HIERRO

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site identi.li

de Gabe Ibanez. 2009. Espagne. 1h29. Avec Elena Anaya, Bea Segura, Mar Sodupe, Andrés Herrera, Miriam Correa, Kaiet Rodriguez.

Sortie Dvd France: 24 Novembre 2010. Sortie salles Espagne: 15 Janvier 2010

FILMOGRAPHIE: Gabe Ibanez est un réalisateur espagnol, né le 7 Juin 1971 à Madrid.
2009: Hierro

A la suite de la disparition inexpliquée de son fils sur un ferry, une mère décide de partir à sa recherche mais se retrouve plongée dans un désarroi paranoïaque.

Pour un premier film, le réalisateur Gabe Ibanez opte pour un fantastique éthéré sous couvert d'un drame psychologique intimiste. Au suspense lattent avare en péripéties, Hierro privilégie surtout un climat d'étrangeté prégnant sous l'égide d'une mère démunie, persuadée que son fils est resté en vie à la suite de sa disparition. S'agit-il d'un enlèvement ou d'un accident mortel ? Le rythme lancinant découlant des va-et-vient successifs d'une héroïne perdue au milieu d'un archipel et le manque d'aplomb de la réalisation risquent toutefois de rebuter certains spectateurs. Qui plus est, sa structure narrative indécise manque de conviction pour nous convaincre pleinement de son dénouement prévisible. Les quidams suspicieux étant mal exploités dans leur autorité hostile et leur potentielle culpabilité. Toute en fragilité humaine, l'actrice Elena Aneya véhicule une inévitable empathie dans le combat d'une mère désespérée à daigner retrouver son fils. Elle réussit avec sobriété à provoquer une émotion candide dans son instinct maternel subordonné à l'amour d'un enfant.

La mer des larmes
Si Hierro ne convainc pas pleinement, faute d'un scénario mal ficelé et d'un rythme un peu trop languissant, il réussit tout de même à provoquer une certaine émotion et un intérêt périodique au fil de séquences oniriques imprégnées d'une ambiance feutrée. En outre, son épilogue salvateur renoue avec une poésie diaphane lors d'une séquence fantasmagorique absolument bouleversante. En résulte un drame intimiste bancal qui manque de persuasion mais insuffle tout de même quelques bonnes idées et une certaine émotion au fil du cheminement hasardeux d'une héroïne déchue.

Dédicace à Cid Orlandu
20.04.13
Bruno Matéï

Jack Reacher

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site collider.com

de Christopher McQuarrie. 2012. U.S.A. 2h10. Avec Tom Cruise, Rosamund Pike, Robert Duvall, Jai Courtney, Richard Jenkins, Werner Herzog.

Sortie salles France: 26 Décembre 2012. U.S: 21 Décembre 2012

FILMOGRAPHIE: Christopher McQuarrie est un réalisateur, producteur, acteur et scénariste américain, né en 1968 à Princeton dans le New Jersey. 2000: Way of the Gun. 2012: Jack Reacher

Un mystérieux tueur abat froidement 5 citadins dans un jardin public. Une avocate et un ancien baroudeur vont faire équipe pour déjouer une mystérieuse conspiration.

Un bon polar d'espionnage déguisé en actionner contemporain. Un héros vindicatif pas comme les autres. Une intrigue tortueuse plutôt prenante qui converge vers le complot judiciaire. Tom Cruise est assez étonnant dans le rôle anti-conformiste d'un vagabond justicier particulièrement retors. Flegmatique mais véloce, il incarne son rôle avec sobriété, même si ces détracteurs pourraient lui reprocher sa rudesse d'esprit. Attention tout de même aux amateurs d'action qui risqueraient d'être déçus, le film se focalisant surtout sur un suspense lattent au sein d'une intrigue à tiroirs quelque peu alambiquée. La réalisation appliquée, l'efficacité de son récit, les dialogues ciselés et le climat austère nous changent des sempiternels blockbusters conçus uniquement pour nous en mettre plein la vue. Ici, c'est tout l'inverse qui se produit, les deux seules scènes explosives étant uniquement au service d'une longue investigation policière. Tout cela manque quand même un peu de vigueur et d'intensité mais le polar déroutant s'avère néanmoins captivant pour ne pas ennuyer et fait presque figure d'ovni dans la caractérisation insolite de ce justicier infaillible.

18.04.13

Bruno 

Basic Instinct

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site affiches-et-posters.com

de Paul Verhoeven. 1992. 2h08. Avec Michael Douglas, Sharon Stone, George Dzundza, Jeanne Tripplehorn, Denis Arndt, Leilani Sarelle, Dorothy Malone, Bruce A. Young

Sortie salles France: 8 mai 1992. U.S: 20 Mars 1992

FILMOGRAPHIE: Paul Verhoeven est un réalisateur néerlandais, né le 18 Juillet 1938 à Amsterdam.
1971: Business is business. 1973: Turkish Delices. 1975: Keetje Tippel. 1977: Le Choix du Destin. 1980: Spetters. 1983: Le Quatrième Homme. 1985: La Chair et le Sang. 1987: Robocop. 1990: Total Recall. 1992: Basic Instinct. 1995: Showgirls. 1997: Starship Troopers. 2000: l'Homme sans Ombre. 2006: Black Book.

Thriller érotique au succès international fulgurant (352 millions de dollars de recettes), Basic Instinct suscita un tel engouement qu’il engendra une horde d’ersatz aussi rustres qu’inutiles. Au-delà du portrait psychologique absolument passionnant de ses amants interlopes, sa véritable réussite réside également dans un scénario délétère, tendu d’ambiguïtés subtiles. 

Synopsis: Lors d’un rapport sexuel avec une blonde mystérieuse, une ancienne rock star est retrouvée sauvagement assassinée à coups de pic à glace. L’inspecteur Nick Curran mène l’enquête auprès de l’écrivaine et psychologue Catherine Tramell, maîtresse de la victime la veille du crime. La rencontre incendiaire avec cette femme retorse l’entraîne dans une relation vénéneuse, jusqu’au point de non-retour.

Suspense acéré, érotisme torride et violence chirurgicale composent un thriller vertigineux au récit impeccablement charpenté. L’efficacité extrême tient surtout dans la danse trouble entre un flic indécis, si moralement vulnérable, et une mante religieuse insaisissable. Ambivalence charnelle et suspicion convergent en un jeu de manipulation où la coupable présumée tisse sa toile pour mieux dévorer ses proies. Avec une virtuosité géométrique (deux courses-poursuites renversantes, des meurtres d’une sauvagerie explicite, une stylisation érotique d’une audace glaciale), Paul Verhoeven manie sexe et violence avec une intelligence roublarde. En aiguisant le suspense et en semant une suspicion rampante, il orchestre une enquête jubilatoire, saturée de fausses pistes, de rebondissements et de revirements sanglants. En prédatrice carnassière et lesbienne assumée, Sharon Stone embrase l’écran, irradie d’une sensualité vénéneuse et impose une élégance charnelle inédite. La densité du film s’enracine dans la caractérisation trouble de son personnage, à la fois clairvoyant et manipulateur. En victime galvaudée, prisonnier de l’amour d’une maîtresse bicéphale, Michael Douglas impose le portrait équivoque d’un inspecteur en perdition, miné par ses sentiments. Flic névrosé au passé torturé, il s’acharne pourtant à coincer sa présumée coupable pour conjurer ses doutes. Ensemble, ils forment un duo indocile, consumé par des pulsions sexuelles incontrôlées. Leur affrontement est une guerre cérébrale sans merci, où manipulation et séduction s’entrelacent jusqu’à l’abîme.

"Pulsions."
Thriller érotique transgressif, entièrement bâti sur la névrose de ses personnages, Basic Instinct s’impose comme un jeu de perversité, transcendant le portrait d’amants déchus par l’échec amoureux. Révélation vénéneuse, Sharon Stone ensorcelle de son aura sulfureuse et propulse l’œuvre novatrice de Verhoeven au rang de jalon des années 90.

— le cinéphile du cœur noir

22.09.25. 4èx. 4K VOST 

17.04.13. 3èx

King-Kong (1976)

                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site lescritiquesducritique.blogspot.com

de John Guillermin. 1976. U.S.A. 2h14. Avec Jeff Bridges, Jessica Lange, Charles Grodin, John Randolph, Rene Auberjonois, Julius W. Harris.

Sortie salles France: 8 Septembre 1976. U.S: 17 Décembre 1976

FILMOGRAPHIE: John Guillermin est un réalisateur, producteur et scénariste britannique, né le 11 Novembre 1925 à Londres (Royaume-Uni). 1950: Torment. 1959: La plus grand aventure de Tarzan. 1964: Les Canons de Batasi. 1965: La Fleur de l'âge. 1966: Le Crépuscule des aigles. 1968: Syndicat du meurtre. 1968: Un cri dans l'ombre. 1969: Le Pont de Remagen. 1970: El Condor. 1972: Alerte à la bombe. 1973: Shaft contre les trafiquants d'hommes. 1974: La Tour Infernale. 1976: King-Kong. 1978: Mort sur le Nil. 1980: Mr Patman. 1984: Sheena, reine de la jungle. 1986: King Kong 2. 1988: Poursuite en Arizona.

 

"Le rugissement oublié".
Alors qu’à l’heure où j’écris ces lignes, le pudding faisandé Kong vs Godzilla tente de se libérer de ses entraves sur les plateformes de téléchargement - faute de salles chez nous - retour sur un classique mal-aimé des années 70, si j’en crois la critique snobinarde, incapable de se défaire du mythe Cooper/Schoedsack. Un blockbuster de l’ancienne école, aussi naïf et candide que profondément émouvant, haletant, spectaculaire.
King Kong, version 76, découle d’une époque révolue (ou presque), où l’on savait encore réveiller l’enfant en nous.

Gros succès à sa sortie (90 millions de dollars de recettes pour un budget estimé à 23 millions) et plébiscité à la télévision au milieu des années 80, King Kong inspira même une suite après une diffusion record sur une chaîne américaine. Ce remake audacieux, ambitieux, ose rivaliser avec l’œuvre matricielle de Schoedsack. Surfing sur la vague des films catastrophes lancée par La Tour Infernale et Les Dents de la Mer, le producteur Dino De Laurentiis confie la mise en scène au solide John Guillermin, épaulé par les talentueux artisans des FX Carlo Rambaldi et Rick Baker. Offrant à une Jessica Lange néophyte son premier rôle, King Kong version contemporaine choisit la démesure d’un spectacle exotique mené tambour battant durant 2h14, sans jamais faillir en aplomb, en brio, en fulgurance.

Le redécouvrir aujourd’hui prouve à quel point cette superproduction s’était donnée les moyens de crédibiliser les vicissitudes du plus célèbre gorille du 7ᵉ art. Et on marche à fond, les yeux écarquillés, le cœur serré, les larmes au bord des cils, si je pense à son final splendide, élégiaque.

Grâce à des trucages habiles - animatronique ou simple costume de primate - la plupart des apparitions du gorille restent incroyablement convaincantes, nimbées d’une émotion prude dans la complicité charnelle qu’il partage avec la Belle. C’est d’ailleurs la version la plus érotisée du mythe, illustrant avec fébrilité des moments de tendresse - jusqu’à cette séquence sulfureuse, audacieuse, du viol implicite de Dwan par la bête.

Parmi les décors sauvages et flamboyants (l’île du Crâne est d’une beauté picturale), King Kong offre un spectacle ludique, fertile en péripéties : la traque effrénée à travers la jungle pour retrouver Dwan prisonnière de Kong, ou le combat contre un serpent géant (seule séquence ratée, disons-le, avec des trucages risibles dignes d’une production Toho).

La spontanéité des comédiens - Jeff Bridges en pèlerin écolo, Charles Grodin en magnat cupide - et surtout le charme incandescent de Jessica Lange, littéralement lumineuse, accentuent l’empathie que l’on éprouve pour la Bête. Et pour satisfaire les amateurs d’action, la seconde partie enchaîne plusieurs séquences homériques : le crash ferroviaire, Kong brisant ses chaînes sous les hurlements d’une foule médusée, puis sa traque éperdue au sommet des Twin Towers.
Avant que ne vienne le coup de grâce, si attendu… mais qui parvient, contre toute attente, à nous chavirer.

"King Kong 76 : Larmes de bronze et cris d’ivoire".

Sans atteindre la magie brute, l’émotion primaire et le souffle épique du chef-d’œuvre de 1933, ce remake demeure un film profondément intègre, soigné, généreux, distrayant et attachant. Un spectacle haut en couleurs, au cachet rétro empli de charme.

Jessica Lange, avec sa candeur innocente, ses élans enfantins et ses regards bouleversés d’amour simiesque, offre une palette de jeux aussi délicate que touchante. Et le choc émotionnel de la mort de la Bête - moment d’anthologie inscrit dans la mémoire collective, jusqu’au traumatisme pour les plus sensibles - continue de nous hanter bien après le générique.

À titre personnel, et après une quatrième vision en 4K, je l’admire autant que la version 33. Et je resterai, à jamais, dans l’incompréhension face à l’ostracisme d’une critique sourde, méprisante, lui refusant la moindre légitimité artistique.

À réhabiliter d’urgence. D’autant que la copie 4K, elle, est à couper le souffle.

— le cinéphile du cœur noir

16.04.14.

23.12.22. 4èx

L'Exorcisme d'Emilie Rose / The Exorcism of Emily Rose

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Scott Derrickson. 2005. U.S.A. 2h02. Avec Laura Linney, Tom Wilkinson, Campbell Scott, Jennifer Carpenter, Colm Feore, Joshua Close, Kenneth Welsh, Scott Derrickson.

Sortie salles France: 7 Décembre 2005

FILMOGRAPHIE:  Scott Derrickson est un réalisateur, producteur et scénariste américain.
1995: Love in the Ruins. 2000: Hellraiser 5: Inferno. 2005: l'Exorcisme d'Emilie Rose. 2008: Le Jour où la terre s'Arrêta. 2012: Sinister. 2013: Goliath. Prochainement: Deus Ex.

Avant-propos: Comme Emily l'avait prédit, son histoire a affecté de nombreuses personnes. Sa tombe est devenue un lieu de pèlerinage non officiel qui continue d'attirer des visiteurs du monde entier. Après le procès, le père Moore s'est mis à vivre en reclus, refusant de faire appel, et déclarant: "cette question concerne Dieu: les tribunaux de ce monde ne peuvent rendre de jugement sur elle". 
Erin Brune a communiqué son dossier a un expert médical et anthropologue dont les recherches et les travaux publiés sur la vie et la mort d'Emily Rose ont inspiré le film. 

Influencé par l'histoire d'Anneliese Michel, une jeune allemande décédée après une séance d'exorcisme dans les années 70, le film de Scott derrickson relate le calvaire d'Emily Rose, étudiante universitaire asservie par des forces démoniaques. Loin d'être un ersatz grossier de l'Exorciste de Friedkin ou d'un pseudo documenteur éculé, l'Exorcisme d'Emilie Rose s'en démarque lestement en opposant l'aspect médical d'un cas de possession (Emilie souffrirait potentiellement de trouble épileptique psychotique) avec son attrait surnaturel lié à la spiritualité.

Avec l'efficacité d'un suspense lattent, le réalisateur alterne séances de procès pour la culpabilité du père Richard Moore (il est accusé d'homicide par imprudence) avec quelques moments horrifiques parfois réellement terrifiants (les flash-back illustrant les premières manifestations surnaturelles infligées sur Emilie) ou impressionnants (la séance d'exorcisme confinée dans la grange). On sent bien que Scott Derrickson souhaite avant tout renforcer l'aspect crédible de son récit inspiré d'une authentique affaire de possession en juxtaposant les discours contradictoires des deux avocats. L'un préconisant une cause scientifique par le biais de la médecine, l'autre une foi divine. Ainsi donc, durant cette captivante session, le spectateur se pose donc en témoin, partagé entre l'explication rationnelle d'une grave pathologie, ou celle, irrationnelle, d'une existence démoniaque. Avec intelligence, le réalisateur ne prend pas parti sur ses théories antinomiques et nous laisse donc au final dans la suspicion, dans l'interrogation de notre propre foi et/ou morale. A savoir si une prescription médicale aurait pu influencer le décès d'Emilie ou s'il s'agissait d'un authentique cas de possession. Le débat argumenté accordant autant d'intérêt à la réflexion scientifique que mystique. En ce qui concerne la caractérisation interlope d'Emily, l'actrice Jennifer Carpenter réussit avec fébrilité à insuffler une dimension humaine dans son désespoir expressif et ses crises de folie natifs d'une démence satanique. Son désarroi nous est retransmis avec réalisme rigoureux quand celle-ci se retrouve sujette à des visions hallucinatoires, ou quand elle doit endurer (ou s'infliger) diverses agressions corporelles d'une entité invisible. Qui plus est, sa silhouette longiligne et son faciès étrange renforcent le malaise éprouvé à la vue de ces contractions difformes. Des séquences d'effroi incroyablement persuasives si bien que l'on perd pied avec notre réalité en y redoutant une quelconque entité démoniale au sein de notre cocon douillet. 

Avec intelligence et efficacité, l'Exorcisme d'Emilie Rose allie de manière fort originale le film de procès et l'épouvante pour mieux s'écarter des ficelles balisées du thème satanique. Sa réflexion spirituelle sur la foi catholique nous donnant à réfléchir sur nos croyances intrinsèques (que l'on soit athée, pratiquant ou agnostique, comme le souligne la morale indécise de l'avocate), sur nos doutes existentiels et surtout sur l'emprise chimérique du diable. Si bien que 20 ans après sa sortie, on peut enfin considérer  l'Exorcisme d'Emilie Rose comme un classique du genre proprement effrayant.

*Bruno
25.11.24. 4èx. Vost

15.04.13. 


La véritable Anneliese Michel  (source wikipedia)
Anneliese Michel (1951 - 1976) est une jeune Allemande célèbre pour avoir été prétendument possédée par des démons. Sa vie a servi de modèle pour les films L'Exorcisme d'Emily Rose (film de Scott Derrickson sorti en2005) et Requiem (film de Hans-Christian Schmid sorti en 2006).

BIOGRAPHIE:

Depuis sa naissance le 21 septembre 1952 à Leiblfing (Bavière), Anneliese Michel mena d'abord une vie normale, caractérisée seulement par une grande piété. Du jour au lendemain, sa vie bascula.

Un jour de 1968, elle commença à trembler violemment et à ne plus savoir contrôler son corps. Lors de ses crises, elle perdait sa voix, ne pouvait plus appeler à ses parents pour leur demander de l'aide. Un neurologue diagnostiqua qu'elle souffrait d'épilepsie et fut admise à l'hôpital pour un traitement.

Après ses premières attaques, elle crut voir des visages démoniaques en train de grimacer lors de sa prière quotidienne, elle avait aussi l'impression d'entendre des voix. Anneliese en parla aux médecins qui ne savaient plus comment l'aider.

Au début de l'année 1973, les parents d'Anneliese demandèrent à plusieurs prêtres d'exorciser leur fille, mais ils pensaient qu'il lui suffisait de continuer de prendre ses médicaments. De plus, pour pratiquer un exorcisme, il fallait que la personne possédée répondît à des caractéristiques bien spécifiques : parler une langue qu'elle n'avait jamais apprise, avoir des pouvoirs surnaturels et se sentir gênée par des objets religieux.

En 1974, un prêtre l'examina et accepta qu'on pratiquât un exorcisme, mais sa hiérarchie le lui interdit. Son état alors empira et les crises devinrent de plus en plus violentes. Elle insultait les membres de sa famille, les battait et les mordait.

Elle refusait de manger, prétendant que les démons ne lui permettaient pas de le faire. Elle dormait à même le sol. On pouvait l'entendre toute la journée en train de hurler, de briser les crucifix et de détruire des peintures représentant Jésus.

En 1975, après avoir vérifié l'état de sa possession, l'archevêché autorisa un exorcisme fondé sur le rituel romain. Le curé de sa paroisse considérait qu'Anneliese était possédée par plusieurs démons dont il fallait la libérer. À partir de 1975, on pratiqua un ou deux exorcismes sur elle chaque semaine. Parfois, les crises étaient tellement fortes qu'il fallait trois hommes pour la maîtriser si on ne l'enchaînait pas. Malgré cela, elle put reprendre un semblant de vie normale : retourner à l'école, participer à un concours….

Cependant, les crises ne cessèrent pas. De plus en plus souvent, elle se trouvait paralysée et inconsciente. Elle refusait complètement de manger. Ses nombreuses génuflexions (plus de 600 de suite), provoquèrent une rupture au niveau des genoux. Quarante cassettes audio furent enregistrées lors des exorcismes afin d'en conserver des détails.

Le dernier exorcisme eut lieu le 30 juin 1976. À ce stade, Anneliese souffrait d'une pneumonie. Elle avait le visage émacié et souffrait d'une grande fièvre. Elle était exténuée physiquement. Mais elle restait consciente de sa situation. Sa mère enregistra sa mort.

Un procureur fit alors une enquête à la suite de laquelle les deux prêtres exorcistes et les parents d'Anneliese furent inculpés de négligence ayant entraîné la mort, car les médecins affirmaient qu'elle était épileptique et psychotique.

Les prêtres exorcistes firent écouter des enregistrements des différents exorcismes qu'ils avaient pratiqués, au cours desquels ils affirmaient pouvoir distinguer la voix de deux démons en train de se disputer, se demandant lequel des deux quitterait le premier le corps d'Anneliese.

Les parents et les deux prêtres furent condamnés à 6 mois de prison.

Anneliese Michel est aujourd'hui enterrée au cimetière de Klingenberg am Main, sa mère va lui rendre visite chaque jour. C'est un lieu de pèlerinage sur lequel se rendent des personnes de différentes nationalités. Elle est considérée comme la femme qui a bravement combattu Lucifer et ses Démons.

THE DIVIDE

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site zoom.lk

de Xavier Gens. 2012. U.S.A. 1h57. Avec Lauren German, Michael Biehn, Milo Ventimiglia, Courtney B. Vance, Mickael Eklund, Ashton Holmes, Rosanna Arquette.

Sortie Dvd en France: 1er Juin 2012

FILMOGRAPHIE: Xavier Gens est un réalisateur, scénariste, producteur exécutif et acteur français, né le 27 Avril 1975 à Dunkerque. 2007: Hitman. 2008: Frontières. 2012: The Divide. 2012: The ABCs of death (un segment)

Pour son troisième long-métrage, Xavier Gens nous assène un véritable coup de poing à l'estomac avec ce huis-clos post-apo d'une intensité toujours plus éprouvante. A la suite d'une explosion nucléaire, une poignée de survivants se réfugie sous l'abri d'un bunker en attendant les retombées radioactives. Davantage reclus dans le désespoir et l'individualisme, ils vont devoir faire face à leurs pires névroses meurtrières. Film choc s'il en est, The Divide est une véritable descente aux enfers auquel une poignée de rescapés vont se retrouver confrontés à leur pire ennemi: l'homme ! Dans un climat irrespirable de claustration suintant l'insalubrité et la puanteur des excréments, nos antagonistes vont peu à peu céder à la panique du désespoir dans leur conflit de rivalité. Affamés et épuisés par la fatigue, les plus téméraires opposés à la hiérarchie d'un leader vont peu à peu se laisser motiver par la rancune dans une folie meurtrière irréversible. D'une violence abrupte jusqu'au-boutiste, Xavier Gens livre ici un constat implacable sur la nature primitive de l'homme quand celui-ci se retrouve privé de sa liberté et de son environnement familier.

En l'occurrence, lorsqu'il est contraint de co-habiter en réclusion parmi l'intrusion de quidams désoeuvrés. Avec une radicalité impassible inscrite sur la dégénérescence morale, le réalisateur traite de notre instinct meurtrier, de la contagion du mal et de l'esprit d'individualité où orgueil et rancoeur vont laisser libre court à  une haine incontrôlée. Notamment notre incapacité à pouvoir vivre en communauté lorsque la précarité, la peur de trépasser et la phobie de l'isolement nous écartent de la cohésion fraternelle. Durant plus de deux heures, nous nous sentons piégés en vase clos parmi l'incivisme de ses huit occupants dont chaque membre ne pourra compter que sur sa propre indépendance. Dans un déchaînement de violence émanant de leur déchéance autodestructrice, The Divide nous plonge au coeur d'un cauchemar claustrophobique où la notion de désespoir nous laisse en état de collapse. Quand au final nihiliste, il converge vers la folie paroxystique et enfonce encore le clou pour la destinée précaire de certains survivants, quand bien même dehors, la fin de la civilisation a déjà sonné le glas !

The End
Soutenu par la partition désenchantée de Jean-Pierre Taïeb, The Divide s'érige en tragédie humaine sous l'entremise d'antagonistes transis de haine (Milo Ventimiglia et Mickael Eklund vampirisent communément l'écran en tyrans sociopathes) ou de désoeuvrement (Rosanna Arquette se livre corps et âme dans la débauche sexuelle !). Une épreuve de force immorale, un cauchemar du néant laissant au final un sérieux goût de souffre dans la bouche par son aura malsaine. Le film est d'autant plus maîtrisé dans sa réalisation appliquée, parfaitement interprété et immersif en diable qu'il fut injustement banni de nos salles obscures.

Dédicace à Xavier Gens
13.04.13. 2èx
Bruno Matéï

La Septième Prophétie / The Seventh Sign

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site listal.com

de Carl Schultz. 1988. U.S.A. 1h37. Avec Demi Moore, Michael Biehn, Jürgen Prochnow, Peter Friedman, Manny Jacobs.

Sortie salles France: 28 Novembre 1988

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Carl Schultz est un réalisateur américain, né le 19 Septembre 1939 à Budapest (Hongrie). 1977: The Tichborne Affair (télé-film). 1978: Blue Fin. 1987: Bullseye. 1987: Travelling North. 1988: La Septième Prophétie. 1989: Cassidy (télé-film). 1991: La Traversée de l'enfer. 1992: Les Aventures du jeune Indiana Jones (série TV). 1993: Curacao (télé-film). 1997: l'Amour en embuscade (télé-film). 1999: l'Homme qui parlait aux lions.

"Ce film est une métamorphose, un message sur la nécessité d’avoir confiance en l’homme, sur notre fragilité également. Notre planète pourrait disparaître, nous devrions aujourd’hui sérieusement nous en soucier. Selon moi, ce message est important."
— Paul R. Gurian, producteur exécutif

Dans l’univers ludique du cinéma de genre, il arrive que certaines séries B sombrent injustement dans l’oubli, alors même que tout fut soigneusement mis en œuvre pour interpeller les cinéphiles les plus aguerris. La Septième Prophétie appartient indéniablement à cette catégorie de films qui respectent le genre - et donc son public - avec une foi inébranlable. Conçu par un réalisateur encore méconnu et porté par des comédiens alors en pleine ascension (Demi Moore, Michael Biehn, Jürgen Prochnow), ce rejeton inspiré de La Malédiction surprend par sa sincérité à vouloir nous convaincre que l’apocalypse est, une fois encore, imminente.

Le pitch. Abby et Russel forment un couple harmonieux, bientôt bouleversé par l’arrivée d’un étrange locataire qui remet en cause la naissance de leur futur enfant. Selon une sombre prophétie biblique, le bébé d’Abby serait un enfant sans âme, destiné à provoquer la fin du monde. Dans la lignée des films satanistes inspirés des Écritures, La 7e Prophétie rejoue la mécanique de la malédiction à travers une série de prédictions catastrophistes, annonçant dérèglements climatiques et chaos écologique avant l’inéluctable Jugement dernier.

Si sa première demi-heure, inquiétante et soigneusement stylisée, inspire un sentiment de déjà-vu, la maîtrise de la mise en scène et la rigueur de la structure narrative finissent par imposer leur efficacité. Le spectateur épouse progressivement le désarroi d’une future mère, de plus en plus troublée par les révélations d’un messager divin clandestin. Il faut saluer la sobre prestance de Demi Moore, juvénile, néophyte et fragile, incarnant avec une candeur meurtrie une épouse au bord de la rupture. Sa profonde humanité suscite une empathie immédiate, au point de faire reposer l’intrigue entière sur ses épaules, tant son dilemme moral résonne de manière universelle et poignante.

Dans le rôle du messager de Dieu, Jürgen Prochnow (La Forteresse noire) dégage une aura troublante, nourrie d’un fanatisme empreint de la colère divine, interrogeant sans cesse ses véritables motivations. Plus en retrait mais irréprochable, Michael Biehn campe un époux contenu, animé de convictions profondes, dont la profession d’avocat jouera un rôle décisif dans le sort d’un condamné à mort étroitement lié au destin de l’humanité. Doté d’une mise en scène inspirée, d’un scénario solide et d’une interprétation homogène - jusque dans les seconds rôles, à l’image de cet étudiant juif venant en aide à Abby - le film déploie un suspense progressif, toujours plus vertigineux, jusqu’à un épilogue bouleversant.

Sans esbroufe ni violence racoleuse, Carl Schultz signe avec La 7e Prophétie une œuvre fantastique éthérée, imprégnée de mysticisme, d’émotion fragile et d’étrangeté diffuse. Et ce, malgré l’ampleur spectaculaire de son point d’orgue, soutenu par des effets spéciaux impressionnants (le cataclysme au cœur de l’hôpital). À l’instar de La Malédiction de Richard Donner, ce divertissement aussi retors qu’intelligent puise sa force dans sa capacité à nous convaincre que l’apocalypse peut éclore sous la main tremblante d’une mère déchue. Une perle maudite des années 80, à redécouvrir absolument, tant elle parvient à surprendre jusqu’à sa dernière minute, alarmiste et funèbre.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

10.02.22. 4èx

12.04.13 

Driver / The Driver

                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site forum.plan-sequence.com

de Walter Hill. 1978. U.S.A. 1h31. Avec Ryan O'Neal, Isabelle Adjani, Bruce Dern, Ronee Blakley, Matt Clark, Felice Orlandi.

Sortie salles France: 23 Août 1978. U.S: 28 Juillet 1978

FILMOGRAPHIE: Walter Hill est un producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 10 janvier 1942 à Long Beach, en Californie (États-Unis). 1975 : Le Bagarreur (Hard Times),1978 : Driver,1979 : Les Guerriers de la nuit, 1980 : Le Gang des frères James,1981 : Sans retour, 1982 : 48 heures, 1984 : Les Rues de feu,1985 : Comment claquer un million de dollars par jour,1986 : Crossroads, 1987 : Extrême préjudice, 1988 : Double Détente, 1989 : Les Contes de la crypte (1 épisode),1989 : Johnny belle gueule,1990 : 48 heures de plus,1992 : Les Pilleurs,1993 : Geronimo,1995 : Wild Bill, 1996 : Dernier Recours,1997 : Perversions of science (série TV),2000 : Supernova, 2002 : Un seul deviendra invincible, 2002 : The Prophecy, 2004 : Deadwood (série TV).

Bien avant le succès inattendu de Drive et la révélation Ryan Gosling, Walter Hill réalisa en 1978 un western urbain insolite avec comme antagoniste principal, un chauffeur aussi taiseux, conducteur infaillible de braqueurs de casino (et de banque !). Honteusement occulté mais enfin commercialisé en BR et 4K en ce Décembre 2022, ce polar dense magnifiquement interprété par le bellâtre Ryan O'Neal (à contre emploi de sa docile physionomie !) est une véritable perle noire d'une intensité acérée. Pour l'anecdote singulière, aucun protagoniste du film ne possède un quelconque patronyme ! Les personnages évolutifs se prénommant le "chauffeur", la "joueuse", le "détective" et le "contact" ! Quant à sa trame, limpide mais redoutablement solide et truffée de rebondissements retors, elle se résume à une traque incessante entre un chauffeur inébranlable et un flic bourru au sein d'une métropole crépusculaire magnifiquement éclairée de néons verts/bleus. Délibéré à mettre en cabane ce mastard de la conduite, le détective négocie la manigance d'un énième braquage de banque avec la complicité d'un gangster minable. Au préalable, une mystérieuse femme adepte des jeux de casino sauva la mise du conducteur pour feindre un alibi après avoir été témoin du braquage. Pendant que le détective reste sur le qui-vive, une étrange relation équivoque se noue entre le couple.

Driver démarre sur les chapeaux de roue avec une séquence vertigineuse de poursuite automobile remarquablement coordonnée par un réalisateur extrêmement tatillon. Dans les rues nocturnes de New-York, une armada de véhicules de police est lancée à vive allure afin d'appréhender le fameux conducteur. Ce prologue incisif au montage incroyablement fluide est l'entrée en matière d'un western urbain transcendant le portrait d'un anti-héros taciturne (Ryan O'Neal est littéralement habité par sa prestance austère), pourchassé par un flicard rancunier. Walter Hill organisant leur confrontation à l'instar d'un jeu de compétition auquel le scénario charpenté multipliera trafalgars et revirements. Ainsi donc, dans une ambiance de film noir à la fois moderne et typiquement Seventie, Driver exploite à merveille le cadre tentaculaire d'un New-York ténébreux dont flics et gangsters semblent dominer la ville pour l'enjeu cupide d'une mallette. D'une efficacité redoutable de par son cheminement narratif jalonné de deux poursuites automobiles que l'on peut qualifier sans rougir d'anthologiques, le réalisateur en profite d'y esquisser le portrait subversif de trois antagonistes à la fois teigneux et réfléchis. Celui d'un détective cynique auquel Bruce Dern endosse son rôle perfide avec une hargne opiniâtre (non exempt de dérision). Celle d'une joueuse (génialement) mutique qu'Isabelle Adjani entretient avec un charme trouble, pour ne pas dire étrangement félin. Et enfin celui du fameux chauffeur de voiture, casse-cou stoïque que Ryan O'Neal transcende avec une stature hautaine impassible ! Georges Miller s'en est d'ailleurs peut-être inspiré pour mettre en exergue la pugnacité suicidaire du personnage de Max !

Saturé du charisme viril d'un trio d'antagonistes retors éclatant l'écran à chacune de leurs apparitions et mis en scène avec rigueur technique et formelle sous l'impulsion d'une bande-son ombrageuse, Driver s'impose sans ambages en modèle du film d'action, western urbain à la photogénie crépusculaire électrisante. En d'autres termes, un divertissement adulte (notamment auprès de ses âpres éclairs de violence que l'on ne voit jamais venir) d'une classe royale. Et c'est à revoir de toute urgence, qui plus est du fait de son extrême rareté inexplicablement injustifiée (j'insiste). 

En France, il atteint la 33e place du box-office annuel 1 102 183 entrées

*Bruno

Pour rappel, chronique de sa déclinaison: http://brunomatei.blogspot.fr/2011/12/drive-prix-de-la-mise-en-scene-cannes.html

10.04.13. 
08.12.22. 4èx. Vost

 

HIGHLANDER

                   

                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site backtothemovieposters.blogspot.com

de Russel Mulcahy. 1986. U.S.A/Angleterre. 1h55 (version européenne). Avec Christophe Lambert, Sean Connery, Roxanne Hart, Clancy Brown, Beatie Edney, Alan North, Jon Polito.

Sortie salles France: 26 Mars 1986. U.S: 7 mars 1986. Angleterre: 29 Août 1986.

FILMOGRAPHIE: Russel Mulcahy est un réalisateur australien, né le 23 Juin 1953 à Melbourne, dans l'état de Victoria. 1979: Derek and clive get the horn. 1984: Razorback. 1985: Arena. 1986: Highlander. 1991: Highlander 2. 1991: Ricochet. 1992: Blue Ice. 1993: l'Affaire Karen McCoy. 1994: The Shadow. 1996: Tireur en péril. 1998: La malédiction de la Momie. 1999: Resurrection. 2003: Swimming Upstream. 2007: Resident Evil: Extinction. 2008: Le Rois Scorpion 2. 2009: Fais leur vivre l'enfer, Malone !

Flop commercial aux States alors qu'en France il cumule pas moins de 4 141 203 entrées, Highlander aura tout de même engendré des suites mercantiles régressives (séries TV en sus !) comparées à l'oeuvre charnière de Russel Mulcahy. Avec le talent virtuose d'un jeune réalisateur novateur, cette grande fresque furibonde combine le genre fantastique puis l'action trépidante avec une singularité extravagante. Erigé sur la thématique de l'immortalité, Highlander nous illustre non sans lyrisme la destinée d'un guerrier écossais, Connor Mc Leod. Condamné à vivre éternellement, il doit cependant faire face à son plus terrible rival, le chevalier noir Kurgan. Dans leur tradition, seul le dernier immortel victorieux peut remporter le "prix" à la fin du combat. Seulement, la décapitation est le seul moyen d'annihiler l'adversaire. Traqués depuis des siècles, les deux hommes s'engagent dans une lutte sans merci en plein New-York contemporain. Dans un habile montage soucieux de créativité, Russel Mulcahy nous confronte à deux univers parallèles au sein de deux époques distinctes. L'Ecosse médiévale de 1536 et le New-York urbain de 1985. Grâce à cette transition narrative exploitant ses ruptures de ton par entremise du flash-back, le réalisateur alterne le souffle épique d'une fresque guerrière et l'action débridée d'une traque urbaine. Avec la spontanéité de deux comédiens habités par une verve exaltante (le jeune Christophe Lambert secondé du monstre sacré Sean Connery), Highlander nous relate leur incroyable odyssée avec un sens de bravoure et de loyauté digne des légendes séculaires.

Outre le ton décalé de certaines situations débridées (le gymkhana de Kurgan avec une septuagénaire dans les ruelles nocturnes, la seconde course automobile avec l'experte médicale ou encore sa rencontre blasphématoire avec Mc Leod en interne d'une église), Russel Mulcahy allie notamment le souffle romanesque d'une émotion prude pour la romance impartie entre Mc Leod et sa dulcinée. Sur ce dernier point, l'un des moments les plus bouleversants aborde avec acuité le thème douloureux de la perte de l'être cher quand un homme immortel témoigne de la vieillesse dégénérative de son épouse sclérosée. Cette dimension romantique que Christophe Lambert retransmet avec sensibilité doit beaucoup au caractère lyrique du film, en abordant notamment une réflexion existentielle sur le sens de la mortalité et le refus d'aimer (pour éviter de souffrir, Mc Leod doit s'engager à ne plus tomber amoureux). Sans compter l'ingérence de son mentor, Sean Connery, expert en apprentissage du maniement de l'épée (leurs séances d'entraînement exécutés sur les montagnes écossaises s'avèrent d'une puissance émotionnelle enivrante) et philosophe dans l'art d'exprimer la déontologie de la pérennité. Avec une belle efficacité et une originalité audacieuse (les combats physiques s'y mêlent au fracas des lames du katana, la puissance énergétique du "Quickening" qu'extériorise le vainqueur après chaque duel), Russel Mulcahy ne cesse d'alterner envolées lyriques, souffle épique et romantisme mélancolique.

De par son scénario singulier transcendant des profils belliqueux d'une fragile dimension humaine, Highlander s'érige en fresque ambitieuse où l'action échevelée redouble d'audaces formelles. Au rythme d'une BO survitaminée imposée par Michael Kamen et le célèbre groupe Queen, le film culte de Mulcahy perdure les épreuves du temps sous l'impulsion capiteuse de son emprise émotionnelle, élégie occulte sur l'achèvement de la mortalité. 

09.04.13. 5èx
Bruno Matéï

WILLOW

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Ron Howard. 1988. U.S.A. 2h06. Avec Val Kilmer, Warwick Davis, Joanne Whalley, Jean Marsh, Patricia Hayes, Billy Barty.

Sortie salles France: 14 Décembre 1988. U.S: 20 Mai 1988

FILMOGRAPHIE: Ron Howard est un réalisateur et acteur américain, né le 1er Mars 1954 à Duncan, Oklahoma.
1977: Lâchez les bolides. 1982: Les Croque-morts en folie. 1984: Splash. 1985: Cocoon. 1985: Gung Ho. 1988: Willow. 1989: Portrait craché d'une famille modèle. 1990: Backdraft. 1992: Horizons Lointains. 1994: Le Journal. 1995: Apollo 13. 1996: La Rançon. 1999: En direct sur Ed TV. 2000: Le Grinch. 2001: Un Homme d'Exception. 2003: Les Disparus. 2005: De l'ombre à la lumière. 2006: Da Vinci Code. 2008: Frost/Nixon. 2009: Anges et Démons. 2011: Le Dilemme. 2013: Rush

Produit et co-écrit par Georges Lucas (l'idée de son projet remontant à 1972, bien avant Star Wars !), Willow est une aventure d'héroïc-fantasy qui ne rencontra pas le succès escompté à sa sortie. Puisque Lucas souhaitait que son accueil honorable soit aussi cuisant qu'une production notoire de la trempe d' E.T. Pour desservir l'entreprise, les critiques de l'époque s'avéraient également mitigées. Pourtant, dans l'hexagone, il totalise quand même 2 176 569 entrés et son marché vidéo à l'étranger contribue notamment à favoriser certains bénéfices. Le choix risqué de Lucas d'allouer la réalisation à un cinéaste mercantile habitué des productions balisées pouvait laisser craindre un divertissement populaire dénué de personnalité. En dépit de sa faiblesse narrative éludée de toute surprise, Willow s'avère un formidable divertissement conçu avec panache dans son florilège d'action et d'effets-spéciaux estampillés "Morphing". C'est d'ailleurs la première fois que cette technologie révolutionnaire est utilisée dans un long-métrage. Pour rappel, le Morphing consiste à modifier, devant nos yeux de spectateur, une animation en cours (sans l'effet suggéré du fondu au noir) jusqu'à la transformer vers son stade final. A titre d'exemple, un visage peut se subtiliser à un autre sans l'effet traditionnel d'une coupe technique !

Avec la bonhomie attachante de l'acteur nain Warwick Davies et la mesquinerie irrésistible de Val Kilmer, cette aventure d'héroic fantasy nous enthousiasme par leur complicité impromptue. D'autant plus que le charme indocile de la rarissime Joanne Whalley est un atout supplémentaire pour rendre attractive leur mission dangereuse (préserver la vie d'un bambin contre l'autorité d'une sorcière maléfique) jalonnée d'altercations entre clans rivaux. Si la présence insupportable des deux lutins viennent un peu entacher l'ambiance pittoresque par leurs inepties infantiles, la succession quasi ininterrompue d'action et de cascades homériques rendent l'aventure facilement stimulante. La beauté naturelle de ces vastes paysages néo-zélandais et le florilège de créatures fantastiques qui émaillent le récit imposent une féerie naïve renforcée par l'innovation de ces effets-spéciaux. Et à ce niveau, la bataille finale compromise au sein du château où deux sorcières utilisent communément leurs  pouvoirs magiques pour se confronter ne lésinent pas sur l'imagerie surnaturelle. Le charisme ensorcelant de ces deux alchimistes à l'éthique contradictoire exacerbe notamment une vraie persuasion dans leur dimension fanatisée.

Orchestré par le superbe score aérien de James Horner, Willow est un excellent spectacle alliant avec probité humour, action, romance et féerie. Hormis la pauvreté de son scénario, Ron Howard réussit avec l'efficacité d'une mise en scène véloce à nous attendrir (notamment l'empathie que l'on accorde au peuple nain des Nelwyn) parmi l'insolence du duo Madmartigan (Val Kilmer)/Sorsha (Joanne Whalley) et la persévérance du candide Willow. 

Pour parachever, la critique de mon ami Gilles Rolland : http://www.onrembobine.fr/star-video-club/6796
08.04.13. 3èx
Bruno Matéï

Les Guerriers de la Nuit / The Warriors. Director's Cut.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Walter Hill. 1979. U.S.A. 1h34. Avec Michael Beck, James Remar, Dorsey Wright, Thomas G. Waites, Brian Tyler, David Harris, Tom McKitterick.

Sortie salles France: 27 Août 1980. Interdit durant quelques mois en France, puis interdit au - de 18 ans lors de sa sortie en salles, et très vite réévalué en interdiction aux moins de 13 ans.
Sortie U.S: 9 Février 1979. Interdit au moins de 17 ans.

FILMOGRAPHIE: Walter Hill est un producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 10 janvier 1942 à Long Beach, en Californie (États-Unis). 1975 : Le Bagarreur (Hard Times),1978 : Driver,1979 : Les Guerriers de la nuit, 1980 : Le Gang des frères James,1981 : Sans retour, 1982 : 48 heures, 1984 : Les Rues de feu,1985 : Comment claquer un million de dollars par jour,1986 : Crossroads, 1987 : Extrême préjudice, 1988 : Double Détente, 1989 : Les Contes de la crypte (1 épisode),1989 : Johnny belle gueule,1990 : 48 heures de plus,1992 : Les Pilleurs,1993 : Geronimo, 1995 : Wild Bill, 1996 : Dernier Recours,1997 : Perversions of science (série TV),2000 : Supernova, 2002 : Un seul deviendra invincible, 2002 : The Prophecy, 2004 : Deadwood (série TV).

 

"Dieux déchus du métro"

Film culte pour toute une génération, tandis qu’en France le comité de censure s’empressa d’en expurger dix minutes jugées trop violentes, Les Guerriers de la nuit demeure une flamboyante bande dessinée aux accents surréalistes. Alors que toutes les bandes de New York sont réunies pour entendre l’allocution de leur leader révolutionnaire, ce dernier est lâchement assassiné par l’un des siens. Accusé à tort du meurtre, le clan des Warriors devient la cible d’une traque inlassable par une populace marginale. Pour regagner leur quartier, ils devront faire preuve d’une vaillance inébranlable, affrontant sans relâche des gangs rivaux pour sauver leur peau, et laver leur honneur.

Film d’action incisif mené tambour battant au rythme de rixes urbaines, Les Guerriers de la nuit transcende l’épreuve de force d’une poignée de marginaux pugnaces, opposés à une rivalité de clans aux visages multiples. Leur course effrénée, entièrement filmée de nuit (à l’exception d’un épilogue solaire), est scandée par une bande-son pop-rock sélectionnée par une mystérieuse opératrice radiophonique. Walter Hill, avec une ambition singulière, convoque des idées insolites pour narrer, à la manière d’une BD futuriste (ponctuée de planches dessinées), une odyssée fantasmatique portée par l’apparat flamboyant des gangs de rue.

Ces délinquants cosmopolites se distinguent autant par leur diversité ethnique que par leur accoutrement extravagant : vestes criardes, visages peints, patins à roulettes... Armés de battes, chaînes, couteaux et barres de fer, ils pullulent dans un New York aphone, dispersés dans chaque recoin du métro, pour interdire aux Warriors l’accès à leur sanctuaire. Même les femmes d’un gang féministe s’en mêlent, usant de leur charme vénéneux pour mieux tromper. Ce mélange d’action violente, d’aventure et de romance désenchantée (l’idylle ambiguë entre Swan et Mercy) est habilement orchestré par un cinéaste novateur, bien décidé à dépoussiérer le film de bande — un peu à la manière transgressive d’un George Miller avec Mad Max, sorti la même année.

Les nombreuses rencontres impromptues qui jalonnent cette nuit infernale s’avèrent redoutablement efficaces, nourries par le dynamisme de bastons impeccablement chorégraphiées et l’aura surréaliste d’une ville-fantôme vidée de ses citadins — à l’exception de quelques figures spectrales, comme ces deux couples bourgeois affalés sur une banquette de métro.

 

"Les Héritiers de l’Olympe en jean et cuir"

Porté par la partition électrisante de Barry De Vorzon, Les Guerriers de la nuit s’impose comme une épopée belliqueuse d’un genre à part, moderne, décalée, peuplée de personnages d’une densité rare. Des guerriers désœuvrés, en marge d’un monde chaotique, mais animés d’un courage et d’une dignité dignes des dieux antiques — à l’image de son introduction animée à la manière d’un mythe. Ce Director’s Cut rarissime s’impose à mes yeux comme un chef-d’œuvre du survival initiatique, aussi probant que la version cinéma, d’autant plus fidèle à l’intention première de son auteur.

*Bruno
05.04.13. 6èx

SUEURS FROIDES (Vertigo)

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site lepasseurcritique.com

d'Alfred Hitchcock. 1958. U.S.A. 2h09. Avec James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore, Henry Jones, Raymond Bailey, Ellen Corby, Konstantin Shayne.

Sortie salles France: 28 Janvier 1959. U.S: 9 Mai 1958

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980.
1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

"En août 2012, le magazine de cinéma britannique Sight and Sound le classe Meilleur Film de tous les temps, détrônant ainsi Citizen Kane, qui occupait ce titre depuis 1962."

Considéré comme l'un de ses films les plus accomplis au sein de sa riche filmographie, Sueurs Froides est destiné à transcender les aléas du temps par la densité d'une folle histoire d'amour aux lisières du fantastique. Inspiré du roman D'entre les morts de Boileau-Narcejac, le chef-d'oeuvre élégiaque de Sir Alfred est avant tout une réussite narrative d'une intensité psychologique éprouvante. A travers le cheminement tortueux d'un ancien détective souffrant d'acrophobie, Alfred Hitchcock nous plonge dans une romance vertigineuse d'où plane l'esprit de la réincarnation. Contraint de suivre l'étrange errance d'une jeune femme obsédée par la déveine d'une célèbre défunte, l'inspecteur Scottie va succomber à ses charmes avant qu'un horrible drame ne le plonge dans une solitude inconsolable. Mais un évènement inopiné va à nouveau réveiller sa conscience avec la nouvelle rencontre d'une  femme physiquement similaire à celle qu'il venait de chérir.
En affiliant l'amour déchu, le suspense lattent et le thriller machiavélique, le maître de l'angoisse compose une oeuvre romanesque au parfum mélancolique imprégné de gothisme. Que ce soit à travers la décoration d'une salle de restaurant tapissée d'un rouge rutilant, au sommet vertigineux du clocher d'un oratoire ou dans l'environnement forestier d'une promenade automnale.
Avec la perfection d'un scénario tortueux tributaire des thèmes de l'amour, la mort et l'obsession, Sueurs Froides nous illustre l'introspection douloureuse d'un homme emmêlé dans le faux-semblant. Rongé de culpabilité d'avoir laissé mourir sa maîtresse, faute de son handicap psychologique, Scottie va se retrouver à nouveau hanté par son passé traumatique et réitérer le même procédé narratif afin de démystifier le mensonge.

Transi d'émoi dans son désespoir amoureux, James Stewart livre une intense empathie pour camper un personnage meurtri littéralement ensorcelé par l'esprit d'une femme bicéphale. Dans un double rôle, Kim Novak incarne avec volupté charnelle le rôle d'une renégate finalement compromise par la passion de ses sentiments. A la manière d'un fantôme versatile, l'actrice dégage une aura surnaturelle envoûtante par sa devise sournoise avant de nous chavirer le coeur ATTENTION SPOILER ! dans une chute létale, ultime délivrance accidentelle. FIN DU SPOILER

Avec le lyrisme d'un scénario impeccablement charpenté et sa puissance psychologique qui en résulte, Sueurs Froides transcende une romance insoluble au sein d'un couple avili par l'ampleur d'une sordide machination. Puissamment orchestré par le score tragique de Bernard Hermann, Alfred Hitchcock a accompli un travail exhaustif dans sa réalisation formelle, véritable poème d'amour et de mort illuminé par le duo maudit James Stewart/Kim Nowak !

02.04.13. 3èx
Bruno Matéï