Mars Attacks !

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineclap.free.fr

de Tim Burton. 1996. U.S.A. 1h45. Avec Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Martin Short, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox, Rod Steiger, Tom Jones, Lukas Haas, Natalie Portman, Jim Brown, Lisa Marie, Sylvia Sidney, Paul Winfield, Pam Grier, Jack Black, Joe Don Baker, O-Lan Jones, Christina Applegate.

Sortie salles France: 26 février 1997. U.S: 13 décembre 1996

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children.

Parodie des films de science-fiction des années 50 inspiré d'un jeu de cartes à collectionner de 1962, Mars Attacks se permet par cette occasion un joli pied de nez au patriotisme d'Emmerich lorsque Independance Day sorti en fanfare la même année. 

Le Pitch: Des martiens venus de Mars tentent d'entrer en contact avec le doyen des Etats-Unis. Alors que l'armée sur le qui-vive solutionne l'affront, le président opte pour l'accueil pacifiste. A tort, si bien que ces derniers n'ont comme seule ambition de détruire notre planète afin de la conquérir. 

Comédie débridée se moquant ouvertement des valeurs américaines avec une dérision caustique, Mars Attacks conjugue l'action pétaradante et les gags burlesques avec une inventivité exubérante. Sous l'impulsion extravertie d'une distribution de stars hétérogènes (on y croise même le chanteur Tom Jones), l'intrigue linéaire n'est qu'un prétexte pour Burton à singer une invasion extra-terrestre pour mieux se railler de l'idiocratie ricaine.

Que ce soit les élus politiques, l'armée réactionnaire, la contre-culture de la communauté "peace and love" ou encore le fanatisme de la religion, chacune de ses institutions bien pensantes volent en éclat sous les ricanements des E.T. Caricaturant sans modération le tempérament vaniteux des représentants politiques et de l'armée dans leur fonction martiale, Tim Burton privilégie également la valeur morale de deux personnages candides, introvertis et placides (une grand-mère et son p'tit fils timoré prochainement aptes à sauver le monde de manière aléatoire) souvent répudiés par leur entourage comme des laissés-pour-compte. Outre cette galerie de personnages fantasques, patriotiques et doux rêveurs, Mars Attacks tire parti de son ressort jouissif grâce aux exactions persifleuses de nos E.T faméliques. Affublé d'un cerveau surdimensionné que leur petit corps supporte nativement, ces derniers complotent leurs stratégies d'attaques parmi la motivation sardonique de subterfuges à répétition. Le peuple américain étant considéré à leurs yeux comme des êtres naïfs aussi influençables que manipulables. Emaillé de moments surréalistes insufflant un climat biscornu (le camouflage d'un martien dans une posture féminine au déhanchement dégingandé !), voir parfois même dérangeant (leurs expérimentations douteuses pratiquées sur quelques cobayes humains), Tim Burton cultive de temps à autre une poésie baroque fortuite pour mieux nous détourner !

Satire cinglante du patriotisme américain, pamphlet parodique évoquant le danger du nucléaire, Mars Attacks ! renouvelle l'invasion extra-terrestre dans un esprit déluré de bande-dessinée au vitriol. Outre la posture irrésistible de nos martiens gausseurs numériquement assez convaincants, le film séduit également par sa vigueur musicale. Tant par le thème entêtant orchestré par Danny Elfman que les bruitages éclectiques de sa bande-son survoltée ! (notamment l'impact strident des armes lasers). Jouissif au possible dans une décontraction irrésistiblement assumée. 

*Bruno

04.10.24.

4èx. Vostfr

SLEEPY HOLLOW. Oscar de la Meilleure Direction Artistique, 2000.

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site timburton.wikia.com

de Tim Burton. 1999. U.S.A/Allemagne. 1h45. Avec Johnny Depp, Christina Ricci, Miranda Richardson, Michael Gambon, Christopher Walken, Marc Pickering, Casper Van Dien, Jeffrey Jones, Richard Griffiths, Ian McDiarmid, Michael Gough, Steven Waddington, Christopher Lee, Lisa Marie, Martin Landau, Ray Park.

Sortie salles France: 9 Février 2000. U.S: 19 Novembre 1999

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie.
1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children.

Délibéré à rendre hommage au cinéma gothique italien et à la Hammer Films avec une ambition avisée, Tim Burton emprunte la nouvelle homonyme de Washington Irving afin de parfaire un conte horrifique d'une fulgurance formelle (photo désaturée à l'appui). 1799. Un mystérieux assassin surnommé le cavalier sans tête s'en prend à de paisibles villageois dans la contrée de Sleepy Hollow. Issu de New-York, le détective Ichabod Crane est enrôlé afin de prouver son talent scientifique pour démasquer l'identité du meurtrier. Son enquête l'amène à fréquenter une galerie de magistrats particulièrement équivoques au moment même où le cavalier sans tête redouble d'exactions sanglantes. Par le biais d'un scénario retors opposant le surnaturel à la rationalité du complot, Tim Burton rend hommage à l'épouvante séculaire pour le dépoussiérer avec une fraîcheur fringante.

De par la vigueur des scènes d'action remarquablement chorégraphiées (que ce soit les poursuites en fiacre ou à cheval et les pugilats), l'efficacité des séquences gores multipliant les décapitations percutantes et la posture maladroite du détective aussi perspicace que pittoresque. Johnny Depp réussissant à donner chair à sa fonction pleutre avec un soupçon d'exubérance subtilement modeste. On est donc loin de ses mimiques outrées prochainement aperçues dans des métrages lucratifs (la saga des Pirates des Caraïbes, Dark Shadows, Lone Rangers, Alice au pays des merveilles). Dans celui du méchant iconique à l'animosité cruelle, Christopher Walken lui prête la vedette avec un charisme saillant par sa physionomie effrayante (dentition acérée et regard azur injecté de haine). On est également impressionné par sa robustesse et son agilité lorsque ce dernier dénué de tête alpague froidement sa victime (enfant compris !) pour y collectionner ses macabres trophées. Bourré d'illustres seconds-rôles au charisme buriné (Christopher Lee, Martin Landeau, Michael Gambon, Jeffrey Jones, Richard Griffiths, Ian McDiarmid, Michael Gough), Sleepy Hollow déclare sa flamme aux classiques de l'épouvante parmi l'affable complicité de tous ces vétérans. Quant aux gentes dames s'opposant des sentiments de tendresse, de jalousie et de rancoeur, Christina Ricci et Miranda Richardson se disputent la vedette avec une séduction vénéneuse.

Formellement renversant, si bien que Tim Burton transfigure la campagne brumeuse et les habitacles domestiques à l'instar de tableaux picturaux, Sleepy Hollow oscille l'onirisme féerique (notamment par l'entremise des songes d'Ichabod) et le gothisme macabre sous un ressort narratif bourré de suspense, rebondissements et faux coupables. Avec un brio technique impressionnant et parmi la complicité de sa distribution prestigieuse, Sleepy Hollow parvient à susciter mystère et angoisse sous l'impulsion de la superstition locale et d'une sorcellerie perfide. Tour à tour fascinant et ensorcelant, une des plus belles réussites de son auteur à ranger aux côtés de sa monstrueuse parade, Batman, le défi et du cruel conte de fée, Edward aux mains d'argent.

HARDCORE

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site 2or3thingsiknowaboutfilm.blogspot.com

de Paul Schrader. 1979. U.S.A. 1h47. Avec George C. Scott, Peter Boyle, Season Hubley, Dick Sargent, Leonard Gaines, Dave Nichols, Larry Block, Gary Graham, Ilah Davis

Sortie salles France: 2 Mai 1979 (Interdit aux - de 18 ans). U.S: 9 Février 1979.

FILMOGRAPHIE: Paul Schrader est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 22 Juillet 1946 à Grand Rapids (Michigan).
1978: Blue Collar: 1979: Hardcore. 1980: American Gigolo. 1982: La Féline. 1985: Mishima. 1987: Light of Day. 1988: Patty Hearts. 1990: Etrange Séduction. 1992: Light Sleeper. 1994: Witch Hunt (télé-film). 1997: Touch. 1997: Affliction. 1999: Les Amants Eternels. 2002: Auto Focus. 2005: Dominion. 2007: The Walker. 2008: Adam Resurrected.

Drame psychologique abordant les thèmes de la pornographie underground et du rigorisme parmi le témoignage du paternel investigateur, Hardcore nous dévoile l'envers du décor lorsqu'une jeune adolescente disparaît afin de devenir esclave sexuelle derrière l'écran. Après avoir vainement embauché un détective véreux, Jak Van Dorn décide de mener lui même son enquête afin de retrouver sa fille en vie. Plongé dans un monde obscur qu'il n'a jamais côtoyé, son parcours l'amène à fréquenter la clientèle au sein des clubs SM et Sex-shops diffusant parfois des projections privées de films ultra violents. Tourné à la fin des années 70, Hardcore aborde le libéralisme de la pornographie à son expansion. Car c'est durant cette période sulfureuse que les productions X ont droit de diffusion dans les salles spécialisées tout comme l'émergence florissante des Sex-shop. A l'instar d'une enquête policière, l'intrigue prend son temps à relater le difficile périple d'un père, catholique pratiquant plongé malgré lui dans un univers de dépravation sexuelle après avoir été témoin des ébats de sa fille lors d'une projection super 8.

Par l'entremise du porno underground, Paul Schrader ose aborder avec sérieux la légende urbaine des fameux Snuff-movies que certains désaxés s'échangeraient sous le manteau lors d'une stricte confidentialité. A cette époque en vogue de la libre circulation du X, Schrader y dénonce le laxisme et l'impuissance de la police à démasquer les auteurs de pédophilie lorsque des filles mineures sont enrôlées de force pour tourner dans des productions sans fiche identitaire. Si la mise en scène parfois maladroite manque de subtilité à exploiter son sujet et d'intensité dramatique (notamment pour les rapports conflictuels entre le père et sa fille), Hardcore suscite l'intérêt quant à la déliquescence irascible du paternel contraint d'observer les pratiques sexuelles les plus perverses. Par le biais de ce personnage puritain qu'endosse brillamment le vétéran George C. Scott, son parcours moral tend à décliner vers des accès de violence incontrôlées, notamment en osant molester une jeune prostituée venue lui prêter main forte pour retrouver les auteurs de l'éventuel kidnapping. Mieux encore, Schrader met en appui les conséquences dramatiques de sa morale rigoriste sachant Spoil ! que sa fille ne fut finalement jamais enlevée par un quelconque réseau. C'est ce que le final nous dévoile brièvement lorsque cette dernière osera avouer à son paternel qu'elle claqua la porte du domicile depuis l'éthique conservatrice de ce dernier. Fin du Spoil. L'émancipation de la femme et la liberté sexuelle étant notamment à cette époque en pleine révolution.

Hormis quelques scories dénaturant parfois le réalisme de situations scabreuses, la caricature de certains seconds-rôles (principalement le détective privé grossièrement incarné par Peter Boyle) et son sujet pas totalement abouti, Hardcore ne manque pas de déranger pour fustiger l'industrie mafieuse d'un porno autonome et l'influence qu'elle peut engendrer chez sa clientèle déviante. Portant le film à bout de bras, l'immense George C. Scott parvient en outre à se tailler une carrure équivoque dans sa posture de voyeur vindicatif avant sa remise en question religieuse pour l'amour filial. 

KRAMPUS

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de Michael Dougherty. 2015. U.S.A. 1h38. Avec Adam Scott, Toni Collette, David Koechner, Allison Tolman, Conchata Ferrell, Emjay Anthony.

Sortie salles France: 4 mai 2016. US: 4 décembre 2015

FILMOGRAPHIE: Michael Dougherty est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur et producteur américain, né en Octobre 1974 à Columbus. 1998: Refrigerator Art. 1998: Deadtime Stories. 2008: Trick'r Treat. 2010: Calling all Robots. 2015: Krampus.

Déjà responsable du réjouissant Trick or Treat, Michael Dougherti confirme tout le bien que l'on pensait de lui avec Krampus. Un conte de noël gouailleur dans la lignée de Gremlins et de l'esprit généreux de Joe Dante à honorer le genre. Durant la réunion de famille d'un réveillon de Noël, le jeune Max ne supporte plus l'ambiance électrique de leurs discordes. Tandis qu'une menace semble se propager à l'extérieur de la maison, tous les invités se préparent à recevoir son éventuel intrusion. A travers un cheminement narratif éculé (stratégies d'attaques et de défense contre une menace grandissante), Michael Dougherti parvient à renouveler les codes du film de monstres grâce au charisme de leur morphologie, l'implication spontanée des comédiens, l'habile gestion de l'expectative et un sous-texte social fustigeant le consumérisme.

Les conséquences horrifiques de cette nuit tumultueuse émanant de l'incivisme des enfants autant que celui des adultes rendus capricieux par leur confort matériel. Sans jamais ridiculiser la coutume de Noël puisque pleine de tendresse pour sa noble tradition, le réalisateur en profite donc pour nous rappeler à quel point notre société de consommation nous a tous réduits à des êtres insolents férus d'égoïsme à occulter dignement la naissance de Jésus. La plupart des adultes se comportant ici comme des bambins dénués de tous repères moraux. Jouant également sur l'attente quant à l'apparence ostensible de la grande menace, Michael Dougherti cultive la curiosité par une notion latente de suspense jusqu'à ce que des seconds-rôles diablotins ne viennent bouleverser la donne lors d'une 2è partie échevelée. Pleins d'inventivité et d'insolence, les pugilats entre créatures et victimes laissent libre court à un esprit cartoonesque sous l'impulsion de l'humour noir et d'une ambiance survoltée offrant un joli pied de nez à la sagesse de Noël. Le soin apporté aux décors oniriques et à sa photo bigarrée confirmant également la volonté du cinéaste d'y soigner son cadre traditionnellement chaleureux.

Sans révolutionner le genre et sans autre ambition que de distraire intelligemment le spectateur par le biais d'une pétulante épreuve de survie, Michael Dougherti continue de surprendre et de prouver son amour, sa générosité et son brio à honorer le genre comme le fit autrefois l'illustre Joe Dante. Efficacement mené et emballé et regorgeant de situations débridées ne laissant aucun bénéfice aux personnages (à l'instar de la causticité de l'épilogue), Krampus constitue une sympathique farce macabre au travers d'une diatribe sur notre matérialisme infantile.  

MEURTRES EN 3 DIMENSIONS (le tueur du vendredi 2)

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site users.net1.cc

"Friday the 13th Part 3" de Steve Miner. 1982. U.S.A. 1h35. Avec Dana Kimmell, Paul Kratka, Richard Brooker, Nick Savage, Rachel Howard, David Katims, Larry Zerner, Tracie Savage.

Sortie salles France: 16 février 1983. États-Unis: 13 août 1982

FILMOGRAPHIE: Steve Miner est un réalisateur américain, né le 18 Juin 1951 à Westport, dans le Connecticut. 1981: Le Tueur de Vendredi. 1982: Meurtres en 3 dimensions. 1986: House. 1986: Soul Man. 1989: Warlock. 1991: A coeur vaillant rien d'impossible. 1992: Forever Young. 1994: Sherwood's Travels. 1994: My Father ce Héros. 1996: Le Souffre douleur. 1998: Halloween, 20 ans après. 1999: Lake Placid. 2001: The Third Degree (télé-film). 2001: Texas Rangers, la revanche des Justiciers. 2002: Home of the Brave (télé-film). 2006: Scarlett (télé-film). 2007: Day of the Dead.

Troisième opus de la franchise Vendredi 13, retitré en Dvd et Vhs par Le Tueur du Vendredi 2, Meurtres en 3 dimensions exploita le relief en vogue à l'aube des années 80 (les Dents de la mer 3, Amityville 3, Parasite, etc...) afin de mieux rameuter son public ado. Déjà responsable du second volet, Steve Miner (réalisateur parfois inspiré si je me réfère à House, Lake Placid et Halloween H20) ne s'embarrasse ici ni de subtilité ni d'originalité pour donner suite aux exactions de Jason. A titre de détail iconique, c'est d'ailleurs la première fois qu'il s'affuble d'un masque de hockey au visage pour ébranler sa victime, épiée et coursée avant l'estocade promise. On prend donc les mêmes et on recommence ! Le scénario d'une rare indigence reprenant les clichés du premier (et second) opus dans une structure narrative aseptique si on épargne la teneur sardonique de l'épilogue confiné à l'orée d'un lac.

On retrouve donc le cadre idyllique du camp forestier auquel une traditionnelle clique d'étudiants fêtards s'y sont réunis comme le caractérisent le duo de fumeurs de joints, le farceur féru de blagues macabres et le couple d'amoureux, quand bien même un vagabond leur avait préalablement prédit un destin des plus macabres. Pour ajouter un peu de fantaisie à l'aventure horrifique, Steve Miner s'embarrasse également de l'irruption impromptue d'un trio de loubards venus provoquer nos ados avant que Jason ne mette rapidement un terme à leurs bravades. Endigué de suspense et de tension, Meurtres en 3 dimensions ne compte donc que sur l'outrance spectaculaire des meurtres inventifs (2/3 effets chocs valent tout de même le détour !) avant que la dernière survivante ne rehausse le rythme pour affronter vaillamment le tueur lors de l'ultime quart d'heure. Cartoonesque en diable car fertile en poursuites homériques, ce point d'orgue ne manque ni de rythme ni de cocasserie lorsque le duo impromptu renchérit à se courser inlassablement pour l'enjeu de survie. Pour un peu, on se croirait même dans un épisode de Tom et Jerry tant Jason fait preuve d'apathie à daigner alpaguer maladroitement sa partenaire alors que cette dernière se parodie à jouer la victime effarouchée !

Franchise lucrative destinée à répéter la même recette jusqu'à saturation, Meurtres en 3 dimensions ne déroge pas à la règle mais se revoit aujourd'hui avec un sourire amusé pour les inconditionnels de Jason et du célèbre leitmotiv d'Harry Manfredini. Parfois spectaculaire et involontairement drôle, puis haletant lors de sa dernière partie, ce nanar sans prétention fait encore son p'tit effet ludique à condition de l'évaluer au second degré. 

A L'INTERIEUR

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de Alexandre Bustillo et Julien Maury. 2007. France. 1h23. Avec Alysson Paradis, Béatrice Dalle, Nathalie Roussel, François-Régis Marchasson, Jean-Baptiste Tabourin, Dominique Frot, Claude Lulé

Sortie salles France: 13 Juin 2007

FILMOGRAPHIE: Alexandre Bustillo, né à Saint-Cloud le 10 août 1975, est un réalisateur et scénariste français. 2007 : À l'intérieur (avec Julien Maury). 2011 : Livide (avec Julien Maury).
2014 : Aux yeux des vivants (avec Julien Maury). 2016 : Leatherface (avec Julien Maury).
Julien Maury est un réalisateur et scénariste français.

Première incursion derrière la caméra du duo français Bustillo/Maury, A l'intérieur emprunte le schéma du survival horrifique sous le joug du huis-clos. Recluse chez elle, Sarah se remet difficilement de son accident de voiture qui lui valu la perte de son mari. Enceinte et sur le point d'accoucher, elle est persécutée par une mystérieuse inconnue délibérée à lui soutirer son bébé. Prenant pour thèmes le deuil et la maternité, A l'Intérieur aborde la perte de l'être aimé d'un point de vue horrifique jusqu'au-boutiste tant nos compères redoublent de provocation à enchaîner les exactions sanglantes avec une sauvagerie rarement intentée dans le paysage français. Grâce à son efficacité narrative soigneusement planifiée alternant situations de survie et stratégies de défense parmi l'appui de seconds-rôles en proie au danger permanent, ce home invasion ne cesse de surenchérir dans le hardgore avec un parti-pris assumé.

Epaulé d'une photo sépia aux éclairages translucides et d'une partition monocorde atmosphérique, Bustillo et Maury fignolent le cadre nocturne d'une demeure domestique confondue en théâtre de sang sous l'impulsion d'une tortionnaire intraitable. Dans sa posture hiératique et longiligne, Beatrice Dalle se délecte à emprunter la soutane d'une prêtresse habitée par la perversité. Cette dernière traquant ses proies avec un flegme inquiétant avant de se laisser chavirer vers des pulsions sanguinaires autrement primitives. La manière stylisée dont les cinéastes transfigurent chacune de ses apparitions apporte une touche surréaliste à sa silhouette mortifère. A l'instar d'une séquence subtilement angoissante lorsque cette dernière, tapie dans la pénombre d'une pièce, espionne par derrière sa victime à l'instar d'un spectre invisible. En proie soumise incessamment molestée et martyrisée (l'affrontement final innommable repousse les limites de la bienséance !), Alysson Paradis provoque la surprise à endosser la caricature fragile d'une défunte en instance de survie oscillant vigilance et bravoure pour contredire les châtiments de son ennemie. Nos deux partenaires féminines insufflant au fil de leur pugilat une tension dramatique d'une fureur viscérale. Pour terminer, on peut louer la qualité des FX artisanaux que Jacques Olivier Molon est parvenu à mettre en exergue avec un réalisme à couper au rasoir (en dépit de 2/3 CGI grossiers, à l'instar du rêve de l'héroïne et des apparitions internes du foetus).

Parmi son ambiance malsaine dérangeante instaurée dans le cadre feutré du huis-clos anxiogène, A l'Intérieur parvient à distiller angoisse, terreur et tension sous l'impulsion d'une horreur éprouvante parfois insoutenable (la gorge perforée à l'aide d'une tige à tricot, l'éventration au ciseau). Pour ce premier essai, Bustillo et Maury se tirent haut la main de la routine pour être parvenus avec sincérité et insolence à façonner un survival brut de décoffrage sous l'autorité charismatique de deux comédiennes à couteaux tirés. 
A réserver à un public averti.

THE LAST HOUSE ON DEAD END STREET

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site lostmedia.wikia.com

de Roger Watkins. 1977. U.S.A. 1h18. Avec Roger Watkins, Ken Fisher, Bill Schlageter, Kathy Curtin, Pat Canestro, Steve Sweet, Edward E. Pixley.

Sortie salles U.S: Mai 1977 (Interdit aux - de 18 ans). Inédit en France.

FILMOGRAPHIE: Roger Michael Watkins (pseudos: Richard Mahler/Bernard Travis/Victor Janos) est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur, né le 17 Septembre 1948, décédé le 6 Mars 2007.
1988: Decadence (Video) (as Richard Mahler). 1987: American Babylon (Video) (as Richard Mahler). 1983: Midnight Heat (as Richard Mahler). 1983: Corruption (as Richard Mahler). 1981: A Day in the Life of... The Cosmopolitan Girls (uncredited). 1981: Spittoon. 1980: Her Name Was Lisa (as Richard Mahler). 1980: Shadows of the Mind (as Bernard Travis). 1980: The Pink Ladies (as Richard Mahler). 1977: The Last House on Dead End Street (as Victor Janos).

Avertissement ! Par son climat putride et ses séquences scabreuses, le film est à réserver à un public averti.

Précédé d'une réputation sulfureuse aux séances nocturnes des Grindhouse et des drive-in, The Last house on dead end street surfe sur le thème des Snuff-movies que le duo Michael et Roberta Findley avait déjà évoqué un an au préalable dans leur médiocre Snuff. A peine sorti de prison, un cinéaste underground se lance dans l'exploitation de films pornos. Avec l'appui d'un producteur sans vergogne, il décide de le réaliser en repoussant les limites de la tolérance. Dans une ambiance électrique, le tournage va virer à l'orgie sanglante lorsque Terry décide d'assassiner devant la caméra ses acteurs ainsi que son producteur afin de proposer au public un spectacle plus vrai que nature. Expérience malsaine tout droit sortie d'un esprit dérangé, The Last house on dead end Street constitue la première oeuvre de Roger Watkins, réalisateur mais aussi acteur principal de son propre film. Un cinéaste aussi discret qu'obscur comme le souligne ses multiples pseudos qu'il emprunta également pour la confection de métrages X.

Par l'entremise d'un pitch linéaire exploitant à intervalle régulier sexe et gore de la manière la plus racoleuse (humiliations et sévices corporels s'avérant les maîtres mots !), Roger Watkins traite du mythe du Snuff-movie avec un réalisme (faussement) documenté. Un parti-pris assumé de préconiser le choc cérébral chez le spectateur participant malgré lui à une expérience visuelle et auditive profondément dérangeante (dissonance musicale à l'appui). Par son climat d'hystérie collective où chaque protagoniste est affublé d'un masque risible, ses éclairages limpides ou autrement ternes, son décor d'entrepôt insalubre et ses salles d'expérimentations, The Last house on dead end Street amorce une dérive criminelle en roue libre. Bien que son cheminement narratif ne cesse de compiler une succession de séquences chocs parfois/souvent déviantes (le célèbre supplice de la patte de bouc), le film parvient à susciter une curiosité palpable par son florilège d'images cauchemardesques où la folie désaxée semble habiter chacun des comédiens. D'ailleurs, durant ce tournage chaotique, on peut suspecter que ces derniers se soient adonnés aux drogues hallucinogènes, le réalisateur étant lui même un fervent consommateur à sa période autodestructrice. Cette ambiance aussi enragée que dérangée reflète bien les états d'âme pathologiques de celui-ci soucieux de cristalliser sur pellicule un bad-trip démoniaque habité par la perversité.

Que l'on adhère ou rejette en bloc ce délire scabreux imparti à l'expérimentation douteuse, The Last house on dead end street ne laisse pas indifférent et entretient la curiosité par son panel de séquences hystériques où l'ambiance malsaine indécrottable laisse parfois en mémoire des images d'une perversité maladive. Probablement l'une des expériences les plus cintrées de l'histoire du cinéma.
A ne pas mettre entre toutes les mains. 

Le Manoir de la Terreur / Le Notti del terrore/Burial Ground

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site bubblegeek.eklablog.com

d'Andrea Bianchi. 1981. Italie. 1h25. Avec Karin Well, Gianluigi Chirizi, Simone Mattioli, Antonella Antinori, Roberto Caporali, Claudio Zucchet, Renato Barbieri, Mariangela Giordano, Peter Bark.

Sortie U.S le 15 Octobre 1986. Italie: 9 Juillet 1981

FILMOGRAPHIE: Andrea Bianchi est un réalisateur italien, né le 31 Mars 1925 à Rome.
1972: Diabolica Malicia. 1972: L'Île au trésor. 1974: Quelli che Contano. 1974: Basta con la guerra... facciamo l'amore. 1975: Nu pour l'assassin. 1976: La Moglie di mio padre. 1977: Cara dolce nipote. 1978: La moglie siciliana. 1979: Malabimba. 1981: Le Manoir de la Terreur. 1983: Altri desideri particolari. 1983: Morbosamente vostra. 1986: Dolce Pelle di Angela. 1987: Maniac Killer. 1987: l'Ange de la Mort. 1988: Incontri in case private. 1988: Racconti di donne. 1989: Massacre. 1989: Io Gilda. 1990: Qualcosa in più. 1990: Gioco di seduzione. 1991: Bambola di carne. 1993: Formula 3 - 1 ragazzi dell'autodromo.

 

"Chair en Décomposition et Terre Cuite : Les Délices Fétides du Manoir de la Terreur"

Joli succès VHS dans les années 80 sous l'effigie de Fantastic Video, Le Manoir de la Terreur s’est taillé au fil des décennies une réputation culte auprès des aficionados du nanar transalpin. Tournée en quatre semaines avec des interprètes néophytes (exception faite de Mariangela Giordano), cette bisserie typiquement latine s’affranchit du mythe zombie traditionnel grâce au cadre singulier du manoir et à l'apparence risible de ses revenants, maculés de terre cuite sur la trogne. Inspiré de L’Enfer des Zombies, réalisé un an auparavant, et plus précisément de la saga des Templiers d’Ossorio, le film d’Andrea Bianchi se revendique ouvertement gore, dans la plus pure tradition putassière du patrimoine italien. Soupçon de polissonnerie en prime, notamment à travers une séquence scabreuse restée dans les mémoires (mais j’y reviendrai plus tard...).

Le pitch : Séjournant dans un manoir le temps d’un week-end, deux couples, une mère et son fils se retrouvent assiégés par une horde de zombies. Malgré leur inexpérience (c’est peu dire), ils vont devoir redoubler de vigilance et de bravoure pour repousser un antagoniste exhumé d’une crypte.

Cette intrigue triviale, dénuée de surprises, est louablement transcendée par le rythme échevelé des agressions carnivores que nos zombies parcheminés ne cessent de surenchérir, armés d’outils de jardinage improvisés en armes blanches (ils iront jusqu’à s’emparer d’un bélier pour défoncer la porte d’entrée).

Et à ce niveau débridé, les péripéties, d’abord instaurées dans le cadre verdoyant du jardin, débordent de générosité, multipliant les affronts entre zombies et survivants. Très vite, ces derniers se barricadent dans l’enceinte du manoir dès la tombée de la nuit. Grâce à la vigueur des affrontements récurrents et à la présence mortifère des macchabées emmitouflés dans des soutanes, Andrea Bianchi parvient à nous immerger dans l’action, portée par une bande-son tour à tour dissonante et onirique (aux accents lyriques rappelant par moments le Popol Vuh).
Entre meurtres sauvages bricolés à la main et indécence lubrique (la relation incestueuse entre le fils et sa génitrice, suivie d’un matricide glacial), Le Manoir... s’efforce aussi de magnifier la scénographie gothique du mausolée à travers une jolie photographie contrastant avec son gore criard.

Et si la réalisation, oscillant entre zooms grossiers et montage approximatif, accentue le côté fauché de l’entreprise, le film conserve pourtant sa réjouissante vitalité dans l’exubérance d’un jeu d’acteurs inexpressifs, surjouant la panique comme au théâtre de foire. Malgré cette galerie de têtes négligeables, Mariangela Giordano s’avère un peu plus convaincante en mère effarouchée, tandis que l’étrange Peter Bark, acteur de petite taille, parvient à faire oublier son inexpérience grâce à son regard révulsé et son faciès émacié.
Son apparence blême, sa morphologie prématurée (il a en réalité 25 ans au moment du tournage mais joue un garçon de 12 ans) ajoutent encore à l’étrangeté dérangeante du rejeton déviant.

 

"Fantômes d’Italie : Quand le Bis S’Empaille dans un Mausolée"

Avec son ambiance gothique ombrageuse, sa partition lancinante, son interprétation bovine, le look décati de ses zombies et ses scènes gores parfois insensées (sein arraché à pleines dents, tête tranchée à la faux, gorge arrachée, sans oublier les traditionnels festins de chair humaine en gros plans !), Le Manoir de la Terreur reste un plaisir innocent et constant.
Tout du moins pour les inconditionnels du ciné-bis de la grande époque, il demeure aujourd’hui encore plus dynamique et fantasque que bien des zombie movies contemporains, trop sages ou trop lisses. Dans son ambiance débridée, ancrée dans un contexte de survie gothique, Andrea Bianchi exploite sa série Z avec une verve dingo, immersive et ludique. Le plaisir innocent dans sa plus pure expression.

*Bruno
08.03.16. 4èx
13.07.12. (204 v)

Frankenstein

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com  

de Bernard Rose. 2015. U.S.A. 1h33. Avec Carrie-Anne Moss, Xavier Samuel, Danny Huston, Tony Todd, Mckenna Grace, James Lew, Carol Anne Watts, Maya Erskine.

FILMOGRAPHIE: Bernard Rose est un réalisateur, scénariste, acteur, directeur de photo et monteur britannique, né le 4 Août 1960 à Londres.
1986: Smart Money. 1987: Body Contact. 1988: Paperhouse. 1990: Chicago Joe and the Showgirl. 1992: Candyman. 1994: Ludwig van B. 1997: Anna Karénine. 2000: Ivans xtc. 2005: Snuff Movie. 2008: The Kreutzer Sonata. 2010: Mr Nice. 2011: Two Jacks. 2015: Frankenstein.

Réactualisation moderne du roman de Mary Shelley, Frankenstein est également l'occasion pour Bernard Rose de renouer avec le cinéma Fantastique. Genre qui le révéla avec le magnifique poème infantile Paperhouse, puis un plus tard avec une perle toute aussi marquante, le conte social Candyman. Reprenant à peu de choses près le même cheminement narratif du chef-d'oeuvre de James Whale par le biais de clins d'oeil judicieusement insérés, Frankenstein relate à nouveau les vicissitudes d'une créature candide délaissée par son créateur et donc livrée à elle même dans un univers dont elle ignore toute déontologie. En plaçant le cadre de l'action dans une banlieue urbaine contemporaine et avec le parti-pris d'adopter une démarche réaliste parfois proche du docu, Bernard Rose alterne critique sociale et conte existentielle avec une sensibilité à fleur de peau. De par la posture candide du monstre démuni contraint de subir en permanence la violence d'une autorité arbitraire depuis sa situation marginale et pour son illettrisme. Dès le prologue, Bernard Rose nous immerge de manière expérimentale en privilégiant la caméra subjective afin d'ausculter la souffrance physique et morale de la créature livrée aux expérimentations médicales. Par l'entremise de ses séquences éprouvantes, comment ne pas prêter allusion à la vivisection lorsque la créature apeurée et terrorisée subit contre son gré une multitude de châtiments corporels afin de contenter la recherche thérapeutique du créateur.

Car comparable à un nouveau-né (réflexes infantiles à l'appui), le monstre adopte une posture innocente véritablement émouvante, tant par son émoi à observer la réalité du quotidien dans un cadre cliniquement scientifique que par son instinct affectif à rechercher réconfort auprès de la personne maternelle, la savante Elisabeth Frankenstein. Mais rapidement livré à l'abandon par ses parents depuis l'interrogation inexpliquée d'une maladie de l'épiderme, et sur le point d'être sacrifié, le monstre finit par s'échapper pour sillonner un monde hostile où la loi du plus fort et l'insociabilité départagent les classes sociales. Peinture pessimiste sur la civilisation déclinante de nos sociétés modernes où l'exclusion fait constamment parti du paysage urbain, Frankenstein porte un regard si cruel sur notre intolérance, notre égoïsme et notre indifférence à capter les ressorts émotifs de l'autre. Vivant reclus comme un SDF avec l'appui d'un aveugle, le monstre tente de décrypter les us et coutumes sociales de notre civilisation par le biais d'une violence rétrograde complètement en roue libre. Que ce soit les forces de l'ordre aveuglées par leur ligne de conduite professionnelle, la foule réactionnaire avide d'auto-justice ou ses parents démissionnaires de leur poste pédagogue. Ainsi donc, par son cheminement de survie où les sévices les plus cruels lui seront infligés avec une violence sans limite, le monstre nous provoque désarroi et pitié avec une affliction bouleversante jusqu'à l'insoutenable. Si bien que grâce au jeu pantomime de Xavier Samuel, l'acteur parvient à se tailler une carrure fragile avec une dimension humaine souvent éprouvante au point de détourner le regard aux moments les plus cruels. Son parcours social s'apparentant au chemin de croix que Jésus parcouru péniblement jusqu'à la rédemption de la mort. Emaillé de séquences poétiques à travers le songe et renforcé d'un monologue subjectif souvent poignant quant à l'initiation existentielle de la créature en réflexion identitaire, Frankenstein nous saisit d'émotion ardue de par son réalisme jusqu'au-boutiste parfois/souvent intolérable.

D'une acuité émotionnelle aussi rigoureuse que bouleversante, tant par la cruauté physique que psychologique infligées sur l'innocence du monstre réduit à l'état de déchet, Frankenstein renouvelle le roman de Mary Shelley avec une rare intelligence parmi l'ambition scrupuleuse du cinéaste humaniste amoureux de son souffre-douleur. De par sa dimension philosophique, sa réflexion sociale sur l'inégalité et la nature primitive de l'homme ainsi que le jeu sans fard de Xavier Samuel, ce portrait désenchanté d'une innocence déchue nous laisse en état de collapse. A mon sens, il s'agit peut-être même de la plus belle version de son roman éponyme. Mais une épreuve cinématographique très difficile à endurer auprès des plus sensibles. Vous voilà averti(e)s.

Je suis Adam.

Ci-joint la chronique de Jean Marc Micciche.
Cycle fantastique avec pour commencer l'énorme Frankenstein de Bernard Rose. Quoique réalisé par un réalisateur autrefois coté (paperhouse, candyman) et quelques raretés (Anna Karénine, Ludwig Beethoven, Chicago Joe et Showgirl), on peut vraiment se demander ce qu'un énième adaptation de Frankenstein pouvaient apporter de neuf....c'est dire la découverte du film a été un énorme choc tant cette version 'moderne' comptemporaine' s'impose sans doute comme la meilleur adaptation du mythe depuis les films de James Whale. En gros on n'oublie tout ce qui a été fait, on change d'axe (tout est vue par la créature), on reformule les figures imposés (l'émeute des villageois, la machine à faire vivre, l'aveugle, la petit fille) et on impose quelque chose de totalement inédit. Bref on repart à zéro. Et du coup, le sentiment d'immersion est totale des les premières minutes (on songe à la naissance de Robocop) pour plonger dans un cauchemar clinique à l'absence du budget devient non seulement sa force mais aussi une véritable profession de fois qui ravira sans aucun doute tous les fanas du cinéma gore des années 70 et 80, à une époque où justement le gore pouvait horrible, viscérale, triste, poétique. Un peu comme si Cronenberg (période Rage avait voulu adapter le roman de Shelley). On pense au Jodorowki de Santa Sangre, on pense au culte Sonny Boy, on pense à cette esthétique du caniveau cher aux Basket case, aux films de SF The brother from another planet. Bref, tout ce peut paraître chip et fauché sur la forme est au contraire transcendé par une vision tragique et pathétique du personnage de la Créature, du Monstre et donne vraiment pour la première fois la possibilité de scrupter son âmes damnés et à comprendre sa tristesse et sa haine de sa condition....La scène de la bastonnade, celle de la prostitué et de l'aveugle, la scène de l'euthanasie, la scène du chien, vont longtemps vous marquer de sa gifle. Voilà c'est fabuleux, ça aurait du avoir avoir un prix à Gérardmer...

Marathon Man. Meilleur second rôle masculin, Laurence Olivier, Golden Globes 77.

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site lemodernecinematographe.unblog.fr

de John Chlesinger. 1976. U.S.A. 2h05. Avec Dustin Hoffman, Laurence Olivier, Roy Scheider, William Devane, Marthe Keller, Richard Bright, Marc Lawrence, Fritz Weaver, Jacques Marin

Sortie salles France: 22 décembre 1976 (Interdit aux - de 18 ans). U.S: 8 octobre 1976.

FILMOGRAPHIE: John Chlesinger est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur anglais, né le 16 Février 1926 à Palm Springs, décédé le 25 Juillet 2003. 1962: Un Amour pas comme les autres. 1963: Billy le menteur. 1965: Darling. 1967: Loin de la foule déchaînée. 1969: Macadam Cowboy. 1971: Un Dimanche comme les autres. 1975: Le Jour du Fléau. 1976: Marathon Man. 1979: Yanks. 1981: Honky Tonk Freeway. 1984: Le Jeu du Faucon. 1987: Les Envoûtés. 1988: Madame Sousatzka. 1990: Fenêtre sur Pacifique. 1993: L'Innocent. 1995: Au-delà des lois. 2000: Un Couple presque parfait

Thriller d'espionnage doublé d'un suspense haletant auprès de son intensité à corps perdu, Marathon Man n'a point usurpé sa réputation notoire de chef-d'oeuvre tant John Chlesinger a su redoubler d'ambition et de brio pour y transcender un scénario machiavélique d'une rare efficience. Le pitch: A la suite de la mort de son frère "Doc", agent double de contre espionnage, "Babe" se retrouve mêlé au chantage du Dr Christian Szell. Cet ancien dentiste nazi exilé en Uruguay est contraint de rappliquer à New-York afin de récupérer un magot depuis la mort accidentelle de son frère aîné. Dès lors, "Babe" est harcelé par Szell depuis que "Doc" lui aurait éventuellement soufflé un mot sur la planque du butin. S'entraînant quotidiennement au marathon, il va devoir compter sur son endurance afin de déjouer une traque inlassable au sein des quartiers urbains. D'après le roman éponyme de William Goldman, Marathon Man aborde les thèmes du spectre du nazisme et de la paranoïa au sein d'une société contemporaine encore traumatisée par l'après-guerre. De par le concours d'une circonstance aussi risible qu'infortunée (un banal accident de voiture) compromettant un complice, John Chlesinger en extrait une intrigue perfide où l'espionnage et le nazisme ne cesseront de se disputer la mise d'un trésor !

Ainsi, par le biais d'une distribution prestigieuse au charisme buriné ou suave (Marthe Keller, délectable de charme fallacieux), chaque comédien oscille la mesquinerie et le subterfuge dans leur fonction sournoise à manoeuvrer l'étudiant. "Babe", dernier témoin de l'agonie de son frère, si bien que celui-ci s'efforça en dernier ressort de lui souffler un mot imprononçable. Dustin Hoffman endossant la stature timorée du jeune marathonien dans une posture maladroite de bouc-émissaire. Grâce à son épreuve de survie sur le fil du rasoir puis son influence fluctuante vers l'auto-justice (sauver l'honneur de son frère mais aussi celle de son père, ancien historien déchu), nous lui éprouvons une forte empathie depuis ses vicissitudes à déjouer des agents doubles en transaction avec Szell. Détestable de couardise, Laurence Olivier donne chair à son personnage dans une posture monolithique de nazi impassible. Sous son impériosité perverse, comment ne pas aborder la séance bucco-dentaire que "Babe" endure par le principe improvisé d'une torture à la fraise. John Chlesinger élaborant avec suggestion et rigueur quasi insoutenable l'expectative d'une soumission de longue haleine avant le supplice facial. Outre ces moments éprouvants en crescendo, l'intrigue ne cesse d'y déployer avec une logique narrative infaillible des moments de bravoure aussi anxiogènes qu'oppressants ! Tant auprès de la tentative d'assassinat de Doc dans sa chambre d'hôtel, de l'effraction de deux espions dans la demeure de Babe confiné dans sa salle de bain, de sa poursuite à pied perpétrée dans un new-york inhospitalier, de sa fausse cavale automobile instrumentalisée par Janeway, de sa rencontre avec Elsa et ses sbires dans la maison de Klaus Szell, de son ultime confrontation avec le Dr Szell, ou encore de son point d'orgue d'un malaise tangible lorsque d'anciens déportés croient reconnaître l'ange blanc au coeur d'une foule urbaine !

C'est sans danger ?
Scandé de l'inoubliable partition de Michael Small renforçant à merveille le caractère oppressant des situations de danger, Marathon Man ne laisse aucun répit au spectateur pour l'entraîner au coeur d'un thriller paranoïde où chacun des antagonistes n'auront de cesse de tourmenter un souffre-douleur tout en se trahissant afin d'approcher la prospérité. Un grand moment de cinéma d'une intensité scrupuleuse sous l'impulsion viscérale d'un duo d'acteurs (Hoffman/Mason) à leur acmé.   

Récompense: Golden Globe du meilleur acteur dans un second rôle pour Laurence Olivier en 1977.

Eric Binford

5èx

LA VALLEE DE GWANGI

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site t411.in

"The Valley of Gwangi" de Jim O'Connolly. 1969. U.S.A. 1h35. Avec James Franciscus, Gila Golan, Richard Carlson, Laurence Naismith, Freda Jackson, Gustavo Rojo

Sortie salles U.S: 3 Septembre 1969

FILMOGRAPHIE: Jim O'Connolly est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né le 23 février 1926 à Birmingham et mort en décembre 1986 à Hythe dans le Kent.
1963 : The Hi-Jackers. 1965 : The Little Ones. 1964 : Smokescreen. 1967 : Le Cercle de sang. 1967-1969 : Le Saint (TV). 1969 : Crooks and Coronets. 1969 : La Vallée de Gwangi. 1972 : La Tour du diable. 1974 : Maîtresse Pamela.

Relativement oublié et peu diffusé à la TV, La Vallée de Gwangi fit les beaux jours des vidéophiles lors de son exploitation en Vhs au milieu des années 80. Réalisateur méconnu, Jim O'Connolly aime à jumeler les genres de manière singulière comme le soulignera également le très sympathique La Tour du diable (une chasse au trésor horrifique confinée à proximité d'un phare insulaire) réalisé 3 ans plus tard. Avec la Vallée de Gwangi, il affilie les composantes du Western et du Fantastique mythologique parmi l'attraction foraine de monstres préhistoriques. A la suite du vol d'El Diablo par des Tsiganes (l'Eoipus, cheval miniature disparu depuis 50 millions d'années), une poignée de cowboys et les propriétaires d'un cirque se lancent à leur poursuite jusqu'à destination d'une vallée réputée interdite. C'est dans ce lieu tenu secret qu'ils vont avoir affaire à l'hostilité de monstres préhistoriques comme le symbolisera un dangereux T Rex. Récit d'aventure familial fertile en péripéties dans son brassage d'action, de fantastique et de merveilleux (chacune des interventions candides d'El Diablo), La Vallée de Gwangi dépayse agréablement le spectateur embarqué dans un western d'un nouveau genre.

Exploitant à peu de choses près la narration de King-Kong, notamment lors de sa dernière partie lorsque Gwangi est capturé par nos héros afin de l'exhiber dans une attraction foraine, et la poursuite qui s'ensuit, Jim O'Connolly parvient à nous distraire avec l'efficacité d'une traque haletante. Dans des rôles héroïques redoublant de bravoure à déjouer les affronts des monstres, les protagonistes s'investissent dans l'action avec une spontanéité aussi enjouée qu'exaltante. Comme le souligne également la romance en ascension du couple d'amants compromis par leurs sentiments contradictoires depuis le vol d'El Diablo. On peut également s'amuser du comportement versatile de l'héroïne à daigner profiter d'une découverte aussi prodigieuse quand bien même un scientifique sournois n'y songe qu'à l'étudier. Au milieu de ce duo attisé par la cupidité, Tuck Kirby (l'amant de cette dernière) tente timidement de les raisonner tout en se laissant envahir par ses sentiments amoureux. James Franciscus se prêtant au jeu de la loyauté avec le charisme viril qu'on lui connait. Mais au-delà des fantaisies et mésententes caractérielles de nos personnages, La Vallée de Gwangi est surtout transcendé par la présence disproportionnée des monstres préhistoriques ! Ray Harryhausen accomplissant une fois de plus le tour de force de donner vie à ces créatures par le biais du Stop Motion ! Outre la fluidité de chacun de leur mouvement, leur aspect cartoonesque (couleurs criardes à l'appui) renforcent le charme naïf de leur caricature afin de nous fasciner avec une fantaisie innocente.  

Éminemment kitch, naïf et un brin corrigible pour la caractérisation expéditive de certains personnages, la Vallée de Gwangi insuffle malgré tout une indéniable sympathie par son pouvoir enchanteur sous l'impulsion prodige de Ray Harryhausen. On est d'autant plus amusé d'assister à la résurrection de ces monstres antiques que le western dit classique se dévergonde ici avec une dérision pétulante. A redécouvrir avec son âme d'enfant.

LA TRAQUE

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site lci.tf1.fr

de Serge Leroy. 1975. France. 1h35. Avec Mimsy Farmer, Jean-Pierre Marielle, Jean-Luc Bideau,
Michael Lonsdale, Michel Constantin, Philippe Léotard, Paul Crauchet, Michel Robin.

Sortie salles Allemagne: 7 Novembre 1975

FILMOGRAPHIE: Serge Leroy est un réalisateur français, né le 14 Mai 1937 à Paris, décédé le 27 Mai 1993.

1973: Le Mataf. 1975: La Traque. 1977: Les Passagers. 1978: Attention, les enfants regardent. 1981: Pause-café. 1982: Légitime Violence. 1983: L'Indic. 1985: Double Face (téléfilm). 1985: Le Quatrième Pouvoir. 1988: Contrainte par corps. 1989: Pause-café, pause tendresse. 1989: Une saison de feuilles (télé-film). 1991: Les Cahiers Bleus (télé-film). 1992: Maigret chez les Flamands (télé-film). 1992: Maigret et le corps sans tête (télé-film). 1993: Taxi de Nui. 

Survival brut de décoffrage pour un genre peu prisé dans le paysage du cinéma français, la Traque porte la signature du franc-tireur Serge Leroy. Un cinéaste audacieux ayant surtout oeuvré dans les années 70 et 80, comme le souligne l'excellent Attention les Enfants regardent (farce caustique sur l'influence que peut exercer la violence télévisuelle chez nos têtes blondes). Peu diffusé à la TV et inédit en Dvd dans l'hexagone, La Traque constitue un modèle de mise en scène plus de 40 ans après sa sortie confidentielle. Dans le sens où la réalisation consciencieuse privilégie l'aspect inhabituellement documenté d'un thriller âpre profondément malsain où la dynamique de groupe s'accorde une complicité commune d'une rare vilenie. La violence des actes émanant autant d'une brutalité physique (le viol, les blessures corporelles à l'arme à feu) que d'une psychologie perfide (les bourreaux multipliant points de vue et comportements contradictoires avant une connivence déloyale). A travers le périple cauchemardesque d'une jeune anglaise pourchassée par des chasseurs en pleine forêt après avoir été violée, Serge Leroy cultive un réalisme poisseux afin de déranger le spectateur témoin malgré lui d'une battue d'un nouveau genre, la chasse au gibier humain. 

Dans la lignée du Comte Zaroff pour sa réflexion sur la bassesse et l'instinct pervers du chasseur avide de pourchasser sa proie (humaine) jusqu'à ce que mort s'ensuive, la Traque dresse le portrait pathétique d'une communauté de bourgeois machistes compromis par leur confort, leurs pulsions lubriques et punitives ainsi que leur lâcheté. Bien que le film affiche une distribution de premier choix (on y croise Jean-Pierre Marielle, Jean-Luc Bideau, Michael Lonsdale, Michel Constantin, Philippe Léotard, Paul Crauchet et Michel Robin), on en arrive à oublier ses têtes familières tant chacun des comédiens exprime un naturel sobre dans leur fonction couarde, pleutre, mesquine et sournoise. Quant à la jeune actrice américaine Mimsy Farmer, cette dernière insuffle une acuité fragile dans sa carrure filiforme de proie incessamment molestée par des justiciers sans vergogne. Spoil ! Ces derniers s'efforçant de la traquer sans relâche pour lui autoriser une transaction depuis sa complicité de s'être vengée auprès d'un des tortionnaires. Habités prochainement par une justice expéditive, leurs comportements impulsifs finissent à leur tour par les inciter à la vendetta Fin du spoil. Par son regard tendre et candide habité par le désespoir et l'angoisse de trépasser, Mimsy Farmer provoque un malaise toujours plus tangible face à sa condition torturée. Ce qui nous converge vers une glaçante conclusion d'une violence psychologique difficilement soutenable ! 

Apre, tendu, malsain, dérangeant, poisseux, désespéré, La Traque est l'une des rares incursions françaises à s'être essayé au survival rural avec brio et réalisme sans fard. Car plus de 40 ans après sa sortie, cette descente en enfer champêtre continue d'exercer un pouvoir vénéneux dans sa déchéance immorale. Tant par la situation insurgée de la victime violée que de la peinture sordide allouée à une bourgeoisie invulnérable (à l'instar de leur culpabilité victorieuse). 

La chronique d'Attention, les Enfants regardent: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/09/attention-les-enfants-regardent.html