LA CHOSE D'UN AUTRE MONDE (The Thing from another world)

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Christian Nyby et Howard Hawks. 1951. U.S.A. 1h27. Avec Margaret Sheridan, Kenneth Tobey, Robert Cornthwaite, Douglas Spencer, James R. Young, Robert Nichols.

Sortie salles France: 14 Décembre 1951. U.S: 6 Avril 1951 / 29 Avril 1951

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Christian Nyby est un monteur et réalisateur américain, né le 1er Septembre 1913 à Los Angeles (Californie), décédé le 17 Septembre 1993 à Temecula.
1951: La Chose d'un autre Monde. 1957: Hell on Devil's Island. 1962: Elfego Baca: Six gun Law. 1965: Furie sur le Nouveau-Mexique. 1965: Operation C.I.A. 1967: First to fight. 
Howard Hawks est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 30 Mai 1896 à Goshen dans l'Indiana, décédé le 26 Décembre 1977 à Palm Springs en Californie. 1930: La Patrouille de l'aube. 1932: Scarface. 1933: Après nous le déluge. 1936: Brumes. 1936: Les Chemins de la Gloire. 1938: l'Impossible Monsieur Bébé. 1939: Seuls les anges ont des ailes. 1941: Sergent York. 1944: Le Port de l'Angoisse. 1946: Le Grand Sommeil. 1948: La Rivière Rouge. 1951: La Chose d'un autre Monde. 1952: La Captive aux Yeux clairs. 1952: Chéri, je me sens rajeunir. 1953: Les Hommes préfèrent les Blondes. 1955: La Terre des Pharaons. 1959: Rio Bravo. 1962: Hatari. 1966: El Dorado. 1970: Rio Lobo.

Bien avant The Thing de Carpenter, deux réalisateurs s’étaient déjà approprié le roman de John W. Campbell, Who Goes There ?, afin d’innover dans une anticipation alarmiste. Et même si Howard Hawks est officiellement crédité au poste de producteur, il aurait en réalité largement influencé - voire partiellement assuré - la mise en scène confiée à Christian Nyby.

Dans une région polaire de l’Arctique, des chercheurs font la stupéfiante découverte d’un vaisseau spatial échoué sur la banquise. Après l’avoir fait exploser, ils rapatrient à leur base militaire le corps congelé d’un extra-terrestre. Rapidement, la créature s’éveille, s’échappe et sème la terreur au sein du groupe.

Ce qui frappe d’emblée, à la redécouverte de ce classique de la science-fiction mâtinée d’épouvante, c’est la modernité de sa mise en scène rigoureuse, filmée à la manière d’un reportage pris sur le vif. D’illustres cinéastes comme Ridley Scott ou John Carpenter reprendront plus tard cette même recette pour façonner, avec un réalisme glaçant, leur terreur diffuse face à la menace extra-terrestre (Alien et, bien entendu, The Thing).

Doté d’un sens aigu du suspense sous-jacent, La Chose d’un autre monde s’impose comme une redoutable machine anxiogène, privilégiant l’effet de suggestion avec une efficacité remarquable. L’originalité de son récit confiné dans un décor hivernal réfrigérant, conjuguée à l’aspect hybride de sa créature végétale - une sorte de carotte vivante se régénérant grâce au sang humain - confronte le spectateur à une menace inédite, irrémédiablement fascinante.

La dextérité avec laquelle les réalisateurs retardent ses apparitions furtives afin de distiller l’angoisse permet de déployer, par intermittence, des séquences d’agression particulièrement cinglantes. L’affrontement avec la créature piégée dans un incendie demeure ainsi saisissant, lorsque les flammes se propagent à l’intérieur d’un espace clos, mettant brutalement en péril la vie des membres de l’équipe.

La sobriété de jeu des comédiens renforce l’aspect quasi documentaire du film, tandis que l’esprit de cohésion leur permet d’affronter avec courage cette menace singulière. Pour complexifier encore l’enjeu de survie, un scientifique renfrogné choisit de bafouer la hiérarchie afin de préserver l’existence d’une race inconnue.

Irrésistiblement fascinant et profondément inquiétant, La Chose d’un autre monde n’a rien perdu de sa rigueur technique ni de la modernité de sa réalisation, fondée sur un suspense méthodique et implacable. Un modèle du genre, étonnamment pragmatique et toujours stimulant.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

29.01.13. 3èx
Bruno Matéï 

The man from erath / Jerome Bixby's The Man from Earth. Prix du Meilleur Film à Rhode Island, 2007

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site aeriesguard.com

de Richard Schenkman. 2007. U.S.A. 1h27. Avec David Lee Smith, John Billingsley, Ellen Crawford, William Katt, Annika Peterson, Richard Riehle, Alexis Thorpe.

Sortie dvd et blu-ray en France: 5 Juillet 2011. Sortie salles U.S: 13 Novembre 2007

FILMOGRAPHIE: Richard Schenkman est un réalisateur, scénariste et acteur américain, né le 6 Mars 1958 à New-York. 2000: A Diva's Christmas Carol (télé-film). 2006: Muckraker ! (télé-film). 2007: The Man from Earth. 2007: And then came Love

Inédit en salles en France mais disponible en DVD et Blu-ray, The Man from Earth est l’une de ces perles rares, honteusement occultée, pourtant portée par un bouche-à-oreille fulgurant - notamment grâce à son téléchargement illégal massif, approuvé par le réalisateur lui-même.
Récit spéculatif de science-fiction sur les origines de l’univers et de la religion, The Man from Earth prend des allures de cours incandescent d’histoire et de philosophie, transmis par l’entremise d’un divin (affabulateur ?).

Sur le point de quitter ses proches, un professeur leur avoue qu’il est un homme de Cro-Magnon ayant survécu depuis plus de quatorze millénaires. Au fil des discussions enflammées, ses collègues, tour à tour sceptiques et fascinés, commencent à douter de sa santé mentale. L’un d’eux fait appel à un psychologue pour déterminer s’il est sain d’esprit, mythomane ou irrémédiablement dérangé. Et lorsque la conversation embrase la question religieuse, l’homme revendique ni plus ni moins être Jésus lui-même…

Avec des moyens dérisoires et un huis clos presque théâtral, le réalisateur nous convie à un aparté intime, incarné par un oracle venu de nulle part, décidé à livrer sa vérité à ses fidèles amis. Guidé par des échanges passionnés sur le sens de l’existence - en substance : faire le Bien - le film ébranle nos valeurs spirituelles, pointe la dérive du fanatisme et interroge la fatalité de la réincarnation. À travers ce débat chargé de mystère, il met en relief le lien philosophique entre bouddhisme et christianisme, comme si les grandes religions avaient bâti leurs mythes et paraboles pour guider l’humanité vers une sagesse mystique.

En s’emparant de cette idée improbable - un homme de 35 ans survivant depuis 14 000 ans - le film explore le pouvoir de persuasion, l’imagination et cette tension irrésistible entre le désir de croire et la soif de vérité. Étrange, mais captivant, le discours de John nous souffle finalement que l’homme est fait pour apprendre, aimer son prochain et respecter la nature. Que le paradis tant fantasmé se trouve ici, sur Terre, dans la bonté. Et que nous ne sommes peut-être qu’un seul et même être, voués à renaître indéfiniment.

La vie de Jésus.

Science-fiction cérébrale, riche en réflexions sur l’existence, la religion, la vieillesse et la peur de la mort, The Man from Earth est une allégorie agnostique sur l’incarnation et la foi. Avec un minimalisme radical fondé sur l’unité de lieu, Richard Schenkman signe une œuvre universelle, originale et sensible, culminant dans un épilogue poignant - là où l’amour implore que deux amants soient laissés en étreinte…

— le cinéphile du cœur noir

Dédicace à O du Moulin
26.01.13

Récompenses: Premier Prix du Meilleur Film, Grand Prix du Meilleur Scénario au Festival de Rhode Island en Août 2007. 

Le Lac des Morts-vivants / Zombie Lake

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site cult-labs.com

de Julian de Laserna (Jésus Franco) et Jean Rollin. 1981. France/Espagne. 1h29. Avec Howard Vernon, Pierre-Marie Escourrou, Anouchka Lesoeur, Antonio Mayans, Nadine Pascal, Youri Radionow, Burt Altman, Gilda Arancio, Marcia Sharif, Yvonne Dany, Jean-René Bleu.

Sortie salles France: 13 Mai 1981

FILMOGRAPHIE: Jean Rollin (Jean Michel Rollin Roth Le Gentil) est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (Seine), décédé le 15 Décembre 2010. 1958: Les Amours Jaunes. 1961: Ciel de cuivre. 1963: l'Itinéraire marin. 1964: Vivre en Espagne. 1965: Les Pays loin. 1968: Le Viol du Vampire. 1969: La Vampire Nue. 1970: Le Frisson des Vampires. 1971: Requiem pour un vampire. 1973: La Rose de fer. 1973: Jeunes filles impudiques. 1973: Christina chez les morts-vivants (une séquence, non crédité). 1974: Les Démoniaques. 1974: Tout le monde il en a deux. 1975: Lèvres de sang. 1975: Phantasmes. 1976: La Romancière Lubrique. 1976: La comtesse Ixe. 1977: Saute moi dessus. 1977: Hard Penetration. 1977: Vibrations sexuelles. 1977: Positions danoises. 1978: Remplissez moi les trois trous. 1978: Petites pensionnaires impudiques. 1978: Lèvres entrouvertes pour sexes chauds. 1978: Hyperpénétrations. 1978: Les Raisins de la mort. 1978: Discosex. 1979: Fascination. 1979: Gamines en chaleur. 1979: Bouches lascives et pornos. 1979: Pénétrations Vicieuses. 1980: Le Nuit des Traqués. 1981: Fugues mineures. 1981: Le Lac des Morts-vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer). 1982: Rêves de sexes. 1982: La Morte-vivante. 1983: Sodomanie. 1983: Folies anales. 1984: Les Trottoirs de Bangkok. 1985: Ne prends pas les poulets pour des pigeons. 1985: Emmanuelle 6. 1990: La Griffe d'Horus (TV). 1990: A la poursuite de Barbara. 1991: Perdues dans New-York. 1993: Killing Car. 1994: Le Parfum de Mathilde. 1997: Les 2 Orphelines Vampires. 2002: La Fiancée de Dracula. 2007: La Nuit des Horloges. 2010: Le Masque de la Méduse.

Tourné en partie par Jean Rollin (Jesus Franco aurait pris la poudre d'escampette au bout de 2 jours de tournage, le bougre !), Le Lac des Morts-vivants est considéré à juste titre comme l'un des nanars les plus affligeants de l'Hexagone (et de la planète bleue s'exclameront quelques goguenards). Nanti d'un budget de miséricorde, d'acteurs amateuristes (même Howard Vernon semble totalement évasif) et d'une réalisation godiche, cette production Eurociné transcende sa nullité par un humour involontaire multipliant à merveille les bourdes techniques. Maquillage verdâtre des zombies tantôt criard, tantôt désaturés dès qu'ils s'extirpent de l'eau, piscine camouflée en étang de nénuphars et surtout jeu d'approximations constitué en grande partie de bovins du 3è âge quand il ne s'agit pas de jolies potiches dénudées filmées sous toutes les coutures.

Le scénario risible est à lui seul une farce saugrenue alliant romantisme infantile, horreur académique, parodie troupière ! 

Dans un petit village des années 50, des zombies nazis autrefois assassinés et noyés par des résistants français s'extirpent d'un lac pour revenir se venger. La cause de leur damnation provient des messes noires invoquées dans les eaux de l'étang sous le règne de l'inquisition médiévale. Débarquée au village, une journaliste enquête auprès du maire pour connaître les origines de la tragédie que la populace prénomme "le lac des maudits". 

Enfin, pour insuffler une certaine forme de poésie romanesque à l'intrigue, un flash-back nous remémore qu'un des soldats allemands eut une relation idyllique avec une femme française, décédée quelques temps après l'accouchement de leur fille. Revenu aujourd'hui d'entre les morts, l'officier décide de rendre visite à sa fille avec une bonhomie virginale !

Jamais ennuyeux car tellement andouille dans les chassés croisés entre zombies délavés et victimes ahuries, le Lac des Morts-vivants est notamment privilégié d'une quantité astronomique de dialogues aussi grandiloquents qu'hilarants ! A titre probant, je vous laisse lire l'une des répliques les plus mémorables :
Le maire: Seul le grand feu sacré de l'apocalypse pourrait les réduire en cendres et leur donner la paix éternelle !
Katia: Le grand feu sacré de l'apocalypse, le feu auquel je pense n'a rien de sacré vous voyez ! Au contraire, il est moins mystique mais tout aussi efficace que l'apocalypse ! Pas grand chose ne lui résiste, n'hésitez pas utilisez le !
Le maire: Mais, mais, à quoi pensez vous ?
Katia: Au napalm !
Le maire: Merci, merci Katia ! Vous allez sauvez le village de la destruction et moi du désespoir !

On a retrouvé la 7è compagnie !
Panthéon du Z franchouillard où le grand-guignol troupier se dispute à l'érotisme polisson (le club des baskets entièrement à poil pour faire trempette dans la piscine), le Lac des Morts-vivants est un nanar suprême que tout aficionados se doit d'expérimenter ! Filmé avec une maladresse et un sérieux stoïques, joué par des métayers plus vrais que nature et des nymphettes décomplexées, cette pantalonnade s'alloue même d'un charme formel dans ses paysages bucoliques et dans sa poésie niaise attendrissante. Ajoutez enfin pour agrémenter la fantaisie grand-guignol un score dissonant résolument envoûtant et vous obtenez un épigone d'outre-tombe des Bidasses en Folie !
A noter l'apparition clin d'oeil du regretté Jean Rollin en victime baba.

*Bruno
25.01.13. 3èx

SOCIETY

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrordaily.com

de Brian Yuzna. 1989. U.S.A. 1h35. Avec Bill Warlock, Devin Devasquez, Evan Richards, Ben Meyerson, Connie Danese, Ben Slack.

FILMOGRAPHIE: Brian Yuzna est un producteur, réalisateur et scénariste américain, né en 1949 aux Philippines.
1989: Society. 1990: La Fiancée du Ré-animator. 1990: Silent Night, Deadly Night 4. 1993: Le Retour des morts-vivants 3. 1996: Le Dentiste. 1998: Progeny, l'enfant du futur. 1998: Le Dentiste 2. 2000: Faust. 2003: Beyond Ré-animator. 2004: Rottweiler. 2005: La Malédiction des Profondeurs. 2010: Amphibious 3D.

En 1989, un réalisateur néophyte élabore une série B détonante sortie de nulle part, dépeignant avec une originalité sans égale une caricature au vitriol de la bourgeoisie ricaine de Beverlly Hills. Sous influence d'un épisode de la 4è Dimension ou des délires organiques d'un Cronenberg, Society est une farce caustique à l'humour noir cinglant culminant sa dépravation sexuelle dans une partouze finale paroxystique ! Perturbé par des cauchemars récurrents, un jeune lycéen issu d'une noble famille consulte un psychologue pour tenter de remédier à ses terreurs nocturnes. Alors qu'il accumule les conquêtes féminines, Billy suspecte l'étrange comportement indécent de sa soeur et ses parents. Pour alimenter ces soupçons, un de ses camarades de classe, David, lui fait écouter une étrange cassette audio auquel ses parents semblent s'adonner à des plaisirs incestueux. Le lendemain, le témoin meurt dans un accident de voiture. Série B d'apparence conventionnelle, desservie par une facture télévisuelle à la mise en scène débutante, Society s'élabore finalement en immense farce macabre dans sa métaphore sur le cannibalisme de la haute bourgeoisie. Empreint de dérision et d'érotisme coquin, la première partie nous décrit une jeunesse huppée de la Californie s'adonnant aux traditionnels conflits machistes pour de futiles flirts avec des potiches sexy. Peu à peu, l'atmosphère paisible mais factice de cette petite bourgeoisie va rapidement changer de ton avec l'attitude parano du jeune Billy.

Plongé dans une psychose toujours plus contraignante, le lycéen va peu à peu remarquer l'attitude inconvenante de certains proches de son entourage mais aussi celle de sa propre famille. Certains citadins semblent en effet avoir un penchant fétichiste pour toute déviance sexuelle, alors que la mère bedonnante d'une de ses amies éprouve un penchant obsessionnel pour les mèches de cheveux ! Si Brian Yuzna se révèle en l'occurrence un réalisateur novice peut adroit dans le maniement de sa caméra, il réussit à instaurer un climat d'inquiétude et d'étrangeté d'une manière palpable ! Le comportement versatile ou interlope de certains des antagonistes, la découverte macabre de témoins assassinés et leur résurrection imposée nous assaillent de doutes et de questionnements laissés en suspens. Avec une certaine habileté, le réalisateur réussit donc à nous façonner un long-métrage atypique, gros bordel incongru au cours duquel son point d'orgue orgasmique va arborer une audace visuelle hallucinée ! Ce bouquet final cartoonesque, où des corps dénudés se combinent à d'autres pour pratiquer des échanges sexuels et cannibales, est transcendé par les FX de Screaming Mad George ! Et on peut dire que l'équipe s'en est donné à coeur joie pour nous confectionner des séquences (gluantes) de transformation corporelle encore jamais vues au cinéma ! (les corps se décomposent en masse gélatineuse ou se synthétisent d'une manière destructurée !)

La grande bouffe
Drôlement sardonique, inquiétant et dérangeant, Society s'érige en satire sociale pour illustrer le cynisme de la haute bourgeoisie s'adonnant uniquement aux plaisirs de la chair ! Déployant dans sa dernière partie des effets-spéciaux d'une inventivité ahurissante, cette petite perle incongrue n'a toujours rien perdu de sa verve insolente et de son mystère insoluble. 

*Bruno 
24.01.13

17.09.22

Répulsions. Ours d'Argent à Berlin, 1965

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemotions.com

de Roman Polanski. 1965. Angleterre. 1h45. Avec Catherine Deneuve, Yvonne Furneaux, John Fraser, Ian Hendry, Helen Fraser, Patrick Wymark.

Sortie salles France: 7 Janvier 1966. Angleterre: Juin 1965

FILMOGRAPHIE: Roman Polanski (né le 18 août 1933 à Paris) est un comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra puis un producteur, scénariste et réalisateur de cinéma franco-polonais.
1962 : Le Couteau dans l'eau , 1965 : Répulsion, 1966 : Cul-de-sac, 1967 : Le Bal des vampires, 1968 : Rosemary’s baby, 1971 : Macbeth, 1972 : Quoi ?, 1974 : Chinatown, 1976 : Le Locataire ,1979 : Tess, 1986 : Pirates, 1988 : Frantic, 1992 : Lunes de fiel ,1994 : La Jeune Fille et la Mort , 1999 : La Neuvième Porte ,2002 : Le Pianiste,2005 : Oliver Twist, 2010 : The Ghost Writer 2011 : Le Dieu du carnage.

Conçu par la production comme un film d'horreur lambda, le néophyte Roman Polanski va transformer son oeuvre de commande en drame psychologique auteurisant. Chargé d'une atmosphère anxiogène, lourde et suffocante, Répulsion relate au compte goutte l'introspection déclinante d'un cas de schizophrénie. En l'occurrence, il s'agit d'une jeune manucure introvertie et taciturne, co-habitant avec sa soeur aînée dans un appartement lugubre. Plongée dans le désarroi de la solitude, Hélène est angoissée à l'idée d'être courtisée par la gente masculine. Alors que sa frangine vit une relation extra-conjugale avec un mari infidèle, la jeune femme est importunée par ses gémissements sexuels durant ses nuits de sommeil. Quand le couple décide de partir en villégiature, Hélène est effrayée à l'idée de rester cloîtrée dans l'appartement. Peu à peu, enclin à diverses hallucinations effrayantes, elle perd pied avec la réalité et sombre dans une folie meurtrière irréversible. De pas sa mise en scène à la fois inventive et ambitieuse, Roman Polanski transcende le portrait fébrile d'une jeune schizophrène avec un souci de réalisme aussi éprouvant que dérangeant. Et ce en y effectuant un travail judicieux sur le son (le tic-tac pondéré du réveil, le bourdonnement des mouches, le viol imaginaire d'Hélène éludé d'une moindre vibration ! ) le réalisateur nous transmet une angoisse diffuse toujours oppressante. 

En prime, l'atmosphère feutrée régie au sein de l'appartement est rehaussée d'une odeur putrescente de lapin avarié, tandis que des cadavres humains fraîchement assassinés vont venir amplifier l'odeur faisandée. Immergé à l'intérieur de l'esprit d'une malade mentale esseulée dans ce logement insalubre, le spectateur témoigne de ses moindres mouvements, ses pensées dérangées, ses visions horrifiées, si bien qu'il redoute ses pulsions incontrôlées ! Sans forcer le trait sur l'hémoglobine, les séquences d'estocades meurtrières impressionnent par leur violence implacable. En cinéaste avisé, Roman Polanski maîtrise ses cadres inquiétants en insufflant une indéniable tension au suspense escompté. A ce titre, le crime du bailleur infligé à coups de rasoir est retardé du comportement erratique d'Hélène pour se révéler ensuite d'une crudité difficilement supportable lorsque la peur se relaxe d'une sauvagerie précipitée. Dans un rôle inattendu, Catherine Deneuve accomplit une performance glaçante pour s'immiscer dans la peau d'une meurtrière avec son regard neutre dénué de raisonnement. Enfoui dans un mutisme aliénant laissant s'extérioriser des hallucinations cauchemardesques (les mains s'extirpant des murs d'un couloir pour l'appréhender, ses viols récurrents avec un vagabond !), le spectateur est plongé dans sa psyché torturé avec une vérité humaine confinant au malaise. Peut-être le rôle de sa vie.

Drame de la solitude illustrant sans concession la pathologie d'une jeune victime refoulée, abandonnée depuis l'enfance par la famille et discréditée d'une société machiste, Répulsion autopsie son portrait avec une véracité éprouvante. Outre la prestation transie d'émoi de Catherine Deneuve, ce chef-d'oeuvre inquiétant est notamment affermi d'une mise en scène innovante, car utilisant avec efficacité le cadre de son espace clos et l'effet de suggestion, non exempte d'éclairs de violence cinglants ! A ne pas mettre entre toutes les mains tant son réalisme demeure aussi malaisant que perturbant.

*Bruno

05.01.23. 4èx

23.01.13. 

Récompense: Ours d'Argent à Berlin, 1965

YAKUZA (The Yakuza)

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinebel.be

de Sydney Pollack. 1974. U.S.A. 1h52. Avec Robert Mitchum, Brian Keith, Herb Edelman, Richard Jordan, Keiko Kishi, Eiji Okada.

Durée: 123 minutes (Japon), 112 minutes (États-Unis), 107 minutes (Royaume-Uni)

Sortie salles U.S: 19 Mars 1975. Japon: 28 Décembre 1974

FILMOGRAPHIE: Sydney Pollack est un réalisateur, acteur et producteur américain, né le 1er Juillet 1934 à Lafayette, dans l'Indiana (Etats-Unis), mort d'un cancer à Los Angeles le 26 Mai 2008.
1965: The Slender Thread. 1966: Propriété Interdite. 1968: Les Chasseurs de Scalps. 1968: The Swimmer. 1969: Un Château en Enfer. 1969: On Achève bien les chevaux. 1972: Jeremiah Johnson. 1973: Nos plus belles années. 1974: Yakuza. 1975: Les 3 Jours du Condor. 1977: Bobby Deerfield. 1979: Le Cavalier Electrique. 1981: Absence de Malice. 1982: Tootsie. 1985: Out of Africa. 1990: Havana. 1993: La Firme. 1995: Sabrina. 1999: l'Ombre d'un Soupçon. 2005: l'Interprète. 2005: Esquisses de Frank Gehry

Rarement diffusé à la TV et souvent omis des amateurs de polar, Yakuza fait parti se ses perles rares auquel les défaveurs du temps n'ont eu aucune emprise. Les spectateurs qui eurent la chance de le découvrir sur petit écran ne manqueront pas de se remémorer avec nostalgie sa fameuse diffusion intervenue un certain mardi soir sur Antenne 2 et estampillée du fameux "carré blanc" (faute d'une violence assez démonstrative). Avec la trempe d'un réalisateur aussi confirmé que Sydney Pollack, Yakuza est un superbe polar, dense et nerveux, tirant son originalité sur la culture nippone imposée aux fameux Yakuza. Une organisation du crime aux codes d'honneur et de fraternité bien spécifiques, notamment voués à un sens du sacrifice peu commun (pour éviter la peine de mort, le coupable doit se trancher l'index en guise de repentance). 

Synopsis: Un entrepreneur corrompu propose à l'un de ses amis, Harry Kilmer, ancien détective, de récupérer sa fille kidnappée au Japon par les membres d'un Yakuza. Harry en profite pour revoir une ancienne amie avec qui il eut une idylle amoureuse, et par la même occasion lui invoque l'aide de son frère. Avec l'entremise de ses équipiers, la tentative d'extraire la fille des membres des Yakuza se transforme en règlements de compte sanglants. 

Réalisé avec rigueur, épuré de décors insolites et rehaussé d'un solide scénario aux rebondissements surprenants, Yakuza est une fascinante incursion au sein de l'univers trouble des fameux Yakuzas. Dominé par l'interprétation notable du vétéran Robert mitchum, louablement secondé par la prestance magnétique du japonais Ken Takakura, cette vendetta familiale redouble d'intensité dramatique dans ces enjeux considérables où vaillance et sens du sacrifice seront mis à rude épreuve. Autour de cette confrérie mafieuse, le réalisateur nous brode donc une histoire d'amour et d'amitié entachée de contrariété vis à vis d'un trio d'amants compromis à leur éthique de probité. Car unis dans le passé par un lien de solidarité pour la survie d'une jeune femme rescapée de la guerre, Harry Kilmer et son acolyte Ken Tanaka vont être amenés à s'échanger une dîme pour combattre toute une organisation criminelle. Sans cesse défiés au sens du courage et de la bravoure auprès d'un code d'honneur aux règles archaïques, nos combattants vont employer des risques considérables pour prémunir famille et acolytes avant leur dernier baroud d'honneur. A ce titre, les combats de sabre inévitablement imposés à Ken pour défier une armée de Yakuza, avant de pouvoir s'opposer au leader, déploient de furieux accès de violence homériques remarquablement chorégraphiés !

Formidablement tempéré d'un savant dosage de suspense, d'émotion et d'action intense, Yakuza est surtout privilégié de sa densité narrative à la dramaturgie fraternelle. Sa fascinante incursion dans l'univers trouble des Yakuzas ne manque pas de nous interpeller avec leur hiérarchie drastique établie dans une discipline marginale. Un grand classique d'une éclatante modernité.

*Bruno

Dédicace à Franck Gossard
Remerciement au Ciné-club de l'antre !
22.01.13

BARFLY

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site hollywood80.com

de Barbet Schroeder. 1987. U.S.A. 1h44. Avec Mickey Rourke, Faye Dunaway, Alice Krige, Jack Nance, J.C. Quinn, Frank Stallone.

FILMOGRAPHIE: Barbet Schroeder est un réalisateur et producteur, de nationalité française d'origine suisse, né le 26 Août 1941 à Téhéran (Iran).
1969: More. 1972: La Vallée. 1976: Maîtresse. 1984: Tricheurs. 1987: Barfly. 1990: Le Mystère Von Bulow. 1992: J.F partagerait appartement. 1995: Kiss of Death. 1996: Before and after. 1998: l'Enjeu. 2000: La Vierge des Tueurs. 2002: Calculs Meurtriers. 2007: l'Avocat de la terreur (Documentaire). 2008: Inju, la Bête dans l'ombre. 2009: Mad Men (série TV).

              Définition de Barfly: mouche de bar qu'on pourrait traduire par "Pilier de bistrot"

Echec public lors de sa discrète sortie en salles, Barfly se révèle l'un des films les occultés de la carrière du cinéaste. Inspiré de la véritable vie de l'écrivain Charles Bukowski, le film suit l'errance nocturne d'un couple à la dérive, fréquentant les bars miteux d'un ghetto de Los Angeles.
Drame social sur l'échec professionnel et le fardeau de la solitude, Barfly nous illustre avec une vérité humaine poignante la rencontre marginale de deux écorchés de la vie. L'un est un brillant écrivain n'ayant jamais réussi à percer dans le milieu, l'autre est une chômeuse blasée, lourdement éprouvée par son passé conjugal. Ensemble, ils tentent de former un semblant de couple harmonieux au sein de leur appartement insalubre et fuient leur désespoir en se réfugiant dans l'ivresse de l'alcool. En prenant le choix de daigner réunir deux monstres sacrées du cinéma, on pouvait craindre une oeuvre formatée un brin prétentieuse avec le jeu cabotin de ces illustres comédiens. D'autant plus que l'argument misérabiliste met bien en exergue l'existence sordide d'un couple d'alcoolos sombrant inévitablement dans une déchéance suicidaire.

A contrario, le réalisateur s'en tire admirablement en éludant cette forme de pathos rédouté, tandis que Faye Dunaway et Mickey Rourke imposent leur jeu dépravé avec une vérité humaine inespérée ! En prime, à aucun moment Barbet Schroeder ne prend le parti de les juger. Il nous immerge dans leur vie nocturne avec un réalisme cru (les bastons de rue sont plutôt violentes et sanglantes), une émotion prude (tous les personnages paumés se révèlent attachants dans leur détresse humaine) et un humour parfois pittoresque (les incessants défis physiques que se provoquent Henry et le serveur de bar, Eddie). L'ambiance blafarde des bars malfamés où se côtoient ivrognes, vieillards burinés et femmes esseulées, et celle plus intime, de l'appartement de Wanda, est retranscrite avec un souci d'authenticité. Nous sommes véritablement plongés dans un univers de débauche où l'alcool, les violences conjugales avec le voisinage et les rixes urbaines découlent de leur misère sociale. Avec sa dégaine maladroite de clochard borgne et de bagarreur invétéré, Mickey Rourke incarne un provocateur misanthrope plein d'ironie ainsi qu'une empathie discrètement attendrissante (sa jalousie affectueuse auprès de sa compagne). Sa partenaire Faye Dunaway accorde autant de persuasion pour endosser le rôle vulnérable d'une quinquagénaire trop éprouvée par le poids de son passé sans connaître précisément ce qui l'eut amené à une telle dégénérescence morale. Le film reposant entièrement sur leurs frêles épaules, les deux acteurs parviennent avec sobriété à nous faire oublier leur stature notoire si bien que l'on regrette que le film se clôt brutalement sur un épilogue trivial.

S'il se révèle sans surprise, Barfly est un portrait libertaire poignant et plein d'humilité de deux alcooliques qui auront décidé de tourner le dos à leurs ambitions pour accepter communément leur propre défaite. Rien que pour la présence très attachante des deux comédiens, le film mérite assurément à être réhabilité pour sa démarche intègre et sa modestie émotionnelle, non exempte de savoureux traits d'ironie. 

Un grand merci à Ciné-bis-Art !
21.01.13. 2èx
Bruno Matéï

DJANGO UNCHAINED

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site prettymuchamazing.com

de Quentin Tarantino. 2012. U.S.A. 2h45. Avec Jamies Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Walton Goggins, Dennis Christopher, James Remar, Laura Cayouette, Don Johnson, Tom Wopat, Quentin Tarantino.

Sortie salles France: 16 Janvier 2013. U.S: 25 Décembre 2012

FILMOGRAPHIE: Quentin (Jérome)Tarantino est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 27 Mars 1963 à Knoxville dans le Tennessee.
1992: Réservoir Dogs. 1994: Pulp Fiction. 1995: Groom Service (segment: The Man from Hollywood). 1997: Jacky Brown. 2003: Kill Bill 1. 2004: Kill Bill 2. 2007: Boulevard de la Mort. 2009: Inglorious Basterds. 2012: Django Unchained.

Après ses 2 derniers films controversés (Boulevard de la Mort / Inglorious Basterds) qui avaient dépité une bonne partie du public, Tarantino s'entreprend cette fois-ci à rendre hommage au western en s'inspirant vaguement du chef-d'oeuvre de Corbucci, Django. En effet, il n'est aucunement question de l'élaboration d'un remake ou d'un plagiat (même si les deux héros partagent comme point commun une rancoeur vindicative en ascension), mais plutôt d'un habile démarquage du western spaghetti. Puisqu'en l'occurrence, Tarantino souhaite mettre en exergue comme argument social le traitement infligé aux esclaves noirs du Sud des Etats-Unis avant la guerre de sécession. D'une durée excessive (mais justifiée !) de plus de 2h45, Django Unchained suit le périple en 1858 d'un chasseur de prime allemand et d'un esclave noir libéré de ses chaines par ce dernier, tous deux compromis à se faire passer pour des acheteurs d'esclaves chez un riche propriétaire. Un subterfuge prémédité afin de libérer la fiancée de Django, exploitée depuis plusieurs années comme femme de ménage par un vieux nègre corrompu, l'acolyte du sadique Clavin J. Candie.

Avec sa traditionnelle virtuosité technique, sa verve inimitable pour les répliques acerbes et son humour noir féroce, Quentin Tarantino semble mieux attentionné à façonner un scénario structuré en prenant soin de peaufiner l'étude caractérielle de ses personnages cyniques. La première heure privilégie un ton léger et pittoresque (le traquenard émis à la confrérie encapuchonnée !), non exempt d'éclairs de violence sarcastique parmi les tâches du Dr King Schültz (Christoph Waltz dans un rôle pondéré à contre-emploi !). Un médecin reconverti en chasseur de prime loyal puisque dévoué à exaucer la vengeance de Django (Jamie Fox, tout en révolte contenue pour sa rancoeur latente). Ensemble, ils vont tenter de retrouver une esclave africaine au sein d'une Amérique raciste réfutant la liberté du peuple noir. La suite des évènements beaucoup plus dense dans l'enjeu imparti à la traite des nègres va prendre une tournure plus grave dès que nos deux compères vont devoir établir une transaction avec l'ignoble Clavin J. Candie (magnifiquement tempéré par l'élégance hautaine d'un Di Caprio vicelard). Ce marchandage financier pour la mise d'un combattant noir va leur permettre d'établir la nouvelle rencontre du sbire sclérosé de Candie, Stephen (Samuel L. Jackson abjecte de putasserie dans la peau d'un vieillard sénile). C'est justement dans sa propriété rurale que la fiancée de Django y demeure parmi l'allégeance d'autres esclaves destinés à labourer le coton. Émaillé d'affrontements psychologiques mesquins et perfides entre chacun des rivaux, d'action cinglante impromptue pour les impacts de balles assénés aux victimes, décuplant de manière singulière l'abondance de jets de sang sur les chairs explosées, Quentin Tarantino n'oublie pas d'exprimer sa plaidoirie anti-raciste en fustigeant le comportement crapuleux de propriétaires blancs dénués d'une moindre vergogne. Certaines tortures ou lynchages infligés aux noirs indisciplinés (l'esclave dévoré vivant par les chiens, la lutte à mort des combattants, la sentence du fouet, Broomhilda séquestrée dans la boite brûlante sous un soleil écrasant !) se révèlent d'une âpreté rigoureuse afin de réveiller la conscience du spectateur, compromis à la xénophobie d'une époque primitive.

Avec Django Enchained, Tarantino continue de déclarer sa flamme à l'amour du cinéma de genre avec toujours autant de verve caustique, d'inventivité audacieuse et d'insolence roublarde. Superbement campé par une armada de comédiens notables (mention spéciale à Samuel L. Jackson, dans un rôle insidieux innommable !) et scandé par une BO entraînante, ce western stimulant n'oublie pas pour autant de rappeler la condition inhumaine infligée à la communauté noire, longtemps martyrisée par une Amérique xénophobe au début du 16è siècle. Enfin, en guise de clin d'oeil, on notera l'apparition du vétéran Franco Nero dans un court passage tout en dérision ! N'en déplaise à ses détracteurs de toujours, Tarantino est revenu plus revigoré et persuasif que jamais !

19.01.13
Bruno Matéï

FLIGHT

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site paperblog.fr

de Robert Zemeckis. 2012. U.S.A. 2h19. Avec Denzel Washington, John Goodman, Don Cheadle, Bruce Greenwood, Kelly Reilly, Nadine Velazquez, Brian Geraghty, Rhoda Griffis, Tamara Tunie.

Sortie salles France: 13 février 2013. U.S: 2 Novembre 2012

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight.

12 ans ! C'est le temps qu'il aura fallu attendre pour voir débarquer le nouveau Zemeckis en tant que long métrage "live" avec des comédiens de chair et de sang. Et justement en l'occurrence, Flight nous évoque de manière intimiste le portrait d'un capitaine meurtri, plongé dans son désarroi de la dépendance toxicologique et de la solitude conjugale. Le pitch: Un commandant de bord et son équipage sont contraints de se poser en catastrophe après un incident technique majeur. Après avoir atterri dans un champs, Whip Whitaker perd connaissance pour se réveiller à l'hôpital. Il apprend via les infos télévisés que 6 personnes ont perdu la vie sur la totalité des 106 passagers. Considéré comme un héros par la population, l'investigation ne va pas tarder à lui suspecter une pathologie alcoolique.

Après avoir souvent oeuvré dans la comédie, la science-fiction et le fantastique, Robert Zemeckis décide cette fois-ci de nous confiner vers un drame psychologique rigoureux pour aborder de façon introspective la déchéance humaine d'un alcoolique. Après avoir éviter la pire des catastrophes aériennes, un capitaine va être enclin à reconsidérer son éthique pour peut-être dévoiler au grand jour son fardeau de l'addiction. Avec une émotion épurée, le réalisateur nous dépeint le portrait d'un brillant pilote d'avion ayant sans doute préalablement évité une hécatombe meurtrière mais qui, malgré tout, se révélera coupable d'un comportement éthylique irresponsable. Réflexion sur l'ambivalence des effets pervers de la drogue et l'alcool fustigeant ici l'existence aisée d'un capitaine renommé, Flight met en exergue le combat intrinsèque du malade avec sa propre moralité. En pilote versatile tributaire de sa déchéance, Denzel Washington apporte une fois de plus une densité humaine inévitablement ambiguë mais souvent poignante pour sa remise en question avec sa foi ainsi que sa responsabilité professionnelle. Un père esseulé en manque d'affection pour sa famille désunie, se consolant dans les bras d'une junkie en voie de convalescence. Mais un malade déshonoré par son alcoolisme, constamment obligé de mentir à son entourage pour occulter sa débauche, davantage tenaillé d'une éventuelle culpabilité envers la perte accidentelle de six défunts.

Déployant en prélude une séquence catastrophe aérienne étourdissante de réalisme dans son immersion frontale, Flight s'immisce ensuite dans l'intimité d'un alcoolique en perdition qui ne trouvera la rédemption qu'en acceptant sa propre déchéance. Filmé avec une élégante sobriété et porté à bout de bras par le charisme compact de Denzel Washington, Robert Zemeckis ausculte le  superbe portrait d'un héros corrompu hanté par la pénitence. 

17.01.13
Bruno Matéï

COMPLIANCE

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site lecontretemps.net

de Craig Zobel. 2012. U.S.A. 1h30. Avec Ann Dowd, Dreama Walker, Pat Healy, Bill Camp, Philip Ettinger, James McCaffrey.

Sortie salles France: 26 Septembre 2012. U.S: 21 Janvier 2012

FILMOGRAPHIE: Craig Zobel est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
2006: Homestarrunner.com: Everything Else, Volume 2 (segment Homestarloween Party). 2007: Great World of sound. 2009: Of Montreal: in a fit of Hercynian Prig, Oculi. 2012: Compliance. Z for Zachariah.

Définition de Compliance: La conformité (qualité de ce qui est conforme) ou la conformation (action de se conformer) à des règles.

Inspiré d'un fait divers incongru à l'ineptie affligeante alors que 70 incidents du même type furent répertoriés dans 30 états des Etats-Unis durant les années 2000, Compliance est la parfaite définition de ce que l'être humain peut-être capable d'accomplir en se soumettant simplement aux règles d'une autorité drastique. L'intrigue se déroulant essentiellement derrière la cuisine d'un fast-food, Compliance nous illustre le calvaire au compte goutte d'une jeune serveuse affable, interrogée au téléphone par la police pour une affaire de vol d'argent auprès d'une ancienne cliente. Avec l'entremise de son manager puis d'autres intervenants, Becky va être contrainte de se plier aux exigences du policier sans pouvoir s'y opposer. Au fil des questionnements interminables, chaque protagoniste semble plongé dans une allégeance incontrôlée par la sagacité d'un interlocuteur perfide.

Mis en scène avec une maîtrise rigoureuse particulièrement acerbe et rehaussé d'une direction d'acteurs hors pair, ce drame psychologique toujours plus éprouvant provoque un malaise diffus émanant du comportement apathique de chacun des témoins. En position de voyeur malgré lui, le spectateur est invité à participer à une dérive psychologique dépassant la décence Spoiler !!! puisqu'au fil des conversations téléphoniques, une improbable affaire de viol est sur le point d'être tolérée. Fin du Spoiler. A partir de l'interrogatoire forcé, via téléphone interposé, d'un inspecteur de police dictant ses exigences à la responsabilité d'une directrice et du coupable présumé, Compliance est une étude scrupuleuse sur le pouvoir de soumission et de persuasion. Un jeu pervers de manipulation auquel les témoins particulièrement stressés vont devoir perpétrer des actes d'humiliation sur la victime démunie sans faire preuve de protestation, faute de représailles juridique.
Le réalisme clinique de la situation de détention, son climat étouffant régi au sein d'une pièce calfeutrée et la tension permanente qui y règne, faute du harcèlement téléphonique prolongé, incommode lourdement le spectateur, sévèrement épris de stupeur face au laxisme des protagonistes.

Dérangeant, éprouvant jusqu'au malaise et d'une tension difficilement supportable, Compliance démontre à quel point l'individu lambda peut résolument se subordonner à l'endoctrinement d'une autorité délétère. Ce fait divers décuplé à 70 reprises dans divers états américains prouve que notre intégrité peut parfois se corrompre à une dérive licencieuse par la persécution d'un habile maître-chanteur. Un drame nauséeux car effroyable de bêtise humaine dans le portrait asséné à certains témoins amorphes de l'affaire (le concubin en particulier !), littéralement écrasés par leur carence caractérielle.   

15.01.13
Bruno Matéï

Distinctions: Meilleure Actrice dans un second rôle pour Ann Dowd au National Board of Review Awards 2012.
Meilleure actrice de second rôle (Ann Dowd) et Meilleur film Artistique au St-Louis Film Critics Association Awards 2012.

THE IMPOSSIBLE (Lo Impossible)

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmsfix.com

de Juan Antonio Bayona. 2012. Espagne. 1h54. Avec Ewan McGregor, Naomi Watts, Geraldine Chaplin, Tom Holland, Marta Etura.

Sortie salles France: 21 Novembre 2012. U.S: Septembre 2012. Espagne: 11 Octobre 2012

FILMOGRAPHIE:  Juan Antonio Bayona est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1975 à Barcelone.
2004: Sonorama (video). 2004: 10 anos con Camela (video). 2005: Lo echamos a suertes (video). 2007: l'Orphelinat. 2012: The Impossible.

5 ans après l'Orphelinat, l'espagnol Juan Antonio Bayona nous retrace avec The Impossible l'histoire vraie d'une famille américaine emportée par la vague du tsunami ayant balayé l'ouest de la Thaïlande le 26 Décembre 2004. Après ce raz de marée meurtrier, le film décrit minutieusement les tentatives de retrouvailles pour cette famille traumatisée après l'ampleur inédite d'un désastre écologique.
Passé les 15 minutes d'exposition auquel le couple américain et ses trois enfants sont courtoisement accueillis dans le cadre édénique d'un village de vacances, le réalisateur ne perd pas de temps à les plonger dans l'horreur d'une catastrophe naturelle. L'estocade meurtrière impartie au tsunami surgit de plein fouet pour balayer en quelques secondes toute présence humaine s'y trouvant sur son chemin.
La séquence d'apocalypse plutôt concise mais traumatisante est mise en scène avec un réalisme brutal pour nous immerger en interne d'un cours d'eau incontrôlé. Elle ébranle littéralement le spectateur accroché à son fauteuil, contraint d'observer l'acharnement inflexible de ces gigantesques vagues venues engloutir la population et leur foyer ! La séquence cinglante où Maria et Lucas tentent de s'extirper de l'eau en s'infligeant moult blessures corporelles est un moment d'anthologie d'une intensité éprouvante !

Passé ses premières quarante minutes bouleversantes, le réalisateur souhaite se concentrer sur le destin précaire de cette famille désunie. Alors que Maria et le jeune Lucas sont recrutés dans un centre hospitalier, Henry va s'efforcer de les retrouver avant d'acculer ses deux autres enfants à rejoindre des bénévoles pour se protéger en amont des montagnes. Avec une émotion sensitive, n'éludant pas parfois le pathos et les bons sentiments, le réalisateur évoque à travers une tragédie le lien de filiation quand la famille se retrouve dissociée des siens. Plongé dans le marasme de la solitude et la peur instinctive de la mort, l'unique aspiration impartie à chacun des survivants sera de daigner retrouver au plus vite un membre de sa propre famille. Juan Antonio Bayona met notamment en avant l'instinct de survie et d'empathie chez la victime molestée (l'acharnement de Maria et Lucas pour rester unis au coeur des vagues meurtrières) ainsi que l'esprit de solidarité, de cohésion qui en découle quand le malheur a décidé de s'abattre sur une population endeuillée. Entassés dans des hôpitaux surpeuplés, les victimes mutilées et les survivants épuisés attendent patiemment des nouvelles de leur proche avec un espoir rude. Si la plupart des comédiens campent dignement leur rôle avec une pugnacité accablée, Naomi Watts livre une performance dramatique d'une grande intensité émotionnelle. La prestance martyr d'une mère emplie de courage car engagée dans un combat de survie pour sa propre destinée afin de pouvoir enlacer ses proches.

Survivre à l'apocalypse
Indubitablement poignant, terrifiant et bouleversant, The Impossible est un témoignage de solidarité pour ses héros méconnus ayant réussi à déjouer l'impossible, autant qu'un hommage humble à toutes ses victimes du Tsunami sacrifiées par un climat naturel insoumis (on compte entre 216 000 et 232 000 morts). S'il cède parfois à une sensiblerie appuyée (le faux suspense infligé au traitement de Maria vers son épilogue), son pouvoir émotionnel et son parti-pris hyper réaliste éprouvent dignement le spectateur.

14.01.13
Bruno Matéï

JOHN DIES AT THE END

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site joblo.com

de Don Coscarelli. 2012. U.S.A. 1h39. Avec Chase Williamson, Rob Mayes, Paul Giamatti, Clancy Brown, Glynn Turman, Doug Jones, Daniel Roebuck.

Sortie U.S: 23 Janvier 2012

FILMOGRAPHIE: Don Coscarelli est un scénariste et réalisateur américain né le 17 Février 1954 à Tripoli (Lybie).
1976: Jim the World's Greatest. 1976: Kenny and Compagny. 1979: Phantasm. 1982: Dar l'invincible. 1988: Phantasm 2. 1989: Survival Quest. 1994: Phantasm 3. 1998: Phantasm 4. 2002: Bubba Ho-tep. 2012: John Dies at the end.

Après un surprenant Bubba Ho-Tep aussi drôle que poignant, il aura fallu 10 ans d'attente pour voir débouler le nouvel ovni du génial créateur de la saga Phantasm. Attention les yeux et les sens ! L'épreuve endurée faisant office de trip Lsd à tendance paranoïde ! John Dies at the end pratique sans modération la carte du délire dans un bordel erratique, faute d'une substance psychotrope matérialisant un univers parallèle peuplé de créatures hybrides. Tiré d'un roman feuilletonesque de David Wong publié sur le net au début des années 2000, John Dies at the end retranscrit à l'écran une intrigue irracontable car absconse mais d'une verve inventive absolument prolifique. A partir des effets altérants d'une drogue hallucinogène perturbant notre réalité afin de mieux l'asservir, deux jeunes acolytes vont se retrouver embarqués dans une série de vicissitudes aberrantes pour tenter de sauver l'humanité. Bourré de personnages interlopes imbriqués dans des univers indécis et de monstres visqueux évacués d'une nouvelle dimension, ce trip au vitriol ne cesse d'alterner des situations frappadingues où nos héros flegmes (accompagnés d'un toutou symbolique !), vont devoir contrecarrer l'invasion d'antagonistes perfides en instance de mutation.

Le spectateur, amusé ou irrité (c'est selon !), est embarqué tête baissée dans un monde parallèle chaotique déployant une profusion d'effets spéciaux à l'imagination insolente. Pour exemples, un hot-dog se subtilise en  téléphone, la moustache d'un flic s'y détache afin de voler de ses propres ailes, un pénis opulent remplace une poignée de porte, un chien prend la parole au lieu d'aboyer, le tir d'une balle rebondie sur sa cible corporelle, ou encore des bouts de viande congelée se combinent en monstre de chair. Entre comédie pittoresque, fantastique et horreur, Don Coscarelli n'aura jamais été aussi généreux pour satisfaire ses amateurs en usant notamment d'effets gores aussi percutants qu'échevelés (éclatement d'un oeil, bras arraché, tête explosée à coup de chevrotine, cadavres découpés en morceaux, quidams dévorés par des arachnides en mode "animation"). La complexité narrative du film est telle qu'on finit par pardonner l'outrance généreuse du réalisateur. En prime, le caractère attachant de nos losers, interprétés par de jeunes inconnus, permet au spectateur de s'identifier plus facilement dans leurs implications aussi hasardeuses qu'héroïques. Enfin, les aficionados ne manqueront pas de reconnaître l'apparition clin d'oeil du vétéran Angus Scrimm dans un rôle ironiquement bicéphale !

Bordélique en diable, parfois décousu, épuisant à suivre mais souvent jouissif dans son habileté imperturbable à nous déconnecter de notre réalité, John Dies at the end divisera sans nulle doute une bonne partie du public. Hormis son caractère hermétique et ses enjeux futiles, l'univers débridé façonné par Don Coscarelli fait preuve d'une inventivité ahurissante dans sa scénographie baroque, son humour espiègle et son bestiaire hétéroclite (on pense aux monstres tentaculaires de The Thing ou ceux organiques de Cronenberg !). Un divertissement hors normes à devenir culte, à découvrir absolument, quelque soit la déception encourue !

11.01.13
Bruno Matéï