SPIDER-MAN 2

                                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site screenrant.com

de Sam Raimi. 2004. U.S.A. 2h07. Avec Tobey Maguire, Kirsten Dunst, James Franco, Alfred Molina, Rosemary Harris, J.K. Simmons, Lucy Liu.

Sortie salles France: 14 Juillet 2004. U.S: 30 Juin 2004

FILMOGRAPHIE: Sam Raimi est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 23 Octobre 1959 à Franklin, Etats-Unis.
1981: Evil-Dead. 1985: Mort sur le Grill. 1987: Evil-Dead 2. 1990: Darkman. 1993: Evil-Dead 3. 1995: Mort ou Vif. 1998: Un Plan Simple. 1999: Pour l'amour du jeu. 2000: Intuitions. 2002: Spi-derman. 2004: Spider-man 2. 2007: Spider-man 3. 2009: Jusqu'en Enfer. 2013: Le Monde fantastique d'Oz.

Second volet d'une trilogie à succès, Spider-man 2 s'avère indubitablement le meilleur volet de la série. Que ce soit en terme d'action anthologique au service de l'intrigue et de caractérisation humaine finement auscultée, le spectacle de Sam Raimi s'avère en tous point de vue éclatant de virtuosité dans une structure narrative passionnante. Cette fois-ci, Spider-man doit combattre Octopus, un savant ayant réussi à créé 4 bras mécaniques soudés à son corps et manipulés par son cerveau. Alors que Harry Osborn, meilleur ami de Peter Parker, souhaite se venger auprès de spider-man depuis la mort de son père, Mary-Jane Watson est sur le point de se marier. Partagé entre le désir de la reconquérir et son devoir héroïque, Peter finit envisage de mener une vie paisible avant que sa conscience et les conseils avisés de ses proches ne le rappellent à la raison. 

Sous couvert de film de super-héros trépidant déployant moult rixes urbaines entre Octopus (nouvel ennemi tentaculaire hyper charismatique !) et Spider-man, Spider-man 2 séduit surtout par sa nature romantique où l'amour s'avère le centre d'intérêt de Peter Parker, notamment pour préserver sa muse contre l'ennemi. Puisque livré à un choix cornélien, il doit aujourd'hui se confronter au choix moral de son statut de super-héros lorsque celle qu'il a toujours aimé est sur le point de se consacrer à une nouvelle vie sentimentale. Réflexion sur le dépassement et la confiance en soi (Peter perd ses pouvoirs à partir du moment où il commence à dénigrer son destin héroïque), sur la notion de héros (quitte à sacrifier un rêve, doit-il consacrer toute son existence à combattre l'ennemi pour protéger les innocents après s'être rendu coupable de la mort de son oncle ?) et sur l'influence du Mal du point de vue du rival (Octopus, dépassé par ses ambitions scientifiques, se retrouve esclave de sa machine avant que son intelligence ne le rappelle à une noble réflexion !), Spider-man 2 privilégie le portrait de personnages en conflit intrinsèque. A l'instar d'Harry Osborn envahi par sa rancoeur afin de venger l'honneur de son père (alors qu'il découvrira bientôt que son meilleur ami s'avère Spider-man ! ), et à l'exemple de Mary-Jane Watson espérant au fond d'elle que Peter lui avouera enfin ses sentiments. Cette densité impartie à la contrariété des personnages s'avère donc le pilier émotionnel de l'intrigue sans que le spectacle homérique de Sam Raimi ne pâtisse d'un manque de rythme dans les pugilats belliqueux. Les scènes d'action hyper vigoureuses et inventives s'avérant à couper le souffle, de par la fluidité technique mais aussi l'agilité des comédiens en roue libre ! 

Projet ambitieux de blockbuster intelligent alternant caractérisation psychologique et corps à corps dantesques entre super-héros stoïques, Spider-man 2 fait autant la part belle au lyrisme et à l'émotion empathique dans la force sentimentale de deux amants compromis au dilemme cornélien. Un spectacle aussi grandiose dans la démesure (les FX numériques sont ahurissants de réalisme à l'instar de l'assaut du métro et des envolées aériennes de Spider-man !) qu'intimiste dans la force de l'amour et la foi en l'accomplissement de soi ! 

Bruno Matéï

2èx

La chronique de Spider-man: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/05/spider-man.html

Une Hache pour la lune de miel / Il Rosso segno della follia

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site bmoviezone.wordpress.com

de Mario Bava. 1970. Italie/Espagne. 1h28. Avec Stephen Forsyth, Dagmar Lassander, Laura Betti, Jesus Puente, Femi Benussi, Antonia Mas, Luciano Pigozzi.

Sortie salles Italie: 2 Juin 1970. Espagne: 14 Septembre 1970

FILMOGRAPHIE: Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie). Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo. 1946 : L'orecchio, 1947 : Santa notte, 1947 : Legenda sinfonica, 1947 : Anfiteatro Flavio, 1949 : Variazioni sinfoniche, 1954 : Ulysse (non crédité),1956 : Les Vampires (non crédité),1959 : Caltiki, le monstre immortel (non crédité),1959 : La Bataille de Marathon (non crédité),1960 : Le Masque du démon,1961 : Le Dernier des Vikings (non crédité),1961 : Les Mille et Une Nuits,1961 : Hercule contre les vampires,1961 : La Ruée des Vikings, 1963 : La Fille qui en savait trop,1963 : Les Trois Visages de la peur, 1963 : Le Corps et le Fouet, 1964 : Six femmes pour l'assassin, 1964 : La strada per Fort Alamo, 1965 : La Planète des vampires, 1966 : Les Dollars du Nebraska (non cédité), 1966 : Duel au couteau,1966 : Opération peur 1966 : L'Espion qui venait du surgelé, 1968 : Danger : Diabolik ! , 1970 : L'Île de l'épouvante ,1970 : Une hache pour la lune de miel ,1970 : Roy Colt e Winchester Jack, 1971 : La Baie sanglante, 1972 : Baron vampire , 1972 : Quante volte... quella notte, 1973 : La Maison de l'exorcisme, 1974 : Les Chiens enragés,1977 : Les Démons de la nuit (Schock),1979 : La Venere di Ille (TV).

Sorti discrètement en VHS sous le titre fallacieux La Baie Sanglante 2, alors qu’il fut tourné un an avant La Baie Sanglante, Une Hache pour la Lune de Miel s’avère fascinant à plus d’un titre, malgré une réputation longtemps timorée, désormais réhabilitée par les puristes du maestro Mario Bava.

Le pitch : John Harrington, riche héritier d’une maison de couture, est un psychopathe incapable de réfréner ses pulsions meurtrières : il assassine de jeunes mariées pour tenter d’exhumer un souvenir traumatique enfoui dans l’enfance.

Longtemps considéré, à tort, comme une œuvre mineure, ce thriller vénéneux reste pourtant singulier, troublant, captivant dans son portrait d’un schizophrène prisonnier d’un trauma infantile. Travesti parfois d’une robe de mariée pour parfaire son rituel, il évoque Psychose par ses visions macabres de l’épouse défunte, ses thèmes de refoulement, d’amour maternel et de possessivité.

Bava, maître du clair-obscur mental, jongle entre hallucination et réalité pour mieux nous égarer dans les dédales d’un esprit rongé de fantômes. Une séquence à suspense hitchcockien reste mémorable : quelques gouttes de sang perlent d’un escalier, prêtes à trahir le meurtre alors que la police interroge le monstre. Formellement somptueux (comme toujours chez Bava), baignant dans une atmosphère gothique où dentelles nuptiales et gerbes de fleurs se confondent à l’architecture baroque de la demeure, Une Hache pour la Lune de Miel brille aussi grâce à Stephen Forsyth. L’acteur insuffle au tueur une ambiguïté saisissante : paranoïa incontrôlée, charme insidieux, regard azur et silhouette longiligne, il hypnotise l’écran, figure écartelée entre Eros et Thanatos. À ses côtés, la troublante Laura Betti, épouse martyr devenue spectre vengeur, partage la vedette avec une force vénéneuse : même incinérée, elle vampirise encore la psyché de John, fidèle à sa promesse : ne jamais le quitter.

 

La Mariée Sanglante

Soutenu par la partition capiteuse de Sante Maria Romitelli - dont cette valse lascive autour de mannequins vêtus de blanc - et auréolé d’un esthétisme baroque à la sensualité trouble, Une Hache pour la Lune de Miel mérite qu’on le ressuscite. Pour son climat d’incertitude obsédante, son glissement vers un fantastique fiévreux où un ectoplasme d’épouse hante l’assassin, pour ses actrices italiennes à la beauté de porcelaine, pour le portrait poignant d’un psychopathe accablé d’une fidélité morbide. Œuvre atypique, précurseur discret de nombreux psycho-killers des années 80 (Maniac, Henry, Schizophrenia), ce cauchemar satin et sang n’en finit pas de distiller son poison, encore et encore, dans la pénombre d’une salle obscure ou d’une VHS poussiéreuse.

*Eric Binford

26.11.21.  

28.22.23. vostfr. 5èx

5

Orange Mécanique / A Clockwork Orange

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Stanley Kubrick. 1971. Angleterre. 2h17. Avec Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke, John Clive, Adrienne Corri.

Sortie salles France: 21 Avril 1972. Angleterre: 13 Janvier 1971. U.S: 2 Février 1972

FILMOGRAPHIE: Stanley Kubrick est un réalisateur américain, né le 26 Juillet 1928 à New-York, décédé le 7 Mars 1999 à Londres.
1953: Fear and Desire. 1955: Le Baiser du Tueur. 1956: l'Ultime Razzia. 1957: Les Sentiers de la Gloire. 1960: Spartacus. 1962: Lolita. 1964: Dr Folamour. 1968: 2001, l'Odyssée de l'Espace. 1971: Orange Mécanique. 1975: Barry Lindon. 1980: Shining. 1987: Full Metal Jacket. 1999: Eyes Wide Shut.

 

"L’Agneau mécanique".

Farce caustique violemment controversée lors de sa sortie pour sa réflexion virulente sur la violence, Orange Mécanique n’a cessé, depuis plus de quarante ans, de faire perdurer son pouvoir de fascination. Provocant, décalé, sarcastique, burlesque, ultra-violent, dérangeant, érotique, baroque, débridé, psychédélique, cauchemardesque — et j’en passe — ce pamphlet contre l’asservissement illustre, avec une verve d’insolence (réparties ciselées à l’appui !), un délire d’anticipation aussi singulier qu’incisif.

Pitch: Alex, jeune délinquant passionné par Beethoven et l’ultra-violence, erre la nuit avec ses acolytes, semant la terreur auprès de quidams paisibles, jusqu’à ce que la police le cueille lors d’un homicide sauvage dans une demeure bourgeoise. Condamné à 14 ans de réclusion, il se voit offrir un traitement révolutionnaire par le ministre de l’Intérieur : le "guérir" du Mal. Le rendre aussi docile qu’un agneau par le contrôle absolu de sa conscience.

D’une audace polissonne dans son esthétisme sexuel, traversé par une partition dissonante où l’élégance de Beethoven se frotte à la violence stylisée, semi-parodique, Orange Mécanique multiplie les ironies pour révéler l’instinct violent enraciné en chacun. Indignation, rébellion, vengeance, défense ou sévices gratuits : la violence affleure comme une composante tragiquement humaine, exutoire face à l’injustice, l’inégalité, l’intolérance.

Chaque être humain conserve pourtant ce choix moral : faire le Bien ou le Mal, au nom d’une liberté individuelle, dans une société censée garantir l’égalité.
Par le biais de ce traitement expérimental censé expurger toute pulsion destructrice, Kubrick dénonce les dérives d’une société totalitaire, bien décidée à lobotomiser ses éléments déviants pour les soumettre aux exigences politiques.
Alex devient, en quinze jours d’expérimentations, un pantin vidé de toute agressivité — incapable de se défendre face à l’humiliation, à la menace, ou même au désir suscité par une séduction éhontée.
Par sa satire acide, Kubrick pousse cette logique jusqu’à l’absurde : Alex, réduit à un objet d’obéissance, voit ses anciennes pulsions réémerger. De prédateur sans vergogne, féru de sexe et de violence, il devient une victime stérile.
Rejeté par ses parents rongés de honte, tabassé par ses anciens acolytes devenus policiers, persécuté par le mari de sa dernière victime...
Jusqu’à ce que, ironie cruelle, une symphonie de Beethoven ravive ses bas instincts — quand l’art lui-même échoue à contenir les élans de son âme dévoyée.

"L’opéra des pulsions".

Dominé par l’interprétation hallucinée de Malcolm McDowell (son rôle le plus magnétique et exubérant), transcendé par la mise en scène baroque, néo-futuriste et stylisée du maître Kubrick, Orange Mécanique s’érige en film-monstre. Un chef-d’œuvre de décadence, où perce le désespoir d’une jeunesse abandonnée, perdue entre démission parentale, crise du chômage, et société conservatrice toujours plus étouffante.

Et quand bien même elle tente de tout censurer, la violence, elle, reste le catalyseur du malaise existentiel.
Indémodable.

Dédicace à Chris Steadyblog
Bruno
4èx

UNE MERVEILLEUSE HISTOIRE DU TEMPS (The Theory of Everything)

                                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de James Marsh. 2014. Angleterre. 2h03. Avec Eddie Redmayne, Felicity Jones, Maxine Peake, Charlie Cox, Harry Lloyd, Emily Watson, Guy Oliver-Watts.

Sortie salles France: 21 Janvier 2015. Angleterre: 1er Janvier 2015

FILMOGRAPHIE: James Marsh est un réalisateur anglais, né le 30 Avril 1963 à Truro.
1999: Wisconsin Death Trip. 2005: The King. 2009: The Red Riding Trilogy: 1980. 2012: Shadow Dancer. 2014: Une Merveilleuse histoire du Temps.

Avez vous une philosophie de la vie qui vous aide ?
Nous ne sommes qu'une race avancée de primates, sur une petite planète en orbite autour d'une étoile moyenne, dans la banlieue extérieure d'une galaxie, parmi d'autres centaines de milliards. Mais, depuis l'aube de la civilisation, l'homme a recherché à connaître l'ordre sous-jacent du monde. Les conditions aux limites de l'univers ont quelque chose de spécial. Quoi de plus spécial que l'absence de limites ? Il ne faut pas de limites à l'activité humaine. Nous sommes tous différents. Aussi mauvaise que peut sembler notre vie, il y a toujours quelque chose que l'on peut faire, réussir. Là ou il y a de la vie, il y a de l'espoir. Stephen Hawking

Biographie du physicien théoricien Stephen Hawking, Une Merveilleuse histoire du temps (titre français beaucoup trop sirupeux que son modèle !) relate le destin singulier de ce professeur dans ses recherches scrupuleuses axées sur l'origine de la vie et la création de l'univers. L'action se déroule en Angleterre au début des années 60. Alors qu'il poursuit ses études de Cosmologie à l'université de Cambridge, Stephen Hawking tombe amoureux de Jane Wilde, une jeune fille passionnée des arts. Mais à la suite d'une chute accidentelle, son destin bascule lorsqu'il apprend qu'il est atteint de la maladie de Charcot. Une dystrophie neuromusculaire le condamnant à rester cloîtrer sur une chaise roulante. Paralysé des muscles mais n'ayant aucune séquelles pour ses fonctions cognitives, il entreprend néanmoins de fonder une famille avec son amie tout en poursuivant ses ambitieuses études afin de remporter un doctorat et d'écrire un livre sur la notion du temps. 

Quel superbe mélodrame que nous convie là le réalisateur James Marsh, Une Merveilleuse histoire du temps relatant autant la condition de vie précaire (il ne lui reste que 2 ans à vivre selon le corps médical) d'un paraplégique érudit que sa romance partagée avec une charmante étudiante. En évitant l'écueil du pathos et du sentimentalisme, la réalisateur réussit à nous bouleverser dans une mesure d'empathie que le duo Eddie Redmayne/Felicity Jones transcende avec complicité pugnace et amoureuse. L'acteur réussissant à se fondre dans la peau d'un infirme sans complaisance de cabotinage, un piège qui aurait pu facilement lui être fatal pour surjouer ce rôle physique d'estropié ! Toujours plus inapte à se défendre contre la maladie dégénérative de son corps (notamment sa soudaine perte d'élocution après un coma artificiel), il réussit souvent à suggérer une intense émotion par la persuasion de son regard empli d'humanité et de volonté. Avec beaucoup de dignité, de compassion et d'amour, sa partenaire se réserve l'aplomb d'une épouse de soutien dans un jeu flegmatique et en dépit de son physique radieux. A eux deux, ils forment un tandem proprement bouleversant dans leur épreuve de force et leur soutien communs à combattre la maladie dans le cadre de leur quotidienneté. Pourvu d'un esthétisme raffiné (reconstitution classieuse) et parfois stylisé (jeux de couleurs et décors baroques), c'est une leçon de philosophie (Là ou il y a de la vie, il y a de l'espoir !) et de courage, un hymne à la vie que nous illustre sans fioriture James Marsh, son oeuvre nous emportant dans un tourbillon d'émotions où les maîtres mots s'avèrent l'optimisme, la force des sentiments et de l'espoir.

Avec simplicité et en comptant beaucoup sur l'humble complicité des deux comédiens, Une Merveilleuse histoire du temps distille une émotion aussi bouleversante que déchirante pour le destin exemplaire de Stephen Hawking, recréé avant tout dans l'intimité du rapport conjugal. Un homme partagé entre l'amour de son épouse et l'amitié d'une aide-soignante, un physicien habité par l'ambition et la réussite de ses projets, un philosophe athée et finalement agnostique lorsque le temps a décidé de lui accorder la part du doute et de l'espoir. 

Bruno Matéï 

Récompenses:
Festival du film de Hollywood 2014 : Hollywood Breakout Performance Award pour Eddie Redmayne
Festival du film Nuits noires de Tallinn 2014 : meilleur acteur pour Eddie Redmayne
New York Film Critics Online Awards 2014 : meilleur acteur pour Eddie Redmayne
Women Film Critics Circle Awards 2014 : meilleur acteur pour Eddie Redmayne
Golden Globes 2015 :
Meilleur acteur dans un film dramatique pour Eddie Redmayne
Meilleure musique de film pour Jóhann Jóhannsson

Les Yeux du Mal / The Godsend

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site fredanderson.typepad.com

de Gabrielle Beaumont. 1980. U.S.A. 1h26. Avec Malcolm Stoddard, Cyd Hayman, Angela Pleasance, Patrick Barr, Wilhelmina Green.

Sortie salle France: 16 Mars 1983. U.S: 11 Juin 1980

FILMOGRAPHIE: Gabrielle Beaumont est une réalisatrice, productrice, scénariste et actrice anglaise, née le 4 Juillet 1942 à Londres (Royaume-Uni). 1980: Les yeux du Mal. 1981: Meurtre d'une créature de rêve (télé-film). 1983: Secrets of a Mother and Daughter (télé-film). 1984: Gone are the Dayes (télé-film). 1987: He's my Girl. 1993: Fatal Inheritance. 1993: Riders (télé-film). 1996: Dar l'Invincible 3 (télé-film). 1998: Diana, princesse du peuple (télé-film).

Mea culpa ! 4 visionnages il m'eut fallu pour enfin l'apprécier. 

Exploité sous l’étendard étoilé d’Hollywood Video, Les Yeux du Mal fit fantasmer toute une génération de fantasticophiles de vidéoclubs avec sa jaquette flamboyante, héritée de La Malédiction et de L’Exorciste. Une rutilante affiche crépusculaire, dans la droite lignée d’Une si gentille petite fille, des Tueurs de l’éclipse ou encore de De si gentils petits monstres. Des plaisirs innocents, redoutablement ludiques, pour qui sait savourer les bisseries décomplexées au délire assumé.

Primé au Festival Fantastique de Paris — dixit la jaquette française — Les Yeux du Mal embrasse le genre horrifique au premier degré, à travers l’affrontement psychologique d’un père et d’une mère se disputant l’autorité sur leur enfant adoptif, depuis la disparition de sa mère biologique. La petite Wilhelmina Green s’impose d’ailleurs par une photogénie troublante : ce regard noir, à la fois perçant et rigide, presque figé. Son inexpressivité sert parfaitement le climat d’étrangeté qui l’entoure, entre mutisme et postures ambiguës, le récit misant à fond sur la suggestion, l’interrogation sans réponse, l’ambiguïté morale.

Et c’est ce qui renforce l’aspect captivant, envoûtant (nappe musicale inquiétante à l’appui) des Yeux du Mal : cette exploration des liens paternels en déliquescence, gangrenés par les disparitions infantiles qui ravagent une famille déjà lourdement endeuillée. Une impuissance désespérée, mais teintée de colère sourde.
On retiendra aussi deux séquences assez chocs, malsaines, inattendues : le sort d’un bambin violemment sacrifié, ou cette scène dérangeante où la petite Bonnie embrasse son père sur la bouche, à deux reprises, durant son sommeil.
Pour les amateurs de curiosités oubliées des années 80, Les Yeux du Mal saura encore sans doute séduire les collectionneurs incorrigibles de films d’horreur bisseux, soigneusement contés, atmosphériques au possible et interprétés. À voir impérativement en VO — le jour et la nuit face à une VF certes maladroite, mais non dénuée d’un certain charme à travers ses inflexions familières.

Un divertissement intelligent, qui repousse tout effet racoleur pour miser sur le développement de personnages meurtris. Et puis, il y a Angela Pleasence (oui, la fille de Donald), dont la froideur glaçante impressionne dès le prologue, et jusque dans un épilogue sans réponse, venu mieux encore tourmenter l’esprit de cette éventuelle damnation occulte. 

*Bruno

18.05.25. VF

INTERSTELLAR

                                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site flicksandbits.com

de Christopher Nolan. 2014. U.S.A/Angleterre. 2h49. Avec Matthew McConaughey, Anne Hataway, Jessica Chastain, Mackenzie Foy, Ellen Burstyn, Michael Caine, Casey Affleck, Timothée Chalamet, John Lithgow, Wes Bentley, David Gyasi, Matt Damon.

Sortie salles France: 5 Novembre 2014. U.S: 7 Novembre 2014

FILMOGRAPHIE: Christopher Nolan est un réalisateur, scénariste et producteur anglais, né le 30 Juillet 1970 à Londres en Angleterre.
1998: Following. 2000: Memento. 2002: Insomnia. 2005: Batman Begins. 2006: Le Prestige. 2008:The Dark Knight. 2010: Inception. 2012: The Dark Knight Rises. 2014: Interstellar.

Etablir un point de vue objectif à la sortie de la projo d'Interstellar est pour moi une gageure irréalisable au premier visionnage. De par la complexité d'un scénario trop confus comme de ses nombreux termes scientifiques paraphrasées, l'odyssée de Nolan ne m'a pas empêché de m'étourdir face à ce trip interstellaire plus vrai que nature ! Pour faire bref, l'intrigue retrace l'expédition cosmique d'un groupe d'explorateurs partis en mission afin de sauver l'humanité en pénurie alimentaire et d'oxygène. C'est à dire envisager une évacuation de la terre en confectionnant des vaisseaux spatiaux adéquats pour transporter la population, ou en cas d'échec, préparer une colonisation à partir du développement d'embryons humains. Contraints de s'exiler dans l'espace pour une durée indéterminée, Joseph Cooper doit quitter précipitamment son fils et sa fille inconsolable afin de tenter de trouver une alternative de secours, et sans savoir s'il reverra un jour ses enfants. 

Space-opera extrêmement ambitieux mais aussi abstrait et imbitable qu'un 2001, Interstellar nous fait vivre une expérience cinégénique hors des sentiers battus ! Christopher Nolan manipulant et maîtrisant nos sens émotionnels avec une virtuosité aussi vertigineuse que l'intensité musicale de Hans Zimmer ! Le tour de force technique imparti aux images sidérales d'une planète océan, d'un trou de ver et d'un trou noir nous transcendant également un dépaysement aussi crédible que celui de Gravity d'Alfonso Cuaron. Mais ce qui m'a principalement interpellé durant cette dérive spatio-temporelle où plane l'existence extra-terrestre, c'est sa dimension humaine impartie entre un père et sa fille. Leur brutale séparation étalée sur un nombre infinie d'années, leur tentative de communication à partir de messages audiovisuels envoyés depuis la Terre, et enfin leurs différences d'âge imparties à l'éventuelle retrouvaille laissent en mémoire des séquences intimistes bouleversantes dans leur relation précaire non avare d'aspiration ! Les thèmes de la famille, de l'amour, de la foi, de l'espoir, de l'optimisme étant illustrés avec une sensibilité écorchée vive ! A l'instar du dénouement renversant vécu à mon sens comme l'un des plus beaux moments de cinéma que j'ai pu vivre de mémoire de cinéphile. Déchirant car d'une intensité dramatique éprouvante, Spoiler ! la séquence érigée autour d'une retrouvaille Fin du Spoiler m'a littéralement crevé le coeur par sa puissance humaniste, sa dignité et son sens de loyauté. C'est donc pour moi avant tout une bouleversante histoire d'amour entre un père et une fille que nous relate Nolan avec un humanisme à fleur de peau, et avant que les rebondissements, subterfuges et cliffhanger ne viennent nous plaquer au siège !

D'une richesse thématique universelle dans sa réflexion spirituelle et métaphysique mais aussi dans sa notion temporelle, sa foi en l'optimisme et à l'intelligence de l'être humain, Interstellar n'a pas besoin d'être studieusement analysé pour apprécier le spectacle vertigineux auquel Nolan nous a préparé. Dans une démesure et, à échelle égale, dans la pudeur ! Véritable ode aux sentiments et au sens de la responsabilité, Interstellar s'adressant de prime abord au coeur d'un vibrant témoignage. Celui du fondement familial, du courage et de l'espoir de concrétiser un avenir autrement optimiste par l'intelligence scientifique. Du cinéma sensitif à coeur ouvert, à l'instar de la prestance écorchée du monstre sacré Matthew McConaughey ! 

Bruno Matéï

                                      

WILD

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site commeaucinema.com

de Jean-Marc Vallée. 2014. U.S.A. 2h00. Avec Reese Witherspoon, Gaby Hoffmann, Laura Dern, Michiel Huisman, Charles Baker, W. Earl Brown, Kevin Rankin.

Sortie salles France: 14 Janvier 2015. U.S: 5 Décembre 2014

FILMOGRAPHIE: Jean-Marc Vallée est un réalisateur et scénariste américain, né le 9 Mars 1963 au Québec.
1992: Stéréotypes. 1995: Les Fleurs Magiques. 1995: Liste Noire. 1997: Los Locos. 1998: Les Mots Magiques. 1999: Loser Love. 2005: C.R.A.Z.Y. 2009: Victoria: les jeunes années d'une reine. 2011: Café de Flore. 2013: The Dallas Buyers Club. 2014: Wild. 2015: Demolition.

"Le chemin qui mène à la sagesse est long, tortueux et semé d'obstacles".

Un an après l'oscarisé The Dallas Buyers Club, Jean-Marc Vallée entreprend d'adapter l'histoire vraie de Cheryl Strayed à travers son périple de 1500 kms de marche à pied. Afin de tolérer le deuil de sa mère subitement éteinte d'un cancer, puis son divorce avec son compagnon, Cheryl décide d'entreprendre un pèlerinage de longue haleine pour évacuer ses démons, ses blessures et peut-être renouer avec une rédemption existentielle. Si le sujet avait déjà été magnifiquement traité dans Into the Wild, Jean-Marc Vallée n'a aucunement l'intention de le plagier dans sa mise en scène personnelle à contre-courant de l'acuité émotionnelle du chef-d'oeuvre de Sean Penn. 

Le film se réservant un sentiment contenu dans le cheminement moral de l'héroïne vouée à se dépasser pour accéder à la sérénité. Ce qui compte avant tout ici est donc de retranscrire avec vérité et pudeur les états d'âme de cette excursionniste livrée à sa raison d'être au beau milieu d'une nature contemplative, tout en alternant avec les flash-back concis de son passé déchu. Endossée par Reese Whiterspoon, l'actrice porte littéralement le film sur ses frêles épaules dans un jeu de sobriété axée sur l'introspection torturée d'une solitaire hantée par les remords et le fardeau de la douleur. Celle d'avoir accumulé les incidents de parcours, comme ses relations sexuelles multiples ou son addiction pour l'héroïne, faute de son échec sentimental et de sa colère à réfuter l'injustice du deuil. Durant son épreuve semée de rencontres impromptues avec des pèlerins et quidams parfois interlopes, elle tentera de comprendre les aboutissants de ses échecs récursifs dans une initiation identitaire. C'est donc une leçon de vie que nous retrace sans fioriture le cinéaste, les aléas de notre destinée commune auquel le hasard n'a aucune emprise. A travers cette remise en question du point de vue fragile de la femme (notamment sa paranoïa instinctive de se confronter à l'homme suspicieux !) et en se pardonnant à soi même ses erreurs, Wild met notamment en évidence le côté fructueux de nos incertitudes, de nos souffrances et faiblesses intrinsèques pour mieux concrétiser le bonheur !

Le chemin de la destinée

Avec son parti-pris authentique et son émotion toute en retenue, Jean-Marc Vallée illustre sans effets de style l'aventure humaine d'une femme en berne renouant difficilement avec la quiétude dans son cheminement existentiel. Mais envisageant sa vie comme un voyage insaisissable, sauvage et sacrée, et après avoir purgé sa douleur dans une interminable errance solitaire, elle finira par retrouver le salut en s'acceptant telle qu'elle est.  

Bruno Matéï

La Nuit de la Mort (Les Griffes de la Mort).

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Vhsdb

de Raphael Delpard. 1980. France. 1h34. Avec isabelle Goguey, Betty Beckers, Charlotte de Turckheim, Georges Lucas, Michel Debrane, Jean-Paul Lilienfeld, Michel Flavius.

FILMOGRAPHIE: Raphael Delpard est un acteur, réalisateur, scénariste, journaliste et écrivain français, né en 1942 à Paris. 1976: Perversions. 1978: Ca va pas la tête. 1979: Le Journal. 1980: La Nuit de la Mort. 1981: Les Bidasses aux grandes manoeuvres. 1982: Le Marionnettiste (télé-film). 1984: Vive le fric ! 1984: Clash. 1998: Les Enfants Cachés (doc). 2009: Les Convois de la Honte.

Réalisateur touche-à-tout ayant œuvré à deux reprises dans le champ du Fantastique, Raphaël Delpard est loin d’avoir convaincu les journalistes de l’époque, lesquels n’hésitèrent pas à le discréditer pour ses tentatives audacieuses que furent La Nuit de la Mort et Clash. Sorti à la même période que Shining, La Nuit de la Mort fut également boudé par le public français, tandis qu’aux États-Unis, il connut un certain succès - au point que Tobe Hooper adressa au cinéaste une lettre d’approbation. Commercialisé ensuite en location VHS dans les rayons de nos vidéoclubs, le film attisa la curiosité des amateurs de gore, alléchés par une jaquette explicite où l’on distinguait la tête en lambeaux d’une femme ensanglantée, suspendue à un croc de boucher. De quoi lui assurer, avec le temps, une petite cote d’estime. Film d’horreur franchouillard surfant sans vergogne sur la vague gore des bisseries transalpines, La Nuit de la Mort ose aborder le thème du cannibalisme dans le cadre anxiogène… d’une maison de retraite.

Rappel des faits: Alors qu’une nouvelle gouvernante, Martine, vient d’être recrutée par la directrice, les pensionnaires - avides de chair et de sang frais - s’apprêtent à sacrifier leur domestique actuelle afin d’accéder à une illusoire pérennité. Inquiète de cette disparition soudaine, Martine commence à soupçonner le comportement interlope de ces vieillards trop polis pour être honnêtes.

Série B d’exploitation conçue avec une sincère volonté de divertir sans fioritures, La Nuit de la Mort fait presque figure d’ovni dans le paysage hexagonal par son esprit foutraque et débridé, illustrant l’orgie dégueulbif de pensionnaires incapables d’accepter le fardeau de la vieillesse. Tour à tour blagueurs, cyniques, mesquins et délicieusement polissons, ces cannibales du troisième âge constituent l’attraction principale de ce délire macabre, lequel n’hésite pas, dès son premier acte, à surenchérir dans l’horreur vomitive. Impossible de ne pas évoquer le fameux banquet sanglant où nos vieillards se repaissent goulûment de la tripaille d’une Charlotte de Turckheim éviscérée. Soutenue par des maquillages en latex minimalistes, la séquence provoque un choc répulsif bien réel, notamment grâce à la texture d’un sang épais et onctueux, mêlé à des organes crus fraîchement arrachés des entrailles.

Passée cette scène coup-de-poing, La Nuit de la Mort glisse vers un suspense plus latent - entre autres lors d’une séance inopinée de flagellation SM - tandis que Martine tente de déjouer les prochaines pitreries cannibales en menant son enquête nocturne. Sans jamais sombrer dans l’ennui, cette seconde partie maintient l’intérêt grâce à des chassés-croisés tendus entre les vieillards et une héroïne toujours plus fouineuse. La galerie attachante de seconds rôles sclérosés, la posture maladroite de Michel Flavius en boiteux déficient, et surtout la sensualité trouble d’Isabelle Goguey accentuent le caractère délirant de cette confrérie orgueilleuse, en dépit de maladresses et d’incohérences narratives assumées. Le final, bordélique à souhait, renoue avec l’esprit gore du premier acte lors d'une succession de péripéties haletantes autour de la survie de l’héroïne, ponctuées de deux rebondissements aussi bienvenus qu’horriblement mesquins.

Porté par un score dissonant, des décors tantôt sinistres, tantôt franchement inquiétants - la chaufferie, la salle insalubre du banquet, ou encore ces longs couloirs étroits où défile une assemblée de vieillards en marche funèbre - et une ambiance malsaine constamment palpable, La Nuit de la Mort demeure l’une des rares réussites franchouillardes dans le champ encore trop peu exploité du gore bisseux. Si la modestie de la mise en scène et le jeu amateur de certains seconds rôles le rattachent parfois au film Z, il n’en reste pas moins profondément attachant et furieusement divertissant, à l’image de l’apparition aussi impertinente qu’inoubliable d’une Charlotte de Turckheim mise à nu.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Ci-joint propos du réalisateur recueillis sur le site Nanarland: 

"C'est un film que l'on a fait avec des bouts de ficelle et des bouts de carton. Il nous a rapporté de l'argent. (...) Il a été vendu aux Etats-Unis, en Allemagne, en Angleterre, en Italie. Tobe Hooper m'a envoyé un télégramme que malheureusement j'ai perdu (nous avions le même diffuseur vidéo) et lorsque je suis allé à Hollywood j'ai été absolument stupéfait de rencontrer des gens qui avaient vu le film et qui me récitaient des répliques entières du film en français, et qui disaient "Ce n'est pas un Français qui a fait ça, il n'y a aucune patte française." C'est très curieux et le film m'a valu une petite renommée. (...) Le film est sorti la même semaine que Shining. C'est ridicule de sortir deux films fantastiques en même temps (...) Le temps a fait que c'est devenu un film culte, au début seuls quelques journalistes et le petit milieu du fantastique ont véritablement apprécié, le public, lui, était indifférent.". 

3èx. Video projo 100 

Les Rats de Manhattan / Les Mutants de la 2è Humanité / Rats - Notte di terrore

                             (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

de Bruno Mattei. 1984. Italie. 1h37. Avec Richard Raymond, Janna Ryan, Alex McBride, Richard Cross.

FILMOGRAPHIE: Bruno Mattei est un réalisateur, monteur et scénariste italien, né le 30 Juillet 1931 à Rome, décédé d'une tumeur au cerveau le 21 Mai 2007 à Rome (Italie).
1980: Virus Cannibale. 1980: L'Autre Enfer. 1982: Caligula et Messaline. 1981: Holocausto Porno. 1982: Les Aventures sexuelles de Néron et de Poppée. 1982: Pénitencier de Femmes. 1983: Révolte au pénitencier de filles. 1984: Les Rats de Manhattan. 1986: Bianco Apache. 1987: Scalps. 1988: Robotwar. 1988: Zombie 3. 1995: Cruel Jaws. 2003: Horror Cannibal 1 et 2. 2007: L'île des Morts-vivants. 2008: Zombie: la création.

"Les Rats de Manhattan : Opéra Z sous amphétamines"

Fleuron du Z transalpin, moins réputé que son compère Virus Cannibale, Les Rats de Manhattan s’avère pourtant mieux rythmé et aussi drôle dans sa succession de péripéties fantaisistes où un groupe de survivants tente de déjouer la menace de rats meurtriers retranchés dans une bicoque délabrée. Ce pitch d’une simplicité désarmante, enchaînant les situations grotesques d’attaques animales, est transcendé par la prestance cabotine de comédiens au comportement délibérément extravagant — entre enjeux de survie grotesques et effets de panique surréalistes.

Qu’il s’agisse de leur performance outrée face à la menace des rongeurs, de leur cohésion tantôt combative, tantôt couarde (un traître se terre parmi eux !), de leur camaraderie potache (“Chui dev’nue toute blanche, euh !”) ou de leurs patronymes ridicules (“Chocolat”, “Vidéo” et “Lucifer” se disputent le pseudo le plus ringard !), tous semblent évadés d’une bande dessinée sous acide.

Confiné dans le huis clos d’une demeure délabrée, souvent plongée dans la pénombre, Bruno Mattei pallie son manque de moyens et sa scénographie restreinte par l'énergie d'une mise en scène fertile en péripéties — notamment via les nombreuses agressions sanglantes. On retrouve d’ailleurs la signature bien italienne : insister sur l’imagerie gore des plaies purulentes et des chairs déchiquetées, quand d’autres effets spéciaux prêtent franchement à sourire dans leur aspect bricolé (la tête d’un rat s’extirpant de la bouche d’une victime). Or, tout cela génère l'effet répulsif escompté. 

Pas le temps de surveiller sa montre : l’aventure affolante enchaîne les rebondissements horrifiques, aussi grotesques qu’impayables ! Et la mine sympathique des protagonistes, tous militants d’un esprit de fraternité à la dérive, donne lieu à des moments d’empathie hilarants dans leur fonction désoeuvrée.

Issu d’un pitch d’anticipation surfant sur la vague post-apo de Mad Max, Les Rats de Manhattan glisse rapidement vers le pur survival horrifique, où une communauté de laissés-pour-compte se fait exterminer un à un. Le problème, c’est que le résultat à l’écran peine à convaincre : censés être agressifs, les rats s’avèrent aussi inoffensifs que des peluches ! Souvent violemment balancés sur les acteurs pour simuler une vélocité meurtrière, les rongeurs suscitent surtout la bonhomie dans leur incapacité à jouer les bourreaux crédibles. Et le résultat à l'écran vaut son pesant de cacahuètes ! 

Enfin, pour parachever le délire, impossible de ne pas saluer l’audace d’un cliffhanger final qui ferait pâlir de jalousie Franklin J. Schaffner ! Un moment de suspense, saisi dans la stupeur d’une révélation aussi improbable qu’hilarante !

Souligné par l’harmonium lugubre de Luigi Ceccarelli, Les Rats de Manhattan distille malgré tout une ambiance horrifique bien glauque dans le huis clos crasseux de sa bâtisse poussiéreuse. D’une rare vacuité dans le cheminement de survie de ses protagonistes, l’aventure post-apo ne provoque pourtant jamais l’ennui, tant les incidents rocambolesques s’enchaînent avec une frénésie presque cartoonesque, où l’homme, sévèrement malmené, semble beaucoup plus erratique que son oppresseur quadrupède.

Un divertissement fastueux, donc — comme seuls les Italiens en ont le secret. Sans doute le meilleur film de son auteur (voire même le plus attachant), à condition d’épargner L’Autre Enfer et Virus Cannibale…

Bruno 
13.05.25. 4èx. VF

Freddy 3, les Griffes du Cauchemar (A Nightmare On Elm Street 3: Dream Warriors)

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site rowsdowr.com

de Chuck Russell. 1987. U.S.A. 1h36. Avec Heather Langenkamp, Craig Wasson, Patricia Arquette, Robert Englund, Ken Sagoes, Rodney Eastman.

Sortie salles France: 17 Juin 1987. U.S: 27 Février 1987

Récompense: Prix de la Critique, Fantasporto, 1988.

FILMOGRAPHIE: Chuck Russel est un réalisateur, producteur, scénariste américain, né le 6 Août 1952 à Highland Park dans l'Illinois (Etats-Unis). 1987: Freddy 3. 1988: Le Blob. 1994: The Mask. 1996: l'Effaceur. 2000: l'Elue. 2002: Le Roi Scorpion. 2014: Arabian Nights.

Troisième volet de la franchise des Freddy, Les Griffes de Cauchemar renoue avec l'originalité du premier opus après une séquelle (bonnard) assez conventionnelle réalisée par Jack Sholder. C'est au débutant Chuck Russel, futur réal du Blob, The Mask et de l'Effaceur, qu'incombe la tâche de prendre la relève, et on peut dire qu'avec une intrigue haletante et le brio d'effets spéciaux réussis, Freddy 3 réussit à divertir avec modeste efficacité. Qui plus est, outre l'aspect cosmétique de la psychologie des jeunes héros, le réalisateur compte tout de même à les humaniser dans leur autonomie fragile à redouter les attaques de Freddy et dans leur pugnacité à relever ensuite le défi pour le combattre communément au sein de leur rêve. On reconnaîtra d'ailleurs l'attachante Patricia Arquette pour sa seconde apparition juvénile à l'écran, et en terme de figuration, la futur star Laurence Fishburne dans celui d'un aide-soignant prévenant. 

Le pitch: Dans un institut psychiatrique, de jeunes patients deviennent les nouveaux souffre-douleur du Boogeyman aux griffes d'acier. Rescapée du premier opus, Nancy Thompson va y apporter son soutien pour les aider à le combattre en communauté. Avec l'aide d'un thérapeute ayant pour mission de retrouver le cadavre de Freddy afin de l'enterrer sous une terre bénite, les étudiants vont de leur côté tenter de l'annihiler en interne de leurs cauchemars. Dès lors, une lutte sans merci s'engage entre nos héros et le tueur, sachant que certains d'entre eux ont la faculté d'extérioriser des pouvoirs surnaturels par le biais du songe ! Une intrigue efficace donc, menée sans temps morts de par son jeu de duperie entre rêves et réalité, son lot de meurtres aussi spectaculaires que redoutablement inventifs, son humour sardonique et enfin son action échevelée conçue à travers la chimère du rêve ! Ce qui donne également lieu à une scénographie onirico-macabre de par la variété des décors baroques et crépusculaires ! Et pour consolider la psychologie torturée du personnage de Freddy, nous en apprenons un peu plus sur ses origines par le biais d'une apparition maternelle divulguant précisément dans quelles conditions sordides son fils bâtard fut enfanté, et donc pour quelle raison il voue une aversion viscérale pour les enfants ! 

Pur divertissement prioritairement bâti sur l'aspect festif d'effets spéciaux aussi remarquables qu'impressionnants, Freddy 3 évite honorablement la surenchère grâce à l'alibi d'un scénario bien construit où les héros persévèrent en bravoure de par leur loyauté solidaire, et ce en dépit du sacrifice de certains d'entre eux (on est d'ailleurs surpris de la tournure dramatique impartie à un personnage essentiel !). Dénué de prétention, Chuck Russel assure donc le quota d'une série B horrifique cartoonesque avec une volonté sincère de livrer un spectacle flamboyant. 

*Bruno

23.10.20. 5èx

La Chronique des Griffes de la Nuit: http://brunomatei.blogspot.com/2011/03/les-griffes-de-la-nuit-nightmare-on-elm.html
La Chronique de Freddy 5: http://brunomatei.blogspot.fr/…/freddy-5-lenfant-du-cauchem…

WHIPLASH

                                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site imgkid.com

de Damien Chazelle. 2014. U.S.A. 1h46. Avec Miles Teller, J. K. Simmons, Paul Reiser, Melissa Benoist, Austin Stowell, Jayson Blair.

Sortie salles France: 24 Décembre 2014. U.S: 10 Octobre 2014

FILMOGRAPHIE: Damien Chazelle est un réalisateur et scénariste américain, né le 19 Janvier 1985 à Providence (Rhode Island).
2009: Guy and Madeline on a Park Bench. 2013: Whiplash (court-métrage). 2014: Whiplash. 2015: La La Land.

Célébration au jazz et à tous ces néophytes mélomanes rêvant de consécration, Whiplash est une épreuve de force d'une intensité à couper au rasoir ! Pour ces plages musicales les plus incisives afin de parfaire la réussite, celle ordonnée par un chef d'orchestre féru d'élitisme, et pour cette relation masochiste entamée entre ce dernier et un batteur en ascension. Le cinéaste filmant ses compositions musicales à l'instar d'un match de foot ou d'un combat de boxe auquel tous les participants studieux s'affrontent pour déployer le meilleur d'eux mêmes. Rehaussé d'un montage rapide étourdissant de maîtrise géométrique, Whiplash est un véritable uppercut émotionnel pour l'affrontement au sommet imparti entre un jeune musicien avide de notoriété et un professeur tyrannique n'hésitant pas à humilier chacun de ses candidats.

Oubliez donc la simplicité de son intrigue, et pour les réfractaires au Jazz, soyez même rassurés, le film dégageant une telle acuité dans son suspense implacable (Andrew Neiman va t'il accéder au rêve avant que son professeur ne le détruit moralement ?), une telle énergie viscérale dans ce duo au sommet, et une telle immersion musicale dans les sonorités éclectiques des instruments de Jazz, que le plus amateur d'entre nous se surprend à tendre l'oreille la plus prévenante afin d'ausculter le morceau d'anthologie régi de main de fer ! A travers les rapports à couteaux tirés d'un élève et de son maître, et les méthodes despotiques employées par celui-ci, Whiplash nous questionne sur l'abus de pouvoir et la notion d'élitisme (favoriser les élèves les plus talentueux au détriment des plus faillibles, quitte à briser la vie des plus fragiles !), sur la limite séparant la passion de l'obsession, sur le désir du dépassement de soi et la détermination d'accéder à la réussite au risque de se décourager, faute d'un professeur orgueilleux avili par sa dictature. Quelle est à la limite à ne pas franchir lorsque l'esprit est habité par la gagne, quel est le seuil de tolérance à appliquer afin de se prémunir contre l'éventuel échec ? Faut-il également s'infliger le dilemme du choix cornélien lorsque les sentiments amoureux peuvent ternir la concentration et la constance de l'épreuve professionnelle ?

Full Metal Jacket, ou La Rage de Vaincre
Spectacle musical étourdissant de rythme, de rigueur et d'émotions dans son panel de sueurs, de larmes et de sang, Whiplash fait figure d'ovni pour son registre alloué à l'intimité écolière du Jazz. Outre la virtuosité de sa mise en scène scrupuleuse, on est estomaqué par le brio viscéral des acteurs transis de frénésie passionnelle (le novice Miles Teller et le briscard J. K. Simmons se disputant le pouvoir avec un masochisme démesuré !). La tension infernale de leur relation houleuse culminant vers un point d'orgue de rude épreuve ! Un film inoubliable, un moment de cinéma singulier où les sens sensitifs du spectateur sont totalement asservis par l'alchimie du cinéaste ! A couper le souffle !

Bruno Matéï 

Récompenses:
Festival international du film de Calgary 2014 : People's Choice Award
Festival du cinéma américain de Deauville 2014 : sélection en compétition
Grand prix du jury
Prix du public
Festival du grain à démoudre 2014 : prix du public
Festival du film de Mill Valley 2014 : prix du public
Festival du film de Sundance 2014 : sélection « U.S. Dramatic Competition »
Grand prix du jury
Prix du public
Festival international du film de Valladolid 2014 :
Golden Spike du meilleur film
Pilar Miró Award pour Damien Chazelle
American Film Institute Awards 2014 : top 10 des meilleurs films de l'année
Boston Society of Film Critics Awards 2014 :
Meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
Meilleure utilisation de musique dans un film
Chicago Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
Réalisateur le plus prometteur pour Damien Chazelle
Meilleur montage pour Tom Cross
Los Angeles Film Critics Association Awards 2014 : meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
New York Film Critics Circle Awards 2014 : meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
New York Film Critics Online Awards 2014 : meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
Toronto Film Critics Association Awards 2014 : meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
Washington D.C. Area Film Critics Association Awards 2014 : meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
National Society of Film Critics Awards 2015 : meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons (1re place)
Vancouver Film Critics Circle Awards 2015 :
Meilleur film
Meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons
Golden Globes 2015 : Meilleur acteur dans un second rôle pour J. K. Simmons