LE DEMON DANS L'ILE. Prix du Suspense, Avoriaz 83.

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Francis Leroy. 1983. France. 1h39. Avec Jean-Claude Brialy, Anny Duperey, Gabriel Cattand, Pierre Santini, Cerise, Janine Magnan.

Sortie salles France: 30 Mars 1983

FILMOGRAPHIE PARTIELLE (le monsieur ayant tourné une quarantaine de films X): Francis Leroi est un cinéaste français, né le 5 septembre 1942 à Paris, décédé le 21 mars 2002 à l’île Maurice. 1968 : La Poupée rouge. 1969 : Ciné-Girl. 1972 : La Michetonneuse. 1982 : Le Démon dans l’île.

Quelle bien étrange curiosité que ce Démon dans l'île portant la signature de Francis Leroy,  (réalisateur entre autre de films X) et incarné par nos illustres acteurs Jean-Claude Brialy, Anny Duperey. Débarquée sur une île bretonne afin d'oublier la disparition tragique de son époux et de son fils, Gabrielle Martin est témoin d'incidents domestiques inexpliqués. Les citadins étant victimes de leurs appareils ménagers potentiellement défectueux. Son enquête l'amène à fréquenter l'étrange et solitaire docteur Paul Henry Marshall. Série B française correctement menée et réalisée, le Démon dans l'île possède l'indéniable efficacité de nous proposer des séquences chocs redoutablement impressionnantes par leur impact horrifique à la fois spectaculaire, inventif, gore et viscéral.

De par la diversité des ustensiles utilisés (couteau électrique, four, ours en peluche, téléviseur, rasoir), les scènes chocs se succèdent habilement sans jamais nous lasser, et ce en dépit de leur aspect itératif. Et donc sur ce point, le film s'avère une franche réussite, tant auprès des FX simples mais relativement soignés, que de l'instauration d'un suspense tendu quant à l'éventuelle sort de la victime manipulant insouciamment l'appareil domestique. Francis Leroy jouant notamment avec un suspense sardonique lorsque 2 ou 3 protagonistes réunis dans la même maison pourraient faire les frais de l'appareil diabolique qu'ils manipulent indépendamment dans une pièce distincte ! Quant aux tenants et aboutissants de l'intrigue assez nébuleuse, à mi chemin entre la parodie involontaire et la sobriété la plus louable, on reste autant surpris qu'interloqués à traiter du thème de la télékinésie avec une certaine ambiguïté. Pour autant, grâce au jeu très convaincant d'Anny Duperey en investigatrice pugnace et au dynamisme du rythme (rehaussée d'un climat insulaire sensiblement envoûtant), on suit son trajet avec autant d'appréhension que de soif de vérité à percer le mystère qui entoure l'île hantée d'un secret infantile éhonté. On n'en dira pas tant de la prestance un peu trop rigide de Jean-Claude Brialy en manipulateur ésotérique trop altier pour être convaincant.

Récompensé du Prix du Suspense à Avoriaz, du Prix d'interprétation féminine pour Anny Duperey et des Meilleurs Effets spéciaux à Fantasporto, Le Démon dans l'île dilue une aura d'étrangeté toute particulière à travers la personnalité intègre de Francis Leroy s'efforçant scrupuleusement de nous distraire dans un jeu de peur irrationnel aussi troublant et poétique qu'hermétique d'une certaine manière. L'intrigue elliptique cédant un peu à la facilité, aux chemins de traverse finalement à travers l'exploitation d'un cerveau surdimensionné. A découvrir en tous cas avec intérêt, notamment auprès de sa nationalité française plutôt frileuse avec le genre Fantastique. 

* Bruno
2èx

FLAGELLATIONS

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Pete Walker. 1974. Angleterre. 1h42. Avec Barbara Markham, Penny Irving, Robert Tayman, Patrick Barr, Ray Brooks

Sortie salles France: 4 Janvier 1984. Angleterre: 19 Avril 1974

FILMOGRAPHIE: Pete Walker est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né en 1939 à Brighton. 1968: l'Ecole du sexe, For men only, 1970: Cool, c'est Carol, 1971: Man of violence, Die Screaming, Marianne, 1972: Quatre dimensions de Greta, le Théâtre de l'angoisse, 1973: Tiffany Jones, 1974: Flagellations, Frightmare, 1976: The Confessionnal, Schizo, 1978: Hallucinations, 1979: Home Before Midnight, 1983: House of the long shadows.

Si l'idée de départ était plutôt alléchante sur le papier (anciens dirigeants d'une prison, un groupe de retraités rigoristes kidnappent des jeunes filles dans leur maison de correction pour les expier de leurs pêchers), Flagellations ne dépasse pas le stade du sympathique divertissement de par son intrigue redondante éludée de surprises. Et ce même si sa cruelle dramaturgie peut parfois agréablement surprendre dans son refus de concession. Incarnés par des comédiens tout juste convaincants et réalisé avec  l'attachante maladresse qu'on lui connait, Pete Walker exploite passablement son sujet, notamment auprès de la caractérisation de ces personnages tantôt trop équivoques ou versatiles (le fils de la matriarche - incarné par Robert Tayman - ne sait pas vraiment sur quel pied danser dans sa position contradictoire de kidnappeur clément). Pour autant, et sans doute avec indulgence, la farce gentiment horrifique se gaussant du fondamentalisme et des chartes archaïques de la juridiction se laisse suivre sans ennui à défaut de lui tolérer un second visionnage. On a en tous cas connu Pete Walker plus fou, audacieux et inspiré avec Frightmare, Hallucinations et surtout Mortelles Confessions (son oeuvre la plus aboutie et convaincante).

* Bruno

MANIAC

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site marvelll.fr

de Franck Khalfoun. 2012. France/U.S.A. 1h30. Avec Elijah Wood, Nora Arnezeder, Liane Balaban, America Olivo, Joshua De La Garza.

Sortie salles France: 2 Janvier 2013

FILMOGRAPHIE: Franck Khalfoun est un réalisateur, scénariste, acteur et monteur américain
2007: 2è Sous-sol. 2009: Engrenage Mortel (Wrong Turn at Tahoe). 2012: Maniac

Discrédité avant même l'entreprise de sa réalisation puisque estampillé remake bancable d'après un chef-d'oeuvre traumatisant, Maniac, nouvelle mouture, prenait également le risque d'attribuer son rôle titre à un illustre acteur au minois infantile. Un choix particulièrement couillu qui laissait craindre le pire, d'autant plus que son réalisateur novice était déjà responsable de deux manufactures conventionnelles. Produit par William Lustig en personne, épaulé des français Aja et Levasseur  (notamment crédités au scénario), cette déclinaison autrement sophistiquée adopte l'intelligence de ne pas vulgairement copier-coller son modèle cradingue. Ainsi, filmé entièrement en caméra subjective du point de vue du tueur, Maniac version 2012 est une nouvelle descente aux enfers dans les bas-fonds de Los Angeles qu'un tueur psychopathe s'entreprend de nettoyer auprès d'une gente féminine aguicheuse. Dès le prologue, l'ambiance anxiogène et crépusculaire d'un New-York insalubre nous est illustrée avec un réalisme cafardeux (badauds désoeuvrés se mêlent à la foule cosmopolite arpentant des trottoirs inondés de déchets où s'entremêlent par endroits 2/3 tentes de fortune). A l'image prophétique du premier crime prémédité aussi réaliste que concis et radical. Et donc à travers cette séquence choc dérangeante, on sent que Maniac ne sera pas une partie de plaisir ludique à travers son intensité dramatique abrupte. 

La cruauté du meurtre et l'impuissance à laquelle la victime ne puisse exprimer la moindre clameur nous saisissant de stupeur ! La bonne nouvelle c'est qu'ensuite l'errance quotidienne du maniac dans les rues nocturnes restera une dérive introspective jalonnée d'estocades aussi terrifiantes qu'éprouvantes. Car durant son cheminement meurtrier, le spectateur est forcément contraint de s'identifier instinctivement à son existence sordide grâce à l'agilité d'une caméra subjective en interne du sujet ! L'effet d'immersion est immédiat mais surtout il dérange, incommode, asphyxie son public pris en otage par ses pensées déficientes, ses visions horrifiées de mannequins ensanglantés blottis dans une chambre tamisée et surtout ses crimes crapuleux lâchement perpétrés avec violence acérée ! Autant avouer qu'avec cette nouvelle mouture, l'effet de submersion sensorielle est beaucoup plus prégnant qu'auprès de son modèle initial. A contrario, on est loin du traumatisme imposé par le climat poisseux de Lustig et du jeu transi d'émoi de Joe Spinell ! Néanmoins, certaines séquences gores percutantes ont de quoi retourner les estomacs les plus fragiles, mais surtout sa sauvagerie cuisante qui en découle effleure parfois l'insupportable (le meurtre à coups de poignard d'une prostituée réfugiée dans un parking est franchement pénible à endurer !).

Magnifiquement photographié dans un New-York aussi documenté que stylisé (notamment le décor baroque du métro), on peut saluer la maîtrise de sa mise en scène expérimentale (le jeu de miroirs judicieux pour entrevoir le visage du tueur) ou affinée (certaines séquences stylisées surprennent par son esthétisme poétique d'autant plus épurée de couleurs limpides), et la manière habile dont le réalisateur exploite son potentiel de terreur face aux exactions du maniac profondément esseulé. A ce titre, le point d'orgue jusqu'au-boutiste s'avère un moment d'anthologie particulièrement éprouvant lors de la traque de la dernière victime en instance de survie. Et le gore paroxystique d'atteindre son apogée dans un épilogue aussi bestial et grand-guignol que son ancêtre. Pour parachever, nos scénaristes ont eu la bonne idée d'insister sur l'idylle entre Franck et une photographe de mode. En l'occurrence, l'empathie accordée à ce dernier s'avère beaucoup plus persuasive si bien qu'une réelle compassion lui est finalement tolérée auprès du spectateur. Le réalisateur prenant bien soin d'illustrer sa psyché torturée à travers une réminiscence infantile résultant des exactions sexuelles de sa mégère. Et donc à travers ses victimes sauvagement sacrifiées, c'est sa mère qu'il désire châtier sans jamais pouvoir refréner ses pulsions de haine et de rancoeur et se réconforter auprès d'une liaison amoureuse ! En résulte une ambiance de nonchalance pétrie de mélancolie que la pellicule imprègne en permanence, amplifiée d'une bande-son mélodieuse infiniment fragile, et ce afin de rendre compte de la solitude existentielle du tueur noyé de tristesse morale. Un parti-pris idoine donc afin de mettre en exergue la romance fébrile des deux protagonistes esseulés tout en auscultant en arrière plan psychologique le passé sordide du tueur misogyne, victime malgré lui d'une enfance galvaudée car sévèrement traumatisé par une sexualité maternelle débauchée.

Elégie morbide. 
Résolument terrifiant, glaçant, glauque et malsain de par son immersion expérimentale (même si à 100 lieux du chef-d'oeuvre initial), mais surtout sauvage, cruel et déprimant au gré d'une intensité mélancolique très dérangeante, Maniac s'offre la dextérité de se démarquer de son modèle en insistant sur la déchéance mentale du tueur pathétique livré à une insurmontable solitude. Et si au premier abord Elijah Wood avait de quoi laisser dubitatif pour émuler le jeu maladif de Joe Spinell, il parvient sobrement à y imprimer sa propre identité dans celui d'un psychopathe à la fois timoré et chétif, enseveli par l'aigreur d'un amour insoluble. La nouvelle génération peut applaudir, un nouveau chef-d'oeuvre de l'horreur hardcore leur est aujourd'hui légué grâce à la personnalité autonome du nouvel auteur Franck Khalfoun résigné à nous bouleverser de la manière la plus sensorielle et viscérale. Tant et si bien qu'après le générique de fin un malaise sous-jacent subsiste à s'agripper à l'encéphale. 

* Bruno
15.09.18
05.01.13

PRINCE DES TENEBRES. Prix de la Critique, Avoriaz 88.

                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site patatedestenebres.over-blog.com

"Prince of Darkness" de John Carpenter. 1987. U.S.A. 1h42. Avec Donald Pleasance, Jameson Parker, Victor Wong, Lisa Blount, Dennis Dun, Susan Blanchard, Anne Marie Howard, Ann Yen, Ken Wright, Dirk Blocker.

Sortie salles France: 20 Avril 1988. U.S: 23 Octobre 1987

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward

Passé le terrible échec commercial des Aventures de Jack Burton, John Carpenter poursuit les budgets exigus pour entamer son second volet à la trilogie de l'Apocalypse initiée par The Thing et finalisé par l'Antre de la Folie. Prince des Ténèbres renouvelant avec puissance d'évocation sa thématique du Mal à travers le sacre d'un ostensoir renfermant un fluide vital. Dans une église et à la demande d'un prêtre, un groupe de scientifiques et un professeur en philosophie sont recrutés pour déchiffrer et étudier un cylindre contenant un étrange liquide. Ce canister tenu secret, car confiné dans une crypte depuis des millénaires par les membres d'une secte religieuse (les frères du sommeil), révélerait l'arrivée du fils de Satan sur Terre ! Lourdement éprouvé et dépité par son précédant métrage délaissé par le public, John Carpenter ne prend pas de risque pour dépeindre la venue de l'antéchrist dans le modeste huis-clos d'une église gothique. Avec son budget réduit et ses têtes d'affiche de série B (oh combien convaincantes !), notre briscard de l'horreur contemporaine nous concocte avec sagacité inventive un concentré d'horreur sataniste contournant habilement tous les clichés inhérents. Dès le générique d'ouverture étalé sur plus de 10 minutes, nous sommes frappés par le soin du montage au cours de laquelle nous rencontrons chacun des protagonistes déambulant dans une bourgade en un temps furtif. Quand bien même ce préambule stylé est scandé d'une musique cérémonielle entêtante érigée par Carpenter et Howarth. Magnifiquement orchestré donc, le spectacle que nous peaufine le maître s'édifie en survival mystique dénaturant les fondements religieux (Jésus serait l'ancêtre d'un extra-terrestre !). Car à travers l'objet cylindrique d'une puissance démoniaque prête à mettre en action ses funestes ambitions, Prince des Ténèbres  nous livre dans un laps de temps record (moins de 24 heures) une course contre la montre contre l'avènement de l'antéchrist que des scientifiques s'efforceront de déjouer dans un élan de panique davantage ingérable !

Ainsi, à travers son suspense cauchemardesque impeccablement ciselé, Carpenter gère avec autant d'inspiration que de brio des rebondissements en pagaille avec un sens de l'efficacité optimale. Chaque péripéties horrifiques nous scotchant au fauteuil de par son habileté à multiplier les revirements dramatiques pour mieux nous convaincre de la venue du fils du diable. Et donc, sans nécessiter de procédés spectaculaires racoleurs, Carpenter rivalise d'astuces et de détails inquiétants (notamment l'intrusion potentiellement hostile des insectes et des larves, le climat solaire dépressif, les clodos en faction autour de l'église) afin de conjuguer une montée progressive d'appréhension et de tension par le truchement d'images cauchemardesques atypiques. Tel cet ostensoir confiné au fond d'une crypte d'une couleur verte fluo alors qu'en externe du monastère quelques SDF subordonnés au Mal assiègent la demeure à l'instar de zombies statiques (on reconnaîtra d'ailleurs en tête de peloton le chanteur Alice Cooper en icone spectrale !). Au même moment, dans l'église, la panique va crescendo lorsque quelques scientifiques sont sujets à la contamination après avoir dégluti le fluide contre leur gré. Si bien que chacun leur tour, tels des possédés impassibles, ils se résignent à dominer leurs acolytes en projetant sur leur visage ce fameux liquide minéral ! Mais les moments les plus prégnants restent encore ces fameux jeux de miroir auquel Satan en personne n'attend qu'une main secourable pour pouvoir s'y extraire et ainsi régir son pouvoir sur terre (vision diaphane d'une main ténébreuse saisissante de réalisme !). Tandis que de façon récurrente une voix inaudible de l'au-delà (incarnée par une ombre sans visage) s'efforce de transmettre un message prémonitoire aux scientifiques durant leur sommeil afin de les inciter à modifier le présent. Ainsi, de façon implacable et métronomique, nous témoignons impuissants des agressions meurtrières intentées sur des protagonistes ayant souvent une longueur de retard à devancer le danger. En proie à la peur, l'affolement et en perte de repères, ces derniers condamnés à l'épreuve de survie s'efforceront de résister à la menace avec une bravoure parfois poignante eu égard du sens du sacrifice imposé en dernier ressort par l'un d'eux.

Chef-d'oeuvre démonial. 
Sous l'impulsion si attachante de personnages bigarrés peu à peu convaincus que le Mal est sur le point d'asseoir sa réputation sur terre (on peut d'ailleurs saluer la présence symbolique de Donald Pleasance en prêtre contrarié en proie au doute de l'échec), Prince des ténèbres inquiète en pagaille autour d'un concept mystique contredisant au passage les doctrines religieuses. Réflexion métaphysique sur l'abstraction du Mal et l'altération de notre réalité qu'un groupe de scientifiques essaie d'étudier et de contrecarrer, Prince des Ténèbres tire parti de son efficacité dramatique de par la puissance de sa scénographie cauchemardesque transfigurant une entité délétère en voie de mutation corporelle. Et ce jusqu'à la stupéfiante révélation d'une conclusion potentiellement pessimiste car équivoque. Carpenter prenant soin de tirer le rideau au moment le plus alarmiste d'une romance déchue. 

Récompense: Prix de la Critique au Festival d'Avoriaz en 1988.

* Bruno
14.09.18. 5èx

10.10.11 (220 vues)

BODY DOUBLE

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Brian De Palma. 1984. U.S.A. 1h54. Avec Craig Wasson, Melanie Griffith, Gregg Henry, Deborah Shelton, Guy Boyd, Dennis Franz.

Sortie salles France: 20 Février 1985. U.S: 26 Octobre 1984

FILMOGRAPHIE: Brian De Palma, de son vrai nom Brian Russel DePalma, est un cinéaste américain d'origine italienne, né le 11 septembre 1940 à Newark, New-Jersey, Etats-Unis. 1968: Murder à la mod. Greetings. The Wedding Party. 1970: Dionysus in'69. Hi, Mom ! 1972: Attention au lapin. 1973: Soeurs de sang. 1974: Phantom of the paradise. 1976: Obsession. Carrie. 1978: Furie. 1980: Home Movies. Pulsions. 1981: Blow Out. 1983: Scarface. 1984: Body Double. 1986: Mafia Salad. 1987: Les Incorruptibles. 1989: Outrages. 1990: Le Bûcher des vanités. 1992: l'Esprit de Cain. 1993: l'Impasse. 1996: Mission Impossible. 1998: Snake Eyes. 2000: Mission to Mars. 2002: Femme Fatale. 2006: Le Dahlia Noir. 2007: Redacted. 2012: Passion.

Le pitch: Après avoir surpris sa compagne avec un amant, Jake Scully, acteur au rabais pour des séries Z horrifiques, se lie d'amitié avec le comédien de théâtre Sam. Celui-ci lui propose de l'héberger quelques jours dans la vaste demeure (une chemosphère) d'un de ses amis partis en villégiature. En prime, avec l'aide d'une longue vue, il l'incite à observer sa voisine d'en face pratiquant chaque soir un striptease. Or, un beau soir, Jake est témoin du meurtre de celle-ci par un mystérieux indien. 
Hommage aussi bien effronté que couillu à Vertigo et à Fenêtre sur Cour, Body Double fut un échec public et critique lors de sa sortie; faute d'une intrigue truffée de dérision et de vulgarité au sein du milieu underground de la pornographie. Et donc, probablement qu'à l'époque les journalistes et le public n'ont pas perçu le côté décalé, limite parodique des situations outrancières (la séquence du meurtre à la perceuse avec le cordon électrique trop court pour atteindre la victime, le clip Relax filmé dans les coulisses du X auprès d'une figuration SM, l'épilogue risible avec ce vampire punk massant langoureusement sa victime sous la douche), et ce par le truchement d'un hommage vitriolé à Hitchcock. Depuis largement réévalué au point de l'estampiller comme l'un de ses ultimes chefs-d'oeuvre, Body Double demeure un modèle de suspense et d'écriture à travers une enquête jubilatoire bâtie sur les tabous du voyeurisme et de la pornographie ainsi que du faux semblant et du désir sexuel. Sur ce dernier point, rien que la longue séquence de filature entre Jack et sa voisine au sein des galeries marchandes est un morceau d'anthologie à enseigner dans les écoles (à l'instar de celle de la galerie des beaux-arts transfigurée dans Pulsions).

De Palma illustrant consciencieusement une filature inlassable, non seulement autour des va et vient de la voisine mais également autour des agissements patibulaires de l'indien que Jack tente malgré tout de suivre à la trace avec une interrogation davantage dérangée. Génialement incarné par Craig Wasson en acteur de série Z à la fois empoté, naïf et terriblement complexé auprès de sa claustrophobie l'empêchant d'exercer son métier, Body Double redouble d'intensité et de suspense émoulu parmi son témoignage obsessionnel à épier dans un désir pervers et amoureux sa voisine en rut. Et ce avant son incursion décalée dans le milieu du X afin d'approcher une éventuelle complice de meurtre ! Sublimé par le score hyper sensuel de Pino Donnagio, De Palma émoustille nos sens à travers ses chorégraphies hyper sensuelles de striptease torride filmée avec une élégance teintée de vulgarité. Comme de coutume épaulé d'une intrigue irrésistiblement machiavélique fondée sur le simulacre et la mise en abyme, Body Double est un plaisir infini de cinéma ludique. Tant auprès de la forme esthétisante et stylisée que du fond à travers l'initiation d'un acteur timoré en voie d'affirmation et de surpassement de soi. Enfin, à travers une direction d'acteurs hors-pair, on peut notamment saluer le jeu si avenant (au 1er abord) de Gregg Henry Spoil en conspirateur meurtrier fin du Spoil ainsi que la présence très sexy de Melanie Griffith en actrice X à la fois paumée et fragile dans sa naïveté de s'être laissée corrompre par la finance du X.

Modèle de mise en scène formant une sorte de pied de nez au cinéma d'Hitchcock dans sa modernité explicite et sa dérision semi-parodique, Body Double joue la carte de la sensualité et de la pornographie auprès d'une intrigue machiavélique ne manquant pas de tendresse pour dépeindre en sous-texte la condition souvent précaire des acteurs de seconde zone (Jake et Holly sont comme deux enfants égarés dans un monde d'artifices qui ne leur ressemble pas). Jubilatoire et audacieux dans l'intensité de son érotisme sensoriel à travers un vertige amoureux aussi bien cruel que salvateur. 

Bruno
5èx

VENGEANCE A 4 MAINS

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Oliver Kienle. 2017. Allemagne. 1h34. Avec Frida-Lovisa Hamann, Friederike Becht, Christoph Letkowski

Sortie Vod France: 4 Septembre 2018. Allemagne: 30 Novembre 2017.

FILMOGRAPHIE: Oliver Kienle est un réalisateur, scénariste et acteur allemand né en 1982. 2017: Vengeance à Quatre Mains. 2013 Tatort (TV Series) (1 episode). Happy Birthday, Sarah! (2013).  2010 Bis aufs Blut - Brüder auf Bewährung.

Thriller captivant brillamment réalisé et incarné par 2 comédiennes se confondant en émoi paranoïde, Vengeance à 4 mains relate la schizophrénie de Sophie profondément traumatisée par la mort de ses parents 20 ans plus tôt par des cambrioleurs. Quand bien même suite à un accident ayant causé la mort de sa soeur Jessica renversée par une voiture lors d'une dispute, Sophie semble persécutée par l'esprit de la défunte. Sombre récit de vengeance mortuaire du point de vue d'un dédoublement de personnalité, Vengeance à 4 mains s'avère redoutablement réaliste afin de nous faire douter de la santé mentale de Sophie littéralement asservie par le fantôme teigneux de Jessica (Friederike Becht,  très impressionnante lors de ses règlements de compte tranchés). D'une violence rigoureuse auprès des exactions criminelles entrevues lors du perturbant prologue et auprès du comportement véloce de Jessica en justicière stoïque, Vengeance à 4 mains nous laisse dériver dans un vertigineux thriller eu égard du cheminement narratif truffé d'incidents inexpliqués (au 1er abord !) et de rebondissements équivoques (notamment au niveau de son éventuel twist final qui déconcertera sans doute une frange du public).

Outre la force psychologique de son récit sinueux habilement structuré par le biais d'ellipses (et donc peu à peu limpide au fil des flash-back et de la transformation identitaire de Sophie), Vengeance à 4 mains diffuse un suspense amer auprès de l'investigation intime de celle-ci en proie à une paranoïa toujours plus ingérable. Véritable dédale mentale d'une héroïne bicéphale hantée par la vengeance, le film traite inévitablement de la difficulté d'assumer la perte de l'être cher, de la culpabilité et de l'amour possessif sous l'impulsion du duo orageux Frida-Lovisa Hamann / Friederike Becht habitée par leur dissension morale. Poignant et cruel, Vengeance à 4 mains gagne donc en intensité et crédibilité quant aux sorts précaires des deux héroïnes sévèrement traumatisées par un passé crapuleux. Superbement photographié à travers des nuances sombres pour rendre compte de l'état psychologique des héroïnes fébriles, Oliver Kienle maîtrise d'autant mieux sa réalisation par le biais de plans tarabiscotés incroyablement percutants. Et ce en émaillant son puzzle narratif de séquences-chocs brutales parfois difficilement supportables (principalement l'agression finale d'une tension claustro à couper le souffle !).

Production germanique auprès d'un réalisateur novice (il s'agit de son second métrage), Vengeance à 4 mains est un excellent thriller psychologique à double niveau de lecture si on privilégie le reflet de miroir de son intrigue potentiellement surnaturelle d'une poignante intensité dramatique. 

* Bruno

CARNAGE

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site digitalcine.fr

"The Burning" de Tony Maylam, 1981. U.S.A. 1h31. Avec Brian Matthews, Leah Ayres, Brian Backer, Larry Joshua, Lou David, Jason Alexander, Holly Hunter, Fisher Stevens, Ned Eisenberg, Shelley Bruce, Carolyn Houlihan.

Sortie salles France: 28 Avril 1982 (Int - 18 ans). U.S: 8 Mai 1981

FILMOGRAPHIE: Tony Maylam est un réalisateur britannique né à Londres en 1943.
1981: Carnage. 1988: Across the lake (télé-film). 1992: Killer Instinct

"On n'a pas retrouvé son corps mais on dit que son esprit vit toujours dans la forêt, cette forêt ! Un maniaque, un être qui n'a plus rien d'humain et on dit aussi qu'il arrive à vivre avec ce qu'il trouve ça et là, des racines, des herbes.
Oui il est toujours vivant ! Et tous les ans il réapparaît dans un camp d'été comme celui la et il cherche toujours à se venger des terribles choses que ses gosses lui ont faites.
Tous les ans il tue, même cette nuit il est là à nous épier ! A attendre !
Ne regardez pas, il vous verrait !!! Ne respirez pas, il vous entendrait !!!
Ne bougez pas, vous êtes morts !!!!!!!!!!!!!!!!"

En 1980 sort sur les écrans Vendredi 13, illustre ersatz influencé par la vague du slasher initié par  Black Christmas et Halloween. Ainsi, le réalisateur Sean Cunnigham s'efforça donc de rendre efficace son histoire toute tracée grâce à la multiplicité des meurtres concoctés par le spécialiste des maquillages  Tom Savini. Le public juvénile friand du "ouh, fait moi peur !" se rue en masse et la série B produite avec des bouts de ficelle explose le box-office ! Un nouveau genre est né et son icone célébré ! Le slasher "forestier" et son tueur à la machette, Jason Voorhees ! Un an plus tard, le réalisateur britannique Tony Maylam réexploite le filon, rappelle à l'ordre le talent artisanal de Mr Savini et livre sa version "du camp maudit de jeunes vacanciers pris à parti avec un tueur masqué" ! Et le miracle de se produire ! Car sur le schéma canonique d'un canevas emprunté aux "10 petits nègres", Carnage va transcender son ancêtre d'une manière bien plus persuasive. De par sa réalisation avisée, son réalisme cru, sa dramaturgie radicale, son gore malsain et son climat forestier aussi bien inhospitalier qu'oppressant !

Le pitch: Un surveillant de camp de vacances est incidemment brûlé vif suite à la blague sardonique d'une bande d'ados. Cinq ans plus tard, celui-ci défiguré est bien décidé à prendre sa revanche en revenant sur les lieux de l'accident pour martyriser une nouvelle clique de jeunes vacanciers. A sa lecture  éculée, le scénario de Carnage reste donc élémentaire et sans surprise puisqu'il récupère le schéma routinier de Cunningham. Mais une ambiance angoissante plus tangible et un suspense lattent nous sont habilement distillés auprès des batifolages des ados, quand bien même sa dernière demi-heure, épique, haletante, terrifiante dans son mode "survival" évite la voie de la redite à courser naïvement la dernière victime en marasme. 

Après un prologue plutôt cruel pour l'ironie de sa blague de potache et une vision d'effroi auprès d'un grand brûlé alité à l'hôpital, l'entrée en scène du tueur frappe fort et s'influence même du giallo avec la silhouette d'un individu en manteau noir accoutré d'un chapeau et trucidant une jeune prostituée à l'aide d'un long ciseau ! Le meurtre s'avère brutal, sale, percutant de par son aura malsaine explicite, l'arme pénétrant en gros plan dans la chair plantureuse de l'estomac ! Le récit emprunte ensuite un cheminement linéaire à travers son lot de situations rebattues, mais cependant le réalisateur prend réellement soin de peaufiner une ambiance ombrageuse au sein de sa scénographie forestière, et ce sous l'impulsion d'un souffle malsain accentué d'une bande son palpitante. Si la caractérisation de nos étudiants n'a rien de surprenante à travers leur physionomie et leur mode de loisir (baignade, baise, alcool et fumettes), elle se révèle un peu plus convaincante que le slasher usuel de par leur manière d'appréhender la peur et faire face au danger, avec parfois un sens de l'autorité et de la bravoure (à l'instar du souffre-douleur devenu héros malgré lui !). Ils paraissent donc ici moins caricaturaux, moins stupides que de coutume, et donc beaucoup plus attachants même si les traditionnelles blagues acnéennes ne nous sont épargnées et que le bouc-émissaire continue d'être réprimandé par ses camarades. Bref, nous nous inquiétons pour leur sort avec une certaine empathie. 

Mais Carnage c'est avant tout une présence indicible qui attend, tapie dans l'ombre des frondaisons, un battement de coeur perpétuel, un tueur fantomatique que l'on discerne rarement en dépit d'une ombre diffuse et d'une paire de cisaille. Le metteur en scène jouant notamment avec nos peurs enfantines des contes que l'on aime se remémorer au coin du feu pour frissonner de plaisir (la séquence du feu de camp instille un réel climat d'appréhension, aussi concise soit-elle). C'est donc la peur ludique, l'archétype de l'ogre caché dans la forêt que nous imprime Maylam sans savoir quand il pourra de nouveau surgir pour ébranler sa victime ! Ce qui donne lieu à des scènes latentes de suspense filmées de manière scrupuleuse. Et lorsque que le tueur passe à l'attaque, les meurtres cinglants nous effraie de stupeur grâce au brio du jump scare et à sa cruauté tolérée (à l'instar du premier meurtre dans la chambre d'hôtel et ceux dans la forêt) ! Sur ce point, je songe aussi inévitablement à l'illustre séquence du radeau où les corps des victimes seront brutalement lardés de coups de cisaille de la manière la plus inventive qui soit ! Qui plus est, l'impact strident de sa partition électro orchestrée par Rick Wakeman accentue très efficacement cette tension en crescendo ainsi que l'affolement communautaire d'ados en proie à la folie criminelle. 

Ludique (notamment auprès d'un efficace humour potache), oppressant, irrésistiblement anxiogène et mené sans temps mort au gré d'une intensité dramatique exponentielle, Carnage demeure le symbole du sous-genre horrifique. Le maître étalon du "slasher forestier" n'ayant rien perdu de son impact  terrifiant dans l'illustration d'une peur perméable où l'aura malsaine prédomine de manière insidieuse. Pour parachever, l'imagerie gore imputée aux homicides reste à jamais gravée dans nos mémoires quand bien même nous ne sommes pas prêts d'oublier la présence iconique de Cropsy, boogeyman revanchard affublé de ses longues cisailles ! Jason n'a qu'à bien s'tenir ! 

Anecdotes: Il s'agit de la 1ère production d'Harvey Weinstein auprès de sa firme Miramax. Son frère Bob Weinstein ayant notamment collaboré au scénario alors que le cinéaste Jack Sholder s'attribua le poste de monteur.
En outre, les Weinstein affirmèrent à l'époque que leur histoire fut créée avant celle de Vendredi 13.

* Bruno
11.09.18. 6èx

Ven 22/01/10. 2259 vues

LES GUERRIERS DU BRONX 2

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"Fuga dal Bronx" de Enzo G. Castellari. 1983. Italie. 1h32. Avec Mark Gregory, Henry Silva, Valeria D'Obici, Giancarlo Prete, Paolo Malco, Ennio Girolami, Antonio Sabato.

Sortie salles France: 1er Août 1984. Italie: 15 Août 1983.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Enzo G. Castellari est un réalisateur, scénariste, acteur, monteur et producteur italien, né le 29 Juillet 1938 à Rome (Italie). 1967: Je vais, je tire et je reviens. 1968: Django porte sa croix. 1968: 7 Winchester pour un massacre. 1968: Tuez les tous... et revenez seul ! 1973: Le Témoin à abattre. 1976: Keoma. 1977: Une Poignée de salopards. 1977: Action Immédiate. 1979: La Diablesse. 1979: Les Chasseurs de Monstres. 1981: La Mort au Large. 1982: Les Nouveaux Barbares. 1982: Les Guerriers du Bronx. 1983: Les Guerriers du Bronx 2. 1987: Striker. 1987: Hammerhead. 1997: Le Désert de Feu.

Un an après les exploits de Trash et sa bande du Bronx, on prend les mêmes et on recommence avec Les Guerriers du Bronx 2 toujours réalisé par Enzo G. castellari. Une séquelle explosive si bien que l'action est ici décuplée par 10 avec une redondance tout juste tolérable. De par son humour involontaire, son attachant climat de désolation urbaine et le surjeu irrésistible des acteurs s'en donnant à coeur joie dans les expressions bellicistes. Alors qu'un promoteur véreux s'empresse de nettoyer les quartiers du Bronx de la délinquance, Trash et une poignée d'irréductibles leur tiennent tête flingues à la main. Mais les victimes s'accumulent au point qu'une journaliste frondeuse y déclare un génocide face aux médias. Dès lors, pour Trash et ses survivants, ne reste plus comme stratégie de dernier ressort de kidnapper le président afin de faire front à la flambée de violence. 

Aussi bonnard que son prédécesseur, les Guerriers du Bronx 2 ne compte que sur la surenchère épique pour emporter notre adhésion avec plus ou moins de bonheur eu égard de l'ambiance apocalyptique d'un Bronx réduit à feu et à sang. Les mercenaires aguerris et l'armée fasciste accourant tous azimuts au sein d'un climat de folie urbaine rendue erratique. Castellari multipliant cascades et explosions en règle avec une certaine efficacité et ce même s'il abuse de ralentis et chorégraphies itératives à travers les corps éjectés en l'air. Toujours aussi inexpressif dans sa posture ignare et laconique, Mark Gregory continue de jouer les gros bras redresseurs de tort avec une foi inébranlable ! Et nous de s'amuser de ses exploits outre-mesure sous l'impulsion de dialogues impayables oscillant sobriété et vulgarité.

La grande java. 
Décomplexé auprès de sa violence parfois complaisante (les victimes lâchement brûlées vives avec un réalisme risible), un chouilla gore lors de quelques plans concis, dégénéré et con comme la lune de par son pitch minimaliste, Les Guerriers du Bronx 2 ravira les amateurs de Z rital grâce à son action belliqueuse hyperbolique et ses têtes familières de seconde zone (Henry Silva en tête). 

* Bruno
2èx

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

"1990: I guerrieri del Bronx" de Enzo G. Castellari. 1982. Italie. 1h30. Avec Stefania Girolami, Marco Di Gregorio, Vic Morrow, Christopher Connelly, Fred Williamson, "Betty" Elisabetta Dessy

Sortie salles France: 17 Novembre 1982

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Enzo G. Castellari est un réalisateur, scénariste, acteur, monteur et producteur italien, né le 29 Juillet 1938 à Rome (Italie).
1967: Je vais, je tire et je reviens. 1968: Django porte sa croix. 1968: 7 Winchester pour un massacre. 1968: Tuez les tous... et revenez seul ! 1973: Le Témoin à abattre. 1976: Keoma. 1977: Une Poignée de salopards. 1977: Action Immédiate. 1979: La Diablesse. 1979: Les Chasseurs de Monstres. 1981: La Mort au Large. 1982: Les Nouveaux Barbares. 1982: Les Guerriers du Bronx. 1983: Les Guerriers du Bronx 2. 1987: Striker. 1987: Hammerhead. 1997: Le Désert de Feu.

Sorti en pleine mouvance du Post-Nuke initié par Mad-max 1 et 2, Les Guerriers de la Nuit et New-York 1997, les Guerriers du Bronx constitue l'un des célèbres ersatz transalpins des années 80 que les vidéophiles se sont empressés de louer au video du coin. Série Z bricolée avec les moyens du bord dans ses carrières désaffectées d'un New-York dystopique, les Guerriers du Bronx s'inspire largement du chef-d'oeuvre de John Carpenter. Sauf qu'ici, et pour varier la donne, les rôles et situations sont inversés au profit d'un ennemi sanguinaire implanté dans le territoire interdit, le royaume des Riders ! Dans le sens où un exterminateur sans vergogne est chargé de retrouver en vie Anne, la jeune héritière d'une corporation d'armement réfugiée dans le quartier interdit depuis l'influence de magnats véreux. Seulement, ce dernier n'hésite pas à assassiner de sang froid les quidams marginaux empiétant son chemin. C'est dans cette zone réputée mortelle qu'Anne établit la rencontre de Trash et de son équipe motorisée. Des loubards livrés à eux mêmes bien que subordonnés à l'autorité de l'Ogre, un leader afro à l'enseigne du quartier du Bronx. Afin de sauver la vie de cette fugitive, Trash et ses compagnons décident d'invoquer l'aide de l'Ogre depuis les exactions criminelles de Hammer, l'exterminateur.

Ce scénario aussi inepte qu'improbable sorti d'une bande dessinée fauchée parvient modestement à nous divertir dans son lot de stratégies guerrières, trahison et confrontations physiques que nos anti-héros perpétuent vaillamment pour un enjeu humain. En pompant notamment sur l'autre modèle susdit (les Guerriers de la Nuit), pour la panoplie exubérante des clans barbares (principalement les "Zombies" affublés d'une combinaison de Hockey), les Guerriers du Bronx illustre de manière triviale les pérégrinations belliqueuses de ces anti-héros dont Trash s'avère le porte parole le plus loyal. C'est également au niveau des engins motorisés (le crane encastré au creux du guidon de chaque bécane) et des acteurs cabotins, aussi attachants qu'impayables dans leur posture inexpressive (la présence atone de Trash et de ses mercenaires ressemblent à s'y méprendre au groupe Village People !), que le film parvient à amuser, réparties machistes à l'appui ! Sa narration redondante culminant enfin avec générosité vers un affrontement épique entre forces de l'ordre et mercenaires lors d'une guérilla urbaine étonnamment pessimiste !

Série Z d'action futuriste soutenue par l'excentricité des personnages grotesques et par le surréalisme de situations ineptes, Les Guerriers du Bronx traduit avec une sobre efficacité une fantaisie débridée sous l'impulsion de pugilats infantiles hérités d'un épisode de San Ku Kai ! Grâce à la sincérité de son auteur et le jeu outrancier des acteurs de seconde zone, ce nanar d'exploitation laisse en mémoire un divertissement assez plaisant dans sa facture bisseuse typiquement transalpine.

* Bruno

LES GRIFFES DE LA NUIT

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

"A nightmare on Elm Street" de Wes Craven. 1984. 1h32. US.A. Avec John Saxon, Ronee Blakley, Heather Langenkamp, Amanda Wyss, Jsu Garcia, Johnny Depp, Charles Fleischer, Joseph Whipp, Robert Englund, Lin Shaye, Joe Unger...

Sortie salles France: 6 mars 1985. U.S: 16 Novembre 1984

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio. 1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

Une plongée vertigineuse dans l'univers du rêve en compagnie d'un grand brûlé revanchard !
Auréolé du Prix de la critique et du Prix d'interprétation féminine (Heather Langenkamp) à Avoriaz en 1985 puis plébiscité par le public et la critique internationale, les Griffes de la Nuit révolutionna le cinéma d'horreur moderne sous la houlette d'une nouvelle figure monstrueuse, Freddy Krueger. Dans une bourgade Californienne, Nancy Thompson, Tina et leurs compagnons Glen et Rod sont témoins d'un évènement aussi improbable qu'inexpliqué. Durant leur sommeil, ils sont persécutés par un croquemitaine avide de les tuer à travers leur propre rêve ! Affublé d'un chapeau, d'un pull rouge à rayures et d'un visage tuméfié à la suite d'un incendie, il possède en outre une arme infaillible pour parfaire ses crimes, des griffes de rasoir au bout des doigts de la main droite. Lorsque Tina est retrouvée morte durant son sommeil, la panique s'installe dans ce paisible quartier hanté d'un lourd passé. Fort d'un concept à la fois génialement retors et atypique (un tueur revanchard infiltré dans les rêves de ses victimes pour mieux les piéger !), Les Griffes de la Nuit tire parti de son efficacité dans sa faculté inventive à confondre rêve et réalité du point de vue torturé d'une ado pugnace déterminée à se rebeller contre son assaillant. Spoil ! Et pourquoi pas l'extraire de son rêve après être parvenue à y extorquer son chapeau ! Fin du Spoil. Des idées folingues que Craven exploite avec une intensité dramatique qu'on ne retrouvera plus dans les autres opus. Pure série B ludique aussi haletante qu'oppressante, on reste fasciné par son ambiance trouble de cauchemar malsain sous l'impulsion d'un boogeyman étonnamment sobre si on compare ses futures facéties sarcastiques dans les suites lucratives.

Ainsi, grâce à son refus de la dérision et à la création d'une atmosphère délicieusement irréelle (voire parfois même teintée de poésie morbide), Les Griffes de la Nuit gagne en crédibilité à daigner authentifier une intrigue surnaturelle faisant intervenir un croquemitaine revanchard dans l'univers complexe du rêve. Dans la mesure notamment où la science ignore toujours son origine métaphysique sans doute afin de préserver l'arcane de la mort. Constamment captivant à suivre les vicissitudes d'une héroïne constamment malmenée par un monstre provocateur, alors que ses acolytes feront les frais de ses exactions sournoises, Wes Craven détourne intelligemment les clichés grâce à la présence mature de Nancy Thompson en initiation héroïque. A contre-emploi donc de l'ado décervelée, Heather Langenkamp porte le film sur ses épaules avec une force d'expression téméraire de par son désir de ne pas se laisser dériver par sa paranoïa face à une provocation meurtrière ayant la faculté d'altérer à sa guise la réalité quotidienne au sein du rêve. Bénéficiant d'effets-spéciaux novateurs pour l'époque, on reste encore aujourd'hui impressionné par le réalisme des situations horrifiques d'une violence gore décomplexée et d'une inventivité en roue libre. A l'instar du sort "vertigineux" de Tina ou du destin de Glen littéralement happé par son lit ! En outre, afin d'accentuer la dimension onirique de son contexte cauchemardesque où rêve et réalité fusionnent grâce à la dextérité du montage, le score mélodique Charles Bernstein retransmet à merveille ce doux sentiment d'insécurité et d'appréhension lorsque les ados se laissent happer durant leur sommeil par un tortionnaire passé maître dans l'art de manipuler une réalité illusoire.

Classique du genre nanti d'un vénéneux pouvoir de fascination grâce à son concept atypique (potentiellement tiré d'un fait réel) et à la présence stoïque de Heather Langenkamp, les Griffes de la Nuit aborde le thème du rêve avec cette volonté subsidiaire de nous questionner sur l'intensité de cette dimension parallèle apte à nous confondre dans une seconde réalité le temps d'un sommeil. Troublant, angoissant et terrifiant sur un rythme échevelé que Craven conduit sans gratuité, les Griffes de la Nuit est enfin transcendé par la présence démoniaque de Freddy Krueger résolument dérangeant, lâche et fétide, notamment si on y gratte le vernis de son passé sulfureux. 

* Bruno
07.09.18. 6èx
16.10.10

Anecdotes: Le film fut interdit aux moins de 18 ans lors de sa sortie en salle au Québec.
C'est Claude Chabrol qui est à l'origine du titre français: Les Griffes de la Nuit ! Parallèlement à son poste de réalisateur, il travaillait à long terme pour trouver des titres français à des productions américaines. 

La Nuit des Diables / La Notte Dei Diavoli

     

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site pinterest.co.uk

de Giorgio Ferroni. 1972. Italie/Espagne. 1h31. Avec Gianni Garko, Agostina Belli, Cinzia De Carolis, Mark Roberts, Bill Vanders, Teresa Gimpera, Luis Suarez, De Carolis Cinzia, Umberto Raho.

Sortie en salles en Italie le 29 Avril 1972 

FILMOGRAPHIE: Giorgio Ferroni est un réalisateur, acteur, monteur, producteur et scénariste italien né le 12 Avril 1908, décédé le 17 Août 1981. 1936: Pompei. 1939: Terre de feu. 1942: Macario au Far-west. 1946: Sans Famille. 1947: Tombolo, paradis noir. 1960: Le Moulin des Supplices. 1961: La Guerre de Troie. 1963: Hercule contre Moloch. 1964: Le Colosse de Rome. 1964: Hélène, Reine de Troie. 1966: Trois cavaliers pour Fort Yuma. 1966: Le Dollar Troué. 1971: La Grande Chevauchée de Robin des Bois. 1972: La Nuit des Diables. 1975: Le dur... le mou... et le pigeon.

D'après une nouvelle de Tolstoi déjà portée à l'écran par Mario Bava avec l'un des fameux sketchs des 3 visages de la peur, La Nuit des Diables renoue avec l'épouvante gothique sous la mainmise de l'éminent Giorgio Ferroni. Car 12 ans après nous avoir ému avec le splendide Moulin des Supplices, celui-ci renouvelle de manière autrement horrifique la romance morbide où perce une mélancolie d'un amour disparu faute d'une insurmontable solitude ! Le Pitch: Blessé, Nicolas est retrouvé dans un état traumatique à proximité d'une forêt. Soigné en institut psychiatrique, il est incapable de se souvenir de son passé. Epris de panique, il semble effrayée à l'idée que la lumière du jour s'obscurcit pour laisser place à la nuit. Sa frayeur s'accentue lorsqu'une jeune femme, Sdenka, vient lui rendre visite dans sa chambre de manière hospitalière. Petit à petit, Nicolas se remémore son passé traversé de fulgurances morbides ! Réalisateur prolifique, Giorgio  Ferroni apporte brillamment sa seconde contribution à l'épouvante gothique à travers un climat d'étrangeté prégnant communiant les folklores du vampirisme et du zombie non sans une certaine dérive gore. Car si les scènes chocs magnifiquement filmées, voires étonnamment complaisantes, font preuve d'une poésie morbide typiquement latine, elles sont en prime rehaussées d'étonnants trucages confectionnés par le spécialiste Carlo Rambaldi. Tant et si bien qu'aujourd'hui on reste encore bluffé par son réalisme artisanal, notamment à travers les visages putréfiés filmés en fondu enchaîné à peine décelables ! Franchement bluffant. Prenant soin de magnifier le cadre si inquiétant d'une forêt sépia d'autant plus clairsemée, la Nuit des Diables suit l'itinéraire aléatoire d'un médecin contraint de solliciter refuge auprès d'une famille isolée après avoir failli renverser une inconnue en voiture. Le portrait conféré à ces métayers éloignés du monde urbain nous est soigneusement retranscrit de par leur mode de vie tatillon et leurs expressions fébriles, pour ne pas dire erratiques, émanant d'une posture résolument superstitieuse.

Pour cause, ces derniers héritiers d'un village autrefois populaire se barricadent dès la nuit tombée afin de se protéger d'une sorcière surnommée "vourdalak". Cette créature errante rodant chaque soir aux alentours de leur foyer pour tenter de les contaminer un à un en leur suçant le sang. Nicolas, déconcerté par cet improbable récit va peu à peu se rendre l'évidence que la malédiction de la sorcière n'est nullement une divagation après la disparition soudaine du patriarche. Alors qu'au même instant, il se rapproche de la belle Sdenka lors d'une complicité communément sentimentale. Avec un soin esthétique subtilement baroque, Giorgio Ferroni s'avère redoutablement inspiré pour éveiller l'étrangeté d'une scénographie rurale occulte où errent quelques rares animaux sauvages (les sangliers, les loups éplorés que l'on entend hurler la nuit font office de seconds-rôles proéminents). Qui plus est, afin de cultiver sa propre personnalité plutôt autonome, voire hétérodoxe, il y injecte à travers son sombre récit quelques éclaboussures gores disséminées par moments ainsi qu'un érotisme un chouilla osé pour l'époque afin de secouer le spectateur peu habité au spectacle aussi explicite. Quand bien même sa dernière partie particulièrement haletante renchérit de tension et de terreur lorsque chaque membre des Ciuevelak sera victime des "vourdalaks". Giorgio Ferroni ayant l'intelligence d'éveiller le doute quant à la condition démunie de la dernière victime potentiellement contaminée par ses congénères planqués derrière les bosquets. Visages blêmes de fantômes noctambules en proie à la déraison, sorcière (iconique) profanatrice de sépulture, cadavres perforés puis putréfiés au contact d'une mort violente, rires sardoniques de gosses persifleurs font partie des images saillantes de cette confrontation houleuse entre le Bien et le Mal où l'issue de secours s'avère d'autant plus sarcastique par son refus du happy-end. 

Baignant dans le climat trouble d'une nature champêtre inusité de par sa poésie opaque teintée de charnalité, La Nuit des Diables illustre avec une certaine mélancolie capiteuse le conte d'épouvante à travers la détresse solitaire de ces créatures infortunées en requête de soutien. Davantage obscur et oppressant lors de sa dernière partie échevelée, La Nuit des Diables culmine sa trajectoire morbide vers une course poursuite effrontée d'où raisonne le hurlement d'une victime jamais remise de sa psyché torturée. Et le spectateur d'y avoir cru autant que lui avec un masochisme délectable sous l'impulsion de l'élégie malingre de Giorgio Gaslini. Magnifique j'vous dis. 

* Bruno
20.10.23. 3èx

05.09.18. 
14.12.11 (295 v)

JURASSIC WORLD: FALLEN KINGDOM

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Juan Antonio Bayona. 2018. U.S.A. 2h08. Avec Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Rafe Spall, Justice Smith, Daniella Pineda, James Cromwell.

Sortie salles France: 6 Juin 2018. U.S: 22 Juin 2018

FILMOGRAPHIE: Juan Antonio García Bayona (né le 9 mai 1975 à Barcelone, en Espagne) est un réalisateur et scénariste espagnol. 2007 : L'Orphelinat. 2012 : The Impossible. 2016 : Quelques minutes après minuit. 2018 : Jurassic World: Fallen Kingdom.

"Une routine est infernale uniquement pour ceux qui ne savent pas la rendre agréable."

"Tout le monde parle de progrès, et personne ne sort de la routine."

"Accepter la routine, c'est accepter de mourir à petit feu."

"La routine est un film à couper le bonheur."

"On roule confortablement sur l'autoroute du 7è art, protégé par la ceinture de sécurité de nos certitudes et l'air-bag conducteur de la routine."