28 Jours plus tard / 28 Days later

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site listal.com

de Danny Boyle. 2002. Angleterre. 1h53. Avec Cillian Murphy, Naomie Harris, Megan Burns, Brendan Gleeson, Christopher Eccleston, Alex Palmer, Bindu De Stoppani, Jukka Hiltunen, David Schneider.

Sortie salles France: 28 Mai 2003. U.S: 27 Juin 2003

FILMOGRAPHIE: Danny Boyle est un réalisateur Britannique, né le 20 Octobre 1946 à Manchester. 1994: Petits Meurtres entre amis. 1996: Trainspotting. 1997: Une Vie moins Ordinaire. 2000: La Plage. 2002: 28 Jours plus tard. 2004: Millions. 2007: Sunshine. 2008: Slumdog Millionaire. 2010: 127 Hours. 2013: Trance. 2015: Steve Jobs.

"Rage et solitude : 28 Jours plus tard".

Précurseur du film d’infectés moderne (si l’on met de côté le pizzaiolo Avion de l’Apocalypse !), renouveau d’une vague de zombies sous amphétamines, 28 Jours plus tard inaugure une trilogie post-apo. Si son influence remonte à Romero, Danny Boyle se révèle assez habile, inspiré, tatillon et intègre pour livrer une terrifiante descente aux enfers, où la dignité humaine vacille. 

Le pitch : une association pour la cause animale force l’entrée d’un laboratoire pour libérer des chimpanzés voués à la vivisection. Contaminé par la rage, le premier singe libéré lacère le cou d’un sauveteur. Vingt-huit jours plus tard, la quasi-totalité des humains est balayée par ce virus du sang, poussant les infectés à s’entretuer dans une frénésie incontrôlable. Jim, rescapé d’un coma, croise quelques survivants pour affronter ensemble cette menace carnassière.

À partir de cet argument usé - une poignée de survivants cherchant refuge dans un monde dévasté - Boyle dénonce dès son prologue l’embrasement religieux et la folie guerrière de l’homme. Par le truchement d’images d’archives télévisées, le malaise s’installe : il met à nu la barbarie de civils livrés à l’anarchie. Catastrophique miroir tendu à la violence urbaine galopante, avant qu’un primate contaminé n’entraîne l’humanité dans une furie aveugle. La photo, rugueuse, trouble, désaturée, exploitée en caméra DV pour accentuer la facture documentaire, dépayse le spectateur, immergé dans une solitude splendide : un pays vidé de sa chair. Ce climat post-apo, soigneusement authentique, distille une décrépitude implacable : rares survivants cloîtrés dans des appartements abandonnés, cadavres empilés sous la traque de hordes agressives flairant la moindre proie. C’est Jim, ex-blessé à peine tiré de son hôpital déserté, qui croise un père et sa fille, puis une femme farouche. Ensemble, ils s’aventurent vers l’inconnu, quête de havre fragile au milieu des ruines.

Avec pudeur, Boyle imprègne ses personnages d’une humanité palpable, désespérément vivante au cœur du chaos. Pour amplifier cette insécurité rampante, certaines attaques fulgurantes déchirent l’écran, frénétiques, d’une vigueur tétanisante. La mise en scène, personnelle, entretient cette peur viscérale et cet isolement oppressant qui pèsent sur les épaules des héros - jusqu’à ce qu’un escadron de militaires extrémistes les prenne en otage après un accueil trompeur. En crescendo, la mise en scène jusque-là dépouillée bascule dans l’action et l’horreur, avec des scènes éprouvantes. En prime, la partition magistrale - Boyle, Godspeed You! Black Emperor, John Murphy - scande une ambiance mortuaire, tandis que les héros affrontent la dictature militaire et les infectés tapis dans l’ombre du château. Le scénario, d’une efficacité implacable, joue sur la peur, le doute, la mort toujours imminente, forgeant une empathie précieuse pour ces êtres ballottés dans un no man’s land précaire. Jusqu’à ce point d’orgue où la folie primitive des militaires dévoile un machisme obscène, humiliant la femme par le viol et la domination.

"28 Jours pour dévorer le monde: Une ambiance pestilentielle à couper au rasoir." 

Si 28 Jours plus tard surclasse sans peine tous ses ersatz à venir, c’est autant par la densité humaine de ses figures que par son atmosphère de désolation qui cloue le spectateur au siège. Cette compassion désenchantée, infusée dans une élégie urbaine et naturelle, soutient une exode étrangement muette. Réaliste, âpre, tendu, désespéré, viscéralement humain, dépressif et parfois poétique (la traversée des chevaux !), cet incontournable du genre imprime un souvenir sensoriel, magnétique, comme hérité du documentaire. Ni plus ni moins qu’un classique.

*Bruno

16.10.23. 3èx

31.07.12. 

La chronique de 28 Semaines plus tard: http://brunomatei.blogspot.fr/…/28-semaine-plus-tard-28-wee…

Info Erratum ! http://www.erreursdefilms.com/sf/voir-toutes-les-erreurs-28-jours-plus-tard-28JP.html

Récompenses: Prix du meilleur film britannique lors des Empire Awards en 2003.
Prix de la meilleure photographie lors des Prix du cinéma européen en 2003.
Prix du meilleur réalisateur lors du festival Fantasporto en 2003.
Prix du meilleur film étranger lors du Festival international du film fantastique de Neuchâtel en 2003.
Saturn Award du meilleur film d'horreur en 2004.

THE DARK KNIGHT RISES

de Christopher Nolan. 2012. U.S.A./Angleterre. 2h45. Avec Christian Bale, Liam Neeson, Joseph Gordon-Levitt, Anne Hattaway, Gary Oldman, Morgan Freeman, Marion Cotillard, Michael Caine, Juno Temple.

Sortie salles France: 25 Juillet 2012. U.S: 20 Juillet 2012

FILMOGRAPHIE: Christopher Nolan est un réalisateur, scénariste et producteur anglais, né le 30 Juillet 1970 à Londres en Angleterre.
1998: Following. 2000: Memento. 2002: Insomnia. 2005: Batman Begins. 2006: Le Prestige. 2008: The Dark Knight. 2010: Inception. 2012: The Dark Knight Rises.

Huit ans après les tragiques évènements qui vont valu la défaite du Joker, d'Harvey dent et de Batman, Bruce Wayne reste reclus dans sa demeure, épargné de la foule et des médias. Mais une cambrioleuse circonspecte et un terroriste du nom de Bane vont contraindre le justicier masqué à renflouer sa panoplie pour combattre le crime et l'injustice.

Suite et fin de la trilogie du Chevalier noir entamé en 2005, The Dark Knight Rises conclu de manière toujours aussi ambitieuse la destinée du héros névrotique issu des planches de Comic books. Cette fois, Christopher Nolan aborde le thème du terrorisme de grande ampleur dans un état en crise où les nantis véreux ont davantage le monopole de la mégalomanie. Tristement actuel donc pour mettre en exergue l'impuissance des pauvres, des exclus et des marginaux, subordonnés au côté obscur du terroriste Bane, délibéré à faire exploser un engin nucléaire en plein centre urbain. Sombre et fascinant dans la densité d'un scénario catastrophiste aux enjeux démesurés, le troisième chapitre de Batman est une quête initiatique sur le sens de la bravoure et du sacrifice en transcendant ses peurs par la rage de vaincre. L'impact du film est indubitablement imparti à ces protagonistes meurtris, que ce soit Bruce Wayne réduit à l'état d'esclave dans la cavité d'une prison séculaire; mais obnubilé à remonter à la surface pour combattre un nouvel antagoniste redoutable. Bane, dangereux terroriste au passé trouble et galvaudé est uniquement voué à annihiler la terre entière par dépit revanchard. Entre nos deux rivaux pugnaces, Selina Kayle, cleptomane de renom s'accapare des fortunes de riches industriels pour tenir lieu de sa rancoeur inhérente. Il y a aussi John Blake, un policier orphelin particulièrement empathique pour daigner convaincre Batman de rempiler la panoplie afin que l'injustice soit à nouveau combattue pour redresser une cité en chute libre. Spoiler ! Pour clore ses profils torturés mais téméraires et afin de ne pas spoïler, j'occulterai le nom d'un personnage clef plutôt discret (voir, faussement effacé !) auquel son point d'orgue révélateur lèvera le voile sur sa véritable identité dans un coup de théâtre percutant ! Fin du Spoiler. 

Réalisé de main de maître avec une virtuosité à couper le souffle pour exacerber un suspense oppressant, The Darl Knight Rises n'oublie pas pour autant de nous façonner dans sa dernière heure  un immense spectacle au souffle épique disproportionné. Les séquences d'actions, de poursuites en véhicules ou de guérilla urbaine impressionnent par leur acuité spectaculaire d'une débandade civile livrée à l'anarchie. Alors que sa dramaturgie émotive empreinte de lyrisme parachève une course éreintante contre la mort que Batman et ses comparses vont devoir endurer pour contrecarrer un psychopathe contestataire.

Et afin de symboliser une nouvelle icône du mal, Tom Hardy se révèle parfaitement approprié dans sa nouvelle stature corpulente (15 kilos d'embonpoint entrepris rien que pour sa prestance corporelle !) afin de crédibiliser un terroriste au visage martelé d'un masque d'acier. Son timbre de voix élevé et profond exprime d'une manière théâtrale ses ambitions nihilistes à un peuple assujetti sans faire preuve d'une once d'indulgence. Son passé trouble et torturé est d'autant plus partial que sa vengeance planifiée l'a définitivement assouvie aux racines du mal. Dans celui du chevalier noir, Christian Bale endosse une ultime fois un héros malmené après avoir retrousser sa panoplie, cette fois-ci exilé au fond d'un gouffre carcéral. Mais sa vaillance pugnace de réfréner ses peurs par la rage de vaincre l'illégalité nous confine vers l'endurance d'une confrontation physique afin de corriger le mécréant Bane !

Réflexion sur la défaillance d'une politique affabulatrice, tutrice de la crise économique, introspection du dépassement de soi et du sens du sacrifice, The Dark Knight Rises achève de manière olympienne une trilogie fondée sur la notion d'héroïsme et la responsabilité de l'engagement. Ses protagonistes meurtris opposés à leur raison et aux sentiments nous bouleversent finalement dans leur propre affliction galvaudée par la colère ou la haine punitive. La partition musicale puissamment orchestrée par Hans Zimmer scande le rythme d'une épopée homérique à l'intensité dramatique en apothéose. Cet embrasement d'apocalypse élève pourtant le mythe du héros "sans pouvoir" à sa valeur humaine par le sens de l'offrande. Là où les surhommes ou demi-dieu se lèguent à la mort, à l'exception des légendes vouées à perdurer pour ne jamais s'éteindre... 

La critique de mon ami Gilles Rolland: http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-the-dark-knight-rises
01.08.12

Bruno Matéï

House. Prix de la Critique Avoriaz. Grand Prix au Rex, 1986.

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinemovies.fr

de Steve Miner. 1986. U.S.A. 1h32. Avec William Katt, George Wendt, Richard Moll, Kay Lenz, Mary Stavin, Michael Ensign, Erik Silver, Mark Silver, Susan French, Alan Autry, Steven Williams.

Sortie salles France: 4 Juin 1986. U.S: 28 Février 1986

FILMOGRAPHIE: Steve Miner est un réalisateur américain, né le 18 Juin 1951 à Westport, dans le Connecticut. 1981: Le Tueur de Vendredi. 1982: Meurtres en 3 dimensions. 1986: House. 1986: Soul Man. 1989: Warlock. 1991: A coeur vaillant rien d'impossible. 1992: Forever Young. 1994: Sherwood's Travels. 1994: My Father ce Héros. 1996: Le Souffre douleur. 1998: Halloween, 20 ans après. 1999: Lake Placid. 2001: The Third Degree (télé-film). 2001: Texas Rangers, la revanche des Justiciers. 2002: Home of the Brave (télé-film). 2006: Scarlett (télé-film). 2007: Day of the Dead.

Récompensé à Avoriaz et au Rex après avoir remporté un joli succès en salles, House surfe sur le démoniaque Evil-dead depuis une nouvelle tendance d'horreur cartoonesque. Conçu à l'instar d'un train fantôme émaillé de chausse-trappe et revirements délirants, cette série B typiquement ludique s'approprie du thème de la demeure hantée en transcendant ses conventions auprès d'une dérision sarcastique assez finaude.  Après la disparition inexpliquée de son fils Jimmy qui aboutira au divorce de sa femme, et après la mort de sa tante, le célèbre écrivain Roger Cobb s'installe dans la demeure de la défunte pour écrire son dernier roman. Mais des phénomènes surnaturelles vont se manifester prouvant notamment que son fils est bel et bien toujours vivant, retenu prisonnier dans une dimension inconnue. Loufoque et débridé avec une générosité permanente, House constitue le divertissement idéal du samedi soir bâti sur un scénario inventif alléguant un déploiement de monstres ricaneurs en tous genres. Avec comme point de départ l'argument horrifique d'une demeure hantée occultant une disparition inexpliquée, Steve Miner dynamite les traditionnels clichés lors d'une succession de gags euphorisants.

La caractérisation des personnages excentriques étant exploitée à bon escient auprès de leur complicité amicale sournoise. Ainsi, notre vénérable romancier se retrouve épié par un voisin de palier investigateur et pleutre, quand bien même une bimbo désinvolte usera un peu plus tard de son charme pour lui soumettre la garde de son rejeton. Les vicissitudes improvisées qui en émanent, telle l'investigation des flics dans la maison de Roger, la visite surprise de son ex épouse ou encore la main baladeuse agrippée au dos du bambin, sont habilement acheminées avec une efficacité roublarde. La comédie horrifique aurait également pu se prénommer Monster in the Closet tant la maison recèle de pièces secrètes et sombres placards investis par des hordes d'esprits farceurs ! L'esprit cartoonesque ambiant (d'autant plus que la maison gothique ressemble en quelque sorte à un jouet grandeur nature), la fantaisie naïve que nos protagonistes nous expriment en toute spontanéité rendent l'aventure diablement réjouissante par son esprit déjanté. Epaulé d'effets spéciaux artisanaux, tant pour la confection singulière des monstres en latex que de l'environnement surnaturel d'une maison au seuil d'une 4è dimension (le saut dans le vide précipité par Roger de sa salle de bain abouti au repère hostile d'une jungle vietnamienne !), House dépayse, détonne et surprend avec une inventivité décomplexée.

Bougrement sympathique, atmosphérique et donc dépaysant, House festoie autour d'une horreur cartoonesque, de par son script dingo et ces comédiens avenants à la bonne humeur expansive. Quant à la contribution musicale de l'éminent Harry Manfredini, il y transfigure une cadence entêtante afin de renforcer l'intensité toujours plus barrée d'un train fantôme envahit d'itinérants récalcitrants.

*Bruno Matéï
26.07.12. 

31.05.22. 6èx

Récompenses: Prix de la Critique à Avoriaz, 1986
Grand Prix au Rex de Paris, 1986

CARNAGE (Prime Cut)

Photo empruntée sur Google, appartenant au site esbilla.wordpress.com

de Michael Ritchie. 1972. U.S.A. 1h27. Avec Lee Marvin, Gene Hackman, Angel Tompkins, Gregory Walcott, Sissy Spacek, Janit Baldwin, William Morey, Clint Ellison, Howard Platt, Les Lannom, Eddie Egan.

Sortie salles U.S: 28 Juin 1972

FILMOGRAPHIE: Michael Ritchie est un réalisateur américain, né le 28 Novembre 1938 à Waukesha, dans le Wisconsin, décédé le 16 Avril 2001 à New-York.

1967: La Course à la Vérité (télé-film). 1969: La Descente Infernale. 1972: Carnage. 1972: Votez Mc Kay. 1975: Smile. 1976: La Chouette Equipe. 1977: Les Faux Durs. 1979: An Almost Perfect Affair. 1980: l'île Sanglante. 1980: Divine Madness ! 1981: Student Bodies. 1983: The Survivors. 1985: Fletch aux Trousses. 1986: Femme de Choc. 1986: Golden Child. 1988: Parle à mon psy, ma tête est malade. 1989: Autant en emporte Fletch. 1989: La Nuit du Défi. 1993: Complot meurtrier contre une pom-pom girl (télé-film). 1994: Les Robberson enquêtent. 1994: La Révélation. 1997: Comfort Texas (télé-film). 1997: La Guerre des Fées. 2000: The Fantasticks.

Réalisé par un cinéaste éclectique aimable faiseur de séries B, Michael Ritchie élabore en 1971 un de ces premiers métrages et sans doute le plus maîtrisé dans le genre policier, ici violent et parfois tendu. Il est dommageable que cette série B remarquablement troussée et dominée par l'illustre prestance de deux monstres sacrés du cinéma (Lee Marvin et Gene Hackman) soit sombrée malencontreusement dans l'oubli.

Un tueur de la mafia et ses coéquipiers vont tenter de récupérer l'argent fraudé d'un trafiquant de drogue et de prostitution, planqué derrière l'entreprise d'un abattoir bauvin du Kansas. Mary Ann doit en effet à son supérieur de Chicago plus de 500 000 dollars. Les deux hommes vont se provoquer sans intimidation et se confronter à une guerre de clans en pleine campagne rurale. 

A partir d'une trame linéaire éludée de surprises, Michael Ritchie exploite au possible le cadre bucolique de champs de cultivation auquel deux clans mafieux vont devoir s'y planquer pour récupérer un butin d'un demi million de dollars. Avec l'efficience d'une narration lestement structurée dans une mise en scène solide et la présence fébrile de deux mafieux obtus, Carnage est un excellent polar jalonné d'action cinglante et de plages intimistes sur la considération féministe. En effet, Devlin, tueur au grand coeur alarmé par la condition sordide infligée aux jeunes prostituées de Mary Ann, va prendre sous son aile l'une d'entre elles (Sissy Spacek à son tout jeune
âge de beauté candide !) en guise d'acompte. Une façon insolente d'inciter ce dernier à livrer l'argent pour leur prochaine transaction établie au sein d'une foire commerciale bondée de riverains. A ce titre, l'aspect glauque et réaliste d'une séquence clef interpelle les esprits quand une poignée d'esclaves sexuelles sont retrouvées droguées, allongées sur des stands de paille afin d'exposer leur corps dénudé devant une foule de pervers nantis. Bien évidemment, leur rencontre escomptée va aboutir à un sanglant règlement de compte au cours duquel les hommes de main de Mary Ann ne vont pas hésiter à sortir les fusils pour exécuter Devlin et ses complices.

Michael Ritchie exploite habilement son environnement champêtre de champs de mais et de tournesols que nos protagonistes vont devoir traverser pour contrecarrer l'antagoniste. Ces scènes de courses poursuites haletantes et fertiles sont parfaitement coordonnées dans une mise en scène rigoureuse comme cette traque à bout de souffle envisagée à Devlin et sa compagne, tentant désespérément d'échapper aux entrailles d'une moissonneuse batteuse !
Sans instant de répit, et entre deux séquences intimes d'idylle (notamment les retrouvailles de Devlin avec son ancienne maîtresse, se révélant en l'occurrence l'épouse hautaine de Mary Ann !), Carnage est rehaussé par la présence majeure de deux leaders à forte tête, respectivement incarnés par nos briscards Lee Marvin et Gene Hackman. Leur affrontement pugnace émaillé de dérision caustique dans leur verve insolente donne lieu à des séquences percutantes de gunfight, notamment avec l'impact explosif déployé par les fusils à pompe de leurs adjoints !

D'une grande efficacité dans sa narration linéaire et captivant par ses enjeux encourus, Carnage est un petit classique du polar rugueux des années 70. Le cadre insolite de son ambiance rurale et l'humour parfois décalé résultant de certaines situations extravagantes renforcent son aspect anticonformiste d'une oeuvre militante pour la cause animale. Car ici l'homme dépravé et anthropophage s'en distingue par la monstruosité cupide de sa propre mégalomanie.

24.07.12
Bruno Matéï

THE DARK KNIGHT (Batman, The Dark Knight)

                                       

Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinemovies.com

de Christopher Nolan. 2008. U.S.A. 2h32. Avec Christian Bale, Michael Caine, Heath Lodger, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Morgan Freeman, Eric Roberts, Cillian Murphy, Anthony Michael Hall.

Sortie salles France: 13 Août 2008. U.S: 13 Juillet 2008

Récompenses: Oscar 2008 du Meilleur Second Rôle Masculin pour Heath Lodger
Oscar du Meilleur Montage Sonore.

FILMOGRAPHIE: Christopher Nolan est un réalisateur, scénariste et producteur anglais, né le 30 Juillet 1970 à Londres en Angleterre.
1998: Following. 2000: Memento. 2002: Insomnia. 2005: Batman Begins. 2006: Le Prestige. 2008: The Dark Knight. 2010: Inception. 2012: The Dark Knight Rises.

Batman doit combattre un nouvel ennemi délibéré à procréer le Mal sur Gotham City et ainsi mieux asservir le monde. Sévèrement malmené par une population qui ne croit plus en ses capacités bienfaitrices, le chevalier noir va devoir user de bravoure et vaillance pour se mesurer au joker mais aussi se confronter à un ancien procureur rendu fou de vengeance, Double-face !

Succès invétéré auprès de la critique et du public lors de sa sortie, The Dark Knight est une oeuvre nihiliste et désenchantée sur la notion éperdue de héros. Puisqu'ici Batman, plus que jamais dubitatif sur ses fonctions rédemptrices de justicier redresseur de tort est sévèrement compromis par un sociopathe mégalo, mais aussi sa propre démographie humaine réfractaire à son inefficacité altruiste. Une population précaire en quête d'idéologie car incessamment destinée à refondre un nouvel espoir pour leur postérité après la déroute de Batman. Premier film de super-héros pour adulte d'une richesse thématique abstraite dans les introspections torturées de nos protagonistes confrontés à l'anarchie chaotique du Joker, The Dark Knight est un cauchemar urbain asservi par la folie ambiante. Le maître de cérémonie est ici représenté par un clown sournois au visage ricaneur badigeonné de cirage. Sa quête inhérente n'est que provoquer le désordre et la destruction pour pervertir un monde sur le déclin. De manière sardonique, le Joker va imposer à ses rivaux nombre de dilemmes inéquitables sur le sort réservé aux victimes molestées et par la même occasion influencer les gardiens de l'ordre à reconsidérer leur conviction sur la moralité de l'existence. Pour exacerber la débâcle, un ancien procureur rendu fou de haine après le sacrifice toléré à sa défunte se reconverti du côté obscur pour libérer sa vengeance sur les responsables de cet acte malencontreux. Autour de ce trio maudit, un lieutenant de police va lui aussi tenter d'apporter son soutien dans sa ville sinistrée et épauler Batman dans ces épreuves de force consécutives pour contrecarrer ses psychotiques farceurs.

Dans une mise en scène virtuose déployant avec fluidité des séquences d'action homérique ultra spectaculaires, Christopher Nolan dédie néanmoins son oeuvre funèbre à la densité tourmentée de ces personnages égarés dans le sens de l'équité. C'est notamment cette ambiance de déliquescence humaine où la population affolée ne sait plus à qui se vouer pour éradiquer la pègre criminelle que The Dark Knight prend des allures d'opéra dramatique. Au milieu de ce chaos, trois justiciers vont devoir se mesurer et s'entredéchirer pour retrouver un regain d'intérêt à leur notion de survie. 

Si cette traque implacable se révèle si intense, contrariante dans sa déchéance humaine en roue libre et éprouvante dans les enjeux dramatiques impartis, elle le doit notamment à la dimension psychotique du regretté Heath Lodger. En bouffon excentrique odieusement pervers dans ses exactions inlassables, l'acteur endosse son personnage avec une foi autoritaire intarissable ! Le joker déluré crève littéralement l'écran et impose sa prestance avec un charisme machiavélique, sachant que sa destinée est vouée à une certaine victoire tendancieuse ! De son côté obscur d'un psyché névrosé, Christian Bale, dans la peau du chevalier noir, n'aura jamais été aussi malmené et déprécié par son ennemi juré, alors qu'une population égoïste et intransigeante décide de lui tourner le dos pour ses inadvertances humaines. Un homme meurtri et replié, douteux de ces compétences héroïques quand un rival futé finit par accéder à la consécration. Au final, Batman s'occulte dans l'anonymat afin de laisser croire à la démographie de Gotham City que l'espoir continue de perdurer, tant qu'un héros tapi dans l'ombre puisse à nouveau croire en sa commodité. 

D'une densité humaine désespérée et d'une dimension épique étourdissante, The Dark Knight explore des thématiques passionnantes et profondes sur la notion d'héroïsme, l'équité et la vengeance, la perte d'identité et notre ambiguïté existentielle exposée au Bien et au Mal. Baignant dans une ambiance crépusculaire et déployant des effets pyrotechniques en alliance avec son cheminement narratif, ce chef-d'oeuvre obscur est en outre sublimé par la prestance nocive d'un génie du dilemme immoral, un Joker blafard ! Son pouvoir hypnotique de fascination prédomine et ébranle le spectateur embarqué dans une odyssée à bout de souffle, et de lui laisser en mémoire le film de super-héros le plus adulte et opaque jamais réalisé !

20.07.12. 2èx
Bruno Matéï

Apport technique du blu-ray: 10/10

BARTON FINK. Palme d'Or à Cannes, 1991

 

de Joel et Ethan Cohen. 1991. U.S.A. 1h57. Avec John Turturro, John Goodman, Judy Davis, Michael Lerner, John Mahoney, Tony Shalhoub, Jon Polito, Steve Buscemi, David Warrilow, Richard Portnow.

Sortie salles France: 25 Septembre 1991. U.S: 21 Août 1991

Récompenses: Palme d'Or, Prix de la Mise en scène, Prix d'Interprétation Masculine à Cannes, 1991.

FILMOGRAPHIE: Joel (né le 29 Novembre 1954) et Ethan Cohen (né le 21 Septembre 1957) sont des réalisateurs, scénaristes, producteurs et monteurs américains.
1984: Sang pour Sang. 1987: Arizona Junior. 1990: Miller's Crossing. 1991: Barton Fink. 1994: Le Grand Saut. 1996: Fargo. 1998: The Big Lebowski. 2000: O'Brother. 2001: The Barber. 2003: Intolérable Cruauté. 2004: Ladykillers. 2006: Paris, je t'aime. 2007: No Country for old Men. 2007: Chacun son cinéma (sketch: world cinema). 2008: Burnt After Reading. 2009: A serious man. 2010: True Grit. Prochainement: Inside Llewyn Davis.

Etrange, insolite, baroque, dérangeant mais aussi loufoque et décalé ! la Palme d'Or de Cannes 1991 est une oeuvre hybride inclassable noyée dans une ambiance anxiogène, où chaque personnage interlope endosse un rôle cynique pour mieux écorner la posture pernicieuse de l'industrie d'Hollywood.

Un auteur de théâtre en ascension se retrouve plongé dans l'univers d'Hollywood après qu'un producteur nanti lui ait proposé de collaborer au scénario d'un film de catcheur. Blotti dans un hôtel à la chaleur étouffante, Barton se lie d'amitié avec un étrange voisin particulièrement bruyant. Déconnecté de sa propre réalité en chute libre et perdant peu à peu ses repères, le scénariste se retrouve incapable de rédiger la moindre ligne. Jusqu'à ce qu'un contexte meurtrier le ramène à l'inspiration !

Un scénario substantiel qui bouscule les conventions du genre pour mieux ébranler son spectateur, entraîné ici dans un cauchemar kafkaïen ! Tel est la marque de fabrique des frères Cohen ! Permettre à l'outil cinématographique de se renouveler dans un fond novateur où l'argument narratif et les protagonistes sont compromis à nous surprendre au sein de leur sombre entreprise.
Avec ironie caustique, les réalisateurs nous concoctent une descente aux enfers au cours duquel un auteur timoré est contraint d'écrire un scénario de série B. Peu inspiré par ce nouveau projet à valeur mercantile, Barton sombre peu à peu dans une paranoïa diffuse au fil de ses rencontres impromptues avec des personnages autoritaires. Que ce soit l'arrivée soudaine de son voisin de palier bedonnant et désinvolte (dont l'identité réelle va lui permettre de renouer avec la création), son producteur véreux et sournois, deux flics mesquins et orgueilleux ou encore un illustre cinéaste alcoolo et violent. Avec la scénographie baroque d'un hôtel inoccupé où la tapisserie murale suinte l'humidité au contact d'une chaleur feutrée et avec l'amertume d'un écrivain humaniste dévoué corps et âme pour sa passion de l'écriture, le film nous entraîne dans un dédale psychotique. De façon sous-jacente, les frères Cohen nous élabore une douloureuse farce corrosive sur l'univers du cinéma d'exploitation en caricaturant une galerie de protagonistes cyniques et condescendants. A travers l'esprit névrosé de Barton, davantage assujetti à un environnement qu'il ne tolère pas, sa fragilité neurotique va davantage le confronter à un climat oppressant où ses pires démons vont se matérialiser sous l'apparence d'un tueur en série sorti tout droit de l'enfer ! Cette ambivalence d'un scénario désordonné mais clairement planifié nous piège adroitement dans une chimère départagée entre illusion et réalité. En perte de nos repères, les réalisateurs bousculent nos habitudes de spectateur épanoui et nous confrontent à une forme de thriller sarcastique particulièrement insolent.

En jouant sur la peur de l'échec mais aussi le dépassement de soi par l'accumulation de vicissitudes sordides, Barton Fink dérange, déroute, inquiète et implique le rire nerveux. Son aura insolite découlant d'une allégorie sur le libéralisme et la dimension chétive impartie à son héros malmené en quête d'idéologie humaine lui octroient des allures de conte désabusé sur l'aspiration créative.

18.07.12
Bruno Matéï

Let's scare Jessica to Death / The Secret Beneath The Lake

                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site fuckyeahmovieposters.tumblr.com

de John D. Hancock. 1971. U.S.A. 1h29. Avec Zohra Lampert, Barton Heyman, Kevin O'Connor, Gretchen Corbett, Alan Manson, Mariclare Costello.

Sortie salles U.S.A: 7 Août 1971

FILMOGRAPHIE: John D. Hancock est un réalisateur, scénariste et producteur américain , né le 12 Février 1939 au Kansas City, Missouri. 1970: Sticky My Fingers... Fleet my feet. 1971: Let's Scare Jessica to Death. 1973: Le Dernier Match. 1976: Baby Blue Marine. 1979: California Dreaming. 1987: Weeds. 1988: Steal the Sky (télé-film). 2000: A Piece of Eden. 2001: Mayhem.

 

Sorti en VHS outre-Atlantique à l’orée des années 80 mais honteusement inédit chez nous, Let's Scare Jessica to Death demeure un ovni maudit, miné par sa faible réputation : celle d’une expérience aliénante, dépourvue d’effets de manche. Car, à l’instar du tout aussi étrange Carnival of Souls, cette œuvre unique, bien ancrée dans l’authenticité du cinéma des seventies, nous est façonnée par un auteur novateur — spécialiste entre autres de téléfilms et séries TV — littéralement inspiré par son parti-pris alchimique. Il s’agit donc d’une œuvre funeste, à la fois expérimentale, dépressive et sensorielle, portée par une bande sonore assidue et la prestance diaphane de l’étonnante Zohra Lampert (La Fièvre dans le sang, Alphabet City, L’Exorciste 2...).

 

Le pitch : après six mois d’internement psychiatrique, Jessica s’installe dans une bourgade bucolique du Connecticut, accompagnée de son mari et d’un ami. Dans leur nouvelle demeure, ils tombent sur une jeune femme énigmatique : Emilie. Ensemble, ils visitent le village voisin, où les habitants leur rapportent une légende : celle du fantôme d’une dame blanche, noyée dans le lac avant ses noces. Bientôt, Jessica, errant près des eaux, se sent de nouveau contrariée par des phénomènes inexpliqués, tandis que des voix lancinantes envahissent sa psyché tourmentée.

Climat intimiste sous le soleil étrange d’une contrée champêtre, Let's Scare Jessica to Death se vit comme une expédition latente dans l’esprit d’une femme aussi démunie que désorientée face à sa fragilité névrosée. Avec une pudeur sensible et une angoisse de plus en plus ombrageuse, John D. Hancock y dessine le portrait scrupuleux de Jessica, cherchant à retrouver un semblant d’équilibre auprès de son compagnon tout en se fascinant pour les sculptures de pierres tombales. Mais harcelée par une présence peut-être diabolique, assaillie de chuchotements insistants, elle replonge dans un vortex d’angoisses dépressives. Et tandis que son état moral tangue vers une bipolarité diffuse, le récit bascule dans un cauchemar éveillé, où l’on ignore si ses tourments proviennent des agissements d’un spectre railleur ou des résurgences destructrices de sa démence — nourrie de doute, d’incertitude, de peur, et de la crainte lancinante de perdre son amant au profit d’une marginale énigmatique.

D’apparence placide et docile, mais intérieurement broyée par des visions et des voix éthérées, Jessica s’abîme dans une terreur sournoise. Paysans balafrés, inconnue aguicheuse, noyée vengeresse : autant de figures troublantes qui l’assaillent de plus en plus intensément. Grâce à l’utilisation magistrale de décors naturels étrangement envoûtants (euphémisme !) et une ambiance anxiogène tapie sous la surface, amplifiée par une bande-son ciselée — bruits d’insectes, souffles du vent, cris d’animaux —, Let's Scare Jessica to Death nous immerge dans un cauchemar indicible d’une cruauté sourde. Si ce film indépendant se révèle aussi sensoriel qu’hermétique, il le doit en grande partie à la présence équivoque de Zohra Lampert, transie d’émoi, vibrant d’une sensibilité contenue. Actrice méconnue, elle insuffle à Jessica une force d’expression ténue, bouleversante. Son visage hagard s’illumine ou s’affole au gré de visions morbides, comme traversé de pulsions contraires. Soutenu par une partition funèbre, parfois mélancolique au clavecin, le périple disloqué de Jessica nous happe, nous engage émotionnellement dans ses hantises — jusqu’à soupçonner une assaillante vampirique au rôle bicéphale.

 

Cette ambiguïté insoluble, cette étrangeté permanente, provoque en nous une empathie inexorable pour sa précarité mentale en perdition.

 

Hantise ablutophobe

Quintessence du fantastique éthéré, Let's Scare Jessica to Death mérite sa place parmi les plus grandes réussites du genre "intimiste". Avec son final délétère en apothéose — comptez trente minutes de cauchemar cérébral —, le spectateur émerge difficilement de l’introspection d’une victime dépressive, broyée par le fardeau nébuleux d’une injustice intangible. Cette empathie naît aussi de l’aura sensitive du climat feutré, de cette lenteur fascinante qui sublime l’errance existentielle de Jessica, enfermée dans un spleen d’un silence accablant.

Chef-d’œuvre, incontestablement. Une des œuvres atmosphériques les plus ensorcelantes du fantastique. Si bien que Jessica reste ancrée en nous. À jamais.

*Bruno
17.11.24. Vostfr

08.01.20. 
17.02.12. 512 v

48 HEURES (48 Hours). Grand Prix au Festival du film policier de Cognac, 1983.

                                                                            (Photo empruntée sur Google, appartenant au site johnplissken.com)


de Walter Hill. 1982. U.S.A. 1h36. Avec Nick Nolte, Eddie Murphy, Annette O'Toole, Frank McRae, James Remar, David Patrick Kelly, Sonny Landham, Brion James, Kerry Sherman, Jonathan Banks.

Sortie salles France: 27 Avril 1983. U.S: 8 Décembre 1982

Récompense: Grand Prix au Festival du film policier de Cognac, en 1983

FILMOGRAPHIE (source Wikipedia): Walter Hill est un producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 10 janvier 1942 à Long Beach, en Californie (États-Unis).
1975 : Le Bagarreur (Hard Times),1978 : Driver, 1979 : Les Guerriers de la nuit, 1980 : Le Gang des frères James,1981 : Sans retour, 1982 : 48 heures, 1984 : Les Rues de feu,1985 : Comment claquer un million de dollars par jour,1986 : Crossroads, 1987 : Extrême préjudice, 1988 : Double Détente, 1989 : Les Contes de la crypte (1 épisode),1989 : Johnny belle gueule, 1990 : 48 heures de plus,1992 : Les Pilleurs, 1993 : Geronimo,1995 : Wild Bill, 1996 : Dernier Recours,1997 : Perversions of science (série TV),2000 : Supernova, 2002 : Un seul deviendra invincible, 2002 : The Prophecy, 2004 : Deadwood (série TV).

Gros succès à sa sortie et révélation du néophyte Eddie Murphy pour son premier rôle à l'écran, 48 heures est devenu au fil du temps une référence du Buddy Movie, genre prisé au début des années 80. Sous la houlette d'un maître du cinéma musclé et avec la complémentarité de deux comédiens loquaces, ce film policier moderne constitue un jubilatoire concentré d'action et de comédie par son rythme sans faille. Pour retrouver un dangereux criminel et son complice, l'inspecteur Jack Gates négocie une transaction avec Reggie Hammond, un taulard afro condamné à une peine de 3 ans mais prochainement libérable. Durant 48 heures de liberté surveillée, Reggie va devoir collaborer avec son allié pour remonter la piste de ces anciens associés mais aussi mettre la main sur un butin de 500 000 dollars.

Sous le pilier d'une intrigue habilement troussée générant une action échevelée et parmi la posture volcanique de deux partenaires forts en gueule, 48 Heures est un modèle de divertissement grand public. Sans céder à la facilité d'une action redondante, Walter Hill mise surtout sur l'abattage de ces deux protagonistes dans leur personnalité caractérielle. Au fil de leurs vicissitudes semées d'embûches et de déconvenues, le flic et le voleur en perpétuel conflit moral font finalement parvenir à s'apprivoiser, s'accepter et se tolérer afin de débusquer des tueurs sans vergogne lâchés dans les cités nocturnes de New-York. A deux doigts d'appréhender à plusieurs reprises ces criminels, ils n'auront de cesse de manquer leur cible en jouant de malchance ! Un alibi de manière à attiser l'expectative pour la prochaine rixe haletante avivée d'une violence incisive. Parmi la drôlerie de leur complicité braillarde, Walter Hill retarde l'altercation pronostiquée pour laisser libre court à leurs discordes et  provocations fantaisistes (leur rixe improvisée en pleine rue avant qu'une patrouille de police ne les séparent, l'interrogatoire improvisé par Reggie à la clientèle d'un bar de country ou encore sa requête lubrique invoquée à certaines femmes pour satisfaire sa libido). En flic renfrogné à l'impressionnante carrure, Nick Nolte impose une autorité inflexible avant d'accéder à la loyauté d'accorder du crédit à son coéquipier marginal. Secondé par ce taulard aussi loquace que finaud, Eddie Murphy se délecte spontanément à gouailler son partenaire ainsi que les malfrats avec une verve hilarante.

Au rythme de l'inoubliable thème de James Horner, 48 heures divertit en diable grâce à notre irrésistible tandem de durs à cuire à l'ironie percutante et au professionnalisme de son auteur transfigurant une action décapante. En conjuguant avec extravagance l'action et l'humour, 48 Heures peut aisément se qualifier comme modèle du Buddy Movie. 

16.07.12. 4èx
Bruno Matéï

                                          

CROIX DE FER (Cross of Iron)

de Sam Peckinpah. 1977. Angleterre/Allemagne de l'Ouest. 2h13. Avec James Coburn, Maximilian Schell, James Mason, David Warner, Klaus Lowitsch, Vadim Glowna, Roger Fritz, Dieter Schidor, Burkhard Driest, Fred Stillkrauth.

Sortie salles France: 18 Janvier 1978. U.S: 11 Mai 1977

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984.
1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

Ne vous réjouissez pas de sa défaite, vous les hommes. Car même si le monde s'est levé pour arrêter l'ordure, la traînée qui l'a mis au monde est à nouveau en rut. Bertolt Brecht. 

D’après le livre de Willi Heinrich, La Peau des Hommes, Sam Peckinpah retrace avec Croix de Fer l’affrontement entre un capitaine prussien avide de reconnaissance, prêt à tout pour décrocher une croix de fer destinée à flatter son ego, et le caporal Steiner, baroudeur inflexible et loyal, piégé par l’ambition délirante de son rival. Film de guerre explosif, d’une violence sèche et parfois d’une cruauté vénale, Croix de Fer dénonce une fois encore l’absurdité d’un conflit belliqueux à bout de souffle, exposé dans toute sa laideur et son inanité.

Alors que l’armée allemande bat en retraite sur le front russe en 1943, Steiner et sa troupe poursuivent un combat déjà perdu, contraints de survivre entre les lignes ennemies, contournant pièges et subterfuges dans une lente déliquescence morale. Fort de moyens techniques considérables — dont la présence rarissime d’authentiques chars soviétiques T-34 — et d’une distribution prestigieuse (James Coburn, James Mason, David Warner, Maximilian Schell), Peckinpah impose ses ralentis emblématiques : les éclaboussures de sang jaillissent des chairs meurtries, non pour glorifier la bataille, mais pour dénoncer la barbarie humaine d’une guerre mondiale dictée par un leader fasciste. Si ces soldats affrontent l’ennemi avec une bravoure indéniable, l’acharnement et l’épuisement les consument au point de voir leur éthique progressivement avilie par la sauvagerie qu’ils subissent et reproduisent.

Avec un réalisme cinglant, le cinéaste jalonne son récit de séquences chocs, d’autant plus éprouvantes qu’elles s’avèrent foncièrement inéquitables. Le sort tragique réservé au jeune garçon russe, d’abord épargné par les hommes de Steiner avant d’être sacrifié sur l’autel de l’orgueil mégalomane d’un capitaine sans vergogne, en est l’un des exemples les plus glaçants. Mais la séquence la plus pénible et la plus pertinente demeure celle des femmes de l’Armée rouge réfugiées dans une cabane : face au chaos et à la confusion, certaines sont livrées à la pulsion de soldats prêts à violer, avant que ces femmes ne choisissent la rébellion suicidaire pour échapper à la soumission sexuelle. Peckinpah y stigmatise frontalement l’ignominie d’une guerre vidée de toute équité.

Parfois, pour mieux souligner l’absurdité des conflits, le cinéaste recourt à une ironie caustique, comme dans cet épilogue acerbe où Steiner, par dépit et désir de vengeance, déserte pour rejoindre le capitaine Stransky et l’abattre. Plus tôt, une autre séquence tout aussi éloquente tourne en dérision la folie militaire : soigné dans un hôpital de guerre, Steiner oscille entre rêve et réalité avant de se révolter violemment contre ses supérieurs venus jauger les corps mutilés afin de déterminer lesquels peuvent encore être renvoyés au front, faute d’effectifs.

Porté par une distribution d’exception, James Coburn incarne avec une rigueur implacable ce combattant pugnace, lucide et désabusé, contraint de survivre au sein d’une guérilla dissolue et anarchique. Il impose une virilité sèche, teintée d’un cynisme mordant pour railler ses supérieurs, mais aussi un humanisme fébrile lorsqu’il tente de protéger sa brigade condamnée. Face à lui, Maximilian Schell se révèle proprement détestable dans le rôle du capitaine sans vergogne, perfide et obsédé par l’idée de s’approprier une croix de fer comme trophée d’un égo malade.

Violent, cruel, parfois même malsain, Croix de Fer s’impose comme un grand film personnel sur la déroute d’une guerre mondiale vidée de tout héroïsme. Habité par une ambiance profondément désenchantée, renforcée par la densité déshumanisée de protagonistes déchus, Sam Peckinpah livre une œuvre ambitieuse, abrupte et spectaculaire. Un réquisitoire féroce contre les institutions militaires, où la mélancolie s’exacerbe encore à la vue d’authentiques images d’archives nauséeuses défilant au générique de fin. Une manière brutale et lucide de rappeler l’ignominie contagieuse d’une guerre régie par l’aspiration barbare, tandis qu’un rire intempestif se mêle à une frénésie incontrôlée.

— le cinéphile du cœur noir 🖤
12.07.12. 2èx

Schizophrenia /Angst / Fear

de Gérald Kargl. 1983. Autriche. 1h27. Avec Erwin Leder, Silvia Rabenreither, Edith Rosset, Rudolf Götz

Interdit en salles en France. 

FILMOGRAPHIE: Gérald Kargl est un réalisateur autrichien né en 1953 à Villach, Austria.
1980: Sceny narciarskie z Franzem Klammerem (documentaire)
1983: Angst

                                              D'après l'histoire vraie du tueur Werner Kniesek
         

Censuré un peu partout à travers le monde dès sa sortie en 1983, Schizophrenia est une expérience extrême d'autant plus inédite que son origine autrichienne renforce un cachet d'authenticité peu commun. Avec la voix perpétuelle d'un monologue narré par l'interprète principal, ce portrait glaçant d'un serial-killer notoire de l'Allemagne des années 80 y transcende son introspection mentale avec un réalisme diaphane. Accordant un soin esthétique formel à sa photographie clinique et à son ambiance blafarde au bord du marasme, l'unique film de Gérald Kargl est notamment un modèle de virtuosité technique. Plans larges ou aériens contournés à la louma, caméra subjective pour mieux mettre en exergue l'aspect désincarné du tueur en série, le réalisateur sait utiliser sa caméra avec une dextérité aussi inventive que géométrique.

Filmé en temps réel et exploitant à merveille son dédale pavillonnaire, nous suivons les exactions meurtrières d'un détenu relaxé, déjà prêt à perpétrer de nouvelles exactions. Après avoir tenté d'étrangler une chauffeuse de taxi, celui-ci apeuré s'enfuit à travers bois pour trouver refuge dans une vaste demeure bourgeoise. Observant qu'il n'y a personne dans la maison, il décide d'y pénétrer par effraction en brisant la vite d'une fenêtre. En comptant sur l'arrivée de ses propriétaires avec une impatience fébrile, une voix-off hypnotisante (à voir en VF pour une fois car plus immersive !) nous narre de façon récursive ses pensées intimes les plus licencieuses mais également son passé de maltraitance infantile. Une sexagénaire, son fils impotent et sa fille seront les nouvelles proies de ses crimes sordides dénués de mobile. Tuer quelqu'un est très dur, très douloureux et très... très long ! Cette célèbre citation du maître du suspense convient à cette descente aux enfers inflexible auquel notre tueur souhaite faire souffrir ses victimes de façon indolente et avec une véhémence incontrôlée ! Ce parti-pris (sur le vif) de filmer en temps réel, cette verdeur imputée aux meurtres cinglants (dont une mise à mort ultra sanglante !) et l'interprétation innée de notre tueur autrichien rendent Schizophrenia terriblement glauque et incommodant. En prime, le caractère inexpressif et apathique des personnages secondaires va aménager son aura d'étrangeté.

En terme de serial-killer déficient, Erwin Leder incarne son personnage avec une vérité si prégnante qu'il n'a pas à rougir de la comparaison avec Joe Spinell ou encore Michael Rooker. La pâleur de son faciès famélique et l'appréhension de son regard fuyant laissent en mémoire une prestance fébrile tributaire de son esprit déséquilibré. Son seul objectif est d'aborder sans raison n'importe quel quidam signalé au coin d'une rue et de l'assassiner avec un sadisme mâtiné de maladresse. Sa peur panique et son excitation irraisonnée pour la tentative d'homicide exacerbent la personnalité meurtrie d'un adulescent préalablement molesté par une filiation masochiste.

Malsain et hautement dérangeant par son aspect introspectif expérimental, Schizophrenia est une expérience extrême où la folie et le meurtre sont élaborés avec frénésie chez un criminel désaxé. Esthétiquement travaillé et ambitieux de par sa mise en scène personnelle, cette oeuvre scabreuse honteusement occultée et bannie depuis des décennies constitue un sommet de subversion où l'immersion clinique s'avère terriblement déstabilisante. Pour parachever, il faut aussi avouer que l'impact envoûtant du score de Klaus Schulze doit autant à son climat contrariant.
 

P.S: A Privilégier la VF, comme le souligne Gaspar Noé dans les Bonus du Blu-ray. 

*Bruno

25.07.22. 5èx

10.07.12. 

Le Vieux Fusil. César du Meilleur film 1976.

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site muriel.lucot.free.fr

de Robert Enrico. 1975. France. 1h43. Avec Philippe Noiret, Romy Schneider, Jean Bouise, Joachim Hansen, Robert Hoffmann, Karl Michael Vogler, Caroline Bonhomme, Catherine Delaporte, Madeleine Ozeray.

Sortie salles France: 22 Août 1975. U.S: 29 Juin 1976

FILMOGRAPHIE: Robert Enrico est un réalisateur et scénariste français, né le 13 Avril 1931 à Liévin (Pas-de-Calais), décédé le 23 Février 2001 à Paris. 1962: Au coeur de la vie. 1962: La Belle Vie. 1964: Contre point. 1965: Les Grandes Gueules. 1967: Les Aventuriers. 1967: Tante Zita. 1968: Ho ! 1971: Boulevard du Rhum. 1971: Un peu, beaucoup, passionnément. 1972: Les Caïds. 1974: Le Secret. 1975: Le Vieux Fusil. 1976: Un neveu silencieux. 1977: Coup de foudre. 1979: L'Empreinte des Géants. 1983: Au nom de tous les Miens. 1985: Zone Rouge. 1987: De Guerre Lasse. 1989: La Révolution Française (1ère partie: les années lumières). 1991: Vent d'Est. 1999: Fait d'Hiver.

 

"Quand l'amour s'éteint dans la guerre".

Panthéon du cinéma français, célébré par des millions de spectateurs avec une émotion inconsolable, Le Vieux Fusil est un moment de cinéma d’une telle acuité qu’on peine à s’en remettre sitôt le générique tombé. En s’inspirant du massacre d’Oradour-sur-Glane perpétré par les nazis en 1944, Robert Enrico livre, sans anesthésie, un drame éprouvant, haletant, inflexible. Insoutenable. Celui d’un médecin provincial anéanti par l’extermination de sa famille.

Synopsis: Alors qu’il mène une vie paisible avec sa femme Clara et leur fille Florence, Julien Dandieu décide de les mettre à l’abri d’une milice française arrogante en les envoyant au château familial, retiré près d’un village champêtre. Resté à l’hôpital pour soigner ses malades, il finit par les rejoindre, inquiet. Mais sur place, l’horreur : les villageois ont été massacrés, rassemblés dans l’église et abattus sans pitié. Dans son château, Julien découvre le corps calciné de sa femme, et celui, ensanglanté, de sa fille. Ravagé par le chagrin, consumé par la haine, il engage une vengeance expéditive. Un à un, il traque les nazis encore présents sur les lieux du drame.

Entrecoupé de flashbacks où Julien se remémore les instants d’un bonheur révolu, Le Vieux Fusil alterne la tendresse des souvenirs angéliques et l’appréhension d’une traque implacable. Dans un huis clos minéral, confiné dans les souterrains du château, Enrico orchestre la métamorphose d’un homme pacifique en bourreau mu par le deuil. La perte brutale, inassimilable, l’horreur d’un viol collectif et d’une immolation crapuleuse font éclater sa moralité. Ces réminiscences élégiaques deviennent alors les contrepoints d’un effondrement. Aux souvenirs lumineux succède une rancune glaciale, irrespirable. Julien tue. Sans pitié. Sans détour. Et chaque balle tirée est un cri rentré, une larme qui ne coule pas.

Ces émotions antinomiques — l’amour, la haine, le passé, le sang — s’enchevêtrent avec une intensité bouleversante. Et si cette œuvre à vif nous étreint si fort, c’est aussi par la complicité vibrante de ses interprètes.

Dans le rôle du médecin submergé par la haine, Philippe Noiret (César du meilleur acteur) incarne l’évidence du mutisme et de la douleur contenue. Son regard perdu, son corps affaissé, traduisent l’implosion d’un homme englouti par la folie. Quant à Romy Schneider, elle illumine l’écran d’un regard pétri de fraîcheur, de bonté. Elle incarne la joie, la tendresse, le désir silencieux. On en tombe amoureux, comme Julien, happé par sa beauté sans emphase. C’est cette lumière, justement, qui rend sa perte si insupportable. Sa mort, puis celle de sa fille, réveillent en nous une répulsion viscérale. Tout cela sonne vrai. Trop vrai.

"À l’ombre des anges brûlés".

Porté par les interprétations bouleversantes de Noiret et Schneider, sublimé par la partition mélancolique de François de Roubaix, Le Vieux Fusil est un chef-d’œuvre d’émotions hybrides. Une œuvre de contraste : la pudeur romantique d’un amour perdu, la violence primitive d’un justicier consumé. Certaines scènes sont à vif, presque insoutenables (la séquence du lance-flammes, l’acharnement), mais jamais gratuites. Car Enrico, à travers une mise en scène géométrique, fait de l’espace un personnage, un piège, un sanctuaire brisé.

Il reste, de ce film, une fragilité déchirante, une douleur ciselée dans le marbre. Une quiétude fracassée qui nous poursuit longtemps. Ad vitam aeternam.

Romy, je t'aime.

*Bruno

04.07.12. 4èx

Récompenses: César du Meilleur Film, du Meilleur Acteur (Philippe Noiret) et Meilleure Musique (François de Roubaix) en 1976.
César des césars en 1985.