CAPITAINE PHILLIPS (Captain Philips)

                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Paul Greengrass. 2013. U.S.A. 2h14. Avec Tom Hanks, Michael Chernus, Yul Vazquez, Barkhad Abdi, Catherine Keener, Max Martini.

Sortie salles France: 20 Novembre 2013. U.S: 11 Octobre 2013

Récompenses: American Film Institute Awards 2013: Top 10 des meilleurs films de l'année
Indiana Film Journalists Association Awards 2013: meilleur acteur dans un second rôle pour Barkhad Abdi.

Sans Diego Criticsz Society Awards 2013: meilleur montage

Festival international du film de Palm Springs 2014; Chairman's Award pour Tom Hanks. 

FILMOGRAPHIE: Paul Greengrass est un journaliste, réalisateur, scénariste et producteur britannique, né le 13 Août 1955 à Cheam (Royaume-Uni).
1998: Envole moi. 2002: Bloody Sunday. 2004: La Mort dans la peau. 2006: United 93. 2007: La Vengeance dans la peau. 2009: Green Zone. 2013: Capitaine Phillips.

Dans la lignée de l'éprouvant A Hijacking (http://brunomatei.blogspot.fr/2013/10/a-hijacking-kapringen.html), Capitaine Phillips relate l'histoire vraie d'une prise d'otage peu commune, dans le sens où l'unité de lieu est en partie confinée au sein d'une embarcation restreinte. Après avoir épargné les otages du porte-conteneur MV Maersk Alabama, des pirates somaliens décident d'embarquer sur un bateau de survie avec, parmi eux, le commandant Phillips. Exigeant une demande de rançon plus élevée afin de transiger sa libération, les kidnappeurs vont devoir s'entretenir avec une équipe spécialisée de négociateurs. Une traque maritime de longue haleine va débuter en pleine mer !

En cinéaste virtuose, Paul Greengrass nous avait déjà prouvé qu'il était capable de mettre en image l'évènement du fait divers en nous plongeant dans le feu de l'action avec une vérité documentée (Bloody Sunday, United 93). Si Capitaine Phillips n'atteint pas la force et l'intensité dramatique de ces films précités, il n'en demeure pas moins remarquablement captivant dans sa conduite narrative évoquant un beau témoignage de survie en la présence du capitaine Phillips. Incarné par l'illustre Tom Hanks, l'acteur sait retransmettre désarroi et inquiétude face à sa condition de martyr, jusqu'à l'issue bouleversante lui permettant de délivrer une performance d'une grande intensité émotionnelle.
Avec la volonté de bâtir avant tout un suspense haletant, Paul Greengrass élabore une prise d'otage assez singulière pour le lieu alloué et l'unique témoin retenu en otage. Avec l'aide d'un montage étourdissant de précision et de vigueur, il nous entraîne dans un cauchemar maritime à la tension toujours plus exponentielle. En se focalisant sur la relation houleuse des pirates malhabiles avec un otage prévoyant, le réalisateur entretient l'effet de stress par une étude caractérielle fondée sur la paranoïa. En parallèle, nous suivons les stratégies méticuleuses d'une équipe de négociateurs scrutant attentivement les faits et gestes des malfaiteurs à l'aide d'appareils sophistiqués de surveillance. Spoiler !!! Par ces actes de bravoure aussi risqués que préalablement étudiés, le réalisateur leur rend notamment hommage d'avoir su éviter un lourd préjudice  ! Fin du spoiler

Panique en haute mer
En privilégiant le suspense et la tension, Capitaine Phillips impressionne, voir détonne dans sa progression dramatique à rude épreuve où les conflits humains sont sévèrement compromis par l'anxiété et la panique de l'échec. Rehaussé du jeu poignant de Tom Hanks, ce fait divers improbable puise notamment son impact dans son réalisme et la bravoure accordée aux Navy seals !

08.01.14.
Bruno Matéï

LA CONQUETE DE LA PLANETE DES SINGES (Conquest of the Planet of the Apes). Version non censurée !

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

Version Longue non censurée. de Jacques Lee Thompson. 1972. U.S.A. 1h28. Avec Roddy McDowall, Don Murray, Ricardo Montalban, Natalie Trundy, Hari Rhodes, Severn Darden, Lou Wagner.

Sortie salles U.S: 30 Juin 1972

FILMOGRAPHIE: Jack Lee Thomson, de son vrai nom John Lee Thompson, est un réalisateur, scénariste et producteur britannique né le 1er août 1914 à Bristol (Royaume-Uni), décédé le 30 août 2002 à Sooke (Canada).
Avec 47 longs-métrages, le cinéaste a abordé tous les genres avec plus ou moins de bonheur dont certains font office de chef-d'oeuvre. On peut citer à titre d'exemples Les Canons de Navarone, Les Nerfs à vif, la Conquête de la planète des singes, la Bataille de la Planète des singes, le Bison Blanc, l'Empire du Grec, Monsieur St-Yves, Passeur d'hommes et Happy Birthday (son unique incursion dans le slasher). Enfin, il est notamment responsable de la saga des justiciers avec l'aimable complicité de son acteur fétiche Charles Bronson (Le Justicier de Minuit, l'Enfer de la Violence, la Loi de Murphy, le Justicier braque les dealers, le Messager de la mort et Kinjite, sujets tabous).

4è volet de la célèbre saga, la Conquête de la planète des singes est considéré à juste titre comme l'épisode le plus convaincant depuis celui de Schaffner. Réquisitoire contre l'esclavagisme et l'exploitation des ouvriers, pamphlet contre le totalitarisme et la haine raciale, ce quatrième opus dirigé par Jack Lee thompson s'avère puissamment évocateur dans sa dénonciation d'une politique despotique (les uniformes des policiers font d'ailleurs évoquer la triste période de l'occupation nazie). Violemment percutant, le film dépeint avec le fracas des armes la sédition des singes organisé par césar (fils de Cornelius et Zira). Alors que ce dernier était recueilli par un directeur de cirque depuis 20 ans, il découvre aujourd'hui l'asservissement de ces semblables sous la houlette d'un gouverneur fasciste. Après la mort de son père adoptif, il décide donc de se venger en organisant une rébellion de grande échelle.

Cette situation de crise amplement mise en scène est d'autant plus crédible que l'impact saisissant des séquences d'insurrection réserve parfois un réalisme cru pour notre châtiment réservé. Mais auparavant, Jack Lee Thompson aura pris soin de peaufiner sa reconstitution futuriste d'un état totalitaire où les hommes auront remplacé nos traditionnels animaux domestiques pour se laisser entretenir par les simiens. Alternative oh combien profitable pour l'exploitation de l'esclavage !
Notre soif de mégalomanie et notre désir de soumission infligé aux primates sont savamment illustrés à travers des séquences de dressage où tortures et humiliations sont monnaie courante. Par sa violence âpre, certaines séquences s'avèrent d'ailleurs pénibles à regarder tant elles nous remémorent les expérimentations de la vivisection pratiquées sur nos animaux de laboratoire. Fatalement vouée à perdre la guerre et provoquer l'apocalypse nucléaire, la race humaine est néanmoins sévèrement réprimandée de son intolérance et de sa lâcheté par la révolte de César ! Les séquences d'émeutes s'avèrent parfois assez brutales pour rappeler chez les deux camps adverses l'instinct primitif et destructeur enfouis dans l'inconscience (celle de la descendance du singe s'excusera le gouverneur !). A l'atmosphère sombre distillant une tension latente, La Conquête de la planète des singes joue la carte du nihilisme avec une véracité aussi impressionnante que terrifiante dans ces images d'anarchie à l'idéologie réactionnaire. Une mise en garde afin de mettre en exergue l'emprise délétère du pouvoir où la liberté ne peut se gagner qu'à travers l'emploi des armes d'une révolution sanglante (il n'y a pas de fumée sans feu prononcera César !).

Âpre, violent et très spectaculaire dans sa dernière partie, la Conquête de la Planète des Singes passionne autant que son précurseur dans ses thématiques politiques et véhicule un tel climat d'inquiétude que l'on redoute qu'un tel élan de sédition puisse un jour nous être fatal ! Sous l'allégeance perspicace de César, on peut louer l'impressionnante performance simiesque de Roddy Mc Dowall littéralement habité par une rancoeur contestataire mais finalement discrédité par sa haine punitive ! Un épisode redoutablement incisif dans son caractère frondeur et d'une noirceur telle qu'elle nous laisse un goût d'amertume dans la bouche ! (du moins dans sa version non censurée beaucoup plus radicale !)

La critique des autres opus de la saga: 
http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/la-planete-des-singes-planet-of-apes.html
http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/le-secret-de-la-planete-des-singes.html
http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/les-evades-de-la-planete-des-singes.html
http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-bataille-de-la-planete-des-singes.html

07.01.14. 3èx
Bruno Matéï

DU SANG ET DES LARMES (Lone survivor)

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Peter Berg. 2013. U.S.A. 2h01. Avec Mark Wahlberg, Taylor Kitsch, Ben Foster, Emile Hirsch, Eric Bana, ALexander Ludwig.

Récompense: Las Vegas Film Critics Society Awards 2013: meilleur film d'action
Sortie salles France: 1er Janvier 2014. U.S: 10 Janvier 2014

FILMOGRAPHIE: Peter Berg est un réalisateur, acteur, producteur, scénariste et compositeur américain, né le 11 Mars 1962 à New-York.
1998: Very Bad Things. 2003: Bienvenue dans la jungle. 2004: Friday night lights. 2007: Le Royaume. 2008: Hancock. 2012: Battleship. 2013: Du sang et des larmes.

Du Sang et des Larmes relate la déroute de quatre soldats américains durant l'opération Red Wings en Afghanistan en 2005. Alors qu'ils étaient chargés de supprimer un chef Taliban, ces Navy Seals vont se retrouver piégés en interne des montagnes après avoir épargné la vie à trois villageois.
C'est donc la reconstitution d'un fait divers implacable que nous relate Peter Berg avec l'intensité furieuse des combats et l'humanité déchue de ces protagonistes. L'insurmontable descente aux enfers d'une poignée d'américains malmenés par un guet-apens, car toujours plus contraints de battre en retraite et baisser la garde afin d'éviter les balles. En plein coeur de la nature hostile des hautes montagnes, nous sommes plongés tête baissée dans une guérilla sanglante auquel une armée de talibans ont décidé de ne leur laisser aucune faveur.

Filmé à la manière d'un documentaire, Du sang et des Larmes saisit le spectateur à la gorge par son caractère jusqu'au boutiste du sentiment d'impuissance et d'une action belliqueuse incessamment inéquitable. Car cette fuite désespérée est une épreuve de force toujours plus déloyale que nos quatre baroudeurs vont tenter de déjouer avec l'infime espoir de survie. A bout de souffle, car épuisés et sévèrement amochés par leurs blessures corporelles, ils vont devoir compter sur leur indépendance et leur instinct de courage afin de s'extraire du bourbier. Le fait de témoigner du courage désespéré de ces héros en porte à faux nous confine dans un pur cauchemar d'autant plus réel que l'alibi du fait divers nous était préalablement énoncé. Avec l'efficacité effrénée des offensives, pas le temps de reprendre son souffle tant l'action ininterrompue redouble de dangers, subterfuges et twist inespéré ! (SPOILER ! humble témoignage à la solidarité afghane dans le dernier acte FIN DU SPOILER). Grâce à la virtuosité de sa mise en scène et l'extrême lisibilité de l'action, le film transcende le mode du survival où l'ultra violence aride n'a pas besoin d'être ostentatoire pour impressionner le spectateur. A contrario, elle fait mal car observer l'agonie d'une victime (le réal insistant sur le tempo d'une lente respiration !) reste une épreuve qui confine à la gêne. Grâce à la véracité des évènements décrits et la densité fragile des interprètes, l'intensité dramatique qui en découle n'en est alors que plus ardue.

Brutal, sans concession et mené à un train d'enfer, Du sang et des Larmes est un spectacle furieusement épique aussi haletant qu'éprouvant. Avec un évident talent de virtuosité technique, Peter Berg ne cherche jamais l'esbroufe gratuite pour rendre un vibrant hommage à ces héros oubliés (à l'instar de son épilogue poignant où les images d'archive tireront des larmes aux plus sensibles !). Enfin, on peut mériter la prestation solide des comédiens (Mark Walhberg en tête), rendus ici presque méconnaissables dans leur posture de martyr, car défigurés et écorchés par les nombreux impacts de projectiles. 

06.01.14.
Bruno Matéï

RUSH

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site thereza-thereza.fr

de Ron Howard. 2013. U.S.A./Angleterre/Allemagne. 2h02. Avec Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara, Pierfrancesco Favino.

Sortie salles France: 25 Septembre 2013. U.S: 20 Septembre 2013

FILMOGRAPHIE: Ron Howard est un réalisateur et acteur américain, né le 1er Mars 1954 à Duncan, Oklahoma.
1977: Lâchez les bolides. 1982: Les Croque-morts en folie. 1984: Splash. 1985: Cocoon. 1985: Gung Ho. 1988: Willow. 1989: Portrait craché d'une famille modèle. 1990: Backdraft. 1992: Horizons Lointains. 1994: Le Journal. 1995: Apollo 13. 1996: La Rançon. 1999: En direct sur Ed TV. 2000: Le Grinch. 2001: Un Homme d'Exception. 2003: Les Disparus. 2005: De l'ombre à la lumière. 2006: Da Vinci Code. 2008: Frost/Nixon. 2009: Anges et Démons. 2011: Le Dilemme. 2013: Rush. 2014: Heart of the Sea.

Equipée effrénée de deux vainqueurs des circuits F1, Rush retrace l'autobiographie du britannique James Hunt se disputant la vedette du championnat du monde avec l'autrichien Niki Lauda. C'est donc une confrontation au sommet que nous évoque le prolifique Ron Howard avec un sens vertigineux du lyrisme et de l'épique. Film d'action émaillé d'impressionnants morceaux de bravoure, bien que rarement spectaculaires (on est ici à contre emploi des poursuites pétaradantes de Fast and Furious !), Rush joue la flamboyance pour sublimer avant tout la rivalité opiniâtre de deux briscards avides de gagne et de célébrité. Là où le film s'avère puissamment captivant mais aussi bouleversant, c'est dans l'étude de caractère allouée aux deux adversaires que Ron Howard brosse avec dignité humaine. Deux pilotes totalement contradictoires dans leur éthique existentielle mais communément sollicités à accéder au trône. Une course poursuite récursive d'une rudesse si impitoyable que dans le pire des contextes, l'accident mortel risque à tous moments de les départager !

Si Niki Lauda est un coureur renfrogné plutôt antipathique aux yeux du public, parce que solitaire et menant une existence docile, James Hunt est un bellâtre coureur de jupon particulièrement adulé. Un casse-cou suicidaire dans son arrogance du défi, quand bien même après la victoire, il se pavane dans les excès de drogues et d'alcool. L'un mène donc la prudence noble afin de rester studieux dans la persévérance et sauvegarder sa vie, l'autre mène une vie dissolue conçue sur les loisirs et le profit de l'instant présent. Cette ambivalence impartie à ces deux brillants pilotes renforce admirablement le caractère passionnant de leur rivalité et converge vers une réflexion sur la célébrité et le dépassement de soi. Avec une ambition circonspecte et beaucoup d'humilité, Ron Howard rend également hommage à une discipline de sport extrêmement risquée (le prologue rappellera d'ailleurs que sur 25 participants coucourant au championnat de F1, deux d'entre eux mourront accidentellement !) et met en exergue l'esprit de compétition, la rage de vaincre de deux hommes littéralement obsédés par leur discipline, jusqu'à en occulter l'amour (en pleine prospérité, Niki Lauda révisera son jugement sur le crédit du bonheur et l'idylle conjugale).

Superbement incarné par deux acteurs attachants dans leur charisme antinomique et leur loyauté, et pourvu d'un réalisme parfois rigoureux (les blessures corporelles infligées à l'un d'entre eux durant la convalescence hospitalière s'avère presque insoutenable !), Rush invoque le respect pour cette profession sportive où les enjeux de réussite et de célébrité s'avèrent impitoyablement risqués. Avec une juste lucidité, Ron Howard met également en lumière les rapports masochistes qu'entretenaient ces deux rivaux, communément épris de réelle considération pour leur esprit de stoïcité. Quand bien même l'un d'eux se brûlera les ailes d'avoir exploité si maladroitement son statut de notoriété !

04.01.14
Bruno Matéï

LE MONDE DE CHARLIE (The Perks of Being a Wallflower)

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Stephen Chobsky. 2012. U.S.A. 1h42. Avec Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller, Nina Dobrev, Mae Whitman, Kate Walsh.

Sortie salles France: 2 Janvier 2013. U.S: 21 Septembre 2012

FILMOGRAPHIE: Stephen Chobsky est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain américain, né le 25 Janvier 1970 à Pittsburgh, Etats-Unis. 1995! The four corners of nowhere. 2012: Le Monde de Charlie 

"Certains disent que ces choses là n'arrivent pas. Et certains oublient ce que c'est d'avoir 16 ans une fois qu'ils en ont 17. Ces moments deviendront des histoires, nos photos deviendront de vieux souvenirs, et on finira tous par devenir parents. Mais pour l'instant, ces moments ne sont pas des histoires. Ils sont bien réels. Je suis ici. Je la regarde. Et elle est sublime. Je le sens. Cet instant où on sait qu'on n'est pas un raté. Où on est vivant. Où on regarde les immeubles illuminés et tout ce qui nous émerveille. Où on écoute cette chanson pendant cette virée avec les gens qu'on aime le plus au monde. Et à cet instant, je peux dire qu'on est immortels."

Couvert de récompenses outre-atlantique, Le Monde de Charlie semble bien parti pour devenir le symbole de toute une génération, le "Breakfast Club" des années 2000, le phénomène culte d'une nouvelle Fureur de Vivre ! Quitte à passer pour un illuminé dithyrambique. Hymne à l'adolescence, à la vie et à l'amitié, quête initiatique, épopée nostalgique que cette période pubère de l'émoi amoureux, Le Monde de Charlie dépeint avec une lucidité précieuse le malaise adolescent du point de vue de la fraternité. Si le film s'avère si puissamment évocateur et vertigineux, il tire parti de la pudeur humaniste de ces protagonistes magnifiquement incarnés par des comédiens à la vitalité innocente !  Le pitch: Charlie est un jeune adolescent introverti essayant timidement de s'insérer au sein de son nouveau lycée. Un jour, il fait la rencontre de Sam et Patrick qui l'accueillent sans préjugés. Grâce à leur cohésion, il vont entamer une amitié qui changera à jamais leur destin.  

Avec sa mise en scène inventive, en symétrie avec le thème traité, scandée d'une partition rock rétro (Bowie iconise le trio juvénile au rythme du tube Heroes !), Stephen Chobsky réinvente le teen movie avec une dignité inusité. Cantique à l'immortalité du temps présent, Le Monde de Charlie demeure une déclaration d'amour à la renaissance à travers la fragilité adolescente. Une jeunesse en plein doute existentiel, parfois en danger de perdition mais capable de transcender ses craintes par le bénéfice de la confiance et de l'esprit de camaraderie. Ainsi, à travers le portrait d'un adolescent traumatisé par le deuil de sa tante, Stephen Chobsky nous fait pénétrer dans son univers avec une humilité bouleversante. En évitant l'apitoiement et la niaiserie sentimentale, il nous brosse le témoignage délicat d'un adolescent névrosé, tributaire d'un secret indécent mais prémuni par l'espoir amoureux et le sens de l'amitié. Son trouble émotionnel hanté des visions maternelles d'une tante confidente planera durant son cheminement moral pour se confondre maladroitement auprès de ses sentiments amoureux. Spoil !  Si durant tout le récit, le réalisateur nous laisse croire que Charlie est douloureusement accablé par l'absence d'un amour maternel, l'épilogue remettra en question un trauma beaucoup plus incongru qu'il n'y paraissait ! Fin du Spoil. Enfin, les clichés traditionnellement invoqués aux hobbys adolescents (sexe, drogue, alcool and rock'n roll !) sont ici réexploités parmi la dextérité d'une mise en scène laconique privilégiant l'ellipse, la poésie, la suggestion afin de contredire la redite ou la vulgarité.

Avec sa dimension humaine prude dédiée à la fragilité adolescente, Le Monde de Charlie s'érige en poème universel sur la confiance et l'acceptation de soi en prime d'un récit initiatique sur l'apprentissage amoureux lorsque l'on hésite à invoquer sa flamme à celle que l'on chéri secrètement. Oser affronter ses affres, braver les défis et vivre l'instant présent pour la liberté de l'épanouissement ! C'est ce que nous inculque Charlie à travers son destin adolescent, partagé entre le poids du traumatisme, sa rédemption amoureuse et sa fraternité amicale. Pour parachever, j'insiste à proclamer mon "coup de coeur" subjectif car j'en invoque ici le chef-d'oeuvre, puisque probablement l'une des plus belles oeuvres que j'ai pu découvrir sur l'émoi adolescent. Qui plus est, Stephen Chobsky se permet notamment de valoriser une pure histoire d'amour sous l'impulsion magnétique de ses amants pudiques. Par conséquent, rarement un teen movie n'aura alors aussi mieux retranscrit les sentiments de la vulnérabilité humaine avec une acuité spécialement ténue !

* Bruno
03/01/14

Récompenses: National Board of Review Awards 2012: Meilleure distribution
Indiana Film Journalists Association Awards 2012: Meilleur Scénario
Utah Film Critics Association Awards 2012: Meilleur Scénario
Boston Society of Film Critics Awards 2012: Meilleur Acteur de second rôle, Ezra Miller
People's Choice Awards 2013: Meilleur Film dramatique. Meilleure Actrice pour Emma Watson.
Independent Spirit Awards 2013: Meilleur premier film
Chlotrudis Awards 2013: Meilleur Film, Meilleur acteur de second rôle pour Ezra Miller, Meilleur Scénario.
Teen Choice Awards: Meilleur Acteur pour Logan Lerman

ALL IS LOST. Prix du Jury, Deauville, 2013

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de J. C. Sandor. 2013. U.S.A. 1h45. Avec Robert Redford

Récompense: Prix du Jury à Deauville, 2013
New York Film Critics Circle Awards 2013: Meilleur Acteur, Robert Redford

Sortie salles U.S: 18 Octobre 2013

FILMOGRAPHIE: Jeffrey C. (J.C.) Chandor est un scénariste et réalisateur américain.

2011: Margin Call. 2013: All is Lost

Expérience humaine à bout de souffle, All is Lost joue la carte de l'aventure maritime parmi la présence d'un solitaire oublié de tous. Egaré au milieu de l'immensité de l'océan, ce navigateur est aujourd'hui contraint de se débarrasser de son voilier accidenté pour s'exiler sur un petit radeau pneumatique. Durant des journées interminables d'isolement et de désespoir, il va devoir se protéger contre les violentes intempéries afin d'y survivre et se raccrocher à l'espoir. Alors que la plupart de ses vivres ont été égarés dans l'eau et que les dernières conserves ont été consommées, il décide en dernier ressort de tenter la pêche au poisson. A l'instar de l'eau salée qu'il va essayer de filtrer à l'aide d'un système dérisoire. Gagné par la solitude, la fatigue et la colère, il finit par entrevoir vers l'horizon un cargo de marchandise.

Avec beaucoup de pudeur dans sa mise en scène naturaliste et le jeu dépouillé de Robert Redford, J. C. Sandor livre une leçon de survie, un témoignage de dignité envers l'espoir, alors que toutes les manoeuvres préalablement entamées par le sujet laissaient craindre le trépas. All is Lost s'achemine alors vers le poème spirituel pour tous les défaitistes ayant perdu la foi en la vie. A travers la survie endurante de ce navigateur, sévèrement mis à mal par le déchaînement de la mer et un concours de circonstances malchanceuses, All is Lost se porte en témoignage afin de démontrer que la désillusion et le sacrifice peuvent parfois vous amener à reconsidérer votre éthique. Dans un rôle difficile, car mutique et livré à son unique présence, Robert Redford joue sur l'expression du visage buriné, le regard croulé rattrapé par l'épuisement, bien que sa posture stoïque aura accompli nombre de bravoures.

The Impossible
Quasiment dénué de dialogues et uniquement interprété par un seul personnage, All is Lost s'avère inévitablement immersif pour suivre l'équipée insensée d'un navigateur en déclin. Emaillé de séquences impressionnantes dans son réalisme acéré, le film ne joue jamais la carte de l'esbroufe pour mieux se concentrer sur l'introspection anxiogène d'un otage livré à son désoeuvrement.
Une oeuvre prude et intimiste, anxiogène et monotone, à l'instar de sa discrète partition monocorde, mais vouée à ranimer la flamme du souhait. 

02.01.14
Bruno Matéï

YOU'RE NEXT. Prix du Jury à Gérardmer, 2013

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site metalhammer.co.uk

de Adam Wingard. 2011. U.S.A. 1h36. Avec Sharni Vinson, Aj Bowen, Amy Seimetz, Barbara Crampton, Wendy Glenn.

Sortie salles France: 4 Septembre 2013. U.S: 23 Août 2013

Récompenses: Prix du Jury Syfy au Festival de Gérardmer, 2013
Prix TSR du public au festival de Neuchâtel, 2013
Festival international du film de Toronto 2011: People's Choice Award ("Midnight Madness").
Austin Fantastic Fest 2011: Meilleur Film, Meilleur Réalisateur, Meilleure Actrice (Sharni Vinson), Meilleur Scénariste, Prix du Public.

FILMOGRAPHIE: Adam Wingard est un réalisateur, directeur de la photographie, monteur et scénariste, né le 3 Décembre 1980 à Oak Ridge dans le Tennessee.
2007: Pop Skull. 2010: A Horrible way to die. 2011: Autoerotic. 2011: You're Next. 2011: What fun we were having. 2012: V/H/S (sketch "tape 56"). 2012: The ABCs of Death (sktech "Q is for Quack"). 2013: V/H/S/2 (sketch "Phase I Clinical Trials).

Auréolé de plusieurs récompenses dans divers festivals, You're Next a sans doute conquis en priorité le jeune public cible, c'est à dire les teenagers issus de la génération Scream. Home Invasion nerveusement emballé dans son lot de rebondissements et péripéties sanglantes (le réal ne lésine pas sur la violence hardcore pour nous impressionner !), You're Next puise son efficacité sur l'aspect débridé d'une situation de siège et l'héroïsme d'une survivante dur à cuire ! En pendant féminin de Ash, Erin ne manque pas de vélocité pour se défendre contre ses oppresseurs avec un acharnement physique qui fait plaisir à voir. Qui plus est, pas besoin ici d'attendre patiemment le dernier quart-d'heure (remember Vendredi 13 !) pour observer son courage à provoquer ses adversaires !
Une famille de bourges se réunit le temps d'un repas de soirée quand bien même un groupe d'individus masqués décide de les piéger à l'intérieur de leur maison. Le jeu de massacre peut commencer ! 

D'après ce scénario éculé, le réalisateur va en tirer une farce caustique sur la cupidité de la cellule familiale. Avec son montage nerveux et un sens efficace de l'action homérique, il mise beaucoup sur le déchaînement de violence déployée par nos agresseurs (et certaines victimes !), accoutrés ici de masques grotesques et divers ustensiles d'armes blanches (arbalètes, hache, couteau et machette). Une manière quelque peu insolite de surprendre le spectateur et d'accentuer leur degré de dangerosité et de démence. Dans un bordel chaotique, les victimes démunies, car piégées en vase clos, hurlent à tout va et courent tous azimuts afin d'éviter les flèches projetées de l'extérieur des fenêtres ! De cette confrontation dantesque entre victimes et agresseurs, il en émane un délire hardcore assez ludique, quand bien même l'une des survivantes est une ancienne adepte des camps de survie. Si la résolution de l'énigme est assez tirée par les cheveux (le véritable mobile des tueurs s'avère rapidement prévisible !) et que certaines incohérences décrédibilisent certains comportements (deux des otages s'empressent de quitter la maison pour invoquer de l'aide tout en sachant pertinemment que dehors, les tueurs sont à l'affût !), l'intrigue ne manque pas de certaines astuces pour remotiver l'action. Car si de prime abord, le danger provenait de l'extérieur, il est notamment géré à l'intérieur même du huis-clos ! A forte dose d'ultra violence parfois complaisante et un esprit cartoonesque un peu grotesque (le final sanglant où notre héroïne est en pleine possession de ses moyens peine à provoquer l'humour noir !), You're Next joue finalement la carte du divertissement échevelé avec le minimum syndical.

Une sympathique série B nantie de séquences chocs parfois impressionnantes (la 1ère demi-heure déménage !) mais surtout privilégiée par le charisme d'une guerrière intrépide plutôt persuasive dans l'art du subterfuge meurtrier. Néanmoins, s'il est agréable à suivre, You're Next est loin de laisser un souvenir impérissable, faute d'un scénario flirtant avec le ridicule et d'une réalisation routinière prescrite par un cinéaste cynique. Pour l'anecdote subsidiaire, on se délecte de voir apparaître en premier acte l'illustre Barbara Crampton, inoubliable "scream sexy" des classiques Ré-animator et From Beyond ! 

01.01.13. 
Bruno Matéï

LES BRASIERS DE LA COLERE (Out of the Furnace)

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site lyricis.fr

de Scott Cooper. 2013. U.S.A/Angleterre. 1h56. Avec Christian Bale, Casey Affleck, Willem Dafoe, Woody Harrelson, Forest Whitaker, Zoë Saldana, Sam Shepard, Boyd Holbrook.

Sortie salles France: 15 Janvier 2014. U.S: 6 Décembre 2013

FILMOGRAPHIE: Scott Cooper est un réalisateur, scénariste et acteur américain, né en 1970 à Abingdon, Virginia, U.S.A.
2009: Crazy Heart. 2013: Les Brasiers de la colère

Soit comme un loup blessé qui se tait pour mourir. Et qui mord le couteau, de sa gueule qui saigne.

Quatre ans après la ballade mélancolique de Crazy Heart, Scott Cooper revient nous confirmer son talent de metteur en scène avec Les Brasiers de la Colère. Avec ses têtes d'affiche aux gueules burinées, ce drame fiévreux emporte tout sur son passage dans sa plongée immersive de l'âme humaine, vers un voyage au bout de l'enfer. Car c'est bien l'ombre du chef-d'oeuvre de Michael Cimino qui plane sur le récit pour mettre en relief la situation indécise de prolétaires impliqués dans un concours de circonstances malchanceuses. On retrouve ici le même décor industriel auquel des ouvriers y exercent leur fonction, la partie de chasse improvisée chez un braconnier subitement rattrapé par sa pitié pour l'animal, et enfin le comportement suicidaire d'un vétéran traumatisé par la guerre. Ce personnage magnifiquement incarné par Casey Affleck va d'ailleurs devenir le pivot dramatique, l'élément déclencheur d'une vendetta implacable. Avec une dimension humaine scrupuleuse, Scott Cooper s'intéresse à dépeindre les états d'âme de braves frangins issus de l'Amérique profonde. L'aîné, Russell, est un ouvrier courageux toujours plus contrarié par l'état de santé d'un père moribond, quand bien même la déchéance morale de son cadet va l'amener à reconsidérer son jugement. Ancien vétéran martyrisé par la guerre d'Irak, Rodney est incapable de se réinsérer dans la société afin d'exercer, à l'instar de son frangin, un travail d'employé dans la métallurgie. Pour canaliser sa colère et se faire un peu d'argent, il fréquente les combats de rue clandestins sous l'entremise de John Petty. Alors que Russel se retrouve à séjourner en prison pour la responsabilité d'un accident mortel, Rodney s'empresse de rencontrer des adversaires autrement plus pugnaces afin de rembourser ses dettes et tourner la page.

Voilà en gros ce que nous rapporte le postulat auquel la thématique de la vengeance va distiller son poison durant le cheminement psychologique d'un personnage. Car Les Brasiers de la Colère raconte avec simplicité la déchéance vindicative d'un homme inconsolable, partagé entre sa sa colère de l'injustice et sa volonté de réparer ses erreurs. Avec intensité, Scott Cooper brosse le portrait d'un ouvrier digne mais contraint d'assumer moralement sa responsabilité d'un accident meurtrier. Son soutien auprès d'un paternel gravement malade, sa douloureuse rupture sentimentale et le comportement erratique d'un frère traumatisé par les horreurs de la guerre vont aussi l'amener à reconsidérer sa vie et celle de l'équité. Après sa tragédie du deuil familial, va t'il persévérer dans ses pulsions de haine pour pourchasser un animal sans vergogne (Woody Harrelson, habité par la mort !), ou à contrario, y renoncer avec le bénéfice de la prudence ? Si dans la première partie, on devine rapidement la tragédie qui se dessine, la suite des évènements reste logiquement prévisible (car irréversible !) dans sa tournure poisseuse afin de mettre en exergue la dérive psychologique d'un homme assailli par ses démons (Christian Bale, transi de tourments dans son questionnement !). Qui plus est, l'incroyable densité des seconds rôles mis en cause, le soin circonspect imparti à la mise en scène et le réalisme brutal qui en découle nous conditionnent en état d'hypnose, jusqu'au point d'orgue rédempteur ou défaitiste.

La bête tue de sang froid
Avec extrême sobriété, Scott Cooper vise juste et simplement pour redorer les lettres de noblesse du cinéma. Celui d'un film d'acteurs au diapason où la fêlure des personnages insuffle une incroyable vérité (in)humaine et où l'intensité dramatique converge à l'introspection d'un justicier en perdition. Bouleversant avec ce qu'il faut de juste retenue afin d'éviter l'apitoiement sentimental, Les Brasiers de la Colère renoue magistralement avec l'épopée du western sauvage et désenchanté. 

31.12.13
Bruno Matéï

LES EVADES DE LA PLANETE DES SINGES (Escape from the Planet of the Apes)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site sci-fimovieposters.co.uk

de Don Taylor. 1971. U.S.A. 1h38. Avec Roddy McDowall, Kin Hunter, Bradford Dillman, William Windom, John Randolph, Eric Braeden. 

Sortie salles France: Août 1971. U.S: 21 Mai 1971

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Don Taylor est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 13 Décembre 1920 à Freeport, Pennsylvanie (Etats-Unis), décédé le 29 Décembre 1998 à Los Angeles (Californie)
1969: 5 hommes armés. 1971: Les Evadés de la Planète des Singes. 1973: Tom Sawyer. 1977: L'île du Docteur Moreau. 1978: Damien: la malédiction 2. 1980: Nimitz, retour vers l'enfer.

Troisième opus de la saga réalisé par Don Taylor (habile faiseur de séries B responsable de L'île du Dr Moreau, La Malédiction 2 et Nimitz, retour vers l'enfer), les Evadés de la Planète des singes reprend le concept du voyage temporel en inversant cette fois-ci le rôle des protagonistes. 

Le docteur Milo, Cornelius et sa compagne Zira réussissent à embarquer dans la navette spatiale du capitaine Taylor afin d'échapper à la destruction de la terre. Suite à une défaillance, ils se retrouvent projetés 2000 ans avant leur règne, c'est à dire en 1973. 

Série B modestement réalisée, de par son budget deux fois moindre que son modèle, les Evadés de la Planète des singes se focalise aujourd'hui sur la destinée précaire du couple Cornelius/Zira, pris à parti avec l'orgueil de notre civilisation moderne. D'abord accueilli avec courtoisie et curiosité par le gouvernement, nos deux chimpanzés ne vont pas tarder à se confronter à l'hostilité du Dr Otto Hasslein. En effet, suite aux déclarations prémonitoires sur leur prochaine ascension et après avoir avoué leurs travaux de dissection autrefois pratiqués sur les êtres humains, le gouvernement aura décidé de s'en débarrasser afin de sauvegarder l'éventuelle extinction de la race humaine. Comme dans le premier volet, nos héros vont pouvoir compter sur le soutien humaniste de deux médecins chargés de leur trouver une planque afin d'échapper à leur sentence, et se rapprocher auprès d'un directeur de zoo, témoin capital pour leur postérité. A l'instar de son prélude (l'escale des chimpanzés affublés de combinaisons de cosmonautes !), Don Taylor ne manque pas de distiller certains moments de cocasserie lorsque Cornelius et Zira sont contraints de comparaître devant un tribunal en s'exprimant avec l'art du langage. En sous texte social, on peut aussi déceler un réquisitoire contre la vivisection lorsque les chimpanzés sont confrontés à leur responsabilité morale d'avoir osé disséquer des êtres humains au nom de la science. A travers les allégations de Cornelius (comment les chats et les chiens ont fini par disparaître pour laisser place aux singes !), le réalisateur ironise également sur notre instinct possessif envers la domestication animale dans le but de nous tenir compagnie et de nous divertir. Enfin, il souligne notre rapport masochiste face au divertissement du sport (en l'occurrence, la boxe chorégraphiée dans toute sa violence !) et notre goût immodéré pour l'action du spectacle ! La dernière partie, beaucoup plus sombre et brutale, joue la carte du suspense et ne manque pas de provoquer une émotion poignante quand au sort réservé à nos deux héros. 

Si Les évadés de la planète des singes se réserve de surpasser son modèle, il se tire honorablement de la redite par une pirouette scénaristique retorse en privilégiant avec humilité la dimension romantique du couple Cornelius/Zira. Un 3è opus attachant et efficacement mené, surpassant aisément son antécédente séquelle. 

La critique de La Planète des singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/la-planete-des-singes-planet-of-apes.html
Le Secret de la Planète des singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/le-secret-de-la-planete-des-singes.html
La Conquête de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-conquete-de-la-planete-des-singes.html
La Bataille de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-bataille-de-la-planete-des-singes.html

30.12.13. 3èx

Bruno Matéï  

Fondu au Noir / Fade to black. Prix de la Critique, Avoriaz 1981

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site colonelmortimer.blogspot.com

de Vernon Zimmerman. 1980. U.S.A. 1h40. Avec Dennis Christopher, Tim Thomerson, Linda Kerridge, Mickey Rourke, Eve Brent.

Sortie salles France: 20 Mai 1981. U.S: 14 Octobre 1980.

FILMOGRAPHIE: Vernon Zimmerman est un réalisateur et scénariste américain.
1964: The college (Documentaire). 1972: Deadhead miles. 1972: Unholy rollers. 1980: Fondu au noir
1995: Chuck and Wally on the Road (court-métrage)

Sorti en salles dans l'indifférence mais auréolé du Prix de la Critique à Avoriaz en 1981, Fondu au Noir s'est notamment attribué d'une certaine renommée dans les rayons des vidéos club au point de devenir culte chez une poignée de cinéphiles (Pascal Laugier le considère d'ailleurs comme l'un de ses films de chevet !). Réalisateur méconnu uniquement responsable de trois longs-métrage, Vernon Zimmerman  nous traite ici un cas de schizophrénie du point de vue d'un cinéphile infaillible.
Le pitch: Passionné de cinéma, Eric vit reclus dans son foyer parmi la compagnie d'une mère bigote. Pour pallier sa solitude, il visionne inlassablement ses films préférés qu'il connaît par coeur. Un jour, dans un bar, il tombe amoureux du sosie de Marilyn Monroe. Le soir même, il lui propose un rencart en ville pour une séance ciné mais la jeune fille étourdie oublie de le rejoindre. Dépité, il rentre chez lui et se replonge illico dans un vieux classique de film noir. Gagné par une rancune incontrôlée depuis que sa mère osa pénétrer dans sa chambre pour y détruire une bobine de pellicule, Eric finit par sombrer dans la folie meurtrière.

Oeuvre insolite à la lisière du drame, de la romance et de l'horreur, Fondu au Noir se décline comme un hommage au cinéma de genre par le truchement d'un cinéphile dérangé. Plongé en apnée dans son désarroi de la solitude, faute d'une mégère incapable de lui porter un regain d'amour maternel, Eric est d'autant plus contraint de supporter les railleries de ses confrères et l'intolérance d'un patron draconien. Son seul réconfort, il le retrouve dans les films qu'il se repasse en boucle du fond de sa chambre. Connaissant par coeur chaque séquence et réplique culte, à l'instar de la filmographie des acteurs et réalisateurs, il s'est taillé depuis une réputation de cinéphile incollable. Mais sa détresse et sa colère d'être systématiquement dénigré aux yeux des autres finissent par le faire sombrer dans une vendetta irréversible. L'originalité du sujet est ici traité de manière débridée afin de rendre hommage au 7 art mais surtout pour y dénoncer ses effets pervers sur l'emprise de l'image. Car afin de se permettre une raison d'exister et d'accomplir sa vengeance, notre cinéphile finit par s'inventer une nouvelle identité, à la manière du dédoublement de personnalité, pour pénétrer dans la peau de ses personnages favoris du cinéma. Travesti en vampire, cow-boy, momie ou gangster, Eric sème la panique et la mort autour de lui sous ses grotesques panoplies. Si les références et les clins d'oeil aux classiques du cinéma pullulent dans Fondu au Noir, c'est notamment pour y dénoncer l'influence que peuvent nourrir certaines images chez des esprits fragiles ou dérangés jusqu'à ne plus pouvoir distinguer réalité et fiction. En l'occurrence, l'intensité de la violence au cinéma que notre héros se remémore dans sa fascination maladive afin d'extérioriser sa rage meurtrière.

L'homme aux 1000 visages
Avec une indéniable tendresse pour son personnage d'une émotivité parfois poignante, Vernon Zimmerman y transcende le portrait pathétique de ce cinéphile égaré dans la chimère et sa désillusion existentielle. Une victime rongée par sa solitude et l'intolérance d'une société arriviste, qui, pour omettre sa médiocrité, se raccroche au symbole sexuel de Marilyn Monroe afin de la courtiser et accéder à la notoriété dans son fantasme d'acteur oublié. Sous l'élégie fragile du thème musical et parmi le jeu écorché de l'acteur Dennis Christopher, Fondu au noir s'érige en oeuvre inclassable, trouble et dérangeante, d'où s'extrait un lourd sentiment d'amertume. Une oeuvre magnifique en somme de par son acuité émotionnelle à la fois capiteuse, frénétique, désabusée.

*Eric Binford
27.12.13. 5èx

Récompense: Prix de la Critique à Avoriaz, 1981

Le Bal des Vampires / The Fearless Vampire Killers or pardon me, but your teeth are in my neck

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Roman Polanski. 1967. U.S.A/Angleterre. 1h48. Avec Jack MacGowran, Roman Polanski, Sharon Tate, Alfie Bass, Jessie Robins, Ferdy Mayne, Iain Quarrier.

Sortie salles France: 1er Avril 1968. U.S: 13 Novembre 1967. Angleterre: Février 1967

FILMOGRAPHIE: Roman Polanski est un réalisateur, producteur, comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra et scénariste franco-polonais américain. Il est né le 18 Août 1933 à Paris.
1962: Le Couteau dans l'eau. 1965: Répulsion. 1966: Cul de sac. 1967: Le Bal des Vampires. 1968: Rosemary's Baby. 1971: Macbeth. 1972: Week-end of a champion. 1972: Quoi ? 1974: Chinatown. 1976: Le Locataire. 1979: Tess. 1986: Pirates. 1988: Frantic. 1992: Lunes de fiel. 1994: La Jeune fille et la mort. 1999: La 9è porte. 2002: Le Pianiste. 2005: Oliver Twist. 2010: The Ghost Writer. 2011: Carnage. 2013: La Vénus à la fourrure.

Chef-d'oeuvre parodique, Le Bal des Vampires perdure son pouvoir ensorcelant grâce à l'esthétisme gothique inspiré de la Hammer Film et à l'excentricité des personnages impliqués dans la maladresse ou la mesquinerie. En confrontant l'horreur et la comédie, Roman Polanski offre une satire diablement ludique tout en respectant le puriste cinéphile de la firme anglaise. A travers ses décors enneigés aux teintes immaculées et l'architecture poussiéreuse d'un vieux château, le Bal des Vampires est notamment une invitation au dépaysement, un voyage au bout de la nuit sous l'allégeance du comte Krolock. Quand bien même s'y prépare un fameux bal annuel auquel une assemblée de morts-vivants vont s'exhumer de leur cercueil pour rejoindre l'invitation. Au scénario éculé (un professeur et son assistant vont tenter d'extirper une jeune femme des griffes d'un vampire), le réalisateur se tire adroitement de la redite grâce à la verve insolente d'une succession de gags où les situations ne manquent pas d'audace (l'improvisation de la drague homosexuelle, les stratégies coquines du tenancier incapable de refréner ses pulsions, ou encore l'épilogue sardonique annonçant la propagation du Mal à travers le monde !). 

C'est avant tout au niveau des déconvenues de nos deux héros que le film engendre une indéniable sympathie. A l'instar d'Abronsius congelé à deux reprises par la température hivernale puis prochainement coincé dans la brèche d'une fenêtre pour accéder à la crypte, quand bien même Alfred redouble d'étourderie à daigner affronter Krolock et son fils Herbert ! Qui plus est, l'aventure accroît sa démesure avec l'effronterie des seconds rôles charismatiques. Que ce soit le juif aubergiste préoccupé à l'idée de rejoindre en pleine nuit une midinette plutôt que d'enlacer sa femme bedonnante, l'homosexuel vampire improvisant une lecture poétique pour attendrir le jeune Alfred, ou encore l'attardé Koukol (bossu enlaidi d'un large rictus !) soumis à l'obéissance de son maître (en comte Krolock, Ferdy Mayne se délecte à parodier Christopher Lee avec une modestie amusée !). Enfin, avec la bonhomie de deux chasseurs de vampires malhabiles (Abronsius et Alfred forment un tandem très attachant dans leur complicité parentale !) et le charme étrangement sensuel de Sarah (Sharon Tate dégage un magnétisme trouble !), le Bal des Vampires adopte une démarche drôlement héroïque afin d'enrayer la menace vampirique.

Merveille esthétique de tous les instants rappelant les plus beaux fleurons gothiques de la Hammer, Le Bal des Vampires insuffle notamment une charge érotique en la présence ténue de la divine Sharon Tate. En parodiant le mythe du vampire avec une affection respectueuse, Roman Polanski rend hommage au genre horrifique avec drôlerie mais aussi une infinie tendresse pour ces protagonistes (à l'instar d'Alfred déclarant sa flamme à Sarah au cours du bal costumé !). Un classique inoxydable d'une fraîcheur exaltante !

*Bruno

26.12.13. 4èx