Blow Out

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site myscreens.fr

de Brian De Palma. 1981. U.S.A. 1h48. Avec John Travolta, Nancy Allen, John Lithgow, Dennis Franz, Peter Boyden, Curt May.

Sortie salles France: 17 Février 1982. U.S: 24 Juillet 1981

FILMOGRAPHIE: Brian De Palma, de son vrai nom Brian Russel DePalma, est un cinéaste américain d'origine italienne, né le 11 septembre 1940 à Newark, New-Jersey, Etats-Unis. 1968: Murder à la mod. Greetings. The Wedding Party. 1970: Dionysus in'69. Hi, Mom ! 1972: Attention au lapin. 1973: Soeurs de sang. 1974: Phantom of the paradise. 1976: Obsession. Carrie. 1978: Furie. 1980: Home Movies. Pulsions. 1981: Blow Out. 1983: Scarface. 1984: Body Double. 1986: Mafia Salad. 1987: Les Incorruptibles. 1989: Outrages. 1990: Le Bûcher des vanités. 1992: l'Esprit de Cain. 1993: l'Impasse. 1996: Mission Impossible. 1998: Snake Eyes. 2000: Mission to Mars. 2002: Femme Fatale. 2006: Le Dahlia Noir. 2007: Redacted. 2012: Passion.

Un an après son chef-d'oeuvre sulfureux Pulsions, Brian De Palma enchaîne avec un second thriller, une méticuleuse investigation afin d'y démanteler un attentat politique au coeur d'une Amérique paranoïaque. Au moment de ces expérimentations dans un parc régional, un preneur de son se retrouve témoin d'un meurtre fardé en accident. Or, suite à l'éclatement du pneu d'une voiture, un gouverneur et sa passagère sont projetés au fond d'une rivière. Après avoir sauvé in extremis la jeune fille, Jack tente de dévoiler au grand jour le meurtre du gouverneur à l'aide de sa bande-son mais aussi le film qu'un photographe est parvenu à enregistrer le soir même de la tragédie. Afin d'étouffer l'affaire au plus vite, un dangereux maniaque complice de cette conjuration s'entreprend de récupérer la bobine et supprimer les témoins gênants. Hommage au 7è art dans ce rapport inhérent que l'image et le son entretiennent communément afin d'épurer la chimère cinématographique, Blow Out est un jeu de manipulation roublard où le simulacre dévoile peu à peu ses failles par l'entremise d'un technicien de cinéma. Avec la complicité attachante de John Travolta (étonnant de sobriété dans un rôle à contre-emploi) et de l'aguicheuse Nancy Allen (irrésistible de naïveté candide dans sa fonction antinomique d'escort girl), Brian De Palma nous élabore une enquête passionnante où la mise en scène virtuose tient une fois de plus du prodige (utilisation harmonieuse du split screen, du travelling circulaire, du plan-séquence et de la louma).

Ainsi, à travers la reconstitution d'une scène de crime entreprise par un preneur de son obnubilé à rétablir la vérité, Brian De Palma nous manifeste son amour pour le cinéma sous toutes ses variantes. Si bien qu'ici, même les navets horrifiques mâtinés d'érotisme ont droit à la reconnaissance face à l'expressivité d'un hurlement salvateur. Une fois de plus, le réalisateur utilise avec masochisme la dextérité d'un scénario charpenté où les apparences trompeuses vont être dévoilées sous l'allégeance d'un cinéaste soucieux de conviction réaliste. Puisqu'en sous-intrigue, la quête du fameux cri escompté dès le prélude est finalement dégoté par le héros à travers Spoil ! l'agonie de sa compagne sacrifiée fin du Spoil. Et on peut dire qu'en terme de point d'orgue nihiliste, l'inoubliable dénouement de Blow-Out s'avère sacrément couillu pour laisser le spectateur dans un pessimisme élégiaque. Ce qui justifie d'ailleurs son relatif échec commercial lors de sa sortie en salles (13 747 234 dollars de recettes pour un budget de 18 millions) et la faillite qui s'ensuit pour sa société de production. Qu'importe la défaite, De Palma nous eut transcendé avec une maestria infaillible une course contre la montre fertile en péripéties délétères que nos héros ont parcouru pour y contrecarrer l'antagoniste, et ce afin de sauvegarder la preuve irréfutable d'un complot politique.

Un cri dans la nuit
Scandé de la partition raffinée de Pino Donaggio, Blow-out réexploite le mode opératoire du suspense et de l'enquête policière avec une roublardise jubilatoire. Dominé par un casting sans fard, cet hommage au cinéma "perfectible" transcende l'outil artistique au gré d'une énigme irrésolue. De par l'audace de sa conclusion bouleversante, Blow out prouve avec cruelle dérision (l'utilisation d'un vrai cri au profit d'une oeuvre de commande) qu'au cinéma rien n'est gagné d'avance, surtout lorsqu'un cinéaste s'efforce d'y cultiver sa patte personnelle. Quitte à l'arrivée d'essuyer un cuisant échec commercial... 

* Bruno
10.06.24. 5èx. Vostf

30.11.12.

Le jour d'Après / The Day After

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site encyclocine.com

de Nicholas Meyer. 1983. U.S.A. 2h06. Avec Jason Robards, JoBeth Williams, Steve Guttenberg, John Cullum, John Lithgow, Bibi Besch, Lori Lethin, Amy Madigan.

Diffusion TV U.S: 20 Novembre 1983. Sortie salles France: 25 Janvier 1984

FILMOGRAPHIE: Nicholas Meyer est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 24 Décembre 1945 à New-York.
1979: C'était demain. 1982: Star Trek 2. 1983: Le Jour d'Après. 1985: Volunteers. 1988: Les Imposteurs. 1991: Company Business. Star Trek 6. 1999: Vendetta.

"Le Jour d’Après : autopsie d’un monde effondré".

Phénomène télévisuel lors de sa diffusion américaine, Le Jour d’Après fit naître un vent de panique tel qu’une ligne téléphonique fut mise en place dès le soir même pour calmer les esprits. Son impact émotionnel fut si retentissant que la France s’empressa de l’exploiter en salles. Œuvre de fiction post-apocalyptique, le film illustre les conséquences d’une Troisième Guerre mondiale embrasée par le péril nucléaire, décrivant avec un réalisme abrupt la survie désespérée d’une centaine d’êtres contaminés par la radioactivité. Structuré en trois actes, Le Jour d’Après s’attarde d’abord sur le quotidien paisible de familles ordinaires, lentement gagnées par l’angoisse face à l'escalade d’un conflit politique opposant URSS, Allemagne de l’Est et États-Unis. La caractérisation reste classique, fondée sur les principes d’un certain idéal familial, jusqu’à ce que les médias, saturés d’alertes, fassent basculer l’anxiété dans la frénésie : on investit les supermarchés, on remplit les caddies, on cherche des caves où se terrer — pendant que d’autres, à des kilomètres de leurs proches, entament une course contre la montre, le cœur noué, pour les rejoindre.

Puis vient le cataclysme. Lorsque les missiles américains sont lancés, la riposte soviétique s’abat dans une déflagration totale. Le Jour d’Après plonge alors dans l’horreur nue : une apocalypse nucléaire d’une brutalité hallucinée. Les effets spéciaux, parfois bricolés, parfois frappants — soutenus par des stock-shots tirés de Meteor ou Un Tueur dans la foule — parviennent malgré tout à générer une terreur profonde. Champignons atomiques, incandescences meurtrières, brasiers industriels, cités désossées : la vision d’un pays qui s’effondre est martelée sans relâche, à coups d’images cauchemardesques. Pour une production télévisuelle, Nicholas Meyer signe un coup de poing sans fard, une secousse émotionnelle d’une efficacité implacable. Cette seconde partie, fulgurante, vous cueille au plexus sans le moindre répit.

La dernière partie, plus sobre, plus cruelle aussi, s’attarde sur l’après. L’après-lumière, l’après-vie. Le réalisateur suit quelques survivants, ces visages croisés plus tôt, désormais hantés par le chaos. À travers eux, il brosse le tableau d’un monde à l’agonie : champs calcinés, forêts dénudées, arbres exsangues, animaux foudroyés, charniers d’humains pourrissants ou déjà momifiés. Une odeur de mort sature l’air, le choléra rôde, les vautours humains dictent leur loi. Le Jour d’Après devient alors une fresque dantesque, un opéra funèbre où chaque silhouette erre, spectrale, comme un zombie vidé d’avenir.

"Après le souffle, la poussière".

Cri d’alarme contre le vertige nucléaire, le film demeure une charge inflexible contre l’aveuglement de gouvernements voués à la destruction mutuelle. Les visions morbides de Nicholas Meyer, imprégnées de cendre et de ruine, laissent l’empreinte d’un génocide froid, implacable. Terrifiant jusqu’au dégoût, jusqu’au silence nauséeux. Et l’on espère, viscéralement, ne jamais connaître pareille extinction.

Note : plus de 100 millions d’Américains ont regardé ce téléfilm lors de sa première diffusion.

*Bruno
29.11.12. 4èx

L' Autre / The Other. Prix du Meilleur Réalisateur à Catalogne, 1972

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinepesadelo.blogspot.com

de Robert Mulligan. 1972. U.S.A. 1h40. Avec Uta Hagen, Diana Muldaur, Chris Udvanoky, Martin Udvanoky, Norma Connolly, Victor French, Loretta Leversee, Lou Frizzell.

Sortie salles U.S: 23 Mai 1972. France: 20 Décembre 1972

FILMOGRAPHIE: Robert Mulligan est un réalisateur américain, né le 23 Août 1925 à New-York, décédé le 20 Décembre 2008 à Lyme, Connecticut. 1957: Prisonnier de la peur. 1960: Les pièges de Broadway. 1961: Le Rendez-vous de Septembre. 1961: Le Roi des Imposteurs. 1962: l'Homme de Bornéo. 1962: Du Silence et des Ombres. 1963: Une Certaine Rencontre. 1964: Le Sillage de la Violence. 1965: Daisy Clover. 1967: Escalier Interdit. 1969: l'Homme Sauvage. 1971: Un Eté 42. 1971: The Pursuit of Happiness. 1972: l'Autre. 1974: Nickel Ride. 1978: Les Chaines du sang. 1978: Même heure l'année prochaine. 1982: Kiss me Goodbye. 1988: Le Secret de Clara. 1991: Un Eté en Louisiane.

 

⚠️ AVERTISSEMENT : IL EST PRÉFÉRABLE D'AVOIR VU LE FILM AVANT DE LIRE CE QUI SUIT ⚠️

L’Innocence Décomposée.

Pierre angulaire d’un fantastique éthéré autant qu’œuvre maudite — longtemps invisible, désormais exhumée en Blu-ray — L’Autre est une vertigineuse descente dans la psyché d’une innocence fracturée. Adapté du roman de Tom Tryon, le film épouse la sensibilité douloureuse de l’enfance pour y injecter, tout en finesse, les thèmes du dédoublement, de la hantise, de la possession. Une odyssée psychologique d’une intensité dramatique déchirante.

Car derrière cette lumière d'été faussement sereine, c’est un drame familial en décomposition que nous explorons. Une dynastie ravagée par une série de morts tragiques, et au cœur du chaos : Niles, enfant candide broyé par le deuil de son père et de son jumeau. Terrifié à l’idée de mourir, effrayé par sa solitude, il s’accroche à l’illusion qu’Holand est toujours là. L’esprit malicieux — ou maléfique ? — du frère défunt finit par contaminer Niles, l’entraînant dans une spirale schizophrène où les frontières entre réel et imaginaire se désagrègent.

 

L’intrigue prend racine dans une relation clé : celle qu’il entretient avec sa grand-mère, Ada. Pour l’aider à traverser l’épreuve du deuil, elle lui enseigne un étrange jeu mental — une projection sensorielle dans l’esprit d’un autre. Mais ce jeu d’apparence inoffensive devient un piège. En se fondant dans l’illusion, Niles ouvre une brèche d’où surgit la chair spectrale de son double. Et, peu à peu, bascule.

Le drame devient alors insoutenable. Parce qu’il touche à ce que l’enfance a de plus vulnérable. Sous sa pudeur narrative, le film insuffle une horreur feutrée, presque indicible, rythmée par les tourments d’un enfant en dérive et les silences d’une grand-mère impuissante. Ajoutez à cela une mère veuve, murée dans une mélancolie mutique, incapable d’absorber la disparition de ses fils. Et l’atmosphère s’épaissit jusqu’à l’étouffement.

Jusqu’à ce point d’orgue, cette révélation atroce, innommable, qui scelle le destin de tous. Cette image terminale, aussi glaciale que définitive, nous laisse exsangue. Deux questions alors, suspendues dans le néant : Niles était-il réellement possédé par l’âme d’Holand ? Ou bien le "jeu" d’Ada, combiné à la cruauté du monde, n’a-t-il fait que réveiller une folie latente ?

 

Le Double et l’Abîme.

Clef de voûte du fantastique moderne, L’Autre nous éprouve sans anesthésie. Son crescendo malsain, son climat de deuil poisseux, sa mise en scène économe mais implacable... Et surtout, les performances saisissantes de Chris et Martin Udvarnoky, d’une dualité troublante : tendres et glaçants, angéliques et démoniaux. Ils incarnent la tragédie de l’enfance perdue avec une vérité presque insoutenable.

L’Autre, film inoxydable, continue de hanter — et d’ensorceler — ceux qui osent y plonger.

*Bruno
28.11.12

Récompense: Prix du Meilleur Réalisateur au Festival de Catalogne en 1972

L'avis de Mathias Chaput: http://horrordetox.blogspot.fr/2012/11/the-other-de-robert-mulligan-1972.html
Très peu prolixe dans le cinéma d'outre Atlantique, Robert Mulligan signe avec "The Other" un véritable chef d'oeuvre du cinéma fantastique contemporain...
Un scénario d'une originalité totale, sans redondances ni esbroufes...
Aucun effet gore n'est à déplorer dans le métrage !
Un climat malsain s'intègre parfaitement prenant le contre-pied de l'environnement et de l'innocence des protagonistes qui y végètent, en l'occurrence de simples et frêles pré adolescents qui ne demandent qu'à vivre et aimer la vie !
L'astuce de Mulligan consiste à faire virer crescendo son intrigue avec une révélation imparable et glaçante au bout d'une heure de projection !
Puis il fait tout partir en live pendant la dernière demie heure !
Dans la lignée de "Psychose" réalisé douze ans avant, voire même un petit côté "Carnival of souls" mais se démarquant par une mise en scène affûtée aux limites de l'onirisme, matinée de la plus grande schizophrénie pour le personnage principal !
"The other" est un film culotté et carrément révolutionnaire qui fera date dans le genre !
Avec des séquences sorties de nulle part, notamment cette virée dans une fête foraine avec les "monstres", ou ce plan aérien où Nels s'imagine être un corbeau survolant le village !
Mulligan ne recule devant aucun stratagème pour augmenter la terreur chez le spectateur, jusqu'à un final apocalyptique à la fois immoral et sans "happy end" !
Très bien joué et excellemment mis en scène, "The other" est à marquer d'une pierre blanche, film rare et précieux, il se doit d'être vu par tout cinéphile fantasticophile !
Note : 10/10 (pour l'originalité du scénario et l'intelligence du traitement de ce dernier)

                                        

LES REVOLTES DE L'ILE DU DIABLE (Kongen av Bastøy). Amanda 2011 du Meilleur Film Norvégien

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de Marius Holst. 2010. Norvège/Pologne/Suède/France. 1h55. Avec Benjamin Hesltad, Trond Nilssen, Stellan Skarsgard, Kristoffer Joner, Trond Nilssen.

Récompense: Amanda 2011 du Meilleur Film Norvégien

Sortie salles France: 23 Novembre 2011. Norvège: 17 Décembre 2010

FILMOGRAPHIE: Marius Holst est un réalisateur, producteur et scénariste norvégien, né en 1965 à Oslo.

1990: Besokstid. 1994: Croix de bois, croix de fer. 1996: Lukten av mann. 1997: 1996: Pust pa meg !

2001: Oyenstikker. 2003: Tito ar dod. 2006: Kjoter (télé-film). 2007: Blodsband. 2010: Les Révoltés de l'île du diable.

Inspiré d'une histoire vraie, Les Révoltés de l'île du Diable retrace les conditions de vie drastiques d'une poignée de délinquants au sein d'un centre de redressement norvégien. Les évènements se déroulent sous un hiver réfrigérant de 1915. Le centre situé à Bastoy est implanté sur une île sous le commandement d'un directeur insidieux et d'un surveillant sadique. Mais l'arrivée d'une forte tête va peu à peu perturber leur hiérarchie et finalement déclencher une insurrection de grande ampleur.
Photo limpide contrastant avec son climat hivernal rigoureux, Les Révoltés de l'île du Diable est un puissant témoignage sur l'endurance de survie autant qu'un réquisitoire contre le despotisme d'une hiérarchie disciplinaire. Le sentiment d'isolement éprouvé au sein de cette île maudite laisse planer une solitude blafarde parmi le séminaire de jeunes désoeuvrés livrés aux pires corvées. Soumis à l'esclavage d'une discipline de fer et desservis par une alimentation précaire, les adolescents les plus arrogants sont notamment livrés à divers sévices corporels et humiliations par l'impassibilité d'un surveillant licencieux. Pour les plus opiniâtres d'entres eux avides d'évasion, l'isolement du cachot ou les travaux forcés pratiqués à proximité d'une forêt pluvieuse sont les punitions exemplaires afin de les dissuader d'une prochaine tentative.

Auscultant les conditions de vie tyranniques que vont subir ces jeunes délinquants durant plusieurs années d'emprisonnement, Marius Holst nous décrit avec un réalisme blafard cette descente aux enfers particulièrement abrupte. Majoritairement interprété par des comédiens débutants criants de vérité, la densité humaine qui émane de ses souffres douleurs nous émeut d'une manière terriblement empathique, d'autant plus qu'un ultime baroud d'honneur va laisser place à une rébellion belliqueuse. C'est en priorité vers la caractérisation de deux adolescents de prime abord contradictoires dans leur personnalité distinct qu'il s'attache à nous décrire leur calvaire mais aussi leur sens de camaraderie avec une affliction rude. En outre, à travers le discours moralisateur du directeur de prison (superbement incarné par un Stellan Skarsgârd castrateur), le réalisateur évoque sa lâcheté et son hypocrisie à oser tolérer un abus sexuel sur mineur sous couvert de bonne conscience. Vibrant témoignage de bravoure, de vaillance et d'honneur, ce portrait d'une adolescence souillée se révèle d'autant plus implacable par son impact effrayant qu'il est réellement inspiré d'évènements réels (comme le témoigne son générique de fin faisant défiler quelques photos d'archives où de vrais prisonniers juvéniles exerçaient des travaux de plantation !).

Elégie d'une fraternité inconsolable entre deux héros déchus, pamphlet contre le totalitarisme et témoignage édifiant sur la cruauté tolérée à de jeunes délinquants, Les Révoltés de l'île du Diable est une épreuve de survie d'une acuité émotionnelle cafardeuse. Son inévitable point d'orgue dramatique alloué au surpassement de soi et à la dignité humaine laisse en mémoire une conclusion amère sur l'intransigeance d'une société impitoyable.

Note subsidiaire: Le centre de détention de Bastøy, créé en 1900, est resté dans une discipline très stricte jusqu'en 1953, puis il est transformé en prison en 1970. Cette prison est maintenant un lieu d'expérimentation pour devenir la « première prison écologique au monde ».

27.11.12
Bruno Matéï 

L'Etrange Créature du Lac noir / The Creature from the Black Lagoon

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de Jack Arnold. 1954. U.S.A. 1h19. Avec Richard Carlson, Julie Adams, Richard Denning, Antonio Moreno, Nestor Paiva, Whit Bissell, Sydney Mason, Bernie Gozier.

Sortie salles France: 13 Avril 1955. U.S: 5 Mars 1954

FILMOGRAPHIE: Jack Arnold est un réalisateur américain, né le 14 Octobre 1916, décédé le 17 Mars 1992. 1950: With These Hands. 1953: Le Crime de la semaine. 1953: Filles dans la nuit. 1953: Le Météore de la nuit. 1954: l'Etrange Créature du lac noir. 1955: La Revanche de la créature. 1955: Tornade sur la ville. 1955: Tarantula. 1955: Crépuscule Sanglant. 1956: Faux Monnayeurs. 1957: l'Homme qui Rétrécit. 1957: Le Salaire du Diable. 1958: Le Monstre des abîmes. 1958: Madame et son pilote. 1959: Une Balle signé X. 1960: La Souris qui rugissait. 1961: l'Américaine et l'amour. 1964: Pleins phares. 1969: Hello Down There. 1975: The Swiss Conspiracy.

Classique du monster movie des années 50 , l'Etrange Créature du lac noir marqua notamment une génération de cinéphile quand il fut autrefois projeté à la télévision dans le cadre de l'émission d'Eddie Mitchel, la Dernière Séance. Tous les spectateurs s'étaient alors empressés d'acheter une paire de lunette vendue avec le magazine Télé 7 Jours afin de pouvoir bénéficier de l'effet 3D escompté. Ce 19 Octobre 1982 fut donc une première en France pour l'exploitation du relief sur petit écran. Mais en dépit de son succès d'audience inévitable, l'expérience n'a pu être renouvelée faute de l'inefficacité visuelle des lunettes assujetties aux filtres bleues et rouges. Dans la mouvance de King Kong, Jack Arnold nous concocte ici un film d'aventures riche en péripéties lorsqu'une créature amphibie sème la terreur auprès de scientifiques partis en expédition amazonienne. En effet, après avoir découvert une main fossilisée, des chercheurs embarquent à bord d'un bateau pour rejoindre le lagon noir. C'est dans cette mystérieuse lagune qu'ils devront se mesurer à l'hostilité d'un monstre aquatique.

Suspense lattent, exotisme et frissons ludiques sont les ingrédients inhérents d'un succès si mondialement célébré à travers le monde que deux autres suites furent rapidement mises en chantier. Bien entendu, si l'aspect effrayant de la créature peut aujourd'hui prêter à sourire, son pouvoir de fascination qu'il véhicule à travers son apparence mi-humaine, mi-amphibie, ainsi que la qualité des effets-spéciaux confectionnées à l'aide d'un costume en mousse de caoutchouc, n'ont rien perdu de sa poésie formelle. Car à l'instar de King-Kong, Jack Arnold accorde notamment une certaine empathie pour l'amertume esseulée du monstre subitement épris d'affection pour Kay Lawrence, la jeune femme du Dr Reed. En outre, à travers le profil arrogant d'un rival mégalo (le Dr Mark Williams), il met en exergue l'avidité de l'homme délibéré à capturer une espèce inconnue pour son ego et sa quête métaphysique sur l'origine de l'univers. Il confronte par ailleurs l'intrusion désinvolte de chercheurs notables au sein d'un environnement sauvage où la nature était à l'unisson.  Au fil des nombreuses estocades improvisées par la créature toujours plus coriace, la vigueur de la mise en scène s'impartie d'un rythme davantage haletant lorsque nos héros bloqués en interne de la lagune sont contraints de se défaire d'un barrage pour retrouver la liberté.

De par sa jolie photo monochrome, la dextérité d'une réalisation efficace, le talent de ses interprètes et surtout le magnétisme inquiétant du monstre amphibien, l'Etrange créature du Lac noir perdure son pouvoir attractif avec un charme naïf irrépressible. 

*Bruno

26.11.12

22.11.24. Vostfr

Trois noisettes pour Cendrillon / Tri orísky pro Popelku

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site homepopcorn.fr

de Vaclav Vorlicek. 1973. Tchécoslovaquie/RDA. 1h27. Avec Libuse Safrankova, Pavel Travnicek, Carola Braunbock, Rolf Hoppe, Karin Lesch, Dana Hlavacova, Jan Libicek, Vitezslav Jandak, Jaroslav Drbohlav, Vladimir Mensik.

Sortie salles France: 5 Septembre 1974. Tchécoslovaquie: 26 Octobres 1973.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Vaclav Vorlicek est un réalisateur tchèque, né le 3 Juin 1930 à Prague. Il joue un rôle important dans le succès de l'industrie cinématographique tchèque dans les domaines de conte de fées et la comédie. Après une formation à la Faculté du film de l'académie tchèque des arts musicaux entre 1951 et 1956, il a travaillé pour les Studios Barrandov comme réalisateur et scénariste. Surtout dans les années 1980, il produit de nombreux films pour enfants. Vorlíček à travaillé ensemble avec le scénariste et écrivain Milos Macourek pendant de nombreuses années.1973: Trois Noisettes pour Cendrillon

Enième adaptation du conte de Charles Perrault mais aussi des Frères Grimm, Trois Noisettes pour Cendrillon est la version tchèque d'un spécialiste de films pour enfants. Classique télévisuel des soirées d'hiver en Europe Centrale au point d'être diffusé chaque Noel, cette sublime fantaisie féerique reprend l'histoire de Cendrillon sous une forme autrement plus espiègle de par l'impertinence de son égérie plus affirmée et de ses personnages secondaires plus authentiques dans leur caractérisation décomplexée. 

Le Pitch: Fille de ferme, Cendrillon est la bonne à tout faire sous l'allégeance d'une mégère opiniâtre et de sa soeur moqueuse. Un jour, en se promenant dans les bois avec son cheval blanc, elle fait la rencontre d'un prince escorté de deux comparses. Après avoir entamé un jeu de brimade, le couple se sépare mais se retrouve un peu plus tard lors d'une chasse à l'épervier.

Au sein de vaste étendues enneigées d'une nature épurée touchée par la grâce du réalisateur formaliste, Trois Noisettes pour Cendrillon est d'abord un enchantement visuel pour l'aura gracile d'une forêt florissante pour autant naturaliste. Avec le charme et la volupté d'une jeune fille assujettie à la méchanceté de sa belle-mère et de sa soeur, ce conte idyllique nous retrace son destin singulier par la grâce d'une légende métaphorique sur l'alchimie amoureuse. Romance enchanteresse, comédie pittoresque légère, fantaisie féerique auprès des prestiges de certains animaux (pigeons, hibou, chien et cheval blanc) demeurant les savoureux ingrédients d'un chef-d'oeuvre modeste principalement focalisé sur le charme de ses interprètes irrésistibles. La beauté candide de cette nouvelle Cendrillon inspirant promptement l'attachement auprès du public tant son aisance naturelle réussit à nous véhiculer une gentille impertinence, un charme émoustillant auprès de sa soif de liberté en dépit de sa condition fréquemment soumise. Tandis que la naïveté d'un prince quelque peu rebelle et oisif (ses parties de chasses avec ses comparses) et la méchanceté d'une mégère dédaigneuse seront au centre d'une requête pour un enjeu sentimental. Ce destin inespéré octroyé à deux amants amoureux nous transcende donc, entre lyrisme, anticonformisme et féerie somme toute naturelle le sacre du mariage, le désir de dévorer l'instant présent, l'épanouissement amoureux en dépit de leur distinction sociale qu'ils occultent au profit de leur mutuel bonheur. 

Pittoresque, frivole, tendre et constamment enchanteur auprès de son dépaysement visuel dénué de fioriture, Trois Noisettes pour Cendrillon renoue avec le charme et la fraîcheur de sa légende inoxydable avec un art consommé de la modestie. De par le tempérament fougueux de ses interprètes complices, sa comptine musicale (oh combien) entêtante et son magnifique esthétisme naturel originaire d'Europe Centrale, cette rareté (chez nous !) saura convaincre sans peine tous les amoureux de contes et légendes. Si bien qu'à mes yeux il s'agit de la meilleure version de Cendrillon portée à l'écran, loin devant la version de Disney autrement imberbe, conventionnelle et naïve. Un cadeau de noël inestimable que l'éditeur Artus Films a exhumé de l'oubli grâce à son splendide Blu-ray entièrement restauré. 

*Bruno

P.S: L'actrice Libuše Šafránková (07/06/53) qui interprète Cendrillon est décédée le 9 juin 2021 à Prague.

Merci également à l'Univers Fantastique de la Science-Fiction (2012)
23.11.12

25.11.24. VOST

                                          

Killer Joe

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de William Friedkin. 2012. U.S.A. 1h42. Avec Matthew McConaughey, Emile Hirsch, Thomas Haden Church, Gina Gershon, Juno Temple, Marc Macaulay.

Sortie salles France: 2 Septembre 2012. U.S: 27 Juillet 2012

FILMOGRAPHIE: William Friedkin est un réalisateur, scénariste et producteur de film américain, né le 29 août 1935 à Chicago (Illinois, États-Unis). Il débute sa carrière en 1967 avec une comédie musicale, Good Times. C'est en 1971 et 1973 qu'il connaîtra la consécration du public et de la critique avec French Connection et L'Exorciste, tous deux récompensés à la cérémonie des Oscars d'Hollywood. 1967: Good Times. 1968: l'Anniversaire. 1968: The Night they Raided Minsky's. 1970: Les Garçons de la bande. 1971: French Connection. 1973: l'Exorciste. 1977: Le Convoi de la peur. 1978: Têtes vides cherchent coffres pleins. 1980: The Cruising. 1983: Le Coup du Siècle. 1985: Police Fédérale Los Angeles. 1988: Le Sang du Châtiment. 1990: La Nurse. 1994: Blue Chips. 1995: Jade. 2000: l'Enfer du Devoir. 2003: Traqué. 2006: Bug. 2012: Killer Joe.

Depuis Traqué et Bug, William Friedkin semble retrouver son insolence et sa verve subversive pour nous replonger avec masochisme dans l'univers insondable d'antagonistes névrosés. Et son p'tit dernier, Killer Joe, ne déroge pas à la règle. Il enfonce même le clou dans la putasserie crapuleuse pour mieux parfaire une intrigue criminelle au vitriol. Le pitch: Une famille de péquenots décide de se débarrasser de l'ex mégère maternelle afin de toucher la prime d'assurance vie qu'ils se partageront entre eux. Pour ce faire, il demandent l'aide de Joe, un flic tellement véreux qu'il accomplit parfois de sales besognes meurtrières en guise de gain. Mais rien ne se déroulera comme prévu...

Farce macabre fustigeant une famille de pieds nickelés sous l'allégeance d'un flicard psychopathe, Killer Joe constitue un chemin de croix que l'on ne voit pas venir de prime abord par son classicisme éprouvé. Illustrant avec une dérision caustique une galerie de personnages tous plus méprisables, lâches et ridicules, William Friedkin nous entraîne dans une drôle de sarabande autour d'une conjuration sordide. Un amant flâneur, un fiston dealer de drogue à la petite semaine, une belle mère infidèle et une soeur rétrograde caractérisent la famille dysfonctionnelle dans toute son ignominie pour le compte de leur cupidité. Ainsi, avec l'entraide d'un flic malhonnête, flegmatique et adroit, William Friedkin se prend un malin plaisir à nous décrire cet antagoniste d'une façon ordinaire de prime abord. Jusqu'au moment où cet individu zélé décide de courtiser la soeur potiche en guise de caution si bien que la famille fauchée ne peut se résoudre à lui payer d'avance la somme de 25 000 dollars. S'ensuit une séquence de drague aménagée sous l'influence tranquille de Joe totalement fasciné par la beauté pastel de la jeune vierge étourdie. L'étrange malaise sous-jacent entretenu lors du strip nous est pourtant décrite d'une manière presque sereine à travers les échanges fascinés de regards timorés. Mais la prestance hermétique de Joe semble nous suggérer que cet homme sans scrupule est capable de se complaire dans la perversité, d'autant plus que la jeune fille s'avère ramolli du ciboulot.

Faisons place ensuite aux déconvenues avec une bande de dealers revanchards. Chris, démuni du moindre gain, semble sombrer dans une impasse et envisage peut-être de faire marche arrière pour le sort inévitable de sa mère. C'est à ce moment irréversible que les revirements saugrenus vont fulminer au sein de la famille lorsqu'un subterfuge dérisoire remettra tout en question. Cette dernière partie intempestive culmine sa déchéance morale vers un bain de sang grotesque à la folie paroxystique contagieuse. Les séquences de violence et d'humiliations atteignant ici des sommets d'intensité dramatique insupportables. D'autant plus que l'ambiance nauséeuse est décuplée par un réalisme poisseux découlant des exactions castratrices d'un Joe étrangement peinard. Et on peut dire qu'à ce niveau, l'interprétation incisive de Matthew McConaughey atteint des sommets de perversité tacite/ explicite tant le comédien insuffle à son personnage désaxé une aura hermétique glaciale. 

Les Charognards
Caustique, étrangement déstabilisant et nihiliste de par sa description déshumanisée d'une famille de nigauds couards, Killer Joe est un bad trip venimeux. Un film noir tentaculaire compromis à la provocation d'un Friedkin plus indocile que jamais dans son état d'esprit forcené. Le climat hermétique trouble et sournois nous entraînant dans une descente aux enfers, un jeu de massacre où la bassesse humaine atteint des sommets de cynisme. 

*Bruno Matéï

25.04.22

22.11.12

Récompense: Souris d'or à la Mostra de Venise, 2011

LES BETES DU SUD SAUVAGE (Beasts of the Southern Wild). Grand Prix à Sundance 2012.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site thethirdray.com

de Benh Zeitlin. 2012. U.S.A. 1h32. Avec Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana.

Sortie salles France: 12 Décembre 2012. U.S: 20 Janvier 2012 (à Sundance). 27 Juin 2012 (nationale)

FILMOGRAPHIE: Benh Zeitlin est un réalisateur, scénariste, compositeur américain, né à New-York.
2012: Les bêtes du Sud Sauvage

Comment entamer une critique concrète après avoir vécu un tel moment de grâce ! Ou plutôt comment se remettre d'un feu d'artifice aussi flamboyant, vortex d'émotions où la notion de réalité se transcende par la chimère d'un conte existentiel ! Sortir de la projo des Bêtes du sud sauvage est une houleuse gageure tant le réalisateur est parvenu à nous immerger de façon sensitive dans l'introspection utopique d'une fillette de 6 ans. Car d'une imagination sans égale, son vocabulaire créatif et visionnaire nous extériorise des instants épiques sur le destin des aurochs, ou autrement prodigieux de par la présence fantasmatique de sa reine mère. Originaire du Bayou de Louisiane, Hushpuppy vit en précarité avec son père autoritaire dans une cabane décharnée. Un jour, un désastre écologique les contraint de fuir leur contrée reculée. Sur leur chemin d'une morne rivière, des aides humanitaires leur prêtent main forte au moment même où le paternel semble souffrir d'une grave pathologie. Démunie mais débordante de foi et de bravoure que son père lui inculqua sévèrement, Hushpuppy part à la recherche de sa mère disparue mais aussi à la reconquête d'une terre nouvelle.

Adapté d'une pièce de théâtre écrite par Lucy Alibar et incarné par des comédiens non professionnels époustouflants de candeur humaniste, la première oeuvre de Benh Zeitlin demeure un hymne universel, un témoignage vibrant sur l'exclusion des défavorisés. Ainsi, à travers sa réalisation vertigineuse auscultant la beauté (détaillée) de la nature et sa faune primitive, le réalisateur illusionniste improvise des instants de grâce, de moments fastes de poésie candide à travers les yeux d'une fillette en quête identitaire. Observant avec minutie le monde sauvage qui l'entoure de par sa mentalité florissante, le périple de Hushpuppy constitue un récit initiatique jalonné d'aventures humaines parmi son ethnie revenue à l'état primitif. Faute d'une société égocentrique évoluant dans une technologie avancée, Ben Zeitlin nous retrace donc l'existence de ces pèlerins du Sud sauvage livrés à leur propre autonomie car écartés de la pollution des urbanisations. Parqués dans des taudis insalubres où l'alcool coule à flot, ces hommes et ces femmes désoeuvrés n'ont pourtant rien perdu de leur dignité et de leur bravoure afin de survivre dans un milieu hostile où les mammifères, poissons et crustacés s'avèrent une offrande en guise de nutrition. Avec dureté mais aussi une infinie tendresse, les Bêtes du sud sauvage nous transfigure à terme l'histoire d'amour entre une oracle infantile et son père castrateur, destinés à s'affronter pour mieux s'accepter et s'y chérir.

Le berceau de la vie
Conte métaphysique, cantique à l'écologie, initiation à l'apprentissage, réflexion mystique sur l'instinct primitif entre l'homme et l'animal, histoire d'amour paternelle, Les Bêtes du sud sauvages est une élégie existentielle déployant une féerie formelle touchée par la virginité. D'une sensibilité à fleur de peau donc auprès d'une pudeur viscérale, le parcours lyrique de Hushpuppy se décline en souffle romanesque. Le poème existentiel d'une sauvageonne hurlant sa foi afin d'y prôner la pureté de la nature. Plus qu'un chef-d'oeuvre, une leçon d'humanisme, une commémoration à notre instinct de survie, une rage de vivre inébranlable, un crève coeur scandé d'une mélodie prude où l'illusion du 7è art n'eut jamais été aussi fastueuse qu'au sein de son parti-pris émotionnel (filmé à hauteur d'hommes une pléthore de thèmes universels où amour, faune et flore y sont en harmonie). Un retour au source en somme, vers nos propres origines ancestrales...

La critique de mon ami Gilles Rolland : http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-les-betes-du-sud-sauvage

Dédicace à Alexandra Louvet et Sylvain Blanchard
21.11.12
Bruno 

Récompenses: Grand Prix du Jury au Festival de Deauville, 2012
Prix de la révélation Cartier au Festival de Deauville, 2012
Grand Prix du Jury à Benh Zeitlin au Festival du film de Sundance
Caméra d'Or au Festival de Cannes, 2012
Prix FIPRESCI décerné par le jury d'Un certain regard au Festival de Cannes, 2012
Prix du Jury oecuménique (mention spéciale) au Festival de Cannes, 2012
Prix Regard Jeune au Festival de Cannes, 2012
Prix du Meilleur Premier Film au Festival International du film de Stockholm

DES HOMMES SANS LOI (Lawless)

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site bd-sanctuary.com

de John Hillcoat. 2012. U.S.A. 1h55. Avec Shia LaBeouf, Tom Hardy, Jason Clarke, Jessica Chastain, Gary Oldman, Guy Pearce, Mia Wasikowska, Dane DeHaan, Noah Taylor.

Sortie salles France: 19 Mai 2012 (festival de Cannes). 12 Septembre 2012. U.S: 29 Août 2012

FILMOGRAPHIE: John Hillcoat est un cinéaste australien, né en 1961 au Queensland
1988: Ghosts... of the Civil Dead
1996: To have and to Hold
2005: The Proposition
2009: La Route
2012: Des Hommes sans loi

En 2009, John Hillcoat s'était fait connaître avec un road movie post-apo d'une grande intensité dramatique. Trois ans plus tard, il change de cadre et de registre pour nous remonter à une lointaine époque. Celle de l'Amérique des années 30 pour l'évocation familiale de gangsters ayant réellement (sur)vécu durant la prohibition. Epaulé par une pléiade de stars notoires livrant des numéros d'acteurs indéfectibles (mentions spéciales pour Guy Pierce, proprement abjecte dans le rôle gouailleur d'un agent vénal, et la présence flegmatique de Tom Hardy dans celui d'un gangster robuste mais loyal), Des Hommes sans Loi est malencontreusement desservi par un scénario sans surprise et prévisible.

En 1931, en Virginie, la famille Bondurant exerce des activités illicites de contrebande pour la revente d'alcool librement interdite. Un nouvel agent spécial du nom de Charly Rakes décide de leur déclarer la guerre après que ceux-ci aient refusés une offre inéquitable de partage des gains. Mais les frères Bondurant, que l'on surnomme les indestructibles, sont prêt à tenir tête à l'entreprise de ce maître chanteur et se battre jusqu'à la mort pour leur orgueil. 

Superbement photographié dans ses nuances solaires et parfois même émaillé d'éclairs de poésie limpide au sein de sa nature bucolique, Des Hommes sans Loi nous retrace la lutte sans merci de trois frères baroudeurs particulièrement obtus pour se mesurer contre l'autorité d'une police véreuse en affiliation avec des gangsters sans vergogne. Avec le talent épidermique d'interprètes à la gueule burinée ou au minois timoré, cette nouvelle chronique d'une famille de paysans en ascension réussit facilement à créer l'attachement face à leur relation fraternelle éprise d'ambition élitiste. Si on se prend immédiatement de sympathie pour le jeune Jack Bondurant (Shia LaBeouf) dans sa bonhomie naïve à daigner devenir un trafiquant aussi notoire qu'Al Capone, la redondance des faibles enjeux alloués à cette inlassable guérilla manque inévitablement de densité dramatique et de sens épique. Et cela en dépit des innocents sacrifiés ! Pour accorder une certaine dimension humaine à l'intrigue éculée, on éprouve tout de même un intérêt progressif à suivre le cheminement hasardeux du jeune Jack, engagé contre son gré dans une vengeance erratique pour prouver sa bravoure. Face à l'autorité du frère aîné Forrest (Tom Hardy), véritable leader pugnace à la vulnérabilité quasi imputrescible, le spectateur éprouve également une fascination virile prédominante. Ajoutez aussi le charme naturel de Maggie (Jessica Chastain) en compagne férue d'affection pour l'aîné, et surtout la présence outrée de l'agent Charlie Rakes (Guy Pearce à contre-emploi !), dans celui d'un agent épouvantablement couard, et vous obtenez l'évocation sanglante d'une fratrie quasi invincible. Par contre, on regrettera la discrète apparition incisive de Gary Oldman en gangster notable intraitable, digne successeur d'Al Capone !

Jalonné de séquences d'action homériques plutôt attractives, John Hillcoat réussit in extremis à insuffler une certaine efficacité dans la narration conventionnelle allouée à l'honneur fraternelle. D'autant plus que la violence extrême émanant des nombreux règlements de compte est exacerbée par une verdeur dérangeante. Correctement mené, Des Hommes sans loi se regarde donc avec un plaisir (coupable ?) perfectible et sa brutalité parfois insupportable renforce la véracité des faits énoncés. Celle d'une époque où la prohibition avait déclenché un vent de terreur et de corruption chez des arrivistes sans déontologie. 

20.11.12
Bruno Matéï

A perdre la raison. Prix d'interprétation Féminine, Cannes 2012

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinebel.be

de Joachim Lafosse. 2012. Belgique. 1h51. Avec Emilie Dequenne, Niels Arestrup, Tahar Rahim, Stéphane Bissot, Mounia Raoui, Redouane Behache, Baya Belal.

Sortie salles France: 22 Août 2012

Récompense: Prix d'Interprétation Féminine pour Emilie Dequenne, dans la catégorie: Un Certain Regard.

FILMOGRAPHIE: Joachim Lafosse est un cinéaste, scénariste, dramaturge et metteur en scène de théâtre belge, né le 18 Janvier 1975 à Uccle. 2004: Folie Privée2006: Ca rend heureux. 2006: Nue Propriété. 2008: Elève Libre. 2012: A perdre la Raison

Inspiré d'une sordide affaire d'infanticide survenue en Février 2007, A perdre la raison décrit la lente descente dans la folie d'une mère de famille, épouse de quatre enfants. Dans un climat austère, pesant et dépressif, le réalisateur belge Joachim Lafosse nous convie donc à une dérive psychotique vis à vis d'une femme démunie car trop esseulée pour se raccrocher à un soutien psychologique. Epouse d'un marocain impassible subjugué par son travail, Muriel est contrainte de partager sa vie conjugale parmi la présence du père adoptif de Mounir, le médecin Pinget. Au fil des mois, après quelques accrochages intempestifs vis à vis de leur autonomie et de la postérité des enfants, le couple décide de s'exiler au Maroc avec l'accord de Pinget. Pour tenter de soigner sa dépression et sous la recommandation du paternel de Mounir, Murielle part consulter une psychologue. Mais une sévère discorde d'ordre relationnelle contraint la jeune femme à endiguer ses futures séances de thérapie. En perte de repères, étouffée par la présence envahissante de Pinget et ses quatre enfants et délaissée par un mari inexistant, Murielle perd pied et sombre dans la folie. 

Photographie clinique, atmosphère anxiogène suffocante et hyper réalisme d'une mise en scène acérée impliquent le spectateur de manière sensitive vers une introspection mentale d'une jeune mère de famille névralgique. Le climat tendu entretenu au sein du couple et la relation en demi-teinte qu'ils doivent consentir avec le Dr Pinget rendent leur labeur péniblement inconfortable. Ce sentiment de claustration est d'autant plus lourd à supporter que les interprètes du film, exceptionnels de véracité, exacerbent cette déchéance conjugale en chute libre. Outre les prestances probantes de Niels Arestrup (impressionnant d'ambiguïté dans sa spontanéité affable) et du surdoué Tahar Rahim (révélé dans le multi-césarisé Un Prophète), une mention particulière est indubitablement impartie à la performance criante de vérité d'Emilie Dequenne (louablement récompensée à Cannes). Dans une froideur désespérée, elle retransmet avec une acuité neurotique le rôle chétif d'une mère de famille totalement désemparée par son environnement cafardeux dont personne ne semble éprouver une moindre empathie.

Remarquablement mis en scène avec un souci de réalisme proche du docu vérité et dominé par la prestance de trois comédiens époustouflants de conviction, A perdre la raison est un drame familial d'une noirceur et d'un désespoir péniblement supportable. Le climat dérangeant et le malaise diffus que le réalisateur véhicule avec application rendent le film finalement antipathique et (trop ?) austère. A conseiller avec réserve et prudence donc.

16.11.12
Bruno 

La polémique des intéressés (Source Wikipedia): Bien qu'il n'ait pas vu le film, Bouchaïb Moqadem, le père des enfants de Geneviève Lhermittte, l'a critiqué en le décrivant comme "insulte à la mémoire de mes enfants." Il a ajouté, "J'ai le droit à l'oubli. Cet assassinat et ce massacre gratuit sont inexplicables. Comment peut-on alors l'expliquer avec un artiste ?". Le Dr. Schaar qui a inspiré le personnage joué par Niels Arestrup s'est également indigné par rapport au film, "C'est faire du fric sur cinq cadavres d'enfants". Il estime que Joachim Lafosse "a fait preuve d’un manque d’empathie vis-à-vis des enfants morts et se fout complètement des protagonistes vivants."En mai 2010, les deux intéressés s'étaient déjà vivement opposés à la réalisation du projet et avaient par la suite réclamé un droit de regard sur l'œuvre qui leur a été refusé.

L'Arbre de Noel (The Christmas Tree / When Wolves Cry)

                                                                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site femme-de-sable.skyrock.com

de Terence Young. 1969. Italie/France. 1h48. Avec William Holden, Brook Fuller, Bourvil, Virna Lisi, Madeleine Damien, Friedrich von Ledebur, Mario Féliciani, Michel Thomass, Georges Douking.

Sortie salles France: 15 Octobre 1969

FILMOGRAPHIE: Terence Young est un réalisateur et scénariste britannique, né le 20 Juin 1915 à Shangaï (Chine), décédé le 7 Septembre 1994 à Cannes (France) d'une crise cardiaque.
1946: La Gloire est à eux. 1948: l'Etrange Rendez-vous. 1948: One night with you. 1949: Les Ennemis Amoureux. 1950: Trois des Chars d'Assaut. 1951: La Vallée des Aigles. 1952: The Tall Headlines. 1953: Les Bérets Rouges. 1955: La Princesse d'Eboli. 1955: Les Quatre Plumes Blanches. 1956: Safari. 1956: Zarak le valeureux. 1957: Au bord du Volcan. 1958: La Brigade des Bérets noirs. 1959: Serious Charge. 1960: Les Collants Noirs. 1960: La Blonde et les nus de Soho. 1961: Les Horaces et les Curiaces. 1962: James Bond contre Dr No. 1963: Bons baisers de Russie. 1965: Les Aventures amoureuses de Moll Flanders. 1965: Guerre Secrète. 1965: Opération Tonnerre. 1966: Opération Opium. 1967: Peyrol le boucanier. 1967: La Fantastique Histoire vraie d'Eddie Chapman. 1967: Seule dans la nuit. 1968: Mayerling. 1969: l'Arbre de Noel. 1970: De la Part des Copains. 1971: Soleil Rouge. 1972: Cosa Nostra. 1974: Les Amazones. 1974: The Klansman. 1977: Woo fook. 1979: Liés par le sang. 1981: Inchon. 1983: La Taupe. 1988: Run for your Life.

Classique télévisuel des fêtes de fin d’année, ce mélodrame signé par un vétéran du cinéma populaire conserve intact son impact émotionnel lorsqu’il s’agit de partager les derniers instants d’un enfant atteint de leucémie. Tiré du roman de Michel Bataille, ce réquisitoire contre le péril nucléaire ne laisse personne indifférent face à l’iniquité d’une maladie incurable, surtout quand elle s’acharne sur la plus tendre jeunesse. Certains spectateurs, réfractaires au mélodrame, trouveront peut-être à redire à sa dramaturgie emphatique. Pourtant, c’est une œuvre intègre et sensible, qui refuse le pathos racoleur, tandis que la brutalité de son épilogue surprend par sa radicalité. Avec les compositions poignantes de William Holden, Virna Lisi, le jeune Brook Fuller, et l’aisance naturelle de Bourvil, à contre-emploi, Terence Young offre un conte de Noël bouleversant et désenchanté. Si le discours moralisateur sur le nucléaire flirte parfois avec la caricature, la leçon de dignité portée par le réalisateur emporte tout sur son passage, évoquant avec pudeur le quotidien d’une famille unie, déterminée à combler les attentes d’un enfant conscient de sa déveine. Pour apprivoiser cette injustice insoutenable, les protagonistes se réfugient dans l’instant présent, prodiguant sans retenue l’amour qu’un enfant fustigé doit récolter. Profiter pleinement de l’épanouissement commun avant d’affronter la perte inévitable. Latente, l’angoisse se lit aussi du côté de la famille, redoutant la fin prochaine, tandis que l’enfant, conscient de son déclin, est pris d’une anxiété viscérale.

Sous un hiver rigoureux, en cette veille de Noël, Terence Young glisse une nuance poétique, teintée de mélancolie, dans la relation fraternelle que Pascal entretient avec un couple de loups. Ces mammifères sauvages, dérobés dans un zoo par son père Laurent et Verdun, incarnent un voeu utopique. Au-delà du thème grave de la maladie incurable et du péril atomique, L’Arbre de Noël doit son intensité émotionnelle à l’harmonie de ses interprètes. Dans le rôle de Pascal, le jeune Brook Fuller émeut en enfant martyr promis à la mort, trouvant le juste équilibre entre gentillesse spontanée et maturité responsable, sans appuyer sur la corde sensible. Bourvil, complice au naturel bonhomme, surprend par sa sobriété, traduisant indignation et peine face aux conséquences du danger nucléaire. Virna Lisi, maîtresse éprise d’amour pour Laurent, cultive une présence discrète, s’isolant volontairement pour préserver l’équilibre fragile de Pascal, avant de se montrer maternelle auprès du couple réfugié à la maison de campagne pour la veillée. Enfin, William Holden incarne avec poignante conviction un homme d’affaires rongé par la rancœur de la bêtise humaine mais dévoué à son enfant, prêt à le combler de cadeaux tout en lui offrant la tendre compagnie des loups sauvages.

 

"Le Noël des Loups et des Étoiles"

L’Arbre de Noël demeure un mélodrame humble et bouleversant, dont l’issue tragique et irréversible nous frappe de plein fouet, jusqu’au trauma. Porté par l’illustre mélodie de Narciso Yepes, ce conte de Noël vulnérable nous offre une leçon de dignité humaine pour protéger l’être aimé… jusqu’au dernier souffle.

15.11.12. 4èx
* Bruno