Talk Radio

de Oliver Stone. 1988. U.S.A. 1h50. Avec Eric Bogosian, Ellen Greene, Leslie Hope, C. Mac Ginley, Alec Baldwin, John Pankow, Michael Wincott

Sortie en salles en France le 12 Avril 1989, U.S.A: 21 Décembre 1988.

FILMOGRAPHIE: Oliver Stone (William Oliver Stone) est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 15 Septembre 1946 à New-york. 1974: La Reine du mal (Seizure), 1981: La Main du Cauchemar, 1986: Salvador, Platoon, 1987: Wall Street, 1988: Talk Radio, 1989: Né un 4 juillet, 1991: The Doors, J.F.K, 1993: Entre ciel et terre, 1994: Tueurs nés, 1995: Nixon, 1997: U turn, 1999: l'Enfer du dimanche, 2003: Commandante (documentaire sur Fidel Castro), Persona non grata (documentaire sur l'Israel et la Palestine), 2004: Looking for fidel (télé-film), 2004: Alexandre, 2006: World Trade Center, 2008: W: l'improbable président, 2009: South of the border (documentaire sur Hugo Chavez), 2010: Wall Street: l'argent ne dort jamais.

                                  

 

"Talk Radio : l’Amérique à vif".

Après Salvador, Platoon et Wall Street, le pourfendeur Oliver Stone signe avec Talk Radio un pamphlet virulent sur une Amérique mise à nu, acide, rongée par ses névroses et en pleine dégénérescence. Une jungle urbaine schizophrène, où des anonymes abandonnés à leurs tourments errent sans repère, en quête d’une reconnaissance existentielle par le biais d’une station de radio libertaire.

À Dallas, un animateur radio, Barry Champlain, anime une émission libre à succès où chacun peut s’exprimer à sa guise. Provocateur cynique, psychologue sans vergogne, il n’hésite pas à agresser verbalement ses auditeurs, les plaquant face à eux-mêmes dans une forme brutale de prise de conscience. Mais en cette nuit particulière, la parole déchaînée de ses interlocuteurs va fissurer ses certitudes : Barry vacille, écœuré par la violence aveugle, la haine insensée, et l’intolérance décomplexée qu’il entend à travers les ondes.                 

Attention, film choc cinglant. Oliver Stone n’y va pas de main morte avec ce brûlot contestataire d’une violence inouïe, dans sa manière rigide de dépeindre la faune aliénée d’une société malade. À travers cette émission où la parole circule librement sans filtre ni censure, le cinéaste anticonformiste nous entraîne dans une descente aux enfers insidieuse, dérangeante, presque nauséeuse — dont il est difficile de sortir indemne. Chaque nuit, Barry affronte une galerie d’âmes dérangées, pathétiques, qu’il tente de heurter de plein fouet pour briser leur délire, les réancrer à une vérité écorchée, délavée par la banalité du quotidien.

Homophobes, xénophobes, antisémites, violeurs, camés, psychopathes, refoulés pervers… tous défilent pour se laisser provoquer et insulter par ce misanthrope lucide, ce chirurgien verbal de l’hypocrisie humaine, des simulacres sociaux et de l’injustice de classe, mère des pires rebuts de l’espèce.

Dans un monde tendancieux, asservi par le profit, le voyeurisme et la mort-spectacle, Talk Radio stigmatise ce que l’Amérique peut engendrer de plus sordide lorsque l’individu, esseulé, déraciné, se retrouve broyé par l’absurdité contemporaine. Des âmes incapables d’affronter l’existence, perverties par le mensonge, l’avilissement, le pouvoir des nantis. À travers l’esprit en fusion de Barry, fustigeant chaque auditeur masochiste, c’est tout un portrait de la déchéance que Stone nous assène — une galerie de figures licencieuses, se nourrissant de la douleur des autres pour combler l’absence d’un bonheur perdu, évaporé dans l’acide.

On reconnaît dans un second rôle un Alec Baldwin débutant, patron scrupuleux rappelant à l’ordre chaque débordement d’un Barry désormais promis à une diffusion nationale. Mais c’est Eric Bogosian qui crève l’écran : radiophoniste contestataire, il ausculte le vrai visage de chaque voix osant l’affronter, révélant fascisme larvé, fantasmes pervers, détresse suicidaire ou idéologie nazie déguisée en appel à l’aide.

Injustement méconnu, volontairement occulté pour son radicalisme social et son idéologie expéditive, Talk Radio reste un témoignage-choc d’une Amérique à l’agonie. Une société conservatrice, aveugle à l’égalité, anesthésiée pour mieux asservir.

Par cette liberté de parole donnée aux monstres ordinaires, Oliver Stone signe l’un de ses cris les plus féroces : une dénonciation brutale du conditionnement, de l’égoïsme, de l’addiction à la haine, de la névrose collective. Il en résulte une œuvre sulfureuse, implacable, terrifiante - une plongée dans les ténèbres de l’âme américaine, dont le final glaçant nous laisse dans une amertume plus toxique encore, gangrenée par une intolérance abrutissante.                                   

 

*Bruno

27.04.11.  3.

Campus / Dangerously clos

        

de Albert Pyun. 1986. U.S.A. 1h35. Avec John Stockwell, J. Eddie Peck, Carey Lowell, Don Michael Paul, Thom Matthews.

FILMOGRAPHIE: Albert Pyun est un réalisateur, scénariste et producteur américain né en 1954 à Hawaii. Il fut dans un premier temps assistant du réalisateur Akira Kurosawa avant de se consacrer personnellement à la mise en scène. 1982: L'Epée Sauvage, 1985: le Dernier missile, 1986: Campus, 1987: Pleasure Planet, le Trésor de San Lucas, 1988: Alien from L.A., 1989: Voyage au centre de la terre, Cyborg, 1991: Captain America, Kickboxer 2, Dollman, 1993: Nemesis, Knights, 1994: Kickboxer 4, 1995: Nemesis 2, 1996: Nemesis 3, Omega doom, Adrenaline, Nemesis 4, 1997: Prise d'otages à Atlanta, 1997: Mean Guns, 1998: Crazy Six, 1998: Postmortem, 1999: Urban menace, Corrupt, 2001: Explosion imminente, 2005: Infection, 2007: Bulletface, Left for dead.

                                    

Du réalisateur du sympatoche l'Epée Sauvage (démarquage bien bis de Conan le Barbare sorti la même année) et de Cyborg (western spaghetti post nuke), Campus est une série B oubliée des années 80, un thriller efficace illustrant les exactions militantes d'une milice juvénile endoctrinée par un briscard totalitaire.

Le Pitch: Un étudiant est retrouvé assassiné près de sa fac où il enseignait.
Danny, jeune universitaire, se lie d'amitié avec un groupe d'élèves surnommé Les Sentinelles. Bientôt, il comprend que ce groupe extrémiste particulièrement violent est à l'origine du meurtre, quand bien même un autre élève disparait mystérieusement de la circulation.

                                    

Bien ancré dans son époque eightie pour le look et la défroque des protagonistes, sa mise en scène inspirée du vidéo-clip et une bande musicale omniprésente alternant parfois le rock industriel à la new-wave, Campus impressionne de prime abord dans sa texture visuelle particulièrement soignée et stylisée.
Le prologue est à lui seul une réussite esthétique héritée des ambiances envoutées telles que Nomads, la Chasse du Comte Zaroff ou Razorback, sorti deux ans plus tôt. 
Dans la nuit ténébreuse d'une forêt nappée de brume, un jeune garçon fuit à travers bois une bande d'individus cagoulés, munis d'arbalète, poignard et flingue ainsi qu'une caméra pour filmer leurs exploits primitifs. Après un jeu perfide de lutte pour la survie et d'un simulacre meurtrier, l'organisation laisse la vie sauve au quidam désorienté. Mais chut, n'en disons pas plus...

                                  

La suite nous présente nos différents protagonistes où héros, victimes et oppresseurs s'entrecroisent pour nous embarquer dans une intrigue haletante établie sous la forme du thriller.
Sachant qu'à la fin, un ultime rebondissement fortuit permettra de réinterpréter le fond du film dans son discours social stigmatisant un groupuscule extrémiste endoctriné par un mentor manipulateur.
Albert Puyn démontre alors l'influence que peut exercer un activiste chevronné sur la jeunesse issue ici d'un milieu favorisé. C'est la montée du fascisme qui est illustré de façon insolite au sein d'un survival game auquel de jeunes universitaires opportunistes s'amusent à élaborer une doctrine fustigeant les individus marginaux ou dénués d'ambition singulière. Le spectre du nazisme voile donc à peine le bout de son nez dans l'unité d'une puissance érudite et drastique, assujetti à déprécier les plus faibles citoyens teintés d'extravagance ! (la mode punk était alors en effervescence lors des années 80).

Superbement photographié dans une nuance bleutée contrastant avec les teintes en clair obscur et plutôt bien interprété par de jeunes comédiens ayant percé ensuite dans le milieu, comme John Stockwell (Christine) ou Thom Matthews (le Retour des Morts-vivants), Campus est un thriller efficace mené sans temps morts d'autant plus agréable à suivre qu'il est doté d'une bande son endiablée symptomatique des Eighties. 

*Bruno

25.04.11.

Scream 4

                        
de Wes Craven. 2011. U.S.A. 1h50. Avec Neve Campbell, David Arquette, Courteney Cox, Emma Roberts, Hayden Panettiere, Anthony Anderson, Alison Brie, Adam Brody, Rory Culkin, Marielle Jaffe.

Sortie salles France: 13 Avril 2011

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio. 1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

                                     

Après s'être juré de ne plus rempiler pour un 4è volet, il eut fallu attendre 10 ans pour que Wes Craven réponde présent avec son compère Kevin Williamson afin de façonner une nouvelle suite à sa fameuse trilogie, Scream. 

Synopsis: Dix ans après les terribles évènements du tueur masqué qui auront coûté la vie à plusieurs adolescents, Sydney Prescott revient dans sa contrée natale, Woodsboro, pour l'inauguration de son livre autobiographique dans une bibliothèque sous les feux de projecteur. Soudain, la police décrétée par son ami Dewey fait irruption devant l'assemblée pour leur annoncer que Ghostface a encore frappé chez deux adolescentes retrouvées sauvagement assassinées. Le cauchemar ancestral de Sydney refait soudainement surface car la terreur est revenue à Woodsboro ! 

                                 

A l'instar des précédents volets, Scream 4 entre de plein pied dans le vif du sujet et nous assène un préambule en trois actes savoureusement sardoniques, ludiques, référentiels dans son malicieux dosage des genres et de la devise du "ouh, fais moi peur encore une dernière fois". Alors que deux bimbos juvéniles contemplent Stab 6 à la maison devant leur TV, celles-ci s'amusent à ironiser sur la fameuse loi des séries à succès. Elles terminent par établir un parallèle avec la saga mercantile des Saw auquel les personnages réduits à chair à pâté sont à leur goût peu développés, ridicules et inconsistants en faveur de la créativité singulière des tortures infligées. C'est au fameux moment crucial du (ou des) meurtre(s) perpétré(s) que Wes Craven nous dévoile la supercherie pour nous refaire le coup du "film dans le film".

                                   

Or, après les déclarations sulfureuses des médias avides des nouvelles exactions sanguinolentes de Ghostface et des retrouvailles chaleureuses entre Sydney, sa cousine Jill, l'ancienne journaliste Gale, et Dewey, le flic pittoresque, le tueur continue sur sa lancée pour accomplir deux nouveaux meurtres. Furtivement, il va avertir entre temps notre héroïne aujourd'hui trentenaire et mature mais esseulée et craintive que la nouvelle série ne fait que débuter et qu'il souhaite simplement dupliquer la mode actuelle. C'est à dire remaker le modèle d'un film original ! En l'occurrence, Scream ! L'idée astucieuse de nos acolytes Wes Craven et des scénaristes Kevin Williamson et Ehren Kruger est donc de disserter cette fois-ci sur la loi des remakes inutiles et cette mode contemporaine auquel Hollywood ne jure que par elle pour relancer la franchise du cinéma d'horreur. Une tache lucrative afin de réunir son nouveau public avide de sensations fortes et tenter vaguement de surpasser les originaux. Scream 4 se fond alors en un remake déguisé (voir même en parodie) du premier Scream, avec deci delà quelques surprises aléatoires, des revirements soudains pour pimenter un scénario habituellement riche en clins d'oeil et auto-dérision. Plutôt bien menée, la narration va prendre une ampleur plus étoffée avec une dernière demi heure haletante et vertigineuse établissant un portrait amer sur la génération actuelle obnubilée par la célébrité, via l'entremise d'internet avec You tube et Facebook. Des adolescents toujours aussi fascinés par le pouvoir de l'image, davantage férus de popularité. Des jeunes utopistes sous influence du star system se prenant pour des cinéastes amateurs afin de filmer de façon autonome leurs séquences cruciales pour concurrencer la quête du sensationnalisme et du voyeurisme issus de la TV Réalité. Quand à la révélation finale du ou des meurtriers, elle est presque aussi pertinente que le premier film avant l'épilogue trivial aux facilités requises mais justifiable de par la cause de la hiérarchie des copies conformistes incapables de surpasser leurs précurseurs.

                                     

Voulez-vous être une star ?
Alors que personne ne misait un centime sur ce nouvel opus, Scream 4 réussit à nouveau à surprendre dans son alliage d'humour mesquin, de violence toujours aussi percutante (filmée comme un film d'action) et de gore plus explicite (Saw et consorts sont passés par là). Sans évidemment égaler son film fondateur, Scream 4 demeure un excellent psycho-killer plus finaud que les remakes redondants en prouvant par la même occasion que la copie ne peut valoir l'original (à une ou deux exceptions près)

*Bruno

Dédicace à Gérald Shub-Niggurath, Damval Dulac.

Les Chroniques de Scream: http://brunomatei.blogspot.com/2011/04/scream.html
                               Scream 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/scream-2.html

16.03.25. 5èx. Vostf

23.04.11

Chasse Sanglante / Hunter's Blood

de Robert C. Hughes. 1986. U.S.A. 1h41. Avec Sam Bottoms, Clu Gulager, Mayf Nutter, Joey Travolta, Ken Swofford.

FILMOGRAPHIE: Robert C. Hughes est un réalisateur, scénariste, producteur et compositeur de musique américain. 1986: Chasse Sanglante. 1988: Memorial Valley Massacre. 1989: Zadar ! Cow from hell. 1990: Down the Drain.

                                   

Dans la mouvance de Délivrance, Sans retour, Survivance, Trapped ou du méconnu mais oh combien formidable Rituals, Chasse Sanglante (à ne pas confondre avec le classique de Peter Collinson) est un pur film d'exploitation sorti un peu à la traine en rapport aux films susnommés. Ce qui justement l'empêchera d'empreinter une certaine notoriété alors que ce petit B movie s'avère sympathique à travers un vrai sens du rythme dans sa partie revenge. 

Synopsis: Une bande de potes profitent de leur week-end pour partir à la chasse dans une contrée bucolique. Après s'être arrêté dans un bar miteux, ils ont une altercation avec quelques citadins avinés. Sans se laisser influencer, l'un de nos touristes riposte dans une bagarre improvisée. Après cette violente rixe, ils poursuivent leur route en partant se réfugier en pleine forêt pour camper loin de l'urbanisation. C'est alors qu'un groupe de rednecks, des braconniers sans scrupule, ont décidé eux aussi de les provoquer de façon beaucoup plus pernicieuse. Dès lors, une lutte meurtrière incessante pour la survie s'engage entre les deux camps. 

Pour ceux qui s'attendent à un long métrage original et créatif peuvent passer leur chemin, ce succédané dénué de prétention étant une simple série B efficacement troussée avec son lot de clichés éculés compromis au thème de la survivance.

                                     

Là ou de prime abord Chasse Sanglante attise l'attention c'est dans la sélection de comédiens de seconde zone bien connus des amateurs, à l'instar du frère cadet de l'acteur Timothy Bottoms, Sam Bottoms (Josey Wales hors la loi, Apocalypse Now, Bronco Billy, Jardins de pierre), décédé le 16 Décembre 2008, Clu Gulager (l'inoubliable interprète du Retour des morts-vivants), Ken Swofford (Annie, Thelma et Louise, le Mystère Andromède) ou encore Billy Drago (le perfide salopard des Incorruptibles, Pale Rider, Invasion U.S.A, Vamp, Freeway). La narration académique est donc sommairement planifiée avec une sobre première partie nous amenant à prendre connaissance avec nos touristes entre deux échauffourées contre des machistes arriérés ! Paradoxalement, notre équipée de chasseurs n'est pas du genre à se laisser marcher sur les pieds au point de se rebiffer contre ces autochtones primaires. Une idée plutôt contraire au traditionnel héros apeuré, inlassablement traqué par l'ennemi pour se laisser attendrir par la mort en guise d'épuisement. Mais c'est dans la seconde partie que Chasse Sanglante parvient à nous divertir et se présenter comme un survival efficacement mené de par ses péripéties nerveuses. De surcroît, quelques effets gores percutants, tels ces impacts de balles explosant dans les chairs, sont mis en valeur par des FX plutôt réussis. Il y a d'ailleurs une séquence bluffante qui retient particulièrement l'attention lorsqu'un gars se fait littéralement aplatir la tronche par une balle de chevrotine tirée à bout portant ! La séquence extrême est toutefois éludée du hors champs mais sa résultante sanglante est réellement impressionnante de réalisme morbide. Un plan concis qui voit la victime inanimée sur le sol se mettre à convulser lors de ses dernières secondes de vie. Le côté débridé qui fait également le petit plus de cet aimable survival émane du groupe de tueurs régi par une famille inculte, attardés rejetons de l'Amérique rurale !

Hormis son scénario archi rebattu, ses facilités (le train de marchandise arrivant comme un cheveu dans la soupe) et grosses ficelles inhérentes au genre (ctels ces deux héros se déliant facilement les main), Chasse Sanglante est une bonne surprise pour l'amateur de bisserie. De surcroît, l'utilisation habile de ses scènes d'action est adroitement exploitée au sein de son environnement forestier et parvient à nous y impliquer avec une certaine émotion.

22.04.11.
B-D
                                 

ESSENTIAL KILLING. Prix du jury à la Mostra de Venise 2010.

  

de Jerzy Skolimowski. 2010. Pologne, Norvège, Irlande, Hongrie.1H25. Avec Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Nicolai Cleve Broch, Stig Frode Henriksen, David L. Price, Zach Cohen, Iftach Ophir, Tracy Spencer Shipp, Klaudia Kaca…

PRIX DU JURY et PRIX D'INTERPRETATION à la MOSTRA de VENISE 2010.

Sortie en salles en France le 06 Avril 2011.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Jerzy Skolimowski est un cinéaste polonais né le 5 mai 1938 à Lodz en Pologne.
1971: Deep end, 1972: Roi, dame, valet, 1978: Le Cri du sorcier, 1981: Haut les mains, 1982: Travail au noir, 1984: Succès à tout prix, 1986: le Bateau phare, 1989: Les Eaux printanières, 1991: Ferdydurke, 2008: 4 nuits avec Anna, 2010: Essential Killing.

                           

Par le réalisateur du Cri du sorcier, Travail au noir et de l'incroyable Deep end, le réalisateur polonais Jerzy Skolimowski s'essaie au genre du survival politisé en prenant le contre-pied des codes orthodoxes ciblant le récit d'aventures haletant, traditionnellement emballé dans une texture brutale pleine de vigueur.

En Afghanistan, un taliban est poursuivi par les forces américaines après avoir tué trois de leurs soldats. Rapidement interpellé et en attendant son prochain jugement, l'homme se retrouve dans un centre de détention pour être sévèrement torturé. Pendant son transfert, un camion qui le transportait va faire une embardée aléatoire pour se retrouver dans un fossé après avoir manqué de percuter un sanglier. Le prisonnier ligoté profite alors de cet accident meurtrier pour s'évader dans les entrailles d'une forêt.

                           

Dans le genre survival tempéré en pleine nature sauvage qui voit un fugitif affolé tenter de s'enfuir indéfiniment à travers les forêts contre une armée de soldats inflexibles pour l'appréhender, Essential Killing prend son récit à hauteur d'homme, sans esbroufe ni fioriture. Il narre de prime abord une aventure humaine prégnante et désespérée ne prenant jamais parti pour un anti-héros effrayé à l'idée de mourir et se laisser kidnapper par ses oppresseurs.
Dans une nature enneigée à l'atmosphère hivernale tangible, Mohamed est un tueur impitoyable perdu au beau milieu de ce vaste environnement hostile. C'est sa quête de survie qui va nous être conté dans une réalisation quasi expérimentale, prenant soin de faire évoluer son personnage dans cette contrée écologique avec un saisissant réalisme d'acuité.
Affamé, assoiffé et épuisé par les heures interminables de marche dans un froid aride, le taliban traqué par un cortège d'ennemis chevronnés accompagnés de leurs chiens loups va devoir retrouver un instinct primitif pour pouvoir subvenir à sa longévité. De façon clairsemé, le peu de nourriture qu'il trouvera à sa disposition se trouvera dans les écorces d'arbres, un nid de fourmis ou un arbuste de fruits empoisonnés. A moins d'envisager aux abords d'une route l'agression physique d'une femme bedonnante accompagnée de son bébé sur les bras, venant de trébucher maladroitement de sa bicyclette.
Dans ses exactions pernicieuses tolérées par l'acte meurtrier vilipendant des innocents, le spectateur rebuté ne sait jamais s'il doit éprouver une quelconque sympathie ou une empathie envers un personnage aussi dangereux. D'où ce refus coutumier des conventions balisées affichant un héros intrépide sans reproche.
C'est ce qui fait la force singulière de la trame mais aussi sa faiblesse pour le spectateur peu habitué à suivre l'aventure d'un anti-héros pernicieux sans pitié auquel il est difficile de s'identifier ! Et cela même si l'homme reste malgré tout profondément humain dans ses affections terrifiées par l'emprise de la solitude, la crainte ultime de la mort mais aussi la foi en son dieu, Allah (d'où ses cauchemars refoulés qui interviennent de façon récurrente).

                          

Jerzy Skolimowski pose donc matière à réflexion dans ce portrait peu glorieux d'un homme obligé de commettre le pire (le crime) pour assurer le prolongement de son existence. Cette introspection sur l'instinct de survie tend à nous poser la question existentielle sur l'acceptation de s'octroyer au Mal afin de sauvegarder notre présence sur terre. Il tend à interpeller avec cette question essentielle: serions nous, nous aussi, capable de commettre de telles fraudes crapuleuses pour notre amour propre et ainsi sauver de manière égocentrique notre précieuse existence ?
                        
Dans le rôle de Mohamed, le prodigieux Vincent Gallo n'a pas volé son prix d'interprétation à Venise tant sa prestance innée d'ennemi redouté nous impressionne dans sa véracité à démontrer de manière corporelle son calvaire pour tenter de survivre dans un environnement naturel polaire.
Tour à tour apeuré, effrayé, anxieux, halluciné, voir incommodé de gêne et de honte quand il se voit accueilli par une femme sourde et muette, l'acteur laisse transparaître ce florilège d'émotions frêles avec une aura viscérale particulièrement palpable.

                           

Clôturant de façon cruelle son épilogue de manière brute et inopinée, Essential Killing est un survival insolite d'une belle rigueur, soigneusement mis en scène dans une structure niant le caractère spectaculaire ou l'action traditionnellement trépidante. 
L'interprétation habitée de Vincent Gallo et sa réflexion sur la moralité de la survie culminent à un récit dramatique inhabituel et anticonformiste.

21.04.11
Bruno Matéï.

LA JEUNESSE DU MASSACRE (I ragazzi del massacro)

de Fernado Di Leo. 1969. Italie. 1H36. Avec Pier Paolo Capponi, Marzio Margine, Renato Lupi, Enzo Liberti, Michel Bardinet, Danika La Loggia.

FILMOGRAPHIE: Fernando Di Leo est un réalisateur, scénariste et acteur Italien né le 11 Janvier 1932 à San Ferdinando Di Puglia en Italie, mort le 1er Décembre 2003.
1964: Gli Eroi di ieri, oggi, domani, 1968: Rose rosse per il fuehrer, 1969: la Jeunesse du massacre, Pourquoi pas avec toi, Amarsi male, 1971: la clinique sanglante, 1972: Milan calibre 9, 1972: l'Empire du crime, 1973: le Boss, La Seduzione, 1974: salut les pourris, Sesso in testa, 1975: Ursula l'anti-gang, La citta sconvolta: caccia spietata ai rapitori, 1976: Gli Amici di Nick Hezard, 1976: I padroni della città, 1977: Diamanti sporchi di sangue, 1977: les insatisfaites poupées érotiques du docteur Hitchcock, 1978: Avere vent'anni, 1980: Vacanze per un massacro, 1981: l'Assassino ha le ore contate (tv), 1982: Pover'ammore, 1984: Razza violenta, 1985: Killer Contro Killers.

                          

Avant une multitude de polars italiens bien connus des amateurs, le débutant Fernando Di Leo réalise en 1969 un drame à suspense assez inopiné pour le genre stigmatisant une société tendancieuse auquel évolue une bande de gamins responsables du meurtre crapuleux de leur professeur de cours. 

Durant un cours de classe, une jeune professeur de collège se fait sauvagement agressée pour être ensuite violée et assassinée par une bande d'élèves alcoolisés issus de milieux défavorisés. Le commissaire Duca Lamberti est persuadé qu'un odieux commanditaire serait le vrai responsable de ce massacre organisé. Reste à savoir qui est le fameux coupable présumé !

                           

Ce film resté inédit en salles en France possède une aura particulière (à l'image de son prélude introductif particulièrement glauque et dérangeant, bien que suggéré) dans son enquête criminelle confrontée à une bande de gamins délinquants qui, après s'être enivrés, ont décidé de violer et tuer une jeune femme en toute gratuité. Du moins en apparence, car l'investigation de notre inspecteur de police finira par le mener vers une intrigue perfide auquel le véritable coupable possède un vrai mobile qui l'aura poussé à commanditer et perpétrer un tel crime sauvage.
Un à un, les jeunes mineurs vont être inlassablement interrogés par le commissaire Lamberti avide de justice équitable mais expéditive sans éluder de méthodes quelques peu immorales dans les humiliations verbales et implicites subies contre les jeunes accusés. Malencontreusement, aucun des garnements ne décide de divulguer quoi que ce soit au leader hiérarchique, en dehors d'un élève à l'homosexualité douteuse, terrifié à l'idée de moucharder ses camarades pour se retrouver ensuite mystérieusement assassiné !
Lamberti décide alors l'opération de la dernière chance. C'est à dire s'attribuer d'un des accusés en question pour l'emménager sous sa responsabilité le temps de quelques jours afin de le sociabiliser. Une manière finaude de le réinsérer dans la société en lui faisant mener une vie plus aisée, commode et dénuée de contraintes. Un subterfuge à ce que l'adolescent mis en confiance et réconforté par ces nouveaux biens matériels puisse finalement avouer le véritable coupable incriminé.

                         

Fernando Di Leo ne manque pas d'illustrer le caractère précaire d'adolescents milanais provocateurs et insouciants, livrés à eux mêmes auquel les parents au chômage s'enlisent lamentablement dans la dépendance de l'alcool et la déchéance qui s'ensuit. C'est une société aussi laxiste qu'hypocrite qui est ciblée dans son attitude sournoise à vouloir boucler au plus vite une affaire embarrassante impliquant des adolescents paumés et révoltés. Le chômage, la drogue, l'alcoolisme, la démission parentale sont pointés du doigt afin de responsabiliser notre aristocratie engendrant ces criminels régulièrement issus d'un milieu désavantagé.

Dans le rôle du commissaire drastique, Pier Paolo Capponi est parfait de charisme viril dans la peau d'un homme de loi assidu et déterminé à vouloir incriminer le haut responsable de ce massacre gratuit. Consciencieux et plutôt malicieux dans sa quête de découvrir l'horrible vérité par l'entremise d'un adolescent conditionné, son enquête le mènera vers une résolution fortuit pathétique dans son mobile présumé.

                         

Bien interprété, réalisé avec dextérité et adroitement mené avec un sens du suspense impeccablement structuré, La Jeunesse du massacre est un excellent drame opaque à l'ambiance insolite sous-jacente inhabituelle.
Son final est d'autant plus dérangeant dans la révélation du meurtrier qu'il fait appel à une réminiscence dévoilant les véritables circonstances du fameux viol rendu explicite. Une scène difficilement oubliable dans la maestria de sa mise en scène impliquant une multitude de cadrages tarabiscotés et soutenus par une bande son criarde irritante. La constance de bruitages confinés aux tambourins et autres instruments stridents mais surtout le son assourdissant évoquant une clef éraflant continuellement la carrosserie rouillée d'une voiture. A découvrir !

NOTE: Egalement connu sous les titres "Naked Violence", "L'Exécution", "La Fiancée de la Mort".

20.04.11.
Bruno Matéï.

LA NUIT DES ALLIGATORS (The Penthouse)

de Peter Collinson. 1967. Grande Bretagne. 1h36. Avec Suzy Kendall, Terence Morgan, Tony Beckley, Norman Rodway.

FILMOGRAPHIE: Peter Collinson est un réalisateur anglais né le 1 Avril 1936 et décédé le 16 Decembre 1980.
1967: The Penthouse, 1968: Up the Junction, The long day's Dying, 1969: The Italian Job, 1970: You can't win'em all, 1971: Fright, 1972: Straight on till Morning, Innocent Bystanders, 1973: The man Called Noon,
1974: La Chasse sanglante, And then ther were none, 1975: The Spiral staircase, 1976: Target of an assassin, The sell-out, 1978: Tomorrow never comes, 1979: The House on Garibaldi street, 1980: The Earthling.

Dans un studio luxueux, Bruce et sa maîtresse Barbara abritent leurs amours clandestines. Surviennent deux faux employés du gaz, Tom et Dick. Bruce est ligoté, Barbara enivrée. La peur s'installe...

LES CHEMINS DE LA LIBERTE (The Way Back)

de Peter Weir. 2010. U.S.A. 2H15. Avec Jim Sturgess, Ed Harris, Saoirse Ronan, Colin Farell, Mark Strong, Gustaf Skarsgard, Alexandru Potocean, Sebastian Urzendowsky.

Sortie en salles en France le 26 Janvier 2011.

FILMOGRAPHIE: Peter Weir est un réalisateur australier né à Sydney en Autralie le 21 Aout 1944.
1974: Les Voitures qui ont mangé Paris. 1975: Pique-nique à Hanging Rock, 1977: La Dernière Vague, 1981: Gallipoli, 1982: l'Année de tous les dangers, 1985: Witness, 1986: Mosquito Coast, 1989: Le Cercle des poètes disparus, 1990: Green Card, 1993: Etat Second, 1998: The Truman Show, 2003: Master and commander, 2011: Les Chemins de la Liberté.

                          

Sept ans après Master and commander, grand spectacle maritime qui décrivait le combat acharné, en 1805, d'un navire de la Royale Navy contre l'Acheron, frégate de corsaires français subordonnés à l'armée napoléonienne, Peter Weir nous retrace avec les Chemins de la liberté l'odyssée véridique d'une poignée de prisonniers échappés d'un goulag en Sibérie.
Le film est tiré du roman de Slavomir Rawicz, "The Long Walk : The True Story of a Trek to Freedom"

En 1940, un groupe de prisonniers de guerre décide de s'échapper d'un camp de travail en Sibérie. Dans des conditions précaires épouvantables et une fatigue constante confinant à l'épuisement mortel, ils vont devoir marcher pendant plus de 6500 kms à travers l'URSS, la Mongolie, le Tibet et l'Inde occupée par les anglais. Seuls, trois prisonniers auront la chance d'accéder à destination.

                          

Avec un souci de réalisme brut et rugueux et l'intensité d'un sens épique rappelant les grandes épopées lyriques du cinéma vintage, Peter Weir s'accapare d'un récit véridique implacable ayant eu lieu durant la seconde guerre mondiale. Il dépeint avec la fébrilité d'une émotion bouleversante l'impensable périple d'un groupe de prisonniers de nationalités diverses délibérés à retrouver leur liberté en fuyant le régime stalinien.
Pour cela, ils devront traverser quatre pays occupés par un communisme totalitaire et affronter dans une forme physique davantage amoindrie le froid glacial de Sibérie, la chaleur suffocante du désert de Mongolie, reconquérir les neiges du Tibet pour enfin trouver refuge et sérénité dans le pays de l'Inde toléré par les anglais.

De prime abord, le réalisateur nous oppose dans sa première partie à l'impitoyable condition de vie inhumaine des prisonniers polonais et d'autres horizons. Travaux forcés en extérieur, en plein froid glacial sous les tempêtes de neige rigoureuses ou dans le refuge caverneux des souterrains d'une mine irrespirable. Alors que leur règle d'hygiène déplorables entraînant les maladies infectieuses, les rations alimentaires réduites au strict minimum et les règlements de compte entre travailleurs faméliques vont amoindrir chaque jour leur frêle chance de survie.
Ce préambule impressionnant de vérité sordide dans une mise en scène entièrement allouée à l'humanité désespérée de ces personnages nous entraîne déjà dans la moiteur d'un enfer glauque où l'on perçoit de manière viscérale l'odeur de la déchéance putride et leur douleur morale fustigée.

                          

La suite nous embarque dans une escapade inlassable auquel un groupe d'hommes audacieux ont décidé de s'échapper de leur bagne pour retrouver la liberté. Ils vont devoir communément s'aventurer à travers l'immensité des forêts sauvages déployant des collines à perte de vue, les déserts arides et desséchés, inertes de présence humaine, et les rangées de montagnes élevées à une altitude dantesque.
Durant leur cheminement ardent, ils vont rencontrer la seule jeune femme polonaise échappée d'un camp adverse pour finalement accepter sa venue aléatoire et parcourir des milliers de kilomètres de marche à pied.
Avec une rare puissance dramatique, cette seconde partie introspective, saisissante d'authenticité dans l'illustration décharnée de la condition physique et morale de nos protagonistes, le réalisateur nous retransmet avec force et réalisme abrupt une leçon de survie qui dépasse l'entendement ! Durant la majorité de leur trajet mortifère, nous sommes témoins à contempler la terrible quête d'emprise de liberté d'hommes affamés, assoiffés, épuisés par le froid, la faim, la maladie, la sécheresse et une fatigue davantage éreintante. Peter Weir apporte un soin sensitif à ausculter cette lente agonie humaine désespérément esseulée face à l'hostilité de la nature environnante, affrontant les pires situations extrêmes avec un courage surhumain suspectant un suicide collectif.

Il faut respectueusement saluer la prestance des comédiens chevronnés, littéralement habités par leur rôle !Que ce soit Collin Farel dans un second rôle putassier de salaud pernicieux, Ed Harris en sexagénaire mature ne se fiant qu'à sa rudesse d'esprit et Jim Sturgess en leader impromptu, loyal et valeureux, déterminé à retrouver sa femme pour lui pardonner une ignoble trahison.
Enfin, je ne manquerai pas d'évoquer la bouleversante interprétation de Saoirse Ronan (The Lovely Bone) dans celle d'une jeune polonaise aussi inflexible que fragile à vouloir se mesurer contre ses coéquipiers. Sa nécessité inhérente à prouver à la gente masculine son courage improbable de dépasser ses capacités physiques et psychologiques jusqu'à un inéquitable point de non retour.

                        

Tournés dans les magnifiques régions de Bulgarie, d'Inde, du Maroc et de l'Australie déployant leur trésor de magnificence naturelle pour leurs paysages solennels, Les Chemins de la liberté est un humble témoignage de ce que l'être humain est capable de surpasser pour tenter de retrouver sa dignité et sa liberté immolée. Véritable hymne au dépassement de soi, hommage à la solidarité de l'amitié et à ceux qui auront survécu, cette histoire vraie terriblement cruelle est une expérience humaine viscérale, un récit initiatique bouleversant sublimant l'instinct de courage au gré de l'autonomie. Inoubliable, à l'image prégnante de ces retrouvailles inespérées pour un final exutoire dont on ne sortira pas indemne.

19.04.11
Bruno Matéï.

Le Secret de Terabithia / Bridge to Terabithia

                                                 

de Gabor Csupo. 2007. U.S.A. 1h35. Avec Josh Hutcherson, AnnaSophia Robb, Zooey Deschanel, Robert Patrick, Bailee Madison, Katrina Cerio, Devon Wood, Emma Fenton, Grace Brannigan, Latham Gaines.

Sortie en salles en France le 28 Mars 2007.

FILMOGRAPHIE: Gábor Csupó est un producteur, scénariste et réalisateur américain né en 1952 à Budapest (Hongrie). 1980: Dance. 2007: Le Secret de Terabithia. 2008: Le Secret de Moonacre

Vendu comme un sous Narnia, ce second film d'un réalisateur d'origine hongrois, adapté d'un roman de Katherine Paterson (auteur de littérature pour la jeunesse américaine) avait de quoi feindre son public avec son affiche infantile plus proche d'un film d'animation niais réalisé en image de synthèse que d'un métrage factuel incarné par des acteurs de chair et d'os. Or, sous ses aspects ludiques de conte de fée mâtiné d'aventures fantastiques s'y dévoile un récit d'apprentissage plutôt ardu sur la notion de deuil chez l'enfant confronté à l'iniquité; mais encore sur les émois amoureux et cette quête d'évasion, exutoire à notre société d'intolérance. 

Le Pitch: Un jeune ado se lie d'amitié avec une camarade, nouvelle élève de son collège. Après les cours, ils se réfugient dans la forêt à proximité de leur foyer pour retrouver un univers qu'ils se sont accordés de fantasmer afin d'échapper à leur quotidien trivial: le monde de Térabithia.

                                      

Avec simplicité et émotion tempérée auprès de deux comédiens juvéniles habilement dirigés dans leur expression naturelle infaillible, Le secret de Terabithia attise immédiatement sympathie et charme (naïf) dans sa façon d'illustrer le cap de l'enfance impartie à la pureté de l'innocence. Le réalisateur nous dépeignant sans complaisance aucune le portrait fragile d'un couple d'enfants épris d'amitié et d'affection au gré de leurs aventures fantasques. Des instants épanouis d'existence ludique, entre apprentissage scolaire, conflits parentaux et quête intrinsèque d'un irrépressible besoin d'évasion. Ce désir moral d'évacuer la prémices d'une existence anxiogène constituant un refuge salvateur auprès de leur équilibre moral. Ainsi, cette ballade romantique entre deux enfants fragiles nous rappelle un peu la tendresse humaine de Stand by me pour le rapport nostalgique conféré à cette époque magique et pour la poésie enchanteresse d'une Histoire sans fin lors cette féerie utopiste jamais surchargée d'FX ostentatoires. La bonne idée du réalisateur est également de nous dévoiler dès le départ que tout ce que nous voyons et contemplons n'est que la métaphore du pouvoir créatif envers la conscience des enfants, avides d'émotions échevelées et de quête d'imaginaire à travers leurs yeux éblouis par la nature solaire. Pour se faire, ceux-ci vont s'inventer un monde fantasque fondé sur la Fantasy. En cela, c'est l'autosuggestion qui leur permettra de créer et d'y matérialiser le monde de Terabithia.

                                        

AVERTISSEMENT ! AVANT DE LIRE CE QUI VA SUIVRE, IL EST PRÉFÉRABLE D'AVOIR VU LE FILM.

Mais cette fantaisie gentiment débridée aurait pu percer sur sa lancée ludique vécue avec émotion par nos héros inséparables si un évènement tragique ne les avaient brutalement opprimé ! Ainsi donc, cette déchirante dernière partie d'une brutalité inouïe par son cinglabnt effet de surprise va donc rappeler à l'ordre de l'innocence que la réalité de notre existence est subordonnée à l'injustice de la mort auprès d'une destinée parfois inéquitable. D'apparence ludique, si distrayant et très attachant sous l'impulsion d'enfants aussi imaginatifs que réfléchis (une fois n'est pas coutume), Gabor Csupo poursuit sa thématique avec gravité et réalisme pour tenter de répondre au sens d'une vie sacrifiée de plein fouet. Doté d'un charisme prégnant et pétillante de charme docile, la jeune Anna Sophia Robb insuffle la spontanéité dans sa stature insouciante d'enfant dégourdie. Une baroudeuse indépendante déployant une imagination foisonnante pour la verve de ces récits enchanteurs émaillés de personnages excentriques. Son compagnon Josh Hutcherson lui partage la vedette dans un jeu introverti d'enfant timoré découvrant pour la première fois l'émoi des sentiments avant de se laisser gagner par le chagrin tragique. Féru de tendresse pour sa charmante compagne, il émeut puis bouleverse de par sa sincérité dépouillée (jamais sirupeuse) à finalement cheminer une voie initiatique af'in d'accepter avec courage et humilité (notamment auprès de ses rapports plus conciliants avec sa soeur cadette) la mort de l'être cher.

                                     

Ferme les yeux et garde ton esprit bien ouvert
Vendu comme un film familial d'aventures fantastiques truffées de péripéties épiques et endiablées, Le Secret de Terabithia se décline pourtant en douloureuse chronique infantile à travers sa brusque rupture de ton, sa radicalité si extrême à confronter l'expérience brutale du deuil auprès de l'innocence. Le réalisateur déclarant sans ambages un hymne à l'amitié et à l'amour, au pouvoir créatif de l'imaginaire, à l'initiation des aléas de la vie et enfin à l'acceptation de la perte d'un être cher avec un réalisme aussi séduisant que perturbant. Déchirant conte dédié à la magie de l'enfance, à l'autosuggestion et à la dure fatalité de la souffrance morale que tout un chacun traverse au cours de l'existence, le Secret de Terabithia vous laissera une marque indélébile dans l'encéphale à travers ses deux visages érudits frappés par le lyrisme des sentiments.

P.S: Avertissement aux enfants de moins de - de 8/10 ans, certain(e)s pourraient être profondément choqué(e)s et perturbé(e)s par la noirceur (brut de décoffrage) du thème survenant aux 20 ultimes minutes du récit.

Dédicace à Luke Mars, Pascal Clabaut et Sandrine Villemard.

* Bruno
01.01.25. Vost

18.04.11.

                                       

LE SOUS-SOL DE LA PEUR (The People under the stairs). Prix Spécial du Jury à Avoriaz 1992.

de Wes Craven. 1991. U.S.A. 1h42. Avec Brandon Adams, Everett McGill, Wendy Robie, A.J. Langer, Ving Rhames, Sean Whalen.

Sortie France: 15 Janvier 1992, U.S.A: 01 Novembre 1991.

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio.
1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

                                      

Deux ans après Schocker (serial-killer aux 3000 volts svp !), Wes Craven repasse derrière la caméra pour livrer l'un de ses films les plus cartoonesques où des enfants molestés se fondent dans la peau de héros. Un conte macabre, cynique et drôlement sardonique dépeignant le vampirisme de la bourgeoisie au profit des exclus de l'immigration. Dans un quartier défavorisé, un couple de psychopathes, kidnappeurs d'enfants, règnent en maître sur la population depuis des décennies en louant des immeubles à prix exorbitant. Deux délinquants à la petite semaine accompagnés d'un enfant, dont la mère atteinte d'une tumeur ne peut plus subvenir à ses besoins, vont tenter de cambrioler la demeure des tortionnaires.

                                       

Féroce satire sociale, le Sous-sol de la peur est une série B d'autant plus déroutante qu'elle est dirigée par deux enfants de moins de 12 ans retenus prisonniers par un couple de tortionnaires aux penchants pédophiles ! La narration diablement troussée empreinte de prime abord la voie du conte de fée, façon Hansel et Cretel remis au goût du jour dans un contexte urbain d'une société raciste. La forêt se substituant en métropole, la chaumière en vaste pavillon rempli de pièges et la sorcière symbolisant la caricature perfide de propriétaires cupides. Un frère et une soeur xénophobes très portés sur le confort et le contrôle sécuritaire se sont ici concertés pour asservir la vie de défavorisés en emprisonnant quelques enfants dans leur cave.

                                         

C'est à la suite d'un cambriolage ayant mal tourné qu'un adolescent va se retrouver embrigadé dans leur demeure. Rapidement, il va établir la rencontre d'un jeune adulte mutique réduit à l'état sauvage, car caché dans les cloisons murales. Mais surtout il va se lier d'amitié avec une fillette embrigadée depuis sa naissance, et donc déconnectée de ses repères. Tandis que dans la cave sont entassés depuis longtemps des quidams dépravés livrés à eux mêmes, contraints de pratiquer l'anthropophagie pour subvenir à leur survie. Durant ce périple de l'enfer impliqué dans un dédale de pièces secrètes, les deux enfants vont tenter de s'échapper par toutes les issues possibles de chaque cloison de la demeure alors que les propriétaires affublés d'un rottweiler vont se lancer à leur trousse pour les appréhender.
Dans le rôle du frère pédophile adepte de la chasse à l'homme et du SM (panoplie de Batman à l'appui !), Everett McGill s'avère savoureux de maladresse et de cynisme sarcastique. Au physique détestable de mégère renfrognée, Wendy Robie lui partage la vedette avec sadisme de cruauté et d'humiliation pour sa fonction impérieuse particulièrement imbue.

                                     

Mené à un rythme effréné dans son lot de péripéties horrifiques et de situations pittoresques, Le sous-sol de la peur adopte la démarche d'une satire sociale aussi acide que acerbe par son climat malsain où l'innocence infantile s'avère le pivot héroïques. Cette farce corrosive s'octroie également d'ironiser sur l'instinct pervers d'une bourgeoisie sournoise vautrée dans la richesse de son confort et des biens matériels. 

Récompenses: Prix Spécial du Jury à Avoriaz en 1992.
Pegasus Audience Award au festival du film fantastique de Bruxelles en 1992.

15.04.11. 3.
Bruno Matéï.