Le Bossu de Philippe De Broca. 1997. France/Allemagne/Italie. 2h08.

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Il n'est jamais trop tard pour découvrir un fleuron du cinéma français populaire que représente Le Bossu, réalisé en 1997 par Philippe de Broca. Nanti d'une distribution prestigieuse réunissant Daniel Auteuil, Vincent Pérez, Marie Gillain, Fabrice Luchini, Philippe Noiret et bien d'autres, Le Bossu est, de prime abord, un régal pour la psychologie farouche de ces personnages hauts en couleur, si bien que les comédiens semblent s'en donner à cœur joie et sont totalement investis dans leur fonction chevaleresque.

Vincent Pérez, notamment, crève l'écran, même si on ne l'aperçoit hélas que durant la première partie du récit. La prestance fringante qu'il dégage dans la peau du duc de Nevers est telle qu'on en viendrait presque à regretter sa disparition. Daniel Auteuil, lui, s'impose en digne justicier solitaire en herbe, particulièrement convaincant, tandis que Marie Gillain, avec sa fraîcheur naturelle, crève également l'écran, notamment dans les rapports paternels puis sentimentaux qu'elle entretient avec Lagardère mais aussi dans son incroyable mano a mano avec un ennemi face à une foule médusée. Entre eux demeurent ainsi des liens vibrants d'humanisme et de tendresse, au cœur d'un récit fertile en péripéties en bonne et due forme.

Le Bossu doit donc beaucoup de sa réussite à tous ces talents réunis, qui plus est parmi le rôle du méchant, incarné par Fabrice Luchini dans la peau de Philippe de Gonzague. L'acteur est surprenant car habité dans la sobriété, impressionnant et détestable dans ce personnage aussi fourbe que mythomane. Il rivalise de stratagèmes sans le moindre scrupule, ce qui renforce considérablement la densité psychologique et dramatique de ce récit d'aventure à l'ancienne, ici retranscrit avec une modernité tout à fait assumée.

Philippe de Broca renforce d'ailleurs cette dimension à travers des combats à l'épée absolument éblouissants de chorégraphie, de précision et donc littéralement percutants. J'ai vraiment été frappé par l'impact émotionnel de ses actions charpentées. Notamment avec cette idée à la fois couillue et ingénieuse de porter un coup d'épée en plein milieu du front de chaque ennemi pour lui transpercer le crâne. Et j'avoue qu'on a rarement vu ce genre d'idée aussi macabre dans un récit d'aventure populaire !

D'un point de vue visuel, Le Bossu est également éblouissant, magnifiquement cadré en Cinémascope. Les 140 millions de francs investis à l'époque se voient d'ailleurs parfaitement à l'écran, et Philippe de Broca exploite tout ce potentiel économique avec un art consommé du travail bien fait. On sent le cinéaste profondément investi dans son entreprise et, surtout, qu'il aime ce qu'il filme.

Cette 9è adaptation du roman-feuilleton éponyme de Paul Féval, demeure franchement expressive dans la passion des sentiments, pleine de bruit, de fureur, et de tendresse, dans un souffle épique qui se révèle par moments exaltant. Je pense notamment au rapport entre Lagardère et Aurore, la fille de Nevers qu'il est contraint d'élever afin d'honorer la mémoire de son père et de lui rendre justice.

Le Bossu est également une formidable histoire de fraternité, d'amour, de filiation, de justice inscrite dans la droiture et l'honneur. Un superbe spectacle d'aventure ludique durant ses 2 h 08, si bien que le temps défile sans prévenir. Le film se clôt d'ailleurs par un baiser final véritablement émouvant, et d'autant plus surprenant qu'il se permet une petite pointe d'audace, si j'ose le dire.

Ainsi, si j'avoue avoir toutefois une préférence pour le classique d'André Hunebelle, avec Jean Marais et Bourvil, notamment pour ce fameux charme nostalgique qui nous enveloppe dans un voile de soie doux et réchauffant, Le Bossu de Philippe de Broca n'en demeure pas moins un spectacle moderne aussi noble que justifié. Et ce n'est finalement pas plus mal pour tenter de rameuter les nouvelles générations.

Le Bossu réussit donc son pari de redorer le fameux roman-feuilleton avec autant de densité narrative que psychologique, et surtout grâce au talent de comédiens communément épatants de naturel, de spontanéité et d'aplomb.

Une aventure populaire artisanale, généreuse et foisonnante, qui assume pleinement son héritage tout en sachant lui insuffler une modernité bienvenue.

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Le Roi des Morts / Der Todesking de Jorg Buttgereit. 1989. Allemagne de l'Ouest. 1h15.

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"C'est le roi des morts: il fait que les hommes n'ont plus envie de vivre."

Redécouverte du Roi des morts de Jörg Buttgereit. Après plus de vingt ans d'absence, je me suis enfin décidé à m'y replonger. Et quel choc émotionnel que d'assister à un poème particulièrement morbide et funeste sur le suicide, la solitude, le mal-être et la mort.

Durant une semaine, le film nous retrace le quotidien de quidams sur le point de se suicider. Chaque jour, nous allons ainsi vivre le quotidien morose d'une personnalité esseulée, tandis qu'au même moment, Jörg Buttgereit s'attarde sur la putréfaction d'un cadavre humain que nous contemplerons tout au long du récit, jusqu'à ce qu'il ne reste finalement plus de lui qu'un squelette, puis de la poussière.

Ainsi donc, Le Roi des morts est une œuvre expérimentale underground extrêmement particulière, dans la même mouvance que ses fleurons extrêmes, Nekromantik et Nekromantik 2. Mais ici, nous sommes davantage dans une ambiance mélancolique, à la fois dépressive et terriblement triste, eu égard aux profils suicidaires que Jörg Buttgereit nous propose à travers un réalisme documentaire particulièrement atmosphérique, notamment grâce à cette photo blafarde qui nous colle aux basques.

On ne peut alors que s'immerger dans une détresse voyeuriste en assistant à la déchéance humaine de ces êtres esseulés, complètement perdus dans une sinistrose rendue intolérable.

Au-delà de sa puissance émotionnelle parfois éprouvante, notamment par sa mélancolie existentielle et sa réflexion sur l'amour à travers un couple apparemment heureux, avant qu'une tout autre tournure dramatique ne survienne à la fin du sketch, Le Roi des morts baigne dans un climat de désillusion et de désolation, pour mieux nous rappeler notre triste condition mortelle.

Et c'est notamment à travers ce cadavre en putréfaction que le film nous renvoie à notre propre mort corporelle. Le prodige, sa véritable prouesse, réside peut-être dans cette sensation de se retrouver, comme les protagonistes, désespérément seul face à ces témoignages suicidaires et face à ce cadavre putrescent qui est finalement notre propre corps à venir.

Toujours aussi inspiré et autonome, Jörg Buttgereit filme cette décomposition avec un onirisme morbide où l'émotion perce le repoussoir, magnifié par l'impulsion musicale d'Hermann Kopp, Achim Lawrence et John Boy Walton, dont la partition élégiaque se révèle à la fois belle et d'une sensibilité bouleversante.

Ainsi donc, en traitant de ces thématiques obsessionnelles que symbolisent la mort, la mélancolie, la solitude, la marginalité et la tristesse de l'existence, Le Roi des morts nous plonge dans un poème funeste d'une extrême fragilité, en y traitant notamment de la démence et du sacrifice - le tueur fou est un martyr du post modernisme -

Par son réalisme grisâtre à la fois provocateur et dérangeant, mais infiniment triste et bouleversant dans son rapport existentiel, le film nous invite à une véritable communion avec cette idée aussi simple qu'implacable : la vie et la mort sont indissociables, et notre existence passe aussi vite qu'un battement de cils.

Simple piqûre de rappel.

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Killing Ground de Damien Power. 2016. Australie. 1h28.

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Killing Ground : un survival forestier d'une violence psychologique à bout de souffle.

Hier soir, découverte d'un petit métrage australien réalisé en 2016, dont j'ignorais totalement l'existence (merci au groupe cinéphile de Facebook). Il s'agit de Killing Ground, un survival crapuleux dans la mouvance de La Dernière Maison sur la gauche, Wolf Creek ou encore Eden Lake.

À tous les amateurs de ces peloches mal élevées et bien gratinées en termes de violence psychologique et physique, Killing Ground est à ne pas rater, tant le réalisateur australien Damien Power use d'intelligence, d'habileté (notamment au niveau du montage temporel) et d'efficacité pour nous pondre un p'tit métrage d'une intensité particulièrement éprouvante, alors que les éclats de violence (surtout à mi-parcours) sont parfois à la limite du soutenable.

 

Or, le réalisateur joue sur deux tableaux, autant sur la suggestion que sur le démonstratif, et se montre brillant sur ces deux registres car il ne se livre jamais à la complaisance. Les séquences de soumission morale et de sévices corporels, conçues avec sadisme par deux rednecks du coin, sont franchement limite insupportables, tant le réalisme cru des situations nous rappelle les grands classiques que j'ai cités plus haut.

Avec des acteurs méconnus chez nous mais remarquablement convaincants auquel on s'identifie d'emblée, Killing Ground nous emmène droit en enfer, au sein d'une forêt australienne isolée où deux rednecks ont décidé de batifoler avec leurs victimes dans une violence gratuite proprement putassière. Épreuve de force morale et véritable chemin de croix qu'une poignée de protagonistes vont endurer durant une heure trente, Killing Ground ne nous laisse aucun répit quant à leur survie précaire, d'autant plus que, comme dans Wolf Creek, Eden Lake ou La Dernière Maison sur la gauche, n'importe quel protagoniste peut trépasser à tout moment auprès de deux engeances que l'on répugne à détester. Le récit joue donc habilement avec nos nerfs, en y réveillant nos instincts les plus sombres pour mieux étudier notre jugement moral et nos prises de décisions. Que ferions-nous à la place des victimes ? 

 

 
Si l'on peut chipoter sur son cheminement narratif tout à fait classique, Killing Ground mise sur l'efficacité infaillible d'un rythme aussi inquiétant qu'effréné, ainsi que sur la caractérisation psychologique de ses personnages, auxquels il parvient à nous attacher profondément à travers leurs tourments, leur désespoir éploré, dans un réalisme forestier aussi immersif qu'effrayant.

Outre ce classicisme narratif, Damien Power se rattrape également sur certains rebondissements intelligents où l'on reconsidère l'action, notamment vis-à-vis de la psychologie équivoque de personnages. Et sans trop déflorer d'indices, l'action horrifique est relancée d'une certaine façon sur le plan psychologique, à travers une confrontation amère et regrettable. C'est précisément ce qui permet au récit de se relancer et d'épouser un autre point de vue moral accablant vis-à-vis d'un certain personnage, renforçant ainsi la dramaturgie du film jusqu'à cette fin ouverte qui en dit long dans les échanges de regards mutiques. A vous de vous faire votre propre fin...

 

Et surtout, Killing Ground nous donne à réfléchir sur la lâcheté, sur notre propre hésitation à oser franchir le cap et sur cette frayeur viscéral qui nous empêche parfois d'oser transgresser notre peur, justement par peur de trépasser. Le film traite ainsi autant du courage (avec un beau profil féminin que l'on n'a pas vu venir) et du dépassement de soi que de la paralysie provoquée par la peur que l'on peut condamner ou tolérer. Celle d'oser prendre notre courage à deux mains pour tenter de nous sortir d'une situation extrêmement précaire et sauver des vies.

Ainsi donc, Killing Ground est un vrai choc émotionnel grâce à cette ultra-violence psychologique et parfois physique (le sort du bébé, les jeux morbides, la résultante des viols), proprement innommable et résolument perturbante. Un survival horrifique résolument adulte par son réalisme acéré, si bien qu'après un tel cauchemar moral, il est impossible de sortir totalement indemne de cette déliquescence déshumanisante.

 

 
Car derrière cette violence poisseuse et ce réalisme fangeux, le film nous confronte surtout à une vérité glaçante qui nous révolte intérieurement: certains assassins sans vergogne demeurent irrécupérables dans leur sadisme inné, capables de s'adonner aux pires exactions pour le simple plaisir de faire le mal, dans une vile perversité. Si bien qu'ici, le film nous prouve clairement que toute seconde chance était inutile.

Glaçant et impardonnable. A méditer...

 

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Maggie de Henry Hobson. 2015. U.S.A. 1h35.

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"Certains films ne se livrent pas toujours au premier regard."

Maggie : un requiem mélancolique d'une bouleversante pudeur.

Révision hier soir du drame intimiste Maggie, réalisé par Henry Hobson en 2015. Et quelle sacrée surprise que de se retrouver face à un drame psychologique sobrement intense et bouleversant, transposé dans le cadre du film de zombies, si bien que le genre horrifique n'est finalement ici qu'un prétexte pour traiter de thématiques aussi douloureuses que le deuil, la perte de l'être aimé, la difficulté de surmonter cette perte, mais aussi celle d'accepter sa propre condition morbide.

 

 
Du point de vue d'une jeune fille atteinte d'une épidémie ayant transformé une partie de la population en zombies, Maggie raconte surtout l'histoire d'un père qui refuse d'abandonner sa fille. Plutôt que de la laisser en quarantaine, il décide de l'accueillir chez lui afin de profiter ensemble de leurs derniers instants.

Et c'est précisément ce qui rend le film aussi émouvant et réaliste : ses personnages sont totalement impliqués dans leur condition désespérée. Je pense évidemment à Arnold Schwarzenegger, qui tient là, sans commune mesure et sans la moindre hésitation, son plus beau rôle à l'écran. L'acteur se livre corps et âme, à nu, et pourtant avec une pudeur presque timorée. Sa justesse de jeu s'exprime particulièrement dans le non-dit, les regards mutiques et les gestes retenus, alors qu'il retransmet énormément d'amour dans son regard paternel vis-à-vis de sa fille, incarnée par Abigail Breslin, elle aussi d'une imparable justesse de ton dans sa façon terriblement douloureuse de supporter sa souffrance et la dégradation progressive de son corps, avec autant de bravoure que de désespoir profondément humain.

 

Ce qui est également admirable dans cette œuvre contemplative, c'est la place considérable qu'elle laisse à la profondeur humaine de ses personnages. Maggie est en prime envoûtant d'un point de vue visuel, notamment grâce à sa photographie grège, presque désaturée, qui retranscrit à merveille ce sentiment de désolation et de désenchantement permanent. Tout semble comme vidé de ses couleurs, de ses certitudes et de ses espoirs, à l'image de personnages qui affrontent leur parcours moral avec un naturel étonnamment dépouillé.

La musique de David Wingo accompagne admirablement cette atmosphère, avec ses nappes tranquilles, mélancoliques et désolées, toujours utilisées dans une juste mesure. Elle ne cherche jamais à surcharger l'émotion (jamais programmée), mais s'évertue au contraire à instiller cette mélancolie existentielle qui imprègne le récit du début à la fin. Une mélancolie profondément humaine, presque silencieuse, qui donne au film son climat intime si particulier.

 

 
C'est là que l'on mesure toute l'habileté, l'intelligence et la nuance de Henry Hobson : ne jamais surcharger cette émotion terriblement amère, funeste et désabusée qu'éprouvent communément un père et sa fille, et lui préférer une approche psychologique torturée, pudique et bouleversante.

Ainsi donc, Maggie est une épreuve de force morale, une descente aux enfers cérébrale mise en scène avec tact et pudeur, sans jamais sombrer ni dans une sensibilité sirupeuse ni dans la sinistrose évitée de justesse. Le film est également magnétique vis-à-vis de son contexte surnaturel, auquel on croit sans rougir, puisque l'on croit ce que l'on voit. Et même si les séquences choc sont peu nombreuses, on demeure constamment alarmé et inquiet, appréhendant cette contamination mondiale par l'entremise d'une innocence molestée de plein fouet. Des adolescents et de jeunes adultes livrés au plus cruel des châtiments: leur prise de conscience de périr à petit feu avant de basculer dans la condition surnaturelle du non-mort.

 

La séquence finale est à l'image de ce tragique poème existentiel. Elle referme ce chapitre de la mort, ce requiem de la solitude, de manière suggérée, offrant une émotion aussi bouleversante qu'amère, mais également apaisante et quelque part bienveillante, sans trop en dévoiler.

On sort en tout cas de la projo de Maggie le cœur terriblement serré, les larmes aux yeux, tout en se relevant de cette terrible épreuve avec une dignité humaine, adulte et courageuse.
Profondément mélancolique et évanescent, Maggie confond son récit de zombies en une poignante méditation sur l'amour filial, la perte et l'acceptation de l'inéluctable.

 

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13.08.26. 12.05.15 

Contracted, phase 2 de Josh Forbes. 2015. U.S.A. 1h18.

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Contracted: Phase II : une séquelle répulsive qui remplit parfaitement son contrat d'exploitation
 

Découverte hier soir de Contracted: Phase II, réalisé par Josh Forbes en 2015, soit deux ans après le premier Contracted d'Eric England (https://brunomatei.blogspot.com/2021/04/contracted.html). Changement de réalisateur, mais également de point de vue puisque, contrairement au premier opus centré sur une victime féminine, cette séquelle suit Riley, un jeune homme désormais confronté à son tour aux ravages de cette mystérieuse contamination.

Interprété par Matt Mercer, qui ne livre certes pas une performance mémorable, mais dont le physique lisse se prête parfaitement à la progressive putréfaction corporelle de son personnage, Riley devient surtout le nouveau cobaye d'un cinéma d'exploitation aussi répulsif que viscéral. Et c'est pour notre plus grand bonheur masochiste. 

 

Car c'est évidemment là que réside tout l'intérêt de Contracted: Phase II : dans cette dégradation physique particulièrement crue, soutenue par des effets spéciaux convaincants (bien que parfois mal montés) et suffisamment réalistes pour provoquer quelques hauts-le-cœur chez les spectateurs les plus sensibles. Le film ne cherche d'ailleurs jamais à s'embarrasser de fioritures : à peine plus d'une heure douze minutes, hors générique, un rythme soutenu et des séquences qui s'enchaînent à cadence métronomique.

On pourra peut-être chipoter que cette suite soit un peu moins marquante que son modèle et qu'elle privilégie davantage l'exploitation pure au détriment de la dimension psychologique du premier film auquel on éprouvait peut-être aussi plus d'empathie pour la victime féminine. Mais force est de reconnaître que Josh Forbes remplit parfaitement son cahier des charges : Contracted: Phase II est court, efficace, répulsif et ne laisse guère le temps de s'ennuyer.

 

 

Un plaisir innocent sans prétention, qui assume pleinement son horreur corporelle et ses visions dégueulasses pour mieux nous fasciner autant qu'elles nous révulsent.
Moins fort et moins marquant que son modèle, mais suffisamment divertissant et viscéral pour laisser, lui aussi, une trace indélébile dans l'encéphale.

Que demander de plus ?

 

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Lunettes Noires / Occhiali neri de Dario Argento. 2022. France/Italie. 1h26.

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Lunettes noires : le crépuscule fragile et émouvant du maestro Dario Argento.

Révision du dernier film de Dario Argento, Lunettes noires, réalisé en 2022, soit dix ans après Dracula 3D, de triste mémoire. Or, à la revoyure, je pense très honnêtement qu'il s'agit de son meilleur film depuis Le Syndrome de Stendhal et Le Sang des innocents.
Si bien que j'ai été surtout surpris par l'émotion, une fois n'est pas coutume, qui se dégage de son œuvre, certes modeste, mais étonnamment attachante.

Sans chercher à renouer avec l'ambition et la virtuosité de ses débuts, Dario Argento semble ici privilégier quelque chose de beaucoup plus dépouillé, plus humain, quasi fragile. Le maestro reste ici particulièrement attentif à la psychologie de ses personnages, notamment à travers Diana, une jeune escort-girl qui perd la vue à la suite du terrible accident provoqué par le serial killer. Dans ce même carambolage, elle rencontre Chin, un jeune garçon dont les parents viennent de périr.

 

De cette tragédie naît alors une relation improvisée et singulière entre cette jeune femme devenue aveugle et cet enfant chinois désormais orphelin. Et c'est probablement ce qui m'a le plus surpris dans Lunettes noires : la tendresse évidente avec laquelle Argento filme leur rapprochement.

Le cinéaste délaisse donc progressivement le mode opératoire du thriller pour se focaliser sur cette relation humaine, notamment dans la seconde partie du film, qui prend parfois les contours d'un véritable conte de fées noir. Lorsque Diana et Chin se retrouvent reclus dans une forêt ténébreuse (si bien éclairée !), traqués par le serial killer, une autre menace (dont je tairais le détail) vient encore accentuer leur vulnérabilité en guise de métaphore. Argento filme alors leur errance nocturne comme une sorte de conte cruel, avec son ogre des bois lancé sur leurs traces.

 

Et derrière cette traque criminelle, on sent qu'il se dessine quelque chose de plus intime : une histoire de solitude, de désir de maternité et de réparation affective. Diana, qui a toujours vécu dans une forme de solitude et qui n'a jamais été mère, développe progressivement avec Chin un lien qui dépasse la simple nécessité de survivre. Une forme de rédemption semble alors se dessiner au fil de cette traque, entre cette femme qui a offert son corps à des inconnus et ce jeune orphelin qui l'épaule après avoir perdu sa mère pour en adopter une autre.

Lunettes noires parle ainsi autant de solitude et de maternité symbolique que de thriller horrifique, efficacement mené et émaillé de fulgurances gore particulièrement sanglantes (surtout la splendide première séquence faisant écho à l'éclipse liminaire). Le film possède également une identité visuelle singulière, avec cette photographie dominée par les contrastes de rouge et de noir, magnifiée par le cinémascope. Une esthétique sensuelle, rutilante et fascinante qui rappelle évidemment le cinéma d'Argento sans pour autant singer les fulgurances de son âge d'or.

 

Car c'est précisément là que réside, à mes yeux, l'intérêt de cette œuvre tardive : Argento ne cherche plus à reproduire le grand spectacle baroque de Suspiria, Ténèbres ou Les Frissons de l'angoisse. Il sait que c'est infaisable, qu'il ne peut pas dépasser cette forme de perfection radicale. Il en conserve certaines réminiscences, certes, mais les inscrit dans une approche beaucoup plus contemporaine, dépouillée et surtout intime et personnelle.

Et cette humanité inopinée se retrouve également dans l'importance accordée à l'animal. Le chien occupe une véritable place affective dans le récit et participe pleinement à cette dimension tendre et inattendue conféré au film. La séquence finale à l'aéroport en constitue d'ailleurs l'un des moments les plus émouvants, sans jamais tomber dans une sensiblerie facile.

 

Même lorsque le film retrouve sa violence, parfois extrêmement graphique, Argento conserve cette étrange douceur qui traverse son récit. C'est précisément ce contraste entre la brutalité du thriller et la tendresse des rapports qui rend Lunettes noires aussi attachant et plein de charme à mes yeux.

Du côté de l'interprétation, Ilenia Pastorelli s'en sort plutôt bien dans un registre sobre, débarrassé d'artifice et de cabotinage. Elle compose une Diana vulnérable mais jamais passive, dont la cécité devient autant un handicap qu'un moyen pour Argento de découvrir un nouveau monde visuel. Le jeune Andrea Zhang, dans le rôle de Chin, lui donne une réplique également convaincante par son jeu plus introverti et timoré, mais néanmoins expressif afin de pouvoir s'attacher à lui.

 

Il faut également souligner la grande qualité de la bande originale d'Arnaud Rebotini. Sa partition électro-techno, entêtante et entraînante, accompagne les séquences les plus stylisées avec une énergie contemporaine. Elle peut parfois rappeler, par ses pulsations et son utilisation de la musique électronique, certaines grandes expérimentations sonores du cinéma d'Argento (Ténèbres en tête ou encore Phenomena), tout en proposant une approche résolument moderne. Le projet avait d'ailleurs été initialement associé à Daft Punk avant que le duo ne se sépare.

Sur le plan auditif comme visuel, Lunettes noires demeure donc franchement percutant, impliqué, ambitieux, même s'il ne cherche jamais à retrouver exactement les fulgurances de la grande époque.

 

Alors, Lunettes noires est-il le véritable retour de Dario Argento ? Non, probablement pas. Mais c'est bel et bien, à mes yeux, le retour du maestro. Le retour d'un cinéaste qui, dans ce petit film modeste, retrouve quelque chose de profondément attachant, tendre et étonnamment émouvant, tout en nous procurant les frissons escomptés à travers ses scènes ultra-sanglantes, ses éclairs de violence stylisée et un suspense efficacement mené, sans véritable temps mort.

Mais ce que je retiendrai surtout de cette revoyure, c'est cette émotion à la fois mélancolique et fragile qui se dégage de la pellicule. Comme si Lunettes noires nous rappelait que Dario Argento, alors octogénaire au moment de sa réalisation, est toujours là : toujours vivant, toujours passionné, toujours désireux de faire du cinéma, même s'il n'a plus la virtuosité ni les fulgurances formelles de ses débuts.

 

Et c'est justement cette fragilité qui rend le film si émouvant.
Car Lunettes noires ne vaut pas seulement pour son histoire fictive, son serial killer, ses scènes sanglantes ou ses quelques éclairs de mise en scène. Il reflète aussi, indirectement, l'état d'esprit d'un cinéaste confronté au passage du temps, mais qui refuse de renoncer à sa passion, même si sa fille Asia en est l'influenceuse.

Et finalement, c'est peut-être cette imperfection même qui rend Lunettes noires aussi beau, aussi touchant et aussi marquant. Car il laisse une trace luminescente au coeur de sa mélancolie cinéphilique.

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Le Retour de Martin Guerre de Daniel Vigne. 1982. France. 1h52.

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Le Retour de Martin Guerre : une histoire d'amour sincère placée sous le signe du doute.

Il n'est jamais trop tard pour découvrir un grand film. J'ai donc découvert hier soir Le Retour de Martin Guerre, réalisé par Daniel Vigne en 1982, sur les recommandations de mon ami Jean-Marc Micciche. Une très belle découverte que ce remarquable drame historique inspiré de la véritable affaire Martin Guerre, survenue au XVIᵉ siècle.

Après neuf années d'absence, Martin Guerre réapparaît dans son village natal. Mais est-il réellement celui qu'il prétend être, ou un imposteur ayant usurpé son identité ? C'est là toute la force du film : Daniel Vigne entretient un suspense latent et de plus en plus tendu, notamment lors des séquences du passionnant procès, au point que le doute finit par gagner le spectateur lui-même avant le couperet final.

 

 
Il faut d'abord saluer l'incroyable reconstitution du XVIᵉ siècle, réalisée avec des moyens pourtant extrêmement minimalistes. Costumes, chaumières, paysages boueux, gestes du quotidien, paysans hyper charismatiques affublés de tâche de terre sur les vêtements : tout est réuni pour nous faire effectuer un véritable bond dans le temps. Le réalisme est si documenté, sans une once de fioriture, que l'on a véritablement le sentiment de pénétrer dans ce monde rural.

Mais le film, soigneusement raconté, doit également énormément à son formidable duo d'acteurs d'une jeunesse éternelle de par la magie du cinéma. Gérard Depardieu est magistral, jouant avec une justesse imparable sur l'ambiguïté de son identité et une force de persuasion qui nous laisse constamment dans le doute. Il magnétise l'écran sans l'ombre d'une prétention en dépit de sa spontanéité verbale tant affirmée. Plus belle que jamais dans sa douceur de miel qu'elle suggère dans le non-dit, Nathalie Baye lui tient admirablement tête dans le rôle de Bertrande, femme taiseuse à la fois candide, sensible et d'une grande beauté naturelle à faire fondre les coeurs, dont la tendresse envers celui qu'elle croit être son époux rend la situation encore plus troublante.

 

 
À eux deux, ils forment un couple vibrant mais ambigu, dont la relation évolue progressivement vers une véritable histoire d'amour, que l'on ne voit pas vraiment venir. Et c'est là que Le Retour de Martin Guerre dépasse le standard du drame historique pour devenir une réflexion passionnante sur l'amour, les liens du mariage, l'abandon et les choix qui peuvent bouleverser une existence bâti sur le simulacre.

Car derrière cette incroyable histoire d'imposture se dessine une interrogation qui nous parle à tous et à toutes : peut-on réellement retrouver une vie conjugale après neuf années d'absence ? Les sentiments peuvent-ils survivre au temps par rapport à la négligence et au détachement ? Et surtout, que se passe-t-il lorsque l'on comprend enfin notre échec alors qu'il est déjà trop tard pour revenir en arrière ?

C'est cette notion d'irréversibilité, renforcée par la justice implacable de l'époque et la question (oh combien actuelle !) de la peine de mort, qui confère au film toute sa dimension tragique.

  

 
Le Retour de Martin Guerre demeure donc un fabuleux récit romanesque, torturé, passionnel, sciemment confus dans les échanges verbaux et frappé d'amertume, porté par un duo Gérard Depardieu-Nathalie Baye magistral. Une œuvre forte, dense, ambiguë et surtout profondément humaine, que Daniel Vigne imprime sur pellicule avec souci du détail historique dans sa reconstitution plus vraie que nature du 16è siècle au fin fond de la France rurale. 

 

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Plague Town de David Gregory. 2008. U.S.A. 1h20.

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Plague Town : une petite série B perfectible injustement boudée.

Révision de Plague Town, réalisée par David Gregory en 2008, un direct-to-DVD relativement passé inaperçu et très mal noté par la presse (même si promu par Mad Movies). Or, j'avoue avoir à nouveau pris beaucoup de plaisir devant ce film d'horreur d'une grande violence.

C'est d'ailleurs sa principale qualité : miser sur des scènes gores d'une grande cruauté, notamment celle où une victime se fait fracasser la tête à coups d'enjoliveur de voiture. Une séquence franchement pénible à regarder. Plusieurs scènes gores poisseuses particulièrement faisandées se révèlent d'ailleurs également réussies par leur brutalité tranchée.

Car Plague Town cumule les maladresses à n'en plus finir: jeu d'acteurs parfois amateuriste, montage approximatif qui rend certaines scènes illisibles et réalisation qui manque indubitablement de maîtrise. MAIS son intérêt se situe ailleurs. Dans son atmosphère nocturne, malsaine et malaisante, au cœur d'une région boisée et reculée d'Irlande où une étrange communauté paysanne, aux visages difformes, traque les touristes égarés afin de les massacrer avec toutes sortes d'armes improvisées.

Photo désaturée, musique inquiétante, décors isolés et personnages patibulaires apparentés à des zombies contribuent à nous immerger dans une sorte de cauchemar éveillé. Les enfants, affublés de masques pour dissimuler leurs difformités, renforcent encore cette imagerie dérangeante aux origines consanguines (sans connaître tous les tenants et aboutissants de leurs mobiles, ce qui n'est pas plus mal).

Cette bisserie - heureusement - bricolée avec amour possède donc un charme horrifique certain, oscillant entre angoisse latente et diffuse, violence graphique révoltante et folk horror sur un rythme toujours plus trépidant. Hormis des personnages parfois irritants (principalement deux jeunes machistes et une relation père / fille totalement invraisemblable) et une première partie qui pourra sembler un peu longue auprès d'une frange du public non initié au genre bisseux, le jeu de cache-cache avec la menace meurtrière m'a personnellement captivé, précisément grâce à l'étrangeté de cette atmosphère de bout du monde parmi ces visages apatrides aux allures de fantômes lépreux.

Avec sa courte durée (1h20) et son ton méchamment sardonique, Plague Tow est un survival onirique imparfait mais attachant et envoûtant, dont les nombreuses scories n'empêchent nullement l'efficacité horrifique davantage en roue libre. Un petit divertissement sans prétention que j'ai pris beaucoup de plaisir à revoir.

P.S: A réserver cependant aux amateurs éclairés.

— Celui du cœur noir des images 🖤

13.07.10

10.08.26.

Le Hussard sur le toit de Jean-Paul Rappeneau. 1995. France. 2h09.

                (Crédit photo : image trouvée via google, provenant du site imdb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives)

Le Hussard sur le toit : un magnifique souffle romanesque pour autant noble et contenu. 

Découverte aujourd'hui, 31 ans après sa sortie - grâce à Jean-Marc Micciche - du film d'aventure de Jean-Paul Rappeneau, Le Hussard sur le toit, réalisé en 1995 et adapté du roman homonyme de Jean Giono. Le film ne m'avait jamais vraiment attiré, tant par son récit historique que par son casting, puisque je ne suis pas particulièrement fervent d'Olivier Martinez, de Pierre Arditi ou même de Juliette Binoche, à quelques exceptions. Or, c'est bien connu, seuls les imbéciles ne changent jamais d'avis. Car après avoir vécu ces 2h09 d'aventure, je ne peux que me rendre à l'évidence : j'ai eu tort de ne pas le découvrir bien plus tôt.

Car il s'agit d'un superbe récit d'aventure romanesque mettant en scène Angelo Pardi, un jeune aristocrate italien de 25 ans qui fuit son pays à la suite de la conquête autrichienne et gagne le sud de la France en 1832, alors qu'une terrible épidémie de choléra ravage la région. Au cours de son périple, il rencontre Pauline, qui tente de rejoindre son château situé au nord de Gap, où se trouve probablement son époux, Laurent. Tous deux vont alors nouer une relation amicale qui évoluera peu à peu vers des sentiments plus profonds, en dépit de l'engagement marital de Pauline.

Et c'est justement cette relation que l'on ne voit pas arriver qui constitue l'une des grandes réussites du film. Car Jean-Paul Rappeneau refuse obstinément de sombrer dans une romance facile ou sirupeuse. D'ailleurs, le jeu d'Olivier Martinez et de Juliette Binoche est suffisamment nuancé pour que l'on s'interroge longtemps sur la nature véritable de leurs sentiments, avant que ceux-ci ne deviennent progressivement plus évidents au fil des événements. Ici, la pudeur, la subtilité, le non-dit et la modération priment sur les bons sentiments. Pour les réfractaires aux romances nunuches, Le Hussard sur le toit est donc complètement à contre-emploi.

Or, cette relation amicale et amoureuse, particulièrement intense tout en demeurant d'une grande délicatesse, s'inscrit dans un contexte sanitaire particulièrement dramatique. Jean-Paul Rappeneau profite en effet de l'épidémie de choléra pour souligner les comportements contradictoires d'une population confrontée à la peur de mourir. Certains sont paralysés par la terreur, tandis que d'autres, comme Angelo, font preuve d'une bravoure parfois proche de l'inconscience afin de sauver des vies et de tenter eux-mêmes d'échapper à cette maladie particulièrement douloureuse.

L'épidémie traverse ainsi tout le récit en instillant un climat macabre étonnamment palpable. Là encore, Jean-Paul Rappeneau apporte un soin scrupuleux à sa mise en scène pour montrer l'horreur du choléra, notamment à travers les visages décharnés et les cadavres parcheminés qui parsèment le parcours des protagonistes. Le film parvient alors à créer un contraste saisissant entre la beauté des paysages provençaux (à tomber fou amoureux !) et la présence omniprésente de la maladie fétide et de la mort. Un monde magnifique traversé par la peur, l'agonie et le désespoir.

Ce qui est également frappant, c'est la mise en scène de Jean-Paul Rappeneau. Pour une œuvre d'une telle ampleur (le film est à l'époque le plus cher du cinéma français avec son budget de 26.8 millions d'euros), le cinéaste fait preuve d'une maîtrise minutieuse, multipliant les panoramiques majestueux et les cadrages précis. Son utilisation du Cinémascope renforce un souffle épique, tandis que les décors naturels sont filmés avec autant d'amour que d'ambition picturale.

Mais cette élégance se retrouve à tous les niveaux. Dans la gestuelle des protagonistes, les décors, les costumes, la photo et surtout ces paysages naturels ensorcelants. 

On peut donc applaudir la beauté gracile, la complémentarité surprenante entre Juliette Binoche et Olivier Martinez. Pauline est une jeune femme affirmée, franche et déterminée, tandis qu'Angelo se montre davantage caractériel, susceptible et fougueux. Leur jeu, à la fois spontané et remarquablement nuancé, permet à leur relation de s'installer naturellement sans jamais sombrer dans la démonstration de force ou l'excès sentimental. Ils crèvent l'écran, tout en conservant cette surprenante retenue (une fois n'est pas coutume) qui fait la beauté de leur couple à l'écran.

Les seconds rôles ne sont d'ailleurs pas en reste, avec notamment François Cluzet, Jean Yanne, Pierre Arditi, Isabelle Carré et Gérard Depardieu, qui contribuent tous à donner une forte présence à cette fresque historique. La musique de Jean-Claude Petit magnifie l'ensemble avec un score ambitieux, ample, mais toujours nuancé et d'une rare élégance.

Le Hussard sur le toit est donc une très belle découverte. Je n'avais jamais ressenti l'envie de découvrir cette œuvre, et j'en sors finalement heureux et ému d'avoir dépassé mes propres préjugés. Le final, concis, d'une émotion prude,  laisse d'autant plus des traces par son interrogation morale. 

Et surtout, une preuve supplémentaire qu'il ne faut jamais condamner un film avant de l'avoir découvert. A condition notamment de savoir changer de regard au rythme de notre cheminement cinéphile.

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Le Dernier Refuge / The Last House de Louis Leterrier. 2026. 1h52. U.S.A/Angleterre/France

(Crédit photo : image trouvée via google, provenant du site imdb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives)
  

Le Dernier Refuge : une étonnante surprise.

Hier soir, découverte du Dernier Refuge, le nouveau film de Louis Leterrier, réalisateur français dont j'ai toujours eu un rapport compliqué à travers des métrages bankable qui ne me parlent pas vraiment. Or, depuis son expérience télévisuelle, j'avais été bluffé par Dark Crystal : Le Temps de la résistance, prouesse technique factuelle, en prime d'être une œuvre d'une féerie extrêmement ambitieuse, immersive et expressive.

 

 

Avec Le Dernier Refuge, Louis Leterrier me réconcilie à nouveau avec lui, tant cette petite série B nullement prétentieuse (un de ses défauts dans sa filmo inégale) constitue une belle surprise à travers un concept aussi fou qu'original : celui d'un huis-clos domestique auquel toute une famille se retrouve piégée à l'intérieur même de son propre cocon. Durant près d'1 h50, nous allons ainsi suivre leur tentative de survie avec une attention constante, à travers leurs rapports familiaux, mais aussi et surtout leur désir et leur instinct de s'extirper de la déchéance, le film nous offrant finalement une véritable leçon de survie, pour ne pas dire un manuel à retenir à la lettre.

Car cette famille va devoir faire preuve d'astuces, de stratégies et de solidarité pour éviter de trépasser au sein d'une demeure devenue progressivement de plus en plus sclérosée, notamment en raison de la temporalité de leur enfermement, dont je tairai les détails. Car là aussi il s'agit d'un détail narratif aussi surprenant que bienvenu. 

 

 
Les personnages auraient peut-être pu être davantage attachants, particulièrement le jeu de Anna que j'ai trouvé un peu froid, la mère de famille endossée par Greta Lee. Mais Louis Leterrier mise sur la sobriété et cela fonctionne plutôt bien puisque, inévitablement et assez rapidement, nous parvenons à nous attacher à eux au fil de leur évolution morale anti-conventionnelle (j'y reviens plus tard).
Une preuve supplémentaire que le réalisateur ne mise pas sur une émotion facile ou démonstrative, privilégiant au contraire la débrouillardise, l'optimisme, la solidarité et la discussion pour tenter de trouver une issue de secours à ce piège domestique où la pluie coule souvent à flot de l'extérieur.

C'est une gageure que de tenter de retenir l'attention durant 1h50 en observant ces quatre membres reclus dans leur geôle, alors que leur évolution morale, mais aussi physique (notamment auprès du fils aîné), pourrait les mener vers une issue dramatique. Or, derrière le prétexte d'enfermer toute cette famille dans sa propre maison, j'ai soupçonné une métaphore de l'après-Covid. Le film semble interroger notre capacité, ou plutôt notre NOUVELLE FACILITE à nous adapter à l'enfermement, mais aussi notre tendance au repli sur soi et à l'isolement afin d'éviter toute menace extérieure.

 

Il y a donc probablement, derrière ce divertissement fantastique exubérant, un discours sociétal assez actuel sur une époque communautaire où l'on tend parfois à se replier sur soi-même et à éviter de communiquer avec l'autre, notamment avec celui que l'on ne connaît pas et qui nous parait menaçant par son absence de communication.

Et c'est également là que le film se montre particulièrement surprenant, puisque Louis Leterrier ne nous mène pas forcément là où nous pouvions le penser, si je me réfère à l'identité de la menace. La seconde partie, plus nerveuse, génère ainsi plusieurs séquences aussi surprenantes que spectaculaires, en exploitant admirablement les différents espaces de la demeure, jusqu'au sous-sol, sans vouloir déflorer les éléments importants du récit.

 

 
Le Dernier Refuge est donc une étonnante surprise qui, sans laisser de souvenirs impérissables, demeure suffisamment adroit, original et intelligent pour y replonger une fois prochaine. À travers cette famille confrontée à une situation extrême, le film traite des valeurs familiales, ici mises à rude épreuve par une véritable leçon de survie. Une résilience plus stoïque donc (depuis l'après-covid) à transcender ses peurs dans un désir inné de préserver les siens par l'audace et la bravoure.

 

Le Dernier Refuge donne ainsi matière à réfléchir sur notre isolement qu'on a trop tendance à accepter, plus que jamais actuel, et sur notre difficulté à communiquer avec l'autre, notamment avec l'étranger. Louis Leterrier se permet même, en fin de parcours, d'y développer un discours pacifiste (même si le message pourrait paraître naïf à travers ses bons sentiments chers à Spielberg): si nous étions capables de mieux contenir notre haine et notre instinct punitif, peut-être pourrions-nous changer le cours des choses et envisager un avenir meilleur, moins belliqueux.

 

 
P.S. : Mention spéciale à l'affiche du film, aussi surprenante qu'originale, avec cette main qui surgit à travers le toit de la cheminée. Une image particulièrement intrigante, d'autant plus réussie qu'elle n'est absolument pas mensongère. Une affiche qui, une fois n'est pas coutume, ne se contente donc pas de vendre du rêve au spectateur ! Il le produit par la magie de Netflix. 

 

— Celui du cœur noir des images 🖤