SUICIDE CLUB (Jisatsu Circle)

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site horror-movies.ca

de Sion Sono. 2002. Japon. 1h43. Avec Ryo Ishibashi, Akaji Maro, Masatoshi Nagase, Saya Hagiwara, Hideo Sako, Takashi Nomura, Tamao Sato, Mai Hosho.

FILMOGRAPHIE: Sion Sono (園　子温, Sono Shion) est un écrivain, poète, réalisateur et scénariste japonais, né en 1961 à Toyokawa.
1990: Bicycle Sights. 1992: Heya. 1997: Keiko desu kedo. 1998: Kaze. 1998: Dankon: The Man. 2000: Seigi no Tatsujin Nyotai Tsubo saguri. 2000: Utsushimi. 2002: Suicide Club. 2005: Comme dans un rêve. 2005: Noriko's Dinner Table. 2005: Strange Circus. 2005: Hazard. 2006: Jikô Keisatsu (série TV). 2007: Exte: Hair Extensions. 2008: Love Exposure. 2009: Be sure to share. 2010: Cold Fish. 2011: Guity of Romance. 2011: Himizu. 2012: The Land of Hope.

Le Japon est perçu en Occident comme le pays du suicide. Depuis une quinzaine d'années, on assiste à une moyenne annuelle de 30 à 35 000 suicides faisant du pays l'un des taux les plus importants pour les pays industrialisés. Le suicide touche toutes les catégories sociales. Les enfants ne sont pas épargnés et les femmes sont de plus en plus touchées depuis quelques années. Si chez nous le suicide est considéré comme un pêché absolu et un tabou, au Japon il est une méthode honorable pour se sortir de problèmes ou pour faire face à l'adversité (à l'image séculaire des anciens samouraïs qui pratiquaient le fameux Hara-kiri !).
Pour les 40/60 ans, il s'agit principalement de raisons liées au travail ou d'ordre économique.
Depuis les années 90, le taux de chômage a augmenté au Japon même si celui ci reste globalement en dessous de ce que l'ont peut connaître en occident. De nombreux hommes japonais en ont néanmoins décidé que la seule façon de faire face à la paresse était de se suicider.
Pour comprendre ce phénomène il faut savoir que pour le japonais le travail c'est la vie et la vie c'est le travail. Une existence sans travail ne rime à rien, c'est pourquoi les hommes de 70 à 80 ans continuent de travailler. Les enfants travaillent plus que leur mère et ne peuvent pas jouer. ils pèsent sur eux une volonté de réussite très importante de la part de leurs géniteurs et des professeurs. La société japonaise fonctionne sur le groupe, il est très difficile pour des jeunes de trouver leur place au sein de cette société ou prime l'effet de groupe. Internet a favorisé le suicide chez certains jeunes et il existe même un manuel du suicide écrit par un illustre japonais. Le suicide en groupe s'inspire parfois de ce manuel et privilégie la mort par brique de charbon. En inhalant les émanations toxiques, ils finissent par mourir d'une manière apparemment moins douloureuse que les autres méthodes traditionnelles.

Voilà donc ce que nous révèle Julien Sévéon dans les bonus du dvd, Suicide Club. Une oeuvre choc filmée à la manière d'un documentaire au vitriol, un coup de poing cuisant, un cri de révolte contre le malaise existentiel d'une jeunesse déboussolée. Avec beaucoup de provocations, une ironie macabre dérangeante et l'intrusion de comptines caustiques chantonnées par des enfants ou des frondeurs extrémistes, Suicide Club provoque un malaise anxiogène grandissant au fil de sa narration impromptue. Si le film ne peut faire l'unanimité et rebuter le spectateur non averti ou réfractaire à tant de sarcasme morbide, sa charge incisive sur le constat social d'un Japon déshumanisé ne peut laisser indifférent et nous laisse dans un état d'aigreur asphyxiant. A l'image caustique de son épilogue salvateur militant pour l'harmonie amoureuse d'une union conjugale afin de se débarrasser de nos souffrances inhérentes et pouvoir renouer avec l'existence.
La réalisation bricolée de manière désordonnée et le jeu improvisé des acteurs s'unifient afin de transporter le spectateur dans une expérience insolite, entre éclaboussures de sang et fragments de tendresse désespérés. C'était une impulsion, une fureur punk évoquera le réalisateur qui avait préalablement connu une enfance particulièrement douloureuse !

Profitez tous de la vie !

Nous savons si peu de choses. Qu'arriverons nous à savoir, en fin de compte ? Tous les jours, nous appuyons sur des boutons qui déclenchent un million de commandes différentes. Si seulement tu voulais bien te confier à moi et me dire ce que tu ressens vraiment. Peut-être saurais-je alors te tendre la main. C'est à la fois effrayant et si exaltant de s'ouvrir aux autres et de sentir la richesse de la vie.  La notre et celle des autres. Laisse toi aller à la vie, abandonne toi à l'amour. Laisse toi guider par les souvenirs. Il te faudra juste un peu de sensibilité et de courage ! Reviens sur tes pas et n'hésite pas à tout recommencer, même si tu sens que tu n'es pas toujours dans le coup ou que tu crains que ta vie soit entre de mauvaises mains. Si par chance, tu partages les sentiments que j'éprouve pour toi, viens te nicher au creux de mon coeur. Ensemble, nous saurons affronter les ténèbres. C'est à la fois si effrayant et si exaltant. Alors, veux-tu vraiment me dire "au revoir" et me laisser toute seule et malheureuse ? Laisse toi aller à la vie, abandonne toi à l'amour, laisse toi guider par les souvenirs.
En avançant ensemble, nous finirons par oublier la douleur. Et nous saurons retrouver la vie.

02.07.13
Bruno Matéï

PUPPET MASTER

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site shockya.com

de David Schmoeller. 1989. U.S.A. 1h29. Avec Paul Le Mat, William Hickey, Jemmie F. Skaggs, Robin frates, Irene Miracle.

FILMOGRAPHIE: David Schmoeller est un acteur, monteur, producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 8 décembre 1947 à Louisville, dans le Kentucky (Etats-Unis).1976: The Spider will kill you (Court-Metrage). 1979: Le Piège (Tourist Trap). 1982: The Seduction. 1986: Fou à Tuer. 1988: Catacombs. 1989: Puppet Master. 1991: The Arrival. 1992: Le Rebelle ("Renegade"). Série TV. 1992: Netherworld. 1998: The Secret Kingdom. 1999: Please Kill Mr Kinski. 1999: Search for the Jewel of Polaris: Mysterious Museum (télé-film).

Premier volet d'une série inégale répartie en 5 volets, Puppet Master renoue avec le conte horrifique sous l'égide de poupées de bois surnaturelles ! En 1939, André Toulon se suicide d'une balle dans la tête après avoir redouté l'arrivée de deux nazis daignant s'emparer de son fameux secret. Pour cause, selon un rite égyptien, ce fabriquant de poupée aurait réussi à insuffler la vie à quelques uns de ces modèles. 1989. Une équipe de parapsychologues sont invités dans l'ancienne demeure d'André Toulon. Les puppet master ne vont pas tarder à persécuter ces nouveaux hôtes. Après sa pièce maîtresse Tourist Trap et l'excellent Fou à Tuer, David Schmoeller nous offre avec Puppet Master  une attachante série B bonnard. Car à partir d'un scénario académique dépourvu de surprises, le réalisateur nous concocte un simple divertissement fondé avant tout sur l'efficacité de ces agressions sanglantes et d'un climat étrange tantôt surréaliste (les séquences de rêves que l'un des héros perpétue à deux reprises).

Mais surtout, parmi la physionomie inédite de ces poupées diaboliques douées de vie, Puppet Master renoue d'une certaine manière avec la tradition féerique du conte de notre enfance. Le soin consciencieux imparti à l'apparence bien distincte de ces personnages de bois nous provoque une fascination renouant avec nos réminiscences infantiles. Les effets spéciaux mécaniques, souvent réalisés en stop motion, s'avèrent scrupuleusement réalisés si bien qu'ils renouent avec l'outil artisanal afin d'extérioriser une forme de poésie vétuste. Tant auprès de la fillette cracheuse de limaces, la tête d'épingle aux énormes poings, le polichinelle à tête perforeuse ou encore le tueur giallesque au couteau acéré. Tous ayant comme particularité de décimer leur partenaire d'une manière aussi bien spécifique qu'insolite, et ce à travers leur esprit autonome bâtie sur l'extravagance. Enfin, sa mélodie entêtante composée par A. David Marshall accentue agréablement son cachet de séduction en insistant sur l'attrait enchanteur de ces poupées irrésistiblement insidieuses.

Si Puppet Master est loin de laisser un souvenir impérissable, faute d'un scénario sommaire et d'un jeu d'acteurs conventionnel pour autant attachant (la présence monolithique de Paul Le Mat nous amuse autant qu'elle nous agace dans ses exclamations inexpressives), il reste néanmoins un bon divertissement à travers la fonction belliqueuse de ces poupées tueuses décomplexées. 

* Bruno
01.07.13. 3èx

Looker

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Michael Crichton. 1981. U.S.A. 1h33. Avec Albert Finney, James Coburn, Susan Dey, Leigh Taylor-Young, Dorian Harewood, Terri Welles, Kathryn Witt, Ashley Cox.

Sortie salles France: 6 Juin 1984

FILMOGRAPHIE (source Wikipedia): Michael Crichton est un écrivain, scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 23 Octobre 1942, décédé le 4 Novembre 2008 à Los Angeles.
1972: Pursuit (télé-film inédit en France). 1973: Mondwest. 1978: Morts Suspectes. 1979: La Grande Attaque du Train d'or. 1981: Looker. 1984: Runaway, l'évadé du futur. 1989: Preuve à l'appui (Physical Evidence).

Thriller d'anticipation préoccupé par les nouvelles technologies de la robotique et les images de synthèse, Looker préfigurait déjà l'ère de la réalité virtuelle et des dangers de l'audiovisuel. En l'occurrence le pouvoir de la publicité et sa tentative toujours plus pernicieuse d'"hypnotiser" son spectateur à l'aide d'un procédé révolutionnaire pour mieux l'asservir vers une politique totalitaire. Le "looker" se caractérisant par une pulsation optique générée par ordinateur et synchronisée au rythme cortical afin de produire une transe auto hypnotique suggestive chez le sujet. Pour leur projet publicitaire, les scientifiques de la Reston Industries se servent ici de cette animation afin d'inclure des pulsions narcotiques lumineuses dans les pupilles des acteurs utilisées comme des lasers. A partir d'un pitch bâti sur les meurtres inquiétants de Top models, Michael Crichton allie le thriller high-tech, l'érotisme chic et l'anticipation alarmiste avec une efficacité redoutable. Pourvu de thèmes passionnants avant-gardistes (la nouvelle réalité numérisée, le pouvoir de l'image à travers les médias), le réalisateur redouble d'idées ingénieuses pour nous alarmer sur les dangers d'un simulacre technologique. A l'image du "looker", ce pistolet produisant des éclairs de lumière intenses afin de nous donner l'illusion d'invisibilité chez l'agresseur lorsque que l'on en est la cible. 

A la manière d'un flash incandescent, le projectile nous interpelle dans un état de transe hypnotique afin de nous faire perdre la notion de temps. Cette arme sophistiquée de gros calibre donne lieu à des séquences d'action percutantes non exempts de cocasserie (la poursuite en voiture que le chirurgien entreprend pour fuir ses ravisseurs culmine sa course au milieu d'une fontaine) ou d'humour noir (les règlements de compte macabres perpétrés autour du plateau virtuel de télévision où les cadavres iront se confondre avec les acteurs de synthèse !). A travers son cocktail original d'action et de science-fiction, Looker insiste à nous alarmer sur notre rapport (inconsciemment) addictif face aux méfaits pervers de la télévision. Cette publicité omniprésente au volume sonore subitement élevé pour rappeler à notre raison notre devoir de consommer des produits industriels exclusifs. D'ailleurs, le directeur de Reston Industries énoncera que l'américain moyen passe plus d'un an et demi de sa vie à regarder des publicités à la télévision ! 50 minutes chaque jour à observer de la réclame ! Voilà le pouvoir, s'exclamera t'il ! En prime, avec le défilé sensuel de mannequins perfectibles, Michael Crichton traite notamment de la chirurgie esthétique et préfigure cette mode tristement actuelle que notre société s'évertue à faire entrer dans les moeurs. Prioritairement, influencer la plus jeune génération avide de célébrité à daigner concourir pour la beauté la plus sophistiquée en corrigeant et fignolant leur apparence au scalpel. Tous ces thèmes évoqués sont traités avec l'intelligence d'un scénario retors émaillé d'ironie tout en nous interpellant avec une inquiétude fascinante sur l'avenir des médias obnubilés par la quête du pouvoir et de l'audimat à l'aide de nouvelles technologies virtuelles !

Ludique et passionnant, pessimiste et inquiétant, Looker n'a rien perdu de sa force et son pouvoir attractif pour son rapport obsédant à l'audiovisuel et la prolifération des écrans de télévision. Au rythme d'une partition électronique stylisée, il continue par la même occasion (non sans dérision !) de nous charmer parmi l'auditoire d'un défilé de mannequins immaculés ! L'une des oeuvres majeures des années 80, à trôner auprès de son compère Videodrome.

26.06.13. 4èx

B-M

LA GUERRE DES GANGS (Luca il contrabbandiere / Contraband)

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site grindhouseposters.tumblr.com

de Lucio Fulci. 1980. Italie. 1h37. Avec Fabio Testi, Ivana Monti, Enrico Maisto, Marcel Bozzuffi, Saverio Marconi, Ferdinando Murolo, Tommaso Palladino.

Sortie salles Italie: 8 Août 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996.
1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 :L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio,1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence.

C'est un an après son fameux poème putrescent, l'Enfer des Zombies, que Lucio Fulci bifurque de genre pour s'orienter cette fois-ci du côté du "poliziesco", polar d'ultra-violence particulièrement prisé dans les années 70. Sans doute inspiré par l'imagerie gore abondamment explicite qui avait fait (en partie) la renommée de son oeuvre charnière, le maître du macabre va transformer son polar italien en sommet d'ultra violence à la brutalité tranchée. Torture au chalumeau sur le visage d'une passeuse de drogue, supplice au tournevis sur la poitrine d'un contrebandier, viol en réunion sur une otage, moult gunfights canardés sur la chair d'autres victimes (tandis que certaines se feront littéralement éclater la boite crânienne ou les intestins sous l'impact des balles !). La Guerre des Gangs, c'est du sévère, ça ne fait pas de quartier, c'est du polar hardgore qui carbure au règlements de compte crapoteux pour la contrebande de drogue. 

Luca, contrebandier de cigarettes, vient de perdre son frère lors d'un guet-apens. Fou de colère, il décide de mener son enquête pour se venger du responsable. Après avoir été berné par la fausse piste d'un illustre rival, son investigation l'amène à identifier un nouvel étranger surnommé "le marseillais". Ce leader opiniâtre est délibéré à détruire le marché de Lucas afin de mieux gérer son juteux trafic de drogue et ainsi imposer sa dictature sur Naples. 

Comme souvent, Lucio Fulci ne s'embarrasse pas de subtilité scénaristique pour élaborer un polar classique dénué de surprise. Néanmoins, avec l'efficacité d'une réalisation nerveuse et d'un montage retors (notamment l'habileté d'alterner les plans pour intensifier l'attente d'une torture infligée !), le réalisateur réussit à maintenir l'intérêt dans un conflit de rivalité entre clans mafieux. Par l'esprit de vengeance d'un héros transgressif, La Guerre des gangs suit la dangereuse destinée de ce bandit loyalement intègre envers la couverture de sa famille ainsi que la hiérarchie de ses hommes de main. Avec l'arrivée d'un baron de la drogue, notre trafiquant va devoir faire face à son autorité drastique et ne pas se laisser intimider pour oser se compromettre au trafic expansif du marché de la drogue. En dépit du charisme viril de ces illustres comédiens transalpins (Fabio Testi et Marcel Bozzuffi se tiennent tête avec une pugnacité impassible !), ce dense chassé-croisé est fertile en action belliqueuse et violence acerbe pour provoquer une certaine intensité exponentielle. Par ailleurs, en quelques brèves occasions, on peut souligner le caractère documentaire imparti à l'oeuvre politique. Puisque Lucio Fulci va mettre en exergue la condition difficile des ghettos de Naples, où chacun des habitants livrés à une vie marginale sont contraints de tolérer une illégalité commerciale. En l'occurrence la transaction illicite du marché de la cigarette auquel une descente de police va subitement intervenir pour appréhender toute la population. Avec une provocation assumée et un esprit jusqu'au-boutiste, Fulci va apporter un cachet subversif (plutôt douteux diront ses réfractaires) à l'ambiance diaphane de ce polar blafard. Cette forme ostentatoire de violence sanguine réussit à provoquer un impact spectaculaire et une intensité horrifique rarement étalées dans un film dit policier. Ce désir d'exploser les barrières de la bienséance culmine l'oeuvre de commande en véritable ovni frénétique où la moralité n'a plus lieu d'être (pendant que les gangs s'entretuent, les forces de l'ordre observent de manière impuissante à la dégénérescence de leur ville avec une ironie caustique !). 

Apre, tendu, spectaculaire et méchamment cinglant, la Guerre des Gangs démontre une nouvelle fois la preuve irréfutable que notre artisan du Bis était capable de oeuvrer dans tous les genres, en y incluant une fois encore sa touche raffinée de sadisme et de perversité. Plus de 30 ans après sa sortie, il reste en l'état un solide polar aussi foudroyant et malsain qu'irrésistiblement attrayant. 

Un grand merci à la boite éditrice The Ecstasy of Films. http://the-ecstasy-of-films.com/

25.06.13. 2èx

Bruno Matéï

LES AVENTURES FANTASTIQUES DU BARON MUNCHHAUSEN (Münchhausen)

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviecovers.com

de Josef von Baky. 1943. Allemagne. 1h50. Avec Hans Albers, Ilse Werner, Wilhelm Bendow, Brigitte Horney, Michael Bohnen, Ferdinand Marian.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Josef von Baky est un réalisateur allemand d'origine austro-hongroise, né le 23 Mars 1902 à Zombor (Autriche-Hongrie), décédé le 28 Juillet 1966 à Munich.
1936: Intermezzo. 1943: Les Aventures fantastiques du Baron Munchhausen. 1948: Via Mala. 1957: Un petit coin de paradis. 1957: Les Frénétiques.

Enorme production de l'époque financée par l'Allemagne nazie de la seconde guerre mondiale, Les Aventures du Baron Munchhausen doit son éternelle jeunesse à sa folie visuelle et à ce personnage extravagant impliqué dans des conflits politiques.

Dans son château du 18è siècle, le baron Munchausen narre à un couple d'invités les différents épisodes de son incroyable existence qu'il avait parcouru à travers le monde parmi l'amicalité de son serviteur Christian et du coureur le plus rapide du monde. Car avant de rencontrer l'amour, le baron était féru d'évasion, de passions et de guerres politiques !

Avec un budget démesuré déployant moult figurants costumés, des décors et paysages grandioses ainsi que des trucages audacieux, les Aventures du Baron Munchhausen s'était donné les moyens pour célébrer en fanfare le 25è anniversaire de la UFA (la plus grosse maison de production de l'époque). Conçu au départ comme un film de commande dans l'unique but de divertir les soldats du front, cette aventure fantaisiste tirée du célèbre roman de Carl Leberecht Immermann est un enchantement de tous les instants ! Décalé, débridé, insolite et atypique, il fait la part belle à l'évasion et l'émerveillement dans un récit homérique tributaire de l'héroïsme d'un noble avenant. En l'occurrence, un baron épris d'éternelle jeunesse et de chimères qui décide de parcourir un nombre incroyable de péripéties face à l'allégeance politique de dirigeants étrangers. Si le film garde intact son pouvoir féerique et ne cesse de surprendre, il le doit à l'insolence de son esprit déluré et la verve ironique de ses protagonistes embarqués dans des vicissitudes saugrenues. Tourné pour la première fois en procédé Agfacolor (afin de concurrencer le Technicolor des américains !), les couleurs sont saturées afin d'expérimenter une imagerie flamboyante, alors que les trucages adroitement bricolés restent encore aujourd'hui surprenants d'efficacité ! Cette imagination foisonnante est impartie au caractère chevaleresque de rebondissements fortuits et à l'excentricité de personnages pourvus d'étranges pouvoirs. Sans jamais user d'esbroufe gratuite, les Aventures du baron Munchhausen est équilibré par son malicieux dosage d'humour et de romance imbriqués dans des aventures fantastiques. Qui plus est, il nous séduit aussi avec l'intelligence d'un scénario ciselé à la portée philosophique (le sens de notre vie destiné à cristalliser nos rêves les plus inouïs, notre rapport épidermique face à la jeunesse réfutant l'usure du temps).

Eternellement jeune !
Dans la veine miraculeuse du Magicien d'Oz, du voleur de Bagdad ou du Livre de la Jungle, Les Aventures du Baron Munchhausen est une oeuvre d'une éclatante modernité qui perdure son pouvoir séducteur par son audace visuelle et l'incroyable bonhomie d'un Baron féru de tribulations et de passion amoureuse !

Un grand merci à Artus Films ! http://artusfilms.com/
24.06.13. 2èx
Bruno Matéï

ANOTHER DAY IN PARADISE. Grand Prix du Jury à Cognac, 1999

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Larry Clark. 1998. U.S.A. 1h45. Avec James Woods, Melanie Griffith, Vincent Kartheiser, Natasha Gregson Wagner, James Otis, Lou Diamond Phillips.

Récompense: Grand Prix du Jury au Festival du film policier de Cognac, 1999

FILMOGRAPHIE: Larry Clark est un réalisateur, photographe, directeur de la photographie, né le 19 Janvier 1943 à Tulsa dans l'Oklahoma. 1995: Kids. 1998: Another Day in Paradise. 2001: Bully. 2002: Teenage Caveman (télé-film). 2002: Ken Park. 2004: Wassup Rockers. 2006: Destricted (segment Impaled). 2012: Marfa Girl (uniquement dispo sur le net). 2012: The Smell of us.

Trois ans après la révélation Kids, Larry Clark revisite le malaise existentiel d'une jeunesse désoeuvrée dans Another day in paradise. Véritable descente aux enfers filmée à la manière d'un doc, ce drame criminel est une épreuve psychologique toujours plus abrupte dans sa description tranchée d'une famille marginale compromise au vol et au meurtre en roue libre. Un couple d'adolescents à la dérive se retrouve embrigadé par un duo d'amants asociaux habitués à commettre de gros cambriolages. Si le début de leur relation s'avère des plus hospitalières, entre sorties éméchées dans les boites branchées et consommation de came, leur itinéraire va les mener dans une impasse meurtrière irréversible. Film choc d'un réalisme cru parfois insupportable,  Another Day in Paradise  nous illustre sans fioriture l'équipée sauvage de deux couples vers les paradis artificiels de la drogue et de l'argent facile. Par sa mise en scène hyper réaliste et le jeu authentique de ces acteurs, Larry Clark transcende les clichés inhérents au genre pour nous immerger de plein fouet dans le monde crapuleux du vrai banditisme.

Parmi l'influence autoritaire d'un couple avenant de quinquagénaires, deux adolescents en perte de repère familial s'inculquent à jouer dans la cour des grands à travers la déontologie de la criminalité immorale. Avec son atmosphère toujours plus tendue et poisseuse, le réalisateur nous saisit à la gorge lorsqu'il met en exergue le portrait immoral d'un père perfide, délibéré à entraîner de jeunes gamins pour l'unique profit pécuniaire. Toujours insatiable à décrocher un prochain butin faramineux, ce junkie alcoolique et intraitable va peu à peu entraîner sa petite famille dans une virée sauvage où l'unique issue de secours s'imposera par l'esprit d'individualité. Larry Clark nous confrontant ici à la déchéance humaine, l'influence de la vie facile parmi les drogues dures et l'argent sale, l'avilissement d'une jeunesse désespérée en quête éperdue d'amour parental. Si le spectateur semble vivre en direct cette effroyable odyssée meurtrière au réalisme étonnamment vicié, c'est également pour mieux nous interpeller sur la conduite marginale de ses parents influents vivant au jour le jour avec une aversion pour le genre humain.

A bout de souffle
D'une violence rugueuse à point tel que le spectateur semble subir un calvaire moral irrespirable, Another day in paradise perdure son acuité dramatique grâce à l'exceptionnelle contribution du casting 4 étoiles (James Woods habité par sa décadence misanthrope, Melanie Griffith autrement empathique dans son instinct maternel à secourir la fragilité d'adolescents rebelles criants de vérité !). Scandé d'une soul music entêtante, ce road movie au vitriol nous laisse au terme un goût amer dans la bouche si bien qu'il nous largue sur un sentiment d'abandon des plus fourbes. 

21.06.13. 3èx
Bruno Matéï

VORACE (Ravenous)

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site mymediawelt.de

de Antonia Bird. 1999. U.S.A/Angleterre. 1h41. Avec Guy Pearce, Robert Carlyle, Jeffrey Jones, David Arquette, Jeremy Davies, John Spencer, Stephen Spinella.

Sortie salles France: 7 Juillet 1999. U.S: 19 Mars 1999

FILMOGRAPHIE: Antonia Bird est une réalisatrice et productrice anglaise, né en 1959 à Londres.
1994: Prêtre. 1995: De l'amour à la folie. 1997: Face. 1999: Vorace. 2006: The Meat Trade

Echec commercial à sa sortie d'autant plus mésestimé par une partie de la critique, Vorace est un ovni incongru à la douce folie furieuse. Sous couvert de western au vitriol, le film d'Antonia Bird ose braver ce genre académique dans un contexte purement horrifique ! Cette audace de juxtaposer deux genres antinomiques et d'autant plus couillue qu'elle aborde un thème peu traité à l'écran: le cannibalisme ! A partir d'une légende indienne particulièrement reconnue en Amérique du Nord, la réalisatrice s'inspire ici du Wendigo pour justifier la capacité surnaturelle que nos protagonistes entreprennent afin de guérir rapidement de leurs graves blessures et combattre frontalement leurs adversaires. Durant la guerre américano-mexicaine de 1867, le capitaine John Boyd se retrouve muté dans un fort isolé après avoir été décoré pour sa bravoure au champ de bataille. Sur place, il est recueilli par le colonel Hart et quelques comparses. Un jour arrive un étranger, Colqhoun, unique survivant de ses compagnons de voyage qui s'étaient réfugiés dans une grotte, faute d'un climat hivernal rigoureux. Il prétend que tous les membres du groupe ont été contraints de pratiquer des actes de cannibalisme pour subvenir à leur survie. Au fil des mois, leur leader autoritaire aurait dévoré tous ses compagnons jusqu'à ce que Colqhoun réussisse à s'échapper.

Pourvu d'un scénario original fort bien construit et toujours imprévisible, Vorace est une farce macabre horriblement sarcastique dans son esprit cynique, parabole sur l'accoutumance, le vampirisme et la mégalomanie de l'homme régie par sa société individualiste. Tour à tour oppressant, terrifiant et haletant, Antonia Bird nous entraîne ici dans la descente aux enfers d'un capitaine déchu de remords mais délibéré à récupérer sa dignité. Ereinté par une guerre sanglante et belliqueuse, ce survivant avait préalablement réussi à feindre sa mort pour déjouer l'ennemi. Aujourd'hui, il va à nouveau devoir transcender ses peurs pour affronter un nouvel antagoniste surgi de nulle part et d'autant plus coriace: l'anthropophage ! Dans un climat anxiogène inquiétant et palpable, Vorace nous confronte à une peur viscérale, celle d'être mangée par l'homme féru de cannibalisme ! Puisqu'à l'instar d'une drogue puissante irrésistiblement addictive, celui qui ose dévorer son voisin est condamné à ne plus pouvoir se passer de chair humaine. Tel un épicurien culinaire, il est ici destiné à perpétrer cette pratique agressive dénuée de moralité dans une nouvelle philosophie égotiste. Stoïque, athlétique et pourvu d'une énergie toujours plus cuisante, le cannibale épris de démence est ici totalement tributaire de sa dépendance à daigner assassiner les pèlerins, ingurgiter leur sang et ainsi accéder à l'omnipotence ! Cet atmosphère hostile qui règne sur tout le récit, Antonia Bird l'a peaufine grâce à une mise en scène acérée et son interprétation de premier choix. Car il faut bien souligner que l'acteur Robert Carlyle excelle à incarner un personnage aussi cynique que sournois car dénué de vergogne. Littéralement habité par le Mal, son jeu délétère de cannibale insatiable laisse planer une ambiance aussi malsaine qu'erratique pour ses exactions sanguinaires. En capitaine indécis mais gagné par la hargne de vaincre ses démons, Guy Pearce lui donne la réplique en s'initiant à la constance et la pugnacité. Durant leur cheminement, ils forment à eux deux une rivalité particulièrement dense et impitoyable avant un ultime baroud d'honneur d'une rare sauvagerie !

Formidablement soutenu par un score mélodique en contrepoint et agrémenté de paysages naturels grandioses, Vorace peut enfin accéder au rang de film culte tant son intensité et sa densité psychologique nous immergent de plein fouet au sein d'un western gore terriblement sardonique !

Dédicace à Christophe Cosyns
20.06.13. 3èx
Bruno Matéï

INFO WIKIPEDIA: Définition de Wendigo:

Le wendigo (pluriel : wendigowak / wendigos) est une créature surnaturelle, maléfique et cannibale, issue de la mythologie des Amérindiens algonquiens du Canada, qui s'est étendue à tout lefolklore d'Amérique du Nord. Cette légende est partagée par plusieurs tribus amérindiennes et peut désigner la transformation physique d'un humain après la consommation de viande humaine comme une possession spirituelle. Le wendigo a aussi renforcé le tabou autour de la pratique du cannibalisme chez ces peuples. Les wendigowak (wendigos) vivent dans les profondeurs de la forêt et apparaissent dans des contes où le surnaturel côtoie des choses inhumaines et atroces. Parmi les histoires qui circulent, ils sont solidement ancrés dans les légendes amérindiennes où ils tiennent une place importante. De nombreux lieux et lacs portent ce nom, tel le parc national du wendigo, et de nombreuses œuvres modernes s'en inspirent dans la littérature comme au cinéma, bien que ces wendigowak puissent avoir des caractéristiques différentes de ceux des légendes originelles.