Pandorum

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinemapassion

de Christian Alvart. 2009. U.S.A. 1h48. Avec Ben Foster, Dennis Quaid, Cam Gigandet, Antje Traue, Cung Le, Eddie Rouse.

Sortie salles France: 30 Septembre 2009. U.S: 25 Septembre 2009

FILMOGRAPHIE: Christian Alvart est né en 1974 à Frankfurt, Germany.
2016: Tschiller: Off Duty. 2015: Halbe Brüder. 2013: Banklady. 2012: Wolff - Kampf im Revier (TV Movie). 2010: 8 Uhr 28. 2009: Pandorum. 2009: Le cas 39. 2005: Antikörper. 1999: Curiosity & the Cat.

 

"Pandorum : la démence au cœur du vide."

Échec public lors de sa sortie (20 635 059 $ de recettes pour un budget de 30 millions), Pandorum conjugue pourtant avec une efficacité rare horreur fétide et science-fiction rubigineuse, à travers un pitch suspendu où se multiplient rebondissements et affrontements d’une sauvagerie brutale, dans la lignée de The Descent dont il reprend la morphologie acérée de créatures humaines, véloces comme des lames. En dépit de la complexité de son intrigue schizo, semant sciemment doute et confusion dans les divergences humaines, cette série B tire sa densité de l’atmosphère d’inquiétude régnant dans les entrailles du vaisseau, et de l’intensité de séquences d’action effrénées, imprégnées de violence primale. Affrontements barbares, gore sans retenue, face à des créatures d’une rapidité hallucinée. Formellement splendide, tourné intégralement en Allemagne au studio Babelsberg et dans une centrale électrique berlinoise, le film repose sur les interrogations morales du lieutenant Payton et du caporal Bower, frappés d’amnésie après huit années d’hyper-sommeil.

Enfermés dans le vaisseau Elysium, ils tentent de se rappeler la raison de leur mission : avoir convoyé soixante mille voyageurs pour coloniser Tanis. Mais dans les corridors obscurs du dédale spatial, une menace meurtrière s’acharne déjà à les éradiquer. D’autres passagers, extraits de leur sommeil cryogénique, se joignent bientôt à eux. Tous, dans un sursaut de bravoure, devront déjouer les exactions de mutants cannibales. Et pour corser les enjeux, le réacteur nucléaire du navire doit être réactivé manuellement dans l’urgence.

Esthétiquement cauchemardesque, baigné d’un climat caverneux où chaque boyau du vaisseau devient un piège, Pandorum crédibilise son huis-clos rouillé sous l’impulsion d’humanoïdes affamés. Certes, leurs attaques d’une vélocité folle deviennent parfois un peu illisibles, comme dans The Descent d'ailleurs, mais l’intrigue refuse l’esbroufe gratuite. Christian Alvart préfère compter sur la complexité morale de personnages scindés en groupes antagonistes, cherchant à gérer une survie précaire pour rehausser l'action sournoise. Dans ce cheminement initiatique, l’arrivée fortuite de nouveaux protagonistes éclaire peu à peu l’obscurité de leur passé et le sort funeste de l’humanité. Mais à la paranoïa des menaces cannibales s’ajoute un autre danger : la trahison, la folie, et le syndrome de Pandorum, délire cosmique né du trop long séjour dans l’espace.

Série B immersive et rageuse, menée à un rythme belliqueux dans un repaire spatial aussi infini qu’insécure, Pandorum ne manque ni d’ambition ni de trouvailles pour clouer au siège et maintenir la tension. Ses comédiens l’incarnent avec une pugnacité viscérale. Supérieur à son homologue Le Vaisseau de l’au-delà (dont il fut originellement conçu comme une séquelle), le film s’impose par son dynamisme halluciné comme une référence, relancé sans relâche après une première demi-heure trompeusement laconique.

— le cinéphile du cœur noir

02.10.25. 3èx. Vost  

MIDNIGHT SPECIAL

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jeff Nichols. 2016. U.S.A. 1h54. Avec Michael Shannon, Kirsten Dunst, Joel Edgerton, Adam Driver, Sam Shepard, Dana Gourrier

Sortie salles France: 16 Mars 2016. U.S: 18 Mars 2016

FILMOGRAPHIE: Jeff Nichols est un réalisateur et scénariste américain, né le 7 décembre 1978 à Little Rock, Arkansas (Etats-Unis).
2007: Shotgun Stories. 2011: Take Shelter. 2012: Mud. 2016: Midnight Special. 2016: Loving.

Révélé par Take Shelter et Mud, Jeff Nichols n'en finit plus de nous surprendre et continue de démontrer (sans prétention) l'étendue de son talent avec Midnight Spécial. Un divertissement adulte renouant avec la sincérité d'un spectacle familial aussi crédible que stimulant. Et ce, sans céder à la facilité d'une festivité convenue en dépit d'une dernière partie prévisible. Abordant pour la première fois la science-fiction d'un point de vue intimiste, le réalisateur parvient à renouveler les codes par le biais d'une habile structure narrative reposant de prime abord sur l'interrogation d'éléments sans réponse et le comportement équivoque des seconds-rôles avant de nous révéler au compte goutte des infos sur le profil psychologique d'un enfant doué de pouvoirs surnaturels. Chasse à l'homme menée tambour battant sous le ressort d'un suspense ciselé, l'intrigue cultive un thème cher à la science-fiction dont je tairais ici le nom afin de préserver la surprise, même si à mi-parcours le secret nous est facilement éventé !

Grâce à la présence aussi sobre qu'attachante d'un trio de personnages altruistes, délibérés à protéger leur rejeton diabolisé par le FBI et la NASA, Midnight Special nous immerge dans leur motivation marginale avec une intensité dramatique en crescendo. Emaillé de saisissantes images oniriques souvent épiques lorsque Alton nous démontre l'étendue de ses pouvoirs parmi la complicité du déchaînement de la nature, Jeff Nichols réinvente le genre avec une dimension lyrique pas très éloignée de Spielberg (la tagline de son affiche française n'est d'ailleurs aucunement fallacieuse). A l'instar de son final majestueux baignant dans une féerie placide afin de mettre en exergue un univers parallèle. Et malgré l'air de déjà vu de l'ossature narrative, Midnight Special parvient miraculeusement à réinterpréter le genre par la fragilité des enjeux dramatiques quand un ado prodige se confronte au lynchage de masse. Tant par l'intolérance d'une police fédérale délibérée à en exploiter une arme de guerre que le fanatisme religieux d'une communauté sectaire.

Jalonné de séquences surnaturelles d'une puissance visuelle métaphorique et d'affrontements haletants entre les forces de l'ordre, Midnight Special puise notamment sa force dans l'art de conter efficacement une romance parentale sous l'impulsion filiale. Grâce à sa densité dramatique animée par une poignée de comédiens charismatiques, Midnight Special parvient à captiver parmi la réflexion d'une anticipation optimiste (la foi en une idéologie pacifiste au-delà de nos frontières terrestres). 

COP CAR

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de Jon Watts. 2015. U.S.A. 1h30. Avec Kevin Bacon, Kevin Bacon, Shea Whigham, Camryn Manheim, James Freedson-Jackson, Hays Wellford, Kyra Sedgwick

Sortie DTV en France: 20 Avril 2016. U.S: 7 Août 2015

FILMOGRAPHIE: Jon Watts est un réalisateur et producteur américain de cinéma.2008 : The Scariest Show on Television (téléfilm). 2011: The Fuzz (téléfilm). 2012: Eugene ! (téléfilm). 2014: Clown. 2015: Cop Car. 2017: Spider-Man: Homecoming.

Malencontreusement passé par la case DTV chez nous, Cop Car emprunte le schéma de la série B par le biais d'une astucieuse idée de départ. Deux enfants en fugue parviennent à dérober un véhicule de police au sein d'une campagne isolée. Shérif ripoux impliqué dans un trafic de drogue, Kretzer doit tout en mettre en oeuvre pour récupérer sa voiture depuis qu'il eut laissé une preuve dans le coffre. Thriller à suspense rondement mené dans son lot de circonstances délétères que deux marmots en mal de sensations vont devoir déjouer afin de préserver leur peau, Cop Car constitue un croisement entre Stand by me (pour la fugue et l'initiation morbide des ados), la Nuit du Chasseur (pour leur traque inlassable et le profil sans vergogne d'un anti-héros capable d'y sacrifier l'innocence ) et à moindre échelle Hitcher (pour son côté "road movie" ténébreux entremêlé d'humour noir).

Réalisé en toute modestie mais avec un indéniable savoir-faire, Jon Watts exploite habilement le cadre environnemental d'une nature solaire et de ses routes de bitume que les personnages parcourent isolément. Privilégiant les principaux rôles à nos deux héros en culotte courte, Cop Car fait naître une tension graduelle au fil de leurs vicissitudes marginalisées. Ces derniers multipliant notamment les risques couillus lorsqu'ils s'empressent de conduire le véhicule de fonction (en taillant des pointes !) et lorsqu'ils utilisent inconsciemment armes et matériel de police pour se provoquer en cow-boys. Par le principe du survival, le réalisateur ne manque ni d'idées caustiques ni d'audaces à infliger à ses fugueurs juvéniles une épreuve de force par l'entremise Spoil ! d'un nouveau ..... Outre la prestance spontanée des gamins désinvoltes insufflant une indéniable empathie par leur insouciance candide et leur appréhension du danger létal, Kevin Bacon leur prête la vedette dans une posture de renard futé. Affublé d'une moustache et de lunettes noires, ce dernier se taille une caricature de flic vénal au sang-froid intarissable. En dépit de l'ossature ciselée de son suspense progressif, Jon Watts inclue également en dernière ligne droite une action sanglante plutôt impitoyable, notamment pour le sort précaire réservé aux gamins.

Avec peu de moyens mais une construction narrative acerbe, la photogénie de son cadre naturel et le jeu équilibré des comédiens, Jon Watts avive le B movie par l'alibi du thriller oppressant efficacement troussé. 

B.M

Le p'tit mot de Jean Marc Micciche
Séance découverte avec la très bonne surprise de Cop Car qui montre qu'il suffit d'avoir une histoire simple mais bien développée pour être efficace...5 personnages, un décor simple la campagne plouc américaine, un objet de toute les convoitises (cette fameuse voiture Cop Car) qui confine à une sorte d'abstraction métaphorique, un savant dosage entre description polar réaliste et échappée burlesque et ironique....Tout ça participe à l'indéniable originalité du film qui propose un ton vraiment audacieux et des partis pris culottés. Mais plus que ça, c'est avant tout ce sens du cadre et découpage qui permet à certaines de faire mouche convoquant Hitcher à une époque où le polar se muait en conte cauchemardesque....

SOUTHBOUND. Prix du Jury Jeunes, Gérardmer 2016.

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Radio Silence, Roxanne Benjamin, David Bruckner et Patrick Horvath. 2015. U.S.A. 1h29. Avec Kate Beahan, Matt Bettinelli-Olpin, Susan Burke, Zoe Cooper, Gerald Downey, Karla Droege, Larry Fessenden.

Sortie en salles en France uniquement au Festival de Gérardmer. Sortie salles U.S: 5 Février 2016

Récompense: Prix du jury jeunes au Festival international du film fantastique de Gérardmer 2016

Déjà réunis à l'occasion du film à sketchs, V/H/S, Radio Silence, Roxanne Benjamin, David Bruckner et Patrick Horvath renouent avec un format plus cinégénique pour façonner Southbound. Sur une route de Californie, deux hommes en véhicule sont poursuivis par une mystérieuse présence. Trouvant refuge dans un motel, l'un d'eux se fait agresser dans les toilettes par la même entité. Ils s'empressent de fuir l'endroit mais se retrouvent également piégés dehors sur une destination sans fin. A partir de ce pitch intriguant où l'ombre démoniaque ne cessera de planer sur les épaules des protagonistes, notre quatuor de cinéastes exploite moult situations cauchemardesques parmi le thème du satanisme. C'est ce que nous révélait déjà le contenu visuel de l'affiche avec un souci esthétique plutôt attirant. Si le premier quart d'heure ne fait pas preuve d'originalité à mettre en appui plusieurs clichés usuels (panne d'essence des victimes, assistance d'un couple faussement affable, rituel de messe noire), la seconde partie fait subitement preuve de tension et d'inventivité si bien que le spectateur se laisse facilement envoûter par son climat insolite digne d'un épisode de la 4è Dimension. Qui plus est, son score électro entêtant séduit l'ouïe pour nous remémorer les mélodies métronomiques de Carpenter !

A partir du moment où le conducteur renverse incidemment une jeune fille en fuite sur sa route, Southbound embraye sur un rythme alerte fertile en rebondissements et humour sardonique. Sa réussite et son originalité émanant également du parti-pris des auteurs à narrer ses diverses histoires sous l'impulsion de personnages s'entrecroisant durant une épreuve de survie. Issus du même décor désertique de la Californie et incessamment agressés par une confrérie démoniaque, ces derniers ont comme point commun de se confondre dans cet univers immatériel hérité de l'enfer. La voix-off d'un animateur radio nous confirmera d'ailleurs que la contrée dans lequel ils évoluent est une forme de purgatoire où la culpabilité des personnages est mise à épreuve afin d'escompter une éventuelle rédemption. On serait même tenter à dire au final que Southbound est un film choral tant les intrigues et les personnages (victimes et vengeurs) se rejoignent dans leur état d'âme meurtri quand bien même sa dernière partie vient boucler la réponse de son prologue. Outre le caractère ludique des situations débridées efficacement structurées, Southbound fait aussi preuve de fantaisie gore si bien que certains effets sanglants nous révulsent parfois l'estomac par son réalisme cru (l'accident de la route et la séquence de réanimation dans l'hôpital).

Réalisé avec motivation dans sa facture modeste de B movie du samedi soir et incarné par des comédiens plutôt convaincants, Southbound créé la surprise malgré l'aspect décousu du scénario. Grâce à son habile construction narrative auquel les personnages dépendent communément et la photogénie de son onirisme cauchemardesque, les auteurs parviennent à nous surprendre pour renouveler le thème satanique par le biais de segments alertes.  

B.M

La note d'intention de Jean Marc Micciche
Cycle festival et fantastique 5 avec la bonne surprise Southbound, présenté à Gérardmer (avec à la clé le prix du jury jeunes il me semble), curieuse variation du film à sketches qui rebondit d'une histoire à l'autre grâce à un subtile jeu sur l'ironie du destin....un peu à la manière de Pulp Fiction...difficile de résumer le film sans rentrer dans les détails des récits qui brasse avec une indéniable efficacité voire avec beaucoup d'habilité sur certains thèmes du genre, personnage damnés par des entités maléfiques incarnant leurs culpabilité, groupe de copines tombant dans une communauté....(j'en dis pas plus)...un accident de la route devient un cauchemar horrible, la lutte illusoire d'un homme qui désire arraché sa sœur à des démons, home invasion qui tourne au carnage...Tout se passe à Southbound, rythmé par un score electro isant (lol) à travers des récits qui s'enchaînent sans accro et procurant son lot de scène gore hardcore mais aussi un doux frisson bienvenue ! C'est clairement le meilleur film à sketchs vu depuis Trick or treat !!!
Cerise sur le gâteau : la voix off ironique de la radio ouvre et ferme le film....et dans le genre incantatoire.....c'est youpi !

THE INVITATION

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site shocktillyoudrop.com

de Karyn Kusama. 2015. U.S.A. 1h44. Avec Logan Marshall-Green, Tammy Blanchard, Michiel Huisman, Emayatzy Corinealdi, Lindsay Burdge, Mike Doyle

Inédite en salles en France. Sortie salles U.S: 8 Avril 2016 

FILMOGRAPHIE: Karyn Kusama est une réalisatrice et scénariste américaine, née le 21 Mars 1968 à Brooklyn, New-York. 2000: Girlfight. 2005: Æon Flux. 2009: Jennifer's Body. 2015: The Invitation. 

Révélée par l'excellent Girlfight mais décriée ensuite avec deux produits convenus, Aeon Flux et Jennifer's Body, la réalisatrice Karyn Kusama amorce un brillant retour avec The Invitation. Un thriller horrifico-psychologique lestement structuré dans l'art de distiller un malaise vénéneux au sein d'une chaleureuse convive. Divorcé depuis 2 ans, Will et sa nouvelle amie sont invités à dîner chez son ex-femme en compagnie d'autres inconnus. Au fil des discussions parfois crues et désinvoltes, Will suspecte un dangereux traquenard quand bien même l'absentéisme d'un des hôtes le laisse perplexe. Mais profondément éprouvé par la mort de son fils et de son échec conjugal, Will serait peut-être en proie à la paranoïa. Oeuvre choc d'une intensité dramatique latente avant d'embrayer un virage autrement horrifique en dernier acte, The Invitation repose sur l'élaboration d'une aura malsaine par le principe du huis-clos domestique. L'ambiance amicale régie à l'intérieur de la réception imposant une atmosphère futilement tendue lorsque certains des invités osent aborder sans réserve les sujets tabous comme la mort, la violence conjugale et la délivrance.

Dès les 3 premières minutes, Karyn Kusama dérange déjà le spectateur lorsque Will et sa compagne viennent de commettre un accident sur la route de leur destination. Si bien que le comportement étrangement expéditif de ce dernier nous laisse dans un questionnement amer. Dès que le couple s'installe chez la demeure des réceptionnistes, la réalisatrice s'appuie sur les états d'âmes contrariés de Will, suspicieux du comportement trop affable de ces étrangers. Auscultant ses sentiments d'angoisse, de paranoïa et de suspicion, l'intrigue repose sur sa caractérisation fragile parmi le désir tacite de nous faire douter de sa foi à démasquer une éventuelle supercherie. C'est ce qu'un habile rebondissement instauré au centre des discussions orageuses nous confirmera afin de nous faire douter de sa conviction. Ce sentiment anxiogène de climat pesant, ces rapports humains trop inscrits dans la franchise et l'intégrité ne cessant d'influer sur le comportement démuni de Will observant l'assemblée avec un désespoir fébrile. Par la solidité de sa mise en scène, le jeu insidieux des comédiens et la subtilité du pouvoir de suggestion, The Invitation insuffle un climat d'inconfort et de malaise avant l'effroi d'une dernière partie rigoureusement cinglante.

En abordant de manière originale les thèmes du malaise existentiel, de la perte de l'être aimé et du désir de rédemption par le biais d'une idéologie extrémiste, Karyn Kusama cristallise un thriller cérébral à couper au rasoir. De par le magnétisme conféré à son atmosphère délétère et son portrait d'une confrérie à l'identité interlope. Glacial et terriblement anxiogène, on sort éprouvé de ces rapports de force en déliquescence morale si bien que l'épilogue tragique en rajoute une louche dans le nihilisme auprès de l'influence de masse.  

P.S: Afin de préserver tout effet de surprise, évitez de jeter un oeil sur sa bande-annonce beaucoup trop manifeste.


Le p'tit mot de Jean Marc Micciche:
Séance festival et fantastique avec The Invitation, énorme film clinique, digne des plus suspense de Polanski. Œuvre d'une noirceur ténébreuse absolue où un couple est invité avec d'autres amis à un repas mystérieux. Par petite touche, le film amorce ce qui apparaît de prime abord comme un drame intimiste, un voyage bouleversant et d'une angoisse sidérante sur la gestion de la douleur...Terriblement incommodant, d'un malaise terrifiant, le film va jusqu'au bout de son implacable horreur funeste et finit par un plan final aussi évocateur et terrifiant que bon nombres de classiques. Un voyage au bout de la nuit qui surprend par sa gestion des temps faibles et des temps fort, par des ralentis d'un beauté funéraires, par une gestion du cadre et de l'espace d'une précision machiavélique....Bref, The invitation est un chef d'œuvre d'autant plus savoureux qu'il est inattendu et semble sortir de nulle part...le genre de film qu'on se tapait dans les années 70 et 80.
 Et putain quel score !

The Witch. Prix de la mise en scène, Sundance 2015. Prix du Jury, Gerardmer 2016.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site imdb.com 

de Robert Eggers. 2015. U.S.A/Canada. 1h32. Avec Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie,
Harvey Scrimshaw, Ellie Grainger, Lucas Dawson.

Sortie salles France: Janvier 2016 (Gerardmer). U.S: 19 Février 2016

FILMOGRAPHIE: Robert Eggers est un réalisateur américain. 2015: The Witch

Réinterprétation d'une citation de Mohammed Moulessehoul, dit Yasmina Khadra:
"Le mal est une effroyable sorcellerie, une possession démoniaque, une folie à l'état pur. Une fois contaminé, vous ne pouvez plus vous en défaire. C'est tellement enivrant."

Sommet d'ambiance mortifère dans le sens le plus éthéré du terme, The Witch renoue avec une horreur sans fard comme on en voit rarement dans le paysage contemporain. Véritable coup de maître d'un cinéaste novice comme le révéla son Prix de la Mise en scène à Sundance, The Witch est une angoisse réfrigérante supervisée par le Mal en personne. Son ombre aussi indicible que palpable planant sur les épaules des protagonistes avec une force de persuasion impavide. Le malaise psychologique dans lequel le spectateur se morfond insufflant chez lui un sentiment d'angoisse vertigineux. Cette invitation au cauchemar s'avérant d'autant plus feutrée, hermétique, diaphane qu'il nous ait impossible de lâcher prise par son impact visuel, notamment avec l'appui hostile d'une posture animalière.

Ainsi, cette atmosphère lestement délétère, Robert Eggers parvient à la transcender par le biais d'une splendide photo monochrome afin de mettre en relief la tiédeur de sa végétation oppressante. La connivence de la flore et de la faune faisant parti du cadre naturel afin de transmettre chez nos héros un désarroi moral en perdition. Prenant pour thèmes le fanatisme religieux, la sorcellerie et la superstition au sein de la Nouvelle-Angleterre du 17è siècle, le réalisateur explore le folklore des contes et légendes sataniques sous l'impulsion d'un cheminement narratif toujours plus dépressif. L'intrigue linéaire n'accordant aucune faveur à la condition infortunée d'une famille de dévots confinés dans un terrain rural depuis leur bannissement du village local. Par la cause d'exactions d'une présence invisible, ils vont être amenés à s'entre-déchirer pour tenter de dénicher l'éventuel coupable de disparitions en règle. Cette montée en puissance dramatique, Robert Eggers parvient à l'inscrire sur image avec un brio viscéral. Ce dernier privilégiant l'étude comportementale d'une famille dysfonctionnelle affligée par la suspicion, l'appréhension et la famine depuis les conséquences tragiques de situations inexpliquées. Diatribes (vitriolées) sur l'obscurantisme et le sectarisme lorsque le fanatisme converge à la folie et la paranoïa collectives, The Witch avive brillamment le drame psychologique pour dénoncer les états d'âme galvaudés de métayers tributaires de leur piété.

Emaillé de séquences fortes (le sort de Caleb, sa conclusion escarpée) où l'horreur des situations engendre une caractérisation humaine en dégénérescence morale, The Witch inscrit sur pellicule une descente aux enfers dépressive parmi la puissance de suggestion. De par son intensité dramatique désaxée et ses images saisissantes de visions d'effroi (notamment sa symbolique impartie à la sorcellerie animalière), The Witch prodigue la noblesse d'une horreur subtile avec un magnétisme ensorcelant. Futur classique.

*Bruno

09.06.24. 2èx. Vostfr

La note de Jean Marc Micciche:
Cycle Festival fantastique 3 (apres Frankenstein et the The survivalist) avec l'énorme et je pèse mes mots The witch.....Voilà exactement, une œuvre aux antipodes des productions cinématographiques actuels, un cinéma qui s'oppose à la gangrène du cinéma actuel et me rappelle un peu un ancien article de Vincent Guignebert dans Mad Movies à propos de Simetière...à force de trop montrer, de tout raconter, de tout expliquer, on avait oublié la force d'un cinéma de l'évocation où le non dit, le mystère, le trouble à cette puissance tranquille de vous hérisser les cheveux, de vous envahir, de vous faire sentir, voir vous faire croire littéralement l'existence du mal (présents aux quatre coins de l'écran) sans jamais être capable de définir sa localisation....Filmé à la Dreyer, évoquant par sa poésie plastique aussi bien le muet Haxan ou le Navigator de Vincent Ward, The witch est une tragédie sinistre dont on se sait pas si le plan final est une damnation ou une libération....

Récompenses:
Festival du film de Londres 2015 : Sutherland Trophy du meilleur premier film
Festival du film de Sundance 2015 : Prix de la mise en scène
Festival international du film fantastique de Gérardmer 2016 : Prix du jury SyFy1

The Boy

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de William Brent Bell. 2016. U.S.A. 1h37. Avec Lauren Cohan, Rupert Evans, Jim Norton, Diana Hardcastle, Ben Robson, James Russell

Sortie salles France: 27 Janvier 2016. U.S: 22 Janvier 2016

FILMOGRAPHIE: William Brent Bell est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2016: The Boy. 2013: Wer. 2012: Devil Inside. 2006: Stay Alive. 1997: Sparkle and Charm.

Surfant sur le succès d’Annabelle, William Brent Bell exploite les thématiques de la poupée diabolique et du deuil infantile à travers un parti pris étonnamment sobre, respectueux, bien plus sincère et convaincant qu’attendu. Il joue la carte du premier degré, dans une volonté assumée de renouer avec une épouvante à l’ancienne, intimement liée au surnaturel.

Fraîchement débarquée dans un manoir anglais pour y occuper un poste de baby-sitter, une jeune Américaine subit les caprices d’un couple de retraités ayant substitué leur enfant défunt par une poupée de porcelaine. Au fil des jours, Greta entretient une relation étrange avec le mannequin, au point de se persuader qu’elle est en présence du fantôme du fils Heelshire.

Série B ludique bâtie sur l’efficacité d’un suspense latent irrésistiblement envoûtant, The Boy surprend par sa modestie, préférant ciseler une atmosphère d’inquiétude plutôt que céder à la surenchère. Formellement soigné - entre une photographie désaturée élégante et des décors gothiques raffinés - le film recentre son intrigue sur les rapports intimistes entre la baby-sitter et sa poupée. Sans chercher à provoquer par des procédés spectaculaires éculés, The Boy repose sur l’interrogation constante d’une poupée potentiellement diabolique et sur l’aura feutrée d’une demeure vétuste, écrin d’un passé tragique occulté. Rehaussé par le jeu doux et nuancé de Lauren Cohan, dont la présence maternelle crédibilise les situations anxiogènes, le récit gagne en trouble lorsque son personnage cède à une foi occulte. Par son obstination à croire à l’improbable, le film invite le spectateur à faire de même, porté par une mise en scène scrupuleuse observant ces rapports avec une empathie dérangeante. Émaillé d’idées parfois astucieuses - la larme sur la joue de Brahms - le réalisateur s’efforce de narrer son histoire à travers le simulacre, maintenant l’expectative jusqu’à une révélation finale détonante. Malgré quelques clichés infiltrés, The Boy finit par être haletant, malsain et terrifiant à travers son effet de surprise résolument impressionnant.

Série B horrifique inopinément adulte, désireuse de bâtir un récit surnaturel plus finaud que le tout-venant mainstream, The Boy séduit par l’intégrité d’un réalisateur attentif à l’évolution morale de personnages tourmentés, en proie à un surnaturel plus vrai que nature.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

06.02.26. 2èx. VF. Videoprojo 

BUG. Prix FIPRESCI, Quinzaine des réalisateurs, Cannes 2006

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineparade.eklablog.com

de William Friedkin. 2006. U.S.A. 1h42. Avec Ashley Judd, Michael Shannon, Harry Connick Jr., Lynn Collins, Brian F. O'Byrne.

Sortie salles France: 21 février 2007. U.S: 25 Mai 2007. Interdit aux - de 12 ans.

FILMOGRAPHIE: William Friedkin est un réalisateur, scénariste et producteur de film américain, né le 29 août 1935 à Chicago (Illinois, États-Unis). Il débute sa carrière en 1967 avec une comédie musicale, Good Times. C'est en 1971 et 1973 qu'il connaîtra la consécration du public et de la critique avec French Connection et L'Exorciste, tous deux récompensés à la cérémonie des Oscars d'Hollywood. 1967: Good Times. 1968: l'Anniversaire. 1968: The Night they Raided Minsky's. 1970: Les Garçons de la bande. 1971: French Connection. 1973: l'Exorciste. 1977: Le Convoi de la peur. 1978: Têtes vides cherchent coffres pleins. 1980: The Cruising. 1983: Le Coup du Siècle. 1985: Police Fédérale Los Angeles. 1988: Le Sang du Châtiment. 1990: La Nurse. 1994: Blue Chips. 1995: Jade. 2000: l'Enfer du Devoir. 2003: Traqué. 2006: Bug. 2012: Killer Joe.

Expérience paranoïde contagieuse, Bug s'inspire d'une pièce de théâtre de Tracy Letts jouée en 2004. S'appuyant sur le principe du huis-clos suffocant, William Friedkin prend un malin plaisir à immerger le spectateur dans une descente aux enfers schizophrène. La cause incombant à un ex militaire d'apparence affable et timoré qu'Agnès aura rencontré dans un bar par l'intermédiaire de sa meilleure amie. Solitaire, droguée, marginale, cette dernière se remet difficilement de la disparition inexpliquée de son fils et de son échec conjugal, faute d'un mari abusif. Harcelée par son ex, elle se réconforte auprès de son hôte avant que celui-ci ne lui déclare qu'il est le cobaye d'une horrible machination perpétrée par le gouvernement. Des insectes se seraient alors infiltrés dans son corps afin de transmettre la maladie à autrui et anéantir nos cerveaux. Sous couvert de thriller au suspense latent (la première partie prend son temps à caractériser les rapports du couple), William Friedkin en extirpe un drame psychologique d'une intensité dramatique en chute libre. Le film décrivant avec réalisme cinglant les rapports équivoques d'un couple en renaissance amoureuse convaincu d'être le fruit d'un odieux complot.

Outre la maîtrise de sa mise en scène accordant beaucoup d'intérêt à la bande-son afin d'aviver l'angoisse morale de nos héros, Bug est transcendé par un jeu d'acteurs au diapason ! Michael Shannon endossant avec spontanéité viscérale la carrure du dangereux schizophrène (sans doute) traumatisé par la guerre. Dans un jeu de fragilité aiguë, Ashley Judd lui prête la vedette avec une dimension humaine névralgique, faute de ses tourments dépressifs facilement manipulables. Le duo se déchirant au rythme de la passion amoureuse et de la hantise de persécution. D'une violence rigoureuse dans les comportements erratiques en roue libre, les joutes verbales et les exactions sanglantes (notamment une torture dentaire proprement horrifique !), Bug dérange pour provoquer un malaise tangible auprès des agissements du couple compromis par l'autosuggestion. Par le biais de cet imposteur victime d'une pathologie mentale et de cette marginale dépressive en quête éperdue d'amour, William Friedkin en extrait une réflexion sur l'influence de la paranoïa et la manipulation de celui qui l'extériorise.

Baignant dans un climat névrosé progressif au fil d'une dégénérescence morale, Bug aborde les thèmes de la paranoïa et du complot politique sous l'impulsion d'un dangereux psychopathe. Par son intensité émotionnelle perturbante, il en émane une expérience viscérale éprouvante où l'impact des images cauchemardesques (les mutilations corporelles échangées entre le couple par la cause des insectes) se disputent au désarroi d'un drame de la solitude. 

Récompense: Prix FIPRESCI lors de la Quinzaine des réalisateurs au Festival de Cannes 2006

LE CERCLE

                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"The Ring" de Gore Verbinski. 2002. U.S.A. 1h55. Avec Naomi Watts, Brian Cox, Martin Henderson, David Dorfman, Rachael Bella, Daveigh Chase

Sortie salles France: 5 Février 2003. U.S: 18 Octobre 2002

FILMOGRAPHIE: Gregor « Gore » Verbinski, né le 16 mars 1964, est un réalisateur et producteur américain. 1997 : La Souris. 2001 : Le Mexicain. 2002 : Le Cercle. 2003 : Pirates des Caraïbes: La Malédiction du Black Pearl . 2005 : The Weather Man. 2006 : Pirates des Caraïbes: Le Secret du Coffre maudit. 2007 : Pirates des Caraïbes: Jusqu'au bout du Monde. 2011 : Rango. 2013 : Lone Ranger, naissance d'un héros.

"Je déteste la télé, ça me file la migraine. Il y a tellement d'ondes dans l'air à cause de ça et des téléphones, qu'on perd dix fois plus de neurones qu'on le devrait. Les molécules du cerveau deviennent instables. Les fabricants le savent, mais ils font rien. C'est un vrai complot. 
Tu sais combien d'ondes traversent notre tête chaque seconde ?"

Remake du célèbre Ring, classique japonais de Hideo Nakata réalisé en 1998, le Cercle reprend avec habileté le concept de la Vhs maudite pour renouveler la peur parmi l'appui d'une narration dramatique en crescendo. Sans se laisser influencer par la facilité du copier-coller, Gore Verbinski ré-exploite la malédiction de Samara avec une science du suspense affûté et le joug d'un climat de malaise. Une jeune journaliste, Rachel Keller, décide d'enquêter sur une série de meurtres inexpliqués après que les victimes eurent visionné le contenu d'une cassette video leur augurant leur mort 7 jours après sa diffusion. Un appel téléphonique les avertissant au moment propice. 

Dominé par l'interprétation obstinée de Naomi Watts compromise entre ses sentiments d'émoi, de doute et de paranoïa, Le Cercle repose sur une investigation de longue haleine pour immerger le spectateur vers une troublante descente aux enfers. L'intrigue soigneusement structurée délivrant au compte goutte indices et révélations macabres avec un sens du détail dérangeant. Outre l'art de conter un récit malsain terriblement inquiétant, il faut également souligner le soin formel apporté à sa photographie désaturée si bien que certaines images poétiques nous magnétisent l'esprit par sa puissance évocatrice. Particulièrement l'environnement clairsemé d'une nature en clair obscur comme le symbolise à plusieurs reprises l'arbre décharné étroitement lié au secret de Samara. Quant à la présence candide des chevaux, elle fait office de ressort dramatique parfois éprouvant (le comportement erratique de l'étalon embarqué sur le bateau et poursuivant Rachel s'avère l'un des moments les plus rigoureux !) lorsque ces derniers sont soumis à une force diabolique. Parmi les archétypes de la légende urbaine, de l'enfance diabolique, de la superstition et de la malédiction, Gore Verbinski s'efforce de crédibiliser une douloureuse histoire de relation maternelle par l'entremise de la famille dysfonctionnelle et avec l'appui de Rachel éprise de compassion pour la condition équivoque de Samara. Ne cédant jamais à l'esbroufe horrifique car s'efforçant de mettre en valeur une épouvante premier degré, le cinéaste parvient brillamment à exacerber quelques brefs instants d'effroi par l'habileté de la suggestion.

Redoutablement efficace comme le souligne son ossature narrative d'une riche intensité dramatique et l'aura perméable de son angoisse malsaine, Le Cercle honore dignement l'entreprise commerciale du remake si bien que Gore Verbinski y apporte sa marque et son identité avec brio inattendu. La peur, subtile et diffuse, s'avère donc à nouveau au rendez-vous sous l'impulsion d'une satire des médias, et pourrait même prétendre à émuler son modèle !

3èx

UN JOUR SANS FIN

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site daveexaminesmovies.com

"Groundhog Day" d'Harold Ramis. 1993. U.S.A. 1h41. Avec Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott, Stephen Tobolowsky, Michael Shannon, Harold Ramis

Sortie salles France: 28 Juillet 1993. U.S: 12 Février 1993

FILMOGRAPHIE: Harold Ramis, de son vrai nom Harold Allen Ramis, est un acteur, producteur, réalisateur et scénariste américain né le 21 novembre 1944 à Chicago, dans l'Illinois aux (États-Unis), et mort dans cette même ville le 24 février 2014.
1980: Le Golf en folie. 1983: Bonjour les vacances. 1986: Club Paradis. 1993: Un jour sans fin.
1995: Stuart sauve sa famille. 1996: Mes doubles, ma femme et moi. 1999: Mafia Blues. 2000 : Endiablé. 2002: Mafia Blues 2. 2005 : Faux Amis. 2009 : L'An 1: Des débuts difficiles.

Comédie fantastique d'une fantaisie et d'une tendresse insatiables, Un jour sans fin exploite le thème du voyage temporel avec une rare originalité. Harold Ramis ne recourant jamais à l'esbroufe spectaculaire pour divertir le spectateur car s'appuyant sur une dimension philosophique oecuménique. Le genre ludique se transcendant ici en habile réflexion sur l'ennui de la routine, le sens du temps en perpétuel mouvement et les répercussions bénéfiques ou malheureuses de nos actes quotidiens les plus anodins. Illustrant avec cocasserie le quotidien inlassable d'un présentateur météo condamné à revivre la même journée hivernale, le réalisateur surenchérit d'inventivité pour lui imposer une multitude de situations éculées afin de l'initier à l'humanisation.

A savoir, surpasser l'inertie d'une boucle temporelle par un désir de formation et d'observation à décrypter les traits de caractère de nos proches pour s'adapter à la sociabilité. Précepte d'amour et de tolérance pour l'autre, le parcours de prime abord morose de Phil Connors se cristallise en leçon de vie parmi la complicité amicale de sa productrice Rita (Andie MacDowell sémillante de candeur dans une fringance naturelle !). Egocentrique, bourru et ingrat, Phil va peu à peu occulter ses sautes d'humeur du quotidien éculé, rivaliser de trouvailles et constance à s'alimenter de nouvelles occupations pour déjouer l'ennui. Pour incarner ce rôle exubérant en demi-teinte, Bill Murray crève l'écran dans celui du célibataire aguerri en éveil existentiel. Sa posture de clown triste l'amenant peu à peu à adopter une posture humble au contact de son entourage et de seconds-rôles méconnus. Outre ses thèmes passionnants impartis à l'harmonie de la vie, à la fraternité et à l'amitié, Un jour sans fin aborde la thématique de l'amour avec une émotion fragile. Flirtant même parfois avec la féerie, Harold Ramis implique le spectateur dans une relation romanesque fondée sur l'intégrité des sentiments après que Phil eut saisi les failles de sa personnalité dédaigneuse.

Chef-d'oeuvre d'humour et d'émotion parfois poignante, Un jour sans Fin transfigure le genre pour nous prodiguer l'apparat du lendemain par l'apprentissage culturel et les ressorts existentiels de tolérance, d'altruisme, de fraternité et d'amour. Hymne à la vie, un moment de cinéma en apesanteur où la tendresse des actes humains nous laisse également songeur sur l'harmonie conjugale.  

HOT SPOT

                                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site blackfever.org

de Dennis Hopper. 1990. U.S.A. 2h10. Avec Don Johnson, Virginia Madsen, Jerry Hardin, Jennifer Connelly, Charles Martin Smith, Barry Corbin, William Sadler.

Sortie salles France: 16 Janvier 1991. U.S: 12 Octobre 1990

FILMOGRAPHIE: Dennis Hopper, né le 17 mai 1936 à Dodge City, Kansas et mort le 29 mai 2010 à Los Angeles, est un acteur, réalisateur, poète, peintre et photographe américain. 1969: Easy Rider. 1971: The Last Movie. 1980: Out of the Blue. 1988: Colors. 1990: Catchfire. 1990: Hot Spot. 1994 : Chasers.

Thriller vénéneux d'un érotisme torride, Hot Spot constitue la sixième réalisation de l'acteur Dennis Hopper, sans doute la plus maîtrisée de sa carrière. Tant par sa direction hors pair d'acteurs au charisme saillant que d'une structure narrative remarquablement ciselée dans son alliage de suspense et rebondissements impromptus. Au moment de cambrioler la banque de sa contrée Texane, un vendeur en automobile tombe sous le charme de deux vamps au caractère distinct. L'une s'avérant une jeune fille introvertie soumise à l'arrogance d'un maître chanteur, l'autre une épouse nantie plutôt nymphomane dans son art de séduire les beaux mâles influençables. 

Vouant une affection immodérée pour son trio maudit, Dennis Hopper redouble d'ironie et de cynisme à dépeindre le portrait peu recommandable de personnages véreux partagés entre leur appétence sexuelle et le goût du lucre. Tributaire d'une situation modeste de salarié et de son instinct vénal, Harry Madox choisit la facilité de l'escroquerie afin d'optimiser sa situation financière. Courtisé par la beauté fringante de deux tentatrices, il finit par céder à leurs avances avant de se laisser voguer vers une dérive criminelle. Opposé au conformisme, Dennis Hopper se prend un malin plaisir à vitrioler un climat érotique ardent autour d'un trio sulfureux bâti sur le mensonge, la trahison et la manipulation. Chaque personnage occultant leurs secrets et désir intrinsèque avant de se laisser berner par un jeu délétère de séduction. D'une sensualité fragile, Jennifer Connelly se fond dans le corps d'une secrétaire timorée avec une ambivalence bisexuelle, quand bien même Virginia Madsen lui partage la vedette dans une fonction égocentrique de garce mi-perfide, mi-sournoise. Au coeur de ce duo à couteau tiré, Don Johnson tente de peser le pour et le contre de leurs aveux féminins afin de départager ses sentiments les plus influents. En exploiteur égotiste rattrapé d'une bravoure héroïque et d'une empathie pour la situation soumise de Dolly, l'acteur crève l'écran pour se tailler une prestance en demi-teinte d'escroc charmeur irrigué par l'avilissement.

Au rythme entêtant de plages de blues (on y croise John Lee Hooker, Miles Davis, Taj Mahal et Roy Rogers) et sous l'impulsion libidineuse du trio galvaudé, Dennis Hopper insuffle un climat solaire concupiscent pour y extraire une machination amorale. Un grand thriller vertigineux au pouvoir de séduction aussi ensorcelant que licencieux. 

JEU D'ENFANT

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"Child's Play" de Tom Holland. 1988. U.S.A. 1h27. Avec Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent, Brad Dourif, Dinah Manoff, Tommy Swerdlow, Jack Colvin

Sortie salles France: 5 Avril 1989. U.S: 9 Novembre 1988

FILMOGRAPHIE: Tom Holland est un réalisateur et scénariste américain né le 11 Juillet 1943.
1985: Vampire, vous avez dit vampire. 1987: Beauté Fatale. 1988: Jeu d'Enfant. 1989: l'Enfant génial (The Wizard). 1993: Meurtre par intérim. 1996: La Peau sur les Os.

Habile artisan de la série B révélé par Vampire, vous avez dit vampire, Tom Holland continue de séduire les fantasticophiles 3 ans plus tard avec Jeu d'Enfant, sélectionné à Avoriaz. Premier volet d'une franchise à succès dont le concept sardonique sera usé jusqu'à la corde (en témoigne son dernier opus téléfilmesque), l'intrigue aborde le thème du vaudou parmi l'icone d'une poupée industrielle. Sans doute influencé par Au coeur de la Nuit, Magic, Devil Dolls ou encore le méconnu la Poupée de la Terreur de Dan Curtis, Tom Holland donne chair à son antagoniste infantile par le biais d'effets spéciaux novateurs pour l'époque. Si les autres opus de la saga parviendront toutefois à transcender la mobilité de son corps et de ses expressions faciales avec l'appui de la numérisation, Jeu d'Enfant parvient déjà à crédibiliser ses exactions, notamment par le biais d'une verve sardonique assez ravageuse.

Pris au piège par la police, un tueur en série adepte du vaudou parvient à se planquer dans un magasin de jouets pour y infiltrer in extremis son âme dans le corps d'une poupée. Epris de vengeance, il se résout ensuite d'assassiner ces rivaux avant de tenter de se réincarner dans la peau d'un enfant. La mère de ce dernier et un flic vont tenter de déjouer ses stratagèmes criminels. Captivant, Jeu d'Enfant tire parti de son efficacité grâce à son équilibre narratif fertile en actions, rebondissements et suspense diffus. Sans jouer la facilité de la surenchère, Tom Holland n'abuse jamais de la vacuité de séquences horrifiques car plus soucieux à accorder de la carrure aux portraits contrariées d'un enfant, d'un flic et d'une mère résignés à se tolérer une improbable vérité ! A savoir, dénoncer la culpabilité d'une poupée douée de chair et de sang ! Sous l'impulsion conflictuelle de ces derniers, l'intrigue gagne donc en crédibilité par leur motivation forcenée, quand bien même le cinéaste parvient parfois à distiller un suspense franchement anxiogène quant à la prochaine agression sournoise de Chucky. Son premier homicide perpétré contre une babysitter s'avérant d'ailleurs la séquence la plus réussie en terme d'angoisse palpable en chute libre. Par le principe d'une investigation insolite et grâce à la sobriété de ces comédiens (Catherine Hicks en tête car remarquable de spontanéité en mère névrosée !), Jeu d'Enfant renoue avec dynamisme avec le psycho-killer sans prétention de révolutionner le genre.

Nerveux, original, efficace et mis en scène avec autorité comme le souligne parfois la rigueur de son angoisse oppressante, Jeu d'Enfant privilégie l'horreur à l'ancienne dans un refus de dérision (ou de raillerie) pour susciter la peur (facteur que la plupart des autres cinéastes réfutera dans les autres volets puisque prônant le ressort potache). Un très sympathique slasher domestique renouvelant avec assez d'originalité le thème du vaudou sous le symbole mercantile de Chucky ! 

LE MANOIR MAUDIT

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ecranlarge.com

"Metempsyco"de Antonio Boccaci. 1963. Italie. 1h28. Avec Annie Alberti, Marco Mariani, Adriano Micantoni, Flora Carosello

Sortie salles France: 12 Novembre 1963

FILMOGRAPHIE: Antonio Boccaci est un réalisateur, scénariste et acteur italien. 1963: Le Manoir Maudit.

Ne tournons pas autour du pot, l'unique réalisation d'Antonio Boccaci est un nanar transalpin d'un intérêt limité. Le Manoir Maudit se contentant avec le minimum syndical de distiller inquiétude latente et expectative autour d'une machination parasitée d'incohérences. Tout du moins, faute d'une narration prémâchée (montage déstructuré à l'appui) et du comportement équivoque et elliptique de protagonistes ne cessant de déambuler dans les recoins du château avec une appréhension risible. Pour tenter d'impressionner le spectateur et le rassurer du spectacle horrifique, Antonio Boccaci compte sur les apparitions spectrales d'une comtesse et les exactions sordides d'un monstre de foire confiné dans une crypte. Sous l'impulsion barbare de ce dernier, on peut d'ailleurs relever l'audace graphique d'une séquence d'agression particulièrement brutale.

Le docteur Darnell et sa fille Anna viennent s'installer dans le manoir d'un aristocrate hindou autrefois épris d'amour pour sa comtesse Irène. Cette dernière ayant subitement disparue depuis 20 ans, il se réconforte auprès de la nouvelle présence d'Anna ressemblant à s'y méprendre à son ancienne maîtresse. La nuit, hantée par ses cauchemars et son somnambulisme, Anna tente de découvrir l'horrible vérité sur Irène avec le soutien de son fantôme. Mais au sous-sol du manoir, un valet au visage difforme veille dans une salle de tortures avant de kidnapper ses hôtes. Ce pitch fourre tout, Antonio Boccaci l'exploite avec beaucoup de maladresses, tant par sa mise en scène dégingandée que la prestance involontairement grotesque des comédiens cabotins s'efforçant d'exprimer leur angoisse ou terreur face aux diverses menaces (le fantôme et le monstre), quand bien même la police veille parfois à proximité pour débusquer un éventuel coupable. Dépourvu de tout ressort à suspense, l'intrigue peine à préserver l'attention tant nos personnages ne cessent d'aller et venir dans les chambres et couloirs avec une apathie rébarbative. Et pour éviter de se morfondre vers la somnolence, on se raccroche comme on peut sur la beauté de sa photo monochrome et le gothisme de quelques décors poussiéreux pour se rassurer d'une intrigue improbable étirée en longueurs. Qui plus est, sa partition dissonante irrite parfois les tympans dans ses tonalités inopinément joviales alors qu'il aurait mieux valu préconiser une sombre mélodie entêtante comme savent si bien les parfaire nos maestros italiens.

Uniquement destiné aux inconditionnels de raretés au rabais, le Manoir Maudit constitue une curiosité obsolète à découvrir d'un oeil distrait si vous êtes aptes à redoubler d'indulgence. 
Nota: VO absente de l'édition Artus Films.