jeudi 30 avril 2015

MAD-MAX. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 80.

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site papystreaming.com

de George Miller. 1979. Australie. 1h33. Avec Mel Gibson, Steve Bisley, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne, Tim Burns, Sheila Florence.

Sortie salles France: 13 Janvier 1982 (Interdit au - de 18 ans). Australie: 12 Avril 1979. U.S: 9 Mai 1980 (classé X).

Récompense: Prix Spécial du Jury à Avoriaz, 1980.

FILMOGRAPHIE: Georges Miller est un réalisateur, scénariste et producteur australien, né le 3 Mars 1945 à Chinchilla (Queensland).
1979: Mad-Max. 1981: Mad-Max 2. 1983: La 4è Dimension (dernier segment). 1985: Mad-Max : Au-delà du dôme du Tonnerre. 1987: Les Sorcières d'Eastwick. 1992: Lorenzo. 1997: 40 000 ans de rêve (documentaire). 1998: Babe 2. 2006: Happy Feet. 2011: Happy Feet 2. 2014: Mad Max 4; Fury Road.


"Quand la violence s'empare du monde, priez pour qu'il soit là !"
Film mythique s'il en est, de par son succès international, son affiche fantasmatique, sa fascination véhiculée par le bolide customisé, son Prix Spécial décerné à Avoriaz, ses problèmes avec la censure (3 ans d'interdiction en France, Classé X aux States !), et les révélations du réalisateur australien George Miller et de son acolyte débutant Mel Gibson, Mad-Max fit jubiler non seulement les cinéphiles du monde entier mais aussi les motards et les pilotes de course pour la vigueur des poursuites et cascades automobiles exécutées à l'artisanal. Quand bien même aujourd'hui, l'incursion high-tech du numérique aura fini par décrédibiliser tout un pan du cinéma d'action dans sa surenchère aussi orgueilleuse qu'improbable (Transformers, Man on Steel, Fast and Furious pour ne citer que les plus emblématiques). Prenant pour cadre l'époque indéterminée d'un contexte dystopique, Mad-Max retrace la déliquescence morale d'un flic pugnace assoiffé de violence et de vengeance après que sa famille eut été massacrée par une bande de motards. Accoutrés de blousons et pantalons de cuir noir, les forces de l'ordre tentent vainement de maîtriser l'inflation de la délinquance, là où l'anarchie urbaine règne en maître ! Rendus obsédés par la vitesse et l'action de leurs courses effrénées contre les fuyards, ces policiers d'un genre extravagant ressemblent à s'y m'éprendre à leurs bourreaux dans leur insatiable goût pour la traque sur bitume et riposte revancharde.


Ce qui frappe toujours aujourd'hui lorsque l'on revoit ce morceau de cinéma homérique émane de sa frénésie irraisonnée d'une débauche agressive (fascination irrépressible pour la vitesse des engins motorisés, comportements grotesques de marginaux soumis à leur médiocrité, actes de vandalisme et agressions gratuites intentées sur les citadins). Sans compter l'orchestration épique du score de Brian May et le réalisme de son climat blafard où le western urbain s'entrechoque avec le film de bandes instauré dans les sixties. Brutal et cruel, le film l'impose avec la rigueur d'un montage assidu (une manière suggérée de repousser la violence graphique) pour dénoncer la déshumanisation d'une société en déclin où les exactions des pillards et des flics ne font plus qu'un dans leurs compétitions aussi primitives qu'erratiques. Emaillé de séquences fortes d'une intensité dramatique aussi cruelle que bouleversante, à l'instar du sacrifice de Goose lâchement immolé par le feu et surtout de la femme de Max et de son jeune bambin écrasés sur la route, Mad-Max tire-parti de sa puissance émotionnelle dans ses ressorts dramatiques, éléments déclencheurs d'une redoutable vendetta ! Ce sentiment de fureur incontrôlée que se disputent incessamment les bons et les méchants est notamment transcendée par la notoriété héroïque du jeune loup, Max Cocktansky. Un casse-cou flegmatique apte à contredire la démence des pires psychopathes routiers (à l'instar de sa traque perpétrée contre le "cavalier de la nuit" lors d'un prologue en furie !). Par le biais de ce nouveau héros des temps perdus censé représenter l'ordre et la loi, George Miller en engendre un criminel en perte identitaire dans un monde où la violence nécrose ceux qui la combattent. 


"Si tu regardes longtemps un abîme, l’abîme regarde aussi en toi."
Sauvage et explosif dans ses éclairs de violence et cascades affolantes, mais aussi bouleversant car pourvu d'une intensité dramatique parfois éprouvante (à contrario du second volet entièrement focalisé sur l'action frénétique !), Mad-Max fait aujourd'hui office de légende du 7è art grâce à la virtuosité de sa mise en scène (montage à couper au rasoir !), l'efficacité du script visionnaire et l'icône du anti-héros damné par sa vengeance expéditive. 

Bruno Matéï
24è visionnage. 

mercredi 29 avril 2015

LE RETOUR DE FRANKENSTEIN (Frankenstein Must Be Destroyed)

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Terence Fisher. 1969. Angleterre. 1h40. Avec Peter Cushing, Simon Ward, Veronia Carlson, Freddie Jones, Thorley Walters, Maxine Audley, George Pravda.

Sortie salles Angleterre: 22 Mai 1969

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Terence Fisher est un réalisateur britannique né le 23 février 1904 à Londres (Maida Vale), et décédé le 18 juin 1980 dans la même ville.
1957 : Frankenstein s'est échappé, 1958 : Le Cauchemar de Dracula , 1958 : La Revanche de Frankenstein , 1959 : Le Chien des Baskerville , 1959 : L'Homme qui trompait la mort , 1959 : La Malédiction des pharaons, 1960 : Le Serment de Robin des Bois , 1960 : Les Étrangleurs de Bombay, 1960 : Les Maîtresses de Dracula, 1960 : Les Deux Visages de Docteur Jekyll , 1961 : La Nuit du loup-garou, 1962 : Le Fantôme de l'Opéra , 1962 : Sherlock Holmes et le collier de la mort, 1963 : The Horror of It All, 1964 : La Gorgone , 1965 : The Earth Dies Screaming, 1966 : L'Île de la terreur , 1966 : Dracula, prince des ténèbres , 1967 : La Nuit de la grande chaleur , 1967 : Frankenstein créa la femme, 1968 : Les Vierges de Satan, 1969: Le Retour de Frankenstein, 1974 : Frankenstein et le monstre de l'enfer.


Cinquième volet de la saga Frankenstein qu'entreprend une troisième fois Terence Fisher 11 ans après la Revanche de Frankenstein, Le Retour de Frankenstein s'avère sans nulle doute l'un des opus les plus hardcores dans la caractérisation fielleuse du Baron. Maître-chanteur vil, meurtrier et même violeur sans remords (la séquence audacieuse sera rajoutée en toute fin de tournage !), Frankenstein souhaite aujourd'hui renouer ses expériences illicites afin de transplanter le cerveau de son ancien adjoint, un médecin actuellement atteint de démence, dans le corps d'un cadavre. Délibéré à découvrir sa précieuse formule scientifique, il décide de le kidnapper de sa cellule psychiatrique parmi la complicité d'un jeune médecin et de sa concubine. Mais les relations toujours plus houleuses envers le trio iront notamment se compromettre avec l'autorité de la police, sur le qui-vivre depuis les étranges disparitions, et avant que la résurrection de la créature n'accomplisse sa vengeance. 


Pourvu d'un scénario haletant à la construction une fois de plus infaillible, l'intrigue fertile en rebondissements tire également parti de son ressort dramatique dans le profil du jeune couple, Karl et Anna, contraints de participer au chantage de Frankenstein après un concours de circonstances malchanceuses. Baignant dans un climat erratique du fait de leurs stratégies véreuses à dépouiller un cadavre afin de ressusciter la conscience d'un docteur érudit, Le Retour de Frankenstein fait notamment la part belle à des moments de suspense parfois scrupuleux. A l'instar de l'apparition inopportune d'un bras humain remontant à la surface de la terre, faute d'une tuyauterie fendue, au moment même où la police ira se dépêcher sur les lieux ! Dominé par la prestance éminente de Peter Cushing, redoublant de cynisme pervers dans sa facture aussi immorale que perfide, l'intrigue est également alimentée par une foule de seconds-rôles à la dimension anxiogène. Particulièrement Maxine Audley endossant avec aigreur dépressive la femme dévouée du Dr Brandt. Freddie Jones lui donnant la réplique dans sa posture estropiée de créature violée de son identité. Sa prise de conscience sur son état hybride et sa conversation intime entretenue avec son épouse donnant lieu à des épisodes dramatiques particulièrement rigoureux. Enfin, pour incarner la compagne de Karl, Veronica Carlson exprime une poignante empathie dans sa fragilité de complice soumise d'autant plus violentée par le docteur et destinée Spoiler !!! à un sort des plus cruels. Fin du Spoil


Passionnant par son intrigue retorse à suspense et les rapports contrariés impartis au trio maudit, cruellement impitoyable et donc encore plus audacieux que ces prédécesseurs pour l'entreprise pernicieuse de Frankenstein, Le Retour de Frankenstein renoue avec la flamboyance des deux premiers volets dans une ambiance bilieuse. 

Bruno Matéï
3èx

mardi 28 avril 2015

STILL ALICE. Oscar 2014 de la Meilleure Actrice, Julianne Moore.

                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site myrmorko.deviantart.com

de Wash Westmoreland et Richard Glatzer. 2014. U.S.A. 1h41. Avec Juliane Moore, Kristen Stewart, Alec Baldwin, Kate Bosworth, Hunter Parrish, Shane McRae.

Sortie salles France: 18 Mars 2015. U.S: 20 Février 2015

FILMOGRAPHIE: Richard Glatzer est un réalisateur et scénariste américain, né le 28 Janvier 1952 à New-York, décédé le 10 Mars 2015 à Los Angeles.
1993: Grief. 2001: The Fluffer (coréalisé avec Wash Westmoreland). 2006: Echo Park, L.A. (coréalisé avec Wash Westmoreland). 2013: The Last of Robin Hood (coréalisé avec Wash Westmoreland). Still Alice (coréalisé avec Wash Westmoreland).
Wash Westmoreland est un réalisateur anglais, né le 4 Mars 1966 à Leeds, Royaume-Uni.


Mélodrame déchirant traitant du thème de la maladie d'Alzheimer, Still Alice est le genre d'expérience redoutée si la forme entretenait la complaisance de la sinistrose pour nous enseigner les tenants et aboutissants d'un sujet aussi grave que terrifiant. C'est à dire la déliquescence cognitive du point de vue d'une professeur de linguistique âgée seulement de 50 ans. Avec l'aide d'un traitement palliatif, du soutien de ses proches et de sa propre volonté, Alice va tenter de gérer sa dégradation cérébrale en profitant du moment présent et avant de privilégier le suicide.


D'une intensité dramatique terriblement éprouvante au point d'en ressentir un malaise indécrottable, Richard Glatzer et Wash Westmoreland relèvent néanmoins la gageure d'évoquer prudemment la maladie d'Alzheimer sans effet indésirable de pathos ou de misérabilisme. Avec le réalisme scrupuleux du souci documentaire et le brio d'une mise en scène épurée, c'est un accablant témoignage qu'ils nous relatent parmi la performance exceptionnelle de Julianne Moore ! Littéralement habitée par son rôle névralgique où l'artifice du cabotinage aurait pu facilement la discréditer, la comédienne écarte toute forme de racolage pour nous décrire avec humilité et anxiété viscérales son baroud-d'honneur contre sa déficience mentale. Couronnée d'un oscar, Julianne Moore n'aura jamais parue aussi intime avec le spectateur pour nous extérioriser ses sentiments contradictoires d'espoir et de désespoir, sa lutte sempiternelle de préserver ses facultés cognitives après avoir consolidé une illustre carrière professionnelle. A l'instar de sa conférence courageusement dictée devant une foule circonspecte pour énoncer les états d'âme de son calvaire. Epreuve de force morale de chaque instant où la paranoïa la contraint de mémoriser faits et gestes du quotidien et d'en préserver ses souvenirs les plus évocateurs, le calvaire d'Alice l'est également pour les membres de sa famille, communément piégés par l'atavisme puis témoins de sa dérive vers l'amnésie jusqu'au seuil de la démence. Parmi leur manifestation empathique, assister de notre écran à la déchéance psychologique de cette professeur érudite s'avère une affliction aussi terrifiante que bouleversante. 


Observant avec attention scrupuleuse, et sans position voyeuriste, le cheminement douloureux d'une patiente brimée par sa déficience neurodégénérative, Still Alice peut faire office de témoignage documenté dans sa pudeur de traiter Alzheimer du point de vue d'une mère motivée par sa constance et l'amour de son entourage. Un crève-coeur inévitablement inconsolable mais édifiant pour une leçon de décence peu abordée à l'écran. 

A Richard Glatzer...
Bruno Matéï

RIP: Richard Glatzer, qui avait coécrit et co-réalisé avec son mari Wash Westmoreland le film Still Alice, est mort mardi 10 mars à Los Angeles à l'âge de 63 ans. Il était atteint d'une sclérose latérale amyotrophique (ou maladie de Charcot). Le 22 février dernier, Richard Glatzer avait appris que Julianne Moore qui, dans Still Alice, interprète une professeur de linguistique confrontée à la maladie d'Alzheimer, avait obtenu l'Oscar de la Meilleure Actrice pour ce rôle.

Récompenses:
Festival du film de Hollywood 2014 : Hollywood Actress Award pour Julianne Moore
Chicago Film Critics Association Awards 2014 : meilleure actrice pour Julianne Moore
Los Angeles Film Critics Association Awards 2014 : meilleure actrice pour Julianne Moore (2e place)
National Board of Review Awards 2014 :
Top 2014 des meilleurs films indépendants
Meilleure actrice pour Julianne Moore
Gotham Awards 2014 : meilleure actrice pour Julianne Moore
Washington D.C. Area Film Critics Association Awards 2014 : meilleure actrice pour Julianne Moore
Women Film Critics Circle Awards 2014 : meilleur film à propos des femmes, meilleure actrice pour Julianne Moore
National Society of Film Critics Awards 2015 : meilleure actrice pour Julianne Moore (2e place)
British Academy Film Awards 2015 : Meilleure actrice pour Julianne Moore
Golden Globes 2015 : Meilleure actrice dans un film dramatique pour Julianne Moore
Screen Actors Guild Awards 2015 : meilleure actrice pour Julianne Moore
Oscars du cinéma 2015 : meilleure actrice pour Julianne Moore

lundi 27 avril 2015

WHITE GOD (Fehér isten). Prix "Un certain regard", Cannes 2014

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site thebluecornerlounge.com

de Kornél Mundruczo. 2014. Hongrie/Suède/Allemagne. 1h59. Avec Zsofia Psotta, Sandor Zsotér, Lili Horvath, Laszlo Gallfy, Erwin Nagy, Kornél Mundruczo.

Sortie salles France: 3 Décembre 2014. Hongrie: 12 Juin 2014

FILMOGRAPHIE: Kornél Mundruczo est un réalisateur, acteur et scénariste hongrois né le 3 Avril 1975 à Gödöllo.
2002: Pleasant Days. 2003: Jött egy busz... (segment "Szent Johanna). 2005: Lost and Found. 2005: Johanna. 2008: Delta. 2010: Tender Son: The Frankenstein Project. 2014: White God.


"On peut juger la grandeur et la valeur morale d’une nation à la manière dont elle traite ses animaux". Mahatma Ghandi.

Récompensé du prix "Un certain regard" à Cannes 2014, White Dog traite de la cause animale à travers un récit utopique où le chien pourrait enfin parfaire sa revanche sur l'homme après avoir été impitoyablement maltraité. Que ce soit lors de son entraînement intensif afin de concourir aux combats de chiens clandestins ou lors de sa condition précaire entretenue en refuge au risque de subir l'euthanasie du dernier ressort. Sous couvert de fable caustique fustigeant l'intolérance de l'homme envers l'animal de compagnie, White Dog met en exergue, et de façon documentée, le traitement réservé à Hagen, chien lâchement abandonné par le père de Lili en pleine métropole hongroise. C'est par la cause d'une nouvelle loi et d'une dîme sur le recensement des chiens qu'il décida de mettre un terme à leur relation pour s'en débarrasser. Jaloux car refusant l'affection que peut éprouver sa fille envers Hagen, Kornél Mundruczo en profite pour mettre en parallèle le point de vue ingrat du père, sa démission pédagogique et son manque de communication qu'il puisse maladroitement inculquer à sa fille. Réduit à la solitude et affamé dans un Budapest hostile où les chiens errants sont systématiquement dénoncés par la population, Hagen tente donc de survivre parmi la compagnie d'autres chiens désoeuvrés. Durant son cheminement périlleux, il va devoir se plier à la barbarie de marginaux sans vergogne délibérés à l'enrôler aux combats clandestins.


Cette première partie haletante et parfois éprouvante se place à hauteur de l'animal pour nous illustrer son ressenti subjectif face à notre oppression et notre lâcheté, l'homme n'hésitant pas à recourir au subterfuge et à la violence pour le conditionner ici en machine à tuer. Par l'exercice inhumain de ce lavage de cerveau, le cinéaste offrant la réponse à la responsabilité du maître capable d'endoctriner son esclave docile en véritable tueur sans vergogne ! La seconde partie, jouissive, car trépidante et fantasmatique dans l'aboutissement de sa situation improbable, empreinte la voie de la métaphore fantastique lors de l'assaut des chiens programmés à répandre la terreur sur la ville en guise punitive. Efficacement gérées, les scènes d'action s'avérant exécutées avec un sens aiguisé du montage lorsque des centaines de chiens arpentent les rues de Budapest avec une frénésie véloce. L'insurrection animale profitant notamment d'attiser l'expectative des éventuelles retrouvailles entre Lili et Hagen, au moment où cette dernière renoue l'amour avec son père. Par la symbolique de la musique, le film se clôt dignement sur un épilogue bouleversant parmi la réaction de masse d'une action désintéressée et libre, la partition apportant au fil mélodique réconfort et sentiment de sécurité. Une séquence singulière touchée par la grâce dont nous ne sommes pas prêts d'oublier l'évocation de sa poésie prude.  


Réaliste, poignant et rempli de dignité pour la cause animale et la responsabilité parentale, White God offre ses lettres de noblesse au "chien" parmi la sincérité de comédiens canins épatants de naturel et l'assurance technique d'un cinéaste plutôt adroit lorsqu'il dévoile en introspection leur sentiment d'incompréhension et d'impuissance avant leur sédition. Un beau moment d'émotion, un message d'amour, de tolérance et de considération à préconiser en famille malgré la cruauté de certaines scènes. 

Bruno Matéï

Récompenses:
Prix "un certain regard", Festival de Cannes 2014
Palme Dog pour Luke et Body
Octopus d’or du meilleur long-métrage fantastique international au Festival européen du film fantastique de Strasbourg (FEFFS), 2014.   

vendredi 24 avril 2015

BAISER MACABRE (Macabro)

                                                                                             Photo appartenant à Bruno Matéï

de Lamberto Bava. 1980. Italie. 1h31. Avec Bernice Stegers, Stanko Molnar, Veronica Zinny, Roberto Posse, Ferdinando Orlandi.

Sortie Salles France: 13 Mai 1981

FILMOGRAPHIE: Lamberto Bava est un réalisateur et un scénariste italien né le 3 avril 1944 à Rome. Il est le fils de Mario Bava. 1980 : Baiser macabre (+ scénariste) , 1983 : La Maison de la terreur, 1984 : Apocalypse dans l'océan rouge, 1985 : Demons (+ scénariste),1986 : Demons 2 (+ scénariste),1991 : Body puzzle, 1991 : La Caverne de la Rose d'Or : La Princesse Rebelle, 1992 : La Caverne de la Rose d'Or : La Sorcière Noire, 1993 : La Caverne de la Rose d'Or : La Reine des Ténèbres, 1994 : La Caverne de la Rose d'Or : L'Empereur du Mal, 1994 : Desideria et le prince rebelle, 1996 : La Caverne de la Rose d'Or : Le Retour de Fantaghirò, 1996 : La Légende d'Alisea. 1997: La Princesse et le Pauvre, 1998 : Caraibi, 2001 : L'impero, 2006 : Ghost son.


Première réalisation de Lamberto Bava attitré également au poste de scénariste, Baiser Macabre fait parti de ces petites péloches où la déviance prime dans ses thématiques accordées au fétichisme, à la folie, à l'obsession sexuelle et surtout à la nécrophilie. Un sujet scabreux peu abordé au cinéma, malgré quelques classiques réputés (Nekromantik 1 et 2, Kissed, Blue Holocaust, Aftermath), que le cinéaste dépeint ici entre dérision macabre et aura malsaine. Alors qu'une fille vient de noyer son frère cadet dans la baignoire, la mère infidèle, Jane Baker, apprend par téléphone la tragédie du domicile de son amant. Se précipitant communément sur les lieux du drame en véhicule, son partenaire cause un accident et meurt décapité par une poutrelle. Un an plus tard, après un séjour en psychiatrie, elle se réfugie dans l'ancien immeuble de son amant parmi l'hospitalité du concierge atteint de cécité. Chaque soir, ce dernier étant interloqué par les gémissements sexuels de sa locataire ! 


Série B de facture Bis dans sa mise en scène bricolée et dans le ressort saugrenu de son contexte morbide, Baiser Macabre tire-parti de son pouvoir de fascination par l'élaboration d'une ambiance glauque au sein d'un huis-clos gothique (couleurs rutilantes à l'appui auprès du design d'ameublement !). Si la conception du suspense latent tourne à vide lorsque l'on devine rapidement ce que renferme le dégivreur du frigidaire, Lamberto Bava réussit néanmoins à maintenir notre attention par le biais du concierge aveugle toujours plus curieux à espionner les agissements lubriques de sa locataire pour en démystifier le secret. On a beau deviner que cette dernière se confine chaque soir dans sa chambre pour se masturber avec la tête de son défunt amant, le fait de redouter explicitement cette relation aussi innommable fait naître chez nous l'expectative de l'éventuelle promesse. En prime, et pour corser l'ambiance dérangée de ces pratiques sexuelles flirtant avec le fétichisme (elle collectionne divers objets et photos de son amant dans une brochure), la fille de Jane (déjà responsable de la noyade de son frère par esprit de vengeance), a décidé de la molester à nouveau, surtout lorsqu'elle finit par déceler ce que recèle le frigo. La charge érotique qui s'émane de l'immeuble constamment plongé dans la pénombre (chaque volet restant cloisonné) est notamment contrebalancée par le refoulement du concierge secrètement épris de compassion pour sa locataire. Outre la sobriété des rôles secondaires (Stanko Molnar se fond avec timidité naturelle dans le corps d'un aveugle sexuellement frustré, quand bien même la petite Veronia Zinny est assailli par le vice avec son regard pernicieux !), le charisme vénéneux de Bernice Stegers (la Cité des Femmes, X Tro) doit beaucoup à l'aura de souffre que véhicule ses exactions intimes. Pourvu d'un regard occulte aussi glaçant que sensuel, l'actrice dégage une concupiscence terriblement dérangeante lorsque nous nous portons témoins de ses rapports nécrophiles avec une tête putrescente !


Si douces, si perverses
Glauque et malsain par son atmosphère aussi étouffante que sexuellement déviante, mais aussi sardonique (notamment cet épilogue où le surnaturel vient subitement taquiner le quotidien !), Baiser Macabre corrompt le poème nécrophile parmi l'audace transalpine d'un cinéaste jusqu'au-boutiste (les enfants boivent ouvertement la tasse pendant que la folle baise la tête de son défunt !) lorsqu'il s'agit d'observer par la p'tite serrure le déséquilibre d'une famille dysfonctionnelle. 

Bruno Matéï
4èx
24.04.15. 5èx
03.01.11. (292 vues)

jeudi 23 avril 2015

DARK WATER. Grand Prix, Prix du jury jeune et Prix de la critique, Gerardmer 2003.

                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site bmoviezone.wordpress.com

Honogurai mizu no soko kara de Hideo Nakata. 2002. Japon. 1h41. Avec Hitomi Kuroki, Rio Kanno, Asami Mizukawa, Mirei Oguchi, Fumiyo Kohinata, Yu Tokui.

Sortie salles France: 26 Février 2003. Japon: 19 Janvier 2002

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Hideo Nakata est un réalisateur japonais, né le 19 Juillet 1961 à Okayama.
1998: Ring. 1998: Ring 2. 1999: Chaos. 2002: Dark Water. 2005: Le Cercle 2. 2007: Kaidan. 2008: L: Change the World. 2010: Chatroom. 2010: Incite Mill. 2012: TV Show. 2013: The Complex. 2014: Monsterz.

Récompenses:
Corbeau d'argent, lors du Festival international du film fantastique de Bruxelles, 2002.
Grand Prix, Prix du jury jeune et Prix de la critique internationale au festival Fantastic'sArts 2003.


Rendu célèbre avec les 2 premiers opus de la trilogie Ring, Hideo Nakata renoue avec la ghost story auprès de Dark Water, justement ovationné à Gérardmer de trois récompenses. Prenant pour thèmes l'abandon et la fragilité de l'enfance lorsque les parents divorcés sont contraints de se disputer la garde, Dark Water juxtapose angoisse et étude psychologique avec une rare intelligence. De par sa mise en scène épurée particulièrement chiadée cultivant une montée en puissance d'un climat oppressant, et la tactique originale dont Hideo Nakata aborde la hantise parmi la complicité de l'élément naturel: l'eau ! Sur ce dernier point, les séquences illustrant l'affluence de l'humidité arpentant les tapisseries des murs jusqu'à cette tâche grandissante incrustée au plafond parviennent à distiller un sentiment de malaise sous-jacent qui ira crescendo lorsque les inondations vont gagner le terrain afin de renseigner la curiosité de Yoshimi.


Après son divorce, Yoshimi tente d'obtenir la garde de sa fille Ikuko afin de se reconstruire une nouvelle vie. Au moment où elle emménage dans un appartement, des problèmes d'humidité intentent à leur tranquillité. En prime, après avoir trouvé un emploi, Yoshimi accumule retard et inattention pour la situation éducative de sa fille. Mais c'est avec les récurrentes apparitions d'une silhouette infantile qu'elle finit par se laisse gagner par une paranoïa grandissante. Drame familial s'il en est lorsque l'on constate l'issue dramatique de son dénouement aussi effrayant que bouleversant, Dark Water parvient à télescoper l'inquiétude d'apparitions spectrales avec l'étude de caractère d'une mère en perdition. Cette dernière redoublant d'effort à tenter de préserver la garde de sa fille malgré ses bourdes quotidiennes lui causant le manque d'attention. Cette relation d'amour compromise entre une mère et sa fille, Hideo Nakata la transcende parmi la dimension humaine d'une femme fragilisée par l'oppression du travail, des juges et de sa solitude, au moment même où elle se voit contrainte de résoudre une douloureuse affaire de disparition infantile au sein de son immeuble. Rehaussé d'une photo pastel afin de contraster avec le climat épuré de son angoisse latente, Dark Water cultive un goût pour le mystère avec un goût éthéré pour la suggestion. Ce parti-pris humble permettant à l'intrigue surnaturelle d'exacerber l'amoncellement des incidents tout en nous interpellant sur les facteurs de la responsabilité parentale, le sens du sacrifice mais aussi le sentiment d'abandon du point de vue de l'enfant. 


En combinant l'angoisse et l'inquiétude, Hideo Nakata parvient avec Dark Water à structurer une intrigue implacable par l'entremise oppressante de l'eau et d'une silhouette candide. Décrivant avec rigueur et sensibilité le cheminement psychologique d'une mère en déréliction, le genre horrifique se double ici d'un drame bouleversant afin de nous interpeller sur l'autorité parentale du point de vue (du sacrifice) d'une mère accablée par la tension et la détresse. Sans doute l'oeuvre la plus aboutie de son auteur, en tous cas la plus subtile, lancinante et substantielle. 

Bruno Matéï
2èx

mercredi 22 avril 2015

4 DE L'APOCALYPSE (I quattro dell'apocalisse)

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Lucio Fulci. 1975. Italie. 1h48 (version non censurée). Avec Fabio Testi, Lynne Frederick, Michael J. Pollard, Harry Baird, Adolfo Lastretti, Tomas Milian.

Sortie salles France: 22 Juin 1983. Italie: 12 Août 1975. Interdit aux - de 18 ans lors de sa sortie en salles.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996.
1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 : L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio, 1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence.


Après s'être déjà prêté au western en 1966 avec l'excellent le Temps du Massacre, Lucio Fulci renoue avec le genre 9 ans plus tard pour nous dériver vers un voyage initiatique (celui de l'espoir), la balade désenchantée d'un quatuor de marginaux livrés à l'errance au sein d'un no man's land. Au fil de leur périple indécis parfois jalonné de rencontres impromptues, telles cette communauté de pèlerins chrétiens ou ces mineurs venus applaudir la naissance du couple, ils finissent par fréquenter malgré eux le mal en personne, un vagabond solitaire sans foi ni loi (Tomas Milian, transi de vice par son regard reptilien !).


Western atypique par son atmosphère indicible où pointe un surréalisme mystique (l'escale dans le village fantôme où Bud se laisse divaguer vers une folie spirituelle) et dans son brassage de genres opposant les éclairs de violence d'une horreur proprement sadique (la fameuse torture de dépeçage et de crucifixion portée sur le corps du shérif vaudra à Fulci de sérieux problèmes avec la censure !), 4 de l'apocalypse ferait office de bad trip s'il n'était pas imprégné de mélancolie parfois poignante. De par son environnement tristement blafard que nos voyageurs parcourent en se confrontant à la mort la plus injustifiée, et dans les chansons "flower power" que Lucio Fulci contrebalance avec une émotion élégiaque. Epuisés par les semaines de marche et confrontés à la faim (ils iront jusqu'à se nourrir de rat et de chair humaine !), leurs pérégrinations s'attelle au parcours du combattant, une épreuve de survie afin de dénicher une région plus pacifiste dans ce désert morose où ne règnent que pourriture et désolation. L'empathie accordée à ces quatre marginaux s'avère d'autant plus émouvante par leur complicité solidaire et amicale où l'espoir finira tout de même par percer malgré l'amertume de son épilogue (notamment ce parti-pris de vengeance expéditive). Quand à l'intervention symbolique de l'étranger au look "hippie", la dimension insolite de leur errance se renforce en sa présence pernicieuse (il ira jusqu'à droguer ses otages pour mieux les abuser !) et l'immoralité de ces exactions où seul compte le profit.


Ballade entre les tombes
Déroutant et insolite par son atmosphère surréaliste où la naissance et la mort se rabattent sur une idéologie religieuse, émouvant et envoûtant pour l'excursion entamée par ces laissés pour compte dérivant au seuil des limbes, 4 de l'Apocalypse détonne par sa radicalité à détourner les codes du genre, notamment pour l'usage cru d'une violence putassière. Un western horrifique à réhabiliter d'urgence tant il parvient à nous dépayser d'un univers insondable de décrépitude et à nous attacher dans la cohésion de ces anti-héros en quête d'amour éperdu.  

Bruno Matéï
3èx

L'avis de Mathias Chaput:
Lucio Fulci est un réalisateur incroyable qui est souvent là où on ne l'attend jamais !

Avec ce "4 de l'apocalypse" (quel titre ! à la fois énigmatique et attisant la curiosité), il délivre un genre en état de déliquescence (le western spaghetti) et le fait éclater par le biais du cinéma fantastique de façon sidérante, imbriquant des touches oniriques presque "felliniennes", le tout avec une intelligence de traitement remarquable !

Le lot de sadismes inhérent au cinéma du Maestro est présent également mais distillé avec la plus grande parcimonie, Fulci se consacrant davantage à un aspect moins populaire qu'ésotérique...

Il n'a pas choisi la facilité et son métrage risque de déconcerter les aficionados de Sergio Leone ou des westerns transalpins qui florissaient entre 1965 et 1970, la singularité de "4 de l'apocalypse" réside justement dans sa manière de ne rien faire comme ses prédécesseurs, transgressant les conventions et ouvrant à l'extrême les perspectives et les possibilités, que ce soit au niveau des décors que du scénario !

Les gunfights avec impacts de balle saignants n'arrivent qu'au prologue pour que l'action pure et dure laisse place à l'investigation et au voyage, voyage au bout d'un enfer que les personnages vont prendre en pleine face, la faim, le froid, la douleur seront bien retranscrits et l'ignoble aura lieu jusqu'à une séquence de cannibalisme qui provoquera l'effroi !

Au niveau de l'interprétation, Testi est littéralement habité par son rôle, Milian est incroyable de folie et de sadisme, et on retrouve même la trogne patibulaire de Donald "Zombie Holocaust" O' Brien en shériff...

Il y a un atypisme fulgurant dans "4 de l'apocalypse" que l'on ne retrouve nulle part ailleurs et qui en fait son intérêt et sa qualité, loin de tous les stéréotypes habituels...

Fulci a frappé très fort et ce western hors normes restera inoubliable car novateur !

Véritable coup de pied dans la fourmilière, il possède une aura si singulière qu'il s'avère inimitable, témoignant de la force exceptionnelle qu'avait Fulci pour donner sa "touch'" dans ses films...

Note: 10/10

                                        

mardi 21 avril 2015

SCHIZO

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Pete Walker. 1976. Angleterre. 1h49. Avec Lynne Frederick, John Leyton, Stephanie Beacham, John Fraser, Jack Watson.

Sortie salles 11 Novembre 1976

FILMOGRAPHIE: Pete Walker est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né en 1939 à Brighton.
1968: l'Ecole du sexe, For men only, 1970: Cool, c'est Carol, 1971: Man of violence, Die Screaming, Marianne, 1972: Quatre dimensions de Greta, le Théâtre de l'angoisse, 1973: Tiffany Jones, 1974: Flagellations, Frightmare, 1976: The Confessionnal, Schizo, 1978: Hallucinations, 1979: Home Before Midnight, 1983: House of the long shadows.


Modeste production du réalisateur British Pete Walker, Schizo s'était fait connaître auprès des fantasticophiles par le biais de leur video-club du coin sous la bannière de Warner Home Video. S'il essuya un certain succès en VHS, sa faible renommée auprès des critiques l'empêcha tout de même d'accéder au rang de classique du slasher, faute d'une intrigue mal construite desservie par un suspense poussif dans sa thématique de la schizophrénie. Alors que Samantha se marie, un étrange individu se rend à ces noces avec la volonté de la tourmenter. Perpétuellement épiée par ce dernier, elle commence à prendre panique lorsqu'elle reconnaît en lui le meurtrier de sa mère sauvagement assassinée durant son enfance. 


Jouant avec les codes du thriller horrifique dans sa plus conventionnelle expression, Pete Walker accumule clichés et redondances sans sourciller par sa volonté infatigable de retarder l'éventuelle agression et de nous convaincre que le potentiel tueur est lancé aux trousses de notre frêle héroïne. Le problème, c'est qu'au bout d'une demi-heure, on devine facilement que ce dernier, particulièrement cabotin, ne pourra être l'auteur des exactions morbides à venir tant il accumule brimades et intimidation avec une apathie grotesque. L'intronisation du suspense s'avérant désamorcée par ce profil inexpressif et d'un arc narratif aux faibles ressorts dramatiques, quand bien même la psychologie superficielle (mais attachante) des protagonistes enfonce un peu plus la série B au rayon Bisserie candide. Qui plus est, avec sa mise en scène maladroite multipliant faux-raccords et invraisemblances de situations subsidiaires, Schizo frôle la gaudriole à vouloir coûte que coûte tenter de faire naître une ambiance anxiogène parmi la subjectivité du tueur. Pas désagréable pour autant par sa naïveté attachante à valoriser la contrariété des protagonistes, la dernière partie épouse un parti-pris plus haletant et complaisant dans la prolifération des meurtres sanguinolents que l'entourage de l'héroïne subit de plein fouet, sans compter la révélation stridente d'un flash-back traumatique ! 


Trop maladroit et éculé dans ses intentions infructueuses d'un suspense à bout de souffle, Schizo ne pourra aujourd'hui que contenter d'un oeil amusé le nostalgique d'une époque révolue. Celle des vidéos de quartiers où l'on savait se contenter de séries B gentiment horrifiques par le fruit de notre culture novice.  

Bruno Matéï 
4èx

lundi 20 avril 2015

L'EMMUREE VIVANTE (Sette note in nero)

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site caveofcult.co.uk

de Lucio Fulci. 1977. Italie. 1h35. Avec Jennifer O'Neill, Gabriele Ferzetti, Marc Porel, Gianni Garko.

Sortie salles Italie: 10 Août 1977

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996.
1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 : L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio, 1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence.


Echec commercial lors de sa sortie malgré l'enthousiasme favorable des critiques, l'Emmurée Vivante s'allouait pourtant d'une certaine originalité à exploiter les codes du giallo à partir d'un argument surnaturel, la prescience. Au moment de traverser sous plusieurs ponts en véhicule, Virginia Ducci renoue avec sa clairvoyance pour entrevoir des fragments d'indices vis à vis d'un homicide crapuleux, une victime emmurée vivante. Arrivée dans l'ancienne demeure de son mari, elle reconnait le même endroit familier préalablement identifiée durant ses visions. Intriguée par la ressemblance frappante du mur de salon et motivée par son intuition, elle s'empresse de l'abattre à coups de pioche pour y découvrir le cadavre d'un squelette. 


Conjuguant l'investigation policière avec l'inconscient surnaturel d'une femme médium, l'Emmurée Vivante agence adroitement ces genres afin de consolider un suspense exponentiel convergeant vers une dernière partie aussi haletante qu'anxiogène. Sur ce dernier point, on peut saluer la maîtrise technique à laquelle Fulci fignole une longue course-poursuite entamée entre l'héroïne et le potentiel tueur à travers les bâtiments gothiques d'une chapelle et de demeures vétustes. Epaulé d'un score ombrageux et d'une mélodie entêtante de Franco Bixio, Fabio Frizzi et Vince Tempera, cette traque de longue haleine s'imprègne d'une atmosphère d'angoisse diffuse par le biais d'une héroïne en proie à l'affres de la survie. Jouant avec les indices en trompe l'oeil et l'éventail des faux coupables, Lucio Fulci cultive notre attention pour l'ossature d'une intrigue charpentée bâtie sur une énigme aussi nébuleuse que sournoise. L'identité d'un squelette et celui d'un suspect à la démarche boiteuse, la valeur notoire d'un tableau, un miroir brisé et le visage ensanglanté d'une sexagénaire s'avérant les vecteurs du puzzle à reconstituer sous l'impulsion de notre héroïne et d'un adjoint en paranormal. Par le biais de ces indices scrupuleux émanant d'une démarche irrationnelle de prémonition, Fulci les exploitent avec un sens trompeur du faux-semblant. 


Epaulé de la facture solide de comédiens au charisme buriné et surtout dominé par la présence vénéneuse de Jennifer O'Neill (son regard azur nous magnétise à chacune de ses interventions !), l'Emmurée Vivante empreinte le profil du giallo parmi le pivot surnaturel d'une prescience, de manière également à mettre en appui un poème sur la relativité du temps. Un thriller machiavélique dont l'atmosphère latine participe autant à son pouvoir d'inquiétude !

Bruno Matéï
3èx

vendredi 17 avril 2015

LA FAMILLE BELIER

                                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Eric Lartigau. 2014. France. 1h45. Avec Louane Emera, Karin Viard, françois Damiens, Eric Elmosnino, Roxane Duran.

Sortie salles France: 17 Décembre 2014

FILMOGRAPHIE: Eric Lartigau est un réalisateur français né en 1964.
2003: Mais qui a tué Pamela Rose ? 2006: Un Ticket pour l'Espace. 2006: Prête-moi ta main. 2010:! L'Homme qui voulait vivre sa vie. 2012: Les Infidèles (segment Lolita). 2014: La Famille Bélier



Enorme succès au box-office français ayant cumulé 7 336 297 entrées, remise du César du Meilleur Espoir Féminin à Louane Emera, La Famille Bélier est la nouvelle comédie familiale célébrée en grande pompe par la majorité de nos critiques. Traitant du handicap de la surdité et du mutisme chez une famille de métayers normands, l'intrigue oppose le cheminement indécis de la fille aînée entendante lorsque son professeur de musique lui propose de postuler pour un concours de chant. Peu sûr d'elle, contrariée par une discorde sentimentale et démotivée par la réticence de ses parents (ils sont incessamment privés de ses performances vocales), Paula est sur le point de renoncer quand bien même son instituteur va tenter de lui prouver sa capacité à braver la gageure.


Moment d'émotion et de simplicité dans sa leçon d'apprentissage impartie à la confiance en soi et à la constance, plaidoyer pour le droit à la différence en faveur des sourds (Rodolphe Bélier se présentant aux élections municipales pour prouver ses compétences politiques en dépit de son mutisme), la Famille Bélier relate le parcours initiatique d'une adolescente en crise identitaire devant le témoignage de parents bouleversés par son indépendance d'un choix professionnel. En évitant intelligemment toute forme de pathos et sans sombrer dans le misérabilisme pour la caricature adressée à cette famille de sourds coexistants en harmonie malgré leur privation d'audition, Eric Lartigau nous brode un joli conte sur l'accomplissement de soi, notamment par le biais soudé de cette cohésion parentale. Alternant instants pittoresques, balades musicales, moments de tendresse et querelles intermittentes dans les rapports familiaux puis l'émoi amoureux, la Famille Bélier célèbre avec sincérité souvent poignante les valeurs de l'amour sous un engouement libertaire. Outre l'humilité des comédiens formé par le trio Karin Viard François Damiens / Lucas Gelber, le film repose surtout sur la révélation Louane Emera. Bluffante de naturel dans sa fonction candide d'adolescente timorée mais pétillante de spontanéité et de volonté de fuir sa peur, la jeune actrice dégage une palette d'émotions souvent intenses dans sa faculté à nous susciter ses interrogations et son anxiété du passage à l'âge adulte.


Pittoresque, tendre, émouvant et parfois bouleversant, à l'instar de son point d'orgue incandescent régi autour d'une chanson de Sardou (préparez les mouchoirs pour cet immense moment d'émotion !), La Famille Bélier fait intelligemment preuve d'humilité pour dépeindre avec sensibilité le destin d'une famille de prolétaires en crise filiale mais réconciliés par leur esprit de fraternité, d'amour et de tolérance. Outre la bonhomie attachante des illustres comédiens et de certains seconds-rôles (en professeur de chant castrateur, Eric Elmosnino évite pourtant la caricature dans son tempérament endurant), c'est la présence lumineuse de Louane Emera qui crève l'écran et fera chavirer le coeur des plus sensibles !

Bruno Matéï



jeudi 16 avril 2015

GENERATION PROTEUS (Demon Seed)

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieposter.com

de Donald Cammell. 1977. U.S.A. 1h34. Avec Julie Christie, Fritz Weaver, Gerrit Graham, Berry Kroeger, Lisa Lu, Larry J. Blake, John O'Leary.

Sortie salles France: 8 Février 1978

FILMOGRAPHIE: Donald Cammell est un réalisateur écossais, né le 17 Janvier 1934, décédé le 24 Avril 1996.
1968: Performance (co-réalisé avec Nicolas Roeg). 1977: Génération Proteus. 1987: White of the Eye. 1995: Wild Side.


Réalisateur méconnu uniquement responsable de 4 longs-métrages puis déshérité d'un destin tristement tragique (il se suicida d'une balle dans la tête après une grave dépression et des problèmes familiaux), Donald Cammell réalise en 1977 son film le plus connu auprès des fantasticophiles, Génération Proteus. Un film d'anticipation à connotation horrifique préfigurant Alien, Saturn 3la Galaxie de la Terreur et Inseminoïd dans son brassage audacieux des genres. Pour les nostalgiques de l'époque, on peut aussi rappeler qu'il fit les beaux jours de l'émission scientifique, l'Avenir du Futur lors d'une diffusion le lundi 23 Mars 1981, et dans le cadre de sa thématique accordée aux "ordinateurs doués de raison". 


Si aujourd'hui, Génération Proteus est malencontreusement occulté des cinéphiles au profit d'autres classiques notoires, il reste une curiosité particulièrement déroutante, un ovni tirant parti de son étrangeté et de son originalité dans l'ossature d'un scénario aussi improbable que délirant. En dépit d'une réalisation académique, du jeu cabotin des comédiens et d'une première demi-heure plutôt laborieuse, le cheminement de l'intrigue inscrit en mode huis-clos s'avère assez stimulant. Imaginez donc la conception révolutionnaire d'un ordinateur supra intelligent délibéré à séquestrer à distance l'épouse du créateur scientifique au sein d'une demeure familiale afin de l'enfanter et accéder à l'immortalité. Ce pitch insensé multipliant agressions domestiques (la maison high-tech étant entièrement sous contrôle électronique et mécanique de Proteus !), intrusions de visiteurs inopportuns et expériences médicales en vue d'une procréation réussit tout de même à rendre crédible les motivations de l'ordinateur doué de parole. Entièrement soumise à son allégeance, Susan est donc contrainte de subir maltraitances physiques et sexuelles afin de parfaire la naissance d'un enfant hybride prochainement apte à dominer le monde (Akira n'est pas loin !). Pour un peu, et avec ironie, on pourrait aussi suggérer que Donald Cammell préfigure la saga Terminator et tous ces thrillers alarmistes auquel l'ordinateur doué d'intelligence artificielle aura décidé de supplanter l'homme afin de prendre sa place. Par le biais de trucages artisanaux, on est également surpris de l'aspect convaincant de certaines séquences spectaculaires, à l'instar de la morphologie cuivreuse du nouveau-né ou lorsque Proteus réussit à se matérialiser sous la structure amovible d'un losange métallique capable d'alpaguer ses proies (petit effet gore à l'appui lorsqu'un quidam finit décapité au creux du quadrilatère !). 


Pourvu d'une ambiance horrifico-baroque et d'un suspense assez soutenu dans la situation de claustration que l'héroïne impuissante est contrainte de tolérer, Génération Proteus réussit à divertir et inquiéter sur les dérives de nos technologies modernes, particulièrement la robotisation auquel l'informatique s'avère la matrice responsable ! A redécouvrir d'un oeil amusé, le point d'orgue halluciné valant notamment son pesant de cacahuètes !

Bruno Matéï
24/05/2011
16/04/2015
3èx

mercredi 15 avril 2015

MAY. Prix "Première", Gérardmer 2003.

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site kinobomba.net

de Lucky Mc Kee. 2002. U.S.A. 1h34. Avec Angela Bettis, Jeremy Sisto, Anna Faris, James Duval, Nichole Hiltz, Kevin Gage, Merle Kennedy, Chandler Hecht, Norwood Cheek, Rachel David, Roxanne Day...

Sortie en salles en France le 10 Mars 2004. U.S: 6 Juin 2003.

Récompenses: Prix du Meilleur Scénario et Meilleure Actrice (Angela Bettis) au Festival du film de Catalogne 2002. Corbeau d'Argent de la meilleure actrice (Angela Bettis) au Festival du film Fantastique de Bruxelles en 2003. Prix Première au festival de Gérardmer en 2003. Prix du Meilleur Film, Meilleur Scénario et Meilleure Actrice (Angela Bettis) au cours de la semaine du film Fantastique de Malaga en 2003.

FILMOGRAPHIELucky Mc Kee est un réalisateur américain né le 1er Novembre 1975 à Jenny Lind (Californie). 2002: All Cheerleaders Die (court). May. 2006: Master of Horror (un épisode). The Woods. 2008: Red. Blue Like You. 2011: The Woman.


« La tristesse assèche le cœur de qui n'a plus de larmes pour pleurer. »
Première réalisation et coup de maître du débutant Lucky Mc KeeMay n'aura laissé personne indifférent dans les festivals où il fut projeté et en dépit de sa sortie confidentielle en salles. May est une infirmière introvertie, jeune employée dans un cabinet vétérinaire. Solitaire et refoulée dès son enfance à cause d'un léger strabisme, elle n'a que pour seule compagnie une poupée. Cette dernière étant confinée à l'intérieur d'une boite de verre auquel May lui confesse quotidiennement ses états-d'âme, ses désirs ainsi que ses éclats de colère. Livrant également sa bonhomie à de jeunes enfants aveugles, sa vie va soudainement basculer lorsqu'elle aborde par le fruit du hasard un charmant inconnu. 


Outre le brio technique de son auteur particulièrement assidu à illustrer non sans onirisme (meurtres stylisés à l'appui !) le cheminement schizophrène d'une fille noyée dans sa solitude, le magnétisme trouble qu'Angela Bettis extériorise doit beaucoup à l'intensité fragile qui irrigue les pores du scénario. Un magnifique portrait de femme meurtrie d'où pointe l'exutoire de l'automutilation, une interprétation à fleur de peau que l'actrice endosse dans sa posture filiforme de petit bout de femme avide d'amour et de reconnaissance. De prime abord timide mais pétillante pour affronter l'accointance d'un inconnu puis finalement écorchée vive lorsque cette défaite sentimentale va lui rappeler l'injustice de sa différence aux yeux des autres (son fétichisme pour les mains, sa relation intime avec sa poupée, son attirance pour le macabre et l'indifférence que la mort lui représente), May symbolise en sa discrète présence les souffres-douleurs de l'exclusion, de la marginalité et de la solitude. Qui plus est, la trahison d'une amie lesbienne et l'incident de sa poupée démembrée finissent un peu plus par l'isoler dans une rancoeur punitive au point de confectionner elle-même un nouvel ami de chair et de sang. Variation moderne de Frankenstein où la Fiancée se morfond dans une détresse psychotique avant d'endosser le rôle fantasque du Docteur, plaidoyer pour le droit à la différence dans sa condition de femme soumise en perte identitaire (car isolée de toute présence amicale depuis son enfance, en dépit des poupées décorant sa chambre, en particulier celle offerte par sa mère en démission parentale), May transcende avec une grande sensibilité une histoire d'amour fou où seule la mort peut éclipser la souffrance.


Magnifique portrait de femme désabusée de son inépuisable solitude et d'un échec amoureux, May emprunte finalement le sentier tortueux du slasher en confrontant la passion d'un cinéphile (le compagnon de May est un mordu d'Argento !) avec la relation ambiguë d'une asociale trop vulnérable pour être désirée. Il en émane un drame psychologique d'une sensibilité ardue, un bouleversant poème funèbre sur l'isolement de l'âme et la quête éperdue du besoin d'être aimé.

Bruno Matéï
3èx

14/06/10. 2
15/04/15. 3


mardi 14 avril 2015

JOHN RAMBO (Rambo)

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site pixshark.com

de Sylvester Stallone. 2008. Allemagne/U.S.A. 1h31. Avec Sylvester Stallone, Julie Benz, Paul Schulze, Graham McTavish, Matthew Marsden, Reynaldo Gallegos.

Sortie salles France: 6 Février 2008. U.S: 25 Janvier 2008

FILMOGRAPHIE: Sylvester Stallone est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 6 Juillet 1946 à New-York.
1978: La Taverne de l'Enfer. 1979: Rocky 2, la Revanche. 1982: Rocky 3, l'Oeil du Tigre. 1983: Staying Alive. 1985: Rocky 4. 2006: Rocky Balboa. 2008: John Rambo. 2010: Expendables: Unité Spéciale.


Après avoir brillamment clôturé la saga Rocky avec Rocky Balboa, Sylvester Stallone, acteur et cinéaste, décide d'en faire de même pour la trilogie Rambo, 20 ans après le semi-échec du 3è épisode. Renouant un peu avec l'état d'esprit du premier film pour la dimension humaniste du vétéran replié sur lui même (on le retrouve reclus en Thailande entrain de chasser les cobras pour les vendre à un dresseur), John Rambo s'engage tout de même à renouer avec la voie du spectacle homérique à grand renfort d'ultra-violence jusqu'au-boutiste. C'est bien simple, jamais un film de guerre n'était allé aussi loin dans la barbarie pour dénoncer les horreurs du pays le plus totalitaire au monde (la Birmanie reste en guerre depuis plus de 60 ans en dépit de l'indifférence des médias !) et pour nous divertir de scènes d'action décoiffantes à l'efficacité optimale. Un peu comme si Rambo 2, la mission s'était incidemment retrouvé la tête plongée dans une bassine de vitriol ! Exit donc la caricature d'une bande dessinée décérébrée apte à divertir son public de 7 à 77 ans, Stallone misant sur l'ultra réalisme d'un contexte de guerre animé par l'emprise de la folie et de la haine.


A l'instar des exactions crapuleuses (et parfois diaboliquement inventives) quotidiennement perpétrées par les soldats birmans sur une population précaire d'où aucun enfant n'est épargné (Stallone refusant même le hors-champs dans ses séquences les plus innommables !). Outre le caractère poignant des états d'âme torturés de Rambo à nouveau compromis par son sens du devoir à rempiler une mission à haut risque (sauver la vie d'un groupe de missionnaires religieux pris en otage dans un village), John Rambo assume le spectacle épique d'un film de guerre habité par la frénésie de la violence. Qu'elle soit purement gratuite du point de vue des soldats Birmans ou justifiée du côté des mercenaires héroïques notamment impliqués dans une cause de survie. Dans ce maelstrom d'images apocalyptiques d'où s'extrait une sauvagerie à l'instinct primitif (Rambo arrachant de ses mains la gorge d'un geôlier !), l'intrigue conjugue mission d'infiltration, stratégies d'attaques et de défense et survival de dernier ressort avec une vigueur imperturbable ! Son pouvoir de fascination, son réalisme immersif et son sens jouissif de l'action explosive étant notamment véhiculés par l'autorité iconique de notre baroudeur une fois de plus contraint de reprendre les armes pour se donner une raison d'exister (celle de sauver la vie de son équipe et des missionnaires, en particulier un couple religieux). Et par cette occasion quasi suicidaire retrouver son blason de héros face à la considération des survivants puis peut-être renouer avec sa paix intérieure.


Un spectacle monstrueux, à feu et à sang.
Pur divertissement d'action belliqueuse où les bravoures anthologiques se succèdent à une cadence effrénée, John Rambo réussit néanmoins à justifier sa barbarie graphique (corps déchiquetés, broyés, explosés, décapités, éventrés !) pour dénoncer le contexte historique de la dictature Birmane (le film reste chez eux officiellement interdit en salles et en video au risque d'encourir 10 ans de prison ou la perpétuité pour ceux qui en braveraient le règlement). Rehaussé du score intense de Brian Tyler et de la célèbre reprise de Jerry Goldmisth, Sylvester Stallone en profite pour redorer la stature écorchée de sa machine à tuer, à l'instar de son épilogue bouleversant auquel Rambo renoue avec la civilisation de sa patrie.

Rambo: http://brunomatei.blogspot.com/2011/08/rambo-first-blood.html
Rambo 2: http://brunomatei.blogspot.com/2011/12/rambo-2-la-mission-rambo-first-blood.html

Bruno Matéï
(2èx)