LA MORTE-VIVANTE

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site t411.me

de Jean Rollin. 1982. France. 1h29. Avec Marina Pierro, Françoise Blanchard, Mike Marshall, Carina Barone, Jean-Pierre Bouyxou.

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin), 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Dans la mouvance du gore transalpin qui avait éclaboussé nos écrans au début des années 80, Jean Rollin profite du filon commercial pour mettre en scène la Morte-Vivante. Une série Z franchouillarde bourrée de maladresses et d'incohérences mais néanmoins récupérée par une thématique intéressante déjà exploitée par le magnifique Moi, zombie, chronique de la douleur et le Jour des Morts-vivant, la résurgence du regain de conscience du point de vue d'un Zombie ! Après avoir déposé des fûts toxiques dans la crypte d'un château, trois hommes réveillent l'âme de la défunte Catherine Valmont. Livrée à sa nouvelle déchéance, elle tue de sang froid les intrus dans un instinct sanguinaire. Seule dans le château, Catherine se remémore ses souvenirs d'enfance avec Hélène, sa meilleure amie avec qui elle partageait une grande complicité. 

Produit commercial surfant sur la vague des Zombie Movies invoqués par Fulci, Lenzi, Bianchi et consorts, la Mort-Vivante exploite avant tout le caractère explicite des situations gores émanant du comportement erratique de notre héroïne avide de sadisme et de sang frais. A l'aide de trucages en latex très élémentaires mais néanmoins efficaces, Jean Rollin ne lésinant pas sur le racolage pour filmer en gros plan moult plaies entaillées et chairs déchiquetées. Endossé par des comédiens inexpressifs et pourvu d'une réalisation approximative, le film prête à sourire par son aspect aussi ridicule que fauché. Pourtant, avec la personnalité sensible de son auteur, on se prend néanmoins d'intérêt à suivre le cheminement indécis d'une morte-vivante victime de sa condition meurtrière et de son isolement. Autour de son errance nocturne et parmi la tendre relation qu'elle renoue avec son amie d'enfance, les thèmes de l'amour, de la réminiscence, de l'amitié, du sacrifice et des sentiments nous sont abordés parmi l'intimité fragile de deux femmes compromises à une dérive sanguinaire. Et les rôles de s'inverser lorsque Catherine, éprise de conscience et de sensibilité, va finalement se raviser de ses exactions morbides, quand bien même Hélène va au contraire persévérer dans l'avilissement afin de combler le vide existentiel de sa compagne.

Liens d'amour et de sang

En dépit de son amateurisme et de ses inévitables maladresses parfois risibles, La Morte-Vivante réussit à divertir et attendrir dans une notion de romantisme imparti à une zombie livide vêtue de blanc. Si sa dimension psychologique s'avère bien mal exploitée et que les comédiens ternes lui portent préjudice, on se prend quand même d'affection à suivre la destinée singulière de Catherine, fantôme abdiqué par Dieu et la mort. A réserver aux inconditionnels de Rollin. 

Bruno Matéï
2èx

Spectre / The Boogeyman

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Ulli Lommel. 1980. U.S.A. 1h22. Avec Suzana Love, Ron James, John Carradine, Nicholas Love, Raymond Boyden, Felicite Morgan.

Sortie salles France: 15 Juillet 1981. U.S: 11 Juillet 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Ulli Lommel est un réalisateur, acteur et scénariste allemand, né le 21 Décembre 1944 à Sulecin (Pologne). 1973: La Tendresse des Loups. 1979: Cocaïne Cowboys. 1980: Spectre. 1980: Blank Generation. 1983: The Devonsville Terror. 1983: Mad Night. 1983: Boogeyman 2. 1985: A la poursuite de la pierre sacrée. 1986: Overkill. 1989: Top Gun Sacrifice. 1994: Marilyn my love. 1997: Alien X Factor. 1998: Bloodsuckers. 2005: Zodiac Killer. 2005: B.T.K Killer. 2006: The Raven. 2007: Borderline Cult. 2007: Curse of the Zodiac. 2007: The Tomb. 2008: Son of Sam. 2008: Dungeon Girl.

"Une graine maudite de film culte que ce psycho-killer surnaturel." 

Série B bisseuse des années 80 totalement oubliée de nos jours, Spectre rencontrA le succès lors de sa sortie en salles US et durant son exploitation vidéo dans l'hexagone. Réalisé par Uli Lommel, cinéaste prolifique comptabilisant une cinquantaine de films à son curriculum, le film surfe sur le succès en vogue du psycho-killer initié par Halloween ainsi que le film sataniste inspiré de l'Exorciste et d'Amityville (la demeure familiale de nos héros ressemble d'ailleurs étrangement à celle des Lutz !). Ainsi, ce curieux mélange des genres aurait pu sombrer dans la gaudriole s'il n'eut bénéficié d'une idée aussi originale que retorse, alors que son ambiance inquiétante nous plonge avec délice dans un univers susceptible ! Car sous l'entremise d'un miroir brisé, le fantôme d'un tortionnaire d'enfants revient ici d'entre les morts pour se venger d'eux et de leurs proches. L'intrigue débutant avec un prologue particulièrement sordide lorsqu'un frère et une soeur, Lacey et Willy, sont à nouveau les souffres douleurs d'un beau-père pervers parmi le témoignage complice de leur mère. En particulier Willy retrouvé enchaîné sur son lit pendant que les bourreaux copulent dans la pièce d'à côté. Finalement libéré par sa soeur cadet, il se précipite dans leur chambre pour poignarder sauvagement son beau-père à plusieurs reprises. 

20 ans plus tard, nous retrouvons Lacey et Willy hébergés chez leurs grands-parents mais profondément déstabilisés par cette sanglante tragédie. Alors que Lacey trouve le soutien auprès de son mari Kevin, Willy se terre dans le mutisme depuis son exaction criminelle. Mais afin d'exorciser leurs démons, Lacey décide tout de même de retourner dans la maison de leur enfance en se confrontant au fantôme du beau-père dans le reflet d'un miroir. Depuis, d'étranges phénomènes surnaturels apparaîssent sous la forme de particules de verre et importuner la tranquillité de la famille. Ce pitch à la limite du grotesque réussit miraculeusement à éviter le ridicule de par la persuasion du sentiment de danger et l'efficacité de sa réalisation oscillant entre l'expectative du suspense et les altercations morbides. Tant auprès de l'accomplissement des meurtres aussi inventifs que sanglants, de l'ambiance glauque agréablement diffuse ou de la conduite soutenue du récit, Spectre parvient donc à captiver par le biais d'une hostilité invisible particulièrement sournoise. Et pour renforcer et avertir la sensation de danger, un soupir lourd nous est imposé durant ses déplacements en caméra subjective, quand bien même le score envoûtant de Tim Krog amplifie ce trouble sentiment de présence irréelle ! Et si le manque de cohérence de certains personnages s'y fait parfois sentir dans leur apathie de stupeur et que l'approximation des dialogues aurait gagné à être mieux argumenté (bien qu'on a largement vu pire ailleurs), la bonne volonté des comédiens réussit tout de même à insuffler une vraie sympathie à travers leur fonction de victimes éprouvées et leur bravoure de dernier ressort (le final délirant s'avérant explosif pour leur combat opposé aux forces du Mal !).

Grâce à son ambiance ombrageuse plutôt palpable, sa photo soignée, son score lancinant et l'originalité d'un pitch détonnant, Spectre réussit à provoquer charme et sympathie à travers un esprit naïf de bisserie délicieusement rétro. A préconiser aux nostalgiques de l'époque, le film s'avérant aujourd'hui encore plus attachant dans sa sincérité maladroite mais assez efficace et semé de trouvailles si bien que l'on s'amuse à se surprendre de ses effets chocs escomptés. Enfin, notons également l'apparition clin d'oeil de David Carradine dans un rôle avenant de psychiatre sclérosé.

Dédicace à Adrien Pennequin et remerciement à Uncut Movies et Lupanars visions
Bruno Matéï
04/02/22/ 4èx

L'ETRANGE COULEUR DES LARMES DE TON CORPS

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Bruno Forzani et Hélène Cattet. 2014. France/belgique/Luxembourg. 1h41. Avec Klaus Tange, Jean-Michel Vovk, Sylvia Camarda, Sam Louwyck, Anna D'Annunzio.

Sortie salles France: 12 Mars 2014

FILMOGRAPHIE: Bruno Forzani et Hélène Cattet sont un couple de cinéastes français résidant à Bruxelles.
2010: Amer. 2013: L'Etrange couleur des Larmes de ton corps.

Après leur premier coup d'essai Amer qui avait tant divisé son public, le duo Forzani/Cattet réexplore l'univers du giallo auteurisant à coup de stylisme alambiqué et d'expérimentation sensorielle. Un téléphoniste rentre dans son appartement et découvre que sa femme a disparu. Perdu dans sa solitude, il tente de la retrouver dans son immeuble parmi la compagnie de voisins interlopes et parmi l'étrangeté de sons stridents. 

Autant prévenir de suite, tous les spectateurs qui avaient été frustrés par l'hermétisme de l'intrigue en triptyque d'Amer risquent à nouveau de faire grise mine avec l'Etrange couleur des larmes de ton corps ! Notre couple de cinéastes continuant de verser dans l'expérimental et de pousser au paroxysme une imagerie sensuello-morbide imbriquée dans une trame aussi vertigineuse que nonsensique. C'est du moins mon ressenti personnel en tant que témoin d'un premier visionnage auquel il sera ici impossible de disserter de manière objective ! Le film se révélant à nouveau une expérience sensitive encore plus aboutie d'un point de vue stylisé et plus organique dans la manière vénéneuse dont les auteurs exploitent un dédale d'obsessions du corps féminin et du regard oculaire avant les coups de lames acérées. Formellement sublime dans sa maîtrise picturale (les cadrages tarabiscotés accumulent avec frénésie les prouesses techniques !) magnifiant la présence suspicieuse des protagonistes comme celle de sa scénographie art-déco, l'Etrange couleur des larmes de ton corps fait appel au sens olfactif, au tactile et à l'ouïe (la BO vintage honore des tubes transalpins quand bien même les bruitages stridents ne cessent de nous agresser !). De cette fantasmagorie baroque et sexuelle émane une confusion (volontaire) d'écriture pour mieux nous égarer dans un labyrinthe de paranoïa où inceste, sadomasochisme et fétichisme sont étroitement liés.

Fascinant et agaçant à la fois, de par l'incompréhension de l'intrigue, la multiplicité des plans rapides et l'attitude équivoque des protagonistes surgis parfois de nulle part, l'Etrange couleur des larmes de ton corps s'avère une expérience fulgurante dans son maelstrom de séquences hallucinées faisant office d'anthologie atypique. Inévitablement, cette expérience avec l'art du cinéma déchaînera une fois de plus les passions comme celle des déceptions. Mais aussi abstrait et nébuleux, ce giallo néo-surréaliste pourrait à nouveau séduire et éclaircir l'interrogation du spectateur au fil d'autres visionnages. Et quitte à insister, l'hypnose impartie au florilège de séquences oniriques n'a jamais été contemplé de manière aussi symétrique sur la toile !

Bruno Matéï

LES GARDIENS DE LA GALAXIE (Guardians of the Galaxy)

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site dailymars.net

de James Gunn. 2014. U.S.A. 2h01. Avec Chris Pratt, Zoe Saldana, David Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Lee Pace, Michael Rooker, Karen Gillan, Djimon Hounson, John C. Reilly, Glenn Close, Benicio Del Toro.

Sortie salles France: 13 Août 2014. U.S: 1er Août 2014

FILMOGRAPHIE: James Gunn est un réalisateur, scénariste, acteur, producteur et directeur de photo, né le 5 Août 1970 à Saint Louis, dans le Missouri (Etats-Unis). 2006: Horribilis. 2010: Super. 2013: My Movie Project (Segment: Beezel). 2014. Les Gardiens de la Galaxie.

Dixième film consacré à Marvel, les Gardiens de la Galaxie est l'adaptation du Comic éponyme créé en 1969. James Gunn nous narrant ici les exploits du terrien Peter Jason, enlevé par des extra-terrestres dès son plus jeune âge, et devenu depuis un marginal parmi une équipe de mercenaires. Après avoir découvert l'Orbe sur la planète Morag, un objet convoité par le dictateur Ronan et Thanos le Titan, Peter va devoir faire équipe avec quatre chasseurs de prime et se livrer à une guerre sans merci pour sauver de l'apocalypse la planète Xandar. Car depuis un concours de circonstances périlleuses, telle leur détention houleuse en interne d'un pénitencier, l'Orbe va revenir entre les mains de Ronan et déclencher l'inévitable offensive. Blockbuster estival estampillé tous publics, les Gardiens de la Galaxie joue la carte du divertissement homérique à travers ses batailles spatiales héritées de Star Wars et ses combats martiaux furtifs influencés par le jeu-vidéo. Bourré de séquences spectaculaires et de gadgets inventifs dans un univers flamboyant des plus dépaysants, l'intrigue cousue de fil blanc se condense à une lutte entre le Bien et le Mal, un enjeu belliqueux pour la sauvegarde de l'humanité. En dépit de cette histoire éculée à la forte impression de déjà vu, le film réussit à provoquer l'amusement par son esprit décomplexé d'humour décalé émanant de situations farfelues et par l'extravagance de personnages indécis. 

Prioritairement le raton laveur génétiquement modifié, Rocket, au caractère entêté, et son adjoint, Groot, un arbre humanoïde toujours à l'affût du moindre danger pour le protéger. Outre la solidarité de ses compères unis par la confiance, il y a également Gamora, ancienne partisane de Ronan, reconvertie aujourd'hui en gardienne afin de détruire l'Orbe, puis enfin, Drax, un colosse avide de vengeance depuis la mort de sa femme et de sa fille. Ses quatre mercenaires vont finalement prêter main forte au terrien Peter après avoir essuyé plusieurs conflits d'autorité et de divergence vis à vis de l'Orbe, objet sphérique pourvu d'un pouvoir destructeur. Grâce à la loyauté de leur leader, ils vont apprendre à transgresser leur peur et leur faiblesse dans une cohésion fraternelle. Emaillés de séquences poétiques (la situation précaire de Gamora éjectée dans l'espace, le final fulgurant !) ou de moments d'émotion prude (la séquence d'ouverture dévoilant la condition cancéreuse de la mère de Peter, le cadeau d'adieu de ce dernier dévoilé en épilogue), Les Gardiens de la Galaxie n'oublie pas la dimension humaine de ces justiciers prônant les valeurs familiales, de camaraderie, du courage, du pardon, d'amour et du sens du sacrifice.

Malgré l'aspect rebattu de son scénario prémâché, Les Gardiens de la Galaxie réussit à émouvoir et divertir par l'entremise d'un récit initiatique moins anodin qu'il n'y parait. A l'instar de sa plaidoirie contre la dictature des guerres et de l'injustice. Haut en couleurs, rafraîchissant, plein d'humour et de vitalité, il s'en détache un capital sympathie infaillible pour son ode musicale à l'évasion. 

Dédicace à Stéphane Passoni
Bruno Matéï

Patrick

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Richard Franklin. 1978. Australie. 1h52. Avec Robert Thompson, Susan Penhaligon, Robert Helpmann, Rod Mullinar, Bruce Barry, Julia Blake, Helen Hemingway

Sortie salles France: 9 Mai 1979. Australie: 1er Octobre 1978

FILMOGRAPHIE: Richard Franklin est réalisateur et producteur australien, né le 15 Juillet 1948 à Melbourne (Australie), décédé le 11 Juillet 2007. 1972: Belinda. 1973: Loveland. 1975: The True Story of Eskimi Nell. 1976: Fantasm. 1978: Patrick. 1981: Déviation Mortelle. 1983: Psychose 2. 1984: Cloak and dagger. 1986: Link. 1991: FX 2, effets très spéciaux. 1994: Un Agent très spécial (télé-film). 1995: Hotel Sorrento. 1996: Brillliant Lies. 1997: One way Ticket (Télé-film). 1999: Le monde perdu de Sir Arthur Conan Doyle: la découverte (télé-film). 2003: Visitors.

Quel étrange ovni que ce Patrick, production australienne récompensée du Grand Prix à Avoriaz en 1979, alors que ses compères Halloween et Phantasm écopent successivement du Prix de la Critique et du Prix Spécial du Jury. Un préjudice porté au classique onirique de David Schmoeller, Tourist Trap, puisque passée dans l'indifférence des membres du Jury présidés par Roger Corman. Prochainement responsable du sympathique Déviation Mortelle et des excellents Psychose 2 et Link (son meilleur film !), Richard Franklin aborde le thème de la psychokinésie à travers le châtiment d'un patient de 24 ans plongé dans un coma à la suite du meurtre de sa mère et de son amant. Synopsis: Soigné dans l'institut privé du Dr Roget, praticien cruel délibéré à le maintenir en vie afin de démystifier les secrets de la mort, Patrick est chaudement accueilli par l'infirmière néophyte, Katy Jacquart. Epris d'affection à travers leur complicité de confiance, ils vont entretenir une curieuse relation amicale en communicant avec une machine à écrire. Mais des phénomènes paranormaux toujours plus violents vont ébranler la sérénité de l'infirmière et de son entourage, Patrick étant maladivement jaloux de ses relations extraconjugales. 

Alliant le surnaturel et la romance entre l'infirmière empathique et le tueur nanti de pouvoirs télékinésiques, Patrick est une étrange curiosité pourvue d'une intrigue intéressante (l'impuissance d'un criminel alité transcendée par ses pouvoirs paranormaux et provoquant le malheur des autres à distance !) et d'une certaine efficacité auprès de son évolution narrative davantage opaque. On peut toutefois préciser que la même année Jack Gold exploitera avec plus d'habileté, de rythme et de maîtrise le même concept avec le spectaculaire la Grande Menace. Et si l'intrigue insolite se laisse ici efficacement suivre de par la sincérité d'une mise en scène s'efforçant de bien faire et du jeu attachant des acteurs au physique standard, la langueur de son rythme pourrait peut-être démotiver une partie des spectateurs de par son absence d'action si on élude 2/3 scènes chocs assez réussies vers l'ultime demi-heure. Outre l'aimable bonhomie de la jeune actrice Susan Pehhaligon en infirmière avenante et affirmée s'efforçant de comprendre son patient solitaire, la présence équivoque de Robert Thompson en tueur mutique habité d'un regard aussi figé qu'impassible parvient constamment à instaurer un climat d'inquiétude, notamment à travers leurs sentiments ambigus d'amour et de rancoeur. 

Petit film fantastique adulte réfutant le gore et le grand-guignol si bien que la suggestion est de rigueur, Patrick parvient à éveiller l'intérêt par son propos original et l'étrangeté de son ambiance surnaturelle  ne ressemblant à nulle autre. Il y émane une sympathique curiosité redoutablement étrange que les nostalgiques de la sacro-sainte VHS (merci VIP) auront encore plaisir à suivre. 

Bruno Matéï

11/11/14

21/04/02

28.02.23. 4èx. Vf

Récompense: Grand Prix à Avoriaz en 1979

DOLLS (Les Poupées)

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site thelightningbugslair.com

de Stuart Gordon. 1987. U.S.A. 1h17. Avec Carolyn Purdy-Gordon, Patrick Williams Ian, Carrie Lorraine, Guy Rolfe, Hilary Mason, Bunty Bailey, Cassie Stuart, Stephen Lee.

Sortie salles U.S: Mars 1987

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago (Illinois). 1979: Bleacher Bums (télé-film). 1985: Ré-Animator. 1986: Aux portes de l'au-delà. 1987: Dolls. 1988: Kid Safe (télé-film). 1990: Le Puits et le Pendule. 1990: La Fille des Ténèbres. 1990: Robojox. 1993: Fortress. 1995: Castle Freak. 1996: Space Truckers. 1998: The Wonderful ice cream suit. 2001: Dagon. 2003: King of the Ants. 2005: Edmond. 2005: Masters of Horro (le cauchemar de la sorcière - Le Chat Noir). 2007: Stuck. 2008: Fear Itself. 

Le pitch: Sur la route d'une campagne isolée, une fillette, son père et sa maîtresse se réfugient dans un manoir pour s'abriter de l'orage. Chaudement recueillis par le couple de propriétaires, ils sont bientôt rejoints par un routier accompagné de deux punkettes. La nuit, d'étranges évènements vont importuner la tranquillité de ces hôtes ! 
Après la révélation Ré-Animator et le non moins excellent From Beyond, Stuart Gordon s'attelle au conte de fée pour adultes avec Dolls. Une petite production soigneusement fignolée, de par la manière limpide et inspirée dont l'auteur nous narre son histoire, le charisme des comédiens en roue libre et surtout l'apparence infantile des poupées douées de vie. Réalisées la plupart du temps en stop-motion, ces jouets minimalistes insufflent une aura aussi machiavélique qu'onirique à travers leur fausse candeur où leur déplacement de masse y engage une violence sardonique chez les victimes démunies.

Qui plus est, avec l'autorité d'un confectionneur de jouets particulièrement puriste, le cinéaste prend soin de les caractériser dans un apparat artisanal provenant d'un patrimoine séculaire. A travers cette fable militant pour le droit au rêve et à la part d'enfance enfouie en chacun de nous, Stuart Gordon rend hommage à la magie des jouets parmi l'occultisme de vieillards propriétaires d'un manoir gothique. Si le scénario linéaire s'articule autour des exactions des poupées vindicatives fustigeant la méchanceté des adultes, la manière efficace dont il est conté nous captive parmi la dérision macabre du cinéaste à détourner le conte de fée. En prime, le caractère attachant des personnages (la bouille candide de Judy épaulée de son nouvel ami, Ralph; l'ambivalence du vieux couple insidieux) provoque une indéniable empathie auprès de leur amabilité, voir leur bonhomie naïve à se laisser attendrir par l'alchimie des jouets après en avoir été apeurés ! 

La Plus longue nuit du Monde ! 

Eloge à l'amour des jouets et à la magie de l'enfance imprimés en chacun de nous (du moins, pour ceux ayant su la préserver !), Dolls renoue avec l'épouvante archaïque dans un contexte moderne d'horreur gore et d'humour noir. Il y émane un pouvoir de fascination prégnant auprès du cheminement inquiétant de nos héros confrontés à la vendetta des poupées, quand bien même la qualité des trucages renforce l'aspect diabolique de leur autonomie. Conte gothico-surnaturel, Dolls transcende l'amour de la série B avec charme, frissons et tendresse autour d'une plaidoirie dédiée à l'éducation des enfants et parmi l'apprentissage de leur peur juvénile ! 

Bruno Matéï

4èx

10.11.14
24.06.10

LA ROSE DE FER

                                                          Photo emprunté sur Google, appartenant au site beyondhorrordesign.blogspot.com

de Jean Rollin. 1973. France. 1h20. Avec Françoise Pascal, Hugues Quester, Natalie Perrey, Michel Delesalle, Mireille Dargent (sous le nom de "Dily D'Argent"), Jean Rollin.

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin, 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Franc-tireur du fantastique français des seventies, Jean Rollin a rarement gagné les faveurs du public et de la critique au sein de son pays, en dépit d'une poignée d'aficionados reconnaissant en lui la patte d'un auteur singulier adepte des atmosphères onirico-sensuelles. A contrario, des cohortes de fans d'Outre-Manche continuent de lui adresser un véritable culte auprès de sa filmo fantastique; sachant que le cinéaste a également oeuvré dans la pornographie afin de renflouer ses récurrents échecs commerciaux. Réalisé en 1973, La Rose de Fer ne déroge pas à la règle du fiasco commercial et critique alors qu'il s'agit pourtant d'une de ses oeuvres les plus personnelles et envoûtantes. L'histoire se résume à l'errance nocturne d'un couple d'amoureux au sein d'un cimetière situé dans la région de Picardie (Amiens plus précisément, non loin de chez moi !). 

Durant toute une nuit, les amants vont randonner à travers les allées et tenter de s'y échapper sans jamais pouvoir retrouver l'issue de sortie. Gagné par l'angoisse de ce lieu morbide, le couple accumule les disputes jusqu'à ce que la compagne se laisse envahir par l'ivresse d'une douce démence. Littéralement séduite par l'aura spirituelle qui s'émane des pierres tombales et du silence tranquille régi dans l'atmosphère, elle finit par se laisser séduire par les âmes des défunts jusqu'à s'improviser quelques pas de danse et étreinte avec un crâne afin de leur témoigner son amour. Eloge à la mort et à l'éternité de la nuit, La Rose de Fer baigne dans le climat onirique d'un huis-clos gothique parmi ces sculptures de pierre et divers caveaux ornant les allées de la nécropole. C'est donc une promenade avec l'au-delà que nous assigne Jean Rollin parmi le rythme languissant qu'on lui connaît et avec la complicité naturelle de comédiens semi-amateurs. Le style bricolé de la réalisation, traversée parfois de saisissantes images fantasmagoriques en clair-obscur, et le côté improvisé du jeu d'acteurs distillent un charme trouble auprès du spectateur embarqué dans un requiem de la solitude. Bien entendu, pour se laisser happer par l'expérience mystique, il faut savoir accepter la monotonie et la maladresse de l'ensemble et surtout apprécier le style particulier de Jean Rollin cédant parfois aux situations nonsensiques afin de mieux nous égarer dans son univers de fantasme et d'érotisme. 

Songe d'une pierre tombale
Beau, envoûtant et parfois bercé d'une musique lancinante, La Rose de Fer est un étrange voyage au cimetière des morts, une promenade spirituelle parmi leur compagnie où la douceur de la nuit finit par nous convaincre de leur repos éternel. 

Dédicace à Daniel Aprin et Mathias Chaput

Bruno Matéï

2èx

BONNIE AND CLYDE

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site notapaxamericana.wordpress.com

d'Arthur Penn. 1967. U.S.A. 1h51. Avec Warren Beatty, Faye Dunaway, Gene Hackman, Estelles Parsons, Michael J. Pollard, Denver Pyle, Dub Taylor, Evans Evans, Gene Wilder.

Sortie salles France: 8 Novembre 1967. U.S: 13 Août 1967

Récompenses: Oscars 1968. Meilleure Actrice de second rôle, Estelle Parsons.
Meilleure Photographie: Burnett Guffey

FILMOGRAPHIE: Arthur Penn est un réalisateur américain, né le 27 Septembre 1922 à Philadelphie, décédé le 28 Septembre 2010 à Manhattan, New-York.
1958: Le Gaucher. 1962: Miracle en Alabama. 1965: Mickey One. 1966: La Poursuite Impitoyable. 1967: Bonnie and Clyde. 1969: Alice's Restaurant. 1970: Litlle Big Man. 1975: La Fugue. 1976: Missouri Breaks. 1981: Georgia. 1985: Target. 1987: Froid comme la Mort. 1989: Penn and Teller get killed. 1995: Lumière et Compagnie (segment).

Deux ans avant La Horde Sauvage, une oeuvre polémique avait également rivalisé d'audace dans son traitement de la violence exacerbée par des éclaboussures de sang parfois filmées au ralenti. A l'instar de la fusillade finale perpétrée sur le couple de gangsters après avoir été pris au dépourvu lors d'un guet-apens policier. Beaucoup ont reproché la complaisance de cette séquence restée dans les annales pour sa sauvagerie radicale et considérée à raison comme l'une des morts les plus sanglantes du cinéma. Pourtant, dans la réalité des faits, 150 impacts de balles ont été dénombrés sur la carrosserie des braqueurs. On ne peut donc reprocher à Arthur Penn d'avoir voulu surenchérir dans le racolage facile, ce dernier ne faisant que retracer fidèlement la mort de Bonnie and Clyde dans la folie cruelle du règlement de compte.

Enorme succès à sa sortie, le film doit beaucoup de sa notoriété au couple glamour imposé par Warren Beatty / Faye Dunaway, alors qu'à la base c'est à Jane Fonda qu'était imparti le rôle de la serveuse férue de passion et d'évasion auprès d'un indéfectible braqueur de banque. Un duo devenu aussi légendaire que nos vrais criminels qui exécutèrent durant leur périple pas moins de 12 personnes dans le sud-ouest américain de la grande dépression. Sublime de sensualité et fiévreuse d'ardeur, Faye Dunaway crève l'écran dans sa prestance de criminelle endurcie pour sa nouvelle condition délinquante mais néanmoins désarçonnée par l'absence de sa mère et l'impuissance de son amant. Charismatique en diable et un brin trop élégant, Warren Beatty se fond pourtant dans la peau de Clyde Barrow avec stoïcité malgré ses brefs instants de culpabilité lorsqu'il ose commettre son premier meurtre de sang froid auprès d'un citadin innocent. Souffle romanesque et épique se télescopent incessamment sous la caméra virtuose d'Arthur Penn, l'auteur s'étant véritablement inspiré à retracer cette équipée sauvage parmi la complicité de seconds rôles aussi irresponsables (Moss, le jeune pompiste, Buck, le frère aînée de Clyde, et sa femme Blanche) venus prêter main forte au couple de braqueurs toujours plus épuisés à déjouer les embuscades policières. Cette traque homérique traversée d'âpres éclairs de violence met bien en exergue l'inconscience de ce gang, particulièrement Bonnie et Clyde, deux gamins avides de liberté et d'épanouissement, alors que ce dernier se compromet à son impuissance pour contenter sexuellement sa compagne. C'est donc dans l'adrénaline des braquages de banques et d'épicerie qu'il trouve refuge afin de pallier sa frustration. Dans leur caractérisation aussi réaliste que romanesque, nous ne pouvons qu'éprouver une forte empathie pour ces anti-héros épris de fureur de vivre et de désespoir car à bout de souffle d'endurer une chasse à l'homme toujours plus irréductible.

Mené sur un rythme infernal et mis en scène parmi la virtuosité de séquences d'action percutantes, Bonnie and Clyde relève plus du drame romanesque (non exempt d'humour corrosif) que du film noir pour le portrait imparti à l'insouciance de ces tueurs férus de liberté. Il en émane un grand moment de cinéma d'une rare puissance émotionnelle dans la complicité idéaliste formé au couple iconique, Warren Beatty / Faye Dunaway.

Bruno Matéï
4èx

                                  

LA HORDE SAUVAGE (The Wild Bunch)

                                           

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site levafilmworks.com

de Sam Peckinpah. 1969. U.S.A. 2h25. Avec William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O'Brien, Warren Oates, Jaime Sanchez, Ben Johnson, Emilio Fernandez.

Sortie salles France: 17 Octobre 1969. U.S: 18 Juin 1969

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984. 1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

« L'enfant est Dieu et le Diable à la fois, et en lui se trouvent mêlées la cruauté et une extrême bonté. Il suffit que les enfants soient témoins de certaines choses pour qu'ils deviennent très vite des adultes, des êtres aussi vicieux, aussi méchants que nous. Tout un système de morale, d'éducation nous empêche de regarder en face un certain nombre de vérités, par exemple qu'il existe déjà chez l'enfant tout ce côté sombre de l'homme. »

— Sam Peckinpah

Western mythique vilipendé par la critique dès sa sortie pour l'intolérance de sa violence tranchée, La Horde Sauvage gagna pourtant au fil des décennies un statut de chef-d'oeuvre légendaire. C'est dire si le film de Peckinpah était à contre courant des conventions classiques établies par le western lyrique de John Ford ou celui plus "héroïque" de John Wayne afin de mettre ici en exergue une forme de violence baroque appuyée par des effets de ralentis chorégraphiques. C'est également la réponse ricaine pour tenter d'émuler l'âpreté du western spaghetti, Sam Peckinpah décidant de surenchérir dans la bestialité avec un carnage final d'une intensité rigoureuse toujours aussi acérée aujourd'hui. Magnifiquement mis en scène dans la modernité de son montage véloce, la Horde Sauvage est le témoignage de la traîtrise, de l'avilissement, du chaos, du désordre, faute d'un monde miné par la pauvreté des exclus (les villageois mexicains) et gangrené par la dictature de conflits guerriers. La plupart des personnages étant ici caractérisés par des chasseurs de primes vindicatifs, des bandits autonomes ou des terroristes belliqueux assoiffés d'alcool, de cruauté et de pouvoir. 

Dans cette peinture nihiliste de la nature humaine, le prélude l'anticipe déjà avec ce groupe de bambins mesquins batifolant autour de scorpions pour les regarder se faire dévorer par des milliers de fourmis. Métaphore sur notre instinct pervers et meurtrier dont l'enfant influant se réapproprie naturellement du comportement destructeur des adultes, le film nous achemine lentement vers le baroud d'honneur d'une bande de malfrats délibérés à se sacrifier car épuisés de survivre dans un monde qu'ils ne comprennent plus. A travers leur équipée homérique redoublant d'audaces, de bravoure et de dangerosité, telle cette attaque coordonnée autour d'un convoi ferroviaire, Sam Peckinpah évoque leur anachronisme, leur sentiment intime d'être dépassé par leur univers qu'ils ne reconnaissent plus depuis la révolution technique. A l'instar de la première apparition d'un véhicule sur roue que des mexicains exposent fièrement aux badauds pour dévoiler le progrès industriel. Au fil du cheminement marginal de ces anti-héros sclérosés, le désespoir et l'amertume les rattrapent un peu plus, quand bien même l'humanisme va les rappeler à la raison de la tolérance lorsqu'ils se résignent d'épargner de ses souffrances un de leur camarade torturé par la troupe du général Mapache ! S'ensuit alors leur dernière offensive suicidaire d'aller provoquer par les armes ces centaines de belligérants et de mettre un terme à leur funèbre existence (tels des fantômes errants !) en commun accord, le spectateur éprouvant une inattendue empathie pour leurs ultimes sursauts de bravoure et de loyauté !

D'une brutalité toujours inégalée pour le genre, La Horde Sauvage illustre de manière poisseuse une diatribe sur l'instinct foncièrement mauvais de l'être humain tout en énonçant une réflexion édifiante sur le venin de la violence. Magnifié par la prestance burinée de comédiens inscrits dans une camaraderie marginale, ce chemin de croix reste une épreuve de force d'une intensité éprouvante dans l'expédition pessimiste de ses hors-la-loi livrés à la solitude et la désillusion.  

Bruno Matéï

3èx

« J'ai fait ce film parce que j'étais très en colère contre toute une mythologie hollywoodienne, contre une certaine manière de présenter les hors-la-loi, les criminels, contre un romantisme de la violence [...]. C'est un film sur la mauvaise conscience de l'Amérique.(...) La Horde sauvage est simplement ce qui arrive lorsque des tueurs vont au Mexique. L'étonnant est que vous ressentez une perte immense quand ces tueurs atteignent la dernière ligne droite. »
— Sam Peckinpah

TRICK'R TREAT

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Michael Dougherty. 2007. U.S.A. 1h22. Avec Brian Cox, Anna Paquin, Dylan Baker, Leslie Bibb, Quinn Lord, Rochelle Aytes, Moneca Delain, Tahmon Penikett.

Sortie salles U.S: 9 Décembre 2007

FILMOGRAPHIE: Michael Dougherty est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur et producteur américain, né en Octobre 1974 à Columbus.
1998: Refrigerator Art. 1998: Deadtime Stories. 2008: Trick'r Treat. 2010: Calling all Robots.

Honteusement inédit en salles et donc directement passé par la case Dtv, Trick'r Treat renoue avec le film à sketchs typiquement sardonique dans son esprit BD hérité des EC-comics. Indubitablement, à la lecture du film, on songe au classique du genre Creepshow, de par la créativité des histoires en trompe-l'oeil détournant parfois avec malice l'archétype du conte, du soin imparti à son esthétisme flamboyant et des twists à répétition faisant mouche à chaque démarche.

Composé de quatre histoires reprenant les mythes de l'horreur séculaire (morts-vivants, vampires, loups-garous, mais aussi, dans une mesure plus contemporaine, un monstre énigmatique et un tueur en série !), Trick'r Treat ne cesse d'entrecroiser le cheminement des intrigues avec celui des personnages en alternant évènements actuels et antérieurs. Ancré dans un solide humour macabre aussi irrésistible qu'audacieux (nos chères têtes blondes y trépassent avec une ironie franchement caustique !), la réussite du métrage découle de la structure des intrigues adroitement narrées où chaque personnage clef peut autant endosser la fonction de victime que celui du potentiel coupable ! Outre l'aspect festif de ces histoires espiègles où l'hypocrisie prime souvent avec l'instinct vengeur d'esprits rebelles, Trick'r Treat transfigure la fête d'Halloween avec un respect immodéré pour l'amour des citrouilles et des sorcières. Car à travers l'intrusion suspecte d'un étrange garçonnet affublé d'un sac à patate sur la tête et de deux boutons de manchette à la place des yeux, une nouvelle icône monstrueuse se dévoile sous nos yeux pour la première fois. Une manière fort originale de boucler cette anthologie afin de porter en témoignage l'aspect sardonique du folklore d'Halloween où farce et bonbons se sont gentiment mêlés au chantage affectif ! Et le réalisateur de s'en moquer avec autant de brimade pour l'aspect morbide des situations que de respect pour sa coutume ancestrale que les enfants d'aujourd'hui ont monopolisé dans leur stature capricieuse !

La fête des Masques
Hymne à Halloween et à l'horreur ludique, véritable trésor d'inventivité dans l'alchimie des intrigues redoublant de sarcasme et le rôle insidieux impartis aux divers protagonistes, Trick'r Treat est également un régal pour les yeux par son onirisme macabre où aucun détail n'a été laissé au hasard ! Le plaisir s'avère si jouissif et addictif qu'on aurait tant aimé que le film se prolonge un peu plus (il ne dure qu'1h22, générique compris !), le temps de nous raconter une ultime fois un nouveau conte diaboliquement fripon ! 

Bruno Matéï

2èx

                                     

Morsures / Nightwing

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

d'Arthur Hiller. 1979. U.S.A. 1h44. Avec Nick Mancuso, David Warner, Kathryn Harrold, Stephen Macht, Strother Martin.

Sortie salles France: 4 Juin 1980. U.S: 22 Juin 1979

FILMOGRAPHIE: Arthur Hiller est un réalisateur et acteur canadien, né le 22 Novembre 1923 à Edmonton, Alberta (Canada). 1956: Massacre à Sand-Creek. 1964: Les Jeux de l'amour et de la guerre. 1965: Promise her Anything. 1966: Tobrouk, commando pour l'enfer. 1966: Les Plaisirs de Pénélope. 1967: The Tiger Makes Out. 1970: Escapade à New-York. 1970: Love Story. 1971: Plaza suite. 1971: L'Hôpital. 1972: L'Homme de la Manche. 1975: The Man in the Glass Booth. 1976: Transamerica Express. 1979: Ne tirez pas sur le dentiste. 1979: Morsures. 1982: Making Love. 1982: Avec les Compliments de l'Auteur. 1987: Une chance pas croyable. 1989: Pas nous, pas nous. 1990: Filofax. 1992: The Babe. 1997: An Alan Smithee Film.

Pitch: Un shérif adjoint, sa compagne et un savant anglais vont unir leur force afin de déjouer l'invasion de chauve-souris dans une contrée de l'Arizona, ancien territoire des indiens.  

Série B quasi ignorée de nos jours, Morsures se fit connaître dans les vidéos des années 80 chez une poignée de cinéphiles avides de curiosités. Oubliez vite le caractère fallacieux de sa jaquette française et de son affiche us lorgnant vers le produit Z, Morsures préconisant la retenue de nous impressionner afin d'étudier la caractérisation des personnages et de mettre en appui l'originalité de son script retors. Pour cause, durant toute l'intrigue soigneusement contée, nous ne serons témoins que de trois attaques coordonnées par nos chiroptères en masse, la première s'avérant la plus sanglante et incisive pour la panique imputée aux victimes mordues toutes azimuts ! D'autre part, on peut louer la réussite artisanale de ces effets-spéciaux mécaniques confectionnés par Carlo Rambaldi utilisant avec habileté vraies et fausses chauve-souris survolant agilement dans les airs avant de s'agripper sur l'échine des victimes. 

Mais en dépit de la facture démonstrative de ces trois séquences, le film gagne en force et crédibilité pour mettre en exergue les rapports de force encourus entre un jeune shérif et un industriel mégalo régissant l'infrastructure de compagnies pétrolières. La seconde partie s'attardant ensuite aux enjeux stratégiques et à l'expédition touristique d'un trio de héros délibérés à déjouer la menace après avoir constatés la découverte de nouveaux cadavres porteurs de peste bubonique. Militant pour la cause indienne et leur condition infortunée, le film énonce également un message écolo pour le respect de l'environnement en faisant intervenir le surnaturel via une croyance spirituelle. Notamment à travers la mise en garde d'un sorcier indien délibéré à se venger auprès de l'homme blanc parmi la complicité animale des chauves-souris. Ainsi, pour ces thèmes traités sans outrance, comme de la manière subtile dont le cinéaste introduit le fantastique, on peut songer au magnifique Wolfen de Michael Wadleigh, notamment pour le sens de sa poésie lyrique. En prime, et pour accréditer l'aspect nuisible du mammifère, le réalisateur énonce à titre informatif leur mode de vie régi en masse, leur comportement autonome et la maladie mortelle qu'ils peuvent transmettre sur l'homme.  

Série B injustement méconnue car rapidement cataloguée comme un produit horrifique risible du fait de sa jaquette racoleuse, Morsures combine pourtant intelligemment aventure et horreur parmi la conviction d'interprètes d'une riche densité humaine (à l'instar d'un David Warner plutôt avisé et couillu en chercheur infaillible). Du vrai cinéma fantastique au sens noble.

*Bruno

2èx

HALLOWEEN 2. Director's Cut.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site nitehawkcinema.com

de Rob Zolmbie. 2009. U.S.A. 1h59 (Director's Cut). Avec Scout Taylor-Compton, Malcolm McDowell, Tyler Mane, Brad Dourif, Danielle Harris, Sheri Moon Zombie, Brea Grant.

Sortie en Dvd et Blu-ray le 31 Mars 2010. Sortie salles U.S: 28 Août 2009

FILMOGRAPHIE: Rob Zombie est un chanteur, musicien et réalisateur américain, né le 12 Janvier 1965 à Haverhill, dans le Massachusetts. 2003: House of 1000 Corpses. 2005: The Devil's Rejects. 2007: Werewolf Women of the S.S. (trailer). 2007: Halloween. 2009: Halloween 2. 2012: The Lords of Salem.

Suite du remake entamé 3 ans au préalable, Halloween 2 joue la carte de l'anticonformisme par le biais d'un Rob Zombie délibéré à démystifier l'icone fantomatique de Michael Myers. Echec public et critique outre-atlantique qui valut à la France de le bannir des écrans pour le sortir directement en Dvd et Blu-ray, ce second opus a de quoi déconcerter les puristes de la franchise tant le réalisateur s'épanche à réinventer le slasher avec audace et brutalité inédite pour le genre. Le pitch: Deux ans après les tragiques évènements du précédent épisode, Laurie Strode essaie de se reconstruire de son traumatisme avec l'aide d'une thérapeute. De son côté, le Dr Loomis s'est reconverti en écrivain afin de promouvoir le récit de sa traque sur Michael Myers. Alors que les festivités d'Halloween approchent, le tueur masqué revient faire surface à Haddonfield afin de régler ses comptes auprès de sa soeur logée sous l'enseigne du shérif Brackett. D'une violence hardcore particulièrement acérée, Halloween 2 est loin de renouer avec la suggestion entreprise chez Carpenter dans le premier volet, l'intrigue laissant libre court à une succession de meurtres d'une sauvagerie inouïe ! Baignant dans un climat onirico-macabre (la fête d'Halloween organisée autour d'un concert rock auquel le public s'est affublé de masques issus des monstres de la Universal, les apparitions spectrales de Deborah vêtue de blanc et accompagné du petit Michael, les rêves de Laurie hérités de l'univers macabre de Tim Burton !), Halloween 2 succède au réalisme cru pour mettre en exergue les agissements meurtriers de Michael Myers ! 

Incarnation du Mal absolu, il fait aujourd'hui son retour sous la sinistre apparence d'un clodo barbu, tantôt dévoilé à visage découvert, tantôt camouflé d'un masque morcelé. Déambulant dans la campagne nocturne afin de regagner la contrée d'Haddonfield, il laisse derrière lui nombre de victimes parfois massacrées à mains nues ! Si l'intrigue n'a rien de transcendant dans la requête familiale de Michael Myers, la mise en scène studieuse de Zombie réussit à renouveler l'intérêt par le comportement hostile du tueur à la cruauté éprouvante. Outre l'efficacité redoutable des mises à mort cinglantes et de la tension exercée sur sa diabolique présence, Rob Zombie brosse également le portrait d'une Laurie Stode quasi méconnaissable dans sa fonction de marginale dépressive hantée par les mêmes visions surnaturelles que son frère. Profondément perturbée et sujettes à des névroses psychotiques, son rôle fragile nous insuffle l'empathie dans sa tentative désespérée de se débarrasser de ses démons et de l'acharnement de son frère. Quand à l'illustre Dr Loomis, il est ici recyclé en écrivain cupide afin d'accéder à la notoriété et avant de se racheter une conduite dans un dernier acte révélateur. C'est du moins ce que nous révèle le Director's cut puisque tous ces personnages iconiques font office de détournement au profit d'une idée astucieuse qui va permettre de lever le voile Spoiler ! sur la nouvelle personnalité de Laurie Strode/Angel Myers (l'objet de sa filiation maudite et les raisons impliquant ses visions spirituelles !) et de conclure la saga parmi la cohérence de son état mental. Fin du spoiler. 

Angoissant et terrifiant de par son climat d'insécurité et la stature bestiale du tueur, éprouvant et cruel par ses éclairs de brutalité (le massacre dans la demeure de Brackett nous laisse les mains moites dans son intensité aride !), Halloween 2 ose la gageure de détourner le mythe parmi la personnalité de son auteur transfigurant un univers onirico-macabre et réaliste. Il y émane une oeuvre formelle impeccablement maîtrisée, à l'instar de son montage vigoureux et du jeu spontané des comédiens particulièrement impliqués dans leur fonction de survie (sans compter les apparitions clins d'oeil de Margot Kidder et de la jeune Danielle Harris déjà entrevue dans Halloween 4 et 5). 

*Bruno

2èx

La critique d'Halloween, 2007: http://brunomatei.blogspot.fr/…/halloween-de-rob-zombie.html