Sherlock Holmes contre Jack l'Eventreur / "A Study in Terror"

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site intemporel.com

de James Hill. 1965. Angleterre. 1h35. Avec John Neville, Donald Houston, John Fraser, Anthony Quayle, Adrienne Corri, Frank Finlay, Judi Dench.

Sortie salles France: ? Angleterre: Octobre 1965

FILMOGRAPHIE: James Hill (ou James H. Hill) est un réalisateur, producteur et scénariste anglais, né le 1er août 1919 à Eldwick (Yorkshire de l'Ouest, Angleterre), décédé le 7 octobre 1994 à Londres. 1961 : The Kitchen. 1962 : The Dock Brief. 1964 : The Golden Head. 1965 : Sherlock Holmes contre Jack l'Éventreur. 1966 : Born Free. 1969 : Le Capitaine Nemo et la ville sous-marine. 1970 : The Man from O.R.G.Y. 1971 : Prince noir.

Inspiré d’un récit d’Adrian Conan Doyle - fils d’Arthur Conan Doyle - intitulé Fog, dont il est également coproducteur, Sherlock Holmes contre Jack l'Éventreur s’impose comme l’une des meilleures variations autour du célèbre criminel victorien. Eu égard au soin apporté à la reconstitution, au jeu spontané des acteurs - le duo John Neville / Donald Houston semblait né pour épouser la chair d’investigateurs retors - et à une intrigue dense, passionnante, ponctuée de meurtres sanglants. Tourné en 1965, le film cède parfois, non sans audace, à une violence graphique où les effusions s’échappent des corps striés de victimes terrorisées. James Hill, redoutablement inspiré, soigne le fond comme la forme à travers un récit criminel, en bonne et due forme, remarquablement charpenté.

Tant et si bien que l’on s’interroge, avec une délicieuse perplexité, sur l’identité plausible de l’assassin parmi les silhouettes interlopes du Dr Murray, de Lord Carfax, et surtout de Michael et Angela Osborne, compromis par un odieux chantage avec la complicité du tenancier Max Steiner. Baignant dans l’atmosphère feutrée des rues brumeuses de Whitechapel, le film demeure un régal formel et auditif, porté par les théories - pleines d’une dérision subtile - d’un détective confronté pour la première fois à l’énigme “Jack l’Éventreur”. Outre l’originalité du propos, on salue en filigrane une galerie de seconds rôles et de figurants expressifs, marginaux décomplexés, rustres et provocateurs, quand certaines catins, téméraires jusqu’à l’imprudence, se laissent happer par le tueur. Hill esquisse aussi une diatribe politique à travers cette population désargentée, livrée à l’alcool et à la luxure, faute d’emplois et broyée par l’inégalité des classes.

Passionnant par sa vénéneuse intrigue policière, non dénuée d’intensité dramatique - quant aux tenants et aboutissants de personnages liés à une romance insoluble - le film conjugue avec précision suspense, action et épouvante sous l’impulsion d’un duo de détectives aussi roublards que vaillants. On demeure parfois saisi par leurs bravoures héroïques, opposant à l’ennemi la canne-épée ou les poings, jusqu’à cet impressionnant corps-à-corps final, au cœur d’un brasier domestique d’une puissance réaliste.

— le cinéphile du cœur noir 🖤
5èx. Vostfr

Les Bêtes Féroces attaquent / Wild Beasts - Belve feroci

                                                                     Photo empruntée sur Google.com

de Franco Prosperi. 1984. Italie. 1h32. Avec Lorraine De Selle, John Aldrich, Ugo Bologna, Louisa Lloyd, John Stacy, Enzo Pezzu, Monica Nickel.

Sortie salles France: 30 Octobre 1985

FILMOGRAPHIE: Franco E. Prosperi est un réalisateur, scénariste et producteur italien né en 1928 à Rome. 1955: I viaggi meravigliosi (doc). 1958: I santuari della natura (doc). 1962: Mondo cane (doc). 1963: La femme dans le monde (titre belge). 1963: Mondo cane 2 (doc). 1966: Adieu Afrique. 1971: Les négriers. 1975: Mondo candido. Savana violenta (doc). 1984: Les bêtes féroces attaquent.

Reconnu par le diptyque Mondo Cane, shockumentaire préfigurant la saga fallacieuse Face à la mort,  Death Scènes et consorts, Franco E. Prosperi réalise pour le dernier projet de sa carrière une série B horrifique au tournage houleux si je me réfère à la véracité des animaux (parfois maltraités ou carrément sacrifiés, parti-pris évidemment impardonnable) employés durant la majorité du tournage. 

Le pitch: Sous les effets d'une drogue déversée dans l'eau d'un zoo, les animaux enragés s'échappent de leur cage pour importuner les citadins de la ville. Un vétérinaire et son adjoint tentent de les neutraliser puis de secourir les victimes. 

A partir d'une idée saugrenue (pourtant inspirée d'un fait divers au Congo !) déjà exploitée dans le sympathique Day of Animals (1977), Franco E. Prosperi en extrait un film d'exploitation aussi ludique et débridé que glauque et malsain si bien que ce dernier n'hésite pas à infliger quelques sévices à certains mammifères purement et simplement molestés face caméra (chat martyrisé par une flopée de rats alors que plus tard quelques uns d'entre eux seront brûlés vifs; vache, cheval et cochon sévèrement agressés par des félins au sein du cadre exigu de leur étable). Autant dire que ces séquences abjectes introduites en intermittence du récit provoquent évidemment gêne et malaise dans leur évidente volonté de renchérir le réalisme des situations catastrophes. Pour autant, et en dépit d'un attachant cast inexpressif et d'un suspense inexistant, l'intrigue ne s'appuyant que sur les séquences d'agressions animales à rythme métronomique, les Bêtes féroces attaquent compile de folles offensives et poursuites en roue libre à travers un ténébreux cadre urbain.

Car entièrement tourné de nuit au sein d'une bourgade étrangement déserte, le film multiplie les séquences audacieuses aussi impressionnantes qu'inopinément crédibles lorsque les animaux lâchés dans la nature s'en prennent aux quidams avec une rage incontrôlée. A l'instar du jeune couple agressé par des rats dans l'habitacle de leur voiture (ma séquence attitrée instaurée en 1ère partie tant elle provoque un véritable effroi viscéral !), d'une femme écrabouillée par la patte d'un éléphant, d'une automobiliste coursée par un guépard en plein centre urbain (une poursuite surréaliste émaillée de cascades automobiles au montage assez efficient), des passagers d'un métro agressés par un tigre ou encore de l'intrusion d'un ours blanc (bizarrement apathique) dans un gymnase. Mais la cerise sur la gâteau émanera de son final d'un réalisme autrement horrifique à travers sa thématique de l'enfant diabolique. Cette ultime séquence déviante parvient par ailleurs à cultiver un climat d'angoisse à la fois trouble et oppressant lorsque le marmot sardonique (pour lui ça n'est qu'un jeu) plantera sa victime d'un violent coup de poignard. Une séquence qui plus est filmée en slow motion afin d'amplifier le malaise de l'acte crapuleux. Ainsi, il faut avouer que l'étonnante figuration constituée de véritables lions, tigres, guépard, ours et éléphants impressionnent sans fard de par leur authentique présence tantôt patibulaire, tantôt furibarde. Quand bien même, et comme de coutume chez nos artisans bisseux assumant leur complaisance typiquement transalpine, Prosperi abuse de maquillages gores très réussis de par leur aspect aussi bien craspec (membres et chairs déchiquetées sous les coups de griffes ou de crocs) que putride (l'état calciné de certains cadavres).

Bisserie gore frappadingue irréalisable de nos jours (notamment faute des innommables snufs animaliers que les italiens osèrent perpétrer sous l'oeil de leur caméra voyeuriste durant les décennies 70 et 80), les Bêtes Féroces demeure toutefois un fascinant délire improbable à travers sa moisson d'agressions animalières fréquemment percutantes ! Une oeuvre insensée en somme, à réserver toutefois à un public averti.

Bruno

29.07.24. Version Italienne Stéréo. 4èx
30.10.19. 
02.03.17. 412 

l'Enterré Vivant / "The Premature Burial"

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Roger Corman. 1962. U.S.A. 1h21. Avec Ray Milland, Hazel Court, Richard Ney, Heather Angel, Alan Napier, John Dierkes, Dick Miller, Clive Halliday, Brendan Dillon...

Sortie salles France: 2 Octobre 1968. U.S: 7 Mars 1962

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan
1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: Le Masque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: Le Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

Troisième adaptation du cycle Edgar Allan Poe, L’Enterré vivant demeure l’unique incursion de Roger Corman sans la silhouette du gentleman Vincent Price. Ray Milland s’y substitue avec une sobriété distinguée, incarnant un médecin reclus dans la solitude, rongé par la peur d’être enseveli vivant comme le fut son père, victime de catalepsie. Aux côtés de la douce Hazel Court, épouse prévenante, ils forment un duo fragile, uni par un amour tremblant faute de la même hantise du trépas - que Milland porte avec une intensité contrariée, névrosée. D’un gothisme raffiné, le film aborde la mort, la douleur suffocante et l’au-delà, tout en sondant les vertiges claustrophobes d’un homme prisonnier de ses obsessions morbides, jusqu’à se bâtir une geôle mentale dans son propre huis-clos.

Le climat de claustration s’y déploie avec une force expressive, notamment lorsque Guy Carrell s’imagine, panique au ventre, enfermé dans son cercueil et tente d’en briser les parois à la seule vigueur de ses poignets. Corman sature alors l’image de jaunes et de bleus fantomatiques, nous plongeant dans une incertitude fiévreuse où chaque détail décrépit renforce l’irréel. Constamment soutenu par un suspense latent, étrange, tendu, et porté par l’onirisme macabre d’une scénographie gothique fulgurante - encore plus flamboyante que celle de La Chambre des tortures - L’Enterré vivant nous entraîne dans un cauchemar cérébral où un homme récalcitrant glisse peu à peu hors de la raison malgré les appels de son épouse. Et lorsque survient le dernier quart d’heure, habile en rebondissements, l’affrontement psychologique qui en émerge s’impose comme une vision d’outre-tombe aux accents d’ironie cruelle.

Suspense gothique réjouissant, mené avec autorité par des comédiens d’une élégance aristocratique sous l’égide d’un Corman maître absolu de la série B, L’Enterré vivant me paraît même surpasser La Chambre des tortures - plus raffiné dans sa forme, plus reptilien et captivant dans son récit, aussi cruel mais plus subtilement ironique peut-être.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

10/12/2025. 3èx. Vostf 
29.10.19
23.07.10. 179 v

Le Grand Frisson

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"High Anxiety" de Mel Brooks. 1977. U.S.A. 1h34. Avec Mel Brooks, Cloris Leachman, Harvey Korman, Madeline Kahn, Ron Carey, Howard Morris, Dick Van Patten.

Sortie salles France: ?. U.S: 25 Décembre 1977

FILMOGRAPHIE: Mel Brooks (Melvin Kaminsky) est réalisateur, acteur, scénariste, compositeur et producteur américain, né le 28 Juin 1926 à New-York. 1968: Les Producteurs. 1970: Le Mystère des 12 Chaises. 1974: Frankenstein Junior. 1974: Le Shérif est en prison. 1976: La Dernière folie de Mel Brooks. 1977: Le Grand Frisson. 1981: La Folle Histoire du monde. 1987: La Folle Histoire de l'Espace. 1991: Chienne de vie. 1993: Sacré Robin des Bois. 1995: Dracula, mort et heureux de l'être.

Parodie des films à suspense d'Alfred Hitchock (que j'ai eu l'opportunité de découvrir une 1ère fois un mémorable mercredi soir sur Canal +), Le Grand Frisson est un régal visuel et auditif à travers son avalanche de gags ultra décomplexés, tant et si bien que Mel Brooks ne s'embarrasse guère de tabous pour provoquer l'hilarité (la séance SM entre la surveillante chef et le Dr Montague, les manies lubriques du médecin "épagneul", les calembours durant une conférence afin de ne pas offusquer 2 fillettes de l'assemblée, les jouissances orales du tueur pervers lors de ses communications téléphoniques). Ainsi, à travers une intrigue simpliste (embauché dans un centre psychiatrique, un éminent médecin s'aperçoit que les malades ont un faible taux de guérison et que leurs dirigeants semblent exploiter leur pathologie), prétexte à plagier les plus grands classiques d'Hitchcock (mais aussi quelques oeuvres d'autres auteurs aussi notoires), Mel Brooks et son casting fétiche sont à la fête pour décupler des situations ubuesques génialement déjantées.

De par l'extravagante personnalité d'une galerie de personnage folingues jouant les membres respectables d'un centre psychiatrique avec un sérieux sournois, Le Grand Frisson met autant en exergue le talent de ce casting cartoonesque (Cloris Leachman, Harvey Korman en tête en duo conjugal machiavélique) que de son évolution narrative imprévisible émaillée d'incidents et de morts génialement cocasses (notamment à travers le faux semblant d'un crime perpétré en public). Et donc, en s'autorisant les audaces et les excès auprès de quiproquos et péripéties en roue libre (notamment lorsque la caméra joue soudainement "l'acteur" en interférant dans le champs de l'action !), Mel Brooks compile une moisson de sketchs "hommage" avec une inventivité volubile. L'intrigue se soumettant aux observations du Dr Richard H. Thorndyke témoin d'évènements suspicieux au sein de sa nouvelle clinique dirigée de main de fer par la matrone Diesel. Mais atteint du vertigo depuis son enfance, il devra user de persévérance, de bravoure et d'appui sentimental afin de dépasser son affres du vide mais aussi prouver son innocence.

N'ayant pas pris une ride quelques décennies plus tard (42 ans à l'heure d'aujourd'hui), le Grand Frisson fait probablement parti des meilleures comédies de Mel Brooks sous l'impulsion de son casting fétiche prenant plaisir à se disputer l'action avec un sémillant sérieux. A revoir d'urgence pour tous les amateurs de parodies débridées si bien que Mel Brooks a le don de singer une intrigue dramatique pour la dynamiter dans une explosion de fou-rires incontrôlés ! 

*Bruno
4èx

La Malédiction d'Arkham

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"The Haunted Palace" de Roger Corman. 1963. U.S.A. 1h25. Avec Vincent Price, Debra Paget, Frank Maxwell, Lon Chaney Jr., Leo Gordon, Elisha Cook Jr., John Dierkes.

Sortie salles France: 3 Juin 1970. U.S: 28 Août 1963.

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan
1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: Le Masque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: Le Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

6è adaptation (/8) de l'écrivain Edgar Allan Poe bien qu'il faut ici préciser que Roger Corman s'inspire plutôt du roman L'Affaire Charles Dexter Ward d'H.P. Lovecraft accouplé au poème Le Palais Hanté d'après Poe, La Malédiction d'Arkham demeure un régal formel en dépit d'une intrigue somme toute simpliste assez prévisible. Car si elle est loin d'égaler ses chefs-d'oeuvre flamboyants Le Masque de la mort rouge et la Tombe de Ligeia, la Malédiction d'Arkham s'avère si constamment fascinant et pénétrant que l'on fait fi de sa modeste ambition à exploiter un schéma horrifique plutôt éculé. Le maître de cérémonie Vincent Price endossant un double rôle 1h30 durant sous l'impulsion de son regard magnétique que l'on chérie tant. A savoir que Charles Dexter Ward accompagné de son épouse Ann viennent d'hériter du château de l'ancêtre Joseph Curwen. Mais rapidement, ce dernier envoûté par le tableau de Joseph accuse un changement d'humeur et de comportement auprès de son épouse davantage contrariée. Mais follement aimante et attentionnée, elle s'efforce malgré tout de rester à ses côtés en dépit de ses diverses tentatives de quitter les lieux. Peu à peu possédé par l'esprit de Joseph parmi la complicité du gardien Simon et d'un valet, Charles se laisse influencer à ressusciter l'ancienne maîtresse de Joseph avant de réveiller le démon de l'ouvrage, le nécronomicon, et ainsi pouvoir créer une nouvelle race d'humains mutants.

Ce joli programme horrifique (à base de bestiaire monstrueux en filigrane) nous relate donc la sinistre vengeance de Joseph brûlé vif par sa population 110 ans plus tôt, et qui profite aujourd'hui de la venue de son descendant Charles Dexter afin de parfaire sa promesse d'y châtier les responsables de sa mort. Sans surprises donc, mais toujours efficace et captivant, la Malédiction d'Arkham transpire l'amour de l'horreur Gothique à l'aide de moyens modestes mais redoutablement payants. Roger Corman sublimant ses décors naturels diaphanes et domestiques à travers une atmosphère d'onirisme sépulcral. Ainsi, sur le plan visuel, le film demeure un ensorcellement de chaque instant, quand bien même les comédiens hyper charismatiques (dont l'éminent Lon Chaney Jr en faire-valoir) se fondent dans le corps de leur sinistre personnage avec une distinction génialement orgueilleuse. Quant à l'unique présence féminine qui les entourent, la sublime Debra Paget observe leurs méfaits avec une appréhension toute ténue tout en s'efforçant d'extirper des griffes du mal son infortuné époux avec une fragilité sensiblement lascive. Ce qui m'incite par l'occasion à avouer que cette modeste actrice d'une beauté gracile ténébreuse s'avère (selon mon jugement de valeur) l'une des plus belles femmes du monde. Tant auprès de son enveloppe filiforme que de la candeur de ses yeux d'amande, nuance azur.

A la fois sensiblement sensuel, ensorcelant et capiteux à travers sa beauté funeste à damner un saint, La Malédiction d'Arkham transcende la série B artisanale parmi l'amour et la passion de son auteur et de ses gentlemens acteurs. Si bien qu'il est à revoir sans se lasser jusqu'à son dernier souffle, comme chaque adaptation de Poe réactualisée par le Houdini de l'épouvante, Roger Corman. 

*Bruno
3èx

Tir Groupé. Prix de la Presse Etrangère.

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site ekladata.com

de Jean-Claude Missiaen. 1982. France. 1h28. Avec Gérard Lanvin, Véronique Jannot, Jean-Roger Milo, Roland Blanche, Dominique Pinon, Michel Constantin, Mario David.

Sortie salles France: 22 Septembre 1982 (Int - 13 ans lors de sa sortie puis Int - 16 ans de nos jours selon Wikipedia)

FILMOGRAPHIE: Jean-Claude Missiaen est un critique de cinéma et réalisateur français né en 1946. 1982 : Tir groupé. 1984 : Ronde de nuit. 1985 : La Baston. 1991 : Les Hordes (mini-série). 1992 : Les Renseignements généraux (TV). 1993 : Une image de trop (TV).

Surfant sur le succès du Justicier dans la ville 2 sorti 6 mois au préalable, Jean-Claude Missiaen exploite pour sa toute première réalisation le Vigilante Movie. Récoltant tout de même 1 344 411 spectateurs dans l'hexagone, Tir Groupé mérite son succès commercial en dépit de sa trame éculée somme toute simpliste. Pour ce faire, il tire parti de son efficacité de par son casting aussi charismatique qu'expressif et par sa réalisation inspirée que Jean-Claude Missiaen peaufine à travers l'atmosphère urbaine des années 80 (même si certains clichés prêtent à sourire). Qui plus est renforcé d'une partition jazzy plutôt idoine, il alterne sans outrance flash-back (au nombre de 3) et présent par le biais d'un suspense lattent dénué d'action (en dépit d'un final contrairement explosif et plutôt bien chorégraphié). Autant donc avertir les amateurs de film d'auto-défense en bonne et due forme si bien que l'intérêt de Tir Groupé réside prioritairement dans la caractérisation de ses personnages et dans son émotion dramatique sobrement poignante. Amorçant son intrigue avec l'agression ultra violente de (la douce et tendre) Veronique Jeannot piégée par 3 loustics au coeur d'un train, on reste encore aujourd'hui estomaqué par son degré de réalisme sordide à la limite du supportable.

Tant auprès des hurlements stridents de l'actrice à la posture chétive que les coups portés sur son visage ensanglanté avant un coup de poing fatal. D'ailleurs, à travers ce trio de voyous se complaisant dans une violence aussi lâche que gratuite, on reste impressionné par leur charisme patibulaire que Jean-Roger Milo monopolise auprès de sa figure carrée à la fois impassible et monolithique. Des sales gueules de loubards que renchérissent Dominique Pinon en p'tite crapule influençable et l'excellent Roland Blanche en leader gouailleur chargé de grossière éloquence dans un costard endimanché d'une blancheur fuligineuse. Quant à l'inspecteur notoire chargé de l'houleuse enquête, Michel Constantin s'y fond sobrement épaulé de sa carrure mastard et de sa voix rocailleuse. Mais au-delà de ce défilé d'acteurs à la facture burinée, Tir Groupé gagne en densité et intensité dépouillée de par le jeu viscéral de Gérard Lanvin se taillant malgré lui une carrure de justicier suicidaire avec un naturel en berne. Jean-Claude Missiaen exploitant d'autre part sa force d'expression démunie à travers des séquences intimes bâties sur ses sentiments de révolte et d'injustice, entre une cuisante crise de nerf.

Efficacement mené tout le long d'une intrigue sans surprise pour autant soigneusement contée, Tir Groupé demeure un excellent polar, parfois émouvant, dur et violent à travers l'inévitable réflexion sur l'auto-justice dénuée en l'occurrence de caricature grossièrement fascisante. Gérard Lanvin sombrant fébrilement (voir même avec une certaine hésitation tacite) dans une dérive criminelle lors de l'ultime épilogue (inspiré d'un fait-divers si on en juge l'orateur). 

*Bruno
3èx

On achève bien les Chevaux

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"They Shoot Horses, Don't They?" de Sydney Pollack. 1969. U.S.A. 1h59. Avec Jane Fonda, Michael Sarrazin, Susannah York, Gig Young, Red Buttons, Bonnie Bedelia, Michael Conrad, Bruce Dern, Al Lewis.

Sortie salles France: 2 Septembre 1970

FILMOGRAPHIE: Sydney Pollack est un réalisateur, acteur et producteur américain, né le 1er Juillet 1934 à Lafayette, dans l'Indiana (Etats-Unis), mort d'un cancer à Los Angeles le 26 Mai 2008. 1965: The Slender Thread. 1966: Propriété Interdite. 1968: Les Chasseurs de Scalps. 1968: The Swimmer. 1969: Un Château en Enfer. 1969: On Achève bien les chevaux. 1972: Jeremiah Johnson. 1973: Nos plus belles années. 1974: Yakuza. 1975: Les 3 Jours du Condor. 1977: Bobby Deerfield. 1979: Le Cavalier Electrique. 1981: Absence de Malice. 1982: Tootsie. 1985: Out of Africa. 1990: Havana. 1993: La Firme. 1995: Sabrina. 1999: l'Ombre d'un Soupçon. 2005: l'Interprète. 2005: Esquisses de Frank Gehry.

Avant-propos:
"La brutalité est en chaque être humain. Plus un sport est violent, plus il paraît attirant. Notre histoire suit simplement la logique de cette tendance. Plus les gens sont à l'aise, plus leur besoin de violence augmente. D'ici la fin de ce siècle, la société aura donné aux gens le plus de confort possible, mais elle leur aura également ôté toute liberté personnelle. A l'instar de Rome, lorsqu'elle était au sommet de sa gloire tant au niveau politique, économique qu'artistique. C'était à cette période que, dans l'arène, le samedi après-midi, la violence éclatait."
Norman Jewison

Uppercut moral dont on ne sort pas indemne, tant et si bien que la dépression nous gagne au moment du générique de fin tout en étant soulagé qu'un tel fardeau y soit enfin clôt, On achève bien les chevaux est le genre de métrage qu'on ne peut "aimer" avec le coeur et la passion eu égard de son tableau infiniment cruel sur la condition humaine. Car prenant pour thème la société du spectacle le plus trivial et indigne à travers un marathon de danse que des participants tentent de parfaire afin de remporter 1500 dollars durant la grande dépression des années 30, On achève bien les Chevaux nous laisse en état de choc de par son accumulation de séquences éprouvantes à perdre haleine. Sydney Pollack nous martyrisant l'ouïe et la vue à nous mettre en exergue durant 2h l'épreuve de force et la résilience surhumaine de ces danseurs martyrisés par une fatigue aussi bien morale que corporelle. Si bien que certains d'eux finissent par sombrer dans l'aliénation, la démence ou l'hallucination, alors que d'autres se laisseront chavirer par le trépas (tant en guise de rédemption ou d'âge avancé). Antipathique, anxiogène, dérangeant, malsain et surtout extrêmement suffocant à nous confiner dans ce huis-clos insalubre afin d'y reluquer tant les participants que le public voyeuriste féru de misère humaine (afin de mieux supporter la leur !), cette aberration filmique s'avère notamment visionnaire quant à l'émergence de la TV réalité créée à l'orée des années 2000 si je me réfère uniquement au paysage français.

Sydney Pollack décrivant avec une lucidité impitoyable la cupidité des danseurs et du présentateur sans vergogne infiniment complice à exploiter cette misère humaine, telle du bétail, afin de contenter une populace fureteuse de grand-guignol. Quant aux interprètes communément habités par leurs sentiments de désespoir, de dégoût, de pitié et d'épuisement, ils nous transmettent leur affliction comme si nous étions à l'intérieur de leur corps strié au rythme d'une mélodie ironiquement avenante ou enjôleuse. Fort de son intensité dramatique davantage en roue libre, ce concours de danse comparable aux jeux du cirque romain s'avère donc un chemin de croix pour ces désoeuvrés tentant de survivre de la manière la plus basse et soumise. Tant et si bien que sa conclusion encore plus noire et radicale nous laisse sur le bitume de par son pessimisme irrévocable intenté à ceux en qui nous étions les plus proches en dépit de leur posture individualiste, bourrue et schizo. Outre son casting criant de vérité humaine (et de cynisme quant aux inspirateurs de cette immense farce lucrative), on peut surtout saluer le jeu ambivalent de Jane Fonda transie d'acrimonie à travers sa prise de conscience davantage préjudiciable d'avoir osé participer à un spectacle aussi décadent qu'humiliant où tout n'est que simulacre.

Baignant dans un insolent climat de déréliction à travers une vile épreuve d'endurance létale, On achève bien les Chevaux se décline en puissant réquisitoire contre l'aliénation de l'homme capable de se prostituer pour un enjeu cupide afin de subvenir à sa survie. A déconseiller toutefois aux âmes sensibles et aux dépressifs, car la douche glaciale, horrifiante de nihilisme à travers sa déchéance cérébrale et corporelle, n'aura pas fini de vous hanter sitôt le générique clôt. 

*Bruno

Récompenses:
New York Film Critics Circle Awards 1969 : meilleure actrice pour Jane Fonda
Oscars 1970 : meilleur acteur dans un second rôle pour Gig Young
Golden Globes 1970 : meilleur acteur dans un second rôle pour Gig Young
Kansas City Film Critics Circle Awards 1970 : meilleur acteur dans un second rôle pour Gig Young, meilleure actrice pour Jane Fonda
National Board of Review Awards 1970 : meilleur film, prix Top Ten Films
Festival du film de Taormine 1970 : Charybde d'or pour Sydney Pollack
British Academy Film Awards 1971 : meilleure actrice dans un second rôle pour Susannah York
Grand prix de l'Union de la critique de cinéma 1971

Piranhas. Prix du Jury, Beaune 2019.

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"La paranza dei bambini" de Claudio Giovannesi. 2019. Italie. 1h51. Avec Francesco Di Napoli, Ar Tem, Alfredo Turitto, Viviana Aprea, Pasquale Marotta.

Sortie salles France: 5 Juin 2019. Italie: 13 Février 2019

FILMOGRAPHIE: Claudio Giovannesi, né à Rome le 20 mars 1978, est un réalisateur, scénariste et musicien italien. 2009 : La casa sulle nuvole (it). 2009 : Fratelli d'Italia. 2012 : Ali a les yeux bleus. 2016 : Fiore. 2019 : La paranza dei bambini.

"Un enfant sans innocence est une fleur sans parfum"
Traitant avec souci documenté de la délinquance juvénile au sein d'un quartier chaud de Naples, Piranhas demeure une forme d'uppercut moral de par son inéluctable puissance dramatique dénuée de fioriture. Car sa conclusion irrésolue à beau nous laisser en suspens, on devine naturellement l'issue tragique de Nicola et de ses acolytes substitués en justiciers en culotte courte pour des enjeux  d'honneur et de terrain urbain. Remarquablement incarné par des acteurs non professionnels et souvent filmé caméra à l'épaule afin de mieux nous immerger dans leur psyché décervelée, Piranhas prend son temps à nous caractériser cette poignée d'ados rebelles avides de gloire et de richesse en prenant exemple sur les caïds plus âgés de leur bourgade. Des mafieux sans vergogne rackettant les commerçants (dont la maman de Nicola) et dealant leur drogue en toute impunité parmi le témoignage d'une populace soumise. Tout du moins jusqu'à ce que le jeune Nicola, inspiré par l'illustre passé d'un noble mafieux (qui parvint à diminuer le chômage de son quartier), décide de s'approprier les armes et rameuter son équipe afin d'intimider ses rivaux pour l'enjeu du pouvoir et de l'autorité.

Leurs intentions radicales, davantage alertes et délétères, étant traitées du point de vue introspectif de Nicola que Francesco Di Napoli endosse avec une force de regard aussi bien déterminé que candide. Notamment eu égard des sentiments qu'il éprouve pour la jolie Letizia résidant dans le quartier antagoniste, tant et si bien qu'à eux 2 ils forment les nouveaux Romeo et Juliette avec un semblant de désespoir subconscient. Ainsi, de par leurs exactions irréfléchies et leurs fréquentes maladresses à se prétendre plus combatifs que leur rivaux, Piranhas inspire inévitablement de l'empathie pour ces ados criminels férus d'ivresse et de fureur de vivre à travers une prospérité de courte durée. Poignant, dur et davantage émouvant quant à l'amertume de Nicola plongé dans un houleux dilemme, Piranhas nous livre un constat terrifiant d'une délinquance mineure dénuée de réflexion et de remise en question dans leur soif absolue d'une célébrité expéditive. Le réalisateur prenant soin, non sans une certaine forme de poésie mélancolique, à radiographier ses regards d'ados en perte d'innocence plongés dans une chimère terriblement répréhensible.

Génération Perdue
Cri d'alarme contre une adolescence désoeuvrée ayant comme seuls repères leurs jeux videos, les fast foods, les selfies, les écrans plats géants et les boites de nuit sevrées par l'alcool et la drogue, Piranhas ne nous laisse pas indemne face à leur appétence criminelle dénuée d'éthique. Car nihiliste, désenchanté et dénué d'espoir, l'ascension de Nicola et de ses comparses nous laisse un goût âcre dans la bouche en faisant écho à la banalité quotidienne de nos quartiers les plus défavorisés où seule la loi du plus impérieux compte afin d'asseoir sa réputation. Et ce quelque soit l'issue tragique encourue, aussi furtive soit sa destinée galvaudée. Car on a beau anticiper le déclin de ces baby-gangsters, Claudio Giovannesi y imprime honorablement sa personnalité à travers sa pudeur et sa tendresse pour ces rejetons orphelins, de manière à ne pas sombrer dans une redite racoleuse.

*Bruno

Récompenses: Berlinale 2019: Ours d'argent du meilleur scénario pour Maurizio Braucci, Claudio Giovannesi et Roberto Saviano.
Festival international du film policier de Beaune 2019 : Prix du Jury.

Frankenstein, la véritable histoire

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site scifi-movies.com

de Jack Smight. 1973. U.S.A/Angleterre. 3h05. Avec James Mason, Leonard Whiting, David McCallum, Jane Seymour, Nicola Pagett, Michael Sarrazin, Michael Wilding.

Diffusé uniquement à la TV en France sur FR3 en 1976. U.S: 30 Novembre 1973

FILMOGRAPHIE: Jack Smight est un réalisateur américain, né le 9 mars 1925 à Minneapolis, dans le Minnesota, mort d'un cancer le 1er septembre 2003 à Los Angeles, en Californie (États-Unis). 1959 : Les Dix Commandements (TV). 1960 : Destiny, West! (TV). 1961 : The Enchanted Nutcracker (TV). 1964 : I'd Rather Be Rich. 1965 : Le Témoin du troisième jour. 1966 : Détective privé. 1966 : Kaleidoscope. 1968 : Évasion sur commande. 1968 : No Way to Treat a Lady. 1969 : Strategy of Terror. 1969 : L'Homme tatoué. 1970 : Rabbit, Run. 1970 : Le Bourreau. 1971 : Columbo : Poids mort (série TV). 1972 : L'Enterrée vive (TV). 1972 : Banacek (TV). 1972 : The Longest Night (en) (TV). 1973 : Partners in Crime (TV). 1973 : Double Indemnity (TV). 1973 : Linda (TV). 1973 : Frankenstein: The True Story (TV). 1974 : The Man from Independence. 1974 : 747 en péril. 1976 : La Bataille de Midway. 1977 : Les Survivants de la fin du monde. 1978 : Roll of Thunder, Hear My Cry (TV). 1979 : Fast Break. 1980 : L'Amour à quatre mains. 1982 : Remembrance of Love (TV). 1987 : Number One with a Bullet. 1989 : The Favorite.

Si la génération 80 s'en remémore avec nostalgie lors de sa diffusion sur FR3 en 1976, Frankenstein la véritable histoire traverse bien le temps si bien qu'il s'agit d'une excellente adaptation fleuve du roman de Mary Shelley. Car réunissant un casting irréprochable (James Mason en médecin condescendant, Leonard Whiting, David McCallum, Jane Seymour, Nicola Pagett, Michael Sarrazin et enfin Ralph Richardson dans de courtes apparitions) autour d'une intrigue plus réaliste que les oeuvres de la Universal et de la Hammer, ce télé-film de 3 heures capte l'attention de par les enjeux humains que se disputent les praticiens à la fois orgueilleux, lâches et sans scrupule tentant de donner chair à leurs créations. Des cobayes conçus (selon les dires de Victor) pour prodiguer intelligence, altruisme et sagesse quant à l'avenir de notre race qu'incarnent brillamment Michael Sarrazin en noble créature davantage esseulée et Jane Seymour en "fiancée" égoïste victime de sa fastueuse apparence. Une beauté divine de porcelaine pour autant incarnation de la chipie gouailleuse quant ses rapports conflictuels qu'elle provoque auprès de la fiancée de Victor. Sombre histoire de vengeance auprès du monstre victime de sa condition estropiée (son physique se dégradant au fil des semaines), et lâchement discrédité par son créateur, Frankenstein, la véritable histoire génère de la densité humaine lorsque celui-ci témoin de sa déchéance physique assiste impuissant au pouvoir de fascination que la créature féminine insuffle auprès de son entourage.

Réflexion sur l'apparence donc au grand dam des sentiments, de la dignité et de l'intellect, Frankenstein, la véritable histoire redore sobrement le mythe en optant pour une démarche personnelle anti codifiée. Notamment si on y prête une fameuse analogie à l'homosexualité du duo Victor / Le Monstre lors de leur relation amicale naissante. Ce que la première partie sous entend avec une juste mesure dans le partage de leurs sentiments fougueux. Plus noir et dramatique lors sa seconde partie, on s'étonne par ailleurs de la tournure cruelle des évènements, notamment auprès de son incroyable scène choc érigée en plein coeur d'un bal. Une scène de décapitation réalisée hors-champs mais franchement dérangeante de par son effet (couillu) de surprise et par la posture tranchée du monstre délibérée à détruire une vie humaine en guise de vendetta. Et sur ce point, Michael Sarrazin s'en sort avec les honneurs de nous esquisser à l'aide d'une force d'expression affectée un monstre solitaire anéanti par l'injustice et le refus de l'indulgence dans sa triste condition de prototype défectueux. Quant aux nombreux décors gothiques ou naturels, ils s'avèrent d'autant plus probants auprès d'une reconstitution étonnamment soignée pour un télé-film, qui plus est épaulée de moyens techniques assez conséquents, notamment eu égard de l'impressionnante tempête nocturne à bord du bateau ou encore du final réfrigérant instauré autour de montagnes glacières.

Une excellente déclinaison du mythe qui nous reste en mémoire, principalement grâce aux jeux étonnamment convaincants de Michael Sarrazin et de Jane Seymour en monstres sans fard. 

*Bruno
2èx

Contre toute attente

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Against All Odds" de Taylor Hackford. 1984. U.S.A. 2h02. Avec Jeff Bridges, Rachel Ward, James Woods, Richard Widmark, Saul Rubinek, Alex Karras, Swoosie Kurtz.

Sortie salles France: 30 Mai 1984. U.S: 2 Mars 1984.

FILMOGRAPHIE: Taylor Hackford est un réalisateur et producteur américain né le 31 décembre 1944. 1980 : Le Temps du rock'n'roll. 1983 : Officier et gentleman. 1984 : Contre toute attente. 1986 : Soleil de nuit. 1988 : Hail! Hail! Rock 'n' Roll (documentaire musical). 1988 : Everybody's All-American. 1993 : Les Princes de la ville. 1995 : Dolores Claiborne. 1998 : L'Associé du diable. 2001 : L'Échange. 2005 : Ray. 2010 : Love Ranch. 2013 : Parker. 2016 : The Comedian.

Polar oublié des années 80 réalisé par l'habile artisan Taylor Hackford (Officier et Gentleman, Soleil de Nuit, les Princes de la Ville, Dolores Claiborne, l'Associé du diable), Contre toute Attente ne mérite pas l'indifférence qu'il se récolte finalement aujourd'hui. Car si je peux évidemment concevoir qu'il n'arrive jamais à la cheville de son illustre modèle la Griffe du Passé de Jacques Tourneur (que je n'ai jamais vu - honte à moi -), Contre toute attente conjugue policier et romance avec une efficacité en roue libre. De par le savoir-faire de sa mise en scène sublimant en 1ère partie une idylle romantique auprès du duo incandescent Jeff Bridges, Rachel Ward (l'une des plus belles femmes du monde, excusez du peu !) et de sa structure en suspens déployant en second acte des rebondissements criminels en pagaille plutôt convaincants si on fait fi d'une confrontation finale un peu trop convenue à travers les règlements de compte entre rivaux véreux cabotinant sous l'impulsion d'un tempo musical surchargé. Fort d'une vénéneuse intrigue que se chamaillent les alliés pour l'enjeu de l'amour, chaque personnages mis en valeur s'avère plus ou moins impliqués dans des paris truqués de match de foot sous l'égide de l'homme d'affaire Ben Caxton (Richard Widmark assez antipathique en septuagénaire vaniteux).

Ainsi, le joueur Terry Brogan (Jeff Bridges) est chargé par son ami Jake (James Wood) de retrouver la trace de Jessie, sa jeune compagne en fuite après lui avoir dérobé 50 000 dollars. Mais c'est au Mexique que Terry parvient à retrouver celle-ci, si bien qu'ensemble ils finissent par tomber amoureux en se prélassant à proximité d'une plage paradisiaque (que Taylor Hackford magnifie à travers sa scénographie touristique du Mexique). Mais leur relation finit par se ternir avec l'arrivée d'un des acolytes de Jake chargé de ramener Jessie au bercail.
Porté à bout de bras par la force déterminée de Jeff Bridges en anti-héros au grand coeur impliqué dans une corruption sportive, quand bien même Rachel Ward succombe à ses charmes avec une sensualité charnelle capiteuse, Contre toute attente doit beaucoup à la prestance de son casting aux p'tits oignons, comme le soulignent conjointement James Woods, détestable d'hypocrisie en maître chanteur criminel et Richard Widmark en leader richissime quasi intouchable. Ainsi donc, grâce à leur présence charismatique chargée d'intensité dans leur inimitié vénale, Contre toute attente cultive un rythme toujours soutenu et davantage nerveux, même si on lui préférera peut-être sa première partie plus attachante, dense et ensorcelante, notamment auprès de la puissance de ces images tantôt oniriques que le couple Bridges / Ward irradie à travers leur ardent désir lubrique.

Perfectible certes, principalement auprès de la remise en cause d'une confrontation machiste peinant à convaincre dans leur maigre tentative d'y négocier une issue favorable, quand bien même son épilogue à la fois amer, un brin ironique, ne manque pas d'audace quant au sort équivoque des amants infortunés, Contre toute attente demeure un excellent divertissement. Rondement mené, formellement exotique et sensuellement enivrant sous l'impulsion de têtes d'affiche proéminentes. Qui plus est scandé lors du générique final du slow de Phil Collins imprimé dans toutes les mémoires, si bien que celui-ci remporte un an plus tard le Grammy Award du meilleur chanteur pop ! A revoir avec un vif intérêt, de préférence en couple en étreinte, une coupe de champagne à la main.  

*Bruno

L'Homme Invisible

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de James Whale. 1933. U.S.A. 1h12. Avec Claude Rains, Gloria Stuart, William Harrigan, Henry Travers, Una O'Connor, Forrester Harvey

Sortie salle U.S: 13 Novembre 1933

FILMOGRAPHIE: James Whale est un réalisateur américain, né le 22 Juillet 1889 à Dudley en Angleterre, décédé le 29 Mai 1957 à Hollywood, Los Angeles. 1930 : La Fin du voyage (Journey's End). 1930 : Les Anges de l'enfer. 1931 : Waterloo Bridge. 1931 : Frankenstein. 1932 : Impatient Maiden. 1932 : Une soirée étrange. 1933 : The Kiss Before the Mirror. 1933 : The Invisible Man. 1933 : By Candlelight. 1934 : One More River. 1935 : La Fiancée de Frankenstein. 1935 : Remember Last Night. 1936 : Show Boat. 1937 : The Road Back. 1937 : Le Grand Garrick. 1938 : Port of Seven Seas. 1938 : Sinners in Paradise. 1938 : Wives Under Suspicion. 1939 : L'Homme au masque de fer. 1940 : L'Enfer vert. 1941 : They Dare Not Love. 1942 : Personnel Placement in the Army. 1950 : Hello Out There.

“Voir un visage revient à dire en silence son énigme invisible.”
Classique imputrescible de la Universal Monsters sous la houlette de James Whale (Frankenstein, La Fiancée de Frankenstein), l'Homme Invisible doit son pouvoir de fascination grâce à la solidité de sa mise en scène (notamment à travers certains plans iconiques), à l'originalité de son récit vrillé, à ces l'innovation de ces trucages et surtout à la prestance inoubliable de Claude Rains couronné de notoriété à la suite du succès populaire du film. Ce dernier parvenant sans outrance à provoquer émoi, inquiétude et appréhension de par l'intensité de sa voix aiguë, à la fois irascible et forcenée, à défaut de mettre en exergue les diverses expressions de sa physionomie eu égard de sa condition corporelle imperceptible. Ainsi, à travers une trame dramatique non exempte de traits d'humour (notamment auprès des seconds rôles témoins malgré eux des exhibitions héroïques de l'étranger), l'Homme Invisible retrace la dérive criminelle d'un savant fou habité par la folie de par son désir outré de puissance et de gloire.

Car vivant autrefois dans l'ombre en simple chimiste dénué d'ambition, celui-ci aura décidé de prendre sa revanche sur la société après avoir créé un sérum capable de lui parfaire une nouvelle identité contestataire. Tant et si bien qu'au cours de son évolution immorale, il y engendre des sentiments dictatoriaux. Ainsi, davantage corrompu par son orgueil et sa vanité de pouvoir imposer sa loi et sa hiérarchie en toute impunité; l'homme invisible finit par céder à ses bas instincts pervers en s'autorisant les libertés les plus répréhensibles. Chasse à l'homme haletante exécutée avec une certaine perspicacité si je me réfère aux idées retorses des villageois et de la police, communément solidaires afin d'alpaguer le fugitif, l'Homme Invisible dégage un climat d'insécurité davantage vénéneux lorsque celui-ci se raille de ces rivaux avec une attitude borderline (pour ne pas dire psychotique).

"Un acteur doit être invisible"
Réflexion sur l'aliénation du pouvoir et les dérives de la science moderne, l'Homme Invisible perdure son pouvoir de fascination sous l'impulsion d'un fantasme débridé redoutablement efficace, si bien que Claude Rains l'immortalise à travers sa fulgurance orale. Une performance d'acteur donc entrée dans la légende du Fantastique moderne...

*Bruno
4èx

Audrey Rose

de Robert Wise. 1977. U.S.A. 1h53. Avec Marsha Mason, Anthony Hopkins, John Beck, Susan Swift, Norman Lloyd, John Hillerman, Robert Walden, Philip Sterling, Ivy Jones, Stephen Pearlman, Aly Wassil.

Sortie en salles en France: Novembre 1977. US: 6 Avril 1977

FILMOGRAPHIE: Robert Wise est un réalisateur, scénariste, producteur, monteur né le 10 Septembre 1914, décédé le 14 Septembre 2005 à Winchester (Indiana). 1944: La Malédiction des Hommes Chats, 1945: Le Récupérateur de cadavres, 1948: Ciel Rouge. Né pour Tuer. 1949: Nous avons gagné ce soir. 1952: La Ville Captive. 1952: Le Jour où la terre s'arrêta. 1954: Les Rats du Désert. 1957: Marqué par la Haine. 1958: l'Odyssée du sous-marin Nerka. 1962: West Side Story. 1964: La Maison du Diable. 1966: La Mélodie du Bonheur. 1967: La Canonnière du Yang-Tsé. 1972: Le Mystère Andromède. 1975: L'Odyssée du Hindenburg. 1977: Audrey Rose. 1980: Star Trek. 1989: Les Toits. 2000: Une Tempête en été (télé-film)

"Pour l'âme, il n'y a ni naissance ni mort. L'âme ne connait pas la mort. Elle est éternelle, intemporelle, immortelle et primitive..." LA BHAGAVAD-GITA

"Mémoire d’une âme brûlée".

En 1977, Robert Wise renoue avec le cinéma d’épouvante en s’inspirant du roman de Frank De Felitta, The Case for Reincarnation. Des aveux mêmes de l’auteur, l’idée spirituelle de la réincarnation lui fut soufflée par une expérience intime : un jour, son fils de six ans se mit à jouer un air de ragtime au piano, sans jamais avoir pris la moindre leçon.

Le pitch : Un couple et leur fille Ivy sont importunés par un inconnu qui les épie. Persuadé qu’Ivy est la réincarnation de sa propre fille Audrey Rose — morte brûlée vive à l’âge de cinq ans dans un accident de voiture — il tente de convaincre les parents que l’enfant est en danger.

Longtemps occulté depuis sa sortie et injustement considéré comme un ersatz opportuniste de L’Exorciste ou La Malédiction, Audrey Rose est en réalité un pur drame psychologique, poignant, bouleversant, enveloppé d’un fantastique mystique. Son scénario dense, potentiellement inspiré de faits réels, irrigue une œuvre fragile et inquiétante, portée par la sobriété bouleversante de ses quatre interprètes.
Marsha Mason, déchirante de tendresse maternelle.
Anthony Hopkins, magnétique de persuasion en père endeuillé.
John Beck, irascible et cartésien, muré dans sa paternité orgueilleuse.
Et la petite Susan Swift — son tout premier rôle ! — saisissante de naturel, entre innocence hagarde et angoisse croissante, traversée d’une conscience hantée.

Wise explore le trouble intime de deux parents désarmés, confrontés aux déclarations délirantes — ou prophétiques ? — d’un homme persuadé que leur enfant est l’incarnation de sa fille morte. Asphyxiée, brûlée vive, Audrey Rose succomba dans l’habitacle en flammes, sous les yeux de sa mère.
Et dès ses premières années, Ivy est proie à des crises de somnambulisme violentes, ponctuées de convulsions, comme foudroyée par des cauchemars où s’invoque un brasier.
Les parents, d’abord sceptiques, refusent d’admettre que leur fille pourrait n’être qu’un réceptacle pour une âme damnée, consumée par une mort injuste.

La première partie du film se concentre sur la montée d’un doute, l’étude psychologique d’une incrédulité en train de vaciller. Porté par la sagesse sereine de Mr. Hoover, le récit questionne en filigrane la validité d’une croyance millénaire : la métempsychose, pratiquée par plus de 700 millions d’hindouistes, à laquelle Hoover s’est converti après de longues années d’anthropologie.

Cette quête intime, quasi mystique, interroge notre rapport au destin, au sens même de la vie, à travers le profil bouleversant d’Ivy — victime d’un héritage invisible, d’un trauma antérieur, d’une mémoire étrangère.

Et puis viennent les séquences-chocs, brèves mais intenses : Ivy tourmentée, brisée par un souvenir qui n’est pas le sien, terrassée par un feu qui n’existe plus. Les parents, désorientés, refusent d’y croire, s’enferment dans leur rationalité, dans leur refus d’un passé qu’ils n’ont pas vécu.
La seconde partie s’ouvre sur un procès à la fois poignant, inquiétant et bouleversant, dans lequel Mr. Hoover, accusé de rapt, doit répondre de son acte désespéré : protéger Audrey Rose dans le corps d’une autre.

Mais chut… n’en disons pas plus.                                       

 

"Et si la douleur survivait à la mort ?"

Solide, sobre, profondément digne, Audrey Rose s’impose comme une réflexion vertigineuse sur la réincarnation. Refusant le racolage, même dans ses séquences les plus troublantes, Wise honore le genre en lui offrant une gravité neuve, une tendresse douloureuse, une spiritualité douce-amère.

Une œuvre rare, sensible, portée par l’austérité poignante de ses protagonistes, tous hantés par une question intime : que devient l’âme, quand le corps disparaît ?
Et même si son épilogue bouleversant tente de nous réconforter dans la croyance d’une rédemption, c’est bien l’incandescence du doute qui demeure.

À redécouvrir d’urgence.

* Bruno
16.10.19. 5èx
15.11.11. 430 v

La Bhagavad Gita:
Livre de chevet du Mahatma Gandhi, la Gita pourrait se définir simplement comme un traité de philosophie humaniste. La Gita se compose également de 18 chapitres. La lecture de chaque chapitre est censée apporter des « mérites » à son lecteur. Ignorer la faim et la soif, réaliser ses rêves, connaître ses vies passées, guérir de maladies incurables, se débarrasser de ses dettes ou de ses ennemis… Tels sont les bénéfices qu’apporte sa lecture, selon les croyances populaires.
C’est à l’aube de la bataille finale qui oppose les Kauravas et les Pandavas, que Krishna est amené à prononcer ce célèbre discours afin d’encourager Arjuna à se battre et à vaincre le Mal… Arjuna est alors prêt à renoncer à sa couronne afin d’épargner ses amis et ses maîtres qui composent les rangs ennemis. Krishna lui rappelle ses devoirs en qualité de guerrier, définit alors la « voie de l’action » (karma-yoga) et lui révèle enfin sa véritable nature…

L'Hindouisme:
Plus qu’une religion, plus qu’une philosophie, l’Hindouisme apparaît comme un véritable mode de vie, rythmant le quotidien de plus de 80% de la population indienne.
L’inde compte ainsi plus de 330 millions de Dieux et Déesses ! En fait, tous les villages, toutes les catégories sociales et professionnelles, toutes les familles et enfin tous les individus sont libres de se choisir, voir de se créer leurs propres divinités. Ce n’est donc pas toujours facile de s’y retrouver…
Les origines de l’Hindouisme se trouvent dans des formes d’animisme, de fétichisme et de mysticisme ancestraux. Les premiers dieux vénérés en Inde, les Dieux Védiques, étaient le plus souvent représentés sous forme d’animaux et dédiés aux éléments et aux manifestations naturelles. Ce sont les récits épiques (Ramayana et Mahabharata) qui donnèrent aux dieux une dimension plus humaine, tant dans leurs représentations que dans leurs interventions. Enfin, les récits puraniques, tentent de répertorier les différents dieux en regroupant les mythes et légendes qui retracent la vie de chacun d’eux. En « humanisant » leurs Dieux, les Hindous souhaitaient se rapprocher d’eux et amoindrir l’influence parfois exagérée des Brahmanes.
Avec plus de 700 millions d’adeptes, l’hindouisme est l’une des principales religions du monde. Elle est également à l’origine de nombreuses autres croyances (jaïnisme, bouddhisme, zoroastrisme, sikhisme…), et est elle-même fortement imprégnée de ces autres religions. L’Hindouisme a su évoluer suivant les changements de la société du Sous-continent, s’adaptant localement, s’enrichissant et se diversifiant culturellement. Il en découle une multitude de cultes, de doctrines et de coutumes…
Les fêtes en l'honneur des divinités se succèdent tout au long de l'année aux quatre coins du pays et rythment la vie de tous les hindous.
Et il n'est pas rare d'avoir vu se développer des coutumes locales particulières qui donnent à ses festivités des ampleurs considérables et les pèlerins se rassemblent parfois par millions en certains lieux sacrés.
Celui ou celle qui respecte le dharma et l'ordre cosmique sera délivré des souffrances humaines en échappant au Samsara, le cycle des renaissances.
En règle générale, on peut quand même dire que les Hindous sont ceux « qui suivent la voie (dharma) déterminée par les castes (varna) et les quatre âges de la vie (ashrama) ».

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Accroches d'introduction: 

Une petite fille hurle la nuit, son corps agité de convulsions, comme s’il se souvenait d’un feu que sa mémoire ignore. Et si ce cri ne lui appartenait pas ? Si ce cauchemar venait d’un autre corps, d’un autre temps ?

Audrey Rose n’est pas un film d’horreur. C’est un cri étouffé, une litanie mystique sur l’errance des âmes. C’est la douleur d’une mémoire qui cherche une voix pour revivre. Et c’est cette voix que Robert Wise fait trembler dans la gorge d’une enfant.

Certains films ne crient pas. Ils murmurent à travers les murs du réel. Audrey Rose est de ceux-là : il vous effleure d’abord, puis vous brûle lentement de l’intérieur. Jusqu’à vous faire douter de ce que vous êtes, de ce que vous avez été.

Il y a des douleurs que le temps ne dissout pas. Des âmes qui refusent l’oubli. Et parfois, les morts reviennent — pas pour hanter, mais pour s’expliquer.

Une fillette crie dans son sommeil, ravagée par un feu qui n’existe plus. Un homme la regarde comme on regarde un fantôme revenu. Et vous, spectateur, vous vous demandez si la mort a vraiment le dernier mot.