SCREAM 2

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemagora.com

de Wes Craven. 1997. U.S.A. 2h01. Avec Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Jamie Kennedy, Jerry O'Connell, Elise Neal, Liev Schreiber, Timothy Olyphant, Sarah Michelle Gellar.

Sortie salles France: 8 Juillet 1998. U.S: 12 Décembre 1997

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio.
1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

Seconde suite d'un premier opus mondialement reconnu, Scream 2 continue de surfer sur le slasher en vogue avec un goût tacite pour la parodie, Wes Craven s'interrogeant aujourd'hui sur la nécessité des suites à succès générant le merchandising, quand bien même les producteurs véreux utilisent l'appât du fait-divers crapuleux pour l'adapter à l'écran et divertir le public ado. A l'instar de son modèle, le film s'ouvre avec un prologue tout aussi cruel lorsqu'un couple de spectateurs est pris à parti avec le tueur masqué en pleine projection de Stab (adaptation cinématographique du premier Scream). Wes Craven ayant auparavant pris soin de nous attacher à leur rapport romantique afin de mieux irriguer l'empathie après leurs assassinats. Nanti d'un ressort dramatique, il utilise la mise en abîme pour mettre en exergue la réaction aphone du public lorsqu'il se retrouve témoin d'un véritable assassinat sur la scène de l'écran. Par le biais du "film dans le film" auquel ces derniers se frissonnent à observer le meurtre fictif d'une baby-sitter, Scream 2 tend à prouver à quel point le réalisme au cinéma peut altérer l'esprit du spectateur ne sachant plus ici distinguer fiction et réalité. Ou lorsque la tragédie du quotidien vient transcender l'illusion pour rappeler à l'ordre la conscience soumise du jeune public en émoi !

Outre sa réflexion sur le pouvoir de l'image et l'influence de la violence cinématographique qu'il peut parfois exercer chez des sujets fragiles, l'intrigue met également en appui un discours sur l'avidité de la célébrité par l'entremise des journalistes sans scrupule et surtout de l'étudiant Cotton Weary (celui que Sidney avait accusé dans le 1er opus et qui lui valu d'écoper une peine de prison), délibéré aujourd'hui à prendre sa revanche sur sa réputation auprès de l'opinion public. Bourré de références aux classiques du Slasher mais aussi du Giallo, l'intrigue exploite moult rebondissements épiques, suspects et faux coupables lorsqu'un nouveau tueur décide de fonder une suite au 1er Scream pour y imposer sa signature et commettre une nouvelle série d'homicides afin de brimer Sidney Prescott et son entourage. Avec inventivité, cruauté sardonique et pas mal de vigueur dans la gestion des séquences de poursuites, Wes Craven élabore de nouvelles séquences d'angoisse ou de terreur particulièrement palpitantes (avant d'exploiter les repères du huis-clos claustro !) lorsque les victimes sont incessamment traquées par un tueur malhabile, ce dernier ne cessant de trébucher lorsqu'il s'engage à rattraper sa proie en panique. Une manière habile de détourner les codes du genre et de s'en moquer en jouant autant sur les poncifs éculés des suites à rallonge (notamment ces fameux alibis impartis à la vengeance et au coupable bicéphale !). Le point d'orgue s'avérant assez jubilatoire dans son humour sarcastique et ses contrecoups en pagaille régis autour d'une scénographie théâtrale. Une leste manière de dévoiler l'envers du décor cinégénique et tous ces artifices techniques que le cinéaste pratique inévitablement dans l'hyperbole ! Pour parachever, on peut également prôner la complicité amicale de tous les comédiens (déjà célébrés dans le premier opus !) formant une cohésion attachante par leur caractère spontané, quand bien même Courteney Cox insuffle à sa fonction de journaliste cupide une dimension plus humaine (et romantique !) dans sa prise de conscience d'aborder cette nouvelle dramaturgie avec discernement. 

Fun et bien troussé par son savoir-faire véloce et son rythme sans faille, Scream 2 renouvelle son style ironique avec perspicacité pour divertir son public complice d'une farce macabre. De manière satirique, voire parodique, Wes Craven profitant de nous questionner sur notre responsabilité morale à distinguer la fiction d'une violence horrifique et la tragédie du fait-divers qu'Hollywood n'hésite pas exploiter vulgairement afin de favoriser le merchandising des suites lucratives. 

Les Chroniques de Scream: http://brunomatei.blogspot.com/2011/04/scream.html
                               Scream 4: http://brunomatei.blogspot.com/2011/04/scream-4.html

Bruno Matéï

3èx

CLOVERFIELD

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

de Matt Reeves. 2008. U.S.A. 1h21. Avec Michael Stahl-David, Mike Vogel, Lizzy Caplan, Jessica Lucas, T.J. Miller, Odette Yustman, Theo Rossi.

Sortie salles France: 6 Février 2008. U.S: 18 Janvier 2008

FILMOGRAPHIE: Matt Reeves est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 27 Avril 1966 à Rockville Centre (Etats-Unis).
1993: Future Shock (segment "Mr Petrified Forrest). 1996: Le Porteur de Cercueil. 2008: Cloverfield. 2010: Laisse moi entrer. 2014: La Planète des Singes: l'Affrontement.

D'après un concept original du producteur J.J. Abrams, Cloverfield empreinte la démarche du Found Footage afin de renforcer l'ultra réalisme d'une invasion animale au sein de l'état de New-York. C'est à dire une créature géante (dont nous ne connaîtrons jamais l'origine !) chargée ici de semer le chaos en plein coeur des cités de Manhattan ! L'armée enrôlée en masse s'efforçant vainement de repousser l'ennemi parmi l'artillerie lourde de mitraillettes, lance-roquettes et missiles envoyés par chars, hélicoptères ou avions ! En alliant le film de monstre, digne héritier de Godzilla, et la topographie du film catastrophe, Matt Reeves rivalise de prouesse technique pour authentifier son apocalypse urbain par le principe du documenteur ! Expérience de cinéma immersive imperturbable, Cloverfield parvient miraculeusement à se démarquer de la surenchère dans son habile dosage de destruction massive et d'apparition dantesque d'une créature protéiforme terriblement charismatique.

Car jouant également sur la suggestion en retardant le plus souvent possible sa structure démesurée, l'intrigue puise son efficacité dans le caractère vraisemblable de cette situation incongrue auquel un monstre aura décidé d'imposer sa loi ! Ou comment cristalliser l'impensable dans le domaine du crédible par le biais d'une caméra mobile multipliant les ellipses visuelles pour mieux attiser notre curiosité ! C'est là la grande force de Cloverfield, car outre ses scènes d'action au souffle apocalyptique vertigineux, son pouvoir de fascination émane de l'apparition cauchemardesque du monstre par l'habileté de plans soigneusement étudiés. Et même si les protagonistes s'avèrent peu développés au cours de leur vicissitude de survie, le parti-pris d'avoir sélectionné des acteurs inconnus renforce également sa facture crédible. Si le scénario superficiel n'apporte aucune surprise (en dehors des créatures annexes venues brimer la traque des survivants !) quant au cheminement affolant des héros sillonnant les quartiers décharnés pour porter secours à une fille recluse dans un appartement, la manière urgente dont Matt Reeves nous immerge dans le feu de l'action nous laisse pantois de stupeur ! Dès lors, nous redoutons la prochaine apparition du monstre déambulant avec une démarche aussi lourde qu'effrayante à travers les buildings, tout en éprouvant une implacable fascination face à ses exactions de destructions urbaines. On peut d'ailleurs souligner l'acuité de sa bande-son, là encore conçue pour nous assourdir les tympans afin de rehausser la démarche pataude de la masse animale et les explosions d'immeubles qui s'ensuivent !

Pur spectacle de samedi soir régi en tour de montagne russe, Cloverfield tient la dragée haute du divertissement alerte par l'habileté du faux documentaire et d'un brio technique à couper le souffle. Par sa puissance visuelle crépusculaire et l'impact catastrophique d'une situation aussi aléatoire rappelant les tragiques évènements du 11 Septembre, le film peut s'officialiser comme le plus réaliste film de monstres jamais conçu auquel les remakes ricains de Godzilla sont balayés en un (furtif) coup de vent. 

Bruno Matéï
2èx

MENACE II SOCIETY

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site gettyimages.com

des Frères Hughes. 1993. U.S.A. 1h37. Avec Tyrin Turner, Larenz Tate, Jada Pinkett Smith, MC Eiht, Samuel L. Jackson, Clifton Powell, Vonte Sweet, Charles S. Dutton.

Sortie salles France: 5 Janvier 1994. U.S: 26 Mai 1993

FILMOGRAPHIE: Albert et Allen Hughes sont des frères jumeaux producteurs, scénaristes et réalisateurs américains, né le 1er Avril 1972 à Détroit (Michigan).
1993: Menace II Society. 1995: Génération Sacrifiée. 1999: American Pimp (doc). 2001: From Hell. 2009: New-York, I love you (un segment d'Allen Hughes). 2009: Le Livre d'Eli. 2013: Broken City (d'Allen Hughes).

Film choc s'il en est, plus encore que ses précurseurs Colors et Boyz'n the Hood, Menace II Society dresse le portrait effrayant d'une délinquance juvénile, celle des ghettos noirs retranchés dans une idéologie criminelle où la loi du plus fort y engendre une ingérable spirale de violence. En témoigne son prologue cinglant auquel un couple de commerçants va être lâchement abattu par un jeune noir parce que l'épicier aura osé offenser verbalement sa mère. Cette violence implacable s'avère d'autant plus terrifiante par son réalisme poisseux qu'elle découle d'un jeune marginal destitué de toute morale à accorder la moindre chance et empathie pour sa victime. Et de pousser le bouchon de l'incongruité lorsqu'il vantera plus tard les mérites de ses actes crapuleux auprès de ses proches après avoir dérobé l'enregistrement de la video surveillance !

Terrifiant pour l'impact cru imposé à sa violence gratuite, les exactions criminelles qui empiètent le cheminement du témoin du meurtrier (c'est à dire Caine, afro-américain de 18 ans !), provoque émoi et malaise dans son lot de circonstances sanglantes. Entre règlements de comptes aux motifs dérisoires, à l'instar d'un regard ou d'une provocation verbale mal placés, voir d'un désir de vengeance ou d'un ressort de jalousie, et avant que Caine ne commence à s'éveiller de sa torpeur existentielle par l'appui d'une idylle amoureuse et des sermons de son grand-père. Illustrant sans compromis sa dérive criminelle en chute libre, les Frères Hughes n'y vont pas avec le dos de la cuillère pour mettre en exergue cette déliquescence morale établie au sein d'une communauté noire engluée dans le chômage, l'alcool et la drogue. Si les flics les pourchassent la plupart du temps avec une longueur de retard, certains autres les incriminent avec un mépris raciste au point d'enfreindre leur loi pour se porter complice d'un éventuel lynchage (voir la séquence au cours duquel deux noirs molestés seront vulgairement déposés sur le trottoir d'un quartier latino). Outre ses scènes d'ultra violence particulièrement poisseuses, ce qui ébranle quand on revoit aujourd'hui Menace II Society émane du comportement irresponsable, décérébré et inconscient de ses bandes rivales s'entretuant pour des motifs d'orgueil et de supériorité dans leur condition désoeuvrée. Cette jeunesse constamment sur le fil du rasoir n'ayant comme seule optique de profiter de l'instant présent par leur autonomie ingrate au point même d'envisager parfois d'assassiner un des proches de leur clan.

Pessimiste et désespéré car sans échappatoire, Menace II Society provoque un malaise tangible par son climat malsain abrupt ou la violence putassière découle du comportement irréfléchi d'une minorité noire souvent livrée à l'abandon parental et à leur déchéance dépravée. Son intensité dramatique rigoureuse culminant vers un point de non retour tristement prévisible et nihiliste. Un témoignage édifiant, un constat d'échec d'une société nombriliste dont on ne sort pas indemne...

Bruno Matéï

4èx

DEATH SENTENCE

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

de James Wan. 2007. U.S.A. 1h45. Avec Kevin Bacon, Garrett Hedlund, Kelly Preston, Aisha Tyler, John Goodman, Jordan Garrett, Stuart Lafferty, Matt O'Leary.

Sortie salles France: 16 Janvier 2008. U.S: 31 Août 2007

FILMOGRAPHIE: James Wan est un producteur, réalisateur et scénariste australien né le 27 Février 1977 à Kuching (Malaisie), avant de déménager à Perth (Australie).
2004: Saw, 2007: Dead Silence, Death Sentence, 2010: Insidious. 2013: The Conjuring. 2013: Insidious 2.

Pur hommage au Vigilante Movie, James Wan ne réinvente rien avec Death Sentence, le film épousant une structure narrative éculée avec cet aimable père de famille reconverti en exterminateur depuis la mort tragique de sa famille. Il compte donc sur l'efficacité des séquences d'actions remarquablement exécutées (à l'instar de cette poursuite filmée en plan-séquence en interne d'un parking !) et enchaînées sur un rythme sans faille, et sur l'interprétation poignante de Kevin Bacon, parfaitement charismatique dans celui du cadre sombrant peu à peu dans la folie meurtrière par regain de rancoeur. En savourant cette série B menée avec savoir-faire, les amateurs du genre se remémoreront avec nostalgie les péloches d'exploitation qui pullulaient à l'aube des années 80, particulièrement Le Droit de Tuer, Vigilante, Un justicier dans la ville 2 et le Justicier de Minuit pour en citer les plus notoires. 

Outre son action échevelée et son ultra violence jouissive émanant du comportement vindicatif de rivaux incapables de s'amnistier, Death Sentence fait également preuve d'une intensité dramatique poignante lorsqu'un père de famille se retrouve témoin de la mort de son fils. De brèves séquences intimistes (la scène de l'hôpital où les parents apprennent le deuil de leur fils aîné, la séquence de la douche lorsque Nick se met à fondre en larme, l'étreinte du couple réunit dans la cave) faisant preuve de pudeur sont aussi mises en exergue pour illustrer la douleur insurmontable de Nick confronté à la violence aveugle d'une criminalité urbaine depuis la démission d'une juridiction laxiste. On peut d'ailleurs approuver la présence bicéphale de Kevin Bacon insufflant à son personnage en berne une sobre dimension humaine, notamment lors de son premier homicide quand il constate avec autant d'effroi que de dégoût la perversion de sa première pulsion morbide. Le film illustrant avec beaucoup d'efficacité sa lente descente aux enfers vers l'auto-justice et sa responsabilité immorale à prôner la meurtre depuis les conséquences dramatiques du destin de sa famille. Hormis son ossature narrative éprouvée, James Wan parvient tout de même à insérer quelques séquences inattendues, à l'instar de la confrontation improvisée entre Nick et le père de l'assassin (un vendeur illicite d'armes que John Goodman endosse avec une ambiguïté sociopathe !) alors que ce dernier n'hésitera pas à lui avouer sa démission parentale. Il y a aussi cette posture quasi ironique et désespérée d'observer Nick et son ennemi assis dans un canapé après leurs échanges de tir, quand bien même ce dernier lui fait constater à quel point il est devenu l'ennemi qu'il combattait depuis sa déliquescence criminelle.

Mené avec un implacable savoir-faire dans sa mise en scène nerveuse d'une caméra très mobile, Death Sentence joue la carte du divertissement ultra violent en exploitant nos bas instincts réactionnaires. Il en émane un hommage sincère et intelligent pour le genre (le film n'approuvant jamais l'apologie de l'auto-justice) avec l'appui d'un inquiétant Kevin Bacon dans sa stature fragilisée d'anti-héros pourfendeur. 

Bruno Matéï
2èx

LE VENIN DE LA PEUR

                                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site giallociaociao.com

Una Lucertola con la Pelle di Donna / Lizard in a woman's skin / Un lézard à la peau de femme / Carole / Les Salopes vont en Enfer de Lucio Fulci. 1971. Italie. 1h42. Avec Stanley Baker, Florinda Bolkan, Jean Sorel, Silvia Monti, Alberto de Mendoza.

Sortie salles France: 18 Août 1976. Italie: 17 Février 1971

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996.
1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 :L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio,1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence.

Giallo atypique au sein de la carrière de Fulci et pour le genre en lui même, Le Venin de la Peur télescope la psychanalyse sexuelle et l'enquête policière avec un goût assumé pour les climats onirico-diaphanes. Traversé de séquences baroques à l'esthétisme stylisé et de meurtres graphiques audacieux (le meurtre de Julia et l'éviscération des chiens restent dans les mémoires pour leur verdeur crapuleuse !), Lucio Fulci nous brode une intrigue tortueuse, un brin confuse (les dialogues ont une grande importance !), autour des frustrations sexuelles d'une épouse trompée. Carole est persécutée par ses cauchemars fantasmatiques au cours duquel elle se laisse séduire par sa voisine de palier, Julia, célibataire lubrique adepte des séances d'échangisme parmi de jeunes hippies. Autant dire que la drogue hallucinogène est également de la partie ! Par le biais de ses rêves récurrents parfois morbides, elle décide de consulter un psychiatre afin de démystifier sa névrose. Mais peu de temps après ses séances, sa voisine Julia est retrouvée morte assassinée à l'aide d'un coupe-papier ! C'est à dire dans les mêmes circonstances que Carole avait précédemment confiées à son thérapeute. Chargé de l'enquête, l'inspecteur Corvin suspecte au premier abord le mari infidèle de Carole sachant que cette dernière révélait sur un carnet les détails de ses cauchemars. 

Expérience érotico-horrifique au pouvoir de fascination indicible, le Venin de la Peur peut également se définir comme un bad trip psychédélique sous l'impulsion de personnages peu recommandables, la bourgeoisie se disputant la mise parmi l'arrogance d'une jeunesse marginale sous LSD. Fleurant au premier abord les cimes du Fantastique par l'entremise des rêves érotico-morbides que fantasme notre héroïne, Lucio Fulci s'avère particulièrement inspiré à illustrer des séquences fantasmagoriques surgies de la psyché de l'héroïne, quand bien même la beauté sensuelle des actrices italiennes apporte une touche charnelle à l'aura de déviance criminelle. Rêve et réalité se confondant dans l'esprit torturée de l'héroïne en quête de vérité et de nous immerger dans une vicissitude ensorcelante en perte de repères. Empruntant au premier coup d'oeil le thème de la clairvoyance parmi un propos psychanalytique, l'intrigue bifurque ensuite vers l'enquête policière que des inspecteurs sur le qui-vive mènent scrupuleusement avant que Fulci nous expérimente des courses-poursuites inquiétantes que Carole doit déjouer au péril de sa vie. La posture extravagante des personnages secondaires épousant notamment une démarche aussi provocatrice qu'hostile dans leurs coups-bas et stratagèmes perfides. Emaillé de rebondissements et d'inévitables fausses pistes quant à l'identité du tueur, le récit finit par y extraire un suspense aussi captivant qu'exponentiel au fil d'évènements dramatiques et d'une investigation décuplant les indices sans modération. Si on devine finalement l'identité du coupable, la manière singulière dont Fulci nous aura structuré son puzzle criminel autour de fulgurances baroques, et le portrait pessimiste fustigé à la nature humaine, continue de provoquer chez nous un émoi hypnotique. 

Pièce maîtresse du Giallo hétérodoxe, Le Venin de la Peur semble aujourd'hui encore plus vénéneux, expérimental et cauchemardesque sous l'effigie immaculée du Blu-ray supervisé par nos confrères Le Chat qui fume. Un spectacle d'une beauté baroque et sensuelle à couper au rasoir, l'onirisme macabre se disputant la vedette parmi la stylisation de visions d'horreur dérangeantes. Au-delà de son parti-pris formel, de la puissance de son élégie musicale et de sa narration en trompe-l'oeil, Lucio Fulci en profite pour caricaturer la psychanalyse de comptoir et le saphisme refoulé du point de vue d'une femme-lézard en gestation ! 

Remerciement à Philippe Blanc et au Chat qui Fume.

Bruno Matéï

4èx
06.08.15

01.10.10 (268)

LA HAINE. Prix de la mise en scène, Cannes 95.

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site legrandaction.com

de Mathieu Kassovitz. 1995. France. 1h36. Avec Vincent Cassel, Hubert Koundé, Saïd Taghmaoui, Solo, Sergi Lopez, Choukri Gabteni, Benoït Magimel.

Sortie salles France: 31 Mai 1995

FILMOGRAPHIE: Mathieu Kassovitz est un acteur, scénariste, réalisateur et producteur français, né le 3 Août 1967 à Paris.
1993: Métisse. 1995: La Haine. 1997: Assassin(s). 2000: Les Rivières Pourpres. 2003: Gothika. 2008: Babylon A.D. 2011: L'Ordre et la Morale.

Film choc de l'année 95 ovationné à Cannes (Prix de la Mise en scène) puis un an plus tard aux césars (Meilleur Film), La Haine retrace la quotidienneté de trois banlieusards issus de la cité des Muguets à Chanteloup-les-Vignes. Alors qu'un de leur ami, Abdel, est hospitalisé dans un état comateux suite à une bavure policière, Vinz, le plus irascible, souhaite se venger si ce dernier venait à trépasser. Durant leur journée d'errance et de mésaventures, ses amis Hubert et Saïd tentent de le raisonner afin de lui épargner son regain de vengeance. Inspiré par la tragédie de Makomé M'Bowolé assassiné en 1993 par un policier lors d'une garde à vue parisienne, Mathieu Kassovitz met en exergue le conditionnement de jeunes de cités contraints de répéter leurs journées de lassitude dans leur situation précaire où l'ennui s'avère un fardeau toujours plus lourd à porter. Livrés à eux mêmes car n'ayant aucune considération ni attache pour une société discriminatoire et xénophobe, ces derniers s'adonnent aux petites magouilles telles que vols de voiture ou deal de shit avant leurs confrontations musclées avec une police aussi arrogante qu'impassible (voire la manière dont Kassovitz caricature la posture d'une assemblée monolithique de CRS protégeant la devanture vandalisée d'un poste de police).

Fustigeant médias et journalistes dans leur quête de sensationnalisme, la haute bourgeoisie (la soirée d'exposition de tableaux virant subitement à l'échauffourée raciale) et surtout le zèle méprisant dont l'insigne policier fait parfois preuve dans leur comportement raciste et revanchard (notamment ce jeu d'humiliation et de passage à tabac que vont subir gratuitement Saïd et Hubert durant une garde à vue), La Haine insuffle un sentiment tangible de révolte par le témoignage désoeuvré de notre trio incapable de communiquer avec la classe sociable. La journée qu'ils vont subir durant plus de 24 heures s'avérant une épreuve de force, un parcours du combattant à refréner leur haine ("la haine attire la haine" s'exclamera Hubert !) dans leur situation houleuse avec une police omniprésente et incivile, quand bien même les délinquants les plus violents se laissent gagner par leurs pulsions criminelles (le sort aléatoire réservé au vigile de la boite de nuit !). Le cheminement indécis de leur errance journalière et leur sentiment d'injustice s'avérant toujours plus opprimant avant de connaître la réponse tragique de leur ami Abdel. L'ironie du sort étant de mettre en appui la déliquescence morale du plus intelligent du trio (Hubert) préalablement réfractaire à la violence et à la loi du Talion mais qui, dans une circonstance dramatique improvisée, cédera finalement à une justice expéditive dans sa rancoeur en ébullition. Une volonté habile pour Kassovitz de mettre en alerte la bavure policière, l'irresponsabilité de certains flics épris de zèle, et de nous démontrer que n'importe quel citoyen lambda doué de raison peut un jour basculer dans le crime pour tenir lieu de rébellion.

Le Monde est à vous.
Emaillé de situations cocasses parmi la verve insolente de dialogues incisifs, La Haine parvient avec réalisme documenté à nous immerger et nous familiariser dans la quotidienneté de ces délinquants avec l'énergie en roue libre de comédiens criants de vérité. Outre la précision chirurgicale de sa mise en scène alambiquée et la facture authentique de sa photo monochrome, La Haine tire parti d'une tension endémique rigoureuse par son contexte de crise sociale en perdition et par l'aigreur accordée à sa conclusion nihiliste (les bons et les méchants ayant proscrit leur identité). 
Jusqu'ici tout va bien... Jusqu'à la chute de notre société...

Bruno Matéï
4èx

"- ça fait vraiment du bien de chier un coup ! Vous croyez en Dieu ? il faut pas se demander si on croit en Dieu mais si Dieu croit en nous.
J’avais un ami qui s’appelait Gonvalski, on était déportés ensemble en Sibérie, quand on va en Sibérie dans les camps de travail, on voyage dans le train à bestiaux qui traverse la steppe glacée pendant 2 journées entières sans croiser personne, on se tient chaud ensemble mais le problème c’est qu’il faut se soulager, faut chier, c’est pas possible dans le wagon, le seul moment où l’on s’arrêtait c’était pour mettre de l’eau dans la locomotive mais Gonvalski était très prude même quand nous devions nous laver ensemble il était très gêné. Et moi je me moquais souvent de lui à cause de ça. Donc le train s’arrête et tout le monde en profite pour aller chier en dehors du wagon et moi j’ai tellement embêté Gonvalski avec ça, il préférait aller un peu plus loin. Donc le train repart et tout le monde saute dedans car le train il n’attend pas.
Le problème c’est que Gonvalski s’était éloigné derrière un buisson il n’avait pas fini de chier, donc je le vois il sort de derrière un buisson en tenant son pantalon dans sa main pour ne pas qu’il tombe, il essayait d’attraper le train. Je lui tends la main mais chaque fois quand il me tend la sienne il lâche son pantalon qui tombe sur ses chevilles. Il remonte son pantalon, il reprend sa course. Et chaque fois son pantalon il tombe quand il me tend la main.
- Et alors après qu’est-ce qui s’est passé ?
- Rien, Gonvalski est mort de froid."


Récompenses:
/ Prix de la Mise en scène, Cannes 95
/ César du Meilleur Film, Meilleur Producteur (Christophe Rossignon), Meilleur Montage (Mathieu     Kassovitz/Scott Stevenson.
/ Prix Lumières du Meilleur Film, 1996

ESTHER

                                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Orphan" de Jaume Collet-Sera. 2009. France/Allemagne/Canada.U.S.A. 2h03. Avec Vera Farmiga, Peter Sarsgaard, Isabelle Fuhrman, Jimmy Bennett, CCH Pounder, Margo Martindale, Karel Roden, Aryana Engineer.

Sortie salles France: 30 Décembre 2009

FILMOGRAPHIE: Jaume Collet-Serra est un réalisateur catalan, né le 23 Mars 1974 à Barcelone.
2005: La Maison de Cire. 2007: Goal 2: La Consécration. 2009: Esther. 2011: Sans Identité. 2014: Non-Stop. 2015: Run all Night.

Prenant pour thème l'enfant meurtrier, Esther mise sur le divertissement calibré à partir d'un scénario charpenté faisant preuve de montée en puissance du suspense et de violence rigoureuse étonnamment jusqu'au-boutiste pour une production PG-13. Après la perte de leur 3è enfant, un jeune couple se décide à adopter une orpheline native de Russie, Esther. Rapidement, de nombreux incidents intentent à la tranquillité de la famille Coleman, quand bien même la mère commence à porter des suspicions sur la petite étrangère. "Plus réussi est le méchant, plus réussi sera le film", dixit Alfred Hitchcock, et on peut dire que chez Esther nous tenons là un fameux spécimen de psychopathe en jupe courte ! Impassible, insidieuse et glaçante d'austérité, Isabelle Fuhrman porte le film sur ses épaules du haut de ses 12 ans tant elle impressionne à provoquer l'émoi dans ses multiples stratégies délétères, l'ébauche de ses exactions s'avérant toujours plus couillue et ambitieuse. Nanti d'un regard noir d'une intensité dérangeante, cruelle et impitoyable lorsqu'elle s'adonne aux meurtres, l'actrice provoque d'autant plus la gêne dans sa condition infantile immorale (notamment son jeu de séduction incestueux entretenu avec le père !) délibérée à influencer les rejetons de sa nouvelle famille pour mieux parfaire son dessein.

Grâce à l'efficacité du scénario, le savoir-faire de sa réalisation maîtrisée et le jeu spontané des comédiens, Esther parvient à captiver, notamment parmi l'habileté à laquelle fait preuve Jaume Collet-Sera de prôner les ressorts psychologiques d'une famille en perdition. L'ambition majeure d'Esther étant d'inciter l'entourage familial à écarter la mère afin de mieux influencer le père dans une relation d'ordre affective (pour ne pas dire sentimentale !). Ce qui donne lieu à des affrontements psychologiques plutôt intenses lorsque Kate Coleman tente de prouver à sa thérapeute et surtout à son époux qu'Esther est devenue une menace létale auprès de sa famille. Bien entendu, du fait du passé alcoolique de cette dernière ayant failli causé la mort de sa fille, et à cause de sa maternité inféconde la plongeant dans un déséquilibre moral, John Coleman tend à protéger Esther malgré des épisodes accidentels toujours plus alarmants. Outre la tension psychologique qui émane de leurs rapports discordants, l'intrigue met également en appui des rebondissements incisifs autour de l'identité d'Esther tout en insufflant un suspense exponentiel pour la survie de la famille. Là encore le cinéaste fait preuve d'audace à mettre en pratique une violence graphique perpétrée par une fillette désaxée auquel les sentiments de haine, de rancoeur et de jalousie atteindront leur apogée lors du point d'orgue tragico-explosif.

A l'instar de l'excellent The Children, Esther s'impose en exercice de style tendu (jouer avec nos nerfs avec une efficacité retorse) pour vanter une série B horrifique fertile en rebondissements et péripéties criminelles. Avec la valeur sûre Vera Farmiga exprimant un jeu viscéral de pugnacité révoltée et avec l'icone diabolique Isabelle Fuhrman, leur inimitié de longue haleine constitue l'attraction émotionnelle d'un jeu d'autorité irréductible. 

Bruno Matéï
2èx