A plein temps

                                                Photo empruntée sur Google, imputée au site Imdb.com

de Éric Gravel. 2021. France. 1h27. Avec Laure Calamy, Anne Suarez, Geneviève Mnich, Nolan Arizmendi, Sasha Lemaitre Cremaschi, Cyril Gueï.

Sortie salles France: 16 Mars 2022

FILMOGRAPHIE: Éric Gravel est un réalisateur franco-québécois. 2017 : Crash Test Aglaé

2021 : À plein temps. 

Relatant avec une intensité effrénée l'endurance de survie d'une mère séparée tentant d'élever seule ses enfants parmi l'assistance d'une de ses voisines sclérosées si bien que chaque jour elle s'empresse de prendre le train pour se rendre sur son lieu de travail de femme de chambre, A plein temps nous scotche au siège sous l'impulsion de l'actrice Laure Calamy soulevant du poids de ses robustes épaules sa trajectoire semi-dépressive de longue haleine Spoil ! (comme le souligne l'ultime image rédemptrice que l'on ne voit pas arriver puisque l'on craignait le pire l'instant d'avant Fin du Spoil). C'est donc un véritable parcours du combattant, une leçon de résilience et de surpassement que nous propose ici le réalisateur néophyte Eric Gravel (il s'agit de son second long) à l'aide d'un art consommé du vérisme pulsatile. 

Celui-ci établissant dans sa mise en scène électrisante un implacable constat "contemporain" sur l'univers impitoyable du milieu du travail à travers l'ébullition de cette démographie à la fois individualiste et épileptique, faute d'une routine quotidienne vertigineuse que les plus faibles auront peine à gérer et à surmonter selon leur degré d'acuité mentale. Splendide portrait de femme stoïque que Laure Calamy transperce de son naturel d'aplomb, entre franc-parler, impudence et prises de risques épineuses, A plein temps se vit et se ressent telle une expérience sensorielle en temps réel tant l'actrice nous retransmet avec une digne sobriété sa contrariété morale contrebalancé d'une vaillance à toutes épreuves. Tout le récit, malaisant, stressant, inquiétant, anxiogène (entre 2/3 accalmies), étant saturé d'un score électro à propos afin de rehausser l'effet de stress quotidien que subit cette mère esseulée se raccrochant désespérément à l'espoir et à la rage de vaincre afin de pouvoir s'extraire d'une routine infructueuse. Dans la mesure de devoir se résoudre à conquérir un second emploi plus ambitieux pour s'extirper de sa condition domestique de femme de chambre à la discipline drastique.  

Drame sociétal inscrit dans une frénésie tristement actuelle afin de rendre hommage à ses mères soumises à la monoparentalité, A plein temps suscite pour autant l'optimisme, l'espoir, le goût du risque et du combat en dépit d'une épreuve de force quasi suicidaire (il y a d'ailleurs une subtile séquence qui le laisse sous-entendre, notamment pour tenir compte de celles qui n'ont - hélas - pu transgresser leur limite morale). Illuminé de la présence criante de vérité de Laure Calamy, son parcours moral en dent de scie nous est exprimé avec une sidérante force de caractère si bien qu'elle parvient à maintenir notre appréhension pour réveiller notre instinct offensif au sein d'une société aliénante en perdition. 

*Bruno

Récompenses: 

Mostra de Venise 2021 :

Prix Orizzonti du meilleur réalisateur : Éric Gravel

Prix Orizzonti de la meilleure actrice : Laure Calamy

Fai Persona Lavoro Ambiente Foundation Award (dans le cadre de la Mostra de Venise 2021) :

Mention spéciale sur le thème du travail.

Tertio Millennio Film Fest 202114 :

Prix du meilleur film du jury qualité15

Festival international du Film d'Uruguay 202116

Prix du meilleur film de l'Association de la critique Uruguayenne17

Les Arcs Film Festival 2021

Prix d'interprétation pour Laure Calamy

Prix Cineuropa

Festival du film francophone de Grèce [archive]

Prix du public

Malaysia International Film Festival & Golden Global Awards (en)

Prix du meilleur réalisateur pour Éric Gravel

Prix de la meilleure actrice pour Laure Calamy

Rien que pour vos yeux / For Your Eyes Only

                                               Photo empruntée sur Google, imputée au site Imdb.com

de John Glen. 1981. U.S.A. 2h09. Avec Roger Moore, Carole Bouquet, Chaim Topol, Lynn-Holly Johnson, Julian Glover, Cassandra Harris, Jill Bennett.

Sortie salles France: 22 Août 1981. U.S: 26 Juin 1981

FILMOGRAPHIE: John Glen est un réalisateur anglais né le 15 mai 1932 à Sunbury-on-Thames (dans le comté de Surrey, en Angleterre). 1981 : Rien que pour vos yeux (For Your Eyes Only) avec Roger Moore. 1983 : Octopussy. 1985 : Dangereusement vôtre. 1987 : Tuer n'est pas jouer. 1989 : Permis de tuer. 1990 : Checkered Flag. 1991 : Aigle de fer 3. 1992 : Christophe Colomb : La découverte. 1995 : Épisodes de la série télévisée britannique Space Precinct. 2001 : The Point Men.

Rien que pour vos yeux, c'est tout d'abord pour ma part un souvenir d'ado mémorable lorsque je le découvris un mercredi après-midi d'Août au cinéma Apollo de ma contrée lensoise après avoir été littéralement charmé par sa rutilante affiche promotionnelle (qui fit d'ailleurs polémique à sa sortie pour des raisons conservatrices imbéciles à mes yeux). Alors que je suis loin d'être fan indéfectible de la saga des James Bond que j'ai souvent trouvé prétentieuse, éculée et trop clinquante (même si aujourd'hui j'ai changé d'avis), j'ai paradoxalement toujours eu une affection exclusive pour ceux incarnés par le héros d'Amicalement votre, Mr Roger Moore. Parce que contrairement bâti sur un jeu de dérision (parfois même parodique) et décomplexé auprès de son assurance à la fois avenante et joviale afin de se prendre (beaucoup) moins au sérieux, ses déclinaisons modernes du mythe m'ont toujours autrement séduit par leur aspect tantôt cartoonesque (Dangereusement Votre), tantôt stellaire (Moonraker), tantôt exotique (Octopussy) et plus aventureux que de coutume (le Bond qui nous intéresse ici). Et donc Rien que pour vos yeux ne déroge pas à cette règle si bien qu'à mes yeux il restera mon Bond attitré tant je le considère franchement comme une référence du film d'action et d'aventures que John Glen maîtrise avec une stupéfiante vélocité (solide artisan qui rempilera d'ailleurs à plusieurs reprises à la saga incarnée par Moore). En exagérant même un chouilla mes propos, j'oserai donc dire qu'il n'a rien à envier par exemple au parangon Les Aventuriers de l'arche perdue à travers sa combinaison idoine, si immersive et dépaysante, d'humour, d'action, de tendresse, de romance et  d'aventures conçus pour un public de 7 à 77 ans. 

D'ailleurs, j'ignore qui a bien pu réaliser ses nombreuses cascades, poursuites et actions intrépides parce que je reste toujours aussi bluffé, époustouflé, sourire de gosse à l'appui, par son souci de véracité artisanale à faire pâlir de jalousies les blockbusters tels Fast and Furious, John Wick ou encore le dernier Marvel souvent grotesques et improbables dans leur surenchère numérisée dénuée de poésie, de véritable souffle épique. En bref, des produits lambdas fréquemment dénués d'âme, d'amour, de passion, de sens vertigineux. Car outre l'élégance de sa mise en scène avisée rehaussée d'un montage à couper au rasoir (raison pour laquelle les moult séquences d'action en règle n'ont pas pris une ride par leur capacité à nous faire rêver comme si nous participions à l'évènement en direct), Rien que pour vos yeux est évidemment conçu pour nous en mettre plein la vue sous l'impulsion de décors exotiques, aériens et maritimes, et de la présence angélique d'une Carole Bouquet littéralement luminescente par sa beauté froide, sa grâce lestement timorée. Certains pourraient peut-être lui reprocher un jeu parfois figé dans sa posture monolithique alors que pour ma part je trouve que sa présence gentiment épurée lui sied à merveille à fréquenter dans la discrétion l'agent secret en ange vindicative que celui-ci tente toutefois de sermonner afin de lui éviter un lourd tribut répréhensible. Par conséquent, ce perpétuel sentiment d'exaltation et de plénitude est rehaussé d'une solide intrigue à rebondissements où l'action reste quasiment à son chevet (en dépit du savoureux prologue aimablement gratuit, clin d'oeil cocasse au volet antécédant). Alors que le générique liminaire mais aussi final (impossible d'interrompre le film avant l'écran noir j'vous dis !) nous laisse béat d'admiration de par l'expressivité de sa féérie mélodieuse que la chanteuse Sheena Easton envoûte par sa voix délicatement lascive. Un véritable enchantement sensoriel qui m'a laissé le souffle coupé, notamment auprès de son esthétisme charnel.

Spectacle héroïco-glamour de chaque instant coordonné avec une fluidité hors-pair afin de faire participer son public à une aventure hétéroclite rafraichissante, Rien que pour vos yeux nous irradie les mirettes, l'ouïe et le coeur sous l'impulsion d'une poésie bienveillante aujourd'hui tristement révolue. De là d'oser avouer que finalement nous vivons une triste époque cinégénique, quitte à jouer le passéiste rabat-joie, les cinéastes actuels feraient toutefois mieux de réviser leurs classiques afin de tenter de leur arriver à la cheville. 

*Bruno

3èx

La Brigade. Prix d'interprétation, Audrey Lamy, Alpe d'Huez, 2022.

   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Louis-Julien Petit. 2022. France. 1h36. Avec Audrey Lamy, François Cluzet, Chantal Neuwirth, Fatoumata Kaba, Yannick Kalombo 

Sortie salles France: 23 Mars 2022

FILMOGRAPHIE: Louis-Julien Petit est un réalisateur français, né le 6 septembre 1983 à Salisbury (Royaume-Uni). 2009: Les Figures (court métrage). 2015: Discount. 2016: Carole Matthieu. 2018 : Les Invisibles. 2022: La Brigade. 

Révélé par le splendide Les Invisibles (Prix Chabrol coup de coeur du Jury, Prix du Public à Pau), Louis-Julien Petit remet le couvert avec La brigade à travers sa recette payante d'humour, tendresse et soupçon de drama sans s'assombrir de l'ombre du misérabilisme. Le récit "bankable" relatant le parcours houleux d'une cuisinière prometteuse contrainte d'exercer dans une cantine pour migrants à la suite de son expulsion dans une illustre émission TV vantant la compétition culinaire entre jeunes cuistots en herbe. Un sujet Haribo certes mais redoutablement efficace de par le soin consciencieux du réalisateur à cultiver avec intelligence le juste équilibre entre sobriété et émotion fragile sous l'impulsion de bons sentiments jamais programmés. Soulevant du poids de ses épaules d'airain la globalité du récit avec une force de caractère aussi digne qu'entêtée, Audrey Lamy n'a pas volé son Prix d'interprétation à l'Alpe d'Huez tant l'actrice s'y transcende d'endosser une femme de caractère à la fois humaine et fragile mais passionnée, déterminée et ambitieuse à consolider son avenir tout en observant l'évolution de ses migrants substitués en cuistos néophytes. Il y a d'ailleurs une séquence absolument extraordinaire lorsque celle-ci, auscultée face caméra, dégage peu à peu une palette d'émotions lestement contradictoires à travers les diverses expressions de son visage partagé entre empathie, étonnement et  bonheur. Tout cela étant admirablement coordonné tant Audrey Lamy maîtrise à la perfection ses sentiments hétéroclites avec un naturel sensiblement communicatif. Assurément le rôle de sa carrière jusqu'à présent. 

Ainsi donc, avec ce même degré d'authenticité qui faisait tant la fraîcheur des Invisibles, le casting est également principalement composé d'acteurs non professionnels afin de susciter une identité propre à cette comédie sociale aussi attachante que gratifiante (pour ne pas dire salutaire à daigner unifier les différences et les inégalités). Le réalisateur portant avec une certaine justesse un regard à la fois dur, délicat, tendre et modestement cocasse à travers ses portraits d'étrangers en situation irrégulière que la France hésite à adopter à travers leurs normes drastiques (seuls les mineurs pourraient résider chez nous après avoir subi des examens médicaux, les majeurs étant renvoyés illico dans leur pays d'origine). La réussite infaillible de La Brigade émanant de ce sentiment exaltant de vivre en direct ce conte social dénué de stéréotypes (le final demeure d'ailleurs à la fois étonnant et original à défaut de vraisemblance, alors que le film est inspiré d'une histoire réelle située en Corrèze !) qu'une foule de comédiens amateurs parviennent à crédibiliser sans jamais forcer le trait de l'apitoiement. Et pour parachever avec un autre point positif, on peut enfin souligner la présence secondaire de l'illustre François Cluzet en dirigeant autoritaire totalement fairplay et légitime à considérer et former avec une dignité dépouillée ses jeunes migrants d'une timidité jamais outrée afin de ne pas s'encombrer de pathos. L'acteur parfaitement dirigé effaçant rapidement sa notoriété derrière un second-rôle d'une autorité fructueuse justifiée.  

Une comédie indépendante qui rassemble, sa ligne directrice.

Moins réussi et intense que Les Invisibles certes, l'effet de surprise (et la drôlerie permanente) en moins, La Brigade demeure toutefois un très bon divertissement intelligent et jamais prétentieux, sirupeux ou opportuniste à tenir compte de la situation précaire des migrants instaurés en intermittence chez nous. Le récit fluide, attentif et posé tendant à concilier les différences de par l'opposition des sexes apprenant à se connaître et à se comprendre au sein d'une hiérarchie professionnelle militante de vraies valeurs. On en sort studieux, ému, affecté et rasséréné grâce à la fibre de ce sentiment d'espoir optimiste anti morose. 

*Bruno

Box-Office: 383 782 entrées

Récompense: prix d'interprétation féminine pour Audrey Lamy au festival international du film de comédie de l'Alpe d'Huez 2022

Les Nuits de Dracula / Nachts, wenn Dracula erwacht

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Jess Franco. 1970. Allemagne de l'Ouest, Espagne, Italie,  Liechtenstein, Royaume-Uni. 1h36. Avec Christopher Lee, Herbert Lom, Klaus Kinski, Maria Rohm, Fred Williams, Soledad Miranda 

Sortie salles France: 16 Juin 1971. Espagne: 15 Mars 1971

FILMOGRAPHIE: Jess Franco (Jesus Franco Manera) est un réalisateur espagnol, né le 12 Mai 1930 à Madrid, décédé le 2 Avril 2013. 1962: L'Horrible Dr orlof.  1962: Le Sadique Baron Von Klaus. 1964: Les Maîtresses du Dr Jekyll. 1966: Le Diabolique Dr Zimmer. 1969: L'Amour dans les prisons des femmes. 1969: Venus in furs. 1969: Justine ou les infortunes de la vertu. 1970: Les Nuits de Dracula. 1970: Le Trône de Feu. 1971: Vampyros Lesbos. 1972: Les Expériences Erotiques de Frankenstein. 1972: Dracula prisonnier de Frankenstein. 1972: La Fille de Dracula. 1973: Le Miroir Obscène. 1973: Quartier des Femmes. 1973: Christina chez les Morts-Vivants. 1974: La Comtesse Noire. 1974: Eugénie de Sade. 1976: Jack l'Eventreur. 1980: Terreur Cannibale. 1980: Mondo Cannibale. 1981: Sadomania. 1981: Le Lac des Morts-Vivants (co-réal). 1982: L'Abîme des Morts-Vivants. 1982: La Chute de la maison Usher. 1988: Les Prédateurs de la Nuit. 2002: Killer Barbys.

A l'occasion de sa sortie Blu-ray...

 

Cinquième visionnage des Nuits de Dracula de Jess Franco, réalisé en 1970, un film de vampires bizarrement occulté depuis l'époque de sa conception, alors qu'il s'agit pourtant de l'une des adaptations les plus fidèles du roman de Bram Stoker, mais également de l'une des meilleures versions jamais réalisées - même si je n'étais pas aussi conquis lors des premiers visionnages -. Il s'agit donc d'une oeuvre langoureuse que j'ai appris à aimer jusqu'à la vénérer comme une passion amoureuse. 

 

Tant et si bien que dès le prologue, on a l'impression que Jess Franco réinvente l'histoire et le personnage de Dracula à chaque plan. C'est dire à quel point le film innove et expérimente, notamment à travers une séquence très particulière où des animaux empaillés semblent soudainement prendre vie, non pas par l'entremise de l'image, mais à travers le hors-champ sonore. Une scène particulièrement étonnante, qui déroute autant qu'elle fascine.

 

 

Tout le métrage est ainsi imprégné d'une ambiance gothique immersive, symptomatique de sa nationalité ibérique. À l'instar de la chambre de Lucy, d'une beauté azurée, à la fois baroque et onirique, notamment grâce à ces fenêtres en forme de losange, sans compter les magnifiques éclairages nocturnes qui distillent une étrange poésie crépusculaire, modestement macabre.

 

On peut également saluer la fascination de Jess Franco pour ses actrices, Maria Rohm et Soledad Miranda, qu'il filme avec une sensualité et une épure remarquables. Toutes deux possèdent une beauté laiteuse, avec ces regards noirs, à la fois séduisants et langoureux, ainsi qu'un aspect charnel à travers leurs costumes d'époque que le cinéaste semble prendre un plaisir évident à mettre en valeur.

 

 

Comme il aime d'ailleurs autant mettre en scène un Christopher Lee plutôt laconique, froid, sinistre et impassible, d'autant plus singulier qu'il est affublé d'une moustache, comme dans le roman de Bram Stoker. Un détail qui témoigne encore davantage de la volonté de Jess Franco de rester, à sa manière, au plus près de l'œuvre originelle selon le souhait de l'acteur.

 

Les Nuits de Dracula est ainsi une sorte de voyage surnaturel dans un univers gothique délicieusement bis, capiteux, tant Jess Franco s'efforce de nous proposer une expérience de cinéma hallucinée, d'une certaine façon, mais toujours empreinte d'une forme de pudeur, de sobriété et d'un certain réalisme historique qui frappe les mirettes à chaque instant.

 

 

Car l'immense atout des Nuits de Dracula, c'est évidemment que l'on croit à ce que l'on voit. Le film nous plonge au cœur d'une époque séculaire que nous n'avons pas connue et qui s'ouvre pourtant sous nos yeux avec un onirisme subtil, presque suggéré par moments, et parfois même désarçonnant, tant Jess Franco parvient à nous faire perdre pied avec la réalité, le tout avec un art consommé du travail soigné.

 

Bien sûr, on pourra tiquer sur certaines maladresses, comme les apparitions parfois risibles de la chauve-souris, ou encore quelques incohérences, notamment lorsque Renfield, interprété par Klaus Kinski, se défenestre avant de réapparaître vivant quelques instants plus tard. Une séquence particulièrement étrange qui, toutefois, n'entache en rien l'immense plaisir procuré par cette réactualisation ibérique du mythe vampirique imprégnée de calme, de mystères et de dépaysement. 

 

  

Les amateurs éclairés ne manqueront pas de se laisser emporter par cette délicieuse expérience de cinéma fantastique adulte, à la fois personnelle, passionnante et fascinante, même si son rythme volontairement lent ne pourra évidemment pas plaire à tout un chacun. 

 

Or, il se dégage de cette poésie macabre sans fin une sensualité et une étrangeté tout à fait palpables, au cœur d'un climat gothique d'un autre âge, plus vrai que nature. C'est qui rend Les Nuits de Dracula aussi autonome qu'inoubliable sous l'impulsion du score crépusculaire de Bruno Nicolai. aux cordes lancinantes et aux sonorités légèrement slaves.

— Celui du cœur noir des images 🖤

5èx. 31.09.26. 5èx. Vostfr

Out of the Blue

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Dennis Hopper. 1980. Canada. 1h36. Avec Linda Manz, Dennis Hopper, Sharon Farrell, Don Gordon, Raymond Burr 

Sortie salles France: 15 Avril 1981 (Int - 18 ans). U.S: 3 Décembre 1983

FILMOGRAPHIE: Dennis Hopper est un acteur, réalisateur, poète, peintre et photographe américain, né le 17 mai 1936 à Dodge City (Kansas) et mort le 29 mai 2010 à Los Angeles. 1969: Easy Rider. 1971: The Last Movie. 1980: Out of the Blue. 1988: Colors. 1990: Catchfire. 1990: Hot Spot. 1994 : Chasers. 2000 : Homeless (court métrage). 

Profil sans ambages d'une famille dysfonctionnelle en chute libre.

3è réalisation de Dennis Hopper considérée à juste titre comme son chef-d'oeuvre ultime, Out of the Blue n'y va pas par quatre chemin pour nous mesurer avec une authenticité sordide proche du doc à la descente aux enfers morale de Cindy « Cebe » Barnes. Une jeune ado libertaire aux allures de garçon manqué, passionnée d'Elvis, de rock et de punk à l'orée des années 80. Ainsi, en attendant patiemment la remise en liberté de son père après 5 années de détention, faute d'avoir renversé un bus scolaire bondé d'enfants à bord de son camion, Cebe déambule dans les quartiers malfamés de sa bourgade en guise d'ennui, de rêve, d'évasion, d'ailleurs. Frondeuse en diable, décalée dans sa défroque transgenre, insolente et impertinente, à l'instar de ses séchages scolaires et de ses provocations (risibles) à s'opposer aux grandes gueules et à plus fort que soit, tant auprès de la gente féminine que masculine, Cebe erre d'un endroit à un autre à travers son ardent désir de se brûler les ailes plutôt que de mourir à p'tit feux comme le soulignera à plusieurs reprises la chanson de Neil Young: My My, Hey Hey (sorti en 1978) que l'on entend tel un écho mélancolique. 

La Fureur de Vivre d'une Amérique profonde sans repère. 

Sorte de suite officieuse d'Easy Rider selon les dires de l'auteur, dans la mesure où que serait t'il arrivé au duo d'hippies s'ils étaient restés en vie pour amorcer la décennie 80 en pleine mode disco ? Out of the Blue prend aux tripes par son vérisme absolu à suivre les pérégrinations désenchantées de Cebe en quête d'amour paternel et maternel en dépit de la toxicomanie de celle-ci se shootant à l'héro. Cebe subissant impuissante depuis son enfance et de façon permanente les beuveries en réunion, bastons et déviances sexuels de ses parents instables incapable de lui apporter une touche de réconfort, d'amour et de compassion en dépit de plages d'accalmie que l'on observe la conscience amère. Ainsi donc, à force d'observer les déchéances morales de ses parents à la fois irresponsables et abusifs, le malaise ressenti nous pèse davantage au fil d'une ultime demi-heure d'une intensité psychologique rigoureusement éprouvante. Spoil ! Et ce avant de nous livrer un coup de massue en pleine tronche lors de son épilogue nihiliste d'une horreur sans nom. Fin du spoil.

Sexe / Drogue / Alcool sur fond de punk/rock en sursis. 

Illuminé de la présence écorchée vive de la jeune actrice Linda Manz (Les moissons du Ciel, l'inoubliable Les Seigneurs), qui plus est entouré de seconds-rôles saillants, à l'instar d'un Dennis Hopper hanté par ses démons en jouant les ivrognes avec une expressivité névrotique, Out of the Blue est un électrochoc jusqu'au-boutiste dans son refus impératif de lueur d'espoir de dernier ressort. Car profondément sordide, glauque et malsain mais terriblement beau, sensible et poignant à la fois à travers son humanisme désespéré que retranscrit avec névralgie cette famille inculte victime de leur médiocrité, Out of the Blue résonne tel un cri d'alarme sociétal auprès de ses laissés pour compte jamais remis de leur idéologie "Flower Power". Un portrait vitriolé inoubliable qui nous hante bien au-delà de la projection par son souci d'authenticité rugueuse.

A réserver à un public averti. 

*Bruno

19.07.22. 2èx 

17.01.10

Black Phone

                                                   Photo empruntée sur Google appartenant au site geekslands.fr

de Scott Derrickson. 2022. U.S.A. 1h43. Avec Ethan Hawke, Mason Thames, Madeleine McGraw, Jeremy Davies, E. Roger Mitchell.

Sortie salles France: 22 Juin 2022. U.S: 24 Juin 2022

FILMOGRAPHIE: Scott Derrickson est un réalisateur, scénariste et producteur américain

1995: Love in the Ruins. 2000: Hellraiser V: inferno. 2005: l'Exorcisme d'Emilie Rose. 2008: Le Jour où la terre s'arrêta. 2012: Sinister. 2014 : Délivre-nous du mal. 2016 : Doctor Strange. 2021 : Black Phone. 

Derrickson, habile conteur sous la mainmise de Joe Hill. 

Capable du meilleur (l'Exorcisme d'Emilie Rose, Sinister - son meilleur film -) comme du pire (le jour où la terre s'arrêta, Délivre nous du mal, Doctor Strange), Scott Derrickson renoue avec l'horreur glauque sous l'égide de la nouvelle de Joe Hill (Le Téléphone noir écrit en 2004), fils du maître du suspense Stephen King. Et si The Black Phone n'atteint jamais le niveau malaisant du macabre Sinister, c'est qu'il décide notamment de s'en démarquer en misant ici la carte du suspense lattent parfois oppressant. A l'instar de son final éprouvant et percutant qui plus est renforcé d'une intensité dramatique poignante lors de la séquence suivante autrement émotive. Remarquablement campé par une poignée d'ados rebelles que monopolise le néophyte Mason Thames, celui-ci porte le film sur ses épaules de par sa sobriété expressive en victime calfeutrée entre 4 murs par un dangereux maniaque masqué. Le gosse passant finalement par diverses étapes morales parfois préjudiciables à endurer situation précaire aussi indécise face à la présence rigoureusement étrange de son tortionnaire faussement rassurant. Outre l'aspect dérangeant de ce serial-killer singulier à la fois insidieux et provocateur, Scott Derrickson soigne le cadre exigu de cette geôle rubigineuse avec comme seuls accessoires un vieux matelas poussiéreux et un mystérieux téléphone noir alors que les murs semblent tapissés de sueurs humaines crapoteuses. Et pour en revenir au mystérieux tueur d'enfants campé par le méconnaissable Ethan Hawke, là aussi le cinéaste renoue d'une certaine manière avec l'aura malsaine de Sinister de par l'apparence épeurante de cet individu masqué aux mobiles de prime abord ambigus, pour ne pas dire indécis. 

Le spectateur restant constamment sur le fil de la défiance et dans l'interrogation à travers ses agissements sardoniques à tester l'endurance morale de ses victimes et leur comportement éventuellement rebelle pour s'extirper de leur chaine. Qui plus est, et en prime de nous narrer soigneusement son histoire dans une structure planifiée, l'intrusion intelligente du surnaturel demeure gratifiante si bien que le spectateur accepte facilement cet alibi risqué de par l'adresse de la réalisation soignant ses apparitions morbides avec un sérieux imperturbable (j'ai par ailleurs vaguement pensé par moments au Loup-Garou de Londres). The Black Phone traitant non sans gravité des thèmes douloureux de la maltraitance infantile (certains exactions en 1ère partie sont étonnamment dures par leur réalisme assumé), du harcèlement scolaire et des disparitions d'enfants à travers le parcours initiatique de Finney Blake en proie à une remise en question morale lors de son conditionnement esseulé. Alors que sa soeur cadette, effrayée à l'idée de le perdre, s'efforce d'y trouver une solution en désespoir de cause et en dépit des menaces de son père à la fois abusif et éthylique. Toute l'intrigue, au service du profil torturé de Finney, demeurant une quête pour la survie à s'efforcer à moult reprises de s'échapper de la cave au risque de trépasser à tous moments comme le furent les autres enfants disparus avant lui. Et si la géniale trouvaille du téléphone surnaturel fut déjà exploitée au cinéma (le sympathique 976 Evil même si maladroit, brouillon et joué par des acteurs lambdas) ou à la télévision (le génial épisode "Appels dans la nuit" de la 4è Dimension), son exploitation est ici intelligemment détournée au profit d'une intrigue à la fois solide, originale et inquiétante eu égard de la tournure anxiogène des rebondissements jamais gratuits et de la mise en attente d'une angoisse éthérée.

Baignant dans une ambiance Seventie à la fois chaleureuse et (contrairement) insécure en se permettant en intermittence de rendre hommage aux classiques horrifiques et séries TV de l'époque, The Black Phone s'avère une excellente trouvaille horrifique dénuée de prétention auprès du thème central de la perte d'innocence. Ce qui à mes yeux est une plus-value pour le charme infaillible de sa forme vintage sous l'impulsion de ces attachants héros juvéniles à travers leur caractérisation fragile en voie de stoïcité à dépasser leurs craintes et leurs peurs pour y combattre le mal dans une bravoure insoupçonnée. Vivement recommandé donc pour tous les fans d'horreur adulte "1er degré" même si l'humour noir vitriolé s'invite en quelques savoureuses occasions. A l'instar de la présence secondaire du voisin cocaïné jouant le détective en herbe, pour le meilleur et pour le pire. 

Ci-joint la critique dithyrambique de Gilles Rolland: [CRITIQUE] BLACK PHONE - On Rembobine

*Bruno

9 semaines et demi / Nine ½ Weeks

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Adryan Line. 1986. U.S.A. 1h57. Avec Kim Basinger, Mickey Rourcke, Margaret Whitton, David Margulies, Christine Baranski, Karen Young, William De Acutis.

Sortie salles France: 16 Avril 1986 (Int - 13 ans). U.S: 21 Février 1986.

FILMOGRAPHIE: Adrian Lyne est un réalisateur et producteur britannique, né le 4 Mars 1941 à Peterborough (Grande Bretagne). 1980: Ca plane les filles. 1983: Flashdance. 1986: 9 semaines et demi. 1987: Liaison Fatale. 1990: L'Echelle de Jacob. 1993: Proposition Indécente. 1997: Lolita. 2002: Infidèle. 2022 : Eaux profondes (Deep Water).

Une décennie inoxydable.

Film culte de la génération 80 en dépit de son échec critique et public outre-atlantique, 9 semaines et demi fut malgré tout un succès international puisqu'il cumule plus de 100 millions de dollars. Que reste t-il aujourd'hui de cette romance érotico-sm inspirée du clip en vogue ? Un excellent divertissement fleurant bon les années 80 à travers son ambiance constamment envoûtante saturée d'une BO pop  entêtante n'ayant pas pris une ride qu'Adrian Lyne met en exergue avec un soin esthétique léché eu égard de sa réalisation à la fois solide et consciencieuse à cumuler les ébats érotiques sans que le public n'y éprouve une lassitude. Il faut dire que le duo galvanisant Mickey Rourke / Kim Basinger doit beaucoup au charme et à l'intensité de leurs délires érotiques élégamment filmés puisque jamais vulgaires ou complaisants en dépit d'un final sciemment glauque et malsain (le refuge dans une boite porno afin de dissoudre leur amour commun). Des jeux érotiques toujours plus audacieux et délétères pour leur destin sentimental que Mickey Rourke provoque dans un jeu interlope de domination à la fois placide et taiseux. 

Car mystérieux et secret, charmeur et raffiné dans son costume noir corbeau, l'acteur use de son élégance et de sa voix rassurante pour envoûter Kim Basinger crevant l'écran à chacune de ses apparitions d'une charnalité torride. L'actrice délivrant avec un naturel fureteur, sémillant et parfois badin un jeu à la fois fébrile et fragile au fil de ses relations sexuelles toujours plus risquées, pour ne pas dire éprouvantes. Le récit efficacement traité nous interrogeant sur les limites à ne pas franchir lors de propositions transgressives entre couple (triolisme, sm) et l'influence que peut exercer un amant pervers délibéré à soumettre sa maîtresse au risque de la plonger dans une perte de repères irréversible. Film romantique n'omettant jamais les agréables touches d'humour (avec parfois des instants d'hilarité), 9 semaines et demi est à revoir absolument pour tenir compte du talent indiscutable d'Adrian Lyne filmant cette odyssée érotique avec autant de provocation stylisée que de sensibilité morale eu égard du profil torturé  d'Elizabeth partagée entre sa passion amoureuse littéralement capiteuse et ses sombres remords de s'adonner à des actes sexuels toujours plus houleux, audacieux, dérangeants. 

L'érotisme stylisé à son apogée (musicale).

On peut enfin également parler de vrai film d'ambiance auprès de son émotion musicale ensorcelante et de son climat d'étrangeté parfois proche du thriller qu'Adrian Lyne prend soin de mettre en pratique avec une solide maîtrise inhabituelle pour le sous-genre souvent raillé par les critiques snobinards. Le terme culte n'est donc point galvaudé si bien que 9 semaines et demi existe par lui même sous l'impulsion d'un duo iconique irremplaçable à travers leur emprise séductrice ardente.  

*Bruno
3èx. Vostf 5.1 Dts hd

Box Office France:  1 201 156 entrées

Presque Célèbre / Almost Famous

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Cameron Crowe. 2000. U.S.A. 2h03. Avec Billy Crudup, Frances McDormand, Kate Hudson, Jason Lee, Patrick Fugit, Zooey Deschanel, Anna Paquin 

Sortie salles France: 21 Mars 2001. U.S: 13 Septembre 2000.

FILMOGRAPHIE: Cameron Crowe est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 13 juillet 1957, à Palm Springs, Californie.1989 : Un monde pour nous (Say Anything). 1992 : Singles. 1996 : Jerry Maguire. 2000 : Presque célèbre. 2001 : Vanilla Sky. 2005 : Rencontres à Elizabethtown (Elizabethtown). 2011 : Pearl Jam Twenty (en). 2011 : Nouveau Départ (We Bought a Zoo). 2012 : The Union (documentaire). 2015 : Welcome Back (Aloha). 2016 : Roadies

Oeuvre quasi autobiographique de la part de son auteur vue à travers les yeux de William Miller, ado timoré de 15 ans endossant le poste d'un journaliste en herbe à suivre les concerts et pérégrinations d'un groupe avide de notoriété (en dépit de la réticence de sa mère bigote que campe brillamment avec droiture et émotions maternelles Frances McDormand), Presque Célèbre est touché par une grâce capiteuse eu égard de son pouvoir émotionnel inscrit dans une tendresse en roue libre. Les acteurs, connus et moins connus, incarnant chacun leur fonction avec un naturel désarmant de tranquillité sereine. Particulièrement la jeune groupie Penny Lane jouée par la radieuse et sémillante Kate Hudson tant et si bien qu'elle transperce littéralement l'écran de sa fougue sensuelle sous l'impulsion d'un cinéaste captant ses expressivités faciales "attendries" avec une sobriété perfectionniste. Et à ce niveau technique, chapeau bas à la rigueur du montage passant avec fluidité d'un personnage à l'autre afin de ne rien omettre de leurs réactions humaines aussi bien fragiles que fébriles. Mais il y aussi William Miller que Patrick Fugit  (alors méconnu à l'époque) compose avec une attachante innocence dans la peau d'un journaliste à la fois interrogatif, perplexe mais passionné puis peu à peu amoureux de cette jeune fille que le leader du groupe Russel Hammond compte toutefois conquérir sans passion. 

Ainsi donc, celui-ci se laisse embarquer à travers les tournées du groupe Stillwater en voie de reconnaissance médiatique avec ce que cela sous-entend de sorties éméchées avec les fans, entre drogue, sexe et alcool que Cameron Crowe évite toutefois de se complaire grâce à une certaine pudeur des situations et grâce à la complicité amicale de ces jeunes passionnés férus de joie de vie, d'amour et de pop-rock dans l'air du temps. Voyage temporel au sein des Seventies à l'aune de cette jeunesse flower power irrésistiblement attirée par les paradis artificiels que notre jeune héros ne cède toutefois jamais de par sa sagesse, son intégrité et son intelligence d'esprit, Presque Célèbre touche droit au coeur auprès de ses moments d'intimité romantique et de communion amicale que les comédiens, extrêmement aisés, décomplexés, exaltés, nous transmettent avec une vérité humaine fulgurante. Au point même où, outre les morceaux musicaux entêtants et explosifs, je me suis surpris à moult reprises d'y verser des larmes de par l'intensité des sentiments humains livrés ici sans ambages, la pudeur et la réserve restant les maîtres mots, qui plus est renforcé de la lucidité de la réal portant un regard terriblement affectueux sur cette génération rock éloignée de la réalité mais pour autant rattrapée par une remise en question et d'une prise de conscience auprès du trio Penny / William / Russel.  

Tu l'auras compris, et fort d'une réputation élogieuse auréolée de récompenses (voir ci-dessous), Presque Célèbre s'avère le haut du panier du genre musical à travers les yeux d'un parcours initiatique semé de turbulences, de désillusions, mais aussi d'espoir et d'optimisme. Celui d'un ado idéaliste partageant avec nous (et face au témoignage versatile du groupe) ses passions (et envers le journalisme et envers la musique), ses doutes, ses angoisses et ses désirs sentimentaux en s'interrogeant sur la réalité des sentiments exposés lors de tournées pailletées triomphantes et lors de ses échanges avec sa mère autoritaire. Bref, du vrai et beau cinéma comme on en voit hélas que rarement grâce à l'alchimie idoine d'une réalisation scrupuleuse (jamais pédante puisque c'est sa simplicité qui le rend tant charmant) entourée d'une galerie d'acteurs épatants de peps, de cocasserie (le récit est effectivement plein d'humour bonnard) et de mélancolie existentielle sous couvert d'une satire du journalisme à potins que les artistes suspectent d'un oeil versatile. 

*Bruno

12.07.22. 2èx vf

23.12.01

Récompenses: 

Oscar du meilleur scénario original pour Cameron Crowe

Golden Globe du meilleur film musical ou de comédie

Golden Globe de la meilleure actrice dans un second rôle pour Kate Hudson

British Academy Film Award du meilleur scénario original pour Cameron Crowe

British Academy Film Award du meilleur son pour Jeff Wexler, Doug Hemphill, Rick Kline, Paul Massey et Michael D. Wilhoit

Online Film Critics Society - Meilleur film

American Film Institute Awards lors de la 1re cérémonie des American Film Institute Awards

Le Solitaire / Thief

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Michael Mann. 1981. U.S.A. 2h04. Avec James Caan, Tuesday Weld, Robert Prosky, Willie Nelson, James Belushi, Tom Signorelli, Dennis Farina.

Sortie salles France: 20 Mai 1981. U.S: 27 Mars 1981

FILMOGRAPHIE: Michael Kenneth Mann est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 5 Février 1943 à Chicago. 1979: Comme un Homme Libre, 1981: Le Solitaire, 1983: La Forteresse Noire, 1986: Le Sixième Sens, 1989: LA Takedown, 1992: Le Dernier des Mohicans, 1995: Heat, 1999: Révélations, 2001: Ali, 2004: Collatéral, 2006: Miami Vice, 2009: Public Enemies. 2015 : Hacker. (Blackhat). 2023 : Ferrari. 

Pour son premier long au cinéma, Michael Mann nous assène de plein fouet un coup de maître avec ce polar hypnotique, Le Solitaire, sublimé de la présence aussi magnétique de l'acteur viril James Caan (qui vient de nous quitter hier à l'heure où j'écris ces lignes), quand bien même le groupe Tangerine Dream nous berce de son score électro collant aux images urbaines à la lisière d'une fantasmagorie crépusculaire. Mann possédant ce don inné d'y filmer la ville nocturne de Chicago à travers ses éclairages d'un bleu argenté sous un bitume humecté. Pourtant sur le papier, le pitch minimaliste (un perceur de coffre décide d'accomplir un dernier casse avant de se ranger pour y fonder une vie de famille) n'augure rien d'original avec son impression de déjà vu. Mais par le génie de la mise en scène clippesque de Michael Mann, il transforme son polar à priori basique en chef-d'oeuvre élégiaque sous l'impulsion du traitement psychologique de ces personnages peu recommandables. James Caan, terriblement fascinant et attachant, endossant avec une classe aussi impériale qu'un Pacino ou De Niro  (rien que ça) un braqueur de diamant ultra pro car réputé dans son art d'y dévaliser les plus gros coffre-fort. Celui-ci se fondant dans le corps classieux de cet ex taulard sans peur ni intimidation puisque ayant acquis en prison à se foutre de tout et de sa personne afin de rester en vie. Un être autonome toutefois anachronique car dépassé par le système économique actuel alors que son entourage fallacieux et perfide s'efforce vainement de le dompter, d'y marchander et de l'asservir. Car c'est principalement un portrait d'anti-héros entêté en quête de rédemption que nous autopsie scrupuleusement Mann à travers son parcours houleux de négocier subitement avec un mafieux sans vergogne, et au travers de son évolution morale à s'assainir auprès d'une vie de couple qu'il ne pût concrétiser au préalable. 

Et ce même si sa nouvelle compagne demeure hélas stérile au moment où Franck évoque l'idée d'une éventuelle adoption de dernier ressort. De par son art d'y conter son histoire à la fois sombre, incertaine et mélancolique autour d'un conflit de générations (Léo / Franck), Michael Mann nous livre donc un moment de cinéma contemplatif à travers une pléthore de séquences anthologiques (tant pour les situations intimes que celles tendues ou autrement belliqueuses) que l'on observe avec une attention scrupuleuse (impossible de détacher les yeux de l'écran par le vertige des sentiments livrés sans fard). On peut donc parler sans rougir de véritable modèle de mise en scène alors qu'il s'agit du premier long pour le cinéma d'un cinéaste néophyte extrêmement ambitieux et talentueux à nous faire participer à une expérience de cinéma à la fois instrumentale (Tangerine Dream est comme de coutume touché par une grâce sensorielle) et terriblement immersive à donner chair à cet univers véreux (complicité vénale des forces de l'ordre à l'appui) auprès d'un couple qu'on aimerait tant ressortir victorieux. Car outre le plaisir éprouvé pour ses séquences iconiques s'enchainant sans temps morts sous l'impulsion d'un suspense inopinément alerte (son final nihiliste s'avère destructeur dans tous les sens du terme), Le Solitaire est notamment un film d'acteurs comme on n'en fait plus et comme on en voit plus. Des gueules striées à l'ancienne dégageant une expressivité mature dans une aura malsaine alors que James Caan, intrépide, irrévocable, spartiate, individualiste, poursuivra coûte que coûte son bonhomme de chemin esseulé pour le prix de son honneur et de sa rectitude. Quitte à tout perdre ce qu'il venait juste de concrétiser mais en protégeant toujours ses proches les plus fidèles et méritants en dépit des apparences impassibles. D'ailleurs, les moments d'amitié qu'il nous fait partager avec un taulard moribond (Okla, détenu depuis 21 ans mais libre dans 10 mois) demeurent d'une intensité dramatique à la fois sobre et singulière à travers ses doux échanges de regards extrêmement reconnaissants et affectueux. Des moments d'intimité jamais vus sous cet angle prude que Michael Mann empile comme des perles avec une dignité désarçonnante, notamment auprès des rapports de couple sobrement bienfaiteurs, coléreux ou parfois épanouissants.

Electrisant, pour ne pas dire foudroyant dans sa capacité stylisée à nous captiver sous l'oeil d'une caméra habitée par la quête de perfection; Le Solitaire est tout simplement l'un des plus grand polars urbains de tous les temps en prime de nous parfaire 2 séquences de braquage d'une authenticité documentée inusitée. James Caan ensorcelant sans cesse l'écran en voleur de diamant compromis par son changement d'orientation moral (conjugal et professionnel) mais toujours dans la droiture de ne céder à aucune tractation (fallacieuse) au risque de tout perdre ce qu'il eut anticiper.  

*Bruno

3èx/ Vostfr 5.1 DTS

Ci-joint conférence studieuse de Jean-Baptiste Thoret aussi passionnante que le métrage:

Monsters. Meilleur film indépendant: National Board of Review, 2010.

                                          

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Gareth Edwards. 2010. Angleterre. 1h34. Avec Whitney Able, Scoot McNairy. Mario Zuniga Benavides, Annalee Jefferies, Justin Hall, Ricky Catter.

Sortie France: 1 Décembre 2010, U.S.A.: 29 Octobre 2010

FILMOGRAPHIE: Gareth Edwards est un réalisateur anglais, scénariste, producteur et directeur de photographie, né en 1975. Monsters est son premier long-métrage.

                                          

🖤 Deux cœurs au milieu des monstres

Sous ses faux airs de District 9, ce premier long métrage à petit budget d'un réalisateur indépendant ayant fait ses preuves dans les effets spéciaux est avant tout une balade poético-romantique, contemplative, suivant un couple égaré dans un no man's land mexicain, non loin de la frontière américaine qu'ils tentent difficilement de rejoindre. Tout l'inverse donc de sa bande annonce fallacieuse. 

Le pitch : Après avoir découvert une potentielle vie extraterrestre dans le système solaire, la NASA envoie une sonde afin de prélever quelques échantillons. Sur le chemin du retour, l'engin s'écrase en Amérique centrale. Furtivement, la vie extraterrestre se développe dans les forêts mexicaines, si bien qu'une vaste zone du nord du pays, considérée comme contaminée, est placée en quarantaine. Depuis six ans, Américains et Mexicains tentent de contenir cette menace extraterrestre par le déploiement de forces militaires. Mais un journaliste venu étudier cette forme de vie inconnue se voit contraint de protéger et d'accompagner jusqu'à la frontière américaine une jeune touriste égarée.

                                           

Pour en revenir à District 9, leur relation commune repose uniquement sur le principe qu'une forme de vie extraterrestre a débarqué sur Terre et tente d'y survivre malgré les bombardements américains et mexicains. Mais là où le film de Neill Blomkamp s'intéresse frontalement à la confrontation entre humains et extraterrestres, Gareth Edwards privilégie une approche beaucoup plus intime et contemplative.

Ainsi, à travers ce décor d'apocalypse et de pays dévasté, le réalisateur livre avec une sensibilité pudique une fragile romance initiatique entre deux personnages qui se rapprochent peu à peu au fil de leur périple, tentant simplement de survivre dans cet environnement hostile dont ils ignorent encore la véritable dangerosité.

À travers cette situation alarmiste d'un pays chaotique en état de guerre contre un ennemi potentiellement belliqueux dont ils ignorent les véritables intentions, le réalisateur suggère, sans violence graphique, une logique militaire déterminée à éradiquer une menace dont toute communication semble rompue. Il joue autant du pouvoir de fascination et de mystère de ces formes extraterrestres réfugiées dans une nature lyrique que de l'attention contemplative portée à l'amitié naissante entre un homme et une femme, livrés aux tourments de leur angoisse et de leur incertitude avant peut-être d'oser s'avouer leur amour.

                                         

Avec son sens poétique et sensitif, nourri par des images parfois insolites où les décors naturels se mêlent aux habitations clairsemées et ravagées, puis par l'apparition démesurée de ces extraterrestres ressemblant à d'immenses pieuvres en apesanteur, Monsters est un ovni - métaphoriquement parlant - d'une beauté aussi étrangement envoûtante que diaphane.

On peut même songer à Near Dark et à La Forteresse noire, toutes proportions gardées, pour cette vigueur onirico-lyrique. Car, accentuée par un score hypnotique à la fois sensible, fragile et timoré, l'odyssée esseulée de nos deux héros traversant quelques dangers à travers ce décorum naturaliste - la grande pyramide, les immenses murailles longeant la zone contaminée, l'apparition démesurée des deux créatures en amont de la station-service - nous est illustrée de manière d'autant plus réaliste, à la limite du documentaire pris sur le vif, avec ce que cela sous-entend de seconds rôles et de nombreux figurants amateurs.

Ainsi, avec retenue et sans esbroufe, afin de laisser respirer son récit et ses personnages égarés, Monsters se vit et se ressent sous l'impulsion d'une acuité émotive ténue. Tel un voyage romantique singulier tirant parti de la caractérisation solidaire de ce couple confronté à une quotidienneté précaire, insécure et anxiogène.

Deux êtres quelque peu hantés, contrariés, démunis, désarmés par leur impuissance à oser déclarer leur flamme au cœur de cette désolation écologique. Si bien que la nature, témoin de cette guérilla intraitable, ne demande qu'à éclore de nouveau avec la complicité de ces extraterrestres confinés dans les écorces des arbres afin d'hiberner puis de façonner leur mutation.

                                           

Lost in Paradise.

Efficacement mis en scène à travers un parti pris suggestif compensant son maigre budget par l'utilisation ingénieuse de ses impressionnants effets spéciaux, et porté par deux modestes comédiens épatants de naturel, entre humanisme affecté et fragilité sentimentale - on peut d'ailleurs préciser qu'à la ville, ils formaient eux-mêmes un véritable couple au moment du tournage -, Monsters se décline en ode lyrique à l'épanouissement amoureux au sein d'un monde régressif bafoué par notre instinct d'ego autodestructeur.

Magnifiquement envoûtant et si expressif quant au vérisme de sa scénographie naturaliste, à la fois cauchemardesque, atone, apaisante et romantique, Monsters est à mes yeux l'un des plus beaux poèmes romantiques imprimés sur écran.

— Celui du cœur noir des images 🖤

05.10.26. 

06.07.22. Vostfr

10.04.11. 105 v

Récompenses: 

2010 : Austin Film Critics Association : meilleur premier film

2010 : National Board of Review : meilleur film indépendant

2010 : British Independent Film Awards : meilleur réalisateur