De rouille et d'os. Prix du Meilleur Film au Festival du film de Londres, 2012.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site docslumpy.info

de Jacques Audiard. 2012. France/Belgique. 1h55. Avec Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Bouli Lanners, Corinne Masiero, Armand Verdure, Céline Sallette, Yannick Choirat.

Sortie salles France: 17 Mai 2012

Récompenses: Prix du Meilleur Film au Festival du film de Londres, 2012
Swann d'or du meilleur film au Festival du film de Cabourg, 2012

FILMOGRAPHIE: Jacques Audiard est un réalisateur, scénariste et monteur français, né le 30 Avril 1952 à Paris.
1994: Regarde les Hommes tomber. 1996: Un héros très discret. 2001: Sur mes lèvres. 2005: De battre mon coeur s'est arrêté. 2009: Un Prophète. 2012: De Rouille et d'Os.

Trois ans après son ébouriffant drame carcéral Un Prophète (9 récompenses aux Césars, dont celles du Meilleur Film et du Meilleur Réalisateur !), l’artiste prodige Jacques Audiard revient avec un mélodrame en état de grâce. Coproduit par la Belgique et magistralement porté par deux comédiens à la caractérisation écornée, cette ode à l’espoir et à la résilience est transcendée par la virtuosité d’une mise en scène épurée.
Suite à une rixe violente à la sortie d’une boîte, Stéphanie est raccompagnée chez elle par le videur Ali, un père en situation précaire, fraîchement installé chez sa sœur avec son fils de cinq ans.
Dresseuse d’orques dans un parc aquatique, Stéphanie est victime d’un accident aussi brutal qu’inattendu, qui l’ampute des deux jambes.
Au fil des semaines, une relation fraternelle, puis sentimentale, se noue entre ces deux êtres cabossés. Pour gagner un peu d’argent, Ali s’adonne à des combats de rue clandestins, tandis qu’il tente maladroitement d’élever le petit Sam.

 

Éloge de la rage de vaincre et du courage face aux coups du sort, De Rouille et d’Os est une œuvre à la fois brute et clairsemée, un morceau de cinéma d’une élégance sobre, d’une acuité émotionnelle bouleversante.
Sans jamais céder au pathos lacrymal souvent consigné dans le genre mélodramatique, Audiard capte, avec une ambition formelle saisissante, la trajectoire de deux écorchés. Stéphanie, jeune femme aguicheuse en quête de reconnaissance, croise le chemin d’Ali, marginal défavorisé au tempérament irascible, mais débordant d’un humanisme brut. Leur rencontre, fruit d’un hasard cruel, scelle l’émergence d’une relation d’abord pudique, bientôt salvatrice.

Traversé de moments de poésie empreints de lyrisme - Stéphanie, silencieuse, face à la vitre de l’orque, lui adressant un attachement muet par le langage des signes - et d’effets de ralenti sublimant la brutalité des corps à corps, De Rouille et d’Os devient l’odyssée sentimentale de deux âmes en perdition.
L’introspection intime de ces deux amants en quête d’un futur possible les pousse, peu à peu, à transcender leurs failles, à s’épauler au cœur d’un drame imprévu, aux conséquences irrémédiables.
Marion Cotillard (je t’aime !) n’a peut-être jamais été aussi sobrement lumineuse : gracile, lucide, éprise d’éthique et d’un amour rédempteur. Quant à Matthias Schoenaerts, révélé dans le bovin Bullhead, il irradie d’une intensité tangible, dans la peau d’un homme incapable d’exprimer la tendresse qu’il voudrait pourtant offrir à son fils. Sa compassion pour Stéphanie, son échec familial, et un contretemps tragique, viendront le confronter, douloureusement, à un équilibre qu’il n’osait plus espérer.

La rage d’aimer
Transcendé par une mise en scène fastueuse et deux interprètes incandescents de fragilité humaine, De Rouille et d’Os est un moment de cinéma précieux, presque séraphique.
Une leçon de vie pour les infortunés, pour les insurgés de l’intolérance. Une lutte obstinée vers la lumière.
Un conte rugueux et suave, distillant des éclats d’émotion dans un souci de vérité, flirtant parfois avec le vertige (jusqu’à ce point d’orgue traumatique), mais toujours rattrapé par la douceur d’une rédemption.

31.10.12

Bruno Matéï

New-York 1997 / Escape from New-York

         

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site deathbymovies.com

de John Carpenter. 1981. U.S.A. 1h39. Avec Kurt Russel, Lee Van Cleef, Donald Pleasance, Ernest Borgnine, Isaac Hayes, Harry Dean Stanton, Adrienne Barbeau, Tom Atkins, Charles Cyphers, Jamie Lee Curtis.

Sortie salles France: 24 Juin 1981. U.S: 10 Juillet 1981

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis).
1974 : Dark Star, 1976 : Assaut, 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog, 1981 : New York 1997, 1982 : The Thing, 1983 : Christine, 1984 : Starman, 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin, 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles, 1992 : Les Aventures d'un homme invisible, 1995 : L'Antre de la folie, 1995 : Le Village des damnés, 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires, 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward

 

"Le compte à rebours du chaos". 

Quintessence du cinéma d’anticipation des années 80, au succès commercial inespéré (25,2 millions de dollars de recettes rien qu’aux États-Unis pour un budget négocié à 6 millions !), New York 1997 fait partie de ces réussites aléatoires que les Français n’ont pas manqué de célébrer (1,27 million d’entrées en salles !). Au total, le chef-d’œuvre de Carpenter engrange plus de 50 millions de bénéfices dans le monde. Aussi essentiel que le Mad Max 2 post-nuke ou que l’œuvre matricielle Terminator, New York 1997 prend pourtant le contre-pied de ces blockbusters novateurs en privilégiant l’ambiance crépusculaire d’un New York dévasté à la surenchère d’action explosive.

Avec son budget modeste de série B, John Carpenter accomplit de véritables prouesses pour transcender la déliquescence urbaine d’une Manhattan livrée aux pires criminels des États-Unis. Trois mois de tournage, des moyens réduits, et l’autorisation de filmer dans une ville préalablement incendiée (Saint-Louis) suffisent à harmoniser ce chaos dans un esthétisme azuré, feutré, presque irréel. Ruelles désertes jonchées de débris, commerces éventrés, épave d’un avion, amphithéâtre abdiqué, palais converti en arène de gladiateurs… L’atmosphère anxiogène, interne à ce gigantesque pénitencier urbain, immerge aussitôt le spectateur, fasciné et transi, tandis que des silhouettes humaines surgissent des sous-sols au moindre bruit suspect. Des ethnies de barbares et punks, assujettis à un leader sans vergogne, ne sortent qu’à la nuit tombée, et des cannibales sanguinaires s’échappent des égouts pour traquer le pèlerin égaré.

Au cœur de ce chaos crépusculaire, un ancien vétéran marginal a pour mission de récupérer le président des États-Unis, prisonnier du duc de New York après que son avion s’est écrasé sur un immeuble à cause d’activistes. Pour gagner sa liberté, le criminel Snake Plissken dispose de 24 heures pour retrouver le président vivant, ainsi qu’une cassette audio cruciale. En prime, une capsule explosive lui est injectée dans les artères pour le dissuader de fuir vers le Canada. À travers ce canevas haletant, Carpenter transforme sa dystopie en bande dessinée flamboyante, entre décors urbains décharnés et personnages hauts en couleurs, fourbes ou pugnaces.

Tout au long de cette mission semée de rencontres délétères, Snake s’alliera à un chauffeur de taxi, un ancien comparse devenu transfuge, et une catin. En intermittence : traques haletantes, courses-poursuites, duel de gladiateurs sur ring… Le suspense, lui, s’installe lentement, porté par un compte à rebours mortel s’égrainant sur la montre de Plissken. Au-delà de la densité accordée à cette galerie de marginaux, Kurt Russell incarne avec un naturel brut le nouvel archétype de l’anti-héros futuriste. Borgne, anarchiste, égocentrique, Snake Plissken devient l’icône d’une société despotique incapable d’endiguer la criminalité galopante. Carpenter n’hésite pas à railler ce pouvoir en déclin, à travers un président couard, perruque blonde en étendard, réduit à une grotesque caricature. 

 

"New York, l’enfer en cage".

Porté par la musique envoûtante de Carpenter et Alan Howarth, New York 1997 cristallise l’emblème du cinéma d’anticipation pessimiste par un spectacle supra immersif. Ce post-nuke avant-gardiste annonce, avec plusieurs décennies d’avance, la montée de la délinquance et l’intransigeance d’une présidence impérialiste. Dupliqué à toutes les sauces par nos voisins transalpins mais jamais égalé, New York 1997 magnifie la rigueur et la suggestion pour faire émerger, avec parcimonie, une ambiance nocturne ensorcelante, hallucinée. Et ça n’a pas pris une ride.

 

*Bruno

30.10.12

25.01.24. 7è

La Chronique de Los Angeles 2013: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/06/los-angeles-2013_19.html

                                         

FANTOMAS

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site kisskisskillkillarchive.com

de André Hunebelle. 1964. France. 1h40. Avec Jean Marais, Louis De Funès, Mylène Demongeot, Jacques Dynam, Robert Dalban, Marie-Hélène Arnaud, Christian Toma, Michel Duplaix, Anne-Marie Peysson.

Sortie salles France: 4 Novembre 1964

FILMOGRAPHIE: André Hunebelle est un maître verrier et réalisateur français, né le 1er Septembre 1896 à Meudon (Hauts-de-Seine), décédé le 27 Novembre 1985 à Nice. 1948: Métier de fous. 1949: Millionnaires d'un Jour. 1949: Mission à Tanger. 1950: Méfiez vous des Blondes. 1951: Ma Femme est formidable. 1952: Massacre en dentelles. 1952: Monsieur Taxi. 1953: Les Trois Mousquetaires. 1953: Mon Mari est merveilleux. 1954: Cadet Rousselle. 1955: Treize à table. 1955: l'Impossible Monsieur Pipelet. 1956: Casino de Paris. 1956: Mannequins de Paris. 1956: Les Collégiennes. 1957: Les Femmes sont marrantes. 1958: Taxi, roulotte et Corrida. 1959: Le Bossu. 1959: Arrêtez le massacre. 1960: Le Capitan. 1961: Le Miracle des Loups. 1962: Les Mystères de Paris. 1963: Oss 117 se déchaîne. 1963: Méfiez vous Mesdames. 1964: Banco à Bangkok pour Oss 117. 1964: Fantômas. 1965: Furia à Bahia pour Oss 117. 1965: Fantômas se déchaîne. 1967:   Fantômas contre Scotland Yard. 1968: Pas de roses pour Oss 117. 1968: Sous le signe de Monte-Cristo. 1971: Joseph Balsamo. 1974: Les Quatre Charlots Mousquetaires. 1974: Les Charlots en Folie: A nous quatre Cardinal ! 1978: Ca va faire tilt.

Premier opus d'une trilogie à succès, Fantomas combine humour et action échevelée sous la houlette de l'illustre André Hunebelle. Pour l'anecdote, Bourvil était prévu à l'origine pour endosser le rôle du commissaire Juve finalement attribué à Louis De Funès. A Paris, un génie de la cambriole surnommé Fantômas se moque des médias et de la police en perpétrant sous leur nez divers larcins et braquages audacieux. Dérangé par un journaliste arrogant et un commissaire obtus, il décide de les ridiculiser en usurpant leur identité. Gros succès public dans l'hexagone (4,5 millions de spectateurs !), Fantômas est une production familiale habilement troussée dans son alliage de comédie, d'aventures et d'action trépidante. D'ailleurs, Hunebelle n'hésite pas en point d'orgue à décupler les moyens de locomotion que nos protagonistes arpentent lors d'une poursuite interminable en voiture, en train, en hélicoptère puis en moto. Autour de la complicité inopinée de Jean Marais et de Louis de Funès, cette comédie endiablée cumule humour cartoonesque et action homérique de par ses cascades rondement exécutées.

Tant auprès de son final exubérant cité plus haut, de la descente effrénée d'une voiture sans frein sur une route à virages ou encore de la poursuite sur les toits de Paris auquel Juve se retrouvera suspendu dans le vide par le crochet d'une grue. Pour ce premier volet, l'aventure extravagante s'oriente atour des relations fraternelles de Juve (De Funès) et du journaliste Fandor (Jean Marais), préalablement antinomiques dans leur relation professionnelle (croyant que Fantômas n'est qu'une invention de la police, Fandor imagine de prime abord un faux scoop pour s'en railler). Mais depuis la rancune tenace du cambrioleur masqué, nos deux compères vont être sévèrement inculpés par la populace depuis que Fantômas eut élaboré un procédé technique révolutionnaire à dupliquer leurs visages. S'ensuit une multitude de gags et quiproquos avant que nos deux héros s'unissent lors d'une cavalcade sans relâche pour appréhender leur rival. Mené sur un rythme sans faille, tant auprès de la fougue expansive de De Funès que des méfaits diaboliques de Fantômas, qui plus est accoutré de gadgets roublards, cette comédie bonnard véhicule un irrésistible charme déjanté. D'autant plus que la présence affable de Jean Marais (étonnement à l'aise dans le genre burlesque !) ainsi que le charme du joli minois de Mylène Demongeot agrémentent le ton gentiment folingue de l'aventure facétieuse. 

Classique de la comédie populaire, Fantômas doit autant de sa douce fantaisie auprès de la complicité pétulante des comédiens que de son scénario calibré. La beauté solaire des paysages provinciaux ainsi que l'architecture gothique du temple de Fantômas louchant vers l'attirail technologique d'un certain James Bond rehaussant l'esprit débridé de cette BD formidablement communicative.  

La chronique de Fantômas se déchaîne: http://brunomatei.blogspot.fr/…/01/fantomas-se-dechaine.html

* Bruno
29.10.12. 3èx

Chained

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrornews.net

de Jennifer Lynch. 2012. U.S.A. 1h34. Avec Vincent D'Onofrio, Eamon Farren, Evan Bird, Julia Ormond, Conor Leslie, Jake Weber, Gina Philips, Daniel Maslany.

Sortie salles France: ?

FILMOGRAPHIE: Jennifer Chambers Lynch est une réalisatrice, scénariste et productrice américaine, née le 7 Avril 1968 à Philadelphia, Pennsylvanie (USA). 1993: Boxing Helena. 2008: Surveillance. 2010: Hisss. 2012: Chained

Après deux premiers métrages aussi incongrus qu'atypiques, Jennifer Lynch nous eut franchement déçu avec son risible Hisss, co-production hindoue pourvue d'effets numériques disgracieux dignes d'un Dtv de De Coteau ou d'Albert Band. A peine deux ans se sont écoulés entre ce naufrage bollywoodien et ce nouveau rejeton brièvement intitulé Chained. L'argument de base conventionnel n'a rien de rassurant: 

Un chauffeur de taxi kidnappe une mère de famille et son jeune fils pour les séquestrer dans sa demeure bucolique éloignée de tout voisinage. Après avoir sauvagement assassiné la femme, il décide d'épargner la vie du gamin pour lui tenir compagnie et l'éduquer à sa manière impassible. Voilà pour l'intrigue aussi linéaire que Maniac de Lustig auquel il prête parfois la même ambiance nauséeuse, le côté docu-vérité (la virée nocturne en taxi dans les ruelles malfamées des prostituées) et la facture introspective du quotidien miséreux d'un tueur détaché d'éthique. A situer notamment entre Sonny Boy et Bad Boy-Bubby (pour la relation parentale entre le tueur et l'enfant-esclave vivant reclus tel un pestiféré) mais aussi l'éprouvant Martyrs de Laugier (pour son aspect ignominieux et réaliste de la femme molestée ainsi que l'anti ludisme des scènes chocs dénuées de complaisance). L'intérêt du film résidant dans ses thématiques imparties à l'éducation parentale et à la maltraitance infantile dont l'impact cinglant d'une mise en scène singulière est régie sans fioriture. Car la réalisatrice se réapproprie lestement des poncifs habituels du "ouh fait moi peur" pour les renouveler sans recul, sans esbroufe, sans distanciation ni effet tapageur. Du premier degré d'une froideur monolithique en somme. 

En l'occurrence, l'ambiance glauque et malsaine suinte de chaque cloison de l'obscure demeure, dont les pièces putrides sont uniquement éclairée de petites lampes de chevet. Il s'agit donc d'un huis-clos suffocant, une claustration immersive auquel le spectateur participe de manière voyeuriste parmi la quotidienneté dérisoire de deux individus éloignés de toute humanité. Jennifer Lynch nous projetant dans leur univers sépia avec une verdeur asphyxiante afin de décrire les exactions meurtrières d'un leader infortuné. Un criminel bedonnant (Vincent D'Onofrio, très impressionnant à travers sa carrure adipeuse et son austérité inflexible !) préalablement abusé durant son enfance par un père tyrannique mais aussi assujetti à violer sa propre mère. Rapidement, après la succession de meurtres en série proprement misogynes, une étrange relation d'allégeance est entretenue entre le tueur et le jeune Tim. Alors que les années passent, le criminel décide d'éduquer l'adolescent enchaîné pour engendrer un second monstre à son image inflexible. Et si le cheminement narratif dénué de surprises semble à un moment s'étirer un peu trop dans la pédagogie meurtrière (Tim doit choisir une prostituée pour perdre sa virginité et accomplir son 1er meurtre), Chained exacerbe son rythme languissant et ombrageux avec une notion de suspense crucial lors d'une dernière partie vertigineuse. Et ce, juste avant de nous ébranler lors d'un épilogue fortuit à la dramaturgie identitaire poignante ! (bien que discutable quant à la nécessité de ce cliffhanger aussi déconcertant qui n'apporte pas vraiment de l'eau au moulin d'après la psychologie galvaudée des personnages).

Les enfants martyrs
Poisseux, inconfortable jusqu'au malaise, immersif et viscéral, Chained se révèle à mon sens l'authentique film d'horreur anti ludique par excellence. Une descente aux enfers inéluctable principalement dédiée à la psychologie déclinante de ces protagonistes et d'un climat dérangeant d'une crudité exaspérante. La densité du jeu des interprètes (le famélique Eamon Farren est également surprenant d'ambiguïté torturée) et la mise en scène expérimentale de l'insaisissable Jennifer Lynch rendent les lettres de noblesse au genre si décrié conjugué ici au drame intimiste d'une rigoureuse intensité psychologique. 

Pour public averti. 

Dédicace à Isabelle Rocton et Steven LeFrançois

*Bruno Matéï

26.10.12
11.06.22

ATTENTION SPOILER !!! A PROPOS DE L'EPILOGUE EQUIVOQUE DE CHAINED, AU-DELA DU GENERIQUE DE FIN: 
Panorama-cinéma : Et pourquoi laissez-vous toujours vos personnages dans la pire des situations? Dans le cas de Chained, qu’est-ce qui peut bien arriver à Rabbit une fois passé le générique?

Jennifer Lynch : En fait, ce qu’on entend pendant le générique, c’est Rabbit qui bouge les meubles dans la maison pendant qu’Angie s’affaire dans une autre pièce. Ce que nous savons, c’est qu’elle est encore avec lui et qu’elle est en bonne santé. J’aimais cette idée de voir le héros retourner dans cette maison, car c’était la seule chose qu’il n’avait jamais connue. Toutes les personnes qui comptaient à ses yeux sont mortes et il ne lui reste plus que cette demeure et cette fille avec qui il a tissé des liens plutôt précaires. Au final, on ne sait pas du tout ce qui lui arrivera et cette fin ouverte me plaît beaucoup. C’est à ce moment qu’on peut se permettre d’avoir un dialogue et de poursuivre l’évolution du personnage selon ce qu’on a retiré du film, selon ce que notre propre morale nous dicte.

Dans le cas de Surveillance, Stephanie a été épargnée parce qu’elle a deviné l’identité des agents avant l’exécution de leur plan. La finale ressemble à celle de Chained en ce sens qu’elle représente aussi ce sombre bouquet de roses passé d’un tueur en série à sa victime la plus innocente. Je crois que Stephanie va survivre à son expérience dans Surveillance et j’aime me poser des questions sur son avenir. Deviendra-t-elle dangereuse? Deviendra-t-elle aide sociale? Comment se déroulent les trois journées suivantes de sa vie? Comment se rend-elle vers la ville la plus près? Autrement dit, vous avez raison quand vous dites que je laisse mes personnages dans une situation pire que celle dans laquelle je les ai trouvés… Mais ils sont en vie et moins mal en point que leurs proches. Dans mes films, l’innocence survit parce que je pense que demeurer honnête avec soi-même et regarder le monde à travers des yeux d’enfant vous sauvera toujours des mauvaises décisions que vous pourriez prendre.

http://www.paperblog.fr/5720144/critique-chained-de-jennifer-lynch/
http://www.filmosphere.com/2012/07/chained-jennifer-lynch-en-colere/
http://www.panorama-cinema.com/V2/article.php?categorie=1&id=247

MR NOBODY

Photo empruntée sur Google, appartenant au site sexualityinart.wordpress.com

de Jaco Van Dormael. 2009. Belgique/Canada/France/Allemagne. 2h36. Avec Jared Leto, Sarah Polley, Diane Kruger, Linh Dan Pham, Rhys Ifans, Natasha Little, Toby Regbo, Juno Temple, Clare Stone, Thomas Byrne.

Sortie salles France/Belgique: 13 Janvier 2010. Canada: 16 Juillet 2010

FILMOGRAPHIE: Jaco Van Dormael est un réalisateur belge, né le 9 Février 1957 à Ixelles.
1991: Toto le Héros
1995: Le Huitième Jour
2009: Mr Nobody

Oeuvre fleuve abstraite à bien des égards, que ce soit pour sa réflexion métaphysique ou pour son rythme arythmique, Mr Nobody est une ode flamboyante à la vie et tout ce qui tourne autour... Au-delà de nos planètes... Un loisir récréatif rempli d'imprévus, de dangers, fantaisies et rédemption amoureuse quand un bambin de 9 ans s'imagine les multiples vies qu'il aurait pu avoir. Bien avant de devoir entreprendre le choix draconien de rester avec son père ou sa mère en rupture conjugale.
D'une richesse esthétique prolifique et bourré de poésie gracile, cette hymne à l'existence émeut, enivre, déconcerte et irrite en nous transposant les va-et-vient récursifs de Mr Nobody à travers son présent, passé et futur. En réalisateur ambitieux, Jaco Van Dormael nous rapporte sa thèse sur le sens de la vie et de la mort inéluctable qui nous sépare. De l'importance inhérente du moment présent, du choix décisif que nous devons tous entreprendre pour façonner l'harmonie prochaine de notre postérité. De cette fatalité morbide, bénédiction justifiable si nous avions eu assez de temps pour profiter de l'instant actuel après avoir (re)trouvé l'âme soeur. Mais à travers ce monde futuriste où l'immortalité des êtres humains a engendré une société totalitaire censurant les plaisirs les plus exaltants (sexe, drogue, alcool), le réalisateur aborde non seulement l'éthique de l'autonomie mais aussi l'utopie de la réalité. A savoir que l'être humain n'est peut-être qu'une chimère, un pantin artificiel né de l'imaginaire d'un être supérieur destiné à assouvir son propre destin.

L'Apprentissage de la raison d'être.
En résulte une poésie sensitive de l'envie et l'espoir compromis par nos affres de l'angoisse. Entre soif de découverte sur l'intérêt de subsister et désir inné d'embraser l'amour. Mais ce cheminement d'apprentissage menant vers la plénitude est destiné à être long, tortueux et semé d'obstacles. En attendant une potentielle résurrection si l'immortalité continue de préserver ses secrets, car l'être humain friand de vérité pourrait risquer un jour d'en bafouer ses chartes...

Dédicace à Alexandra Louvet
25.10.12
Bruno Matéï

Blade 2

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site dvdsreleasedates.com

de Guillermo Del Toro. 200 . U.S.A. 1h57. Avec Wesley Snipes, Leonor Varela, Kris Kristofferson, Ron Perlman, Luke Goss, Norman Reedus, Thomas Kretschmann, Matt Schulze, Danny John-Jules, Donnie Yen.

Sortie salles France: 19 Juin 2002. U.S: 22 Mars 2002

FILMOGRAPHIE: Guillermo Del Toro est un réalisateur, scénariste, romancier et producteur américain, né le 9 Octobre 1964 à Guadalajara (Jalisco, Mexique). 1993: Cronos. 1997: Mimic. 2001: l'Echine du Diable. 2002: Blade 2. 2004: Hellboy. 2006: Le Labyrinthe de Pan. 2008: Hellboy 2. 2013: Pacific Rim.

Oubliez le premier opus, série B ado mignarde et formatée (pardon pour les fans), et plongez vous dans l'univers destroy de Blade II, concocté par l'omnipotent Guillermo Del Toro. Gigantesque actionner bourrin démesuré et flamboyant, ce second volet des aventures de notre (super)héros technoïde, mi homme, mi-vampire, déploie un florilège de séquences homériques d'une fluidité émoustillante. Ainsi, Blade est aujourd'hui contraint de s'allier avec ses ennemis vampirisés pour déjouer le projet d'un antagoniste encore plus délétère que ces prédécesseurs ! Un vampire invincible puisque doué d'une force imputrescible ! Avec sa clique d'équipiers aux dents longues et lunettes noires, d'un bricoleur et de son vieil ami Abraham, Blade devra se mesurer à ces nouveaux mutants afin d'empêcher la propagation furtive d'un virus irréversible. De par sa photo sépia aux teintes fluos oscillant l'azur et le safran, Blade II illustre avec souci formel la retranscription d'un univers high-tech rubigineux combiné à une architecture gothique dans ces localités ténébreuses. Tant auprès de l'antre du repère des vampires et leur labo sujet à diverses expérimentations sur des foetus ou encore de la planque localisée dans des égouts infestés de goules. Qui plus est, l'attirail des armes à feu de taille disproportionnée et la sophistication des nouveaux gadgets conçus pour ruser nos vampires (les sphères régies par minuterie pour y extraire des flashs aveuglants) demeurent des accessoires en sus afin de permettre à Guillermo Del Toro d'élaborer un univers résolument hybride. 

C'est à dire entre la modernité futuriste (le lieu high-tech de la boite de nuit tendance SM, la texture des sols vitreux en interne de la forteresse de Damaskinos) et l'académisme antique (certains tableaux de peinture mais aussi quelques façades murales ornés de sculpture historique chez le souverain des ténèbres). Ainsi, cette harmonie visuelle prégnante nous dépayse sans fioriture quand bien même les personnages excentriques, perfides et délétères y extériorisent une vigueur téméraire d'après leurs querelles meurtrières. En prime, sa structure narrative compromise à l'action incessante part d'un pitch ironique (Blade doit s'unir avec ses pires ennemis pour mieux parfaire un antagoniste encore plus ravageur !) pour ensuite nous surprendre lors de quelques revirements agréés (subterfuge et rancoeur vindicative viennent relancer l'intrigue avec une efficacité accrue). Mené à train d'enfer et sévèrement violent de par son réalisme percutant, Blade 2 décuple sans rougir de monstrueuses séquences d'action ! Et on peut dire qu'à ce niveau, Guillermo Del Toro nous transcende des combats d'arts martiaux (chanbara à l'appui !) et cascades vertigineuses à la dimension épique littéralement singulière ! Par conséquent, l'habileté des FX numérisés (de façon assez circonspecte) détonne si bien que le réalisateur ne cesse d'alterner ses péripéties explosives à travers un montage géométrique (une rixe renversante est interrompue par une autre baston pour ensuite revenir à sa précédente altercation !). Et pour parachever, l'aspect terrifié imposé au faciès patibulaire de nos nouveaux vampires carnassiers (car pourvus d'une mâchoire entrebâillée !) nous exacerbent une furieuse épopée sanguinaire !

Extrêmement spectaculaire et limpide à travers la lisibilité de l'action héroïque, Guillermo Del Toro fait voler en éclat le conformisme d'une franchise lucrative somme toute aseptisée. Sa richesse visuelle allouée à la société expressionniste de vampires contemporains, sa violence vigoureuse multipliant les estocades aériennes et la trogne virile de nos guerriers renfrognés embrasant toute la pellicule ! Jusqu'au crépuscule rédempteur d'une maîtresse immolée...

Dédicace à Pascal Frezzato
24.10.12. 2èx

Bruno Matéï

Excision

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site fountainpop.com

de Richard Bates Jr. 2011. U.S.A. 1h21. Avec AnnaLynne McCord, Traci Lords, Ariel Winter, Roger Bart, Jeremy Sumpter, John Waters, Malcolm McDowell.

Sortie salles France: 12 Septembre 2012. U.S: 21 Janvier 2012

FILMOGRAPHIE: Richard Bates Jr est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
2008: Excision (court-métrage)
2012: Excision

 

"Dissection d'une âme déchue".

Projeté à Sundance et à l’Étrange Festival, où une partie du public fut en émoi, Excision est la version extensive du court-métrage éponyme de Richard Bates Jr. Comédie caustique et horreur clinique se négociant dans une bassine de formol, le film illustre la quotidienneté d’une jeune adulte introvertie - elle vient d’avoir dix-huit ans - fascinée par les organes et la nécrophilie. Raillée par ses camarades, méprisée par une mère conservatrice obsédée par l’hygiène, Pauline inspire l’indifférence à son entourage. Son visage blême, dénué du moindre maquillage, est piqueté de boutons d’acné. Livrée à elle-même malgré la compassion résignée de sa petite sœur et de son père sclérosé, elle fuit sa morosité dans des délires fétichistes de dissection, à travers des songes morbides. Jusqu’au jour où, renvoyée de son lycée, elle décide de reprendre le contrôle de son destin.

Satire corrosive des mœurs américaines, plaidoyer pour le droit à la différence, Excision joue la carte de la provocation avec un esprit sarcastique aussi audacieux que déviant - le fœtus ensanglanté délicatement maintenu du bout des doigts par une infirmière, ou encore cet épilogue traumatique et inéluctable. En réalisateur subversif résolu à proposer une œuvre scabreuse fignolée dans un esthétisme léché, Richard Bates Jr. orchestre des ruptures de ton constantes pour désarçonner le spectateur et l’entraîner dans un trip semi-expérimental à la fois jubilatoire et déroutant. Car ce portrait jusqu’au-boutiste d’une jeune fille extravagante, livrée à elle-même dans une société obsédée par l’apparence et la maladie, flirte d’abord avec l’humour décalé - voir l'hilarité avant de sombrer dans la tragédie pure. Si le film risque probablement de diviser par son insolence singulière, déployant des séquences de poésie morbide aux nuances immaculées, l’interprétation innée d’AnnaLynne McCord emporte tout sur son passage. Excentrique et déficiente dans l’âme, animée d’un goût viscéral pour le sang et les organes, elle transcende son profil morbide avec une aisance confondante. Débridée, intempestive, elle suscite autant le dégoût qu'empathie et sympathie, laissant affleurer un mal-être existentiel nourri par une société conventionnelle. En mégère hautaine, l’étonnante et trop rare Traci Lords incarne avec une droiture glaçante une mère castratrice, incapable d’éprouver la moindre tendresse pour sa fille. Ou alors si peu...

"Nécrose familiale et autres tendresses".
Satire acerbe d’une éducation parentale incapable d’assumer la singularité de sa progéniture, Excision met en exergue l’introspection abrupte d’une jeune fille déchue, lucide sur sa pathologie mentale mais rejetée par une civilisation formatée. Ovni hybride constamment drôle mais traversé de séquences sulfureuses d’une audace immorale, cette peinture cynique d’une Amérique autocentrée allie humour noir, rire nerveux et mauvais goût avec une verve hermétique. Déroutant, viscéral, sensitif et - paradoxalement - très attachant, Excision ne fera pas l’unanimité, mais le jeu halluciné d’AnnaLynne McCord et sa verve comique risquent fort de laisser une trace indélébile dans l’encéphale d’un grand nombre de spectateurs. Et c'est à découvrir ou à revoir d'urgence. 

— le cinéphile du cœur noir 🖤

23.10.12

02.08.25. Vostf

Pique-nique à Hanging-Rock / Picnic at Hanging Rock. Grand Prix au Festival des Nations à Taormina

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemagora.com

de Peter Weir. 1975. Australie. 1h47 (Director's Cut). Avec Rachel Roberts, Dominic Guard, Vivean Gray, Helen Morse, Kirsty Child, Tony Llewellyn-Jones, Jacki Weaver, Anne-Louise Lambert.

Récompenses: Grand Prix au Festival des Nations à Taormina
Prix d'Interprétation Féminine décernée à l'ensemble des comédiennes au Festival du Rex de Paris.

FILMOGRAPHIE: Peter Weir est un réalisateur australien, né le 21 Août 1944, à Sydney, Australie.
1974: Les Voitures qui ont mangé Paris. 1975: Pique-nique à Hanging Rock. 1977: La Dernière Vague. 1981: Gallipoli. 1982: l'Année de tous les Dangers. 1985: Witness. 1986: Mosquito Coast. 1989: Le Cercle des Poètes Disparus. 1990: Green Card. 1993: Etat Second. 1998: The Truman Show. 2003: Master and Commander. 2011: Les Chemins de la Liberté.

 

Un 14 février suspendu dans l’éternité. Des jeunes filles s’évaporent dans la lumière, au milieu des rochers et des silences. Peter Weir signe avec Pique-nique à Hanging Rock un chef-d’œuvre suspendu entre rêve et disparition, où la nature elle-même semble retenir son souffle. Sous la dentelle, un mystère. Derrière les fleurs, un gouffre.

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Ce que l'on voit et ce que l'on perçoit n'est qu'un rêve... Un rêve dans un rêve.

Grand succès public dans son pays d'origine, Pique-nique à Hanging Rock doit la singularité de son scénario au roman de Joan Lindsay publié en 1967. Auréolé d’un Grand Prix au Festival des Nations de Taormina, ce chef-d’œuvre aussi rare que précieux — seconde réalisation d’un auteur écolo — tire son pouvoir hypnotique d’une aura fantasmatique indicible. Le 14 février 1900, des jeunes filles du collège Appleyard pique-niquent à Hanging Rock, dans le Victoria. Au cours de l’après-midi, plusieurs d’entre elles disparaissent sans laisser de traces. À partir de cet argument interlope, Peter Weir tisse une intrigue fantastique imprégnée d’étrangeté, voire de mysticisme païen.

C’est un florilège d’images poétiques qu’il façonne avec épure, illuminant, durant la sérénité d’un pique-nique, la nature solaire et ses filles en éveil, drapées de dentelles et étendues au cœur d’immenses rochers. Ce préambule, dédié à la beauté lascive de ces collégiennes enivrés par la flore, est transcendé par le souffle monocorde d’une flûte de pan, composée par Bruce Smeaton.

Cette succession de séquences charnelles fascine d’autant plus que leur aura ensorcelante semble infinie, et que le destin des disparues nous laisse, comme chacun des protagonistes, dans l’interrogation d’une énigme insoluble. Dès l’annonce de ces disparitions inexpliquées, la tragédie influe lourdement sur l’équilibre psychologique des camarades, tenues sous la férule d’une directrice hautaine, dans un climat scolaire oppressant. Mégère orgueilleuse, incapable de charité face à la bonhomie de ces jeunes filles accablées par la stupeur et l’isolement, elle incarne une autorité rigide bientôt cernée par la déchéance morale.

Peu à peu, cette confrérie féminine — malgré quelques intrus masculins, dont un amant planqué sous les draps d’une gouvernante — se confronte à une série d’événements fortuits et tragiques. Comme si une malédiction s’était abattue sur le pensionnat, jadis tranquille et réputé.

 

Dans cette ambiance d’étrangeté feutrée, Peter Weir joue avec la pression psychologique de personnages prisonniers d’un drame abscons. Cette quête de vérité, sans réponse ni repos, pousse la hiérarchie dans un abîme de désarroi. Il en résulte une atmosphère ombrageuse, chargée d’amertume, de fragilité adolescente, de solitude, et d’angoisse muette. Dans cet écrin d’incertitude, Weir distille un malaise vaporeux, un pouvoir d’envoûtement suspendu entre rêve et effondrement.

La dentelle et le roc : songe éthéré à Hanging Rock

D’un esthétisme raffiné, épurant la nature champêtre et la candeur de jeunes filles prêtes à s’éclipser vers un horizon inconnu, l’œuvre séminale de Peter Weir célèbre l’harmonie trouble entre la terre australienne et la virginité féminine — et vice versa. Son étrangeté imperceptible, sa poésie élégiaque, et cette osmose tendre entre la femme et la flore laissent le spectateur en état d’apesanteur. Comme si le temps s’était dissous pour mieux nous engloutir dans la volupté d’une idylle spirituelle, scellée d’un pressentiment funeste.

Chef-d’œuvre auteurisant, fragile, vénéneux, ombrageux, sensuel, ténu, Pique-nique à Hanging Rock élève l’art de la suggestion à un degré de fascination irréelle. Quintessence du fantastique australien, il reste inégalé dans sa semence capiteuse, chargée d’une ancestralité aborigène, flottant encore dans l’air… comme une disparition sans réponse.

* Bruno

18.12.24. 5èx. 4K Vost.

22.10.12. 

                                         

Vigilante, justice sans sommation !

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site ledrugstore1968.blogspot.com

de William Lustig. 1982. U.S.A. 1h29. Avec Robert Foster, Fred Williamson, Richard Bright, Rutanya Alda, Don Blakely, Joseph Carberry, Willie Colon, Frank Pesce, Carol Lynley, Joe Spinell, Woody Strode.

FILMOGRAPHIE: William Lustig est un réalisateur et producteur américain, né le 1er Février 1955 dans le Bronx à New-York. 1980: Maniac. 1982: Vigilante. 1988: Maniac Cop. 1990: Maniac Cop 2. 1993: Maniac Cop 3. 1997: Uncle Sam.

En tout homme, il y a un justicier qui veille !
Deux ans après son traumatisant Maniac, William Lustig s'entreprend en 1982 d'explorer le polar urbain, ou plus exactement le film d'auto-défense. Un sous-genre inauguré en 1974 par Michael Winner et Charles Bronson dans le célèbre Un Justicier dans la ville. D'une brutalité nauséabonde par sa violence gratuite jusqu'au boutiste (la mort du bambin filmée en contre champ d'une fenêtre résonne encore dans les esprits !), Vigilante reprend le même canevas que bon nombre de film d'auto-défense. A savoir, la vengeance d'un paternel contre les meurtriers de sa famille. Accusé d'outrage et venant de purger 30 jours de prison, ce dernier va accomplir sa propre justice expéditive en décimant un à un ses agresseurs en liberté. Sous ses allures de série B d'action rondement menée, William Lustig insiste néanmoins à démontrer le laxisme du système judiciaire américain quand juges et magistrats sont débordés par une criminalité galopante.

A travers un pitch éculé, le réalisateur tend à véhiculer une certaine réflexion sur la justice individuelle par le portrait d'un prolétaire préalablement légitime car convaincu de l'efficacité de la police et la loyauté juridique. Ce n'est qu'à partir du massacre perpétré sur sa famille et après sa condamnation injustifiée que notre citoyen va endosser le rôle de victime trahie. Par le biais de sa présence vindicative, le film illustre sans concession l'idéologie fasciste d'un gang de citadins irascibles. A savoir, les exactions sordides d'une milice (les propres collègues du justicier travaillant à la même enseigne industrielle !) délibérée à nettoyer les rues malfamées de voyous sans vergogne. D'un pessimisme proprement nihiliste dans sa description d'un New-York livré à la délinquance quotidienne, William Lustig met en exergue l'impuissance d'une population démotivée ne sachant plus à quel saint se vouer pour retrouver la tranquillité dans leur quartier envenimé par la drogue, la prostitution et la criminalité. Quand bien même les flics en service de routine sont dépassés par les évènements et tentent de montrer un signe d'autorité en circulant de manière apathique dans les rues mal fréquentées.

La noirceur du sujet renforcée par l'ambiance nocturne d'une urbanisation en déliquescence évoque une succession de règlements de compte sanglants proprement dérangeants. Car le réalisateur dépeint de façon nihiliste le ras le bol d'une poignée de quidams délibérés à sortir les flingues pour régir leur propre loi. D'ailleurs, le monologue du prélude énoncé par un leader activiste (Fred Williamson engagé dans une idéologie extrémiste) évoque bien la situation de crise dans lequel les habitants sont confrontés. Ce désespoir tangible d'une humanité en chute libre raisonne comme un cri d'alarme pour dénoncer la déroute de nos sociétés laxistes gangrenées par un système judiciaire sectaire. Les séquences d'actions remarquablement filmées résonnent alors comme des fulgurances putassières car sa violence nauséeuse découle de la révolte aliénante de l'honnête citoyen converti en implacable tueur dénué d'éthique. Le score percutant de Jay Chataway va notamment intensifier ce climat d'insécurité où chaque voyou, dealer, mac et violeur agissent de la manière la plus permissive. Enfin, la conviction des interprètes renforce le caractère autoritaire d'une milice intraitable (même si Fred Williamson cabotine parfois dans ses élans acrobatiques d'expert en art martial). En père endeuillé rongé par la révolte, l'excellent Robert Foster magnétise l'écran de sa trogne renfrognée, un regard détaché en régression humaniste. Sa sombre présence doit autant à l'ambiance défaitiste découlant d'une civilisation urbaine livrée à l'anarchie.

Nous sommes armés, nous sommes prêts
Terriblement pessimiste et sans issue de secours, Vigilante joue autant la carte du cinéma d'action d'exploitation que de la réflexion alarmiste sur les effets pervers de l'auto-justice depuis la démission juridique. Dominée par l'interprétation inflexible de Robert Foster entouré d'une poignée de vétérans de seconde zone (les trognes burinées Woody Stroode et Fred Williamson), Vigilante constitue un archétype du film d'auto-défense, au même titre que ses comparses Le Droit de Tuer, Philadelphia Security. 

Dédicace à Denis Soustre De Condat-Rabourdin

*Bruno
19.10.12. 4èx

Eh ! Je ne sais pas ce que vous en pensez, mais moi je commence à en avoir jusqu'ici.

On en est à 40 meurtres par jour dans nos rues, il y a plus de 2 millions d'armes illégales dans cette ville les mecs ! 

Il y a de quoi envahir un pays avec cet armement. Il tire sur les flics de cette ville comme sur des soldats de plomb.

Alors merde, vous prenez tous le métro non !? 

Combien de temps allons-nous supporter qu'on nous agresse ? 

Combien de verrous allons-nous mettre à nos portes ?

Nous n'avons plus de police. Ni de procureur, ni de prison.

Je veux dire que tout ça c'est fini. Y'a deux poids et 2 mesures. Maintenant on est une statistique.

Alors moi j'vous dis: quand on n'ose plus descendre acheter un paquet de cigarettes le soir parce qu'on sait que la rue appartient aux loubards et aux voyous dès que la nuit tombe et que les autorités ne peuvent pas nous protéger. 

Voilà ce que je vous dis les mecs ! Vous avez une obligation morale, le droit de préserver vous-même vos vies.

Vous pouvez fuir, vous pouvez vous cacher, ou essayer de vivre à nouveau comme des hommes, c'est notre Waterloo mes amis. 

Si vous voulez retrouver votre ville, il faut la prendre ! Compris ! 

La prendre !!!

REVENGE: A LOVE STORY (Fuk Sau che chi sei)

Photo empruntée sur Google, appartenant au site a2.moovidadb.com

de Wong Ching-Po. 2010. Hong-Kong. 1h35. Avec Chin Siu-Ho, Juno Mak Chun-Lung, Lam Ling-Yuen, Lau Wing, Sora Aoi, Sun Wai-Lin, Tony Ho Wah-Chiu, Wong Shu-Tong.

FILMOGRAPHIE: Wong Ching-Po est un réalisateur, scénariste, acteur, compositeur, monteur et producteur
2002: Fu bo
2004: La Voie du Jiang Hu
2005: Ah sou
2008: Sup Fun chung ching
2010: Revenge: a love story
2011: Bao wei zhan dui zhi chu dong la ! Peng You !
2013: Once Upon a Time in Shangai

Surfant sur les dernières productions asiatiques compromises dans l'action ultra violente toujours plus rugueuse, Revenge: A Love Story débute à la manière d'un thriller sordide pour se confiner vers le revenge movie bicéphale. Un serial-killer commet une série de meurtres crapuleux sur deux femmes enceintes alors qu'un flic est porté disparu. Le criminel âgé de 23 ans et souffrant d'autisme vient à peine de purger une peine de 6 mois de prison pour une condamnation erronée. Sa vengeance implacable ne fait que commencer...
Ca démarre sec avec le meurtre crapuleux de deux femmes enceintes dont le foetus leur sera extirpé (le hors-champ élude le pire !) tandis qu'un sexagénaire est retrouvé mort noyé dans une baignoire. La disparition d'un flic va venir confirmer aux autorités qu'un tueur en série sévi dans le quartier. Rapidement, le suspect est interpellé ! ATTENTION SPOILER !!! Flash back sur son passé romantique avec une jeune fille déficiente suivi de leur calvaire imposé par une bande de flics corrompus. FIN DU SPOILER. On n'en dira pas plus pour ne pas ébruiter cette glauque histoire de vengeance mais un revirement intéressant va venir inverser les rôles impartis. Là où le bourreau se présentait comme une ordure à exterminer de façon sommaire, son passé traumatique va finalement nous dévoiler les clauses véritables qui ont pu pousser cet homme à commettre l'irréparable.

Ultra violent et gore envers certains actes de torture, règlements de comptes au gunfight, confrontations physiques et autres meurtres d'infanticide, les séquences chocs qui émaillent le récit se voient toutefois épargnées d'une complaisance putassière trop souvent présente dans ce genre de production. Son scénario structuré avec dextérité voue son efficacité grâce à la saveur aigre d'une histoire de vengeance hallucinée auquel un autiste s'empresse d'achever sa besogne. En outre, la romance allouée aux deux protagonistes épris de romance véhicule un intérêt constant dans leur cheminement hasardeux jusqu'au fameux drame inconvenu. Une inévitable empathie nous ait donc accordée pour ces amants déchus, d'autant plus que l'administration policière conçue pour protéger le citoyen est ici reléguée au rang de tortionnaires véreux. La mise en scène inventive et inspirée dans ces angles de vue géométriques multiplie ses fulgurances en adoptant parfois le principe du slow motion. En prime, une certaine poésie découle parfois d'une nature clairsemée étrangement sereine ou d'une nuit féerique quand d'immenses poupées gonflables animées ravivent les coeurs (le cadeau de Kit à sa dulcinée Wing). Jusqu'ici tout va bien dans ce scénario interlope utilisant avec une efficience probable action vindicative compromise par des règlements de compte singuliers (certaines séquences brutales surprennent par leur tonalité insolite).
Seulement voilà, le dernier quart d'heure maladroit dans sa thématique de la rémission tributaire d'une repentance religieuse va accumuler les lourdeurs pour tenter de nous convaincre qu'un leader préalablement licencieux a subitement trouvé la voie de la rédemption. Pire encore, son épilogue ridicule et équivoque se vautre dans une forme de mysticisme fumeux pour harmoniser des retrouvailles spirituelles.

Hormis certaines invraisemblances ou facilités (notamment toute la partie furtivement expédiée, centrée autour de l'hôpital quand notre tueur accoutré d'une blouse blanche va échapper à tout le personnel) et son point d'orgue équivoque, Revenge: A Love Story est un thriller suffisamment bien troussé, haletant et intense pour contenter l'amateur de thriller stylisé ultra violent. D'autant plus que l'interprétation d'ensemble renforce son capital crédule avec une mention probante pour le jeu dense du tueur impassible et mutique. A découvrir.

P.S: A éviter la VF exécrable !

Dédicace à Jenny Winter
17.10.12
Bruno Matéï

Le Nom de la Rose / The Name of the Rose. César du Meilleur Film Etranger, 1987.

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site thezinfidel.com

de Jean Jacques Annaud. 1986. Italie/France/Allemagne de l'Ouest. 2h13. Avec Sean Connery, Christian Slater, Dwight Weist, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Michale Lonsdale, F. Murray Abraham, Volker Prechtel, Feodor Chaliapin Jr.

Sortie salles France: 17 Décembre 1986. U.S: 24 Septembre 1986. Italie: 17 Octobre 1986

FILMOGRAPHIE: Jean Jacques Annaud est un réalisateur, scénariste et producteur français, né le 1er Octobre 1943 à Juvisy-sur-Orge (Essonne). 1976: La Victoire en chantant. 1979: Coup de Tête. 1981: La Guerre du Feu. 1986: Le Nom de la Rose. 1988: l'Ours. 1992: l'Amant. 1995: Guillaumet, les ailes du courage. 1997: Sept ans au Tibet. 2001: Stalingrad. 2004: Deux Frères. 2007: Sa Majesté Minor. 2011: Or Noir.

Cinq ans après le césarisé La Guerre du Feu, Jean-Jacques Annaud s’attribue une nouvelle fois la récompense du Meilleur Film (Étranger) avec Le Nom de la Rose, d’après le roman d’Umberto Eco. Thriller gothico-horrifique, aventure, suspense, romance et vérité historique s’agencent pour transcender une intrigue criminelle à l’aura médiévale imprégnée de mystère. 

Synopsis: Le franciscain Frère Guillaume, accompagné de son jeune disciple Adso de Melk, est chargé d’élucider une série de morts suspectes au sein d’une abbaye du nord de l’Italie, en 1327. Accidents, suicides et meurtres se succèdent parmi l’assemblée de moines bénédictins. Rapidement, Guillaume de Baskerville repère un indice troublant sur les corps martyrisés : une tâche noire imprimée sur la langue et l’un des pouces des sinistrés. En parallèle, la communauté religieuse est soumise à l’autorité sectaire de Jorge de Burgos, un prêtre fanatique interdisant le rire, accusé d’affaiblir la foi. Un livre défendant les bienfaits de l’humour serait à l’origine de cette vague de crimes morbides.

Dans une superbe photo naturelle, en clair-obscur, Le Nom de la Rose s’impose d’abord comme une réussite formelle ancrée dans un gothisme viscéral, au cœur d’un séminaire diaphane perché au-delà des plaines. En franciscain de Baskerville, notre briscard Sean Connery mène l’enquête avec un instinct perspicace, dans la peau d’un détective indéfectible. 

Avec la complicité juvénile de Christian Slater, en disciple attentif et timoré, secrètement épris d’une sauvageonne, ils forment un tandem inopiné, aussi passionnant qu’érudit. L’intrigue, solidement charpentée sur une vérité historique, fustige l’obscurantisme religieux et sa juridiction inquisitrice, tout en tressant un suspense rigoureux jalonné de morts sordides : tête broyée sous une pierre, noyade dans une cuve de sang, crémation, empoisonnement… L’ambiance, d’une densité pesante, s’épanouit dans les décors gothiques d’un monastère labyrinthique, orné de pièces secrètes – notamment le dédale vertigineux de la bibliothèque – qui envoûtent par leur tangibilité presque horrifique. La superstition sataniste, inculquée par une doctrine intégriste, suinte des murs de pierre, tandis que d’horribles tortures sont infligées à des innocents damnés. En sourdine, le score inquiétant de James Horner distille une tension diffuse, accompagnant nos deux détectives emmitouflés de leur soutane dans une sinistre investigation.

Avec sa densité narrative consacrée à dénoncer le fondamentalisme, Jean-Jacques Annaud illustre aussi une bouleversante histoire d’amour, à travers la romance candide du jeune Adso, capucin épris d’une sauvageonne démunie, mais séparés par l’ordre de la piété.

 

"Le rire est le propre de l’homme."
D’une richesse thématique et esthétique saisissante, Annaud trouve le juste équilibre entre divertissement intelligent et réflexion historique, dans une époque médiévale gangrenée par l’intolérance et soumise à l’ignorance des dogmes. Sobrement incarné par deux illustres comédiens, mais aussi par d’étonnants seconds rôles à la trogne patibulaire, Le Nom de la Rose écorche la doctrine catholique, là où rire, sexe et amour osent défier ses fondements. Captivant de bout en bout, immersif en diable, chaque genre s’y mêle avec une fluidité confondante. Sacre d’un chef-d’œuvre exhaustif, qu’Annaud marqua une nouvelle fois de son empreinte consciencieuse.

— le cinéphile du cœur noir

 

 

16.10.12. 3èx

22.05.24. 4èx. 4K Vostfr

Récompense: César du Meilleur Film Etranger en 1987
Prix David di Donatello de la Meilleure Direction Artistique, des Meilleurs Costumes et de la Meilleure Photographie, 1987.
Prix du film Allemand du Meilleur Acteur (Sean Connery) et de la Meilleure Direction Artistique, 1987.
Ruban d'Argent de la Meilleure Photographie, des Meilleurs Costumes et de la Meilleure Direction Artistique, 1987.
BAFTA Awards du Meilleur Acteur (Sean Connery) et du Meilleur Maquillage, 1988