Qui a tué mon cher mari ? 1983: Le Guerrier de l'espace. 1993: La Chaîne brisée. 1996: The man next door (télé-film). 1997: Le loup et le raven (télé-film) .

Pour sauver trois jeunes femmes prisonnières dans une zone interdite de la galaxie... Un aventurier et une rebelle de l'espace affrontent une planète dont personne n'est jamais revenu !

Sorti en pleine vague du post-nuke inauguré par Mad Max, Le Guerrier de l'Espace allie space opera et western futuriste avec une fougue bonnard. Car si le postulat s'avère des plus minimalistes (un guerrier solitaire tente de sauver trois jeunes femmes des griffes du dictateur Overdog !), l'intérêt se situe plutôt au niveau des personnages que notre héros principal fréquentera durant son périple. Embarrassé d'une adolescente impertinente, le guerrier Wolff est contraint de s'allier avec cette jeune inconnue avant que son vieil ami Washington ne vienne les rejoindre. L'attrait du film provient donc en grande partie de leur rapport conflictuel où leurs chamailleries abondent avec soupçon de tendresse toujours plus affirmée. Il faut dire qu'en dehors de son physique gentiment agréable, Molly Ringwald réussit à retransmettre spontanéité et fragilité pour mettre en valeur une bohémienne entêtée dénuée d'éducation. Dans celui du chasseur solitaire, Peter Strauss détonne dans son rôle à contre-emploi de héros faussement bourru car finalement humble à prêter main forte pour ses compagnons. S'il manque parfois de vigueur dans ces élans héroïques, l'acteur réussit à faire oublier son statut de star de série TV (le Riche et le pauvre) avec une décontraction assumée. 

Défavorisé par son modeste budget, Lamont Johnson réussit pourtant à dépeindre un univers post-apo particulièrement photogénique à travers ce désert rocailleux confiné sur la planète Terra 11. Afin de renforcer son caractère dépaysant, des filtres rouges et ocres vont charger l'atmosphère solaire dénué d'urbanisation. De par ces péripéties gentiment trépidantes et ses dialogues cocasses, le réalisateur compte à nouveau sur les personnages, cette fois-ci antagonistes, pour nous amuser et relancer l'intrigue. Tant auprès des nécrophages, des monstres gloutons, de la tribu d'enfants-mutants, des amazones, ou encore des vautours du Suprême surplombant le ciel ! Pour la gamme des engins motorisés (dont un navire scellé sur rail !) et du repère de la zone interdite, on songe inévitablement à la scénographie barbare imposée par Georges Miller et tous ces ersatz Z transalpins qui auront exploité le filon. Et si l'industrie post-apo parait aujourd'hui bricolée et peut prêter à sourire, elle n'en demeure pas moins crédible à travers son aspect à la fois bariolé et rubigineux, quand bien même les maquillages délirants confectionnés sur certains acteurs (Overdog en tête avec ces pinces métalliques robotisés !) semblent tout droit hérités d'une BD de science-fiction !

Epaulé d'un score orchestral épique et de la bonhomie de ces personnages héroïques, Le Guerrier de l'Espace repose sur la simplicité de péripéties éculées et l'aspect futuriste de l'environnement aride pour nous divertir en toute modestie. Il y émane un spectacle aussi innocent qu'attachant, une série B au charme rétro que la génération 80 se replongera avec une pointe de nostalgie. 

*Bruno

15.11.11
31.01.14. 

19.11.20. 5èx

LE PROJET BLAIR WITCH (The Blair Witch Project). Prix de la Meilleure 1ère oeuvre.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Daniel Myrick et Eduardo Sanchez. 1999. U.S.A. 1h18. Avec Heather Donahue, Joshua Leonard, Michael C. Williams, Bob Griffith, Ed Swanson.

Sortie salles France: 28 Juillet 1999. U.S: 30 Juillet 1999

FILMOGRAPHIE: Daniel Myrick, né le 30 Novembre 1962 à Sarasota, Floride (Etats-Unis), est un réalisateur, scénariste, monteur, directeur de la photographie et producteur américain.
1999: Le Projet Blair Witch. 1999: Curse of the Blair Witch (Doc). 2004: The Strand. 2007: Believers. 2009: Ultimate Patrol.
Eduardo Sanchez est un réalisateur, scénariste et producteur américain d'origine cubaine, né le 20 Décembre 1968. 1999: Le Projet Blair Witch. 1999: Sticks and Stones: Investigating the Blair Witch (vidéo). 1999: Curse of the Blair Witch (Doc). 2006: Altered. 2008: Seventh Moon. 2009: ParaAbnormal. 2011: Lovely Molly. 2013: V/H/S 2 (segment: A ride in the Park). 2013: Four Corners of Fear. 2014: Exists.

Succès planétaire précédemment vanté par internet si bien que les réalisateurs ont eu l'habileté de répandre une fausse rumeur afin de nous faire croire qu'il s'agissait d'un vrai documentaire auquel les comédiens avaient réellement disparu (une idée juteuse inspirée par la combine de Deodato avec Cannibal Holocaust !), Le Projet Blair Witch reprend le concept du documenteur (prénommé aujourd'hui Found Footage, filon éculé jusqu'à la moelle !) avec une efficacité éprouvante ! A partir d'un pitch simpliste bâti sur la légende urbaine d'une sorcière, les réalisateurs Daniel Myrick et Eduardo Sanchez tentent de renouveler la peur sous pellicule grâce au procédé réaliste de la caméra portée à l'épaule. Si d'autres cinéastes avaient déjà emprunté avec succès cette méthode d'immersion au plus près du reportage (Punishment Park, C'est arrivé près de chez vous et l'inévitable Cannibal Holocaust), nos deux compères se sont ici surpassés pour provoquer la frousse avec leur budget dérisoire avoisinant 75 000 dollars.

Outre la véracité du jeu (improvisé) des comédiens en état de marasme, l'impact du Projet Blair Witch émane de sa scénographie forestière, environnement opaque de tous les dangers. La manière suggérée dont les réalisateurs s'y entreprennent pour insuffler un climat anxiogène découle notamment de l'attitude désemparée des protagonistes. Trois jeunes campeurs sans ressource, épuisés par la fatigue et la faim, se retrouvent désorientés, piégés au coeur d'une forêt lourde de secrets, essentiel antagoniste du récit ! Filmé en mode Vhs, la texture granuleuse et sépia de l'image doivent également beaucoup à l'effet d'immersion que le spectateur redoute avec une inquiétude toujours plus dérangeante. En jouant sur le mythe, la peur nocturne et les bruits suspicieux, à l'instar de chuchotements d'enfants ou d'un hurlement, mais en jonglant aussi sur les symboles du vaudou, Le Projet Blair Witch compte sur l'influence de la persuasion afin d'exacerber un sentiment de paranoïa. Au malaise diffus subtilement répandu, le spectateur semble, comme les protagonistes, aussi impliqué dans l'aventure et redoute la prochaine vision nocturne avec une fascination apeurée ! Quand bien même le fameux point de rencontre établi dans une maison insalubre, méandre délabré de l'inconnu, va atteindre son apogée de la terreur !

Avec une efficacité de suggestion et la persuasion viscérale des comédiens amateurs, Le Projet Blair Witch fascine, captive et éprouve avec une anxiété toujours plus redoutée. Rarement au cinéma une forêt n'aura été rendue aussi délétère, feutrée, malsaine et redoutablement mesquine. Pour preuve, et si vous en avez le courage, tentez d'aller faire un tour dans le fourré de votre région sitôt le générique écoulé !

BM
4èx

Récompenses: Prix de la Jeunesse en 1999
Prix de la meilleure première œuvre ayant un budget inférieur à 500 000 dollars, lors des Film Independent's Spirit Awards 2000.