Gothic de Ken Russel. 1986. Angleterre. 1h28.

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Toujours aussi désarmé lorsqu'il s'agit de retranscrire avec force et détails mes impressions, tant subjectives qu'objectives, au 5e visionnage.

Mais ce que je sais, et ce que je remarque à chaque nouvelle révision, c'est que j'ai l'impression de découvrir un film différent, tant il est unique en son genre et dépasse la raison.

 

Je n'ai pas tout compris, et c'est normal puisque l'œuvre est conçue comme un dédale cérébral (on est proche des effets hallucinatoires d'un trip sous acide ou sous LSD). Mais tout ce que j'en ai vu m'a paru beau, fascinant, déconcertant, troublant.

Parfois, il faut savoir se détacher et se satisfaire d'impressions.

 

On aime ou on déteste, parce que c'est trop foutraque, trop fou, trop hystérique, trop singulier, trop hermétique, sciemment outrancier ou parfois agaçant à travers sa mise en scène expérimentale en perpétuelle mutation. Mais les acteurs lunaires, transis d'émoi, sont habités, la photographie est splendide, les décors gothiques sont stylisés, les éclairages sont raffinés, les trucages sont charnels et la musique, inquiétante, est aussi ensorcelante qu'entêtante. Mais surtout, la réalisation, ambitieuse, possède du caractère.

 

Je pense que je vais ritualiser mes séances ciné pour le revoir cycliquement et mieux l'apprivoiser. Quoique certains films méritent de conserver une part de leur mystère.

 

 — Celui du cœur noir des images 🖤

12.11.26. 01.2025. 05.04.18 

La vie rêvée des anges. 1998. France. 1h53.

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Il y a des films et il y a des moments de cinéma gravés au fer rouge dans notre cœur. La Vie rêvée des anges fait indubitablement partie de cette catégorie si précieuse d'œuvres intimistes, d'une intensité dramatique bouleversante, à tel point que l'on sort de la projo complètement sonné et transformé, anéanti par une émotion aussi fragile que fébrile. Or, Érick Zonca ne sombre nullement dans la sinistrose, si bien que sa conclusion milite plutôt pour l'espoir, l'optimisme et une certaine forme de positivisme du point de vue initiatique d'Isabelle interprétée par Elodie Bouchez.

Le récit nous entraîne dans le sillage de cette jeune vadrouilleuse qui déambule dans les rues de Lille et qui avait tout pour être heureuse sur le plan amical lorsqu'elle rencontre Marie, une jeune Nordiste avide, elle aussi, de liberté, de vie et de bonheur, mais trop fragile, beaucoup trop fragile et sensible, au point de finir par se briser les ailes.

 

Ainsi donc, La Vie rêvée des anges nous retrace l'histoire d'amitié entre ces deux jeunes rebelles, fougueuses, sémillantes et débrouillardes, qu'Érick Zonca filme avec un art consommé du réalisme documentaire. Les deux jeunes actrices ne jouent pas leur rôle : elles le vivent à cœur ouvert. Et c'est bien là l'une des grandes qualités de cette œuvre pudique, qui illustre l'amour et l'amitié avec un humanisme à fleur de peau, sous l'impulsion de ce duo féminin à marquer d'une pierre blanche.

C'est dire si La Vie rêvée des anges se vit et se ressent comme un moment de cinéma en apesanteur, tant nous sommes immergés dans leur désir ardent de vivre, mais aussi dans leur profonde appréhension et leur angoisse de sombrer dans la solitude et le désespoir face à une société sans pitié. Si je me réfère notamment à Marie, éperdument amoureuse d'un jeune homme narcissique, davantage préoccupé par ses propres intérêts que par les sentiments qu'elle lui porte, au point de la précipiter dans une profonde détresse affective. Isabelle, apparaît quant à elle plus mature et plus solide, comprenant progressivement que son amie s'enlise dans une dangereuse relation de soumission avec un garçon qui n'a que faire des sentiments. 

 

Et pour une première œuvre, car il faut rappeler que La Vie rêvée des anges a été réalisé en 1998 par le jeune cinéaste Érick Zonca, on reste, à la revoyure (une quatrième fois, quand même !), sidéré par l'intensité émotionnelle et dramatique de ce drame social plus vrai que nature. C'est précisément ce qui confère à ce récit bouleversant d'amitié et de romance son immense dimension humaniste, confronté à des éclairs de violence psychologique éprouvants, pour ne pas dire intolérables, si je me réfère à l'ultime demi-heure d'une brutalité émotionnelle quasi insoutenable, tout du moins pour les spectateurs les plus sensibles. On en ressort sévèrement balloté, à l'image d'Isa, impuissante et désarmée face à la transformation morale de son amie Marie, trop rebelle, trop susceptible et rancunière, prisonnière de sa précarité sociale, pour parvenir à se remettre en question et faire preuve de discernement.

Ainsi donc, La Vie rêvée des anges appartient à cette catégorie de métrages inoubliables, tant il imprime durablement dans l'esprit du spectateur un souvenir à la fois gracieux et profondément cruel. Une œuvre qui nous fait partager l'odyssée de ces deux filles lumineuses, pétries d'espoir, animées d'un formidable désir de liberté et d'une volonté farouche de s'en sortir, au moment même où l'une d'elles sombre dans une romance de pacotille dont elle ne parviendra jamais à s'extraire.

 

C'est dire si La Vie rêvée des anges constitue aujourd'hui, à mes yeux, une œuvre quelque peu maudite, tant elle demeure peu diffusée à la télévision et peu abordée dans la presse, en dépit de sa réputation et de ses nombreuses récompenses. Et c'est bien dommage, car La Vie rêvée des anges restera pour moi l'un des grands moments de cinéma intimiste que j'aie vécus dans ma vie de cinéphile, au point même d'avoir déclaré ma flamme à deux reprises, et de manière confidentielle, à Natacha Régnier, sitôt le générique de fin achevé.

Je ne me suis jamais vraiment remis de sa beauté meurtrie. 

— Celui du cœur noir des images 🖤

Récompenses:

Prix "Aide à la création" de la Fondation Gan pour le cinéma en 1996
Festival de Cannes 1998 : double prix d'interprétation féminine pour Élodie Bouchez et Natacha Régnier
César 1999 :
Meilleur film
Meilleure actrice pour Élodie Bouchez
César du meilleur espoir féminin pour Natacha Régnier
Étoiles d'or de la presse du cinéma français 1999 : Étoile d'or du film
Lumières 1999 : meilleur film pour Érick Zonca
Festival Jean-Carmet de Moulins 1998 : meilleur second rôle masculin (prix du jury) pour Grégoire Colin

Témoin Muet / MuteWitness de Anthony Waller. 1995. Allemagne/Russie/Angleterre/U.S.A. 1h36.

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À la revoyure (3èx), quel surprenant thriller que ce Témoin muet, qui parvient à conjuguer avec une certaine audace le thriller horrifique et la comédie à la limite de la parodie, voire de la comédie cartoonesque si l'on se réfère aux vingt dernières minutes, à la fois diablement ludiques, affolantes et quelque peu pittoresques.

Il est dommageable que Témoin muet soit aujourd'hui plutôt occulté, car il s'agit d'un formidable thriller hitchcockien aux références assumées, même si l'on peut également privilégier l'influence du cinéma de Brian De Palma. Notamment à travers ce prologue sciemment semi-parodique, auquel succède une tonalité inversement dramatique et horrifique, avec un meurtre crapuleux évoquant l'univers du snuff movie. Cette séquence réaliste, remue évidemment les tripes par sa brutalité presque crue, d'autant plus que le réalisateur a l'intelligence de ne jamais sombrer dans la complaisance. Ainsi, même si le hors-champ est de rigueur, il n'en demeure pas moins que cette séquence répulse et nous secoue par son caractère horrifiant, ainsi que par les conséquences particulièrement sordides et sanglantes du meurtre.

 

Témoin muet relate ainsi l'épreuve de force d'une jeune femme muette, Billy, engagée par son beau-frère Andy sur le tournage d'un film d'horreur se déroulant à Moscou. On peut d'ailleurs préciser qu'il s'agit d'une production américano-germano-russo-britannique, dont le dépaysement est notamment assuré par des figures antagonistes d'origine russe, particulièrement charismatiques dans leur aspect patibulaire. Lancés aux trousses de notre héroïne, ces personnages vont la contraindre à s'extirper continuellement du danger, avec beaucoup d'adresse, de courage et d'héroïsme.

Mais ce qui frappe notamment à travers ce petit métrage diablement malin et réjouissant, c'est l'habileté de la mise en scène d'Anthony Waller, qui parvient véritablement à composer des séquences à suspense dignes de De Palma ou d'Hitchcock, lorsque les tueurs se lancent à la poursuite de la jeune muette au sein d'un huis clos cinématographique de tous les dangers (nourri d'un sens du cadrage hors-pair). Anthony Waller s'inspire également des jeux de la mise en abyme et s'amuse avec les ustensiles cinématographiques pour renforcer l'originalité de son intrigue, notamment en juxtaposant et en télescopant la fiction et la réalité, au point de parfois ne plus savoir discerner le vrai du faux.

 

 
Le récit n'en devient que plus haletant, sous l'impulsion d'un suspense tendu, et l'interprétation naturelle - pour ne pas dire sans fard - de Marina Zudina n'est certainement pas à négliger. L'actrice se révèle particulièrement convaincante dans la peau de cette jeune héroïne mutique, qui s'efforce de combattre ses ennemis avec une certaine sagacité et une intelligence d'esprit lui permettant de mieux déjouer les manœuvres couardes de ses antagonistes.

Ce qui nous amène aux vingt dernières minutes, marquées par une rupture de ton plutôt surprenante, mais diablement fun et jouissive. Notamment à travers ce parti pris cartoonesque, lorsque les tueurs s'efforcent d'éliminer notre héroïne au sein d'un appartement domestique. S'ensuit alors une véritable rivalité physique entre les personnages et un couple d'amis venus prêter main forte à Billy, qui peut d'ailleurs évoquer Mort sur le grill de Sam Raimi, toute proportion gardée, tant la mécanique de l'action, de l'humour et de la peur se conjugue à un esprit sardonique jouissif.

 

Ainsi donc, Témoin muet constitue une formidable machine à suspense de Palmaesque, qui redouble d'inventivité et de rebondissements pour amuser autant qu'angoisser le spectateur. En témoigne son génial dénouement que je n'ai pas vu venir pour l'enjeu de la disquette, qui possède une fois encore un soubresaut particulièrement retors.

Pour toutes ces qualités, Témoin muet est un petit classique qui mérite largement son Prix du jury remporté à Fantastic'Arts en 1996, un an après sa sortie. Je ne peux donc que vivement recommander ce thriller atypique aux amateurs éclairés.

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The Fountain de Darren Aronofsky. 2006. U.S.A. 1h37.

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Découverte hier soir du trip ésotérique The Fountain du passionnant auteur Darren Aronofsky.

Difficile de décrire à l'écrit ses impressions, surtout subjectives, tant The Fountain est une expérience à la fois spirituelle, métaphysique et religieuse, à travers trois récits reflétant l'introspection du chercheur en cancérologie Tommy, sur le point de découvrir un remède au cancer de sa femme.

Visuellement splendide et musicalement ensorcelant grâce au parti pris lyrique et mélancolique de Clint Mansell, The Fountain nous berce comme dans un doucereux état de transe, que le récit parvient à exprimer sous l'impulsion irradiante du duo Hugh Jackman / Rachel Weisz.

 

Un couple passionnel, à la fois désespéré et optimiste, dont la fébrile contradiction morale est illustrée sans fard par le cinéaste, pour donner corps à une forme de pureté humaniste.

Récit initiatique sur l'acceptation du deuil, quête existentielle pour atteindre la plénitude, The Fountain laisse libre cours à une imagerie à la fois cosmique et végétale pour méditer sur l'éventuelle existence après la mort, en accord avec l'arbre de vie, par le biais de la réincarnation.

C'est du moins mon interprétation personnelle, selon les croyances de tout un chacun, même si l'on peut parfaitement s'immerger dans ce magnifique poème contemplatif sans conviction religieuse, qui ne cesse de prodiguer amour et sagesse après avoir essuyé la perte de l'être aimé.

 

On en sort comme transformé, après avoir assisté à un moment de cinéma intensément sensoriel, tant Darren Aronofsky s'efforce de parfaire son climat onirico-lyrique avec un art consommé de l'imagerie naturaliste.

À revoir plusieurs fois, tant pour le voyage spirituel proposé, empreint d'une fragilité bouleversante, que pour ses différentes grilles de lecture à décortiquer.

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Resident Evil de Zach Cregger. 2026. Allemagne/U.S.A. 1h34.

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Jamais deux sans trois ! Après les formidables surprises que furent Barbarian et Evanouis, Zach Cregger nous revient en grande pompe avec un troisième film d'horreur adapté du célèbre jeu vidéo Resident Evil. Or, s'il est bien une saga qui demeure à la fois aseptisée et plutôt ratée - si on épargne peut-être le 1er épisode gentiment bonnard - , c'est bien celle-ci. C'est dire si l'on redoutait ce nouvel opus. Pourtant, grâce au savoir-faire, au talent et à sa passion pour le genre horrifique, qui transpirent à chaque séquence, cette nouvelle relecture de la saga vidéoludique s'impose comme une inespérée réussite horrifique, un véritable tour de montagnes russes conçu dans l'esprit de la saga Evil Dead de Sam Raimi. On pourrait évidemment citer The Thing pour ses créatures monstrueuses et protéiformes qui envahissent l'écran à un rythme métronomique sous l'impulsion d'un tempo musical - tel un battement de coeur pulsatile - à la fois punchy et terriblement entêtant. Tout un programme. 

 

Resident Evil se présente donc comme un redoutable survival, une épreuve de force qu'un jeune coursier médical prénommé Bryan va devoir affronter en transportant d'urgence un mystérieux colis jusqu'à l'hôpital général de Raccoon City, dans le Colorado. Si le scénario demeure somme toute simpliste, il faut bien avouer que l'efficacité imparable des séquences horrifiques, qui se succèdent à un rythme soutenu, nous plaque au siège, après ses plages d'angoisse redoutée au sein d'un cadre forestier enneigé, notamment grâce à cette faculté de nous faire croire à l'improbable. Et c'est bien là toute la réussite de ce Resident Evil : nous fasciner et nous terrifier en nous faisant découvrir un nouvel univers inspiré du jeu vidéo, avec un réalisme extrêmement persuasif. Le tout sous l'impulsion d'un jeune protagoniste sciemment maladroit, dont les mésaventures insufflent en permanence un humour sardonique réjouissant, sans jamais prendre le spectateur pour un imbécile. Il faut d'ailleurs remonter à Re-Animator, Le Retour des morts-vivants de Dan O'Bannon, Braindead ou encore Shaun of the Dead pour retrouver ce mariage idoine entre l'humour et l'horreur, admirablement ajusté par un Zach Cregger transi d'amour pour son projet.

 

Et si tous les précédents opus de la saga nous avaient successivement déçus par leur parti pris de miser sur le simple produit de consommation, ce nouvel Resident Evil parvient à renouveler le concept avec une grâce et une intégrité qui forcent le respect. Le film doit également beaucoup à l'interprétation d'Austin Abrams, qui prend un malin plaisir à se fondre dans le corps de ce coursier infortuné, constamment courageux et audacieux, voire parfois même héroïque, bien que de manière improvisée, pour ne pas dire aléatoire. Un personnage que Zach Cregger dirige avec beaucoup d'adresse et de maîtrise.

Et donc, grâce à son univers visuel régi en matière vivante, et à ses monstres protéiformes qui pullulent à l'écran, exerçant un pouvoir de fascination aussi persistant que les créatures de The Thing ou les possédés d'Evil Dead de Sam Raimi, Resident Evil est une miraculeuse réussite horrifique, d'un dynamisme foudroyant, entretenu par la tension permanente qui influe sur les péripéties de notre héros. Sans compter un suspense parfois latent, qui nous permet de mieux ressentir l'angoisse sous-jacente. À l'instar de la saga Evil Dead, ce Resident Evil possède également dans sa besace des jumpscares absolument terrorisants, si bien que j'ai bondi de mon siège à plusieurs reprises, estomaqué par leur effet de surprise. C'est dire si ces estocades fulgurantes demeurent aussi trépidantes que jouissives !

 

Ainsi, Resident Evil se révèle d'autant plus palpitant, terrifiant et drôle qu'il se clôt sur un anti-happy end, une conclusion potentiellement ouverte et interrogative, qui augure probablement une séquelle que l'on ne peut qu'espérer retrouver sous la même houlette. Car Zach Cregger est en train de s'imposer comme une figure incontournable du cinéma horrifique. Et je crois bien que nous avons affaire à un nouveau maître du genre.

Car le point le plus probant ici, c'est que Resident Evil se positionne comme un pur film d'ambiance de "fête foraine", renouant avec nos souvenirs les plus ludiques et délirants des années 80, comme le souligne aussi sa courte durée d'à peine 1 h 30. Et rien que pour cette ambiance horrifique particulièrement mature, Resident Evil est bel et bien l'incontournable horrifique de 2026, aux côtés de son complice autrement brutal Evil Dead Burn.

 

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Terreur Express / La Ragazza del Vagone Letto / Les Filles du Wagon Lit de Ferdinando Baldi. 1979. Italie. 1h24.

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À l'occasion de sa future sortie en 4K chez Le Chat qui fume, j'ai décidé de revoir hier soir ce rape and revenge transalpin réalisé par Ferdinando Baldi, spécialiste entre autres du western italien bisseux, afin de déterminer si ce film rare mérite de passer à la caisse.

On est donc face à un pur film d'exploitation de la fin des Seventies, qui enchaîne les séquences érotiques, un brin vulgaires par moments, au fil des exactions putassières d'un trio de marginaux sans foi ni loi. Or, si l'on avait été traumatisé par les séquences chocs d'une rare cruauté de La Bête tue de sang-froid de Aldo Lado, Terreur Express ne choque nullement par sa violence timorée, plutôt contenue et parcimonieuse.

 

Nanti toutefois d'un charme désuet typiquement latin, Terreur Express vaut surtout le coup d'œil pour les inconditionnels de bisserie oubliée. Si bien que les autres risquent sans doute de s'ennuyer à reluquer ses étreintes lubriques, non consenties pour la plupart, avant de laisser place à une vendetta gentiment musclée du point de vue des victimes, hommes comme femmes.

On peut aussi louer la partition entêtante de Marcello Giombini, qui renforce le charme rétro du film et son climat légèrement malsain. Ce huis clos ferroviaire, exclusivement filmé de nuit, tente ainsi de se parer d'une timide aura horrifique, sans parvenir à combler les amateurs de violence expéditive, tant son parti pris demeure trop salace.

 

Enfin, outre de ravissantes actrices italiennes, parmi lesquelles Zora Kerova (Cannibal Ferox), on peut notamment compter sur la beauté raffinée de Silvia Dionisio, qui électrise l'écran avec une élégance discrète, incarnant une jeune prostituée au caractère affirmé, avant de se laisser gagner par l'empathie sentimentale envers un preux détenu.

 

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Deux hommes dans la ville de José Giovanni. 1973. France/Italie. 1h38.

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Découverte hier soir de Deux hommes dans la ville de José Giovanni. Une première découverte, puisque même si j'avais déjà visionné le film étant plus jeune, j'étais justement trop jeune pour m'en remémorer quoi que ce soit. On peut donc parler d'une première fois.

Réunissant l'illustre tandem Jean Gabin et Alain Delon, cette œuvre intime m'aura particulièrement surpris par la nature de sa thématique centrale, dont je ne connaissais absolument rien, mais surtout par la puissance dramatique de sa dernière demi-heure, lorsque le récit adopte une ampleur sociale et morale de la plus grande importance en s'attaquant à la controverse de la peine de mort.

 

 
Au-delà de la difficile réinsertion sociale d'un ancien délinquant, Gino Strabliggi, interprété par Alain Delon, qui retrouve la liberté après avoir purgé dix années de prison pour un braquage de banque, le film s'attache à dépeindre le parcours d'un homme qui tente de renouer avec une existence ordinaire. Grâce à Germain Cazeneuve, un éducateur social incarné par Jean Gabin, Gino parvient progressivement à retrouver sa place dans la société, à renouer avec l'amour et à décrocher un emploi dans une imprimerie. Une seconde chance lui est donc accordée, jusqu'au jour où l'inspecteur principal Goitreau, interprété par l'impassible Michel Bouquet, refait surface pour importuner, voire harceler, cet ancien détenu qu'il n'a jamais cessé de considérer comme un criminel intarissable.

Ainsi, en traitant son sujet avec un humanisme jamais larmoyant et sans fioriture, sobrement dépeint par la caméra circonspecte de José Giovanni, et grâce aux prestations exemplaires de Jean Gabin et Alain Delon, Deux hommes dans la ville insuffle un sentiment à la fois paisible et inquiétant à travers cette époque vétuste des années 70 particulièrement sensorielle. Une dramaturgie inopinée s'installe progressivement, jusqu'à faire basculer le récit dans une tragédie humaine d'une intensité bouleversante. Un parti pris draconien qui m'a percuté de plein fouet. 

 

 
Et si l'on augure initialement un simple récit de vengeance à la suite d'un rebondissement dramatique, le film se révèle beaucoup plus ambitieux et intelligent dans sa démarche. Car c'est véritablement au cours de son ultime demi-heure que Deux hommes dans la ville trouve toute sa puissance et sa raison d'être, en développant un réquisitoire contre la peine de mort d'une remarquable intelligence d'esprit, sans verser dans la complaisance.

Le parcours de cet ancien détenu, qui avait pourtant réussi à renouer avec la vie en société grâce à une seconde chance, va ainsi sombrer dans le désarroi, la rébellion et finalement le désespoir, sous l'effet de l'acharnement autoritaire d'un inspecteur castrateur, dénué d'empathie et de toute compassion. Une figure policière glaçante dont l'obstination et le mépris de la rédemption vont précipiter Gino vers une issue tragique.

 

D'ailleurs, on peut rappeler qu'en 1973, au moment du tournage, la peine de mort était encore en vigueur en France. La cruauté morale et la brutalité physique de cette ultime demi-heure ne peuvent donc que nous interpeller et nous remettre en question sur la légitimité d'une telle sanction. Une réflexion que l'on retrouve également, sous une autre approche également remarquable, dans le méconnu Ted Bundy de Matthew Bright, réalisé en 2002 - à travers son final insoutenable -

En définitive, Deux hommes dans la ville nous permet autant de nous laisser captiver par un récit humaniste empreint de tendresse, d'espoir et d'inquiétude que de nous confronter à un questionnement moral particulièrement éprouvant. Grâce notamment aux prestations expressives de Jean Gabin, en éducateur pétri d'attention et de bienveillance pour son protégé dans sa posture bougonne, et d'Alain Delon, qui conserve cette sobriété innée, instinctive, tout en finesse, le film nous bouleverse profondément. C'est aussi grâce à eux que le dénouement acquiert une telle force émotionnelle, nous confrontant à l'intolérable fardeau d'une mise à mort aussi cruelle qu'injustifiée.

 

Car derrière le destin brisée de Gino se dessine celui d'un homme que l'injustice d'un système judiciaire, réfractaire aux circonstances atténuantes, condamne à payer de sa chair les conséquences d'un engrenage auquel il n'aura finalement pas réussi à échapper en cédant aux pulsions destructrices.

Voilà ce que représente à mes yeux Deux hommes dans la ville: un solide drame social et carcéral, soigneusement réalisé par José Giovanni, profondément humaniste et résolument engagé contre la peine de mort, au point de contribuer à éveiller les consciences et à faire évoluer les mentalités.

 

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The Dog Stars de Ridley Scott. 2026. U.S.A/Royaume-Uni. 1h59.

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Sortie salles France: 26 Août 2026. 

Budget: 110 millions de dollars. 

Musique : Harry Gregson-Williams

 

Découverte hier soir de The Dog Stars qui marque le retour de Ridley Scott du haut de ses 88 ans, une fois n'est pas coutume. Il signe un récit post-apo intimiste et contemplatif, porté par une jolie distribution parmi lesquelles Jacob Elordi, Margaret Qualley et Josh Brolin, auquel s'ajoute Guy Pearce dans le rôle du père de Cima, (interprétée par Margaret Qualley).

 

L'histoire s'articule autour de Hig, un homme profondément meurtri par la perte récente de son épouse et de son chien, qui forme un tandem improbable avec Bangley, un vieux briscard incarné par Josh Brolin. Tous deux tentent de survivre dans une base aérienne du Colorado, au sein d'un monde ravagé par une épidémie de grippe. Mais Hig, nourrit par l'espoir de découvrir d'éventuelles contrées où subsisteraient d'autres survivants, décide de prendre son envol à bord de son avion. Commence alors un périple initiatique au cours duquel ce personnage à la fois humain et optimiste, que Ridley Scott s'attache à humaniser tout au long de son parcours moral, cherche avant tout un havre de paix.

Car derrière les apparences d'un récit post-apo potentiellement hostile, le film aux allures de Néo-Western traite surtout de l'acceptation du deuil et de la reconstruction de soi par l'entremise de l'amour. Au fil d'un cheminement semé d'embûches et d'altercations aussi violentes qu'intenses (les scènes d'action sont bien filmées), Hig va progressivement retrouver une forme d'apaisement intérieur, tout en entrevoyant la possibilité d'un nouvel avenir, d'une existence potentiellement plus optimiste, grâce à l'aide, au soutien et à la solidarité d'une poignée de survivants.

 

Si The Dog Stars demeure une œuvre dispensable, susceptible de décevoir par son caractère atone légèrement prévisible et son manque de surprises, le film n'en reste pas moins agréable à suivre, parfois poignant et émouvant. Ses protagonistes ne manquent pas d'intérêt, avec leur humanisme blessé et torturé, ou autrement ferme et stoïque (le briscard Bangley) au cœur d'un climat de désolation à la fois envoûtant et étonnamment lumineux. Ridley Scott filme d'ailleurs à merveille les magnifiques paysages verdâtres du Colorado, à travers des panoramiques à donner le vertige, qui confèrent à l'ensemble une dimension contemplative à contre-emploi, puisque quasi solaire et édénique.

 

Au-delà de ses limites narratives (dont une situation hospitalière qui peut largement dérouter et laisser perplexe), The Dog Stars constitue ainsi une belle aventure humaine, qui trouve son intérêt dans la caractérisation psychologique de ses personnages et se révèle finalement plutôt optimiste, tant dans son message existentiel que dans sa dimension spirituelle. Comme le souligne son titre original, qui renvoie à la constellation du Chien et fait écho au roman éponyme de Peter Heller dont le film est adapté.

 

 

Et pour tout cela, The Dog Stars est certes un film mineur dans la filmo de Ridley Scott, mais une œuvre pudique, onirique et contemplative qui ne manque pas d'émotion à travers ses valeurs de la solidarité, du courage, de l'amour et de la confiance. Un survival posé qui parvient à dégager des ondes positives au cœur d'un univers post-apo violent, désolé et pourtant traversé par une lumière porteuse d'espoir où pointe une religion pacifiste.

 

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Frankenstein de Guillermo Del Toro. 2025. Mexique/U.S.A. 2h30

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Frankenstein — La Douleur d'être au monde. 🖤

Parfois, certains films ne se livrent pas toujours au premier regard. Pour preuve avec cette magnifique adaptation de Frankenstein par Guillermo del Toro, que j'ai revue cet après-midi avec un plaisir et une émotion incommensurables. Alors que mon premier visionnage m'avait laissé frustré dans ma position médiane, cette seconde découverte m'a enfin permis d'en apprécier pleinement les qualités, tant sur le plan visuel qu'humain. Deux qualités essentielles pour nourrir ce grand spectacle néo-gothique

Avec un budget de 120 millions de dollars, on peut avouer sans rougir que le résultat est éclatant à l'écran. Il s'agit d'une réussite visuelle absolument exemplaire, une œuvre somptueuse dont les images, souvent oniriques, nous éblouissent du début à la fin. 

Mais au-delà de ses qualités formelles à damner un saint, la grande réussite de cette nouvelle transposition du célèbre roman de Mary Shelley réside dans sa capacité à humaniser ses deux figures centrales : le créateur, Victor Frankenstein, et sa créature. À travers leur affrontement, c'est toute la question de l'autorité et du pouvoir qui se dessine, dans une relation où l'orgueil du premier se heurte à la détresse existentielle du second au coeur d'une ambiance désespérée jamais programmée.

Sans verser dans une dramaturgie excessivement appuyée ni dans une mélancolie trop explicite, Guillermo Del Toro parvient à faire émerger une émotion forte et profonde, d'autant plus bouleversante qu'elle demeure pudique, sensible, fragile, écorchée. Cette fresque de plus de deux heures trente force donc le respect par la sensibilité de son approche et l'empathie qu'elle suscite envers la créature, remarquablement interprétée par Jacob Elordi. Par son expressivité contenue, sa mélancolie discrète, ses remords et ses regrets souvent inscrits dans le non-dit, le comédien donne chair à un être hanté par sa douleur existentielle et sa peur d'exister, abandonné par un créateur incapable d'assumer les conséquences terribles de sa propre création. 

Arrogant, égoïste, mégalo et orgueilleux, Victor Frankenstein n'en demeure pas moins un personnage complexe à la lisière de l'expiation, admirablement incarné par Oscar Isaac, qui parvient lui aussi à donner une véritable épaisseur humaine à son personnage. Imbu de sa personne, persuadé de pouvoir imposer sa volonté au monde, le créateur se révèle prisonnier de sa propre démesure, de ses talents d'apprenti sorcier maudit. Une interprétation qui, à l'image de celle de Jacob Elordi, privilégie la justesse et la finesse de jeu à la démonstration.

Quant à Mia Goth, qui interprète Elizabeth, elle apporte au récit une présence d'une subtile délicatesse, empreinte de fragilité et de sensibilité. Son personnage, qui se sent différent du monde qui l'entoure, incarne à sa manière cette marginalité qui traverse l'ensemble du film.

Car c'est bien l'une des thématiques essentielles que Guillermo Del Toro explore ici : la peur de la différence et le rejet de ceux que nous ne comprenons pas. À travers cette histoire éculée, le cinéaste nous la réinvente sans effet de manche. Il nous invite également à réfléchir à la dualité du bien et du mal, à l'instinct de survie (la séquence des loups dans la bergerie) au sens de l'existence et à notre propre nature humaine indissociable d'une violence réactionnaire. Car face à l'inconnu, face à celui qui nous paraît étranger ou menaçant, l'être humain a trop souvent tendance à recourir à la lâcheté d'une violence punitive plutôt qu'à chercher à comprendre et à communiquer avec autrui. L'instinct de survie prend alors le pas sur la réflexion, et la peur de l'autre devient le terreau de l'intolérance.

Toutes ces thématiques, si chères au roman de Mary Shelley, sont admirablement dépeintes dans cette flamboyante fresque, qui se révèle être bien davantage qu'un simple récit fantastique réactualisé. Un véritable hymne à l'existence, à l'anatomie humaine, à la fragilité de notre condition et surtout à cette énergie mystérieuse qui nous anime au cours de notre passage sur Terre depuis l'émergence d'Adam et Eve. 

Frankenstein est donc une splendide réussite, aussi remarquable par sa somptuosité visuelle que par l'humanité fragile qui se dégage de ses personnages passionnants à radiographier. Jusqu'à l'évolution morale de Victor Frankenstein, dont le parcours finit par éveiller en nous une certaine forme d'empathie, Guillermo Del Toro compose une œuvre profondément humaine, mêlée de fragilité, de tendresse et de cruauté, qui trouve dans son dénouement une conclusion à la fois inopinément poignante et émouvante.

"Ainsi, le coeur peut se briser, et cependant continuer à vivre".

— Celui du cœur noir des images 🖤

Hope de Na Hong-jin. 2026. Corée du Sud. 2h37.

                   (Crédit photo : image trouvée via google, provenant du site imdb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives)

Hope - Un arc-en-ciel déflagratoire 🖤

En découvrant hier soir le fameux Hope, le nouveau délire de Na Hong-jin, on comprend rapidement pourquoi cette œuvre pharaonique, forte de ses 2 h 37 (dont 2h31 hors générique de fin), est en train de se tailler une réputation aussi impressionnante.

Quel spectacle de dinguo, par tous les Croms ! Hope est une véritable déflagration, un cartoon live de bruit et de fureur comme on en rencontre rarement dans le paysage du cinéma d'action, mais pas seulement. C'est aussi une pure déclaration d'amour au film de monstres et à la science-fiction, orchestrée par un cinéaste qui nous avait déjà gratifiés de trois œuvres majeures : The Chaser (à mes yeux un chef-d'oeuvre), The Murderer et The Strangers.

 

À travers la traque infernale menée par un duo de policiers et de paysans dans une bourgade dévastée par une présence extraterrestre, Na Hong-jin réinvente les codes du genre avec une audace et surtout une maîtrise de tons sidérantes. Durant les quarante à quarante-cinq premières minutes, il prend soin de ne pas dévoiler l'apparence monstrueuse de ses créatures. Or, impossible de décrocher de son fauteuil, tant les paysages de désolation et les hors-champ sonores, la menace palpable toujours plus grandissante, ponctués par les grognements inquiétants de ces entités, entretiennent une tension permanente. Le désarroi, la peur et l'incompréhension de personnages complètement déboussolés, désorientés par l'espace dévasté de tôles froissées donnent à cette première partie une dimension aussi expressive qu'oppressante.

Puis vient un affrontement épique entre une créature extraterrestre dantesque (en mode longiligne) jamais vue ailleurs et un policier armé de son seul fusil d'assaut. S'ensuit une interminable course-poursuite automobile, ponctuée d'affrontements physiques et de fusillades, dans une séquence démentielle à couper le souffle. Na Hong-jin relance incessamment l'action sans jamais nous laisser le temps de respirer, avec une intensité affolante qui n'aurait certainement pas déplu à Sam Raimi, notamment celui de Evil Dead 2.

 

Car Hope est également rempli à ras bord d'un humour aussi inattendu que jubilatoire. Loin de la plaisanterie potache pour l'ado acnéen, celui-ci naît notamment de la confrontation morale et la maladresse impayable de certains personnages terriblement attachants. Certaines situations, souvent morbides, deviennent franchement hilarantes, sans jamais empiéter sur le sérieux de l'entreprise. C'est même l'une des grandes réussites du film : ne jamais se moquer du cinéma de genre, mais témoigner d'une véritable tendresse envers l'histoire, les lieux et ses personnages. Une affection qui transpire à chaque plan et qui nourrit cette alchimie hallucinante d'y communier sans déborder comédie, action, western, science-fiction, horreur et fantastique.

Certes, après une première heure menée tambour battant, un ventre mou d'une trentaine à une quarantaine de minutes se fait ressentir. Mais cette accalmie, loin de la disgrâce, n'est finalement qu'une trêve afin de mieux rebondir, relancer l'action (notamment dans un lieu forestier) avant une nouvelle déferlante d'affrontements. La dernière course-poursuite, aussi anthologique que l'affrontement liminaire, relève alors de la prouesse technique et visuelle, au point de pouvoir faire rougir George Miller et sa trilogie Mad-Max ! Du roller coaster à tombeau ouvert. C'est insensé, tant on a réellement l'impression de n'avoir jamais rien vu de semblable à l'écran.

 

D'une générosité décomplexée (euphémisme), d'une intelligence jamais prétentieuse, Hope nous rend notre âme d'enfant et notre regard émerveillé devant une galerie de monstres absolument fascinante, dont l'imagerie singulière prend corps aussi bien dans les environnements urbains que dans les territoires forestiers. La délocalisation de l'action vers une forêt de tous les dangers renouvelle encore le spectacle : certains chasseurs s'y égarent et se retrouvent nez à nez avec des créatures extraterrestres d'une vélocité hostile hallucinante. On ne sait plus où donner de la tête alors que - paradoxe - l'action nullement gratuite reste toujours lisible sous l'impulsion d'effets numériques suffisamment crédibles pour y croire sans sourciller (ou alors si peu si on fait la fine bouche).

Voilà donc un spectacle orgasmique, une lettre d'amour au cinéma de genre et au divertissement d'une poignante sincérité. Na Hong-jin orchestre impérialement cette démesure tout en accordant une telle attention, une tendresse et une affection palpables pour ses personnages solidaires à la fois pugnaces et suicidaires. À cette générosité métronomique s'ajoute enfin la dimension lyrique d'un climat de science-fiction apocalyptique nourri par la présence mystérieuse de cette entité extraterrestre égarée sur notre Terre.

 

Quant à la conclusion, elle nous laisse volontairement en suspens, ouvrant la voie à une seconde partie (le storyboard étant trop épais, nous n'aurons plus droit à la trilogie escomptée), que l'on espère aussi furibarde, affolante, débridée, décalée.

Du grand spectacle homérique comme on ose plus en (par)faire.

 

— Celui du cœur noir des images 🖤

The Empty Man de David Pryor. 2020. U.S.A. 2h17

                     (Crédit photo : image trouvée via google, provenant du site imdb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives)

Il n'est jamais trop tard pour découvrir une formidable surprise en la présence invisible - et maudite - de The Empty Man (2020 déjà !), réalisé par David Prior. Six ans plus tard, j'apprends que ce film est enfin réévalué et considéré comme culte à sa juste valeur. En tout état de cause, mon intuition avait vu juste, tant j'étais plongé à corps perdu dans cette odyssée mentale irrationnelle, inspirée de la bande dessinée du même nom de Cullen Bunn et Vanesa R. Del Rey, publiée chez Boom! Studios.

Et si, passé le terrifiant prologue réfrigérant, les trente à quarante premières minutes augurent un film de croque-mitaine en bonne et due forme (Freddy, et surtout Candyman), l'intrigue, bâtie autour d'une enquête occulte de longue haleine, penche davantage du côté du cinéma lynchéen et de celui de Gary Sherman (mais chut !). Le parti pris repose sur le non-dit, un silence diffus, des mantras abscons à déchiffrer et une présence tacite, d'autant plus angoissante et convaincante qu'elle nous confronte à la crainte d'un danger immatériel et indicible, sournois, reptilien, irréversible.

Dans la peau de ce détective privé, époux autrefois infidèle, assoiffé de vérité et en quête de rédemption, James Badge Dale porte sobrement l'intrigue sur ses épaules. Avec suffisamment d'implication et de retenue pour préserver son esprit critique rationnel, il se lance sur les traces d'Amanda, la fille de sa voisine Nora, son ancienne maîtresse.

Bref, cette proposition ambitieuse de thriller horrifique opaque demeure aussi passionnante qu'inquiétante, d'autant qu'un second visionnage devrait se révéler encore plus fructueux pour rassembler les pièces de ce puzzle spirituel. Quant à sa durée conséquente, décriée à l'époque par une partie du public (2 h 17, mais 2 h 11 sans le générique), le temps ne compte plus tant l'intrigue magnétise et manipule nos sens dans une maîtrise cérébrale volontairement complexe mais diablement fascinante. D'autant que sa photographie singulière laisse béat d'admiration : privilégiez la 4K, c'est à damner un saint !

— Celui du cœur noir des images 🖤