REVEIL DANS LA TERREUR (Wake in Fright/Outback)

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site allstarvideo.blogspot.com

de Ted Kotcheff. 1971. Australie. 1h54. Avec Donald Pleasance, Gary Bond, Chips Rafferty, Sylvia Kay, Jack Thompson, Peter Whittle, Al Thomas, John Meillon, John Armstrong.

FILMOGRAPHIE: Ted Kotcheff est un réalisateur, producteur, acteur et scénariste canadien d'origine bulgare, né le 7 avril 1931 à Toronto (Canada).
1971: Réveil dans la Terreur. 1974: l'Apprentissage de Duddy Kravitz, 1978: La Grande Cuisine, 1982: Rambo, 1983: Retour vers l'Enfer, 1988: Scoop, 1989: Winter People, Week-end at Bernie's, 1992: Folks !

Film méconnu resté invisible pendant des décennies mais néanmoins sorti chez nous en Vhs sous le titre Savane et plus récemment dans nos salles, Réveil dans la Terreur retrace le périple impossible d'un instituteur pour rejoindre Sydney lorsqu'il décide de faire escale dans une petite bourgade australienne. Au fil de ses rencontres amicales dans divers bars miteux, il finit par se laisser entraîner dans moult beuveries et une étreinte sentimentale jusqu'à l'improvisation d'une chasse aux kangourous. 

Road movie au vitriol sous le soleil écrasant d'une cité minière australienne, Réveil dans la Terreur est une invitation au bout des ténèbres, l'introspection de la dépravation humaine sous l'oeil complice d'un touriste respectable. A la manière d'After Hours de Scorsese, Ted Kotcheff utilisant la bonhomie de son héros afin de le confronter à un concours de circonstances désastreuses pour sa propre morale ! Celles de l'influence sympathique d'une bande d'alcoolos noyés dans leur médiocrité. Ce qui frappe dans la déliquescence humaine de ce solitaire en perdition, c'est la manière sensitive dont son auteur s'y emploie pour infiltrer le malaise par le biais d'une réalisation documentée, d'un climat presque surréaliste et de la spontanéité de comédiens en roue libre (Donald Plesance et Gary Bond insufflant un jeu viscéral dans leur complicité faussement affable !). L'omniprésence de la bière coulant à flot, le tableau mesquin imparti à ces trognes mal rasées et la place inconsidérée de la femme réduite à l'isolement laissent distiller une atmosphère suffocante et oppressante devant le témoignage impuissant de l'instituteur. Tour à tour confrontés à leurs beuveries quotidiennes car n'ayant pas la virilité pour refuser un verre, il finira par céder à l'euphorie de l'ébriété après avoir été endoctriné par leurs bas instincts. Outre son constat social sur la régression, la précarité, l'avilissement de l'alcoolisme et l'influence de l'effet de groupe, Réveil dans la Terreur se porte notamment en défenseur de la cause animale lorsqu'il s'attarde à souligner les effets pervers (le plaisir de tuer dans une ferveur communicative !) d'une chasse aux kangourous ! 

Bad-trip insolite faisant office d'ovni quasi expérimental, Réveil dans la Terreur improvise la journée en enfer d'un aimable citoyen perdant peu à peu ses facultés intellectuelles et humaines face à l'influence de mauvaises rencontres. Déstabilisant, malsain, hyper réaliste et parfois éprouvant, nous sortons de la séance avec le sentiment aigri d'avoir été ébranlé par une méchante gueule de bois.  

Dédicace à Adrien Pennequin

Bruno Matéï

Maniac Cop

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de William Lustig. 1988. U.S.A. 1h25. Avec Tom Atkins, Bruce Campbell, Laurene Landon, Richard Roundtree, William Smith, Robert Z'dar, Sheree North.

Sortie salles France: 22 Juin 1988

FILMOGRAPHIE: William Lustig est un réalisateur américain né le 1er février 1955 dans Le Bronx à New York. Il est le neveu du boxeur Jake La Motta. 1980: Maniac. 1983: Vigilante. 1988: Maniac Cop. 1990: Maniac Cop 2. 1993: Maniac Cop 3. 1997: Uncle Sam.

Habile franc-tireur signataire du mythique Maniac et du classique de l'autodéfense Vigilante, William Lustig continue de verser dans la série B horrifique avec Maniac Cop, d'après un scénario du célèbre Larry Cohen. Justement, c'est bien là la qualité première de cet efficace psycho-killer dont l'intrigue habilement construite enchaîne avec fluidité poursuites, cascades, rebondissements en pagaille et crimes en série autour de l'itinéraire meurtrier d'un flic psychopathe. Qui plus est, pour intensifier l'enjeu dramatique, un faux coupable est sévèrement malmené par la police et le tueur afin que ce dernier puisse librement poursuivre ses exactions dans une unité de temps resserrée. En empruntant le thème du zombie inscrit dans notre réalité quotidienne, Larry Cohen réussit à crédibiliser son intrigue bâtie sur la vengeance meurtrière de l'officier Matt Cordell, préalablement condamné à tort pour abus de pouvoir puis enfermé dans une cellule parmi les assassins qu'il avait autrefois alpagués.

 

Avec une dose d'ironie macabre, l'intrigue illustre un véritable pied de nez au corps policier lorsque ce flic déchu de ses fonctions se dissimule derrière son insigne pour mieux endosser le rôle d'un psychopathe et semer la zizanie urbaine. Les quidams, gagnés par une paranoïa collective, n'osent alors plus approcher les représentants de l'ordre de peur de se faire égorger, quand bien même certains d'entre eux finissent par se laisser gagner par une forme de justice individuelle. Car c'est affublé d'une arme blanche que le maniaque accomplit ses méfaits en sillonnant les ruelles crépusculaires de New York. Sur ce point, l'atmosphère d'insécurité qui émane de ses quartiers les plus sombres renvoie au climat envoûtant magnifiquement dépeint dans le premier chef-d'œuvre de Lustig, Maniac, ou encore au cinéma de Friedkin et Ferrara. 

Bien avant que les violences policières ne deviennent un sujet central du débat public américain, Maniac Cop interroge déjà la confiance aveugle accordée à l'autorité et la possibilité qu'un représentant de l'ordre puisse devenir une menace. Lorsqu'un policier zélé n'hésite plus à sortir son arme pour abattre un quidam désarmé, le film semble ainsi esquisser une réflexion sur les dérives d'un pouvoir devenu incontrôlable.

Épaulé par une poignée de comédiens familiers du genre, Tom Atkins et Bruce Campbell en tête, le film affiche une patine bis irrésistible dans la manière rustre, machiste et parfois naïve dont ses personnages s'expriment. Du point de vue extradiégétique, William Lustig fait de nouveau appel à son compositeur fétiche, Jay Chattaway, pour soutenir une partition tantôt percutante, tantôt entêtante dans sa mélodie lancinante, laquelle se prête admirablement à l'onirisme macabre reflétant les états d'âme du justicier d'outre-tombe rongé par la haine et l'injustice. Une icône horrifique d'autant plus fascinante car le mystère demeure entier, tant on ignore encore les raisons exactes de son retour parmi les vivants.

Efficace et carré, nerveux et haletant, inventif et surtout atmosphérique grâce à sa géniale ambiance urbaine crépusculaire, Maniac Cop remplit haut la main le cahier des charges du psycho-killer de série B tout en se distinguant par l'originalité de son script affûté et la sympathie de ses seconds couteaux issus du ciné bis. Fun et percutant, on en redemande. Ça tombe bien : sa suite est peut-être même supérieure au modèle.

— Celui du cœur noir des images 🖤

01.06.26. 4èx

Mad-Max 2 / Mad-Max 2: The Road Warrior. Grand Prix, Avoriaz 82.

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Moviecovers.com

de George Miller. 1981. Australie. 1h35. Avec Mel Gibson, Bruce Spence, Mike Preston, Max Phipps, Vernon Wells, Kjell Nilsson, Emil Minty, Virginia Hey.

Récompense: Grand Prix au Festival du Film Fantastique d'Avoriaz, 1982

Sortie salles France: 11 Août 1982. U.S: 21 Mai 1982. Australie: 24 Décembre 1981

FILMOGRAPHIE: Georges Miller est un réalisateur, scénariste et producteur australien, né le 3 Mars 1945 à Chinchilla (Queensland).
1979: Mad-Max. 1981: Mad-Max 2. 1983: La 4è Dimension (dernier segment). 1985: Mad-Max : Au-delà du dôme du Tonnerre. 1987: Les Sorcières d'Eastwick. 1992: Lorenzo. 1997: 40 000 ans de rêve (documentaire). 1998: Babe 2. 2006: Happy Feet. 2011: Happy Feet 2. 2014: Mad Max 4; Fury Road.

"Ma vie s’éteint, la vue se brouille, il ne reste plus que le souvenir. Je m’souviens d’un temps ou régnait le chaos, un temps de rêves brisés, de terres dévastées... Mais par-dessus tout, je me souviens du guerrier de la route. L’homme que nous appelions Max. Pour comprendre qui était cet homme, il faut revenir à une autre époque. Quand le monde tournait au carburant noir et que florissaient dans les déserts de grandes cités de tubes et d’acier... Disparues, maintenant, balayées... Pour des raisons aujourd’hui oubliées, deux puissantes tribus entrèrent en guerre allumant un brasier qui les dévora toutes les deux. Sans carburant, elles n’étaient rien. Leur empire était de paille. Le grondement des machines hoqueta et s’éteignit. Les chefs parlèrent, et parlèrent... Et parlèrent encore. Mais rien ne pouvait endiguer le désastre. Leur monde s’écroula... Les villes explosèrent provoquant une tornade de pillages. Un vent brûlant de terreur ; L’homme commença à se nourrir de l’homme. Sur les routes régnait le cauchemar de la ligne blanche. Seuls les flibustiers les plus mobiles, les pillards les plus impitoyables survivaient... Les bandes prirent le contrôle des routes prêtes à se faire la guerre pour un bidon de carburant. Dans ce maelström de pourriture, le commun des mortels était brisé, écrasé. Des hommes comme Max, Max le guerrier. Dans le rugissement d’un moteur, il avait tout perdu... Et il devint un homme vidé, consumé, ravagé, un homme hanté par les démons de son passé, un homme qui errait sans but par les terres désolées. Ce fut ici, dans ce lieu maudit, qu’il réapprit à vivre..."
 

Phénomène planétaire, alors que le premier volet avait été boudé par les Américains, Mad Max 2 s’est taillé, au fil des années, la réputation d’archétype du film d’action, ses poursuites et cascades inédites s’enchaînant à un rythme effréné. Revoir Mad Max 2 pour la seconde ou la dixième fois sans éprouver le moindre soupçon de lassitude prouve à quel point le génie de la mise en scène de George Miller reste insurpassable, et que son dosage d’humour, d’action et de violence renvoie au spectacle populaire, malgré ses éclairs de brutalité !

L’impression de vitesse vertigineuse que nous procurent ces bolides échevelés nous laisse les mains moites, dans leurs affrontements routiers à la manière jouissive d’un roller coaster. Sans le recours aux effets numériques, les cascades insensées, jamais vues jusqu’alors, sont transcendées par la vigueur d’un montage à couper au rasoir et le professionnalisme de cascadeurs infaillibles. Les véhicules se pourchassent sans relâche jusqu’au crash improvisé, entre ferrailles et tôles froissées, tandis que certains passagers s’extraient de leur bolide pour bondir sur l’ennemi avec une hargne incontrôlable ! Dans cette offensive sur bitume, les corps calcinés ou déchiquetés sont projetés dans les airs, parfois même piétinés sous les roues !

L’hyperréalisme de ces morceaux de bravoure s’avère d’autant plus incisif que l’orchestration épique de Brian May en marque la cadence, scandant les poussées d’adrénaline ! L’extravagance vestimentaire de la tribu des gladiateurs — cuir noir, fusils, armes médiévales — illustre de façon débridée leur éthique primitive, plongée dans la déshumanisation.

Mais ce lot d’affrontements barbares et de courses automobiles ne verse jamais dans la surenchère : tout est subordonné à un script efficace, où se croisent stratégies d’attaque et de défense, enjeux pétroliers, communication de crise et cohésion humaine au sein d’une communauté pacifiste prise à partie par le clan d’Humungus. Alors que ces derniers cherchent par tous les moyens à s’emparer de l’essence confinée dans la raffinerie, Max, guerrier solitaire, s’improvise sauveur : il propose un marché, échoue dans une bravoure esseulée, puis revient prêter main-forte — en dernier recours.

Dominé par la présence iconique de Mel Gibson, dans la peau de l’ancien flicard meurtri, Max s’impose en héros déchu, hanté par ses démons, avant de retrouver l’humanisme d’un regain d’empathie pour cette communauté loyale.

Fury Gladiators

Western dystopique filmé en plein désert australien, Mad Max 2 renouvelle le cinéma d’action dans sa scénographie post-apo, où les derniers survivants tentent, sous l’autorité d’un guerrier sans foi, de rejoindre un nouvel horizon, à travers une terre dévastée. Furieusement excitant, mené à un rythme frénétique, mais aussi diablement attachant, dans la mythologie du héros comme dans la fantaisie altruiste de certains seconds rôles (le pilote de l’autogire mangeur de serpent, l’enfant sauvage en quête paternelle), ce modèle d’efficacité insuffle un souffle épique proprement inédit.

Condensé en une interminable course-poursuite, Mad Max 2 iconise, sans prétention, l’actionner post-nuke le plus intense et jouissif de l’histoire du cinéma.

P.S: Hommage rédigé avant la sortie de Mad-Max: Fury Road !

La critique de (l'incompris) Mad Max 3: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/09/mad-max-au-dela-du-dome-du-tonnerre-mad.html

Bruno Matéï

6èx

MIRACLE EN ALABAMA (The Miracle Worker). Oscar de la Meilleure Actrice, Anne Bancroft, 1963.

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

d'Arthur Penn. 1962. U.S.A. 1h37. Avec Anne Bancroft, Patty Duke, Victor Jory, Inga Swenson, Andrew Prine.

Sortie salles U.S: 23 Mai 1962

Récompenses: Oscar de la Meilleure Actrice, Anne Bancroft, 1963

Oscar du Meilleur Second Rôle Féminin, Patty Duke, 1963

Festival de San Sebastian: Meilleur Actrice, Anne Bancroft

FILMOGRAPHIE: Arthur Penn est un réalisateur américain, né le 27 Septembre 1922 à Philadelphie, décédé le 28 Septembre 2010 à Manhattan, New-York.
1958: Le Gaucher. 1962: Miracle en Alabama. 1965: Mickey One. 1966: La Poursuite Impitoyable. 1967: Bonnie and Clyde. 1969: Alice's Restaurant. 1970: Litlle Big Man. 1975: La Fugue. 1976: Missouri Breaks. 1981: Georgia. 1985: Target. 1987: Froid comme la Mort. 1989: Penn and Teller get killed. 1995: Lumière et Compagnie (segment).

D'après l'histoire vraie d'Helen Adams Keller (27 Juin 1880 - 1er Juin 1968), Miracle en Alabama dépeint avec souci documenté la leçon d'apprentissage d'une fillette sourde, muette et aveugle sous l'enseigne d'une éducatrice préalablement atteinte de cécité. Vivant comme un animal sauvage et profitant de la charité de ces parents de manière capricieuse, Anne Sullivan va tenter de l'instruire et la sortir de sa condition erratique en emménageant quelques temps au sein de son cocon familial. Après diverses expériences infructueuses, fautes de l'omniprésence de parents trop envahissants et impatients du résultat, elle décide de s'isoler avec Helen dans une grange durant deux semaines. Devant l'autorité castratrice du père de famille, Anne sera renvoyé illico si l'expérience se solde par une défaite. Débute alors pour les deux alliées l'épreuve de force de la dernière chance.

C'est une véritable leçon de tolérance et de pédagogie (persévérante !) que nous initie Arthur Penn en adaptant l'étonnant récit d'une jeune infirme réduite à l'état animal avant de se transfigurer en diplômée universitaire devenue romancière ! Elle deviendra d'ailleurs la première qualifiée handicapée à obtenir cette prestigieuse récompense ! La puissance de l'histoire émane de la relation impérieuse liée entre l'élève et l'enseignante, leurs rapports de force (domination/soumission) s'avérant au départ d'une grande violence pour leur conflit de divergence où crises d'hystéries, provocations et caprices s'accumulent du point de vue du disciple. L'intensité psychologique qui s'y dégage, la manière chirurgicale dont Arthur Penn ausculte leur relation orageuse avant l'accalmie d'une prise de confiance nous sont d'autant mieux exprimées par le brio de comédiennes en roue libre. Anne Bancroft et Patty Duke s'avérant transies d'émoi et de véhémence dans leur tempérament volcanique conçu sur la prise de conscience d'un nouveau mode de vie. Ce qui donne lieu à des moments d'émotion parfois bouleversants lorsqu'elles réussissent à trouver un terrain d'entente par la signification des mots bâtis sur le principe d'obéissance, de respect et enfin de compréhension. Sur ce dernier point, la séquence éloquente illustrant à haute voix la prononciation du mot E.A.U risque d'en ébranler plus d'un dans sa puissance d'émotion libératrice ! Au niveau du portrait parental n'ayant aucune notion d'éducation, Arthur Penn met en exergue l'orgueil d'un paternel conservateur dans ses théories de jugement et d'intolérance, quand bien même la mère protectrice s'apitoie sur la compassion pour la précarité de sa fille handicapée. 

Eloge à l'étymologie des mots (ici, par le langage des signes !) afin d'apprendre et de comprendre leur véritable sens, ode à l'éducation parentale, au respect d'autrui et à la rédemption de l'amour, Miracle en Alabama exploite intelligemment les expériences de la jalousie, de la provocation, de la correction et de la punition afin d'enseigner auprès de l'élève inculte une leçon de connaissance (s'ouvrir au monde pour accéder à la réussite). Profondément passionnant, immersif et souvent éprouvant, de par le cheminement initiatique d'Helen et par l'énergie viscérale déployée avec la complicité de la gouvernante, Miracle en Alabama libère une explosion d'émotions afin de parfaire le miracle de l'existence. Un chef-d'oeuvre sensitif d'une rare puissance de suggestion. 

Remerciement à Gilles Vannier

Bruno Matéï 

FURY

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site ropeofsilicon.com

de David Ayer. 2014. Chine/U.S.A. 2h14. Avec Brad Pitt, Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Pena, Jon Bernthal, Jim Parrack, Brad William He.

Sortie salles France: 22 Octobre 2014. U.S: 17 Octobre 2014

FILMOGRAPHIE: David Ayer est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 18 Janvier 1968 à Champaign, Etats-Unis. 

2005: Bad Times. 2008: Au bout de la nuit. 2012: End of Watch. 2014: Sabotage. 2014: Fury. 

Pendant la seconde guerre mondiale, les tanks américains étaient moins bien armés et blindés que les tanks allemands. Les tanks américains ont subi des pertes dévastatrices face à des véhicules bien supérieurs. 

Nous sommes en Avril 1945. Les alliés se battent au coeur de l'Allemagne nazie et rencontrent la résistance la plus fanatique. Désespéré, Hitler déclare la guerre totale et mobilise chaque homme, femme et enfant... 

Réquisitoire contre l'absurdité et la barbarie de la guerre, Fury nous narre l'équipée héroïque d'une escouade de soldats américains combattant l'ennemi sur le sol allemand à bord d'un char d'assaut. Dirigé par le sergent Don Collier, ils vont devoir user de bravoure, constance et subterfuge pour remporter des missions à haut risque jusqu'à l'ultime point de non retour. Sous couvert de ses actions homériques illustrées de manière poisseuse dans le surréalisme d'une atmosphère mortifère (chant religieux à l'appui intoné de manière gutturale !), David Ayer retransmet avec une rare puissance psychologique l'anxiété de la mort lorsque des soldats US sont incessamment confrontés à bombarder les nazis ou de riposter sans sommation avant leur ultime baroud d'honneur. 

Parmi cette division américaine, une jeune recrue n'ayant jamais participé au front observe avec impuissance et répulsion les charniers de cadavres déchiquetés ou putréfiés avant d'apprendre à tuer sous l'allégeance de son mentor, Don Collier. Ce qui donne lieu à des séquences éprouvantes lorsque ce dernier va par exemple lui ordonner d'exécuter lâchement un prisonnier allemand d'une balle dans le dos. Outre l'impact funeste de sa scénographie belliqueuse à la reconstitution historique criante de vérité, David Ayer ne sombre pas dans la complaisance pour dénoncer la barbarie de l'homme endoctriné à tuer au nom de sa survie ! En dépit de son ultra violence parfois rigoureuse mais néanmoins concise, Fury dégage surtout une atmosphère désespérée de décrépitude au travers de sa nature crépusculaire proprement cauchemardesque, et par le biais du comportement frigide de tirailleurs assoiffés de haine et de rancoeur. De manière subtile et sans effet de racolage, nous nous portons témoins de leur dégénérescence morale où la part du bien et du mal n'a plus lieu de signification et avant de mesurer l'étendue de leur épuisement après avoir à nouveau massacré l'ennemi lors d'une stratégie de défense suicidaire. Afin de mettre en relief l'absurdité de leur guerre et leur crainte innée de trépasser au moment le plus impromptu, la dernière partie nous déploie un morceau de bravoure d'une éprouvante intensité dramatique quand à la destinée précaire de ces 5 héros gagnés par l'honneur du sacrifice ! Avec leur gueule burinée suintant la sueur, les larmes et la poussière, les comédiens s'avèrent communément épatants de vérité déshumanisée dans leur condition meurtrie de machines à tuer. Outre la performance viscérale d'un Brad Pitt hanté par la désillusion et la corruption, ainsi que la prestance austère d'un Shia LaBeouf encore plus affligé dans sa conscience commotionnée, on saluera notamment l'interprétation du jeune Logan Lerman (le Monde de Charlie), étonnant dans la peau d'un bleu couard en pleine propagande meurtrière ! 

Cauchemardesque et ténébreux par l'aura de son onirisme macabre, brutal, désespéré et sans compromis (la séquence du repas s'avère subtilement tendue lors du comportement machiste de soldats brimant l'hospitalité de deux otages allemandes !), Fury est une épreuve de force jusqu'au-boutiste, le requiem d'une croisade méprisable parmi le portrait vérité de cinq (anti)héros condamnés à se racheter dans une idéologie sacrificielle ! Un gros morceau de cinéma encore plus tragique et évocateur qu'un certain soldat Ryan. 

Bruno Matéï

LA MERDITUDE DES CHOSES (De helaasheid der dingen)

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Felix van Groeningen. 2009. Belgique/Hollande. 1h48. Avec Kenneth Vanbaeden, Koen de Graeve, Johan Heldenbergh, Valentijn Dhaenens, Wouter Hendrickx, Gilda De Bal, Bert Haelvoet.

Sortie salles France: 30 Décembre 2009. Belgique: 7 Octobre 2009

Récompenses: Amphore d'or au Festival de Quend du film grolandais, 2009. 

Prix Art et Essai de la CICAE, Festival de Cannes, 2009. 

Meilleur Film, Meilleur Scénario, Meilleur Acteur, Meilleur Acteur de second rôle, Meilleur Espoir, Prix du Public au Prix du Cinéma Flamand, 2010. 

Coup de coeur du Jury Lycéen, Festival Les Enfants du Cinéma (Ardennes), 2011. 

FILMOGRAPHIE: Felix van Groeningen est un réalisateur belge flamand, né à Gand en 1977.
2000: 50CC. 2004: Steve + Sky. 2007: Dagen zonder lief (des jours sans amour). 2009: La Merditude des Choses. 2012: The Broken Circle Breakdown

Déjà responsable de l'électro-choc Alabama Monroe, récompensé en 2014 de l'Oscar du Meilleur Film Etranger, Felix van Groeningen avait déjà montré ses preuves de cinéaste talentueux trois ans au préalable avec La Merditude des choses. Un drame social plutôt glauque dans la peinture marginale adressée à une famille de chômeurs englués dans l'ennui et l'alcool. Le jeune Gunther Strobbe tente de se faire une place au sein de sa famille, entre les beuveries de son père et de ses oncles quotidiennement fourrés dans les bars, et parmi le témoignage impuissant de sa grand-mère. Comment cristalliser alors une adolescence équilibrée et cultivée dans un environnement aussi malsain où les hystéries collectives, les violences verbales et physiques, les grossièretés et les états d'ébriété font partie de son morne quotidien ? 

Alternant tranches de vie du passé et du présent, La Merditude des Choses évoque avec un réalisme cru, pour ne pas dire jusqu'au-boutiste, l'itinéraire incertain d'un adolescent paumé co-existant dans une cellule familiale en déliquescence sociale. Outre la structure avisée du récit prenant soin de décrire les états d'âme fragilisés du jeune Gunther et de brosser le caractère besogneux de chacun des parents, l'intensité qui s'y dégage émane de leurs comportements erratiques à s'y brûler les ailes. Époustouflants de naturel avec leur trogne tuméfiée et leur dégaine ventripotente, les comédiens s'avèrent incroyablement expressifs pour insuffler un humanisme en perdition, entre sentiments de révolte et d'impuissance. Car victimes de leur condition rétrograde et d'une sévère accoutumance à l'alcool, c'est avec la fierté de leur patronyme qu'ils décident de survivre dans une solidarité inconsciente de débauche. Au milieu de ces machistes incultes se vautrant dans la médiocrité, Gunther (Kenneth Vanbaeden s'avère touchant d'innocence et de naïveté dans sa condition infantile) observe leurs effronteries grossières, entre rire amusé, sourire gêné et lassitude grandissante. Victime de désaffection et de déconsidération, notamment envers le corps scolaire, mais épris d'un regain de conscience, c'est avec le soutien de sa grand-mère et d'une assistante sociale qu'il va tenter de modifier son parcours pédagogique afin de concrétiser une destinée plus optimiste. Advenu à son tour adulte quelques années plus tard pour devenir un potentiel écrivain et papa d'un enfant, aura-t'il la maturité responsable de faire face au statut paternel et aura t-il la constance professionnelle de parvenir à son rêve ? En brassant les thèmes de l'exclusion, de l'immaturité, du chômage, des ravages de l'alcool, de l'influence de l'entourage et de la démission parentale, Felix van Groeningen nous ausculte un drame social d'une incroyable verdeur dans la peinture de ces laissés-pour-compte auquel l'émotion poignante et rigoureuse vient nous alpaguer de manière aléatoire. 

Dur, cruel, poignant, bouleversant, La Merditude des Choses s'avère aussi dérangeant qu'éprouvant lorsqu'il nous retranscrit avec gravité et tendresse la quotidienneté d'une famille déshéritée dans les bas-fonds d'un village flamand. Sans misérabilisme et avec souci de vérité, Felix van Groeningen pose la question essentielle de la responsabilité parentale tout en évoquant les conséquences de la postérité d'un enfant ayant évolué dans un milieu familial aussi dépravé. Ode à l'espoir, au courage à l'amour et à la persévérance, un film coup de poing d'une intensité émotionnelle névralgique !

La critique d'Alabama Monroe: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/alabama-monroe-broken-circle-breakdown.html

Remerciement à Dany Dumont et Jennifer Winter

Bruno Matéï

Massacre à la Tronçonneuse / The Texas Chainsaw Massacre. Prix de la Critique, Avoriaz 76

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Silverferox.

de Tobe Hooper. 1974. U.S.A. 1h23. Avec Marilyn Burns, Paul A. Partain, Allen Danziger, William Vail, Teri McMinn, Edwin Neal, Jim Siedow, Gunnar Hansen.

Sortie salles France: 5 Mai 1982. VHS: 1979.

FILMOGRAPHIE: Tobe Hooper est un réalisateur américain né le 25 Janvier 1943 à Austin (Texas). 1969: Eggshells, 1974: Massacre à la Tronçonneuse, 1977: Le Crocodile de la Mort, 1979: The Dark (non crédité), 1981: Massacre dans le Train Fantôme, 1982: Poltergeist, 1985: Lifeforce, 1986: l'Invasion vient de Mars, Massacre à la Tronçonneuse 2, 1990: Spontaneous Combustion, 1993: Night Terrors, 1995: The Manglers, 2000: Crocodile, 2004: Toolbox Murders, 2005: Mortuary, 2011: Roadmaster.

"Totem de chair et folie texane".

Mastodonte de l’horreur poisseuse, épreuve de force traumatique discréditée par la critique bien-pensante dès sa sortie, Massacre à la Tronçonneuse subit les foudres de la censure internationale — en raison de l’intensité de sa violence extrême, de son réalisme aride, et de son caractère faussement sanglant. Hormis son Prix de la Critique à Avoriaz, le film fut marginalisé. Et pourtant, aujourd’hui, tout le monde s’est réconcilié avec l’évidence : la virtuosité de son auteur, l’influence majeure exercée sur des générations de cinéastes, et l’impact émotionnel sidérant infligé aux spectateurs. Tobe Hooper, jadis paria, foule désormais le tapis rouge de Cannes.

À partir d’un pitch trivial — cinq jeunes amis sillonnent la campagne texane pour rejoindre la maison familiale de l’un d’eux, avant d’être méthodiquement exterminés par une famille de rednecks psychopathes —, le jeune Hooper tire un modèle d’efficacité brutale, où les nerfs du spectateur sont mis à rude épreuve durant 1h23 ! Et ce, dès le générique rubigineux, où les flashs d’un appareil photo impriment en gros plan des membres de cadavres putréfiés. Le plan suivant, dévoilant deux corps en position de totem, nous propulse dans un univers où le viol de sépulture est un rite inaugural. Puis vient l’inoubliable séquence de l’auto-stoppeur : l’homme détaille ses anciennes méthodes d’abattage bovin, se tranche la main au canif, puis entaille le bras de Franklyn, l’impotent. La "démence humaine" est plantée.

Avec un souci du détail crapoteux — la caméra s’attardant sur une nuée d’insectes lovés au plafond, ou sur une dent humaine ramassée au sol —, la première partie installe un suspense latent, une montée d’angoisse implacable. Deux maisons insalubres deviennent les portes d’un cauchemar, où surgit le monstre le plus aberrant de l’histoire criminelle : Leatherface. Dès que les protagonistes s’égarent dans cette campagne claquemurée, un sentiment d’insécurité les assiège, amplifié par une bande-son dissonante, hybride, inventée pour l’effroi. Hooper joue avec une atmosphère solaire irrespirable, soulignée par une photo granuleuse et criarde, et un décor insalubre : odeur de charogne, ossements animaux, sang séché… Le spectateur est pris à la gorge.

La seconde partie, la plus cauchemardesque, est une traversée de la folie — un chemin de croix de torture morale, une étude de la démence paroxystique (gros plans sur les yeux révulsés d’une martyre), un crescendo vers l’effroi absolu. Sally Hardesty devient combattante, survivante d’un enfer domestique peuplé de bouchers cannibales. La bande-son, stridente, scande l’hystérie. La course-poursuite débouche sur un repas familial délirant, à la fois cartoonesque et insoutenable. Notamment lors du rituel du marteau, où l’on invoque la main sénile du grand-père pour frapper la victime. L’horreur culmine — et avec elle, un sentiment d’impuissance viscéral, jusqu’au malaise sensoriel.

"Sous le soleil, la charogne".

Tableau schizo de l’Amérique profonde, métaphore de l’exclusion, du chaos et de la désillusion, Massacre à la Tronçonneuse est une plongée sans retour dans la déchéance. Une diatribe sociale sur la précarité, l’ignorance, la marginalisation — et sur ce que la misère engendre de plus monstrueux.

Le film se décline en acmé d’horreur inhumaine, par sa terreur viscérale et son réalisme brutal hérité du reportage. Un bad trip expérimental, à la frontière d’un cartoon vitriolé, où Tex Avery aurait glissé par erreur. Outre sa puissance visuelle et auditive, alternant suggestion oppressante et éclairs de brutalité malsaine, il faut saluer le jeu viscéral d’une scream queen transie de démence : la regrettée Marilyn Burns.

*Bruno

26.04.26. 6èx

Récompense: Prix de la Critique au Festival d'Avoriaz, 1976

Ci-joint la Chronique de Massacre à la Tronçonneuse 2: http://brunomatei.blogspot.fr/…/massacre-la-tronconneuse-2.…

La Chronique du remake Massacre à la Tronçonneuse: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/04/massacre-la-tronconneuse-2003-texas.html

TERMINATOR RENAISSANCE (Terminator Salvation)

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site lunkiandsika.wordpress.com

de McG. 2009. U.S.A. 1h57 (Director's Cut). Avec Christian Bale, Sam Worthington, Bryce Dallas Howard, Roland Kickinger, Common, Anton Yelchin, Moon Bloodgood, Helena Bonham Carter.

Sortie salles France: 3 Juin 2009. U.S: 21 Mai 2009

FILMOGRAPHIE: McG (Joseph McGinty Nichol) est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 2000: Charlie et ses drôles de dames. 2003: Charlie's Angels 2: les anges se déchaînent. 2005: We are Marshall. 2009: Terminator Renaissance. 2012: Target. 2014: 3 Days to Kill.

Repéré avec deux adaptations d'une série TV culte des années 70 (Drôles de Dames), McG est enrôlé en 2007 pour relancer la nouvelle franchise de Terminator dont l'action se situera cette fois-ci dans le futur d'un Los-Angeles post-apo. C'est donc un film de guerre destroy que nous façonne le cinéaste avec l'esthétisme crépusculaire d'une photo désaturée et un sens épique souvent impressionnant dans son lot de bravoures explosives. Que ce soit au niveau des poursuites motorisés, en hélicoptère, en vaisseaux high-tech ou en camion, ou encore celles des offensives belliqueuses manoeuvrées secrètement entre l'homme et la machine, Terminator Renaissance privilégie l'actionner bourrin avec l'efficacité d'un script haletant émaillé d'idées intéressantes. A l'instar de l'identité suspicieuse de Marcus Wright, ancien condamné à mort voué à une résurrection hybride dans le futur de 2018, à l'exemple de la stratégie de défense employée avec une arme capable de paralyser les machines, ou encore au niveau de la démesure des différents prototypes de robots se déplaçant sur moto, sous l'eau ou en vaisseau afin de mieux riposter. 

En dépit d'un manque d'intensité dans les enjeux humains accordés entre John Connor, Kyle Resse et Marcus Wright, le trio réussit tout de même à insuffler une certaine densité dans leur conflit de divergence et leur cohésion héroïque avant de suspecter la condition de l'un d'eux réduit à l'état d'homme-machine. C'est là l'élément le plus intéressant de cette réactualisation du mythe de Frankenstein lorsque le monstre se révoltait contre son créateur de lui avoir violé sa propre identité. Le réalisateur insistant sur la prise de conscience humaine d'un homme d'acier délibéré à déjouer les ambitions immorales de ces créateurs. Une diatribe contre la dictature militaire est également survolée lorsque le général Ashdon s'évertue à donner l'assaut de ces troupes au sein de l'entreprise de Skynet malgré l'enjeu humanitaire de résistants retenus prisonniers à l'intérieur. Afin de retenir l'intérêt, et en dépit de ces séquences homériques décapantes qui empiètent régulièrement le récit, deux facteurs majeurs sont donc alloués à la résistance de nos héros et à la survie de l'humanité ! Retrouver en vie Kyle Reese (le futur père de John Connor !) retenu prisonnier chez Skynet, et détruire ce gigantesque ordinateur responsable de la hiérarchie des machines à tuer. 

En dépit d'un final assez prévisible au sentiment de déjà vu, du manque d'intensité dramatique (exit l'univers dystopique sombre et désespéré entraperçu dans les 2 premiers volets !) et du défaut d'aplomb dans la réalisation, Terminator renaissance ne manque pas de trouvailles, de souffle épique et d'esthétisme cendré (décors décharnés à l'appui !) pour crédibiliser un univers post-apo régi par les robots. S'il est loin de rivaliser avec la réussite des 2 premiers opus, il n'en demeure pas moins un spectacle ultra spectaculaire épaulé des prestances viriles de Christian Bale et Sam Worthington. 

Bruno Matéï

2èx

LE DERNIER DES MOHICANS (The Last of the Mohicans)

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site lecritiqueurfou.blogspot.com

de Michael Mann. 1992. U.S.A. 1h52. Avec Daniel Day-Lewis, Madeleine Stowe, Russell Means, Eric Schweig, Jodhi May, Steven Waddington, Wesley Studi, Maurice Roëves, Patrice Chéreau.

Sortie salles France: 26 Août 1992. U.S: 25 Septembre 1992

FILMOGRAPHIE: Michael Kenneth Mann est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 5 Février 1943 à Chicago.
1979: Comme un Homme Libre, 1981: Le Solitaire, 1983: La Forteresse Noire, 1986: Le Sixième Sens, 1989: LA Takedown, 1992: Le Dernier des Mohicans, 1995: Heat, 1999: Révélations, 2001: Ali, 2004: Collatéral, 2006: Miami Vice, 2009: Public Enemies. 2015: Hacker.

Les colonies américaines. Troisième année de guerre entre l'Angleterre et la France pour la possession du continent. Trois hommes, les derniers d'un peuple en extinction, sont sur la frontière ouest de la rivière Hudson. 

Neuvième adaptation du roman de James Fenimore Cooper, le Dernier des Mohicans relate la guerre de la conquête française sur le sol américain en 1757. Epaulé des Hurons, ils s'engagèrent dans une bataille sans merci contre l'armée britannique, eux même soutenus par les Mohicans. Le récit se concentre ensuite sur l'héroïsme de trois Mohawks venus sauver d'une embuscade l'officier anglais Duncan Heyward et les soeurs, Cora et Alice Munro. Impliqués indirectement dans leur conflit, ils vont tenter d'influencer le colonel britannique Munro de plier bagage d'un fort avant l'offensive attendue des français. 

C'est donc une lutte sans merci pour le pouvoir que nous illustre Michael Mann avec un souffle épique impressionnant. Que ce soit pour la beauté des vallées montagneuses ornées de cascades ou des batailles rangées coordonnées de jour comme de nuit par des armées orgueilleuses, le Dernier des Mohicans transpire la fureur belliqueuse avant de faire appel au romantisme lorsque Nathanael finit par succomber au charme de Cora. Avec une pudeur inscrite dans la noblesse des sentiments, Michael Mann dresse en parallèle le portrait de ce couple en étreinte impliqué au milieu d'un conflit historique qui les dépassent. Par l'aspect sanglant des diverses batailles homériques, on est aussi frappé par la brutalité des affrontements physiques, les Hurons s'acharnant sauvagement sur leurs victimes à coups de hache pour les éventrer, leur arracher le coeur ou les scalper. Par son réalisme acéré, cette barbarie reflète sans complaisance l'inhumanité de la guerre au sein d'une époque colonialiste ancrée dans le conservatisme où le plus couard n'hésitait pas à feindre et trahir son allié pour parvenir à la victoire. Mais le Dernier des Mohicans, c'est aussi une leçon de sagesse, de pacifisme et de tolérance, un sens de l'honneur, de la justice et du sacrifice établis par trois Mohawks afin d'apaiser les tensions. A l'instar de leur compromis partagé avec l'armée anglaise ou de leur stratégie de défense invoquée en dernier ressort pour épargner de la mort trois otages. Ce qui nous converge à un final anthologique d'une intensité dramatique éprouvante et d'un lyrisme bouleversant pour la destinée de ces survivants séparés par la partialité ! 

Dominé par le charisme viril de comédiens insufflant sentiments de bravoure, de loyauté et de dignité, et scandé par l'exaltante partition de Trevor Jones et Randy Edelman, Le Dernier des Mohicans réanime le souffle épique, la candeur romanesque des plus grands récits d'aventures inscrits dans le lyrisme et la fougue des sentiments. Grâce à la virtuosité de la mise en scène, son réalisme historique nous immerge dans ces rivalités étrangères avec fureur et passion pour dénoncer l'orgueil du colonialisme et l'inanité de la guerre dans sa barbarie, son injustice et ses trahisons. Un grand moment de cinéma émaillé de séquences vertigineuses, à l'instar du duo incandescent Daniel Day-Lewis/Madeleine Stowe.

Bruno Matéï

3èx

MISERY. Oscar de la Meilleure Actrice, Kathy Bates, 1991.

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site flickfacts.com

de Rob Reiner. 1990. U.S.A. 1h47. Avec James Caan, Kathy Bates, Lauren Bacall, Frances Sternhagen, Richard Farnsworth, Graham Jarvis.

Sortie salles France: 13 Février 1991. U.S: 30 Novembre 1990

Récompenses: Oscar de la meilleur Actrice pour Kathy Bates, 1991
Golden Globe de la meilleure Actrice pour Kathy Bates, 1991

FILMOGRAPHIE: Rob Reiner est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 6 Mars 1947 dans le Bronx à New-York.
1984: Spinal Tap. 1985: Garçon choc pour nana chic. 1986: Stand by me. 1987: Princess Bride. 1989: Quand Harry rencontre Sally. 1990: Misery. 1992: Des Hommes d'honneur. 1994: L'Irrésistible North. 1995: Le Président et Miss Wade. 1996: Les Fantômes du passé. 1999: Une vie à deux. 2003: Alex et Emma. 2005: La Rumeur court... 2007: Sans plus attendre. 2010: Flipped. 2012: Un Eté magique. 2014: And so it goes.

Démarche inopinée que celle du réalisateur de Stand by me, Princess bride et Quand Harry rencontre Sally de porter à l'écran un suspense horrifique initié par le maître Stephen King. C'est d'ailleurs la seconde fois que Rob Reiner adapte l'un de ses écrits avec le même succès commercial et critique. Régi en mode huis-clos réfrigérant, Misery nous confine à l'intérieur d'un chalet isolé pour nous scander la confrontation au sommet d'un éminent écrivain réduit à la paralysie et d'une fan hystérique avide d'évasion romantique. A travers le portrait de cette quadra solitaire férue de passion pour les histoires de Paul Sheldon, l'intrigue met en exergue le revers de médaille de la célébrité du point de vue de son auteur et surtout le rapport fanatique d'une frange de lecteurs incapables de distinguer la part de fiction et de réalité lorsqu'ils sont obnubilés par l'intensité d'un récit plus vrai que nature. Jusqu'où peut donc mener l'emprise de la passion, l'influence du bouquin, l'addiction des suites à succès chez les êtres susceptibles réduits au spleen de leur solitude ?

Si Misery se prend un finaud plaisir à élaborer un suspense psychologique aussi haletant que sardonique dans ces instants d'humour nerveux, il le doit beaucoup au tandem formé par le couple maudit, James Caan et Kathy Bates. Paralysé depuis son accident de voiture dans un ravin enneigé et toujours plus molesté par sa tortionnaire exigeante, l'acteur exprime avec retenue ses sentiments d'impuissance dans une hypocrisie affable afin d'amadouer sa dominatrice et avant une démarche progressive de stratagèmes de défense. Rob Reiner nous infligeant des moments de suspense tendu lorsqu'il essaie à plusieurs reprises de s'échapper de sa chambre, ou des instants horrifiques d'un réalisme rigoureux lorsqu'il en est sévèrement châtié (personne ne peut oublier l'épisode brutal des pieds broyés par une massue !). Quand à l'ultime confrontation paroxystique, nos nerfs sont mis à rude épreuve lorsque Paul essaie dans une posture précaire de se débattre contre la violence démentielle de sa tortionnaire  ! Pourvue d'une stature corpulente et douée d'un charme attendrissant dans son regard pétillant, Kathy Bates insuffle une présence subtilement perfide dans sa perversité goguenarde à vouloir dompter son otage pour le caprice d'un roman à suites à l'épilogue inconsolable ! Ses crises d'hystérie inattendues et ses éclairs de violence laissant également transparaître la névrose d'une dangereuse sociopathe déjà responsable d'un sordide passé ! La densité cruelle de Misery résulte donc dans ce rapport dysfonctionnel établi entre la victime et le bourreau contraints de cohabiter ensemble pour satisfaire le contentement de cette lectrice irrationnelle avide de romance et de reconnaissance !

Jouissif dans le mécanisme infaillible de son suspense charpenté et éprouvant dans le calvaire cruel imposé à l'écrivain démuni, Misery distille une angoisse sous-jacente et redouble l'efficacité des affrontements psychologiques autour d'un survival subtilement affolant.  

Bruno Matéï
3èx

Sunshine

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Danny Boyle. 2007. Angleterre. 1h47. Avec Cillian Murphy, Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada.

Sortie salles France: 11 Avril 2007. Angleterre: 6 Avril 2007

FILMOGRAPHIE: Danny Boyle est un réalisateur Britannique, né le 20 Octobre 1946 à Manchester.
1994: Petits Meurtres entre amis. 1996: Trainspotting. 1997: Une Vie moins Ordinaire. 2000: La Plage. 2002: 28 Jours plus tard. 2004: Millions. 2007: Sunshine. 2008: Slumdog Millionaire. 2010: 127 Hours. 2013: Trance.

Echec commercial lors de sa sortie, Sunshine bénéficie pourtant d'un spectacle vertigineux régi autour du système solaire lorsque huit astronautes vont tenter de ranimer le soleil à l'aide d'une bombe nucléaire. Or, leur mission va être compromise par un concours de circonstances infortunées. Qu'en sera t-il du devenir de l'humanité ? Si le pitch peut prêter à sourire de par l'aspect fantaisiste d'une telle mission comparable à celle du blockbuster (indigeste) Armageddon, Sunshine élude toute forme de racolage, aussi spectaculaire qu'il soit, pour se focaliser sur l'attitude démunie de ses astronautes en quête existentielle. Et pour une première incursion dans la science-fiction, Danny Boyle s'en sort donc avec les honneurs de nous avoir conçu cette splendide série B (de luxe) riche en rebondissements et rehaussée d'un esthétisme fulgurant au sein de sa scénographie spatiale plus vraie que nature. J'ose même avouer que le réalisme imparti aux décors industriels ou à ceux des vaisseaux spatiaux voguant à proximité de l'immense soleil anticipe le tour de force technique démontré dans le novateur Gravity ! Odyssée de l'espace à la dimension humaine rude quand une poignée de héros vont mesurer leur sens du courage, de loyauté et du sacrifice, Sunshine nous conte leur épreuve de force dans un univers stellaire d'où plane l'ombre d'une divinité malfaisante. 

Confrontés aux dilemmes moraux, aux incidents techniques, aux conflits de virilité puis à la découverte surprise d'un saboteur inconnu, leur espoir de sauver l'humanité s'avère toujours compromise par un concours d'évènements impondérables. Réalisé avec souci de réalisme (euphémsime), à l'instar de l'incroyable beauté de ces effets-spéciaux numériques, Sunshine possède l'atout de filmer l'espace comme si vous y étiez ! Qui plus est, à l'aide d'une intrigue pessimiste où l'avenir de notre humanité est à deux doigts de se volatiliser, les séquences d'action qui s'y interposent sont tributaires du cheminement aussi héroïque que suicidaire des protagonistes à bout de course. Il s'avère donc que, outre sa dramaturgie imposée durant ce cheminement périlleux où les pertes humaines affluent, le film distille une intensité haletante quant à la survie de ces astronautes confrontés à leur curiosité de percer les origines de la vie et à affronter les risques inconsidérés. Quand au final onirique scandé du thème élégiaque de John Murphy et Underworld, il laisse percer l'émotion Spoil ! parmi le témoignage de ces ultimes survivants et d'une famille contemplant de la terre la résultante de leur mission de dernier ressort Fin du Spoil. 

Hymne à l'immensité de l'espace et à ses secrets impénétrables, ode à la bravoure de ces astronautes suicidaires pourvus d'une digne humanité, Sunshine renouvelle l'expédition spatiale avec l'indéniable efficacité d'un script imprévisible épaulé d'une réalisation littéralement formelle (on en prend plein la vue sans interruption possible). Du grand space opera naturaliste qui fera date. 

* Bruno

29.07.22. 

25.03.24. 4èx. Vostfr