Bienvenue à Marwen

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Welcome to Marwen" de Robert Zemeckis. 2019. U.S.A. 1h56. Avec Steve Carell, Leslie Mann, Diane Kruger, Falk Hentschel, Janelle Monáe, Eiza González.

Sortie salles France: 2 Janvier 2019. U.S: 21 Décembre 2018

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight. 2015: The Walk. 2018: Bienvenue à Marwen.

Merveille de féerie et de romantisme éperdu que l'éminent Robert Zemeckis illustre à nouveau avec un sens onirique singulier (épaulé de trucages en "performance capture" irréprochables !), Bienvenue à Marwen renoue avec le cinéma le plus épuré lorsqu'il s'agit d'immerger le spectateur à travers la douloureuse introspection d'une victime traumatisée par sa brutale agression. Et pour cause, souffrant d'amnésie à la suite d'un coma, Mark, autrefois dessinateur de talent, se réfugie dans la chimère de sa nouvelle passion pour les figurines qu'il photographie dans un village miniaturisé, Marwen durant la période de la seconde guerre mondiale. Constamment harcelé par des soldats SS férus de haine, il compte pour autant sur la solidarité indéfectible de 5 guerrières farouches afin de venir à bout de ces tortionnaires. Or, de retour dans la solitude de sa réalité quotidienne, Mark parvient difficilement à renouer avec l'équilibre d'une vie sociale harmonieuse, quand bien même son addiction pour les anti-dépresseurs lui engendre diverses hallucinations (que Zemeckis parvient brillamment à mettre en exergue au gré d'un montage véloce conjuguant fiction et réalité au sein du même cadre).

C'est alors qu'il fait la connaissance de Nicol, sa nouvelle voisine de palier fascinée par le réalisme de son village miniature auquel y évoluent des figurines d'un sens du détail naturel. Ode au rêve et au goût de l'évasion à travers le refuge de l'art, manifeste pour le droit à la différence (Mark adore porter des talons de femmes par engouement passionnel), Bienvenue à Marwen dégage une sensibilité inusitée à travers sa scénographie flamboyante alternant séquences d'animation tantôt belliqueuses, tantôt romantiques, et situations intimistes d'une réalité anxiogène que Mark endure quotidiennement en dépit du soutien de ses 5 amies attentionnées. Ainsi donc, à travers le vibrant portrait de ce dessinateur traumatisé par la violence de l'homme (ici symbolisé par des fascistes avinés), Robert Zemeckis y radiographie sa fragile schizophrénie avec une émotion candide bouleversante. Dans la mesure où s'y déroule intensément devant nos yeux, et avec une étonnante alchimie féerique, la lente thérapie de Mark combattant ses démons les plus préjudiciables (la fameuse sorcière belge Deja Thoris, métaphore de ses pilules bleues). Tant auprès de son imagination florissante qu'il parvient à matérialiser à travers l'univers rassurant de ses figurines que de l'amour en herbe que sa nouvelle voisine Nicol pourrait probablement lui réveiller avec une attention profondément humaine.

"Notre douleur est notre carburant"
Débordant de romantisme, de fragilité et de sensibilité torturée sous l'impulsion névralgique d'une victime en quête de catharsis (que Steve Carell insuffle avec un incroyable naturel introverti), Bienvenue à Marwen traite avec une douloureuse acuité humaine des thèmes de la résilience et du dépassement de l'affres à travers le gain de la création artistique et du pouvoir salvateur de l'amour. Moment de cinéma personnel en apesanteur, Bienvenue à Marwen renoue avec le 7è art le plus candide à travers l'incandescence du surréalisme métaphorique. Infiniment bouleversant, ténu et magique (si bien qu'on lui pardonne une situation de procès tirant légèrement sur la corde sensible, menu reproche à murmurer auprès de ce futur classique). 

*Bruno

Onde de choc

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site gzhorreurfilmvhs.blogspot.com

"Blind Date" de Nico Mastorakis. 1984. Grèce. 1h46. Avec Joseph Bottoms, Kirstie Alley, James Daughton, Lana Clarkson.

Sortie salles France: 24 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: Nico Mastorakis est un réalisateur, scénariste et producteur grec né le 28 Avril 1941 à Athènes. 1976: Ta paidia tou Diavolou. 1976: To koritsi vomva. 1990: In the Cold of the Night. 1990 Hired to Kill. 1989 Ninja Academy. 1988 Glitch! 1988 Nightmare at Noon. 1987: Meurtre dans l'objectif. 1986 The Wind (Video). 1986 Heros Boys. 1985 Sky High. 1984 To kynigi tou ekatommyriou (Video). 1984 The Time Traveller. 1984 Onde de choc. 1992: The Naked Truth. 2002: .com for Murder.

Synopsis: Après un choc violent, Jonathan Ratcliffe perd la vue. Alors, il accepte d'être le cobaye d'un système expérimental qui lui permettra, à l'aide d'une interface informatique et de capteurs cérébraux, de percevoir son environnement sous forme de traits lumineux.
Pendant ce temps un dangereux psychopathe, chauffeur de taxi, enlève des filles pour se livrer à quelques dissections mortelles à coup de scalpels. Les chemins de Jonathan et du psycho-killer vont se croiser, et l'homme aveugle va tout faire pour arrêter le tueur...

Un thriller d'anticipation soporifique ne possédant aucun sens du rythme à travers son suspense aseptique ni de maîtrise technique (notamment cette vue subjective informatisée que l'aveugle perçoit à l'instar d'un jeu video). La faute à une mise en scène à la fois obsolète et bâclée, et à une direction d'acteurs plutôt maladroite en dépit de la bonne volonté des acteurs exprimant des répliques d'une rare banalité.
Bref, Circulez y'a rien à voir !

*Bruno

Opération Peur

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site scoreexperience.blogspot.com

"Operazione paura / Kill Baby Kill" de Mario Bava. 1966. Italie. 1h23. Avec Giacomo Rossi-Stuart, Erika Blanc, Fabienne Dali, Piero Lulli, Luciano Catenacci.

Inédit en salles en France. U.S: 8 Octobre 1968

FILMOGRAPHIE:  Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie). Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo. 1946 : L'orecchio, 1947 : Santa notte, 1947 : Legenda sinfonica, 1947 : Anfiteatro Flavio, 1949 : Variazioni sinfoniche, 1954 : Ulysse (non crédité),1956 : Les Vampires (non crédité),1959 : Caltiki, le monstre immortel (non crédité),1959 : La Bataille de Marathon (non crédité),1960 : Le Masque du démon,1961 : Le Dernier des Vikings (non crédité),1961 : Les Mille et Une Nuits,1961 : Hercule contre les vampires,1961 : La Ruée des Vikings, 1963 : La Fille qui en savait trop,1963 : Les Trois Visages de la peur, 1963 : Le Corps et le Fouet, 1964 : Six femmes pour l'assassin, 1964 : La strada per Fort Alamo, 1965 : La Planète des vampires, 1966 : Les Dollars du Nebraska (non cédité), 1966 : Duel au couteau,1966 : Opération peur 1966 : L'Espion qui venait du surgelé, 1968 : Danger : Diabolik ! , 1970 : L'Île de l'épouvante ,1970 : Une hache pour la lune de miel ,1970 : Roy Colt e Winchester Jack, 1971 : La Baie sanglante, 1972 : Baron vampire  , 1972 : Quante volte... quella notte, 1972: Lisa et le Diable, 1973 : La Maison de l'exorcisme, 1974 : Les Chiens enragés,1977 : Les Démons de la nuit (Schock),1979 : La Venere di Ille (TV).

Inédit en salles chez nous mais exhumé de l'oubli quelques décennies plus tard grâce à une émission TV sollicitée par Jean Pierre Dionnet (Quartier Interdit), Operation Peur demeure une clef de voûte singulière du gothisme transalpin. Car sous prétexte d'une histoire de fantôme infantile terrorisant les villageois d'un quartier maudit, Mario Bava se voue corps et âme en artiste prodige afin de façonner un florilège d'images picturales tout droits sorties d'un cauchemar éveillé. Le cheminement narratif adoptant une tournure d'avantage surréaliste de par la perte des répères des protagonistes ne sachant plus distinguer l'illusion de la réalité. Le pitch: Dans un village reculé du Nord de l'Italie, le médecin Eswai est recruté par l'inspecteur Kruger afin de tenter d'éclaircir une succession de morts inexpliquées. Effrayés par l'apparence spectrale d'une fillette, les villageois semblent à la merci de son emprise diabolique. Dénué de croyance spirituelle, Eswai va tenter de découvrir l'horrible vérité. A partir d'un synopsis conventionnel bâti sur les thèmes de la sorcellerie et de la hantise spectrale, notre éminent réalisateur nous livre à nouveau une oeuvre d'une fulgurance macabre littéralement capiteuse. Véritable déclaration d'amour au gothisme baroque au sein d'une époque séculaire aux croyances superstitieuses, Mario Bava envoûte subtilement les sens du spectateur, délicieusement embarqué dans un chassé croisé incessant avec la mort. Ou plus précisément avec le revenant d'une fillette exsangue délibérée à soutirer la vie des paysans superstitieux par le truchement de l'hypnose et des forces occultes. D'une étonnante efficacité, notamment à travers la maîtrise de la caméra expérimentale, les vicissitudes allouées à chacun des protagonistes se décline en partie de cache-cache parmi la présence inquiétante de cette gamine revancharde.

Ainsi donc, à l'aide d'une photo sépia aux éclairages ciselés (les tâches orangers, le jaune, le vert, le bleu et le rouge s'harmonisent parfois au sein du même cadre !), le réalisateur transcende ces décors gothiques (cimetière et forêt nappés de brume, chapelle, ossuaire et demeures mutiques) par le biais d'une architecture picturale (les sculptures d'enfants longeant le jardin). Alors qu'au sein d'une chambre d'enfant poussiéreuse, d'étranges poupées de porcelaines, de vieux cadres de défunts, des candélabres emmêlés de toiles d'araignées et des rideaux usés par la froideur du vent y sont exposés dans une lumière nocturne ensorcelante ! Sans pour autant provoquer une terreur implacable, Mario Bava priorise un climat anxiogène sous-jacent au travers de son énigme suspicieuse plutôt bien construite et semée de rebondissements. L'ambiance feutrée émanant du village clairsemé plongeant le spectateur dans une sorte de cauchemar ésotérique où la temporalité s'avère altérée d'une emprise démoniale (tant auprès d'une sorcière suspicieuse, d'une étrange veuve au passé torturé que du fantôme de Melissa). A la manière irréelle de cette hallucinante séquence déroutante illustrant le parcours récursif du médecin coursant Monica disparue derrière la porte d'une chambre. Ainsi, ouvrant la porte pour pouvoir y pénétrer, il tente à chaque reprise de l'appréhender en vain. Et donc, à chaque fois qu'il quitte la salle, le médecin perdure sa course effrénée auprès des cris de Monica pour se retrouver au même point de départ, c'est à dire au même point de départ de la porte d'entrée ! Il continuera sa poursuite à perdre haleine au point d'y croiser son propre double qu'il finira par agripper par l'épaule ! Une autre séquence intemporelle illustre également Monica dévalant un escalier en colimaçon sans jamais pouvoir parvenir à atteindre l'ultime marche ! Et si le scénario adopte un schéma classique autour de l'archétype du fantôme persécuteur, Mario Bava est suffisamment habile, inventif, inspiré, transi de persuasion pour nous broder une perfide histoire de vengeance spectrale usant à merveille du dédale d'une villa tentaculaire (on peut d'ailleurs parler de rôle à part entière !).

Superstitions
De par sa poésie sépulcrale prédominante où le spectateur s'avère aussi désorienté que les protagonistes épeurés, Mario Bava y transfigure une mécanique d'angoisse diffuse traversée de visions d'effroi à travers la posture impassible d'une fillette mesquine. Exacerbé d'une bande son dissonante émaillé de râles d'outre-tombe et de gloussements railleurs, Opération Peur se décline en chef-d'oeuvre expérimental de par la vigueur de sa persuasion à matérialiser un univers parallèle dénué de raison. D'une série B d'apparence triviale, le maître du gothique en cristallise donc une authentique oeuvre d'art infiniment diaphane et ensorcelante sous l'impulsion d'un casting contracté transi d'émoi.  

*Bruno
22.03.19. 4èx
08.01.13. (78 v)

Larry le dingue, Mary la garce

Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Dirty Mary Crazy Larry" de John Hough, 1973. U.S.A. 1h33. Avec Peter Fonda, Susan George, Adam Roarke, Vic Morrow, Roddy McDowall.

Sortie salles France: 3 Octobre 1974. U.S.A. 17 Mai 1974.

FILMOGARPHIE: John Hough est un réalisateur britannique, né le 21 novembre 1941 à Londres (Royaume-Uni). 1969 : Wolfshead : The Legend of Robin Hood, 1970 : Eyewitness, 1971 : Les Sévices de Dracula, 1972 : L'Île au trésor , 1973 : La Maison des damnés, 1974 : The Zoo Gang (série TV) , 1974 : Dirty Mary, Crazy Larry , 1975 : La Montagne ensorcelée , 1978 : Les Visiteurs d'un autre monde, 1978 : La Cible étoilée , 1980 : Les Yeux de la forêt , 1981 : Incubus , 1982 : Le Triomphe d'un homme nommé cheval , 1985 : Black Arrow (TV) , 1985 : Mission casse-cou (série TV) , 1986 : Biggles , 1987 : Les Hasards de l'amour , 1988 : Hurlements IV , 1988 : American Gothic , 1989 : Le Cavalier masqué (TV) , 1990 : A Ghost in Monte Carlo (TV) , 1992 : Duel of Hearts (TV) , 1998 : Something to Believe In , 2002 : Bad Karma.

                                       

Trois ans après Point Limite Zero, John Hough réalise en 1974 un road movie autrement décomplexé et ludique, Larry le dingue, Mary la garce, tiré du roman de Richard Unekis, The Chase. On peut d'ailleurs rappeler que la même année sortit à quelques mois d'intervalle un autre métrage bien connu des amateurs et ayant fait l'objet d'un remake aseptique, la Grande Casse (Gone in 60 seconds), quand bien même deux ans plus tard explose sur les écrans Cannonbal, suivi d'un modèle du genre; Driver de Walter Hill ! Mais la mode des films de course-poursuites sur bitume atteindra son apogée en 1979 avec un premier film issu d'Australie, une bombe ayant défrayé la censure de l'époque, j'ai nommé  Mad-Max ! Le pitch: Un pilote de course et son co-équipier cambriolent un supermarché afin de pouvoir financer leur participation à un célèbre circuit de championnat automobile. Ils prennent la fuite à bord de leur voiture en compagnie de Mary, une jeune aguicheuse d'un soir que Larry aborda avec regret. Rapidement, la police locale est lancée à leur trousse sous la houlette d'un capitaine irascible ayant juré d'avoir leur peau à bord de son hélico. Véritable objet de culte depuis sa sortie  (Starfix le nomma d'ailleurs dans leur revue comme l'un des 100 meilleurs films d'action américains !), Larry le dingue, Mary la garce (quel titre génialement provoc !) est une bouffée d'air frais dans le cinéma de genre politiquement incorrect hérité du courant contre-culturel d'Easy Rider. Superbement incarné par un trio de comédiens en roue libre (Peter Fonda / Susan George dans son meilleur rôle en potiche au grand coeur / Adam Roarke), ce road movie rondement mené sur rythme trépidant constitue un pur plaisir de cinéma "grindhouse" pour l'amateur d'action virile menée par des anti-héros à la p'tite semaine ! Car coordonnée par deux malfrats accompagnés d'une attachante tête à claque, leur virée champêtre est autant compromise par leur discorde amicale (principalement auprès des chamailleries houleuses entre Mary et Larry) que par les force de l'ordre lancés à leur trousse durant 1h30 de courses-poursuites aux cascades sans faille.

                                      

Tant et si bien que durant leur traque incessante avec la police, le spectateur témoin de leurs faits et gestes s'identifie aimablement à leur insouciance libertaire. Comme si nous étions également devenus des marginaux anarchistes complices de leur périple aux actions truffées de dérision. En prime, les réparties pleine d'humour sardonique entre Larry et Mary et le sérieux alloué à Deke, témoin malgré lui de leur crise conjugale (Larry n'en n'a que faire de Mary !) insufflent une ambiance décomplexée, tantôt cocasse, tantôt délirante, notamment lors de leurs prises de risques inconscientes pour l'adrénaline de la vitesse. Quand bien même les policiers, impuissants et constamment ridiculisés, n'auront de cesse de les pourchasser avec une hargne aussi déjantée Spoil ! Si bien que ces derniers constamment raillés n'avaient pas non plus prévu que nos malfrats étaient équipés d'un radio émetteur afin de connaître en direct quel point d'itinéraire ceux-ci pourraient envisager de les appréhender. Fin du Spoil. Mais depuis l'intrusion rigoureuse d'un chef de police chevronné et obtu, Franklyn (endossé par le renfrogné Vic Morrow), la course poursuite s'exacerbera d'un cran lors du survol d'un hélicoptère les traquant sans relâche durant toute l'aventure. Spoiler ! On sera d'ailleurs bougrement surpris du brutal revirement de ton auprès de son estocade finale aussi glaçante que poignante, car d'une noirceur franchement inattendue ! Une forme de rappel, un retour à la triste réalité des conséquences de l'insouciance, une mise en garde auprès des casse-cous que la vie n'est pas du cinéma, tant et si bien que la vitesse illégale peut se solder par une tragédie ! Fin du spoiler. Je tiens encore à rappeler que l'épatante Susan George (les Chiens de Paille / Venin) dégage un formidable naturel dans sa prestance de garce survoltée à la fois désinvolte et insolente car souvent ridiculisée par son amant de fortune que Peter Fonda endosse avec un machisme à la fois impérieux, gouailleur et présomptueux. Pour autant as du volant aussi bien belliqueux que véloce, Peter Fonda se fond dans le corps d'un pilote intraitable avec une fringance constamment jubilatoire.

                                      

Un pur trip du road movie "grindhouse" d'une énergie et d'une insolence à tombeau ouvert !
Classique vintage des années 70, Larry le dingue, Mary le dingue garde intact son pouvoir attractif de par la spontanéité pétulante des comédiens aussi insolents que burnés et des poursuites automobiles impeccablement orchestrées. Bref une toute autre époque subversive résolument vériste si bien que les nouveaux anti-héros tape à l'oeil, musclés et tatoués et leurs bimbos siliconées font bien pâle figure chez la saga Fast and Furious (alors qu'elle multiplie par 10 son lot de cascades numériques improbables afin de combler l'ado en mal de sensation !). 

*Bruno
21.03.19. 4èx

31.03.11. 678 v

                                   

Note: Attention Spoiler !! La scène du crash final avec le train apparaît dans le générique liminaire de la série tv des 80's L'homme qui tombe à pic avec Lee Majors. Ne me demandez pas pour quelle raison, je n'en n'ai aucune idée !

The Candy Snatchers

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site blu-ray.com

de Guerdon Trueblood. 1973. U.S.A. 1h33. Avec Tiffany Bolling, Ben Piazza, Susan Sennett, Brad David, Vince Martorano, Bonnie Boland.

Sortie salles France: Inédit. U.S: Juin 1973

FILMOGRAPHIE: Guerdon Trueblood est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 3 Novembre 1933 à San Jose, Costa Rica. 1977: Barnaby Jones (TV Series) (1 episode). - The Inside Man. 1973: The Candy Snatchers

Pur série B d'exploitation surfant sur le succès de la Dernière maison sur la gauche sorti un an au préalable (suffit de zieuter son affiche ultra référentielle !), The Candy Snatchers relate dans une facture "grindhouse" le rapt (oh combien laborieux !) d'un trio de malfrats décervelés délibérés à faire chanter le père de la victime en l'échange d'une traditionnelle rançon (ici des diamants). Or, celui-ci cupide et sans vergogne réfute à sauver sa propre fille pour l'enjeu d'un juteux héritage. Au bord de la crise de nerf dans leur soif de liberté et de fortune, le trio complote alors d'autres stratégies pour parvenir à leurs fins. Si on songe finalement à un croisement entre Chiens Enragés de Bava et à la Rançon de la peur de Lenzi, de par la caractérisation immorale d'une galerie de salopards tous plus fétides les uns les autres, la réalisation approximative du méconnu Guerdon Trueblood (c'est d'ailleurs son unique métrage), sa violence irréaliste et surtout le surjeu amateur des acteurs bisseux finissent par plomber le potentiel de son suspense pervers. Dans la mesure où l'intrigue itérative se délite progressivement pour tourner en rond, notamment à force des divergences que s'échangent inlassablement les malfrats gogos, si bien que l'auto-parodie est souvent effleurée à force d'outrances tantôt verbales tantôt sauvages (principalement son final en roue libre). On se réconforte toutefois auprès de quelques situations couillues d'un humour noir plutôt corsé (l'attitude perverse du marmot mutique refusant de porter assistance à la victime inhumée vivante et Spoil ! le coup de théâtre final qui s'ensuit de par son action criminelle fin du Spoil, le paternel toujours plus délétère au fil d'un cheminement brutal où tous les coups sont permis, l'épouse se laissant sexuellement séduire par l'un des violeurs), tant et si bien qu'avec indulgence les fans de curiosités introuvables (il fut d'ailleurs inédit en salles en France si je ne m'abuse) devraient néanmoins y trouver leur compte à condition de s'en distraire au 10è degré.

*Bruno

La Mule

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"The Mule" de Clint Eastwood. 2018. U.S.A. 1h56. Avec Clint Eastwood, Bradley Cooper, Laurence Fishburne, Michael Peña, Dianne Wiest, Andy García, Clifton Collins Jr., Alison Eastwood

Sortie salles France: 23 Janvier 2018. U.S: 9 Septembre 2016

FILMOGRAPHIE: Clint Eastwood est un acteur, réalisateur, compositeur et producteur américain, né le 31 Mai 1930 à San Francisco, dans l'Etat de Californie. 1971: Un Frisson dans la Nuit. 1973: L'Homme des Hautes Plaines. 1973: Breezy. 1975: La Sanction. 1976: Josey Wales, Hors la Loi. 1977: L'Epreuve de Force. 1980: Bronco Billy. 1982: Firefox, l'arme absolue. 1982: Honkytonk Man. 1983: Sudden Impact. 1985: Pale Rider. 1986: Le Maître de Guerre. 1988: Bird. 1990: Chasseur Blanc, Coeur Noir. 1990: Le Relève. 1992: Impitoyable. 1993: Un Monde Parfait. 1995: Sur la route de Madison. 1997: Les Pleins Pouvoirs. 1997: Minuit dans le jardin du bien et du mal. 1999: Jugé Coupable. 2000: Space Cowboys. 2002: Créance de sang. 2003: Mystic River. 2004: Million Dollar Baby. 2006: Mémoires de nos pères. 2006: Lettres d'Iwo Jima. 2008: L'Echange. 2008: Gran Torino. 2009: Invictus. 2010: Au-delà. 2011: J. Edgar. 2014: Jersey Boys. 2015: American Sniper. 2016: Sully. 2017: 2018: Le 15h17 pour Paris. 2018: La Mule. 2021: Cry Macho. 

Inspiré de l'histoire vraie de Leo Sharp, ancien militaire retraité, passeur de drogue pour le compte d'un puissant cartel, le dernier des géants Clint Eastwood s'offre une nouvelle renaissance à travers La Mule. Un road movie existentiel d'une acuité fragile à travers son manifeste pour les valeurs familiales que Clint Eastwood incante avec une prude émotion. Car maîtrisé de bout en bout, tant auprès de sa direction d'acteurs dénué de prétention (même Bradley Cooper s'avère dépouillé de force tranquille en agent de la DEA partageant d'ailleurs un point commun d'ordre familial avec le passeur !) que de la réalisation posée prenant son temps à conter son récit, La Mule y dépeint l'introspection morale d'un nonagénaire rongé de honte et de regret faute de sa démission à la fois parentale et conjugale. J'ignore le passé secrètement intime de Clint Estwood mais j'ai la trouble impression qu'à travers son personnage singulier de pourvoyeur il eut probablement vécu une même situation de dissension familiale, faute d'y avoir privilégié son illustre carrière professionnelle que l'on connait. Pour autant, à travers ce passéiste inopinément marginal, et au vu du dénouement inévitablement dramatique, l'argent ne fera que renchérir sa profonde solitude et son malaise existentiel. Dans la mesure également du contexte social qu'Eastwood pointe du doigt en filigrane pour alerter de la condition précaire des retraités chargé de dettes et dénués de subvention.

Outre son cri d'amour et de désespoir scandé à l'honneur de la famille (un des plus justes et bouleversants vus depuis des lustres sur un écran !), Eastwood s'avère résolument émouvant lorsqu'il traite également de la vieillesse (notamment à travers le choc des générations où le modernisme - cellulaire / informatique - asservit les plus influents) et de la peur de la maladie à travers son âge avancé. Ainsi, sans verser dans le mélo standard, et par le biais de brèves séquences intimistes d'une sensibilité épurée, il parvient à capter l'émotion la plus honnête lorsque la mule témoigne impuissant de l'injustice du cancer sur le point d'achever une nouvelle victime. Une séquence pénible, tant auprès des confidences intimes que des silences entre les mots afin d'ausculter sans complaisance les regards démunis. Pour autant, et en conjuguant avec une étonnante alchimie les composantes du polar et du drame psychologique, La Mule n'est point couvert de sinistrose et encore moins de pessimisme si bien que Eastwood ne manque pas d'humour, de dérision et de légèreté à décrire l'improbable itinéraire de ce passeur burné du 3è âge comptant potentiellement renouer avec sa famille avec ses nouvelles liasses de dollars. C'est donc un récit initiatique plein d'imprévus et de ruptures de ton (auprès de sa trajectoire dramatique expiatrice) que nous dépeint Clint Eastwood plus vigoureux et frétillant que jamais (contrairement à ses apparences sclérosés). Notamment lorsqu'il y fustige sobrement en filigrane le racisme et l'abus de pouvoir du corps policier par de brèves séquences de contrôle identitaire.

Le chant du Cygne
Poème funèbre pour autant profondément humain, salutaire et d'une sensibilité quasi écorchée vive, la Mule revigore la personnalité d'Eastwood, acteur et réalisateur du 3è âge, à travers sa thématique universelle sur la famille que celui-ci scande tacitement (et ouvertement) à travers chaque plan. Ainsi donc, avec la grâce humaine qu'on lui connaît tant, probablement venions nous d'assister à son ultime chef-d'oeuvre d'une florissante carrière aussi bigarrée et décomplexée qu'émancipée et personnelle ! (?). 

*Bruno

La Vallée de la Mort

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Death Valley" de Dick Richards. 1982. U.S.A. 1h33. Avec Paul Le Mat, Catherine Hicks, Stephen McHattie,  Wilford Brimley, Peter Billingsley

Sortie salles France: 13 Juillet 1982

FILMOGRAPHIE: Dick Richards est un réalisateur américain né en 1936 à New York. 1972 : La Poussière, la Sueur et la Poudre. 1975 : Rafferty and the Gold Dust Twins. 1975 : Adieu ma jolie. 1977 : Il était une fois la Légion. 1982 : Death Valley. 1983 : Un homme, une femme, un enfant. 1986 : Banco (Heat).

Thriller horrifique surfant sur la vague du psycho-killer à l'orée des années 80, La Vallée de la Mort est un nanar gentillet pour qui apprécie les séries B vites vues vite oubliées. Car classiquement réalisé sans inspiration avec d'aimables interprètes pas très retors, la Vallée de la Mort pâtit d'un script gogo à partir du concept du survival. A savoir qu'un marmot est ici pourchassé par un serial-killer faute d'avoir dérobé un collier dans une caravane abandonnée. Or, le lendemain, la police découvre le bâtiment en cendre avec à l'intérieur 2 cadavres. En villégiatures avec sa mère et son beau-père (auquel le réal s'attarde beaucoup trop à exposer l'inimitié entre celui-ci et le bambin) dans la vallée de la mort, Billy est harcelé par le tueur délibéré à l'assassiner (en faisant preuve de beaucoup de maladresses dans son imprudence, voir de ridicule à travers son orgueil comme celui de courir sur la toiture d'une maison pour terrifier ses victimes ou de leur balancer par la fenêtre divers outils de garage !).

Truffé d'incohérences (le vrai coup de feu dans le musée juste avant l'intervention insouciante d'un couple de pèlerins), de facilités (Billy trouvant refuge comme pas hasard dans la voiture du tueur) et de rebondissements crétins (la trouvaille binaire pour relancer l'action finale), la Vallée de la mort cultive le minimum syndical pour divertir le spectateur embarqué dans un survival à suspense pour autant jamais ennuyeux. Car à force de naïveté, du surjeu de certains seconds-rôles (la baby-sitter ventripotente, le serial-killer dénué du moindre charisme patibulaire), de la bouille avenante de Peter Billingsley et de l'aspect facétieux des courses-poursuites meurtrières, la Vallée de la mort amuse la galerie de par sa dérision involontaire et son absence de prétention. A titre subsidiaire, on peut notamment se réconforter auprès de son cadre naturel joliment photographié et auprès de 2/3 petites scènes gores étonnamment complaisantes (le coup de pieu, les 2 égorgements quasi filmés en gros plan).

*Bruno
2èx

Les Chatouilles

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Andréa Bescond et Éric Métayer. 2018. France. 1h43. Avec Andréa Bescond, Cyrille Mairesse, Karin Viard, Clovis Cornillac, Pierre Deladonchamps, Grégory Montel

Sortie salles France: 14 Novembre 2018

FILMOGRAPHIE: Andréa Bescond, née le 12 juin 1979 en Bretagne, est une danseuse, comédienne, metteuse en scène, scénariste et réalisatrice française. 2018: Les Chatouilles.
Éric Métayer est un comédien et metteur en scène de théâtre français né le 23 janvier 1958 à Paris.

"1 enfant sur 5 est victimes de violences sexuelles selon le conseil de l'Europe. 
700 enfants par an meurent des suites de maltraitance en France."
Electro-choc d'une rigueur émotionnelle proche du malaise (tout du moins auprès du public le plus sensible), Les Chatouilles traite de la pédophilie avec un vérisme hallucinant de vérité. Tant auprès de la prestance écorchée vive de la réalisatrice et actrice André Bescond, (elle même victime d'abus sexuels durant son enfance), puisque portant le film sur ses épaules avec une puissance d'expression quasi névralgique; que de la mise en scène aussi bien inventive que chiadée naviguant avec les ruptures de ton sous l'impulsion d'un montage d'une fluidité géométrique (on peut même parler de modèle du genre !). D'ailleurs, à travers la féerie d'un climat tantôt surréaliste dégageant une énergie inouïe autour du personnage instable d'Odette, André Bescond nous radiographie un portrait sensible résolument pulsatile. De par son tempérament à la fois volcanique et pétulant émanant de son trauma infantile et de son appréhension timorée d'hurler sa douleur, son désespoir auprès d'un entourage (familial/amical/conjugal/thérapeutique) contradictoire. Notamment auprès des rapports conflictuels avec sa mère aveuglée par l'orgueil, la condescendance, l'égoïsme et la vanité que Karin Viard (César du Meilleur Second Rôle) exprime avec une conviction infiniment détestable.

Inévitablement bouleversant, parfois même insoutenable sans céder une seule seconde à la complaisance auprès d'un sujet aussi dérangeant (et dieu sait si certaines situations malsaines provoquent la nausée jusqu'au malaise cérébral, voir même viscéral !), Les Chatouilles nous immerge de plein fouet dans l'introspection morale d'Odette (de son enfance martyr à sa maturité troublée) en quête de catharsis. Une danseuse marginale férue d'ambition et tentant d'exorciser ses démons à travers le rythme de son corps épileptique constamment habité par le tempo musical. Ainsi donc, en alternant présent et passé jusqu'à parfois les confondre au sein d'un seul et même plan onirique, les Chatouilles dégage un sentiment de liberté et de légèreté hyper communicatif si bien que la joie "bipolaire" d'Odette nous distille une amère gaieté déstabilisante. Pour autant suffoquant (au sens le plus large) et hyper dérangeant au fil d'un cheminement dramatique davantage ombrageux, les Chatouilles nous met en état de transe de par sa faculté à suggérer de manière aussi singulière que crue le thème de la pédophilie au gré d'un vénéneux climat de liberté permissive. Et ce afin de mieux retranscrire les états d'âme bafoués d'Odette se comportant telle une punkette frondeuse pour pallier  sa détresse morale.

Une Etoile est née.
Sommet d'intensités fébriles à travers la frénésie d'émotions aussi bien vertigineuses que décontractées, Les Chatouilles emprunte de manière audacieusement lunaire les ruptures de ton afin de mieux traduire la fracture morale d'une femme violentée en reconstruction identitaire. Traumatisant autant que libérateur, les Chatouilles a beau être glaçant d'horreur innommable, il n'en demeure pas moins digne, salutaire, arc en ciel car porteur d'espoir auprès du fragile témoignage d'Odette timidement délibérée à transcender son handicap moral pour se forger une seconde renaissance. Attention toutefois à la méchante gueule de bois sitôt le générique écoulé ! 

*Bruno

Récompenses: Festival du cinéma américain de Deauville 2018 : Prix d'Ornano-Valenti pour Andréa Bescond et Éric Métayer
Festival du film de Hambourg 2018 — « Voilà! » : Prix du meilleur film pour Andréa Bescond et Éric Métayer
César 2019:
César de la meilleure adaptation pour Andréa Bescond et Éric Métayer
César de la meilleure actrice dans un second rôle pour Karin Viard

Souviens-toi l'été dernier

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"I Know What You Did Last Summer" de Jim Gillespie. 1997. U.S.A. 1h41. Avec Jennifer Love Hewitt, Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe, Freddie Prinze Jr., Bridgette Wilson, Johnny Galecki.

Sortie salles France: 28 Janvier 1998. U.S: 17 Octobre 1997

FILMOGRAPHIE: Jim Gillespie est un scénariste et réalisateur britannique. 1997 : Souviens-toi... l'été dernier. 2002 : D-Tox - Compte à rebours mortel. 2002: The Legacy (télé-film). 2005 : Venom. 2016 : Ransom Games (Titre original : Take down).

Un an après le succès inattendu de Scream, le scénariste Kevin Williamson ne pouvait s'arrêter en si bon chemin pour réactualiser le filon du psycho-killer avec Souviens-toi l'été dernier réalisé par le néophyte Jim Gillespie. Pur produit d'exploitation jouant avec les codes avec une certaine habileté et efficacité, tant auprès du jeu modestement convaincant des comédiens juvéniles (principalement les héroïnes investigatrices que la filiforme Jennifer Love Hewitt monopolise avec une expression aussi bien studieuse que fragile) que de son suspense miraculeusement proéminent, Souviens-toi l'été dernier créé à nouveau la surprise, aussi mineur soit son concept éculé. Ainsi donc, grâce à son intrigue binaire jouant sur le faux semblant auprès de deux tragédies accidentelles; le récit parvient efficacement à se consolider à travers la culpabilité de nos protagonistes (ils furent 1 an au préalable responsables d'un accident de voiture meurtrier avant d'avoir pris la poudre d'escampette) incessamment brimés par un pêcheur affublé d'un crochet. A travers cette astuce iconique, le charisme inédit du tueur masque le ridicule si bien que Jim Gillespie parvient avec savoir-faire à donner chair à ce personnage fantomatique à travers les poncifs du tueur apathique coursant ses victimes en toute tranquillité.

On peut d'ailleurs à cette occasion ironique aimablement sourire de son final haletant en bonne et due forme lorsque ce dernier s'enjaille à persécuter le duo survivant réfugié au sein de son bateau labyrinthique. Et ce en multipliant les tentatives criminelles à l'instar d'un Vendredi 13 à la fois lambda et frénétique. Pour autant, et j'insiste là encore sur le jeu honorablement "humain" des comédiens (même si parfois ça hurle un peu trop auprès des filles transies de panique !), nos 4 protagonistes communément en proie au remord, au scepticisme et à l'appréhension parviennent à intensifier leur cheminement de survie de par leur détermination investigatrice anti écervelée. Alors oui bien sûr, certains clichés font tâche lors de situations gentiment incohérentes (le sort gratuit auprès de 2 victimes lambda) ou idées prévisibles parfois un peu trop tirées par les cheveux (les cadavres disparaissant comme par enchantement, le faux coupable impliqué dans le domicile de l'assassin), mais pour autant le savoir-faire de la mise en scène parvient à transcender ses couacs narratifs, notamment grâce à son ambiance horrifique évoluant autour du cadre inédit d'une bourgade côtière (l'immersion fait admirablement son effet). On s'étonne d'autre part d'une jolie séquence de course-poursuite meurtrière, de par sa cruauté requise lors du dénouement escarpé, d'autant plus émaillé d'un onirisme étrangement festif. Il est d'ailleurs dommageable que la violence de Souviens toi... soit un peu trop imberbe afin de ne pas traumatiser les ados en quête de frissons rassurants.

B movie bonnard du samedi soir exploitant le sous-genre (poussif) du psycho-killer avec une certaine forme de respect et de souci esthétique (notamment auprès de sa photo nocturne assez vénéneuse), Souviens-toi l'été dernier lui rend honorablement hommage afin de séduire la nouvelle génération inculte, quand bien même il devrait par la même occasion divertir les aficionados de la génération 80. 

*Bruno
2èx

Signs

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de M. Night Shyamala. 2002. U.S.A. 1h46. Avec Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin, Abigail Breslin, Cherry Jones, Patricia Kalember, Merritt Wever.

Sortie salles France: 16 Octobre 2002. U.S: 2 août 2002

FILMOGRAPHIE: M. Night Shyamalan est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, d'origine indienne, né le 6 Août 1970 à Pondichéry. 1992: Praying with Angers. 1998: Eveil à la vie. 1999: Sixième Sens. 2000: Incassable. 2002: Signs. 2004: Le Village. 2006: La Jeune fille de l'eau. 2008: Phenomènes. 2010: Le Dernier maître de l'air. 2013: After Earth. 2015: The Visit. 2017: Split. 2019: Glass.

Oeuvre magnifique touchée par la grâce de sa pudeur humaine en voie d'espoir et de réconciliation, Signs milite pour la foi au démiurge (ou tout du moins en une force supérieure) parmi le témoignage d'une famille en berne tentant de saisir le sens du deuil inéquitable par l'entremise d'une invasion extra-terrestre. Si bien qu'ici M. Night Shyamalan nous livre l'antithèse d'Indépendance Day de par son parti-pris éthéré à retarder au maximum l'apparition extra-terrestre sous l'impulsion du pouvoir de suggestion. Ainsi donc, grâce à ce refus démonstratif d'une invasion à grande échelle que l'on discernera uniquement à travers les infos TV ou dans les champs de maïs (les fameux cercles de culture), Signs fascine et inquiète à la fois. De par le brio de sa mise en scène épurée et surtout le jeu si naturel des comédiens terriblement attachants au sein de leur communion fraternelle (casting hors pair j'vous dis !). On peut d'ailleurs féliciter M. Night Shyamalan (digne héritier de Spielberg dans son art de conter, dans son sens du merveilleux et dans la profonde humanité des personnages !) grâce à sa faculté innée d'y diriger la candeur des enfants terriblement expressifs, poignants, émouvants à travers leur capacité de réflexion, voir même leur bagage culturel (je songe au fils aîné particulièrement érudit pour ce qui tourne autour de l'astrologie et l'éventuelle existence des OVNI).

Car aussi bouleversant soit-il (pour ne pas dire déchirant lors d'une ultime retrouvaille morbide, une séquence gravée dans ma mémoire de par l'acuité d'un regard aussi effrayé et désespéré que moribond), Signs ne s'apitoie pas sur le sort des personnages incessamment mis à l'épreuve du courage, de l'espoir, de la résilience, de la persévérance, (voire de l'adversité également) afin de redorer un sens à leur existence éplorée. Qui plus est, parmi cette touche de sensibilité prude jamais complaisante, le cinéaste parvient à capter les silence entre les mots pour les remplir de sens, d'humanité de par ses regards anxiogènes pour autant confrontés à canaliser leurs angoisses de trépasser. L'intrigue de Signs utilisant donc le prétexte d'une hostilité extra-terrestre afin d'y dresser avec fine attention psychologique la reconstruction morale de cette famille brisée par l'injustice du deuil mais délibérée à combattre leurs démons internes (principalement le père de famille rongé par la désillusion que Mel Gibson incarne avec une force d'expression saillante, davantage émouvante). Ainsi donc, en les confrontant à un contexte de survie au coeur de leur cocon familial, et en les mettant à l'épreuve de la paranoïa et de la peur la plus interrogative, l'intrigue de Signs les convergent à une remise en question cérébrale par le biais d'une réflexion sur le hasard et les signes (ou les miracles) que chaque être humain pourrait témoigner selon son idéologie existentielle.

Détruire une vie pour en sauver une autre.
Aussi bien fascinant qu'excitant (ah ces 2 furtives apparitions extra-terrestres entrevues à travers une fenêtre puis le reflet d'un téléviseur !), poignant et bouleversant auprès d'une intensité exponentielle, Signs traite de la gravité d'un argument fantastique pour mieux opposer la réflexion spirituelle / athéiste sur les coïncidences et les signes que chacun de nous pourrait théoriser selon nos fondements personnels. En tous état de cause, M. Night Shyamalan nous livre ici (avec le splendide Sixième Sens tout aussi vibrant d'humanisme et optimiste quant à la question de l'au-delà) son oeuvre la plus sensible, la plus fragile, la plus personnelle, la plus positive du point de vue d'un drame familial mis à l'épreuve de la confiance en soi et en l'avenir en y réprimant leurs peurs les plus répréhensibles. A condition de croire en son destin (tracé d'avance ?). 

*Bruno
2èx

Matrix

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Lana et Lilly Wachowski. 1999. U.S.A. 2h16. Avec Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Laurence Fishburne, Hugo Weaving, Gloria Foster, Joe Pantoliano, Marcus Chong.

Sortie salles France: 23 Juin 1999

FILMOGRAPHIE: Lana Wachowski, née le 21 Juin 1965 à Chicago, et Lilly Wachowski, né le 29 Décembre 1967 à Chicago sont des réalisatrices américaines. 1996: Bound. 1999: Matrix. 2003: Matrix Reloaded. 2003: Matrix Revolutions. 2008: Speed Racer. 2012: Cloud Atlas. 2015: Jupiter: le Destin de l'Univers.

« Nous vous l’avions bien dit, ça devait arriver : à force de produire des machines pour vous servir, vous êtes devenus vous-mêmes les esclaves de vos instruments. »
— Patrice Maniglier,

Le pitch: Thomas A. Anderson apprend via son ordinateur personnel que sa propre réalité n'est qu'un monde virtuel régi par une machine incontrôlable, la matrice. Avec l'aide de Morpheus, Trinity et quelques acolytes, il tentera néanmoins de contrecarrer son emprise planétaire ayant réduit les êtres humains en esclaves dans leur cocon virtuel. 

Phénoménal succès international lors de sa sortie, Matrix est parvenu à révolutionner la science-fiction (aussi multi référentiel soit-il !) via ses FX numériques redoutablement inventifs et percutants, ainsi que son stimulant concept de base alertant des dangers de l'informatique apte à asservir notre condition terrestre dans un avenir prochain. Et si aujourd'hui ce divertissement métaphysique préserve son pouvoir de fascination, il le doit autant à sa fulgurance visuelle (d'autant plus chorégraphique auprès des gunfights et arts-martiaux hyper musclés si bien que la rigueur des coups portés s'avèrent étonnamment crédibles) qu'à sa complexité narrative truffée de thèmes éthiques sur l'origine de la vie et l'existence d'un Dieu créateur, sur le contrôle des masses à travers l'esclavage de nos sociétés modernes, sur la chimère de notre réalité (la vie n'est qu'un long rêve dont la mort nous réveille) et sur la confiance en sa propre foi afin de se surpasser et par la même occasion influencer la démographie humaine.

Sobrement interprété par des acteurs clinquants affublés de cuir et latex au sein d'une vénéneuse ambiance néo-gothique, Matrix est prioritairement guidé par l'intensité charismatique de Keanu Reeves en pleine notoriété. Héros juvénile en herbe en voie d'héroïsme (aussi bien corporel que cérébral) si bien que le cheminement narratif (combat stoïque entre le bien et le mal) dépend de l'audace de ses stratégies belliqueuses notamment à travers sa capacité à se remettre en question (et ce grâce à son mentor Néo mais aussi aux préceptes de l'oracle). Et si sa dernière demi-heure avait gagné à être un peu moins homérique à travers la récurrence de son action outre-mesure, on reste pour autant plaqué au siège de par la vigueur de son imagerie électrisante laissant libre court à une virtualité dystopique à la fois délétère, tentaculaire, insidieuse (pour ne pas dire cauchemardesque !). Un excellent divertissement donc, carré, efficace, stylisé, voir même subtilement charnel (uniquement pour la présence de l'envoûtante Carrie-Anne Moss apportant une petite notion romantique à l'intrigue) même si son melting-pot philosophique pourrait faire grincer des dents aux plus exigeants.

*Bruno
3èx

Récompenses: Oscars 2000
Meilleur montage
Meilleurs effets visuels
Meilleur montage de son
Meilleur mixage sonore
BAFTA 2000
Meilleur son
Meilleurs effets visuels
26e cérémonie des Saturn Awards 2000
Meilleur film de science-fiction
Meilleure réalisation
Empire Awards 2000
Meilleur film
Meilleur espoir féminin pour Carrie-Anne Moss

Planète Hurlante

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Screamers" de Christian Duguay. 1995. U.S.A/Canada/Japon. 1h48. Avec Peter Weller, Andrew Lauer, Jennifer Rubin, Roy Dupuis, Charles Edwin Powell, Ron White.

Sortie salles France: 10 Juillet 1996. U.S: 26 Janvier 1996

FILMOGRAPHIE: Christian Duguay est un réalisateur, directeur de la photographie, monteur et compositeur québécois, né en 1957 à Montréal (Québec, Canada). 1991 : Scanners II : La nouvelle génération. 1992 : Scanners III. 1992 : Explosion immédiate. 1995 : Planète hurlante. 1997 : Contrat sur un terroriste. 2000 : L'Art de la guerre. 2002 : The Extremists. 2007 : Suffer Island. 2010 : Pie XII, sous le ciel de Rome. 2013 : Jappeloup. 2015 : Belle et Sébastien : L'aventure continue. 2017 : Un sac de billes.

Le pitch: Nous sommes en 2078 sur la planète Sirius 6B. L'Alliance, regroupement de mineurs qui s'oppose à un puissant consortium du NBE qui extrait un minerai radioactif, va devoir affronter dans sa lutte une redoutable armée, les Screamers, robots autonomes enfouis dans le sol qui détectent tout ce qui vit et l'exterminent. Le colonel Hendricksson, commandant de l'Alliance, va essayer de sauver les quelques mineurs rescapés.

Excellente série B des années 90 oubliée de nos jours, tant et si bien qu'à l'époque il fut boudé par le public ainsi qu'une partie de la critique, Planète Hurlante détonne par sa sobriété adulte à travers le moule du divertissement trivial. Car si l'intrigue un chouilla confuse (selon moi) s'avère peu surprenante de par sa trajectoire de survie qu'une poignée de mineurs arpentent fébrilement au sein d'un immense hangar industriel (pour le décrire vulgairement), Planète Hurlante fait preuve d'une inopinée maturité afin d'y traiter une odyssée humaine en quête d'havre de paix (celle d'y rejoindre la Terre). Et donc à travers leur périple investigateur à dénicher un chef ennemi pour y signer un accord, Planète Hurlante exploite efficacement la menace androïde des "hurleurs" (sorte de rats décharnés uniquement constitués de métal !) délibérés à exterminer la race humaine. Seulement, depuis quelques années, ces derniers ont tant évolué que d'autres modèles d'origine inconnue parviennent à tromper l'oeil humain de manière lestement insidieuse.

Christian Duguay jouant évidemment avec la paranoïa des survivants (façon The Thing) sévèrement mis au défi par un ennemi en trompe-l'oeil. Et ce à travers une moisson de rebondissements difficilement anticipable jusqu'au final aussi bien explosif que touchant quand on y traite sensiblement Spoil ! de romance artificielle Fin du Spoil. Qui plus est, nanti de décors industriels et naturels limités au sein d'un environnement réfrigérant, le cinéaste parvient pour autant à crédibiliser sa topographie en prenant son temps à planter son univers dystopique et ses personnages contradictoires évoluant de manière indécise. Ainsi donc, nous parvenons facilement et rapidement à nous familiariser avec ces héros de dernier ressort, de par la force tranquille et de sûreté que Peter Weller parvient sobrement à régenter en leader loyal, quand bien même son entourage (amical et étranger) assez bipolaire provoque doute, réflexion et questionnement quant à leurs véritables intentions, notamment eu égard de la fébrilité névrotique de certaines inimitiés. Enfin, on peut également relever le réalisme des effets spéciaux (tant en numérique qu'en matte-painting) la plupart du temps assez crédibles, notamment pour s'impressionner de la vélocité des "hurleurs" départagés en trois modèles. A moins que le doute y soit à nouveau de rigueur lors d'une conclusion mutique aussi bien couillue qu'équivoque !

A (re)découvrir sans réserve tant Christian Duguay s'avère franchement intègre et inspiré pour nous tailler un modeste spectacle d'anticipation (l'action s'y fait d'autant plus rare) où prime plus que tout son efficacité narrative (aussi éculée soit l'odyssée de survie) et la fragilité (ambiguë) de ses personnages soigneusement dessinés ! 

*Bruno
3èx

Massacre à la Tronçonneuse 2

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site gallerytheimage.com

"The Texas Chainsaw Massacre 2" de Tobe Hooper. 1986. U.S.A. 1h40. Avec Dennis Hopper, Caroline Williams, Jim Siedow, Bill Moseley, Bill Johnson, Ken Evert, Harlan Jordan, Kirk Sisco.

Sortie salles France: 21 Janvier 1987. U.S: 22 Août 1986

FILMOGRAPHIE: Tobe Hooper est un réalisateur américain né le 25 Janvier 1943 à Austin (Texas). 1969: Eggshells, 1974: Massacre à la Tronçonneuse, 1977: Le Crocodile de la Mort, 1979: The Dark (non crédité), 1981: Massacre dans le Train Fantôme, 1982: Poltergeist, 1985: Lifeforce, 1986: l'Invasion vient de Mars, Massacre à la Tronçonneuse 2, 1990: Spontaneous Combustion, 1993: Night Terrors, 1995: The Manglers, 2000: Crocodile, 2004: Toolbox Murders, 2005: Mortuary, 2011: Roadmaster.

12 ans après avoir révolutionné l'horreur crapoteuse avec l'emblématique Massacre à la Tronçonneuse, Tobe Hooper prend le contre-pied de son modèle à travers une séquelle semi-parodique. Echec commercial à sa sortie alors que la critique lui fit également grise mine, Massacre à la Tronçonneuse 2 prend l'énorme risque d'y désamorcer la crudité malsaine de son modèle en privilégiant la dérision cartoonesque, et ce afin de relancer une seconde fois l'intérêt des exactions cannibales de la famille Sawyer. Témoin auditrice d'un double assassinat depuis sa station de radio, l'animatrice Stretch Brock se confronte rapidement à l'accueil improvisé des tueurs cannibales Chop Top et Leatherface après avoir osé retransmettre sur les ondes les hurlements stridents des victimes. Chargé de l'enquête, le lieutenant "lefty" Enright cherche de son côté à se venger des auteurs de la mort de Franklin Hardesty avec l'appui d'une tronçonneuse. Après avoir échappé à la mort lors d'une altercation sanglante dans sa station, Stretch Brock prend en filature Leatherface et Chop Top confinés dans les sous-sols d'un abattoir désaffecté. C'est à ce moment même que Lefty s'engage également à arpenter le dédale depuis que l'animatrice est retenue prisonnière. 

Nanti d'un scénario avare en rebondissements, si ce n'est l'idylle amoureuse que Leatherface éprouve pour Stretch et la confrontation épique à la tronçonneuse entamée entre lui et le lieutenant Lefty, Massacre à la Tronçonneuse 2 pâti d'une structure narrative peu surprenante à travers les agissements meurtriers de la famille Sawyer contraints de perpétrer leur tradition parmi l'appui du grand-père sénile. Ainsi, afin de dynamiser l'intrigue et rendre l'ensemble ludique, Tober Hooper compte sur la posture belliqueuse de Dennis Hopper et l'extravagance des antagonistes s'égosillant et grimaçant à tout va pour provoquer l'émoi afin de conquérir le spectateur partagé entre (sou)rire amusé et fascination morbide. Pour ce faire, les maquillages conçus par Tom Savini s'avèrent parfois remarquables de réalisme (à l'instar du dépeçage humain pratiqué sur une des victimes) si on épargne deux effets rustres (les bidoches éventrées à la tronçonneuse) lors du final grand-guignolesque. Ainsi donc, à travers un enjeu de survie carburant à l'hystérie collective, c'est donc une course poursuite haletante que nous retrace Tobe Hooper sous l'impulsion fraternelle d'une animatrice radio et d'un lieutenant pugnace, pris à parti avec les élucubrations macabres des Sawyer. Le cinéaste misant également beaucoup sur l'esthétisme de l'abattoir souterrain transfiguré ici en parc d'attraction de tous les dangers (chausse trappe à l'appui). Et si l'ambiance hybride adopte parfois les ruptures de ton à travers un goût vitriolé pour la cruauté sardonique (la condition écorchée vive de l'adjoint de Stretch ainsi que la séance traditionnel du "marteau" provoquent le malaise !), l'humour volontairement railleur et le jeu sciemment outrancier du casting risquent de faire grincer des dents auprès du public non averti, rebuté ou pisse-froid, c'est selon.

Nanti d'un sens du détail inventif à travers la description physique des personnages lunaires festoyant autour d'un parc d'attraction macabre, et ponctué de moments angoissants (la 1ère intervention de Chop Top), intenses ou éprouvants (son prologue halluciné, l'altercation sanglante dans la station ou encore le soutien sentencieux entre deux victimes défigurées !), Massacre à la Tronçonneuse 2 oscille entre qualités et (menus) défauts. Faute de sa dérision un brin lourdingue par moments, et ce en dépit de la spontanéité des comédiens survoltés (mention spéciale à Caroline Williams assez expressive dans sa condition d'animatrice molestée en proie à la démence !). Que l'on adhère ou pas, force est toutefois de reconnaître que Tobe Hooper a ici tenté de pousser à l'extrême l'humour noir de son modèle à travers un concentré de cartoon horrifique limite bipolaire.  

*Bruno
07.03.19. 5èx
24.06.15. 126 v