TOP 15, 2013

1) MANIAC et ALABAMA MONROE

 

2) LA CHASSE  

3) LA VIE D'ADELE

Dans le désordre:

 3 coups de coeur recalés: 

Mon trio maudit découvert en video: 

COUPS DE COEUR SERIES T.V 2013

1

2

3

4

Pour rappel: Flop 15, 2013: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/flop-15-2013.html

36-15 Code Père-Noël

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de René Manzor. 1982. France. 1h30. Avec Alain Musy, Louis Ducreux, Brigitte Fossey, Patrick Floersheim, François-Eric Gendron, Franck Capillery.

Sortie salles France: 10 Janvier 1990

FILMOGRAPHIE: René Manzor est un réalisateur et scénariste français, frère de Francis et Jean Félix Lalanne. Il est né le 4 Août 1959 à Mont-de-Marsan. 1986: Le Passage. 1990: 3615 code Père Noël. 1997: Un Amour de sorcière. 2003: Dédales. 2002-2007: Alex Santana, négociateur (série tv). 2009: Blackout (télé-film).

Quatre ans après Le Passage, René Manzor renoue avec la singularité à travers 36-15 Code Père Noël, dans un registre nettement plus cauchemardesque et débridé. Flop commercial à sa sortie, ce vilain petit canard demeure aujourd’hui un authentique ovni franchouillard, un délire de courses-poursuites incessantes opposant un enfant belliqueux à un père fouettard psychopathe. Privé de ses parents, Thomas, neuf ans, doit affronter ce Père Noël dégénéré et sauver la vie de son grand-père au sein du château familial. Déguisé en Rambo, le marmot multiplie les subterfuges, piégeant son adversaire à l’aide de gadgets retors puisés dans sa cargaison de jouets. Le point de départ d’une confrontation dantesque, rejouée comme une partie de cache-cache sadique. Bizarre ? Assurément.

Que s’est-il donc passé dans la tête de René Manzor pour concevoir un divertissement aussi immoral, désacralisant sans complexe l’archétype du Père Noël ? Un traumatisme d’enfance, peut-être, infligé par ce grand-père à la fourrure rouge, au point d’en révéler l’imposture ? Toujours est-il qu’un tel objet, aujourd’hui, serait impensable : aucun producteur n’oserait autoriser un tel sacrilège sans en édulcorer prudemment la charge subversive. 

À mi-chemin entre Maman, j’ai raté l’avion, Rambo II et Douce Nuit, Sanglante Nuit, 36-15 Code Père Noël suscite une palette d’émotions contradictoires - entre stupeur et perplexité - dans ce chassé-croisé infernal entre deux adversaires pugnaces. Si le film a pris une patine rétro avec son esthétique criarde aux teintes fluos, il oscille sans cesse entre maladresses gênantes (la trêve lacrymale de Thomas plombée par une mélodie sirupeuse façon Bonnie Tyler) et fulgurances réjouissantes, orchestrées par un Rambo en culotte courte. Son joli minois trop lisse et sa colère outrée flirtent parfois avec l’irritation du stéréotype, malgré l’empathie suscitée par son sens aigu de la bravoure et son ingéniosité fébrile.

Dans sa volonté de modernité, Manzor adopte une mise en scène clippesque, saturée de ralentis chorégraphiques et de cadrages alambiqués. La scénographie baroque transforme le manoir high-tech en véritable champ de bataille, noyé sous une avalanche de jouets - on se croirait parfois dans l’antre délirante d’un Toys “R” Us. Pourtant, le cinéaste exploite habilement chaque recoin et passage secret de la bâtisse, faisant preuve d’une imagination ludique et d’une efficacité nerveuse indéniable.

Avec sa facture kitsch, ses situations parfois ridicules, ses clichés éculés (voiture en panne, tueur increvable) et le cabotinage parfois approximatif de ses interprètes - le grand-père sclérosé restant désespérément inexpressif - 36-15 Code Père Noël prête aujourd’hui à sourire. Le film n’évite pas non plus un certain pathos, notamment dans ses moments intimistes, lorsque affleure le traumatisme latent du bambin. MAIS en cinéaste pourfendeur, René Manzor livre surtout une série B outrageusement insolente, à la liberté de ton franchement couillue, conjuguant horreur brute et action quasi homérique. La présence inquiétante du Père Noël incarné par Patrick Floersheim achève de rendre l’ensemble profondément malsain, ludique, déconcertant, pétulant, dérangeant.

Au final, une bizarrerie erratique et inclassable, à (re)découvrir avec précaution.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

18.12.13. 3èx

MA VIE AVEC LIBERACE (Behind the Candelabra)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site blogs.paris.fr

de Steven Soderbergh. 2013. 1h58. U.S.A. Avec Michael Douglas, Matt Damon, Dan Aykroyd, Scott Bakula, Rob Lowe, Tom Papa.

Sortie salles France: 18 Septembre 2013. U.S: 26 Mai 2013 (par la case TV)

Récompenses: Palme dog pour Baby Boy au Festival de Cannes, 2013
Meilleure mini-série ou meilleur téléfilm, Meilleur Acteur pour Michael Douglas au Critic's Choice Television Awards
Meilleur mini-série ou meilleur télé-film pour Jerry Weintraub, Meilleur réalisation pour Steven Soderbergh, Meilleur Acteur pour Michael Douglas aux Emmy Awards2013.

FILMOGRAPHIE: Steven Soderbergh est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Janvier 1963 à Atlanta en Géorgie.
1985; Yes 90125 Live (doc). 1989: Sexe, mensonges et vidéo. 1991: Kafka. 1993: King of the Hill. 1995: A fleur de peau. 1996: Gray's Anatomy. 1996: Schizopolis. 1998: Hors d'Atteinte. 1999: L'Anglais. 2000: Erin Brockovich. 2000: Traffic. 2001: Ocean's Eleven. 2002: Full Frontal. 2002: Solaris. 2004: Ocean's Twelve. 2006: Bubble. 2006: The Good German. 2007: Ocean's Thirteen. 2008: Che, 1ère partie. Che, 2è partie. 2009: Girlfriend Experience. 2009: The Informant ! 2010: And everything is going fine (doc). 2011: Contagion. 2012: Piégée. 2012: Magic Mike. 2012: An Amazing Time: A Conversation About "End of the Road" (doc). 2013: Effets Secondaires. 2013: Ma vie avec Liberace

Comédie dramatique retraçant l'idylle passionnelle du célèbre pianiste Liberace avec un jeune blondinet sans le sou, Ma vie avec Liberace est surtout l'occasion pour Michael Douglas de livrer un numéro d'acteur extravagant conçu sur la posture efféminée. Grace à sa prestance incandescente, le film repose énormément sur ses épaules sans jamais vulgariser le trait d'une caricature "gay". On en oublie rapidement que derrière cet accoutrement fantasque se cache un Michael Douglas épatant de spontanéité malgré son âge avancé !

Débouté en salles outre-atlantique à cause de son sujet jugé trop "homo" des aveux des producteurs, ce portrait en demi-teinte d'un pianiste notoire nous ouvre les portes de sa célébrité avec une dimension humaine fataliste dans ses excès capricieux. C'est une liaison amoureuse (limite incestueuse) que nous illustre le cinéaste prolifique Steven Soderbergh avec un certain sens de l'absurde puisque l'amant, Scott Thorson (excellemment campé par un Matt Damon poupon !) est amené à être légalement adopté par Liberace ! Grâce à la complicité extrêmement attachante du duo formé par les deux stars, Ma vie avec Liberace nous dévoile l'intimité de leur romance (limite paternelle), entre bonheur conjugal, crises de jalousie et colère erratique, à l'image du refoulement sexuel et de l'ascension toxicomane de Scott. Du côté du maître égocentrique, Liberace manifeste son talent de pianiste sous les paillettes d'une emphase musicale et dévoile en dernier acte un talent d'usurpateur quand il décide de publier sa biographie en occultant son homosexualité. A travers ce déni d'un homme incapable d'assumer sa sexualité au grand jour, Soderbergh remémore un témoignage prude sur l'époque de la fin des années 70 où il n'était pas bon d'avouer son homophilie. Quand bien même l'avènement du Sida venait de faire son apparition, à l'instar du brutal décès de l'acteur Rock Hudson entraperçu au travers d'une page de quotidien !

Alternant l'humour frivole, le drame et la tendresse, Ma vie avec Liberace rend hommage à son artiste mélomane tout en dénonçant l'hypocrisie humaine de l'amour possessif à travers ce couple gay tiraillé par les effets pervers de la célébrité, de la jalousie et de la toxicomanie. Illuminé par la présence de Matt Damon et de l'abattage de Michael Douglas, cette comédie pathétique doit énormément à cette complicité aléatoire, tandis que les seconds rôles, quasi méconnaissables, relèvent la gageure avec la même décontraction (Dan Aykroyd, Scott Bakula et Rob Lowe forment un trio "gay" hétéroclite dans leur personnalité autonome !)

Clin d'oeil amusé à Karine Philippi !
17.12.13
Bruno Matéï

Les Fantômes de Hurlevent (Edgar Poe chez les Morts-vivants. Nella stretta morsa del ragno)

de Antonio Margheriti. 1971. Italie. 1h49. Avec Anthony Franciosa, Michèle Mercier, Klaus Kinski, Peter Carsten, Silvano Tranquilli, Karin Field, Raf Baldassarre, Irina malleva.

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi.
1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Connu également sous le titre Edgar Poe chez les morts-vivants (c'est d'ailleurs sous cette appellation que j'ai pu le découvrir via mon cinéma provincial), Les Fantômes de Hurlevent est le remake colorisé du fameux classique Danse Macabre. Peu apprécié des critiques en général depuis sa sortie, cette petite bisserie transalpine s'avère pourtant séduisante pour peu que l'on soit indulgent à l'aspect copié-collé de sa trame originelle. Pour rappel: A la suite d'un pari, un homme doit passer une nuit entière dans un château parmi la potentielle présence de fantômes d'outre-tombe. Bénéficiant d'une ambiance gothique réellement envoûtante, Les Fantômes de Hurlevent tente de dépoussiérer son ancêtre avec l'emploi de la couleur ainsi qu'une distribution éclectique réunissant les illustres  Anthony Franciosa, Michelle Mercier et le fou furieux Klaus Kinski. Si Franciosa cabotine un peu en journaliste rationnel pour autant davantage compromis par sa névrose paranoïaque, Michelle Mercier  ne manque pas d'élégance en fantôme vertueuse éprise d'empathie pour notre héros, quand bien même Klaus Kinski reste transi d'émoi de par sa discrète performance d'Edgar Poe en écrivain alcoolo habité par ses démons (nous ne le verrons apparaître qu'au prologue et à la conclusion du    film).

Ainsi, l'intrigue suit la même ligne de conduite que son modèle mais avec un sens de l'efficacité dans l'art de brosser studieusement une histoire de hantise au sein d'un château bordé de toiles d'araignées, de candélabres et de cranes humains. Toute le récit, à la lisière du cauchemar éveillé, demeure centré sur la visite du journaliste en interne du manoir, témoin malgré lui d'une succession de visions hallucinatoires qui tendraient à prouver l'existence d'ectoplasmes. Serein mais gagné par l'inquiétude, cet aimable hôte se retrouve donc persécuté par les anciens propriétaires en revivant des épisodes du passé jusqu'à ce que sa survie en dépende ! En affiliant l'iconographie du fantôme au thème vampirique (ils se nourrissent de sang humain pour pouvoir revenir d'entre les morts), Antonio Margheriti trousse une agréable série B teintée de tabous sexuels (le lesbianisme, l'adultère) en survolant au passage une intéressante théorie sur la mort (l'instinct vital du corps permettant de prolonger la vie amène une réflexion spirituelle !). Mais c'est dans l'atmosphère mortifère que les Fantômes de Hurlevent s'avère le plus saisissant ! Tant au salon du bal victorien, aux sous-sol de sépulture que dans les chambres (lieux de théâtre macabre des crimes d'adultère), la scénographie insuffle une aura funèbre prégnante jusqu'au climax ironiquement tragique.

Réalisé sans génie particulier mais avec réel savoir-faire afin de matérialiser une ambiance anxiogène dédiée au gothisme, les Fantômes de Hurlevent ne cherche pas à concourir avec la réussite de son illustre homologue. De par l'art de construire une histoire limpide, Margheriti compte aussi sur la présence attachante de ces comédiens et sur la mélodie classique de Riz Ortolani pour nous séduire. Mais surtout il fignole obstinément l'esthétisme macabre du manoir des amants maudits avec un savoir-faire infaillible. Pour les amoureux d'ambiance séculaire palpable, les Fantômes de Hurlevent est donc une oeuvre mineure certes, mais indéniablement envoûtante.  

*Bruno
16.12.13. 2èx

LA VIE D'ADELE. Palme d'Or, Cannes 2013

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinebel.be

de Abdellatif Kechiche. 2013. France/Belgique/Espagne. 2h59. Avec Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Jérémie Laheurte, Mona Walravens, Salim Kechiouche, Catherine Salée.

Sortie salles France: 23 Mai 2013

FILMOGRAPHIE: Abdellatif Kechiche est un réalisateur, scénariste et acteur franco-tunisien, né le 7 Décembre 1960 à Tunis. 2000: La Faute à Voltaire. 2004: L'Esquive. 2007: La Graine et le Mulet. 2010: Vénus Noire. 2013: La Vie d'Adèle.

Déclaré vainqueur de la Palme d'Or en 2013 et d'une multitude de récompenses à travers le monde, La Vie d'Adèle est notamment la révélation d'Adèle Exarchopoulos. Transie d'émoi et de pudeur pour sa prestance d'adolescente paumée, cette jeune comédienne suscite au spectateur une émotion à fleur de peau dans ses échanges de regard timoré et son incontrôlable ardeur sexuelle dédiée à l'être aimée. En dépit d'une polémique conflictuelle entre le réalisateur, le duo d'actrices et certains techniciens, cette romance passionnelle a remporté tous les suffrages pour prôner le jeu naturel des comédiennes ainsi que le talent d'un metteur en scène à son acmé. Avec la participation exceptionnelle du couple Adèle Exarchopoulos/Léa Seydoux, La Vie d'Adèle est un tourbillon d'émotions pour illustrer la dérive sentimentale de deux lesbiennes habitées par la passion. C'est en priorité un magnifique portrait d'adolescente fragile que nous dresse Abdellatif Kechiche, la quête douloureuse d'une fille en questionnement sur son identification sexuelle mais prochainement rattrapée par une idylle dévorante. Après une première expérience sans lendemain avec un jeune garçon, Adèle va subitement aborder l'amour dans une boite gay parmi la rencontre d'Emma, lesbienne autrement assumée, spontanée et plus mature. 

A cause des préjugés homophobes de certaines de ses camarades de classe, Adèle n'ose pas dévoiler au grand jour son penchant saphique mais se laisse rattraper par le désir amoureux de sa nouvelle relation, jusqu'à ce qu'une crainte jalouse ne vienne tout remettre en cause. Durant plus de 3 heures, nous allons suivre son cheminement indécis et si délicat, partagée entre la quête éperdue d'un amour pur et son initiation professionnelle de maîtresse d'école. Si La Vie d'Adèle s'avère aussi puissant émotionnellement parlant, il le doit autant au talent circonspect d'un cinéaste scrutant, à l'aide de sa caméra, la pudeur humaine dans une délicate sensibilité. Celle d'une jeune fille trop fragile livrée à ses doutes en l'amour et la crainte de l'abandon, mais toujours passionnée et en essor sexuel envers l'être aimé. D'ailleurs, les séquences sexuelles explicites sont retransmises avec un tel réalisme qu'une certaine gêne peut parfois occasionner le spectateur, même si l'érotisme ardent qui en émane est rattrapé par la pureté de l'acte. D'autres seront sans doute choqués de découvrir à certains moments la crudité de certains inserts pornographiques sans que le réalisme scabreux des situations ne cède jamais à la complaisance. Au contraire, à l'aide d'une réalisation épurée au plus près des corps extatiques, il ne fait que sublimer la passion sexuelle de deux êtres envoûtés par le désir. Rarement des séquences sexuelles n'auront été vécues d'une manière aussi crue et radicale mais transcendées par la sensualité d'une fougue érogène.

Il en ressort une oeuvre épurée où l'émotion brute nous saisit à la gorge à n'importe quelle situation improvisée et où l'introspection initiatique d'Adèle nous hypnotise d'une manière toute intime. Outre son ode à la vie et à la liberté homosexuelle, La vie d'Adèle illustre avec autant de lucidité que de vérité humaine la cruauté de l'amour et l'initiation à la maturité. 

Avec toute mon affection pour Adèle Exarchopoulos
13.12.13
Bruno Matéï

L'avis de Mathias Chaput:
"La vie d'Adèle" est simplement un pur chef d'oeuvre qui frôle presque le cinéma expérimental tant l'acuité d'Abdellatif Kechiche à rendre simples et évidentes les choses force le respect...
Admirable en tous points, son film transgresse les tabous et va très loin dans le réalisme, n'occultant jamais qu'une histoire d'amour est faite de larmes et de sexe...
Sexualité débridée certes, mais NECESSAIRE pour comprendre l'amplification et la liaison charnelle qui lie les deux héroïnes, corps imbriqués physiquement mais aussi mentalement pour un amour que nul ne penserait pouvoir briser tant le feu foudroyant domine les deux femmes...
Techniquement, Kechiche fait preuve d'une maîtrise totale et emploie des mouvements de caméras gracieux et intégrés dans l'espace de façon juste, un grand travail a été fait notamment lors de plans sur le visage d'Adèle qui la suit sur un long mouvement à deux reprises dans le film (lorsqu'elle sort du lycée et lorsqu'elle quitte le vernissage)...
La direction d'actrices est extrêmement juste et les deux comédiennes jouent à un niveau de perfection peu atteint dans le cinéma français (la scène du clash annonçant la rupture m'a arraché des larmes, tout y est concis, précis et vraiment similaire au réel)...
Il y a de nombreuses allégories dans "La vie d'Adèle" comme ces feuilles qui volent, emmenées par le vent, dans un parc, au dessus du corps d'Adèle allongée sur un banc, ou ce passage incroyable et hors du temps d'une des séquences finales, dans le café, où la discussion entre les deux femmes fait penser à celle du parloir d'une prison, Adèle prisonnière, enfermée dans l'illusion d'un amour renouvelé et qui demande à Emma de la masturber, comme un détenu le demandera à son épouse, cette scène est très forte et d'une intensité rare !
D'une force imparable, "La vie d'Adèle" laissera une trace indélébile dans le cinéma hexagonal et peu de métrages ont réussi à atteindre un tel degré dans la retranscription d'un amour, à fortiori dans cette gageure pour Kechiche puisqu'il s'agit en l'occurrence de deux femmes, ce qui accentue encore plus la difficulté pour le cinéaste...
Tout simplement magique et magnifique "La vie d'Adèle" est une incroyable performance et une étape supplémentaire franchie dans la qualité au septième art, qui imprègne de sa patte et de son style tout un pan de la société, à l'heure du "mariage pour tous", bien ancrée dans l'évolution des moeurs et témoignant d'une intelligence de traitement rarement vue auparavant...
Note : 10/10

Récompenses: Palme d'Or, Cannes 2013

César du Meilleur Espoir Féminin pour Adèle Exarchopoulos
Prix Louis Delluc, 2013
Prix Fipresci pour Abdellatif Kechiche. 

Grand Prix de la FIPRESCI36

Meilleur Espoir pour Léa Seydoux au Festival du film des Hamptons, 2013

Meilleure révélation féminine pour Adèle Exarchopoulos

Meilleur film Etranger au New-York Film Critics Circle Awards, 2013

Meilleure Actrice pour Adèle Exarchopoulos au Los Angeles Film Critics Association Award, 2013

Meilleur Film Indépendant international au British Independent Film Awards, 2013

Meilleur Film en langue étrangère au Boston Online Critics Association Awards, 2013
Meilleur Film étranger aux Critics' Choice Awards, 2014 !
Prix Lumières 2014

La Planète des Singes / Planet of the Apes

                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site space1970.blogspot.com

de Franklin J. Schaffner. 1968. U.S.A. 1h52. Avec Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter, Maurice Evans, James Whitmore, James Daly, Linda Harrison.

Sortie salles France: 25 Avril 1968. U.S: 8 Février 1968

FILMOGRAPHIE: Franklin J. Schaffner est un réalisateur et producteur américain, né le 30 Mai 1920 à Tôkyô, décédé le 2 juilllet 1989 à Santa Monica. 1963: Les Loups et l'agneau. 1964: Que le meilleur l'emporte. 1965: Le Seigneur de la guerre. 1967: La Griffe. 1968: La Planète des Singes. 1970: Patton. 1971: Nicolas et Alexandra. 1973: Papillon. 1976: L'île des adieux. 1978: Ces Garçons qui venaient du Brésil. 1981: Sphinx. 1982: Yes, Giorgio. 1987: Coeur de Lion. 1989: Welcome Home.

"L'homme, arrogant, cupide, envieux, mégalo, autodestructeur, incapable du vivre ensemble, condamné au néant. Plus nihiliste tu meurs."

Grand classique de la science-fiction dans tous les coeurs des cinéphiles, La Planète des Singes laissa une trace indélébile dans la mémoire du spectateur, tant par la nature délirante de son concept que de sa réflexion philosophique sur la nature humaine. Le pitch: Après un voyage astral de 18 mois, trois astronautes se retrouvent projetés en l'an 3978 pour atterrir sur une contrée désertique étrangement mutique. Au fil de leur expédition, ils ne vont pas tarder à rencontrer l'hostilité d'une ethnie d'hommes-singes. Inspiré du roman de Pierre Boule et d'un épisode de la 4è Dimension (Une Flèche dans le ciel), La Planète des Singes fut un énorme succès international de par l'originalité de son postulat et le réalisme imparti aux maquillages des primates confectionnés par John chambers. Il y émane la création d'un univers atypique retranscrit avec une vérité trouble qui plus est rehaussé d'une partition ombrageuse. Ainsi, à travers l'irruption accidentelle de trois américains débarqués sur un continent aride, Franklin J. Schaffner insuffle un climat d'étrangeté feutré dans cet endroit solaire épargné de civilisation. Tout du moins c'est ce que les 20 premières minutes sous entendent avant que nos héros témoignent d'une communauté d'hommes sauvages fouinant de la nourriture à travers champs. Rapidement pourchassés par une race de singes mutants armés, les derniers survivants vont se retrouver embrigadés dans des cages d'acier pour être ainsi réduits à l'esclavage !

Cette trame insensée engendrée par une ancienne théorie (l'homme descendrait du singe !) est ici magnifiquement retranscrite à travers la scénographie d'un microcosme primitif auquel les singes feront face à la rébellion d'un humain doué de parole. A travers un scénario passionnant fertile de thématiques (notamment une charge militante pour la cause animale si bien que l'homme est ici tenu en laisse et retenu en cage !) et fondé sur la quête existentielle d'une civilisation première, c'est une forme de parodie tacite que Franklin J. Schaffner met en exergue afin de se railler de notre orgueil. La donne est donc inversée afin d'illustrer à travers l'éthique des singes à quel point toute civilisation est avide d'accéder instinctivement à l'élite du pouvoir pour asservir les plus faibles et les priver de la liberté d'expression. Car ces simiens potentiellement intelligents vont reproduire nos mêmes fondements de doctrine judiciaire (leur tribunal de jurisprudence), de recherche scientifique et médical (l'exploitation de la vivisection, le domptage animal) et de foi religieuse (leur paroisse chrétienne) pour se justifier un sens existentiel. Le conservatisme, le racisme, l'exploitation de l'esclavage sont donc traités à travers l'intolérance de leur supériorité où la violence expéditive est perpétrée pour maltraiter les prisonniers (les gorilles ne sont d'ailleurs que des geôliers écervelés). Mais dans cette société faillible compromise par la persuasion d'un homme hurlant sa condition soumise, deux chimpanzés psychologues (Roddy McDowall et Kim Hunter crèvent l'écran dans leur dignité humaniste !) vont tout de même s'extirper de leur idéologie réactionnaire pour tenter de comprendre le pacifisme de cet insurgé et découvrir sa véritable nationalité.

No Futur. 

Mis en scène avec maîtrise (les scènes d'action sont remarquablement coordonnées), La Planète des singes bénéficie notamment d'une direction d'acteur hors pair pour crédibiliser les différents primates humains (orangs-outans, gorilles et chimpanzés ont évidemment tous une morphologie distincte selon leur origine) alors que Charlton Heston tente de s'extirper de ce cauchemar, entre résilience, entêtement et hargne rigoureuse. Ce qui nous amène à la conclusion d'un cliffhanger effroyable de nihilisme afin de mieux fustiger la nature autodestructrice de l'homme ! Immense chef-d'oeuvre j'vous dis. 

A privilégier en Vo.

*Bruno

12.12.13

17.11.22. 4èx vost

La critique: Le Secret de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/le-secret-de-la-planete-des-singes.html
Les Evadés de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/les-evades-de-la-planete-des-singes.html
La Conquête de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-conquete-de-la-planete-des-singes.html
La Bataille de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-bataille-de-la-planete-des-singes.html

Le Jouet

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Francis Veber. 1976. France. 1h35. Avec Pierre Richard, Michel Bouquet, Fabrice Greco, Jacques François, Charles Gérard, Gérard Jugnot, Suzy Dyson.

Sortie salles France: 8 Décembre 1976

FILMOGRAPHIE: Francis Veber est un réalisateur, scénariste, dialoguiste et producteur français, né le 28 Juillet 1937 à Neuilly sur Seine. 1976: Le Jouet. 1981: La Chèvre. 1983: Les Compères. 1986: Les Fugitifs. 1989: Les 3 Fugitifs. 1992: Sur la corde raide. 1996: Le Jaguar. 1998: Le Dîner de con. 2000: Le Placard. 2002: Tais-toi ! 2006: La Doublure. 2008: L'Emmerdeur.

Pour sa première réalisation, Francis Veber frappe un grand coup dans la subversion avec Le jouet, une comédie caustique gentiment drôle à travers un sous-texte social ravageur. Sa force implacable émanant de son postulat de départ improbable auquel un gosse de riche décide d'embrigader un quidam empoté dans sa résidence après l'avoir comparé à un jouet de vitrine ! Cette situation risible demeure donc un fameux prétexte chez Veber afin de fustiger une violente charge contre la haute bourgeoisie. Ainsi, à travers le comportement capricieux de cet enfant livré à une totale indépendance et à l'ennui, Francis Veber dénonce sa victimisation auprès d'un père égocentrique corrompu par sa propre richesse. Un milliardaire déshumanisé auprès de son confort ainsi que l'orgueil de son autorité où des milliers d'employés ne sont que ses instruments qu'il peut limoger à sa guise sous prétexte dérisoire. Par conséquent, à travers ce personnage imbus, le réalisateur aborde également le problème du chômage et l'abus de pouvoir chez les entrepreneurs si bien que les prolétaires sont contraints de se plier à une discipline drastique afin de sauvegarder leur emploi.

Mais revenons à notre "pantin humain" auquel l'inénarrable Pierre Richard apporte sa naturelle maladresse mêlée d'une dose de tendresse. Ce personnage grotesque victime de l'arrogance d'un enfant et de sa condition précaire tentera finalement d'apprivoiser son élève de par leur confiance amiteuse et une forme d'autorité conçue sur le respect d'autrui. C'est à dire éveiller sa conscience par des jeux d'adresse pédagogiques (à l'instar de leur création d'un journal pour caricaturer la hiérarchie dictatoriale du père d'Eric) et le ramener à la réalité des choses simples de la quotidienneté. Le tandem que forment nos compères Pierre Richard et le turbulent Fabrice Greco doit beaucoup à la ferveur débridée du récit de par leurs facéties outrées (le duel au sein de la Garden-party est un moment d'anthologie grinçant !) mais aussi auprès de leur affection commune (l'épilogue des adieux s'avère vraiment poignant). Enfin, en président impassible dénué d'empathie, l'imparable Michel Bouquet adopte une posture rigide afin de caractériser le parfait symbole du nanti renfrogné manipulant à sa guise le prolétaire réduit à la coercition. 

Les jouets du président
Parfaitement interprété en alternant avec vigueur ironie acide et douce tendresse, Le Jouet se décline en comédie intelligente pour illustrer avec originalité les dommages irréversibles de la démission parentale mais aussi de la corruption du pouvoir chez les nantis englués dans leur confort. Soutenu de la partition friponne de Vladimir Cosma, ce classique perdure sa force émotionnelle et la dérision de son thème social avec une étonnante liberté de ton !

*Bruno

11.12.13. 3èx

LA PASSION DU CHRIST (The Passion of the Christ)

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site me2day.us

de Mel Gibson. 2004. U.S.A/Italie. 2h07. Avec Jim Caviezel, Maia Morgenstern, Hristo Jivkov, Francesco de Vito, Monica Bellucci, Luca Lionello, Hristo Chopov, Rosalinda Celentano, Claudia Gerini.

Sortie sales France: 31 Mars 2004. U.S: 25 Février 2004

FILMOGRAPHIE: Mel Gibson est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 3 Janvier 1956 à Peekskill (Etats-Unis).
1993: l'Homme sans visage. 1995: Braveheart. 2004: La Passion du Christ. 2006: Apocalypto.

Il a été transpercé à cause de nos fautes, écrasé à cause de nos crimes; par ses blessures nous sommes guéris. 

Isaïe 53 700 av JC

Enorme succès à sa sortie malgré de vives controverses quand à la représentation graphique de sa violence et les accusations d'antisémitisme portées au réalisateur, La Passion du Christ relate les 12 dernières heures de Jésus de Nazareth, de son jugement à la crucifixion vers son chemin de croix. Afin de coller au plus près de la réalité, le film est tourné en langue Araméen, Hébreu et Latin. 

Interminable descente aux enfers d'un martyr religieux livré à la barbarie des obscurantistes, le film est une épreuve de force émotionnelle que le spectateur subit avec une empathie désespérée, puisque témoin impuissant d'un lynchage communautaire. Que l'on soit croyant ou athée, le fait d'assister durant plus de 2h00 à l'agonie d'un porte-parole prêchant l'Eucharistie (les sacrements catholiques) nous interpelle la raison face à l'animosité d'une population Juive en collaboration avec l'autorité de leur prêtre et celle des romains. A travers cette lente agonie où Jésus endure d'innombrables sévices de flagellation et crucifixion, Mel Gibson rend hommage à un symbole de la vertu capable de surmonter son calvaire grâce à la foi paternelle et l'amour. Qui plus est, le fait de pardonner à ces tortionnaires leurs exactions sadiques et d'invoquer à ses disciples d'aimer ses ennemis prouve la tolérance exceptionnelle que ce prophète était capable de prodiguer afin de rassembler les peuples. Dans un esprit de provocation jusqu'au-boutiste, Mel Gibson dérange, incommode et provoque même la nausée dans les tortures ininterrompues mais il ne fait que retranscrire avec vérité les châtiments corporels d'un chrétien ne s'autorisant la moindre repentance pour soulager ses souffrances. C'est aussi d'une certaine manière une analogie sur la violence aliénante du monde auquel l'intégrisme est capable de se soumettre pour pallier son ignorance. Dans le rôle de Jésus de Nazareth, Jim Caviezel livre avec pudeur une interprétation bouleversante et s'avère presque méconnaissable dans sa condition de martyr sacrifié. Son corps ruisselant de sang n'étant qu'un amas de chair osseuse entaillé de plaies et d'écorchures.  

Vibrant hommage au plus célèbre prophète de l'histoire catholique, leçon de tolérance et d'amour au nom de la piété, La Passion du Christ provoque une émotion éprouvante (les âmes sensibles sont priées d'être averties !) et nous questionne également sur la nature superstitieuse de l'homme, instinctivement tributaire de pulsions haineuses quand il s'oppose à l'incompréhension. Face à ce fardeau d'une rare bestialité, on en sort bouleversé jusqu'au trauma ! 

10.12.13. 2èx

Bruno Matéï

LABYRINTHE (Labyrinth)

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site zonebis.com

de Jim Henson. 1986. U.S.A/Angleterre. 1h41. Avec David Bowie, Jennifer Connely, Shelley Thompson, Christopher Malcolm, Toby Froud.

Sortie salles France: 3 Décembre 1986. U.S: 27 Juin 1986

FILMOGRAPHIE: James Maury "Jim" Henson est un marionnettiste, réalisateur et producteur américain né le 24 Septembre 1936 à Greenville, décédé le 16 Mai 1990 à New-York. Il est le créateur du Muppet Show, de Monstres et Merveilles et des Fraggle Rock (1983 - 1987).
1982: Dark Crystal. 1986: Labyrinthe

Quatre ans après Dark Crystal, Jim Henson renoue avec l'esprit féerique imposé par le dessinateur Brian Froud pour façonner Labyrinth. Clairement ciblé pour un public enfantin, cette aventure initiatique sur le sens de l'amitié et la fraternité ne possède pas la même noirceur que son précédant homologue. L'univers décrit ici étant beaucoup plus édulcoré pour illustrer le cheminement de la jeune Sarah, partie à la recherche de son petit frère dans l'antre d'un labyrinthe. Cet endroit sorti de son imaginaire (pour pallier sa solitude, elle se réfugie dans la littérature fantastique !) est régi par Jareth, roi des gobelins. Pour la caractérisation de ce dandy, on s'étonne de retrouver le chanteur David Bowie accoutré ici d'un look vestimentaire excentrique, à l'image de sa longue chevelure blonde taillée à la serpe ! Alors que Sarah avait préalablement invoqué le monde des lutins pour se débarrasser de son cadet turbulent, Jareth et ses sbires auront décidé de le kidnapper. Mais en dernier ressort d'une conjuration, elle bénéficie d'un ultimatum ! Tenter d'accéder au château des lutins en moins de 13 heures afin de pouvoir récupérer son frère.

A contrario de Dark Crystal, le film allie personnages réels et marionnettes en peluche en y incluant par intermittence d'étranges rimes musicales chantonnées par Bowie. Quand à la linéarité de l'histoire, elle n'est qu'un prétexte pour invoquer un univers féerique des plus fantaisistes auquel une multitude de personnages vont entrer en scène pour aider Sarah, ou au contraire, l'induire en erreur dans son itinéraire. La variété délirante des monstres qu'elle côtoie est l'atout ludique d'une aventure fertile en péripéties où l'humour bon enfant occupe une place de choix. C'est dans la caractérisation humaine des monstres maladroits (Hoggle, Ludo et Didymus) que Labyrinth créé l'attachement. Des héros parfois couards mais toujours valeureux qui vont permettre d'unir leur soutien à Sarah, mais aussi lui invoquer au cours de son initiation une leçon de tolérance sur l'amitié, la confiance et le pardon. C'est Jennifer Connely qui endosse ce rôle d'adolescente rebelle avec la sensualité innocente qu'on lui connait mais aussi un jeu naturel inscrit dans la loyauté. 

Si aujourd'hui Labyrinth peut paraître un brin désuet dans ces trucages de matte painting et dans l'élaboration des peluches, le spectacle enfantin n'en reste pas moins séduisant (le bal masqué est touché par la grâce !), musical et inventif pour mettre en relief un univers fantasmagorique débordant de personnages extravagants.

09.12.13. 4èx
Bruno Matéï  

Deranged (Uncut version)

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site hdvietnam.com

de Jeff Gillen et Alan Ormsby. 1974. U.S.A. 1h24. Avec Roberts Blossom, Marion Wardman, Cosette Lee, Mickey Moore, Robert Warner, Pat Orr, Marcia Diamond, Leslie Carlson.

FILMOGRAPHIE: Jeff Gillen est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 2 Novembre 1942, décédé le 27 Juin 1995 en Floride. 1974: Deranged. Alan Ormsby est un réalisateur et scénariste américain né en 1944. 1973: Artists and models ball. 1974: Deranged. 1991: Popcorn (non crédité).

Tourné la même année que Massacre à la Tronçonneuse, Deranged se décline également en petit film indépendant quelque peu fauché, semi amateuriste dans sa réalisation et sa direction d'acteurs, ce qui étonnamment renforce à merveille son réalisme ultra glauque n'ayant rien à envier au chef-d'oeuvre de Hooper. Notre duo de réalisateurs parvenant à transcender ses éventuelles lacunes en exacerbant avec beaucoup de réalisme granuleux l'aspect sordide de la quotidienneté du tueur en y distillant (sans modération aucune) une atmosphère glauque des plus insalubres. D'une certaine manière, on peut aussi suggérer qu'il préfigure une autre perle toute aussi déviante et marquante réalisée à l'orée des années 80, le fameux Pyromaniac de Joseph Ellison. Si bien que l'on retrouve ici le même rendu morbide pour les cadavres putréfiés installés, tel des pantins désarticulés, dans la moiteur d'une cuisine irrespirable. Leur physionomie bleutée rappelant indubitablement les cadavres calcinés que notre pyromane embaumait pour les réserver dans une chambre secrète parmi sa maman momifiée. En l'occurrence, le tueur de Deranged la préserve de la même façon pour la choyer parmi l'intrusion d'hôtes aussi décrépits.

Basé sur la véritable biographie de Ed Gein, Deranged suit donc le train-train quotidien d'un sexagénaire timoré, rendu azimuté depuis la mort de sa maman poule. Avec souci de réalisme crapoteux pour ausculter sa pathologie schizophrène et un sens du détail imparti à la scénographie de sa vieille bâtisse, le film véhicule une véritable aura mortifère résolument olfactive. En sa présence de nécrophile sexuellement refoulé, nous suivons donc son cheminement de prédateur à travers son besoin d'assouvir ses pulsions perverses d'esprit vengeur tout en renouant avec l'amour maternel. Sa devise: rechercher des proies féminines pour y recomposer l'enveloppe corporelle de sa génitrice à l'aide de leur chair humaine ! Dans le rôle du demeuré déficient, Roberts Blossom impose un jeu authentique de serial-killer sclérosé auprès de son petit regard à la fois vicié et demeuré. Exacerbé de sa morphologie décatie plutôt décharnée, il réussit à dégager un réel sentiment d'angoisse, de malaise et d'inquiétude de manière permanente. La violence âpre, parfois émétique émanant de ses exactions putassières demeurant dérangeant au possible auprès de son comportement d'autant plus sadique. L'odeur de la mort semble même s'immiscer dans l'air, à l'instar des murs de sa ferme lorsque un bras coupé fait office d'ornement ! D'ailleurs une séquence éprouvante a de quoi laisser une trace indélébile dans la conscience du spectateur lorsque notre tueur arrache l'oeil d'un cadavre à l'aide d'une cuillère pour ensuite découper au couteau sa boite crânienne afin d'extirper avec son couvert la masse gélatineuse du cerveau. Des maquillages ultra crades particulièrement réalistes que l'on doit au tout jeune néophyte, Tom Savini.

Grace à la modestie de son faible budget, d'une réalisation approximative et du jeu d'acteurs inconnus mais fort convaincants, notamment auprès de leur charisme prolétaire plus vrai que nature,  Deranged  renforce à point nommé le côté documentaire de l'entreprise avec une verdeur ultra glauque infaisable aujourd'hui. La partition lugubre composée à l'orgue ainsi que l'inquiétante présence du sénile Roberts Blossom renforçant tous azimuts le malaise éprouvé durant cette macabre reconstitution. Une perle de souffre indécrottable au demeurant, à redécouvrir d'urgence pour tous les amateurs d'horreur documentée estampillée "Seventie". Mais à réserver à un public averti du fait son climat malsain incroyablement perméable.

P.S: Attention ! La séquence gore décrite dans mon article est censurée chez le Dvd édité par Mad Movies mais reste trouvable auprès de certains blogs spécifiques. Toutefois, cette séquence reste incluse dans la section bonus du Dvd MM.

*Bruno

02.02.24. 3èx

06.12.13. 

L'As des As

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site alligatographe.blogspot.com

de Gérard Oury. 1982. France/Allemagne de l'Ouest. 1h36. Avec Jean-Paul Belmondo, Marie-France Pisier, Rachid Ferrache, Frank Hoffman, Gunter Meisner, Benno Sterzenbach, Florent Pagny.

Sortie salles France: 27 Octobre 1982

FILMOGRAPHIE: Gérard Oury (Max-Gérard Houry Tannenbaum) est un réalisateur, acteur et scénariste français né le 29 avril 1919 à Paris, décédé le 20 Juillet 2006 à Saint-Tropez.
1960: La Main Chaude. La Menace. 1962: Le Crime ne paie pas. 1965: Le Corniaud. 1966: La Grande Vadrouille. 1969: Le Cerveau. 1971: La Folie des Grandeurs. 1973: Les Aventures de Rabbi Jacob. 1978: La Carapate. 1980: Le Coup du Parapluie. 1982: L'As des As. 1984: La Vengeance du Serpent à Plumes. La Joncque (inachevé). 1987: Levy et Goliath. 1989: Vanille Fraise. 1993: La Soif de l'or. 1996: Fantôme avec chauffeur. 1999: Le Schpountz.

Enorme succès de l'époque totalisant 5 452 593 entrées, l'As des as est la seconde association du duo Gérard Oury/Jean Paul Belmondo si bien qu'en 1969 ils tournèrent déjà ensemble dans Le Cerveau, autre réussite commerciale un tantinet plus élevée (5 547 305 entrées !). Film d'aventures bondissant renouant un peu avec l'esprit d'équipe de La Grande Vadrouille, l'As des as est un spectacle calibré pour toute la famille comme on en voit plus de nos jours. Grâce à un spécialiste de la mise en scène et à l'égérie amiteuse Bébel, l'histoire allie aventure, tendresse et comédie sous l'égide d'un entraîneur de boxe contraint de sauver des griffes des nazis un enfant orphelin et sa famille juive. De par son savoir-faire traditionnel, Gérard Oury nous concocte une nouvelle fois un pur moment de détente truffé de générosité où la bonne humeur expansive des comédiens renforce sans modération son capital sympathique. L'intrépide Bébel et le petit Rachid Ferrache formant un tandem attachant dans leurs enjeux stratégiques d'y déjouer l'indignité du Führer en personne, Hitler ! En journaliste insidieuse mais néanmoins reconnaissante, la charmante Marie France Pisier se charge de courtiser notre aventurier rebelle lors d'un jeu de séduction aimablement hautain.  

Emaillé d'humour labial et de gags désopilants, de bastonnades viriles (bruitages criards à l'appui !) et de cascades parfois impressionnantes (la poursuite en voiture, l'offensive en avion, puis, un peu plus tard, le saut en parachute alors que l'appareil est positionné à l'envers), l'As des as possède également l'atout de ne jamais surenchérir grâce à une structure narrative des plus habiles multipliant bévues et quiproquos, (en ce en dépit d'un final inachevé plutôt sans surprise). Qui plus est, en accumulant ces péripéties d'une aventure exaltante, Gérard Oury se permet d'y parodier le tristement célèbre dictateur de l'histoire, Adolph Hitler ! Et pour renchérir dans la dérision, notre tyran est accompagné de sa soeur Angela, une célibataire fébrile déguisée en l'occurrence en travelo ! Ah ah !

Scandé de la partition lyrique de Vladimir Cosma harmonisant les magnifiques paysages des alpes bavaroises et autrichiennes, l'As des as constitue la recette infaillible du divertissement populaire autour de la bonhomie de comédiens animés par une tendresse amicale. Pour l'anecdote nostalgique, il s'agit du premier film diffusé sur la chaîne cryptée, Canal + ! Précisément, le 4 novembre 1984 à 10h du matin ! Intemporel, mais surtout un anti-dépresseur de choix. 

*Bruno Matéï

16.05.22. 4èx

05.12.13.