jeudi 28 février 2013

MEURTRES SOUS CONTROLE (God Told Me To). Prix Spécial du Jury à Avoriaz, 1977

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site torrentbutler.eu

de Larry Cohen. 1976. U.S.A. 1h30. Avec Tony Lo Bianco, Deborah Raffin, Sandy Dennis, Sylvia Sidney, Sam Levene, Robert Drivas, Mike Kellin, Richard Lynch.

Sortie salles France: 11 Juillet 1979. U.S: Novembre 1976

Distinction: Prix Spécial du Jury à Avoriaz en 1977

FILMOGRAPHIE: Larry Cohen est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 15 Juillet 1941. Il est le créateur de la célèbre série TV, Les Envahisseurs.
1972: Bone, 1973: Black Caesar, Hell Up in Harlem, 1974: Le Monstre est vivant, 1976: Meurtres sous contrôle, 1979: Les Monstres sont toujours vivants, 1982: Epouvante sur New-York, 1985: The Stuff, 1987: La Vengeance des Monstres, Les Enfants de Salem, 1990: l'Ambulance.
- Comme Producteur: Maniac Cop 1/2/3.
- Comme Scénariste: Cellular, Phone Game, 3 épisodes de Columbo.


Deux ans après son cultissime Le monstre est Vivant, Larry Cohen continue d'ébranler le public avec beaucoup plus d'impertinence et de provocation dans Meurtres sous contrôle, couronné lui aussi du Prix Spécial du Jury à Avoriaz. Partant d'un pitch scabreux ciblant les doctrines religieuses, cette série B filmée à la manière d'un reportage puise sa force dans l'originalité d'un scénario d'une audace inouïe ! En pleine agglomération new-yorkaise, une multitude d'assassinats gratuits sont commis sur des piétons par des tireurs isolés ! Ces tueurs déterminés ont tous comme point commun d'avoir perpétré leurs actes sous l'allégeance d'une divinité. Puisqu'au moment de leur interpellation, chacun s'est contenté de déclarer: Dieu me l'a ordonné ! Enquêtant sur cette vague de crimes incontrôlés, le lieutenant Peter J. Nicholas part à la découverte d'une horrible révélation !


Film choc à l'atmosphère glauque et dérangeante, Meurtres sous contrôle et le genre d'ovni hybride habité par une entité malfaisante. Pour renforcer son climat de malaise anxiogène, la mise en scène très réaliste exploite judicieusement ses décors urbains pour nous plonger dans les bas fonds new-yorkais peuplé de marginaux et d'individus névrosés ! D'ailleurs, les premiers massacres imposés par les tueurs fous frappent le spectateur, épris de stupeur par son réalisme cinglant pris sur le vif ! Culpabilisant méthodiquement la responsabilité de ces meurtres à Dieu, un sentiment d'inquiétude commence à s'insinuer lentement dans notre esprit au fil de l'investigation policière du lieutenant pratiquant. Sa détermination à daigner découvrir la vérité sur une potentielle conjuration évangélique va notamment lui permettre de renouer avec son étrange passé. Une quête identitaire en somme auquel son enquête va peu à peu remettre en doute sa foi suprême pour l'existence de Dieu. En réalisateur frondeur, Larry Cohen remet donc en cause les croyances religieuses et aborde une réflexion métaphysique sur l'origine de l'existence, le fanatisme ainsi que l'idéologie du bien et du mal. Jalonné de revirements effrayants et de visions oniriques infernales, Meurtres sous contrôle illustre de manière âpre la descente aux enfers d'un homme discrédité de sa véritable identité, car soudainement confronté à une destinée athée.


Habité par la prestance transie d'émoi du méconnu Tony Lo Bianco, Meurtres sous contrôle est un bad trip agnostique auquel le spectateur semble, comme son protagoniste, le cobaye d'une révélation mystique régie par le mal. Dérangeant, malsain et véritablement troublant, ce film culte n'a rien perdu de sa puissance évocatrice, d'autant plus que son thème religieux se révèle plus que d'actualité dans ces moments de discorde obscurantiste.

28.02.13. 3èx
Bruno Matéï


mercredi 27 février 2013

PEUR SUR LA VILLE

                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site archives.hauts-de-seine.net

d'Henri Verneuil. 1974. France/Italie. 2h04. Avec Jean Paul Belmondo, Charles Denner, Adalberto Maria Merli, Jean Martin, Lea Massari, Rosy Varte, Catherine Morin, Jean-François Balmer, Roland Dubillard.

Sortie salles France: 9 Avril 1975

FILMOGRAPHIE: Henry Verneuil (de son vrai nom Achod Malakian) est un réalisateur et scénariste  français d'origine arménienne, né le 15 Octobre 1920 à Rodosto, décédé le 11 Janvier 2002 à Bagnolet.
1951: La Table aux crevés. 1952: Le Fruit Défendu. 1952: Brelan d'As. 1953: Le Boulanger de Valorgue. 1953: Carnaval. 1953: l'Ennemi public numéro 1. 1954: Le Mouton a 5 pattes. 1955: Les Amants du Tage. 1955: Des Gens sans importance. 1956: Paris, palace Hôtel. 1957: Une Manche et la belle. 1958: Maxime. 1959: Le Grand Chef. 1959: La Vache et le Prisonnier. 1960: l'Affaire d'une Nuit. 1961: Le Président. 1961: Les Lions sont lâchés. 1962: Un Singe en Hiver. 1963: Mélodie en sous-sol. 1963: 100 000 Dollars au Soleil. 1964: Week-end à Zuydcoote. 1966: La 25è Heure. 1967: La Bataille de San Sebastian. 1969: Le Clan des Siciliens. 1971: Le Casse. 1972: Le Serpent. 1975: Peur sur la ville. 1976: Le Corps de mon ennemi. 1979: I comme Icare. 1982: Mille Milliards de Dollars. 1984: Les Morfalous. 1991: Mayrig. 1992: 588, rue du Paradis.


Gros succès populaire de l'époque, (près de 4 millions d'entrées dans l'hexagone !), Peur sur la Ville est un thriller vertigineux sublimé par la présence de notre Bebel national. L'acteur pugnace multipliant des risques inconsidérés pour l'entreprise de ces cascades non doublées. Opposé à la présence charismatique de l'acteur interlope Adalberto Maria Merli en maniaque borgne, leur confrontation s'avère une incessante course poursuite à travers l'urbanisation de la banlieue parisienne. Produit entre la France et l'Italie, on sent l'inspiration giallesque de son intrigue criminelle illustrant les exactions d'un tueur ganté sexuellement refoulé, et donc délibéré à supprimer les femmes émancipées. Sous couvert de sa pathologie misogyne, Henry Verneuil en profite pour dresser un regard social sur la liberté sexuelle de l'époque quand les films pornographiques en ascension envahissaient certaines salles de cinéma.


Pour corser l'investigation policière menée par le commissaire Letellier et épaulé de son bras droit Moissac (Charles Denner, parfait de sobriété en inspecteur flegme), une autre traque leur ait notamment imposée afin d'apalguer un dangereux braqueur en fuite. A ce titre, l'interminable poursuite échevelée entamée par nos flicards à travers les ruelles parisiennes bondées d'automobilistes et de piétons se révèle un modèle d'efficacité ! Tentant d'interpeller successivement deux individus en fuite au même instant, l'action redouble d'intensité pour établir à nos héros deux itinéraires contradictoires. Un dilemme inespéré jusqu'au moment où Letellier, épris de vengeance, décide de se rétracter pour finalement interpeller le braqueur criminel ! En casse-cou stoïque, Jean Paul Belmondo s'élance également sur les toitures des immeubles, accourt à travers les galeries marchandes et bondit sur les rames de métro avec une persuasion suicidaire ! Passé ce florilège de séquences vertigineuses réalisées avec souci de réalisme et extrême rigueur, Henry Verneuil continue de susciter une angoisse sous-jacente sous le mode opératoire du suspense progressif afin de parfaire les inévitables provocations délétères d'un tueur plutôt rusé.


Rythmé par le score haletant d'Ennio Morricone et déployant avec une rare efficacité nombre de péripéties cinglantes dans une mise en scène avisée, Peur sur la Ville constitue un classique du thriller et du polar. Un concentré d'action, de suspense et d'angoisse réfutant l'esbroufe gratuite et redoublant d'intensité par son réalisme inflexible. Enfin, Henri Verneuil n'oublie pas pour autant d'ajouter une certaine dérision chez la verve du duo formé par Bebel et Denner auquel les dialogues ciselés de Francis Veber font mouche. 

27.02.13. 3èx
Bruno Matéï


mardi 26 février 2013

RUE BARBARE

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site board.bloodsuckerz.net

de Gilles Béhat. 1984. France. 1h47. Avec Bernard Giraudeau, Christine Boisson, Bernard-Pierre Donnadieu, Michel Auclair, Jean Pierre Kalfon, Corinne Dacla, Nathalie Courval, Jean Pierre Sentier,  Jean Claude Dreyfus, Jean-Claude Dreyfus, Jean-Claude Van Damme (figurant, scène d'arrivée dans la police).

Sortie salles France: 4 Janvier 1984

FILMOGRAPHIE:  Gilles Béhat (Gilles Marc Béat) est un réalisateur et acteur français, né le 3 Septembre 1949 à Lille (Nord).
1978: Haro. 1981: Putain d'histoire d'amour. 1984: Rue Barbare. 1985: Urgence. 1986: Charlie Dingo. 1986: Les Longs Manteaux. 1988: Le Manteau de Saint-Martin. 1990: Dancing Machine. 1994: Le Cavalier des nuages. 1997: Un Enfant au soleil. 2000: Une Mère en colère. 2009: Diamant 13.


Enorme succès (surprise !) à sa sortie (4,5 millions d'entrées en France !), Rue Barbare avait provoqué un tollé de la part des critiques bien pensantes, n'y voyant comme de coutume qu'un pseudo film d'action se complaisant dans une violence putassière. D'après un roman de David Goodis, Gilles Béhat ne cache pas son inspiration au film de Beinex, la Lune dans le Caniveau, pour transcender le climat insolite d'une banlieue crépusculaire fréquentée par des voyous sans vergogne. Ce qui frappe d'emblée quand on revoit aujourd'hui Rue Barbare, c'est l'onirisme stylisé qui émane d'un quartier glauque totalement livré à la délinquance criminelle. Une véritable faune de rockers délurés occupant les sous-sols des immeubles ou scrutant les ruelles borgnes pour agresser, violer, assassiner les plus démunis sous l'allégeance du leader Matt. Au milieu de cette jungle urbaine en décrépitude, un ancien voyou aujourd'hui reconverti décide de porter secours à une jeune asiatique molestée. Son assistance va sévèrement contrarier son ex ami Matt qui avait envisagé de kidnapper la gamine.


La grandiloquence théâtrale des dialogues, le comportement erratique des marginaux et l'atmosphère fantasmatique qui imprègne le récit nous désarçonnent par son ton résolument décalé, proprement atypique. Grâce au naturel décomplexé des interprètes, Rue Barbare attise un pouvoir de fascination irrémédiable ainsi qu'une empathie octroyée à l'errance désenchantée d'un ancien rebelle contrarié par la repentance et la vengeance. Un homme solitaire co-habitant parmi la présence de sa famille et de son épouse au sein d'un appartement sordide, mais épris d'affection pour une ancienne idylle corrompue. Pour incarner ce rôle, Bernard Giraudeau réussit admirablement à insuffler une densité humaine mêlée de désespoir dans ses décisions indécises à prémunir son honneur et sa tendresse impartie aux deux femmes. En compagne esseulée assujettie à l'autorité de Matt, Christine Boisson incarne un superbe portrait de femme versatile au caractère bien trempé, notamment pourvue d'une sensualité torride dans sa silhouette longiligne. En mafieux corrompu par sa haine orgueilleuse, l'imposant Jean Pierre Donnadieu magnétise l'écran d'une manière insidieuse afin d'imposer son autorité déloyale à ses sbires désoeuvrés. Tous les autres seconds rôles qui jalonnent le récit accordent autant de crédit et adoptent une posture extravagante (parfois caricaturale aussi !) dans leur condition dépravée de délinquants en perdition.
Pour parachever, un dernier mot sur l'ultime confrontation physique allouée aux deux antagonistes qui aura fait couler tant d'encre à l'époque de sa sortie. Un combat de corps à corps d'une sauvagerie inouïe car perpétré à mains nues, coup de chaîne, barre de fer et poing américain ! Point d'orgue chorégraphique de violence barbare à l'intensité plutôt crue et sanguinolente ! (les visages tuméfiés transpirent de sang et de sueur).


Soutenu par la musique envoûtante de Bernard Lavilliers, Rue Barbare est un film inclassable illustrant d'une manière toute personnelle l'insécurité envahissante des quartiers défavorisés, là où toute présence policière est illusoire. Son onirisme poétique et l'ambiance insolite qui s'y dégagent préservent une oeuvre étrange ancrée dans les années 80 auquel son look rétro dégage un charme proprement singulier. 

A Pascal...
26.02.13
Bruno Matéï


vendredi 22 février 2013

DAGMAR: L'AME DES VIKINGS (Flukt / Escape)

                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site alapoursuitedu7emeart.over-blog.net

de Roar Uthaug. 2012. Norvège. 1h18. Avec Isabel Christine Andreasen, Ingrid Bolso Berdal, Milla Olin, Hallvard Holmen, Kristian Espedal.

FILMOGRAPHIE: Roar Uthaug est un réalisateur, scénariste et producteur norvégien, né le 25 Août 1973 à Lorenskog dans le comté d'Akershus en Norvège.
1994: En aften i det gronne. 1996: DX13036. 1998: A fistful of kebab. 2002: Regjeringen Martin. 2006: Cold Prey. 2009: Le secret de la Montagne Bleue. 2012: Flukt.


Uniquement connu dans l'hexagone pour son dyptique Cold Prey, excellents slashers norvégiens à l'ambiance réfrigérante, Roar Uthaug s'essaye au genre médiéval avec Flukt (en français: l'échappée !). Film d'aventures épique sublimé par la splendeur de ces décors naturels dans une photo immaculée, le réalisateur emprunte à nouveau le schéma du survival pour retracer la traque impitoyable d'une orpheline poursuivie par une leader pugnace et ses sbires barbares.
Après avoir massacré sous ses yeux sa famille qui tentait de fuir la peste noire, la guerrière Dagmar décide de prendre en otage son unique survivante, une jeune fille de 19 ans. Avec l'aide du rejeton de la mégère, Signe réussit à se défaire de son cordage pour prendre communément la fuite à travers bois. Le début d'une traque sans relâche va commencer afin de retrouver en vie la petite Frigg et sacrifier la fugitive.


A travers un script entièrement consacré à la quête vengeresse, Roar Uthaug entreprend un film d'aventures haletant dont l'intensité émotionnelle s'avère l'une de ces qualités les plus prégnantes. Si l'histoire se révèle assez simpliste, la densité psychologique des personnages motivés par la haine et la rancune apporte une dimension humaine ambivalente. Véritable réflexion sur la vengeance, Flukt est une odyssée homérique où les bons et les méchants ne font plus qu'un dans leur psychisme tourmenté. ATTENTION SPOILER !!! Si de prime abord, la prédatrice nous apparaît comme une guerrière barbare éludée de vergogne, son passé torturé va nous dévoiler qu'elle était autrefois une mère de deux enfants, victime innocente de l'intolérance de l'homme superstitieux. Rongée par la douleur maternelle et l'injustice, sa haine incurable va la contraindre à se convertir en justicière irréductible. FIN DU SPOILER. Du point de vue de la jeune victime incessamment poursuivie, Signe va finalement emprunter le même cheminement vindicatif mais en préservant toutefois une humilité dans son humanisme déchu. Cette confrontation intense inscrite dans la tragédie va converger vers une traque palpitante jalonnée de sauvages altercations entre rivaux, mais aussi de moments intimistes pleins de pudeur. C'est dans cette relation amicale et maternelle entretenue avec Signe et Frigg que le réalisateur instaure une inévitable empathie pour ces filles démunies. Avec une émotion candide, les thèmes des valeurs familiales, de la solidarité, de la confiance et du respect d'autrui sont abordés du point de vue de l'innocence bafouée.


D'un réalisme âpre et d'une sauvagerie épique, Flukt est surtout une aventure humaine inscrite dans la dignité féminine pour le refus de subvenir à une barbarie régressive. Son intensité émotionnelle émanant du caractère des personnages, incessamment confrontés à la notion de bien et de mal, transcende un survival initiatique compromis à la fraternité et la quête familiale !

22.02.13
Bruno Matéï

jeudi 21 février 2013

LA NUIT DES VERS GEANTS (Squirm)


de Jeff Lieberman. 1976. U.S.A. 1h33. Avec Don Scardino, Patricia Pearcy, R.A. Dow, Jean Sullivan, Peter MacLean, Fran Higgins.

FILMOGRAPHIE: Jeff Lieberman est un réalisateur et scénariste américain, né en 1947 à Brooklyn, New-York.
1972: The Ringer (court-métrage). 1976: Le Rayon Bleu. 1976: La Nuit des Vers géants. 1980: Doctor Franken (télé-film). 1981: Survivance. 1988: Meurtres en VHS. 1994: But... Seriously (télé-film). 1995: Sonny Liston: The Mysterious life and death of a champion (télé-film). 2004: Au service de Satan.


Plutôt discret et peu lucratif, Jeff Lieberman aura tout de même marqué une génération de cinéphiles avec trois séries B mineures mais plutôt originales et attachantes. Si Survivance reste à ce jour son film le plus convaincant (en priorité au niveau de son ambiance anxiogène littéralement magnétique), notre petit maître du fantastique avait entrepris en 1976 (la même année que l'étonnant le Rayon Bleu), une production fauchée au concept délirant. Imaginez un peu une invasion de vers gluants (le titre français est tout à fait trompeur pour laisser sous entendre qu'ils sont atteints d'une taille irréelle !) après qu'un orage eut entraîné une panne d'électricité dans une bourgade champêtre. Plusieurs pylônes ayant été saccagés par la violence de la tempête, certains câbles s'y sont détachés pour extraire des décharges électriques sur le sol terreux. Dès lors, les vers sont atteints de folie meurtrière ! Mais bien avant cette inévitable invasion, un jeune couple va être témoin d'étranges évènements en lien direct avec les vers !


Avec un pitch aussi improbable que saugrenu, la Nuit des vers géants joue la carte de la pantalonnade grand guignolesque avec une conviction hilarante. La psychologie sommaire des comédiens déversant des tirades incohérentes laisse souvent place à un humour involontaire particulièrement attrayant. Comme ses multiples entretiens que nos deux héros vont être contraints d'établir avec le shérif du coin pour tenter de le convaincre que les morts inexpliqués sont bien la cause d'une attaque de lombrics ! Un cliché éculé qui fonctionne encore au second degré grâce au surjeu des acteurs. Il y a aussi l'apparition grotesque d'un troisième personnage, un paysan déficient empli de jalousie maladive pour la compagne du héros. Un élément perturbateur finalement véreux occasionnant des conflits puérils impartis au triangle amoureux. Entre une conquête amoureuse et la découverte macabre de cadavres décharnés, il faut avouer qu'il ne s'y passe pas grand chose, nos trois témoins déambulant dans une campagne hostile durant une journée solaire. Il faudra donc attendre la nuit pour que l'attaque escomptée ait enfin lieu (les vers ne supportant pas la lumière du jour !). Néanmoins, la bonhomie attachante des protagonistes confrontée aux vicissitudes peu ordinaires rendent leur investigation fantaisiste si bien que l'on ne s'ennuie jamais. En prime, quelques estocades horrifiantes retiennent l'attention comme cette séquence explicite illustrant en mode focale des vers s'infiltrant sous la peau du visage de l'arriéré du village ! Un effet viscéral très efficace auquel les maquillages supervisés par Rick Backer s'avèrent particulièrement spectaculaires dans son réalisme épidermique. Et pour renforcer le caractère crédible de cette répugnante invasion, le réalisateur n'hésite pas à utiliser de véritables invertébrés déployés en masse pour provoquer une stupeur viscérale chez le spectateur. A ce titre, la dernière demi-heure échevelée illustrant des milliers de lombrics s'infiltrant dans les parois des maisons se révèle fertile en visions cauchemardesques particulièrement visqueuses ! Effet répugnant garanti !


Les vers étaient gluants cette nuit-là !
Con comme la lune et empli de maladresse mais irrésistiblement attachant et sympathique pour tous les cintrés de nanar débridé, La nuit des vers géants constitue une modeste série B auquel certaines séquences couillues ne manquent pas de provoquer une véritable révulsion viscérale ! Très plaisant.

21.02.13. 3èx
Bruno Dussart

                                          

mercredi 20 février 2013

BAD TASTE

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site myscreens.fr

de Peter Jackson. 1987. Nouvelle Zélande. 1h31. Avec Peter Jackson, Terry Potter, Pete O'Herne, Craig Smith, Mike Minett, Doug Wren.

Sortie salles France: 24 Août 1988. Nouvelle-Zélande: Décembre 1987

Récompense: Prix du Public Fantafestiva, 1989
Prix Spécial Gore au festival du film fantastique de Paris, 1989

FILMOGRAPHIE: Sir Peter Robert Jackson est un réalisateur, producteur et scénarise néo-zélandais, né le 31 Octobre 1961 à Pukerua Bay, North Island (Nouvelle-Zélande).
1987: Bad Taste. 1989: Les Feebles. 1992: Braindead. 1994: Créatures Célestes. 1995: Forgotten Silver. 1996: Fantômes contre fantômes. 2001: Le Seigneur des Anneaux. 2002: Les Deux Tours. 2003: Le Retour du Roi. 2005: King-Kong. 2009: Lovely Bones. 2012: Le Hobbit: un voyage inattendu. 2013: Le Hobbit: la Désolation de Smaug. 2014: Le Hobbit: Histoire d'un aller et retour.


Dans un petit village, une invasion extra-terrestre décime toute la population. Une équipe de mercenaires est déployée sur les lieux pour éradiquer ces envahisseurs d'un nouveau genre !
Tourné durant 4 ans avec l'aide de fidèles acolytes pour la modique somme de 11 000 dollars, le premier film du néo-zélandais oscarisé est un hommage parodique au cinéma gore et à la science-fiction archaïque. Avec un maximum d'efficacité, notre jeune débutant Peter Jackson réussit à créer un univers singulier dans un florilège d'action incessante et de gore outrancier. Eludant miraculeusement la redondance, la mise en scène agressive, filmée caméra à l'épaule et exploitant le zoom récursif, se révèle particulièrement inventive quand il s'agit de confronter nos héros à moult rixes contre des humanoïdes apathiques. L'action débridée se renouvelant au coeur d'une scénographie éclectique (une falaise, un jardin, une maison familiale, une route nationale, une forêt) que nos héros arpentent à l'instar d'une logistique militaire. Des mercenaires pugnaces donc délibérés à canarder de façon enjouée les zombies androïdes à l'aide de leurs mitraillettes et d'un lance-roquette !


Le lieu peu commun d'un village montagnard de la Nouvelle-Zélande participe notamment au caractère dépaysant de cette drôle d'invasion extra-terrestre confinée au sein d'une demeure familiale. Proche de l'esprit cartoonesque (préfigurant déjà les excès comiques de Brain Dead) et baignant dans un mauvais goût assumé (le festin organisé autour d'une bouillie verdâtre !), Peter Jackson rivalise d'idées grotesques pour nous amuser avec sa sarabande d'E.T cannibales adeptes de chair fraîche ! Avec de faibles moyens, il réussit adroitement à bricoler des effets gores vomitifs aussi spectaculaires qu'incongrus (Dekner se ceinturant le haut de la tête pour éviter que sa cervelle dégouline, le mouton explosé à coup de lance-roquette ou encore les multiples assauts sanguinaires perpétrés à la tronçonneuse !). Par ailleurs, la maquette élaborée pour simuler l'envol spatial de la maison se révèle bluffante de réalisme ! On peut également saluer l'originalité impartie à la confection des E.T quand ceux-ci décident de révéler leur véritable apparence lors d'un point d'orgue à nouveau belliqueux. Avec l'aide de masques en latex flexibles, leur physionomie monstrueuse provoque un effet de surprise inopiné et détonnant ! Enfin, les acteurs amateurs dénués de charisme renforcent le côté réaliste et décalé de l'entreprise et nous communiquent une spontanéité désinhibée.


Drôlement gore, insolite, décomplexé et mené à un rythme effréné, le premier métrage Z de Peter Jackson est un nanar atypique, véritable ovni culte dédié au gore vomitif sous le moule d'une anticipation académique. Débordant de trouvailles visuelles et d'insolence putassière, il n'a rien perdu de sa vigueur et de sa fantaisie déjantée !

20.02.13. 3èx
Bruno matéï

mardi 19 février 2013

POPEYE

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site royalbooks.com

de Robert Altman. 1980. U.S.A. 1h36. Avec Robin Williams, Shelley Duvall, Paul L. Smith, Paul Dooley, Ray Walston, Wesley Ivan Hurt.

Sortie salles U.S: 12 Décembre 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Robert Altman est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 20 Février 1925 à Kansas City dans le Missouri, décédé le 20 Novembre 2006 à Los Angeles.
1970: Mash. 1970: Brewster McCloud. 1971: John McCabe. 1972: Images. 1973: Le Privé. 1975: Nashville. 1976: Buffalo Bill et les Indiens. 1977: Trois Femmes. 1978: Un Mariage. 1979: Quintet. 1980: Popeye. 1982: Health. 1982: Reviens Jimmy Dean, reviens. 1987: Beyond Therapy. 1990: Vincent et Théo. 1992: The Player. 1993: Short Cuts. 1994: Prêt à porter. 1999: Cookie's Fortune. 2000: Dr T et les Femmes. 2001: Gosford Park. 2003: Company. 2006: The Last Show.


Véritable ovni dans la carrière du vénérable Robert Altman, Popeye est la transposition cinématographique du célèbre personnage de bande dessinée créé par Elzie Crisler Segar en 1929.
Succès public rentable mais contesté par une majorité de la critique de l'époque, cette comédie totalement décalée fait aujourd'hui figure de curiosité couillue dans son alliage d'insolence et d'extravagance. Desservi par un scénario aseptisé mais rattrapé par un humour débridé particulièrement effréné, le film de Robert Altman divisera sans conteste une partie du public, irrité ou amusé des pitreries infantiles de Popeye et ses acolytes. Un marin solitaire du nom de Popeye débarque dans une petite ville côtière et fait la connaissance d'Olive, une femme éprise d'affection pour la terreur du quartier: Brutus. Leur relation de prime abord amicale attise la colère et la jalousie de ce dernier. Au fil de leur relation, les deux tourtereaux découvrent un bébé abandonné, planqué dans un panier d'osier. Doué de prescience, le bambin est rapidement enlevé par un transfuge de Brutus qui voit là l'opportunité de débusquer un fabuleux trésor caché sous l'océan. Alors qu'Olive est à son tour kidnappée, Popeye décide de leur porter secours. 


Comédie pittoresque à l'esprit cartoonesque prégnant, Popeye doit son caractère sympathique grâce en priorité à l'excentricité de ses personnages tous plus saugrenus les uns que les autres. La reconstitution soignée allouée au village folklorique, les numéros musicaux chantonnés avec allégresse par nos comédiens et les séquences de baston improvisées autour d'un ring ou dans une taverne assurent un spectacle festif assez entraînant. Agrémenté d'une jolie photographie sépia, le film séduit par son esthétisme rétro et parvient majoritairement à contenter le public par son rythme fertile en gags burlesques et bagarres homériques. On a souvent l'impression d'assister à un dessin animé live complètement désinhibé par un sens de dérision insatiable. Et pour renforcer ce sentiment, la verve impayable (et inaudible !) de l'acteur Robin Williams ainsi que le charme filiforme de Shelley Duvall réussissent à donner chair à des personnages gaffeurs sortis tout droits de la fameuse bande dessinée. Dans le rôle de Brutus, l'impressionnant Paul L. Smith (Midnight Express, Mort sur le Grill, Sonny Boy) cabotine de manière furibonde pour parfaire un antagoniste hostile particulièrement sarcastique.


Irritant pour les uns par son esprit trop foutraque et sa minceur narrative, enthousiasmant pour les autres par son ton décalé et la caricature cartoonesque impartie aux protagonistes déficients, Popeye reste un ovni atypique dans l'univers cinématographique des adaptations BD. Un film mal aimé, aujourd'hui complètement sombré dans l'oubli, faute de sa liberté de ton aussi déroutante qu'originale. Ca passe ou ça casse !

19.02.13. 3èx
Bruno Matéï

lundi 18 février 2013

WAXWORK

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site fr.film-cine.com

de Anthony Hickox. 1988. U.S.A. 1h31. Avec Zach Galligan, Jennifer Bassey, Joe Baker, Deborah Foreman, Michelle Johnson, David Warner, Eric Brown.

Sortie salles U.S: 17 Juin 1988

FILMOGRAPHIE: Anthony Hickox est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né en 1964 à Londres.
1988: Waxwork. 1992: Waxwork 2. 1992: Hellraiser 3. 1993: Warlock: the Armageddon. 1993: Full Eclipse. 1995: Payback. 1996: Piège Intime. 1997: Prince Vaillant. 2000: Contamination. 2002: Témoin sous protection. 2005: Piège en eaux profondes. 2009: Knife Edge.


Un groupe d'adolescents est invité pour une soirée privée dans un étrange musée de cire consacré aux mythes horrifiques. Ils ignorent que derrière chacune des expositions est un portail vers un monde parallèle où rôde les créatures du mal.

Sympathique production des années 80, Waxwork avait su séduire son public grâce à l'originalité de son intrigue agréablement troussée, son patchwork de monstres légendaires issus de la Universal et ses effets gores généreusement explicites.
Malheureusement, il faut bien se rendre à l'évidence qu'en l'occurrence cette série B mineure a sévèrement pris la poussière pour faire figure de relique. La faute en incombe à un humour lourdingue véhiculé par des protagonistes crétins (pour ne pas dire insupportables !) et des situations souvent ridicules desservies par une mise en scène bricolée au budget trop restreint. On effet, on sent irrémédiablement le côté fauché au niveau de la reconstitution "carton-pâte" des époques éclectiques engendrées par les univers parallèles. Si certaines scènes restent gentiment attractives (son point d'orgue bordélique libérant une foule de créatures de l'enfer !) et que les effets sanglants s'avèrent jouissifs, Waxwork suscite une inévitable frustration pour tous ceux qui ont eu l'aubaine de le découvrir à la fin des années 80.
En guise de maigre consolation, reste quand même le plaisir de retrouver les aimables vétérans David Warner et Patrick McGee dans des compositions clins-d'oeil.

18.02.13.
Bruno Matéï


vendredi 15 février 2013

INSENSIBLES (Painless)

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site lafilacero.com

de Juan Carlos Medina. 2012. France/Espagne. 1h45. Avec Alex Brendemühl, Irene Montalà, Derek de Lint, Tomas Lemarquis, Juan Diego.

Sorties salles France: 10 Octobre 2012. Espagne: 1er Février 2013

FILMOGRAPHIE: Juan Carlos Medina est un scénariste et réalisateur né en 1977 à Miami, en Floride.
1999: Trinidad (court-métrage)
2001: Rage (court-métrage)
2003: Mauvais jour
2012: Insensibles

Violent réquisitoire contre le régime franquiste qui perdura de 1939 à 1977, Insensibles s'avère le premier coup de maître d'un réalisateur engagé afin de dénoncer le despotisme de la guerre espagnole. A partir d'une histoire d'enlèvement d'enfants, martyrisés et séquestrés dans de sordides cellules, parce que tributaires d'une maladie inconnue (ils ne peuvent ressentir la douleur physique et morale !), Insensibles nous entraîne dans leur calvaire avec un réalisme d'âpreté. En parallèle, à travers d'incessants flash-back alternant passé et présent, une énigme tortueuse nous ait illustré sous l'entremise d'un neurochirurgien en quête identitaire. Après avoir perdu le contrôle de son véhicule en compagnie de sa femme enceinte, David va se réveiller dans la chambre d'un hôpital pour apprendre que celle-ci n'a pas survécu. Néanmoins, les médecins ont réussi à sauver la vie du nourrisson. Brusquement atteint d'un cancer, il décide en désespoir de cause de retrouver ses parents biologiques pour le besoin d'une greffe. A travers son cheminement jonché d'interrogations, David va remonter le temps pour essayer de découvrir les origines de son passé, le traitement inhumain infligé à ses géniteurs et quelle part de responsabilité ses parents adoptifs ont pu contribué.


A travers deux intrigues parallèles parfaitement structurées, Juan Carlos Medina adopte une démarche baroque à titre d'originalité pour illustrer le traitement infligé aux enfants martyrs de la guerre. Parce que ces bambins sont malencontreusement destinés à ne pas ressentir la douleur, un médecin nazi décide de les expérimenter en faveur d'une race supérieure destinée à régir l'univers ! (le thème avait déjà été évoqué par Franklyn J. Schaffner dans l'audacieux Ces Garçons qui venaient du Brésil). Avec l'humanisme désespéré de cette innocence galvaudée par le fascisme,  Insensibles est une épreuve de force auquel le spectateur est contraint de suivre scrupuleusement pour comprendre les tenants et aboutissants. L'endurance inépuisable d'un enfant monstre mutique (symbole de toutes les souffrances) engendré par le conservatisme des nationalistes, et finalement conditionné à infliger les pires tortures aux otages anarchistes.
A travers le destin martyr de ce monstre rongé par la déchéance, la réalisateur adopte notamment une réflexion sur l'éducation parentale et l'encadrement familial. Sur la manière disciplinaire, intolérante, dont certains enfants sont élevés dès leur plus jeune âge avant d'extérioriser eux mêmes les effets délétères que la haine aura engendré. Sur la quête identitaire de l'enfant en gestation et leur besoin instinctif d'amour maternel prémuni au sein de la cellule familiale.


Chronique de la douleur
Superbement écrit dans une intrigue riche de thématiques, Insensibles est un chef-d'oeuvre aussi passionnant qu'hypnotique auquel sa rudesse psychologique risque d'en chavirer plus d'un. Une métaphore sur l'endoctrinement du mal, une oeuvre humaniste profondément désespérée, un cri d'alarme pour la postérité des enfants maltraités. S'il s'avère parfois insupportable dans sa verdeur réaliste, le réalisateur adopte l'intelligence d'utiliser le hors-champs afin d'éluder la violence crapuleuse (les innommables tortures infligées aux partisans). Il se révèle en tous cas difficile de sortir indemne d'une oeuvre aussi abrupte et bouleversée car elle fustige la candeur la plus vertueuse, l'enfance violée. 

15.02.13
Bruno Matéï

jeudi 14 février 2013

LA ROSE ECORCHEE (Devil's Maniac / The Blood Rose)

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site reeldistraction.com

de Claude Mulot. 1969. France. 1h32. Avec Philippe Lemaire, Annie Duperey, Elizabeth Teissier, Olivia Robin, Michèle Perello, Valérie Boisgel, Jean-Pierre Honoré, Gérard Antoine Huart, Howard Vernon.

FILMOGRAPHIE: Claude Mulot (Frédéric Lansac) est un réalisateur et scénariste français, né le 21 août 1942 à Paris, décédé le 13 Octobre 1986 à Saint-Tropez.
1968: Sexyrella. 1969: La Rose Ecorchée. 1971: La Saignée. 1973: Profession : Aventuriers. 1974: Les Charnelles. 1975: Le Sexe qui parle. 1976: La Rage de jouir. 1977: Suprêmes jouissances. 1977: La Grande Baise. 1977: Belles d'un soir. 1978: Le Sexe qui parle 2. 1980: La Femme Objet. 1980: l'Immorale. 1980: Les Petites Ecolières. 1981: Le jour se lève et les conneries commencent. 1983: Black Venus. 1986: Le Couteau sous la gorge.


Claude Mulot, spécialiste du porno durant les années 70, réalise avec son second long-métrage un authentique fleuron bisseux du fantastique français. L'une des rares incursions pour l'hexagone dans le gothisme flamboyant hérité des cinéastes transalpins Bava et Freda. Le casting est constitué d'une flopée de comédiens hétérogènes comme Annie Duperey (plus gracile que jamais !), notre future voyante astrale Elizabeth Tessier, le vétéran Howard VernonPhilippe Lemaire, et enfin les deux nains Roberto et Johnny Cacao. Sans occulter le charme de demoiselles dénudées d'une beauté particulièrement lascive (Olivia Robin en tête pour son physique particulièrement longiligne et ensorcelant). La trame de la Rose Ecorchée est une déclinaison à peine voilé des Yeux sans Visages de Franju. La femme d'un riche peintre se retrouve défigurée suite à un accident volontairement perpétré par la maîtresse jalouse. Éperdument amoureux mais anéanti par le chagrin, Frédéric se calfeutre à l'intérieur de son château parmi la présence monstrueuse de son épouse. Jusqu'au jour où l'un de ses amis botaniques, ancien chirurgien, lui offre l'opportunité de tenter une greffe de visage afin que Anne puisse retrouver sa beauté d'antan. Seulement voilà, ils ont besoin de kidnapper une jeune pèlerine afin de pouvoir lui prélever des tissus vivants.


Esthétiquement splendide, la Rose Ecorchée s'avère de prime abord un régal pour les yeux tant Mulot s'attarde à fignoler ses cadrages, ses éclairages baroques sous des décors d'architecture aux nuances polychromes. Le tout filmé en interne d'un château ancestral (comme le souligne le générique introductif !). Baignant constamment dans une ambiance mélancolique, le film est une élégie romantique pour deux amants maudits, séparés par la jalousie d'une mégère capricieuse. Les protagonistes principaux qui évoluent durant le récit (Frédéric, Anne et le docteur Romer) sont caractérisés par des personnes meurtries et égoïstes mais davantage gagnés par la contrariété du remord. ATTENTION SPOILER !!! C'est d'ailleurs avec la remise en question du docteur Romer (incarné par un Howard Vernon étonnamment sobre !), épris de contrition, que l'opération tant escomptée va converger vers une débâcle familiale. FIN DU SPOILER. D'un érotisme timoré pour contempler la présence suave de filles déshabillées et frileux en terme d'effusions gores, la Rose Ecorchée déploie néanmoins en de brèves occasions une certaine violence impudente pour les altercations commises sur des femmes démunies. L'ambition du réalisateur Claude Mulot n'est donc pas de nous façonner un film d'exploitation plagiant sans vergogne les thèmes chers à Georges Franju mais de nous narrer avec lyrisme prude une cruelle histoire d'amour. La présence saugrenue des deux nains peut parfois prêter à sourire dans leur jeu quelque peu inexpressif mais ils réussissent néanmoins à véhiculer une présence insolite parmi l'orgueil des autres antagonistes !


Le château des amants maudits
Oublié de tous mais défendu bec et ongle par une poignée de fantasticophiles puristes, La Rose Ecorchée est l'une des rares réussites françaises à avoir su faire preuve d'ambition formelle en empruntant le patrimoine du gothisme italien. Le soin alloué à la mise en scène, la sincérité des comédiens et surtout l'esthétisme stylisé émanant des intérieurs du château convergent vers un conte aussi étincelant qu'infortuné. 

14.02.13. 2èx
Bruno Matéï

mercredi 13 février 2013

LE LOCATAIRE (The Tenant)



                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinecube.wordpress.com
de Roman Polanski. 1976. France. 2h05. Avec Roman Polanski, Isabelle Adjani, Melvin Douglas, Shelley Winters, Bernard Fresson, Claude Dauphin, Jo Van Fleet, Rufus, Josiane Balasko, Michel Blanc, Gérard Jugnot, Bernard Pierre Donnadieu.

Sortie salles France: 26 Mai 1976 (interdit - de 18 ans). U.S: 11 Juin 1976

FILMOGRAPHIERoman Polanski (né le 18 août 1933 à Paris) est un comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra puis un producteur, scénariste et réalisateur de cinéma franco-polonais
1962 : Le Couteau dans l'eau , 1965 : Répulsion, 1966 : Cul-de-sac, 1967 : Le Bal des vampires, 1968 : Rosemary’s baby, 1971 : Macbeth, 1972 : Quoi ?, 1974 : Chinatown, 1976 : Le Locataire ,1979 : Tess, 1986 : Pirates, 1988 : Frantic, 1992 : Lunes de fiel ,1994 : La Jeune Fille et la Mort , 1999 : La Neuvième Porte ,2002 : Le Pianiste,2005 : Oliver Twist, 2010 : The Ghost Writer 2011 : Le Dieu du carnage.


Troisième film consacré au cycle des appartements, le Locataire est la dernière denrée du fantastique paranoïaque dominée par la prestance erratique du réalisateur lui même, Roman Polanski. D'après le roman Le Locataire chimérique écrit par Roland Topor en 1964, cette descente aux enfers d'un résident gagné par la folie ne cesse d'interroger le spectateur par son ambiguïté rationnelle et surnaturelle. Alors que l'ancienne locataire s'est jetée par la fenêtre du 3è étage, un jeune célibataire timoré décide de louer son appartement malgré l'exigence du voisinage réfractaire au moindre potin. Peu à peu, l'homme constamment épié et réprimandé par ses occupants sombre dans une paranoïa schizophrène.


Ambiance feutrée au sein d'un immeuble hermétique rempli de vieillards acariâtres, le Locataire nous plonge dans la lente dégénérescence paranoïaque d'un locataire introverti, incessamment persécuté par son entourage. En dehors du suicide inexpliqué de Madame Choule et du harcèlement quotidien de ces occupants, la découverte d'une dent enfoncée dans le trou d'un mur, la réception d'une carte postale et l'inscription de symboles égyptiens sur le muret des toilettes vont être les éléments déclencheurs pour la dérive schizophrène de Trelkovsky. De prime abord, Roman Polanski utilise la dérision pittoresque afin de brimer son locataire, constamment critiqué par des sexagénaires renfrognés incapables de supporter le moindre vacarme. A cause de sa timidité et de son manque d'aplomb, Trelkovsky va notamment être contraint de supporter l'impertinence de ces amis (la fiesta improvisé au sein de son appartement) au péril de sa bonne foi à daigner respecter la tranquillité des citadins. Par le biais esthétique d'une photo sépia et d'une mise en scène avisée, le réalisateur entretient un climat d'étrangeté particulièrement insolite au sein d'un bâtiment archaïque où des silhouettes de vieillards semblent figées par derrière leur fenêtre ! Au fil de ces contrariétés grandissantes, davantage angoissé par le comportement étrange et l'intolérance drastique de certains voisins (sans compter l'influence du tenancier lui suggérant de boire un chocolat et fumer des marlboros comme Madame Choule l'avait sollicité chaque matin !), Trelkovsky finit par se convaincre qu'il est victime d'un complot meurtrier. Peu à peu, l'angoisse et la terreur vont finalement s'accaparer de sa psychologie régressive !


Chargé d'inquiétude et d'étrangeté dans son climat de claustration, la densité psychologique du Locataire réside par ailleurs dans cette faculté que Polanski, réalisateur, entreprend pour nous faire douter de la pathologie mentale de son protagoniste. S'agit-il de l'influence (diabolique) de l'ancienne locataire suicidée, ou celle, tyrannique, des voisins bourrus ? L'appartement est-il maudit par une malédiction égyptienne lors d'un voyage entrepris par Mme Choule ? Ou n'est-ce que la simple dérive paranoïde d'un homme esseulé, incapable de réfréner ses névroses et obsessions ? Avec l'entremise d'hallucinations, le réalisateur improvise des séquences cauchemardesques particulièrement délirantes et cruelles afin de mettre en exergue la folie aliénante de son locataire (les voisins sont caractérisés par des reptiles démoniaques et organisent un spectacle théâtral pour prôner sa future mort !). Une victime martyrisée par l'affres de la frayeur, littéralement envoûtée par la personnalité trouble de Mme Choule, Spoiler !!! et donc contraint de se travestir en femme pour finir par se jeter par la fenêtre ! Fin du Spoil.


Effrayant par son réalisme obscur mais aussi débridé par son caractère sardonique, le Locataire fait presque office de documentaire pour ausculter l'introspection mentale d'un schizophrène rongé par sa paranoïa. En tant qu'acteur, Roman Polanski détonne et réussit à donner chair à son personnage torturé avec une dimension humaine toute en pudeur. Tandis que l'ambiance opaque qui émane des parois de cet immeuble sclérosé laisse en suspens une énigme aussi indécise qu'irrésolue !

13.02.13. 4èx
Bruno Matéï



mardi 12 février 2013

L'EVADE D'ALCATRAZ (Escape from Alcatraz)

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site pariscine.com

de Don Siegel. 1979. U.S.A. 1h52. Avec Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Roberts Blossom, Jack Thibeau, Fred Ward, Paul Benjamin, Larry Hankin.

Sortie salles France: 31 Octobre 1979. U.S: 22 Juin 1979

FILMOGRAPHIE: Don Siegel (Donald Siegel) est un réalisateur et producteur américain, né le 26 Octobre 1912 à Chicago en Illinois, décédé le 20 Avril 1991 à Nipoma, en Californie.
1956: l'Invasion des Profanateurs de Sépultures. 1962: l'Enfer est pour les Héros. 1964: A bout portant. 1968: Police sur la ville. 1968: Un Shérif à New-York. 1970: Sierra Torride. 1971: Les Proies. 1971: l'Inspecteur Harry. 1973: Tuez Charley Varrick ! 1974: Contre une poignée de diamants. 1976: Le Dernier des Géants. 1977: Un Espion de trop. 1979: l'Evadé d'Alcatraz. 1980: Le Lion sort ses griffes. 1982: Jinxed.


Pour la 5 fois, la collaboration Eastwood/Siegel converge au chef-d'oeuvre pour un suspense carcéral d'une intensité rarement égalée. Récit véridique de trois taulards ayant réussi à s'échapper d'une forteresse blindée, l'Evadé d'Alcatraz nous retranscrit leur exploit avec une science du suspense incisive !


Dans une mise en scène affûtée à l'efficacité inébranlable, ce modèle du film de prison nous illustre une tentative d'évasion qui relève de l'improbabilité tant le nombre de risques encourues pour chacun des détenus laisse présager la déroute. La manière documenté dont Don Siegel fait preuve pour retranscrire cette escapade charpentée nous immerge de plein fouet dans l'enceinte d'un pénitencier insulaire réputé inviolable. De prime abord, le réalisateur s'attache à nous décrire la condition de vie totalitaire que chaque détenu est contraint de subir sous l'allégeance d'un directeur pointilleux incapable d'indulgence. C'est le notable Patrick McGoohan qui incarne tout en magnétisme le rôle d'un dirigeant impassible auquel son intransigeance ordonne une discipline de fer chez les surveillants. Dans celui du prisonnier rusé et flegmatique, Clint Eastwood impose une posture inflexible afin de se mesurer aux provocations incessantes d'un taulard méprisable et de son directeur impérieux. Loyal et tolérant, il insuffle par ailleurs une dimension humaniste lorsqu'il se prend d'empathie pour un peintre désabusé et qu'il se lie d'amitié avec un archiviste noir condamné pour sa couleur de peau. Enfin, avec sagacité et patience, il détermine une dimension héroïque pour concrétiser un plan d'évasion où aucun détail n'est laissé au hasard (c'est avec un cure ongle que sa stratégie peut de prime abord aboutir !). Pour exacerber cette tension permanente qui émane des agissements frauduleux de prisonniers occasionnant des risques insensés, le score monocorde de Jerry Fielding est constitué d'une partition quasi insonore. Enfin, le point d'orgue impartie à l'insoluble escapade est un moment d'anthologie échevelé où les nerfs du spectateur sont mis à rude épreuve.


Passionnant et éprouvant, l'Evadé d'Alcatraz est un gros morceau de cinéma d'une puissance émotionnelle et d'une rigueur technique infaillible. Le récit authentique d'une seule évasion entreprise avec succès par des détenus utopistes (même si nous ne saurons jamais s'ils s'en sont sortis vivants !) au sein d'une île pénitentiaire intangible. C'est d'ailleurs après cette impensable défaite qu'Alcatraz clôturera définitivement ses portes pour se reconvertir en site historique !

12.02.13. 4èx
Bruno Dussart

lundi 11 février 2013

CITADEL. Prix du Public à South by Southwest.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site 7tab.in

de Ciaran Foy. 2012. Irlande/Angleterre. 1h24. Avec Aneurin Barnard, James Cosmo, Wunmi Mosaku.

Sortie salles U.S: 9 Novembre 2012

Récompenses: Prix du Public (Midnight Audience) à South by Southwest, 2012
Prix Narcisse au Festival de Neuchâtel, 2012
Méliès d'Argent au Festival de Neuchâtel, 2012
Meilleur réalisateur au Festival du film fantastique de Puchon, 2012
Meilleur son aux Irish Film and Television Awards, 2013

FILMOGRAPHIE: Ciaran Foy est un réalisateur, scénariste, monteur, acteur, producteur
2001: 1902. 2001: Wired. 2002: The Puppet. 2006: The Faeries of Blackheath Woods. 2007: Scumbot. 2009: Hotel Darklight (segment directeur). 2012: Citadel.


Dans la lignée des Révoltés de l'an 2000 pour son thème alloué à l'enfant martyr, cette modeste série B co-produite entre l'Irlande et la Grande Bretagne privilégie un ton désenchanté pour établir un constat social sur la dégénérescence des laissés pour compte. Suite à l'agression mortelle de son amie par des enfants sauvages, un jeune père de famille sombre dans l'agoraphobie. Epié et menacé par ses meurtriers infantiles, l'homme va tenter de transcender sa frayeur pour sauver sa vie ainsi que celle de son bambin. Imprégné d'une atmosphère anxiogène et renforcé par l'esthétisme blafard de ghettos défavorisés, Citadel est une oeuvre étrange d'une sensibilité prégnante. Un cauchemar urbain dans lequel nous suivons l'introspection fébrile d'un jeune veuf, traumatisé par la mort de sa compagne lors d'une violente altercation avec des jeunes agresseurs. Souffrant d'agoraphobie et totalement replié au sein de son appartement, Tommy sombre dans une grave paranoïa à force de vouloir prémunir coûte que coûte l'existence de son enfant. Sa brève thérapie dans un centre spécialisé et l'aide amicale d'une amie de longue date lui apportent un frêle soutien, d'autant plus que les sauvageons semblent déterminés à l'appréhender. Ce n'est qu'avec l'entremise d'un prêtre accompagné d'un enfant aveugle que Tommy va pouvoir faire preuve de bravoure et courage afin de réprimer son inévitable frayeur.


Dominé par la prestance chétive de Aneurin Barnard, le comédien réussit avec beaucoup d'humanisme à nous insuffler ces lourdes contrariétés confinées dans une solitude meurtrie. Cette ambiance dépressive émanant du psyché névrosé du protagoniste engendre une inévitable empathie chez le spectateur, d'autant plus intrigué par l'hostilité meurtrière d'une bande organisée. En effet, nous ne saurons jamais dans quel but les enfants encapuchonnés et atteints de cécité (on pense aux mutants défigurés de Chromosome 3, notamment par leur vocalité rauque imposée !) décident d'assassiner tous les adultes. Si ce n'est que seuls les quidams dominés par leur propre peur sont systématiquement identifiés et battus à mort. La cause de leur déficience mentale ainsi que leurs pulsions erratiques proviendraient d'une maladie infectieuse d'origine inconnue transmise par la mère de deux jumeaux. Sans fioriture, le film réussit avec réalisme à dépeindre un climat de peur au sein d'une banlieue déserté de citadins, d'où seule plane la présence primitive d'enfants martyrs livrés à l'abandon. Son final particulièrement poignant véhicule également une vibrante émotion pour la destinée précaire de nos héros, mais aussi celle des antagonistes infantiles, victimes malgré eux d'une société individualiste.


Les Enfants du Silence

Réalisé avec autonomie et dominé par une poignée de comédiens chargés d'humanisme, Citadel allie désespoir, angoisse et terreur autour d'un constat social sur la délinquance juvénile. Une oeuvre fragile et austère, à l'efficacité mesurée et à la violence sèche, louablement exacerbée d'une force émotionnelle désespérée. 

11.02.13
B-D