THE THING

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Matthijs van Heijningen. 2011. U.S.A. 1h43. Avec Mary Elizabeth Winstead, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen, Eric Christian Olsen, Adewale Akinnuoye-Agbaje. 

Sortie salles France: 12 Octobre 2011. U.S: 14 Octobre 2011

FILMOGRAPHIE: Matthijs van Heijningen est un réalisateur et scénariste néerlandais, né en 1965. 

2011: The Thing

S'attaquer au remake/préquelle afin d'émuler un monument du cinéma horrifique n'était pas une mince gageure. Et pourtant, Matthijs van Heijningen s'en sort honnêtement avec son premier long-métrage même s'il n'apporte rien au chef-d'oeuvre de Carpenter. Esthétiquement soigné (joli cadre scope, photo épurée pour transfigurer son décor hivernal) et pourvu d'effets-spéciaux parfois impressionnants (si l'on évacue certains CGI perfectibles et trop grossiers), The Thing nouvelle version prend l'alibi de la préquelle pour tenter de se différencier de son modèle. Pourtant, à l'exception de son prologue et du final en porte-à-faux, la narration n'apporte pas vraiment d'idées nouvelles en continuant de surfer sur la peur paranoïde des survivants (et ce en dépit du plombage dentaire que la chose ne peut répliquer et de recruter le rôle principal à un personnage féminin). Si bien évidemment le film n'atteint jamais le degré d'intensité anxiogène magnifiquement suggéré avec son modèle, une certaine tension est néanmoins savamment distillée durant le cheminement narratif, et avant que les conventions ne viennent un peu désamorcer sa poursuite finale. Enfin, et pour contenter le public de la nouvelle génération, le film insiste plus sur le caractère palpitant des attaques cinglantes commises par la chose. Et à ce niveau, il faut admettre que l'on reste captivé par ses interventions hostiles où le côté spectaculaire et violent des affrontements nous saisissent parfois de stupeur (les FX laissent exprimer visions d'effrois du monstre tentaculaire dans une imagerie gore assez réaliste !). A travers son concept éculé du survival en vase clos, on reste donc facilement impliqué par les attitudes désoeuvrées de nos nouveaux occupants combattant maladroitement la menace insidieuse du métamorphe !

Correctement réalisé, incarné par des gueules d'acteur au charisme mature (sans compter la sobriété circonspecte de Mary Elizabeth Winstead !) et mené sans temps morts, The Thing 2011 s'érige en série B du samedi soir où l'action importe plus que la suggestion. Si on déplore donc sa facilité à s'incliner vers le pur divertissement, Matthijs van Heijningen livre un solide spectacle à l'ancienne où l'efficacité des altercations communie avec l'insolence de la chose.  

Dédicace à Pascal Frezzato

27.01.14. 2èx
Bruno Matéï

FRIGHT NIGHT

de Graig Gillespie. 2011. U.S.A. 1h46. Avec Anton Yelchin, Colin Farrell, David Tennant, Christopher Mintz-Plasse, Toni Collette, Imogen Poots, Dave Franco, Reid Ewing, Emily Montague, Chelsea Tavares.

Sortie en salles en France le 14 Septembre 2011. U.S: 19 Août 2011.

FILMOGRAPHIE: Graig Gillespie (né le 1er Septembre 1967) est un réalisateur et producteur australien de séries T.V et longs-métrages.
2007: Une fiancée pas comme les autres
2007: Mr Woodcock
2009-2010: United States of Tara (série TV)
2010: My Generation (série TV, pilote)
2011: Fright Night
2011: Film Fiend (série TV)

Charlie Brewster voit sa vie prendre une bonne tournure : il est apprécié dans son lycée et sort avec la fille la plus convoitée. Il est tellement cool qu'il se permet de se foutre de la gueule de son meilleur ami. Cependant les ennuis arrivent lorsque Jerry emménage près de chez lui. Il à l'air super cool mais en réalité quelque chose cloche chez lui. Le problème c'est que personne ne semble s'en rendre compte, surtout pas la maman de Charlie. Après avoir observé les étranges activités de Jerry, Charlie réalise que Jerry est un vampire. Comme personne ne le croit, Charlie décide de se débarrasser du monstre par lui-même..

Un remake qui a la bonne idée de ne pas copier-coller et se démarquer de l'original en privilégiant une violence plus acérée ainsi qu'une action échevelée à contrario d'un humour incisif qui faisait tout le sel du film original. Malheureusement, la sauce ne prend pas, faute à des personnages ternes déployant le minimum syndical, des situations archi rebattues, une abondance vaine d'effets chocs grand-guignolesques en CGI et un scénario aussi plat qu'une andouillette déprimée de sa condition.
En prime, le traitement émis sur les personnages, particulièrement celui de Peter Vincent, a de quoi faire pleurer les puristes qui vouaient une affection toute particulière à Roddy Mc Dowell dans le film d'origine. Son modèle étant toujours en l'occurrence une véritable merveille du teen movie horrifique aussi pittoresque que trépidant.

Un produit de consommation routinier vite oublié qui pourra peut-être séduire les moins de 15 ans.

Critique personnelle du film d'origine:

http://brunomatei.blogspot.com/2011/09/vampires-vous-avez-dit-vampire-fright.html

WATERWORLD

de Kevin Reynolds. 1995. 2h15. U.S.A. Avec Kevin Costner, Jeanne Tripplehorn, Dennis Hooper, Tina Majorino, Gérard Murphy, Chaim Girafi, Rick Aviles, Zitto Kazann, Leonardo Cimino, Zakes Mokae.

Sortie en salles en France le 25 Octobre 1995. U.S: 28 Juillet 1995

FILMOGRAPHIE: Kevin Reynolds est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 17 Janvier 1952 à San Antonion, Texas.
1985: Une Bringue d'enfer. Histoires Fantastiques (Epis, vous avez intérêt à me croire). 1988: La Bête de Guerre. 1991: Robin des Bois, prince des voleurs. 1993: Rapa Nui. 1995: Waterworld. 1998: 187 Code Meurtre. 2002: La Vengeance de Monte Cristo. 2006: Tristan et Yseult.

Avec un budget faramineux de 175 millions de dollars, Waterworld était prédisposé à remporter un succès considérable dans son alliage de cascades et d'action post-nuke hérités de l'entreprise Mad-Max. A l'arrivée, le film se solde par un échec public et critique des plus cinglants qu'Hollywood ait jamais enregistré ! Avec le recul, ce blockbuster trépidant est loin d'avoir mérité son statut de purge défraîchie car il se révèle en l'occurrence beaucoup plus abordable et jouissif qu'à l'époque de sa sortie. En l'an 2500, la terre a été engloutie par les océans. Seul une poignée de survivants tentent de résister contre les hordes de barbares enrôlés par le pirate Deacon. Un baroudeur solitaire va se retrouver mêler à cette guérilla pour tenter de protéger la vie d'une mère et sa fille accoutrée d'un tatouage inscrit sur le dos. Ce dessin révélant en vérité un itinéraire codé pour rejoindre la contrée de Dryland.
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Revoir aujourd'hui Waterworld prouve à quel point le temps peut parfois permettre de restaurer des injustices et remettre les pendules à l'heure. Ce qui frappe de prime abord avec cette aventure futuriste lorgnant sans complexe du côté de Mad-Max, c'est son pitch astucieux fondé sur le dépaysement azur d'un univers aquatique. En suggérant que la terre est devenue un vaste océan déserté d'urbanisation et de présence humaine, Kevin Reynolds nous agrémente d'une nature maritime photogénique accentuée par une superbe photographie aux nuances bleutées. Sans répit, l'action échevelée embraye avec une première séquence d'anthologie particulièrement dantesque ! Alors qu'une petite communauté de survivants est installée sur un village flottant appelé "atoll", des mercenaires motorisés, armés jusqu'au dents, décident de forcer les barrages de la ville pour extirper une fillette accoutrée d'un tatouage dorsal en guise de carte au trésor.  Auparavant, un homme nommé Mariner s'était rendu dans l'atoll le temps d'une tractation de troc. Capturé et emprisonné par les résidents après qu'ils aient pu découvert sa véritable identité mutante, celui-ci va profiter de la rixe pour pouvoir se défaire de ses chaînes avec l'aide d'Hélen et de sa fille convoitée, Enola. S'ensuit un florilège d'affrontements trépidants, véritables morceaux de bravoure virtuoses gérés dans un amoncellement de cascades et péripéties haletantes ou l'action lisible rivalise d'inventivité pour épurer au maximum le caractère épique des affrontements. Ce moment d'adrénaline pure est apte à figurer dans les plus belles séquences d'action des années 90 et peut rivaliser sans rougir avec les séquences inégalées de Mad Max 2 de Georges Miller.

La suite du récit simplifie la donne avec la traversée en voilier de Mariner, accompagné de ces deux survivantes. Pour dédramatiser la violence émanant de la barbarie d'un climat belliqueux mais aussi rameuter tous les publics, Kevin Reynolds introduit l'humour avec certaines répliques cocasses exprimées par une fillette désinvolte, s'évertuant à provoquer l'impassible Mariner. Un machiste à l'autorité drastique bafouant sans restriction la gente féminine parmi la présence de ces deux sauvageonnes. De manière intermittente, notre trio va devoir user de courage et subterfuge pour se mesurer à la rencontre impromptue de quidams perfides naviguant aveuglement sur les mers à bord de chalutiers customisés. Et cela jusqu'à ce que Deacon, épaulé par ses comparses, ne vienne refaire surface pour s'empresser de kidnapper la gamine afin de pouvoir décoder le fameux tatouage occultant une contrée inexplorée. Dans celui du héros iconique, Kevin Costner se tire honorablement d'un rôle austère de guerrier aguerri plutôt antipathique mais finalement valeureux et clément. Tandis que l'impayable Dennis Hopper rivalise de cabotinage mesquin dans sa caricature ironique de corsaire mégalo. Le point d'orgue renouant avec l'action bondissante d'un affrontement avec Mariner, seul contre tous, ayant réussi à pénétrer au sein du gigantesque navire afin de sauver la vie d'Enola. Si l'action parfois improbable et expéditive se révèle moins intense que prévue pour braver nos hordes de pirates excentriques, la séquence explosive s'avère assez démesurée dans les moyens déployés !

Scandé par le score épique de James Newton Howard, Waterworld puise sa force dans son efficacité d'un récit adroitement mené rehaussé d'un savoir faire technique irréprochable. Que ce soit l'armada des incroyables décors déployés avec créativité, les costumes excentriques, les accessoires primitifs et l'affluence de moult figurants sortis tout droit d'une bande dessinée. Kevin Reynolds cultivant sa simplicité narrative au service d'une série B de luxe nantie d'un dépaysement exotique fulgurant. En l'occurrence, on peut enfin adouber la sincérité du réalisateur d'avoir su porter à l'écran un divertissement post-apo n'ayant pas à rougir avec la franchise Mad-Max ! 

29.11.11.  4
Bruno matéï

LA GUERRE EST DECLAREE. Grand Prix à Cabourg, Prix du Jury au festival Paris cinema.

de Valérie Donzelli. 2011. France. 1h40. Avec Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, César Desseix, Gabriel Elkaïm, Brigitte Sy, Elina Lowensohn, Michèle Moretti, Philippe Laudenbach, Bastien Bouillon.

Sortie en salles en France le 31 Août 2011

FILMOGRAPHIE: Valérie Donzelli est une actrice, scénariste et réalisatrice française, née le 2 Mars 1973 à Epinal. 2008: Il fait beau dans la plus belle ville du monde (court). 2009: La Reine des Pommes. 2010: Madeleine et le facteur (court). 2011: La Guerre est déclarée. 2012: Main dans la main

Un hymne à la vie, à l'amour, à l'espoir
Deux ans après sa comédie romantique, la Reine des Pommes, l'actrice et réalisatrice Valérie Donzelli s'empare d'un sujet grave avec son deuxième long-métrage en abordant la pathologie infantile.  Si bien que les parents du film interprétés par celle-ci et Jérémie Elkaïm ont la particularité d'avoir réellement vécu cette situation avec leur propre enfant âgé de 18 mois. Durant une soirée festive, Juliette tombe follement amoureux de Romeo. Rapidement, le couple en émoi décide d'entreprendre la naissance d'un enfant. Durant les premiers mois, les parents remarquent auprès d'Adam un comportement équivoque. Après diagnostic médical, celui-ci est atteint d'une tumeur du cerveau. Un long combat pour la vie est entamé par Romeo et Juliette pour la sauvegarde de leur chérubin.  Double succès public et critique à sa sortie, primé de diverses récompenses dans l'hexagone et nominé aux Césars et Oscars 2012, La Guerre est déclarée est une oeuvre miraculeuse touchée par la grâce. Le genre de petit film modeste dénué d'illustres acteurs et porteur d'un thème délicat à deux doigts de faire sombrer le navire dans le mélo à la fois lacrymal et pompeux. Valérie Donzelli, actrice, scénariste et réalisatrice, nous dépeignant sous le feu des projecteurs son parcours fougueux du combattant communément entrepris avec son amant pour se mesurer au malheur.

Ainsi, atteint d'une grave tumeur encéphale, le petit Adam est contraint avec le soutien de ses géniteurs d'entamer divers examens médicaux, chimiothérapie puis opération de la dernière chance pour tenter d'annihiler la maladie. Avec une vitalité cuisante et une poésie naturaliste, la réalisatrice nous entraîne sans complaisance au coeur même de la douleur, en interne de ce combat inespéré fustigeant deux amants préalablement épanouis mais aujourd'hui engagés à inhiber la maladie de leur descendance. Quand bien même les grands-parents et l'entourage amical s'embourbent dans un ton alarmiste, faute d'une contrariété difficilement gérable lorsqu'il s'agit de redouter l'interminable diagnostic d'une innocence sacrifiée par la maladie. A travers une mise en scène créative et flamboyante transcendant la fragilité de l'existence et le prestige du temps présent, la Guerre est déclarée est un chant d'amour dédié à la verve des sentiments. Un tourbillon vertigineux auprès des moments troubles de notre scepticisme frappé par un malheur injustifié. De cette vitalité florissante, l'aventure de romeo et juliette nous ait traité à travers un florilège d'émotions écorchées vives émaillées d'envolées lyriques et musicales. Et donc, ce qui ressort de cette aventure aussi bien singulière que cruciale, c'est la manière optimiste dont est illustrée le cheminement tortueux des héros souhaitant par leur complicité amoureuse se battre jusqu'à la fin du marathon pour pouvoir vaincre la mort. La caractérisation psychologique de ces derniers force inévitablement admiration, dignité et empathie dans leur bataille hargneuse à daigner coûte que coûte transcender la dichotomie du défaitisme et de l'optimisme.

La musique de mon coeur.
Hymne à la vie contre l'insolence (si perfide) de la maladie incurable illustrée ici à l'instar d'un feu d'artifice auprès des sentiments galvanisants, La Guerre est déclarée s'édifie en spectacle fulminant à travers son optimisme radical. La fraîcheur naturelle et la spontanéité des jeunes interprètes frappés de plein fouet par l'infortune exacerbant sa gravité narrative au gré de leurs expressions contradictoires aussi bouleversantes et déchirantes que capiteuses et exaltantes. Il ressort donc de cette oeuvre radieuse le sentiment suprême de nous convaincre que notre existence demeure une divinité qu'il faut savoir savourer au creux même de nos parcours les plus ardus ou nébuleux. Oeuvre  dure mais lumineuse auprès de son acuité humaine fébrile, La Guerre est Déclarée est un message d'espoir universel auquel l'allégresse s'avère le carburant pour vaincre la détresse morale. 

Dédicace à ceux qui ont perdu l'espoir.

* Bruno

Récompenses: Grand Prix au Festival de Cabourg.
Prix du Jury, Prix du Public et Prix des Blogueurs au Festival Paris Cinéma.
Nominé aux Césars et Oscars 2011.

Box-Office: 507 615 entrées en trois semaines d'exploitation.

28.11.11

DERRIERE LES MURS

Tout ça pour ça !

Epoque vétuste de l'entre-deux-guerres soigneusement retranscrite sous une superbe photographie aux teintes voluptueuses, comédiens sobres dont une Laetitia Casta surprenant de naturel blême, suspense diffus, mystère entretenu avec parcimonie pour au bout du compte se retrouver face à une intrigue futile. Bourré de bonnes intentions dans sa tentative de renouver avec l'habile suggestion afin de susciter l'angoisse et l'incertitude, Derrière les Murs est un joli raté finalement rébarbatif, longuet et sans intérêt. Quand au niveau de l'angoisse présagée, elle se révèle franchement inexistante.
C'est fort dommage car les motivations ombrageuses de notre protagoniste ne manquait pas d'attrait dans ses états d'âme torturés. Juste avant une rémission cathartique engagée dans une chute risible conçue sur un simulacre de vacuité.

Néanmoins, pour les plus patients d'entre vous, le film peut se suivre avec un intérêt constant malgré son début laborieux et un rythme lent parfois décourageant. Mais attention à la révélation finale qui en calmera plus d'un !

Encore un essai franchouillard entretenu sur du vide.

Outsiders

Photo empruntée sur Google, appartenant au site imdb.com

"The Outsiders" de Francis Ford Coppola. 1983. U.S.A. 1h54 (Director's Cut). 1h30 (version cinéma). Avec C. Thomas Howell, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estevez, Tom Cruise, Glenn Withrow, Diane Lane, Leif Garret, Darren Dalton.

Sortie en salles en France le 7 Septembre 1983. U.S: 29 Mars 1983

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Francis Ford Coppola est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 7 Avril 1939. 1963: Dementia 13. 1966: Big Boy. 1968: La Vallée du Bonheur. 1969: Les Gens de la pluie. 1972: Le Parrain. 1974: Conversation Secrète. Le parrain 2. 1979: Apocalypse Now. 1982: Coup de coeur. 1983: Outsiders. Rusty James. 1984: Cotton Club. 1986: Peggy Sue s'est mariée. 1987: Jardins de Pierre. 1988: Tucker. 1989: New-York Stories. 1990: Le Parrain 3. 1992: Dracula. 1996: Jack. 1997: L'Idéaliste. 2007: l'Homme sans âge. 2009: Tetro. 2011: Twixt.

                                    Avertissement: cette chronique concerne la version "Cinéma". 

"Reste de l'or, Ponny."

Quelques mois avant la sortie de Rusty James, Francis Ford Coppola rendait déjà hommage à toute une génération des années 50 à partir d’un second roman de Susan Hinton. Portrait fragile d’une jeunesse en perdition, Outsiders révélait en prime le talent de jeunes interprètes depuis devenus des stars notoires : Tom Cruise, Ralph Macchio, Rob Lowe, Patrick Swayze, Emilio Estevez, Diane Lane ou encore Matt Dillon.

Le pitch. À la fin des années 50, Ponyboy et Johnny sont deux jeunes marginaux issus de la bande des Greasers. À la suite d’une bagarre avec le clan rival des Socs, Johnny blesse mortellement l’un d’eux. Contraints de fuir la police, ils se réfugient dans une église abandonnée avec la complicité de leur leader, Dallas. Mais un gigantesque incendie, mettant en péril de jeunes enfants, va bouleverser leur destin à travers l’éveil brutal de leur instinct héroïque.

À travers l’art du storytelling, Coppola livre ici sa propre Fureur de vivre, esquissant le portrait fébrile de deux jeunes délinquants livrés à eux-mêmes, faute de parents disparus ou démissionnaires de leur rôle pédagogue. Sous l’ombre paternelle d’un leader inflexible incarné par Dallas, Ponyboy et Johnny ne peuvent compter que sur cet acolyte pour survivre dans un univers régi par la violence des bandes rivales. Issus des quartiers défavorisés, les Greasers affrontent ainsi les Socs, jeunes bourgeois orgueilleux au tempérament aussi altier qu’arrogant. Après le meurtre tragique de l’un d’entre eux, Johnny et Ponyboy quittent leur commune pour se terrer dans une contrée bucolique, à l’intérieur d’une église désaffectée.

 

Par sa poésie lyrique transcendée par le crépuscule d’une nature flamboyante, le cinéaste témoigne d’une profonde tendresse pour ces deux protagonistes fustigés, lassés de leur condition de délinquants notoires. Des gamins au bord du marasme, privés de repères, rêvant d’une existence plus paisible et harmonieuse, débarrassée de la gangrène de la violence qui ronge leur quotidien. Mais dans cette époque virile, machiste et rebelle, où la loi du plus fort s’embrase sans cesse au contact des fractures sociales, toute rémission semble illusoire. Ces adolescents épris de romances chimériques, nourris par les pages d’Autant en emporte le vent, trouvent leurs visages en C. Thomas Howell et surtout Ralph Macchio, deux acteurs néophytes habités par une fragilité humaine palpable, oscillant entre aigreur, désespoir et espoir de rédemption. Face à eux, le jeune Matt Dillon impose un leader dur à cuire au charisme tranchant, mais secrètement vulnérable : ancien taulard avide de reconnaissance, désorienté par une mort inéquitable qu’il ne parvient jamais à canaliser dans sa posture rebelle.

D’une tendresse inscrite dans la pudeur et la retenue, tandis que sa seconde partie plus dramatique se révèle bouleversante dans ses contrariétés à bout de souffle, Outsiders dessine avec sensibilité le portrait d’une jeunesse esseulée, sacrifiant son innocence sur l’autel d’un machisme séditionnaire. Aussi beau que douloureux dans ses figures torturées confrontées à la perte de l’innocence, le film demeure un témoignage puissant sur une génération perdue, en quête d’épanouissement et de figure paternelle pour s’extirper de la violence urbaine gangrenant leur bourgade. Un véritable classique du cinéma dont la facture visuelle aux teintes ocres épouse les états d’âme de ces héros en manque d’amour sous l'impulsion de l'inoubliable mélodie de Steve Wonder: "stay gold".

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Box Office France: 1 476 505 entrées

17.12.25. Version cinéma. 4K. Vost
14.04.20
24.11.11

COWBOYS ET ENVAHISSEURS

Quelle déception ! Et c'est bien dommage, partant d'un concept aussi génial (affilier le western classique et la science-fiction belliqueuse). La faute à un scénario fourre-tout, inintéressant auquel évolue une pleïade de personnages creux engagés dans des scènes d'action mollassones dénuées d'intensité épique. Ca démarrait plutôt bien et réunir sur un plateau Daniel Craig et Harrison Ford avait de quoi rassurer le spectateur. Mais le soufflet retombe rapidement !
Bref, on s'ennuie pas mal devant ce blockbuster faisant office de pétard mouillé.
Stoppé au bout d'1h40 (sur 2H15 pour l'extented version)


Par contre, l'actrice aux yeux verts (Olivier Wilde en m'étant renseigné), bon dieu, quelle canon !

BLACKTHORN

de Mateo Gil. 2011. Espagne/France/Bolivie/U.S.A. 1h45. Avec Sam Shepard, Luis Bredow, Nikolaj Coster-Waldau, Padraic Delaney, Fernando Gamarra, Maria Luque, Dominique McElligott.

Sortie en salles en France le 31 Août 2011. U.S: 7 octobre 2011

FILMOGRAPHIE: Mateo Gil est un réalisateur et scénariste espagnol né le 23 septembre 1972 à Las Palmas de Gran Canaria.
1994: Antes del beso (court). Sone que te mataba (court). 1996: Como se hizo 'tesis' (doc). 1998: Allanamiento de morada (court). 1999: Jeu de rôles. 2006: Scary Stories (épisode Spectre). 2008: Dime que yo (court). 2011: Blackthorn.

Pour son second long-métrage, le réalisateur espagnol s'engage dans la voie du western vintage, à situer quelque part entre le cinéma flamboyant de John Ford pour son lyrisme des grands espaces et celui de Sam Peckinpah pour mettre en valeur le mythe du cow-boy vieillissant dépassé par une époque en mutation.
Pour rappeler l'achèvement d'un duo marginal entré dans la légende, le leader Butch Cassidy aurait été tué en 1908 selon certains historiens, alors que d'autres évoquent qu'il serait mort de vieillesse vers 1945 aux Etats-Unis.

Considéré comme mort, le célèbre Butch Cassidy vit des jours paisibles dans une ferme en Bolivie, en compagnie d'une jeune indienne. Prénommé James Blackthorn, il décide de quitter ce pays étranger pour rejoindre sa terre natale et tenter de retrouver un fils qu'il n'a jamais vu. Sur sa route, il rencontre un jeune ingénieur pourchassé par une horde d'espagnols auquel il vient de leur soutirer une forte somme d'argent. Les deux hommes décident de faire équipe pour tenter d'échapper à leurs oppresseurs. 
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En remaniant la conclusion tragique invoquée dans la version de George Roy Hill, Mateo Gil suggère en l'occurrence que Butch Cassidy a réussi à prendre la fuite contre les autorités après avoir mis fin à la vie de son acolyte, le Kid, mortellement blessé par balle. Alors que son amie Etta Place a décidé de le quitter d'un commun accord pour protéger la vie de leur futur bambin, Butch Cassidy décide de se retirer en Bolivie durant 20 ans. Mais son âge vieillissant rattrapé par la nostalgie d'un passé révolu, la quête de retrouver un fils qu'il n'a jamais connu et le désir intrinsèque de retrouver sa contrée natale vont le pousser à revenir vers ses propres racines. Durant son trajet amorcé, les démons du passé vont toutefois le forcer à entamer une dernière chevauchée quand il décide de s'affilier avec un jeune ingénieur. Ce fuyard sournois est en faite pourchassé par des boliviens après leur avoir dérobé l'argent d'une mine pour laquelle il travaillait.

Mateo Gil évoque à travers l'incroyable destin d'un hors la loi notoire, la fin de vie de ce fantôme esseulé, réfugié au fin fond d'une ferme de Bolivie. Dans ses vastes étendues arides et désertées de présence humaine, Butch Cassidy s'interroge sur son passé meurtrier et sa vie de fuyard arrogant.
Après avoir appris la mort de son ancienne compagne atteinte de tuberculose, il décide de partir à la recherche d'un fils qu'il n'a jamais eu l'aubaine de rencontrer. Humanisé par la maturité d'un âge avancé et teinté de remord sur un passé épique confronté à la tragédie, le cow-boy autrefois téméraire et aujourd'hui devenu un quidam fatigué. Un homme solitaire profondément ennuyé d'une existence terne et désanchantée, malgré la compagnie futile d'une jeune indienne compatissante. Sa dernière chevauchée avec un bandit maladroit va finalement le convaincre que la vie qu'il avait mené préalablement ne peut plus renouer avec les prises de risques intrépides et bondissantes perpétrées contre l'ordre et la loi. Après avoir subi cette dernière chevauchée sanglante et déloyale, blackthorn se débarrasse une ultime fois de ses influences meurtrières pour partir vers une contrée paisible mais indécise.

Dans un rôle magnifique d'anti-héros dépassé par une époque fluctuante, Sam Shepard illumine de sa frêle présence un personnage aigri, davantage fragilisé par son humanisme empathique. Sa mélancolie sous-jacente émanant d'un amour éperdu mais renoué avec la grâce présagée d'un enfant va l'entraîner vers une forme de repentance lénifiante.

Dans de superbes décors naturels clairsemés (la poursuite du désert de sel est d'une splendeur immaculée !) et la clarté d'une photographie limpide, Blackthorn est un splendide western intimiste  scrutant sensiblement le profil d'un bandit rongé par la culpabilité. Le talent singulier de Sam Shepard et l'ambiance élégiaque ancrée dans un style documentaire nous confinent vers un western crépusculaire d'une époque obsolète et aux horizons incertaines. 
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Bruno 
22.11.11 

l'Emprise / The Entity. Antenne d'Or, Avoriaz 1983.

de Sidney J. Furie. 1981. U.S.A. 2h05. Avec Barbara Hershey, Ron Silver, David Labiosa, George Coe, Margaret Blye, Jacqueline Brookes, Richard Brestoff, Michael Alldredge, Raymond Singer, Allan Rich.

Sortie en salles en France le 23 Février 1983. U.S: 4 Février 1983

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sidney J. Furie est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 28 Février 1933 à Toronto, en Ontario (Canada). 1959: A Dangerous Age. 1961: Le Cadavre qui tue. The Snake Woman. 1964: La Poupée Sanglante. 1965: Icpress, danger immédiat. 1966: L'Homme de la Sierra. 1970: L'Ultime Randonnée. 1978: Les Boys de la compagnie C. 1981: l'Emprise. 1986: Aigle de Fer. 1987: Superman 4. 1988: Aigle de Fer 2.  1991: La Prise de Beverly Hills. 1995: Aigle de Fer 4. 1997: Les Rapaces. 1997: Les Enragés. 2000: Jeu Mortel. Nuit Infernale. 2003: Détention. 2004: Direct Action. 2005: American Soldiers. 2006: The Veteran (télé-film).

Avant-propos:
Ce film est l'histoire romancée d'un incident réel qui a eu lieu à Los Angeles, en Californie, en Octobre 1976. Pour les chercheurs, c'est l'un des cas les plus extraordinaires de l'histoire de la parapsychologie. 
La vraie Carla Moran vit aujourd'hui au Texas avec ses enfants. 
Les attaques, moins fréquentes et moins intenses... continuent.

"Carla contre l’invisible".

D’après un roman éponyme de Frank De Felitta (Audrey Rose), Sidney J. Furie transcende en 1981 un troublant cas de hantise inspiré d’un fait divers. Récompensé à Avoriaz de l’Antenne d’or, L’Emprise peut se targuer de figurer parmi les plus grands films de hantise. Il le doit pour beaucoup à la mise en scène avisée de Furie, qui opte pour un réalisme sans fard, et à la prestance criante de vérité de Barbara Hershey, justement couronnée du prix d’interprétation féminine au festival susmentionné.

Le pitch : une nuit, une mère de famille est sexuellement agressée par une présence invisible dans sa chambre. Le lendemain, une seconde attaque, tout aussi violente, survient. Quelques jours plus tard, elle perd le contrôle de son véhicule sans raison apparente. Démunie, terrifiée à l’idée de rentrer chez elle, elle consulte un psychiatre réputé pour tenter de comprendre les tenants d’un phénomène dont l’origine échappe à toute logique.

Avec un argument aussi grotesque en apparence, L’Emprise aurait pu sombrer dans la gaudriole zédifiante, si un réalisateur inspiré et une actrice à la sobriété expressive ne s’étaient alliés pour nous convaincre de l’horreur invisible qui hante cette femme. Et si, quarante ans plus tard, le film demeure aussi terrifiant, inquiétant, oppressant, c’est parce qu’il illustre sans esbroufe le calvaire improbable d’une mère de famille harcelée par une entité lubrique. 

La première partie, entrecoupée de scènes-chocs jamais racoleuses, dépeint avec une intensité psychologique rare le supplice de Carla, victime de viols répétés dans sa propre maison. L’angoisse sourde de Carla — cette peur d’une nouvelle attaque foudroyante — s’infiltre dans l’esprit du spectateur, témoin d’une intrusion du surnaturel dans la banalité du quotidien. Quant aux séquences d’agression, elles sont d’un réalisme malsain, froid, glaçant. Les effets spéciaux, employés avec parcimonie, évitent toute surenchère grotesque pour authentifier les exactions d’un ectoplasme pervers. La menace, insidieuse, s’intensifie à mesure que le surnaturel s’octroie le droit d’agresser une victime réduite à l’état d’objet sexuel.

                                      

Furie, fidèle à sa ligne vériste, privilégie ensuite l’exploration de la psyché de son héroïne, lors de séances de thérapie avec le docteur Sneiderman (Ron Silver, d’une sobriété remarquable, entre scepticisme clinique et rigueur cartésienne). Le corps psychiatrique s’efforce alors de convaincre Carla que ses agressions ne sont qu’un produit de son inconscient traumatique. En sondant les limbes de son passé — père incestueux, relation avortée avec un amant adolescent — Sneiderman tente de rationaliser la névrose. Ces moments d’intimité thérapeutique renforcent la détresse poignante d’une femme seule, que nul ne veut croire.

La seconde partie embrasse alors la piste surnaturelle en donnant la parole à des parapsychologues. Une équipe spécialisée dans l’occultisme viendra prêter main-forte à Carla. Mais chut, n’en disons pas plus. Furie ne cherche pas à nous convaincre du surnaturel : il laisse au spectateur le soin d’embrasser le doute, face à la souffrance d’une femme pourtant saine d’esprit. Soulignons enfin le jeu bouleversant de Barbara Hershey, frémissante d’émotion, à la fois vulnérable et déterminée, dans ce rôle épineux de martyre confrontée à un bourreau sans visage. Elle incarne une humanité chétive, une force vacillante, une volonté de survivre à l’indicible.

 

"Un corps en guerre".

Proprement effrayant dans ses attaques cinglantes venues d’ailleurs, L’Emprise demeure un parangon d’épouvante, transcendé par la densité psychologique de ses protagonistes et une atmosphère anxiogène, à la fois fascinante et oppressante. En évoquant la carte du « fait divers » à la toute fin, ce cauchemar filmique nous confronte à l’idée vertigineuse d’une spiritualité immatérielle, impalpable, perverse. Passionnant, hypnotique, porté par une bande-son tonitruante, ce chef-d’œuvre de la terreur mérite sa place auprès des monuments du genre : La Maison du Diable, Trauma, La Maison des Damnés, L’Enfant du Diable, Les Innocents. Du grand cinéma d’épouvante, comme on n’en fait plus. Hélas.

 

Dédicace à Aurore Drossart

 

*Bruno

03.07.24. 6èx. Vostfr

21.11.11.  

Récompense: Antenne d'or au festival d'Avoriaz en 1983 et Prix d'interprétation Féminine à Barbara Hershey..

Hatchi (Hachi, A Dog's Story)

de Lasse Haelstrom. 2009. U.S.A. 1h32. Avec Richard Gere, Sarah Roemer, Joan Allen, Cary-Hiroyuki Tagawa, Jason Alexander, Erick Avari, Robert Capron, Daviana McFadden, Kevin DeCoste.

Sortie en salles en France le 9 Juin 2010. U.S: 18 Décembre 2009

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lasse Haekstrom est un réalisateur et scénariste suédois, né le 2 Juin 1946 à Stockholm (Suède). 1975: A Guy and A gal. 1985: Ma vie de chien. 1991: Ce cher Intrus. 1993: Gilbert Grape. 1995: Amours et mensonges. 1996: Lumièe et compagnie. 1999: l'Oeuvre de Dieu, la part du Diable. 2000: Le Chocolat. 2001: Terre Neuve. 2005: Une vie inachevée. 2005: Casanova. 2006: Faussaire. 2009: Hatchi. 2010: Dear John. 2012: The Danish Girl.

D'après une histoire vraie.
Le véritable Hachikō est né à Ōdate, au Japon, en 1923. Il est mort en mars 1934.
Une statue de bronze trône aujourd’hui à sa place habituelle, en face de la gare de Shibuya.

Je vois déjà venir certains lecteurs ricaner à la vue de cette affiche jugée puérile, mettant en vedette un acteur glamour, ancienne gloire d’Hollywood, le regard attendri posé sur un toutou façon peluche. Et pourtant, dans sa forme canonique, assumant de cibler un public familial, le réalisateur de Gilbert Grape évite admirablement le pathos lacrymal qu’on redoute souvent dans ce type de production. D’autant plus qu’il s’agit ici du remake d’un film japonais méconnu, Hachikō Monogatari, réalisé en 1987 par Seijirō Kōyama. Attention toutefois au crève-cœur inconsolable que nombre de spectateurs éprouveront, désarmés, impuissants !

Le pitch : en revenant du travail, un professeur de musique universitaire trouve sur son chemin un chiot errant. Par empathie, il décide de le ramener chez lui, contre l’avis de son épouse. Peu à peu, une amitié se noue entre les deux compagnons. Surnommé Hatchi en raison de ses origines japonaises, le chien accompagne chaque matin son maître jusqu’au quai de la gare et revient l’attendre chaque soir après sa journée de travail. Les mois passent, leur relation s’épanouit… jusqu’au jour où le destin décide de les séparer.

Une histoire simple de prime abord - standard, diront les indécis - car centrée sur le lien viscéral unissant un maître et son chien fidèle. Mais dans son refus lucide de la complaisance, le réalisateur suédois Lasse Hallström nous convie à redécouvrir cette rencontre étonnante que chacun de nous connaît, ou a déjà vécue, avec un animal de compagnie. Ce rapport tendre, si affectueux, qu’on peut tisser avec un chien entièrement voué à vous rester fidèle. Et ce, jusqu’à votre dernier souffle. Hatchi nous raconte cela - cette relation qui transcende l’amitié, l’amour, la reconnaissance, au nom d’une fidélité commune, muette et sacrée.

La première partie, succession de séquences touchantes sans jamais verser dans la mièvrerie, illustre l’union complice d’un sexagénaire attendri par l’humanité bouleversante de son compagnon canin. Chaque matin, Parker se rend à la gare pour enseigner la musique à l’université. Et chaque matin, Hatchi l’accompagne jusqu’au quai, puis revient l’attendre le soir, patiemment, sur la place. Les commerçants, d’abord intrigués, finissent par observer avec bienveillance ce rituel empreint d’une loyauté farouche.

Mais un jour, un événement brutal vient tout bouleverser. La seconde partie, abrupte, inopinée, bifurque vers le drame, avec une sobriété bouleversante. Sans appuyer ni souligner, une séquence discrète vient marquer la bascule. La douleur, ici, ne se montre pas - elle s’insinue, insidieuse, muette, irrémédiable.

Dans un rôle inhabituel, Richard Gere incarne avec un flegme lumineux ce professeur de musique, épanoui dans sa vie conjugale comme professionnelle. Sa relation chaleureuse, presque enfantine, avec Hatchi nous touche lors de scènes anodines, portées par des élans d’une tendresse noble. Le chien - en réalité interprété par trois Akita Inus selon l’âge d’Hatchi - est sobrement filmé, qu’il s’agisse de moments graves ou joyeux. Son regard d’innocence, sa bonhomie instinctive, sa patience infinie, ne peuvent que bouleverser un spectateur contemplatif, sensible à cette fidélité sans faille. Peu à peu, l’émotion devient irrépressible, jusqu’au bord de l’insoutenable - selon la sensibilité de chacun, et l’amour porté à la cause animale. Puisque hélas je suis incapable de revoir le film avec tout le courage du monde. Ce Samedi 19 Novembre 2011 restera donc pour moi une date aussi mémorable qu'épineuse que mon coeur est incapable d'extraire.

"Une fidélité proverbiale à part entière".

Récit authentique prônant les valeurs d’amour et de dévotion entre un homme et son chien, Hatchi nous désarme le cœur - à vif ! - en acceptant la cruauté d’une destinée inéquitable. Portrait pudique d’une complicité altruiste, brisée par la mort mais unifiée à nouveau dans une dimension quasi spirituelle. Un drame bouleversant, d’une acuité émotionnelle rare, qui, en évitant les pièges du film à larmes, atteint une forme d’épure. En marge de cette émotion fragile, presque impitoyable, la partition au piano, timide et discrète, vient souligner sans insister la demi-teinte de l’ensemble.

Et ainsi, au fil de cette histoire aussi modeste qu’immense, Hatchi nous submerge d’un flot d’émotions incontrôlables, profondes, rigoureuses - pour ne pas dire traumatiques, chez celles et ceux nouant un lien indéfectible avec le monde canin.

À Hatchi, Barney et Harvey, mes héros…

 

— le cinéphile du cœur noir

 

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Dédicace à Gilles Roland, Selena de Sade et Isabelle Rocton.
19.11.11
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Ci-dessous, la critique de mes amis Luke Mars et Gilles Roland
http://darkdeadlydreamer.blogspot.com/2011/11/hachi-dogs-tale-aka-hachiko-dogs-story.html?showComment=1322205834540#c3807275587435140473
http://www.shunrize.com/wordpress/critique-hatchi

L'avis de mon ami Mathias Chaput:

Il est des films intemporels que l’on n’oublie jamais, des films si bouleversants qu’ils hantent notre mémoire à jamais, des films d’une force émotionnelle qui balayent tout et qui nous bloquent en quelques minutes où nous avons l’impossibilité de retenir nos larmes : « Hatchi » fait partie de cette race très fermée de métrages…
« Philadelphia », « Le cercle des poètes disparus » sont du même calibre mais « Hatchi » dégage un pouvoir émotionnel encore plus intense que ces deux films…
D’une intensité mélodramatique et d’un jeu d’acteurs bien rôdé (on s’attache très vite aux personnages, le chef de gare, le vendeur de hot dogs, la libraire), on s’habitue à une routine très touchante et de voir ce chien au beau milieu de tout ce petit monde qui parait gentillet et émouvant (le cadre, les habitudes, les saisons qui défilent, filmés intelligemment et sans la moindre redondance)…
Et lorsque tout s’écroule (après la première heure) un sentiment indicible comme une brise glaciale qui nous balayerait littéralement, la c’est le DRAME qui prend place !
Et c’est terrible…
« Hatchi » a une force instantanée de faire virer à 360 degrés la quiétude qui s’était immiscée, la complicité absolue entre un homme et son chien pour aboutir au film le plus lacrymal de tous les temps, à la sensibilité impénétrable et au cœur gros comme ça, nous collapsant de pleurs sans discontinu…
Niveau technique, la mise en scène est très correcte et les décors sont parfaitement adaptés au film…
Richard Gere est bouleversant et prouve une énième fois qu’il est un grand acteur…
Le chien Hatchi est adorable, bref ce film est sublime, superbe et fascinant, mais très difficile en même temps : il en ressort une impression terrible, comme rarement vue au cinéma…
En un mot : DECHIRANT.
on est RETOURNéS !

Note : 10/10
Paix éternelle à Lady, Labelle, Ursa et Barney
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Un Monde sans pitié. César de la meilleure première oeuvre, Prix Louis-Delluc.

d'Eric Rochant. 1989. France. 1h24. Avec Hippolite Girardot, Mireille Perrier, Yvan Attal, Jean-Marie Rollin, Cécile Mazan, Aline Still, Paul Pavel, Anne Kessler, Patrick Blondel.

Sortie en salles en France le 22 Novembre 1989. U.S: 31 Mai 1991

FILMOGRAPHIE: Erich Rochant est un réalisateur et scénariste français né le 24 Février 1961.
1989: Un Monde sans Pitié. 1990: Aux Yeux du monde. 1994: Les Patriotes. 1996: Anna Oz. 1997: Vive la République ! 2000: Total Western. 2006: l'Ecole pour tous

"On n'a plus qu'à être amoureux, comme des cons; et ça, c'est pire que tout.."
Récompensé de deux césars et du Prix Louis-Delluc, le premier film d'Eric Rochant est le porte parole d'une génération désabusée. Celle de la fin des idéologies des années 80 auquel une certaine jeunesse désorientée se réfugiait dans les idylles d'un soir alors que d'autres s'improvisaient dealer de shit pour compenser la précarité du RMI.

Synopsis: Hippo est un trentenaire sans illusion résidant en collocation avec son frère vendeur de drogue au sein de leur appartement. Un jour, il rencontre Nathalie, une ambitieuse étudiante auquel il n'est pas insensible à sa simplicité naturelle. Ensemble, ils vont tenter d'envisager une liaison romantique hormis leur personnalité divergente sur leur société contemporaine. 
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Pour un premier essai derrière la caméra, Eric Rochant marqua toute une génération de cinéphiles avec ce portrait aigre doux d'un jeune chômeur avide de liberté mais incapable de s'insérer dans une société individualiste. Régulièrement appréhendé par la police, faute de sa gueule marginalisée et de l'état délabré de son véhicule volé, et coexistant sous le toit de son frère cadet, dealer de shit, Hippo sacrifie son temps dans les festivités amicales entre 2 parties de poker. Or, avec la rencontre impromptue de cette étudiante bon chic bon genre, il se laisse attendrir par ses charmes pour mieux supporter son faible espoir de réussite socio-professionnelle. 

Ainsi, dans une ambiance morose plutôt nonchalante scandée de la mélodie à la fois fragile et timorée de Gérard Torikian, Eric Rochant dresse le portrait d'un chomeur déboussolé par ses angoisses existentielles. Quand bien même ses parents puritains et austères ne comprennent plus leur rejeton fuyant sa responsabilité pour se réfugier dans une solitude atone en dépit de sa tendresse éphémère auprès de sa compagne intello. Ne reste alors pour Hippo que l'amitié fraternelle d'un acolyte bienveillant mais tout aussi défaitiste pour tenter de se prémunir d'une misère sociale toujours plus accrimonieuse. Et si le cheminement aléatoire d'Hippo réussit si sincèrement à nous toucher et interpeller, c'est grâce à la prestance chafouine du comédien novice Hippolite Girardot livrant probablement son rôle le plus vibrant, le plus intensément expressif en toute sobriété. D'un naturel révolté à travers son idéologie misanthrope, il parvient admirablement à retranscrire sa détresse (sous-jacente), ses contrariétés en roue libre, son désarroi face à un monde sans pitié (trop) souvent tributaire de l'égotisme des rapports humains et du chômage qui en découle faute d'une solitude sans espoir.

Baignant dans une poignante mélancolie jamais forcée, d'autant plus palliée d'un humour permanent, notamment auprès du franc-parler facond d'Hippo et de quelques seconds-rôles (néanmoins) enjoués, Un monde sans pitié provoque une émotion naturaliste en demi-teinte face à la désillusion qu'un jeune glandeur encaisse dans sa rage d'exister. Sa conclusion attendue, d'une ironie acerbe enfoncera d'ailleurs le clou quant à son pessimisme sentimental sans lendemain qu'il alimente lui même dans sa condition marginale irréconciliable.   

*Bruno

16.11.11. 

01/04/2025. 4èx

Récompenses: César de la meilleure première oeuvre.
César du Meilleur Espoir Masculin pour Yvan Attal
Prix Louis-Delluc en 1989.

La Maison près du Cimetière / Quella villa accanto al cimitero

de Lucio Fulci. 1981. Italie. 1h26. Avec Catriona MacColl, Paolo Malco, Ania Pieroni, Giovanni Frezza, Silvia Collatina, Dagmar Lassander, Giovanni De Nava, Daniela Doria, Gianpaolo Saccarola.

Sortie en salles en France le 24 Mars 1982. U.S: 01 Mars 1984
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FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996. 1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 : L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio, 1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence..

Personne ne saura jamais si les enfants sont des monstres ou les monstres des enfants.
Henry James. 

"L’élégie pour un mort qui respire encore".

En 1981, juste après sa fresque morbide L'Au-delà, le maître du macabre renoue pour la quatrième fois avec la thématique du zombie en façonnant La Maison près du Cimetière. Un point d’orgue intimiste qui vient clore sa sarabande de cadavres lépreux, exhumés des portes de l’Enfer dans Zombie, Frayeurs et L’Au-delà. Néanmoins, méfiez-vous aujourd’hui des enfants qui pleurent dans le noir ! Près de Boston, aux États-Unis, un couple emménage dans une demeure avec leur fils. Le jeune Bob possède la faculté de communiquer par télépathie avec une étrange fillette entraperçue sur une photo. Bientôt, d’étranges événements se produisent dans l’ancienne maison des Freudstein. Son ancien propriétaire, jadis chirurgien fasciné par la quête d’immortalité, aurait trouvé l’antidote pour se régénérer...

Avec son prélude concis, presque gratuit, La Maison près du Cimetière insuffle pourtant, dès ses premières secondes, un sentiment d’angoisse latente, insidieuse. Une maison vétuste, de style gothique, s’élève à proximité d’un cimetière hanté par la famille Freudstein. À l’intérieur, un couple d’amoureux entré par effraction s’improvise un cache-cache nocturne… Mais la jeune fille, transie d’inquiétude, est bientôt happée par le maître des lieux : le Dr Freudstein. Fulci distille aussitôt le malaise, insuffle une angoisse tangible dans les recoins funestes de cette demeure antique, et nous alarme sur le danger létal tapi dans le gouffre de la cave. Après avoir esquissé le quotidien de la famille Boyle fraîchement installée, un lien se tisse entre Bob et une enfant du nom de Mae — cette même silhouette préalablement entrevue dans un tableau accroché au mur de leur ancienne maison. Bob est le seul à pouvoir voir, entendre, et parler à cette étrange fillette. Une rouquine contrariée à l’idée qu’il emménage chez les Freudstein… Tandis que Mr Boyle poursuit ses recherches funèbres sur le passé sanglant du chirurgien utopiste, Lucie, Ann — la femme de ménage — et Bob sont confrontés à des phénomènes de plus en plus terrifiants.

En croisant le thème de la maison hantée avec celui du mort-vivant, le réalisateur cisèle un ultime conte macabre où l’innocence enfantine est exposée pour être violemment tourmentée. Certes, le scénario s’égare parfois dans des incohérences (la relation équivoque entre Norman Boyle et la baby-sitter Ann, ou encore ce parquet ensanglanté qu’elle nettoie sans qu’aucune explication ne soit donnée), mais l’intérêt narratif se resserre autour d’un sentiment de terreur palpable, suintant de la cave scellée. En maître de l’effroi, Fulci ravive nos peurs enfantines : le monstre dans le placard, le noir humide d’un sous-sol décrépi, ici métamorphosé en cave cauchemardesque. Jour et nuit, des bourdonnements inquiétants résonnent à travers les cloisons, et une voix d’enfant en pleurs vient importuner les vivants. Malgré une direction d’acteurs toujours aussi terne et hésitante (même si Catriona MacColl et l’ensorcelante Ania Pieroni relèvent sobrement le niveau), c’est le décor mortuaire, véritable personnage à part entière, qui nous hypnotise : cette oubliette souterraine cache des cadavres démembrés, éviscérés, réduits à l’état de chair. Chaque tentative de descente dans la cave s’accompagne d’un frisson d’oppression distillé avec art. Fidèle à sa réputation de maître transalpin du putride, Fulci, entouré de ses fidèles collaborateurs — le maquilleur Giannetto De Rossi et le chef opérateur Sergio Salvati — nous offre deux séquences gores hallucinées : tisonnier enfoncé trois fois dans la chair jusqu’à l’éclatement orgasmique d’une carotide, puis gorges tranchées dans des gerbes de sang ! Ces visions baroques, crues, outrancières, marquent encore par leur impact réaliste et leur audace frontale.

Mais Fulci sait aussi faire preuve de sensibilité : il aborde avec gravité le thème de l’enfance rejetée, discréditée par des adultes sourds à leurs angoisses. Le final, poétiquement élégiaque, révélant la véritable identité de Mae et de sa mère, nous laisse dans une amertume persistante. Car nous ne saurons jamais quelle destinée attend Bob dans sa nouvelle "famille".

 

"De moisissure et de sang".

Avec son scénario nébuleux mais singulier, La Maison près du Cimetière se transcende par l’ambiance pétrifiante de sa demeure photogénique, suintante de souillure. En particulier cette cave, antre d’un monstre solitaire fasciné par les secrets de l’immortalité. Accoutré d’un uniforme saphir moisi, au faciès purulent et famélique, le Dr Freudstein s’impose comme l’une des créatures les plus inquiétantes du cinéma d’horreur. La superbe comptine de Walter Rizzati parachève cette atmosphère nimbée de mélancolie. Là, dans l’ombre, un mort-vivant attend, pleure et chasse. Prisonnier d’un corps qu’il doit nourrir pour survivre, spectre tragique condamné à errer sous les lattes. La peur est une denrée rare au cinéma. Ne vous privez pas d’un détour — ou d’un retour — du côté obscur de La Maison près du Cimetière.

*Bruno

13.01.24. 6èx

14.11.11. 

La critique de Mathias Chaput:
Au carrefour du film de zombies et du métrage de maisons hantées, « La maison près du cimetière » est une franche réussite, combinant tous les codes chers à Lucio Fulci et se dotant de séquences « hardgore » gratinées, avec pour levier dans l’angoisse les peurs enfantines…

Ultime œuvre du segment quadrilogique de films de zombies initié par « L’enfer des zombies », « Frayeurs » et « L’au-delà », « La maison près du cimetière » se démarque de la violence inhérente à ses prédécesseurs pour imbriquer une poésie, un sens du lyrisme macabre et une ode à la putréfaction chers à Fulci et le final évoque des similitudes avec celui de « The Beyond » de par un onirisme et une sensation d’étrangeté au charme certain, rehaussant la « patte » Fulci dans un catharsis aussi soudain qu’inattendu…

Les bambins sont les vecteurs du film et volent la vedette au Docteur Freudstein, héritage des zomblards ralentissants de « Frayeurs » et prétexte à des séquences chocs précises et terrifiantes, bien cadrées dans la continuité du scénario…

Catriona Mac Coll, égérie de Fulci, est toujours aussi fabuleuse et Ania Pieroni déborde d’un charme ténébreux qui allait faire exploser sa (courte) carrière puisqu’Argento la remarqua et l’embaucha pour deux de ses films (« Inferno » et « Ténèbres »)…

Ponctué d’éclairs et de foudroiements (le passage avec la chauve-souris, les morts violentes –notamment le prologue bluffant- ou les découvertes hasardeuses et funestes), « La maison près du cimetière » est un sommet du genre et consolide un peu plus la carrière de Fulci, ce dernier étant toujours en quête d’explorations cinématographiques…

Il clôt ses expérimentations et intègre un pan supplémentaire de sa filmographie tout en n’oubliant pas de faire plaisir à ses fans de la première heure en leur concoctant un film racé et lugubre, dépressif et capiteux…

Encore une fois, il faut le voir pour comprendre et appréhender le genre qui érigea Fulci comme maitre absolu du film horrifique italien…

Note : 10/10

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