Les Jours et les Nuits de China Blue / Crimes of Passion

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Ken Russel. 1984. U.S.A. 1h46. Avec Kathleen Turner, Bruce Davison, Gordon Hunt, Dan Gerrity, Anthony Perkins, Terry Hoyos, Annie Potts, John Laughlin, John G. Scanlon, Janice Renney, Stephen Lee...

Sortie salles France: 19 juin 1985. U.S.A: 19 octobre 1984

FILMOGRAPHIE: Ken Russell est un réalisateur, scénariste, acteur, producteur, monteur et directeur de la photographie britannique né le 3 juillet 1927 à Southampton. 1967 : Un cerveau d'un milliard de dollars, 1969 : Love , 1970 : The Music Lovers, 1971 : Les Diables, 1971 : The Boy Friend, 1972 : Savage Messiah essiah, 1974 : Mahler, 1975 : Tommy, 1975 : Lisztomania, 1977 : Valentino, 1980 : Au-delà du réel, 1984: Les Jours et les nuits de China Blue.1986 : Gothic, 1988 : Salome's Last Dance , 1988 : Le Repaire du ver blanc ,1989 : The Rainbow ,1991 : La Putain, 2002 : The Fall of the Louse of Usher, 2006 : Trapped Ashes segment "The Girl with Golden Breasts".

Délire inclassable à l’exubérance psychotique, porté par un érotisme outrancier, Les Jours et les Nuits de China Blue est une œuvre flamboyante sur la passion du désir et la quête éperdue de l’assouvissement sexuel.

Le pitch : Bobby Grady, détective en fuite d’un mariage stérile, cherche un réconfort charnel dans les bras de China Blue, prostituée comblant sans retenue les fantasmes masculins. Mais derrière cette incarnation sulfureuse, China Blue mène le jour une autre vie, sous le nom de Joanna Crane, styliste introvertie. Bobby tente désespérément de la courtiser, tandis qu’un pasteur désaxé s’acharne à vouloir la repentir, projetant sur elle son propre refoulement.

Quatre ans après son trip métaphysique Au-delà du réel, le sorcier fou Ken Russell poursuit sa cavalcade provocatrice avec ce drame psychanalytique où l’érotisme torride se mêle à une flamboyance sadomasochiste. Réunissant deux comédiens aux trajectoires opposées - Anthony Perkins et Kathleen Turner, engagés dans une guerre des sexes jusqu’au-boutiste - le cinéaste explore l’intégrisme, le refoulement et la frustration sexuelle, mettant à nu des personnages en quête d’une impossible rédemption amoureuse.

Provocateur en diable, maître des ambiances baroques et malsaines (Les Diables), Ken Russell cultive ici une ironie dérangeante pour disséquer la frustration sexuelle au sein du couple, notamment à travers la dérive obsessionnelle de Donny Hopper, prisonnier d’un désir étouffé par une épouse frigide. À travers le personnage ambivalent de China Blue, le cinéaste esquisse un portrait de femme bouleversant : contrainte d’endosser la défroque de la prostituée pour assouvir ses pulsions, mais aussi pour se venger du machisme masculin lors de rituels sadomasochistes.

Bafouée par des années de déceptions amoureuses et hantée par un passé incestueux, elle se refuse à toute relation durable, par peur de l’attachement et de la routine. En guise d’expiation perverse, un prêtre psychotique s’immisce dans son quotidien salace, cherchant à la sauver tout en exorcisant ses propres pulsions interdites. Ainsi, au-delà de la perversion, de la débauche et du désir, Russell dresse le constat amer d’une détresse humaine se réfugiant dans une sexualité de consommation pour anesthésier la frustration.

Dans ce rôle schizophrène et incandescent, Kathleen Turner s’impose avec une spontanéité féroce et un sens de la provocation sidérant. Lascive, dominatrice, effrontée, elle magnétise l’écran par l’audace de ses jeux lubriques et la complicité vénéneuse d’une clientèle pathétique. En Ève déchue, jarretelles et nudité offertes aux excès, l’actrice fait preuve d’un courage rare, d’autant plus qu’elle sortait alors auréolée du succès populaire de À la poursuite du diamant vert. Face à elle, dans l’un de ses derniers grands rôles, Anthony Perkins livre une composition extravagante de pasteur intégriste, obsédé par le péché de la chair, courant godemiché à la main pour asséner versets et châtiments, jusqu’à un final oppressant qui joue ironiquement sur le motif du double et un clin d’œil assumé à Psychose.

Porté par une partition dissonante et électrisante, Les Jours et les Nuits de China Blue convoque un délire visuel baroque, mais aussi une tendresse affligée pour cette satire féministe de la sexualité névrosée et du couple en décomposition. À travers ses figures frustrées, refoulées, schizophrènes et psychotiques, Ken Russell transcende un poème sulfureux sur la passion du désir, l’acceptation de l’échec et la rédemption amoureuse - quand bien même Kathleen Turner et Anthony Perkins s’y livrent à un rapport de force anthologique, destructeur et profondément misogyne.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

19.01.23. 5èx

25.06.15. 4èx
18.02.11 (594 vues)

Note: LAFCA Award de la meilleure actrice pour Kathleen Turner au Los Angeles Film Critics Association Awards.

  

LE LOUP-GAROU DE LONDRES. Oscar des Meilleurs Maquillages, 1982.

                                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site joblo.com

"An American werewolf in London" de John Landis. 1981. U.S.A. 1h37. Avec David Naughton, Jenny Agutter, Griffin Dunne, John Woodvine, Don McKillop, Paul Kember.

Sortie salles France: 4 Novembre 1981. U.S: 21 Août 1981

FILMOGRAPHIE: John Landis est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 3 Août 1950 à Chicago (Illinois, Etats-Unis).
1973: Schlock. 1977: Hamburger Film Sandwich. 1978: American College. 1980: The Blues Brothers. 1981: Le Loup-garou de Londres. 1983: Un Fauteuil pour deux. 1983: La Quatrième Dimension. 1985: Série noire pour une nuit blanche. 1985: Drôles d'espions. 1986: Trois amigos ! 1986: Cheeseburger film sandwich. 1988: Un Prince à New-York. 1991: l'Embrouille est dans le sac. 1992:Innocent Blood. 1994: Le Flic de Beverly Hills 3. 1996: Les Stupides. 1998: Blues Brothers 2000. 1998: Susan a un plan. 2010: Cadavres à la pelle.

Sorti aux Etats-Unis quatre mois après la sortie du tout aussi novateur Hurlements, Le Loup-Garou de Londres révolutionna le genre horrifique grâce en priorité à une séquence de transformation restée inégalée depuis le talent perfectionniste de Rick Barker. Couronné d'un Oscar pour la rigueur de ses effets-spéciaux, ce moment d'anthologie au réalisme saisissant s'avère d'une intensité émotionnelle proprement hypnotique. John Landis filmant au plus près des parties corporelles cette dégénérescence monstrueuse en insistant notamment sur l'impuissance de la victime hurlant sa détresse de ne pouvoir résister à la mutation ! Et à ce niveau, on peut autant saluer le jeu viscéral de David Naughton affligé par la sueur et les larmes pour contempler avec stupeur horrifiée sa déchéance animale ! En parvenant à agencer la comédie et l'horreur, John Landis accomplit le tour de force d'amuser (les facéties espiègles du héros retrouvé nu dans un quartier zoologique de Londres) et de nous terrifier (l'incroyable balade nocturne que nos deux touristes arpentent prudemment dans la campagne brumeuse des Landes) malgré le classicisme de son intrigue centrée sur une malédiction lycanthropique. 

Avec une efficacité imparable dans sa charpente narrative et une maîtrise assidue en terme de réalisation, John Landis réexploite le mythe du loup-garou dans le contexte contemporain d'un Londres hanté par les anciennes traditions. Reprenant les clichés usuels au genre, il parvient donc à renouveler le thème grâce au judicieux dosage réalisme horrifique (meurtres particulièrement sauvages) et fantaisie extravagante (sens burlesque du gag inventif), à point tel que rarement un film dit d'horreur n'aura su aussi bien combiner le brassage des genres. Qui plus est, outre la fonction en roue libre des seconds-rôles pleins de charisme dans leur témoignage ubuesque (le couple d'enquêteurs en perpétuelle discorde), apeuré (toute la clientèle de l'auberge) ou au contraire prévenant (Griffin Dunne endossant la posture putrescente du zombie altruiste, John Woodvine campant avec autorité un patricien loyal) le Loup-garou de Londres n'oublie pas de provoquer l'empathie parmi le couple David Naughton (féru de ferveur spontanée !), Jenny Agutter (succulente de sensualité timorée !). Notamment la condition torturée impartie à David puisque harcelé par son acolyte d'outre-tombe de devoir se plier au suicide salvateur au moment même où il s'éprend d'une jeune infirmière. Enfin, par l'entremise iconique du zombie tourné ici en mode parodique, John Landis parvient encore à détourner le concept canonique du loup-garou avec inventivité (les morts reviennent à la vie tant que la malédiction n'est pas levée !) et sens burlesque payant, quand bien même son point d'orgue catastrophique nous laisse les mains moites par son intensité cuisante !

Multipliant avec générosité les séquences d'anthologie au rythme d'une BO tantôt entraînante, tantôt envoûtante,(les rêves cauchemardesques de David prenant pas sur la réalité de son quotidien, l'exhibition au parc zoologique, la poursuite dans les sous-sols du métro, la panique urbaine empruntée au mode catastrophe et la fameuse transformation animale) Le Loup-Garou de Londres a réussi à renouveler le genre pour s'imposer comme la quintessence moderne du film de loup-garou que seul son homologue Hurlements est parvenu à émuler. 

La Chronique de Hurlements: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/…/hurlements-howling.html

Bruno Matéï

6èx

Frissons d'horreur / Macchie Solari/Autopsy

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de Armando Crispino. 1975. Italie. 1h40. Avec Mimsy Farmer, Barry Primus, Ray Lovelock, Carlo Cattaneo, Angela Goodwin, Gaby Wagner, Massimo Serato, Ernesto Colli.

Sortie salles France: 3 Octobre 1979

FILMOGRAPHIE: Armando Crispino est un réalisateur et scénariste italien, né le 18 Octobre 1924 à Biella, Italie, décédé le 6 Octobre 2003 à Rome.
1966: Le Piacevoli notti. 1967: Johnny le bâtard. 1968: Commandos. 1970: Faccia da Schiaffi. 1972: L'Etrusco uccide ancora. 1974: La Badessa di Castro. 1975: Frissons d'Horreur. 1975: Plus moche que Frankenstein tu meurs.

Thriller un peu trop méconnu en dépit d'une certaine renommée auprès de cinéphiles aguerris, Frissons d'Horreur s'engage dans la voie du thriller (je préfère bannir le terme Giallo) avec maîtrise, efficacité et subversion pour tenir en haleine le spectateur jusqu'à la révélation du coupable. 

Synopsis: Depuis une vague de suicides perpétrés sous un climat solaire irrespirable, une doctoresse est hantée d'horribles hallucinations ! Les cadavres fraîchement débarqués de sa morgue revenant à la vie pour la lutiner. Au même moment, des proches de son entourage disparaissent mystérieusement pour laisser sous-entendre le sacrifice du suicide. Avec l'aide d'un curé, Simona tente maladroitement de démystifier cette affaire morbide. 

Découvert par les amateurs éclairés en location Vhs au prémices des années 80, Frissons d'Horreur distille une aura somme toute particulière au sein du thriller transalpin. De par son goût pour les visions morbides de cadavres nus gouailleurs et de sinistres mannequins exposés dans un musée des horreurs. Ajoutez à cela une connotation sexuelle prégnante pour le désarroi psychologique d'une héroïne en perte de repère et vous obtenez une sorte d'ovni au vitriol où plane même un soupçon de nécrophilie. 

Ainsi, en alliant les meurtres en série d'un mystérieux assassin avec les suicides de quidams en détresse influencés par un climat tropical, Armando Crispino façonne une ambiance d'étrangeté magnétique que la posture équivoque de chacun des personnages accentuera à travers leur névrose interne. A l'instar de ce curé irascible à peine remis de sa convalescence psychiatrique et de Simona, femme médecin plongée dans la névrose depuis la disparition inexpliquée de ses proches et depuis une volonté de lui nuire par la déraison. Si bien que par l'entremise d'une sombre conjuration où suspects et faux coupables font bon ménage, le cinéaste réussit à implanter un suspense graduel en dépit d'une intrigue un peu confuse. Notamment dans sa structure narrative désordonnée d'un montage elliptique et pour l'éventuelle incohérence de certains protagonistes (volontairement outranciers ou au contraire mutiques). On ne manquera pas d'ailleurs de souligner également le caractère inopinément psychotique de certaines confrontations musclées (Simona s'en prenant brutalement à l'un de ses adjoints après une tentative de viol, le curé s'égosillant avec les poings à résonner un voisin de palier) ajoutant à l'ensemble une atmosphère paranoïaque aussi inquiétante que fascinante. Outre la présence charnelle et dénudée d'une Mimsy Farmer pleine d'intensité érotique, et le charisme inquiétant des seconds-rôles masculins, Frissons d'Horreur se permet en outre une sublime partition mélancolique composée par l'illustre Ennio Morricone afin de renforcer cette douce ambiance d'étrangeté "romantisée" que les protagonistes influencent dans leur posture interrogative, équivoque, suspicieuse ou décomplexée (le compagnon de Simona).

Tour à tour glauque et étrange, trouble et déroutant, Frissons d'Horreur pâti peut-être d'un manque de clarté dans l'ossature sporadique du scénario mais déborde de suspense et d'audace (les visions d'effroi de cadavres d'enfants nus lors du prologue psychotique) à distiller un climat interlope où se mêlent sans complexe sexualité et déviances macabres. Un excellent thriller donc toujours plus magnétique, notamment auprès de son charme à la fois mélancolique et vénéneux symptomatique du thriller transalpin. 

*Bruno
14.04.25. 4èx. vf

Frère de Sang / Basket Case

                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site discreetcharmsandobscureobjects.blogspot.co

de Frank Henenlotter. 1982. U.S.A. 1h35. Avec Kevin Van Hentenryck, Terri Susan Smith, Beverly Bonner, Robert Vogel, Diana Browne, Lloyd Pace.

Sortie salles U.S: Avril 1982

FILMOGRAPHIE: Frank Henenlotter est un réalisateur américain de films d'horreur né le 29 août 1950 à New-York. 1982: Frères de sang. 1988: Elmer, le remue-méninges. 1990: Frères de sang 2. 1990: Frankenhooker. 1992: Frères de Sang 3. 2008: Sex Addict.

Ovni culte des années 80 célébré dans les vidéos-clubs en vogue, Frère de Sang fut également la révélation du cinéaste underground Frank Henenlotter, petit maître de la provocation et du mauvais goût dans sa conception d'une improbable amitié morbide entre deux frères siamois. A la croisée d'Elephant Man pour sa plaidoirie sur le droit à la différence et des films gores d'Herschell Gordon Lewis pour son outrance démesurée, Frère de Sang réussit l'exploit d'y communier drôlerie, horreur, dramaturgie par le biais d'exactions vindicatives de Duane et Belial . 

Le Pitch: Après avoir été séparés par des chirurgiens sans scrupule sous l'allégeance d'un père réfutant la monstruosité d'une progéniture siamoise, Duane réussit in extremis à sauver de la mort son frère difforme. L'ayant recueilli dans une poubelle après l'opération, Duane part se réfugier chez sa tante afin de le protéger des badauds et assassins. Quelques années plus tard, les deux frères décident d'accomplir une vengeance méthodique pour châtier les responsables de leur séparation. 

Tourné avec les moyens du bord dans les bas-fonds sinistrés de New-york et en toute illégalité, incarnée par des comédiens amateurs surjouant sans complexe leur prestance extravagante, Frère de sang transpire la série B bisseuse, notamment par le biais d'une photo aussi blafarde que granuleuse. Récit horrifique principalement dédié au gore révulsif et à l'humour sardonique, Frères de sang se complaît à émailler l'intrigue de séquences-chocs redoutablement percutantes (bande-son stridente à l'appui !), tout en parodiant en toile de fond la posture dégénérée d'une foule de marginaux reclus dans un hôtel sordide. Cadre d'aménagement précaire auquel Duane et Belial s'y sont réfugiés le temps de parfaire leur besogne punitive. De par son réalisme crapuleux où les gerbes de sang sont auscultées en gros plan et l'intensité des exactions cruelles d'une créature s'égosillant à tout va sa cruelle condition, Frères de Sang oppose horreur et émotion avec une surprenante empathie. A l'instar de ce flash-back remémorant la tragédie familiale des frères siamois et leur infaillible tendresse impartie l'un pour l'autre. Ainsi, dans le reflet de sa haine meurtrière et par la détresse de son regard habité par la rancoeur de l'injustice, Belial s'avère le véritable pilier émotif, quand bien même la modestie adroite des effets spéciaux parviennent à le crédibiliser dans sa mobilité étriquée, dégingandée. Outre l'aspect spectaculaire des séquences chocs souvent impressionnantes, les ressorts dramatiques impartis à la jalousie possessive de Belial n'hésitent pas à verser dans la cruauté pour les rapports de divergence (et télépathiques) entrepris avec son frère depuis une liaison amoureuse entamée avec une réceptionniste.

Ultra gore, glauque et malsain en diable, drôle, tendre et émouvant, Frères de Sang idéalise l'objet culte de déviance pour l'effronterie du scénario débridé alliant éclairs de violence et bouffées de tendresse parmi l'amour impossible de deux frères infortunés. Du gore underground aussi trash qu'incroyablement dégénéré, à revoir sans modération aucune.  

*Bruno
6èx

Grace. Prix du Jury, Gerardmer 2010.

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Paul Solet. 2009. U.S.A. 1h25. Avec Jordan Ladd, Stephen Park, Gabrielle Rose, Serge Houde, Samantha Ferris, Kate Herriot, Troy Skog.

Sortie salles U.S: 4 Août 2010

FILMOGRAPHIE: Paul Solet est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain.
2009: Grace. 2015: Dark Summer.

"Lait noir"

Récompensé du Prix du Jury à Gérardmer, Grace marque les débuts remarqués de Paul Solet, réalisateur viscéralement inspiré, qui parvient à façonner une atmosphère poisseuse, étouffante, au cœur d’un foyer hanté par l’ombre d’une mère possessive.

Le Pitch: Enceinte et sur le point d’accoucher, Madeline voit son monde s’effondrer lorsque son mari périt dans un accident de voiture. Rescapée in extremis, elle donne naissance à un bébé mort-né... qu’elle parvient, contre toute attente, à ramener à la vie. Mais l’enfant a un besoin vital...

Dans la lignée du Monstre est vivant et de Répulsion, Grace revisite le mythe du bébé tueur avec un réalisme oppressant, presque paranoïaque, en s’appuyant sur la dérive psychique d’une mère accablée par la tragédie : celle de nourrir son enfant d’hémoglobine. Jusqu’à se faire saigner elle-même, livrant son sein à une bouche vorace plus qu’affamée. Le quotidien devient cauchemar. L’atmosphère se fait fétide, saturée d’odeurs de chair, de sang, de pourriture — un maelström sensoriel où même les mouches viennent harceler le sommeil du nourrisson, l’une d’elles s’infiltrant jusque dans sa narine.

Entre drame psychologique (Madeline, déchirée, se perd dans une errance mentale sans retour) et horreur organique (détails macabres, putrescence rampante, corps martyrisés), le film s’enferme dans un huis clos suffocant, où une mère en deuil, hantée par ses fausses couches passées, tente de préserver ce qui reste de sa maternité. Grace explore les confins de l’obsession maternelle, le deuil infantile, et cette irrépressible nécessité de nourrir, quitte à basculer dans la folie — quitte à tuer.

Par une mise en scène clinique, sans concession, Solet ose mêler une sensualité trouble à une imagerie morbide, installant un malaise diffus sous une photographie pastel qui tranche avec la crudité du propos. Lentement, inéluctablement, Grace nous entraîne dans une descente aux enfers — jusqu’à la confrontation ultime. Jusqu’au sang.

"Le Sang des Innocentes".
Éprouvant, sordide, sensoriel et viscéralement dérangeant, Grace est une œuvre malsaine qui brouille les lignes entre instinct maternel et pulsion meurtrière. Une expérience extrême où l’innocence se drape de sang, où l’amour devient sacrifice, et où la chair — même la plus douce — finit par pourrir. À ne pas mettre entre toutes les mains.

*Bruno
3èx. Vost

Piranhas

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site lavisqteam.fr

de Joe Dante. 1978. U.S.A. 1h34. Avec Bradford Dillman, Heather Menzies, Kevin McCarthy, Keenan Wynn, Barbara Steele, Shannon Collins.

Sortie salles France: 15 Novembre 1978. U.S: 3 Août 1978

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984). 1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978: Piranhas. 1981 : Hurlements. 1983 : La Quatrième Dimension, troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich, 5 sketchs .1987 : L'Aventure Intérieure. 1989 : Les Banlieusards. 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération . 1993 : Panic sur Florida Beach . 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action . 2006 : Trapped Ashes , premier segment, Wraparound. 2009 : The Hole.

Piranha. Définition (source Wikipedia): Le terme Piranha est un nom ambigu qui désigne plusieurs espèces de poissons d'eau douce vivant dans les rivières d'Amérique du Sud. Les piranhas se regroupent en bancs pour attaquer une proie plus grosse qu'eux. Ils n'en restent pas moins souvent solitaires, quelle que soit leur taille. Leur longueur moyenne est d'environ 15 à 25 cm ; ils peuvent cependant être plus grands. La plupart sont des prédateurs avec des dents aiguës et un appétit pour la viande. Contrairement à ce que dit la légende, ils ne s'attaquent pas systématiquement aux êtres vivants, mais seulement en présence de sang dans l'eau. Ils peuvent détecter la présence d'une goutte de sang dans l'eau à plusieurs dizaines de mètres.

Démarquage sardonique des Dents de la Mer, Piranhas prône l'amour de la série B sous la houlette du réalisateur néophyte Joe Dante (il s'agit de son second long-métrage) et du célèbre producteur Roger Corman. Le Pitch: Faute d'expériences génétiques de l'armée et de l'inadvertance d'une journaliste, des piranhas d'eau douce parviennent à s'échapper de leur bassin d'expérimentation pour rejoindre la rivière du coin. Un jeune couple vaillant tente d'alerter la population locale au moment même ou le corps militaire s'efforce d'étouffer l'affaire. L'insouciance des bambins d'une colonie de vacances et les touristes d'une station balnéaire vont prochainement servir d'appât aux poissons carnassiers. Avec les moyens du bord mais beaucoup de perspicacité dans la confection d'effets spéciaux adroits et dans l'utilisation judicieuse d'une bande-son grésillante, Joe Dante en extrait un petit modèle d'efficacité. La manière sagace à laquelle il s'emploie à suggérer les exactions des piranhas relevant du prodige par la vigueur du montage et l'impact graphique de certains cadavres lacérés ! 

Pourvu d'une photo soignée afin de souligner l'ambiance estivale de son environnement champêtre, Piranhas insuffle une belle atmosphère solaire autour de l'épanouissement de vacanciers quand bien même la couleur du sang va venir ternir le paysage édénique ! Emaillé de séquences chocs aussi intenses qu'épiques, l'intrigue s'avère d'autant plus haletante parmi l'autorité solidaire d'un couple de héros détournant l'hypocrisie de l'armée et des forces de l'ordre (stratégie d'évasion, vol de véhicule de police, course automobile) au profit de la survie des baigneurs. Fustigeant au passage les manipulations génétiques expérimentées pour la guerre bactériologique et chimique, Joe Dante cultive un goût pour la provocation en pointant du doigt l'hypocrisie américaine jamais remise de la guerre du Vietnam. Outre le caractère jouissif de deux séquences de panique assez intenses en terme de dramaturgie (au passage, les enfants trinquent), Piranhas doit autant son attrait ludique parmi  les attachantes trognes de seconde zone pleins de charisme. Outre la bonhomie badine que forme le duo héroïque Bradford Dillman / Heather Menzies, on y croise également Kevin McCarty en savant-fou névrosé, Belinda Balaski en monitrice vertueuse et Paul Bartel en directeur bourru de colonie de vacances. Quand bien même du côté des antagonistes véreux on y côtoie l'acteur fétiche Dick Miller en magistrat couard, la reine de l'horreur gothique Barbara Steele en médecin affabulatrice et Bruce Gordon en colonel indigne.  

Scandée de la partition lancinante de Pino Donaggio aux accents fragiles, Piranhas exploite le filon horrifico-catastrophique initié par Spielberg avec un goût prononcé pour la dérision ainsi qu'une pointe de tendresse au travers de séquences intimistes innocentes. Bougrement ludique, ce petit classique du B movie allie d'autant mieux les séquences-chocs percutantes et le suspense exponentiel avec un sens infaillible de l'efficacité !

Bruno

06.05.23. 6èx

La Chronique de Piranha 3D: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/02/piranha.html

L'Antre de la Folie / In the mouth of madness. Prix de la Critique, Fantasporto 96.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site arkhamdrive-in.com

de John Carpenter. 1994. U.S.A. 1h35. Avec Sam Neil, Jürgen Prochnow, David Warner, Charlton Heston, Julie Carmen, John Glover, Frances Bay.

Sortie salles France: 8 Février 1995. U.S: 3 Février 1995

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 :The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible, 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Ultime volet de sa trilogie de l'apocalypse initiée par The Thing et Prince des Ténèbres, l'Antre de la Folie est l'un des rares films d'avoir su traiter du thème de la folie avec autant de puissance d'évocation, de par son imagerie paranoïde héritée de l'univers de Lovecraft. Si le scénario n'est en rien le prototype d'un des romans de l'écrivain, John Carpenter lui rend dignement hommage à travers un récit tortueux suggérant plus qu'il ne montre l'ascension du Mal, entre fiction et réalité jusqu'à la conjonction. D'une étonnante subtilité pour le cheminement schizophrène d'un assureur rationnel peu à peu gagné par la perplexité, l'Antre de la folie transcende son investigation parano à travers l'influence d'un écrivain porté disparu. Ce dernier s'avérant le maître de cérémonie de la folie progressive après s'être laissé inspiré par des créatures tapies dans l'ombre des enfers.

Truffé de séquences anxiogènes irrésistiblement effrayantes ou déstabilisantes à travers leur facture baroque particulièrement sardonique, l'Antre de la Folie est entièrement dédié à la singularité d'un scénario retors littéralement ensorcelant. Le Mal étant le pilier d'une malédiction conçue pour annihiler l'espèce humaine. Rien que ça ! Car par l'entremise des écrits diaboliques d'un roman d'horreur prenant forme dans la réalité de notre quotidien et possédant un à un les esprits du lectorat (avec en filigrane une réflexion sur les dangers du fanatisme éprouvant plus d'intérêt à se tailler une raison existentielle au sein de la fiction), les forces du Mal ont décidé de parachever leur dessein afin de matérialiser l'apocalypse sur terre. Leur suprématie, leur arme infaillible pour duper l'ennemi: l'extension de la folie du point de vue d'un public fanatique addicte aux romans d'horreur ! Cette mise en abyme, l'enchâssement insinueux de la fiction au sein de notre quotidennieté, John Carpenter la maîtrise à la perfection par le biais d'une réalisation vertigineuse renouvelant sans cesse l'angoisse des situations inédites. A l'instar de son final espiègle désireux de railler cette fois-ci l'esprit du spectateur pour le contaminer à son tour dans une folie contagieuse. Cette ironie mordante cultivé par un venin reptilien est également une des forces du métrage afin de mettre en exergue l'esprit sarcastique de son thème principal: la paranoïa collective engendrant l'hystérie meurtrière tout en nous interrogeant sur notre réalité potentiellement créée/manipulée par un alchimiste, un créateur, un apprenti sorcier apatride, 

Une expérience schizo douée d'organisme.
Réflexion sur l'identité, la paranoïa et le fanatisme, méditation sur le pouvoir de persuasion à travers l'autorité d'un auteur mais aussi du point de vue visionnaire d'un cinéaste, l'Antre de la Folie semble avoir été écrit par un diable ricaneur tant la puissance de ses images dérangeantes nous transfigure l'avènement de l'apocalypse. Chef-d'oeuvre schizo s'il en est, (dans) l'Antre de la Folie (titre on ne peut mieux approprié) est également un jubilatoire exorcisme à nos pire frayeurs pour sa parabole impartie à l'influence du Mal et à notre attrait irrésistible pour la fiction conçue pour nous ensorceler.

*Bruno
28.08.24. 4èx. Vostfr

L'Incroyable Alligator

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site imgsoup.com

"Alligator" de Lewis Teague. 1980. U.S.A. 1h31. Avec Robert Forster, Robin Riker, Michael V. Gazzo, Dean Jagger, Sydney Lassick, Jack Carter, Perry Lang, Henry Silva.

Sortie salles France: 16 Juin 1982. U.S: 2 Juillet 1980

FILMOGRAPHIE: Lewis Teague (né le 8 mars 1938 à Brooklyn, New-York, Etats-Unis) est un réalisateur, monteur, acteur et directeur de la photographie américain. 1974: Dirty O'Neil. 1979: The Lady in red. 1980: L'Incroyable Alligator. 1982: Fighting Back. 1983:Cujo. 1985: Cat's Eye. 1985: Le Diamant du Nil. 1989: Collision Course. 1990: Navy Seals: les meilleurs. 1991: Wedlock.

Un formidable B movie parvenant avec des moyens modestes à nous faire croire à l'improbable en la présence incongrue d'un alligator géant ! 

Dans la lignée de C.H.U.D et d'Epouvante sur New-York réalisés quelques années plus tard et d'une poignée de séries Z (Killer Crocodile, Alligator, Crocodile), L'incroyable Alligator exploite le filon du gigantisme animalier lorsqu'un croco devient la victime d'une mutation génétique à la suite d'un produit toxique déversé dans les égouts par des scientifiques peu scrupuleux. Confiné dans les canalisations, il hante les lieux à la quête de proies humaines. Après la découverte de cadavres déchiquetés, les médias s'emparent de l'affaire et créent un vent de panique alors que l'inspecteur David Madison est chargé de l'enquête. Inspiré des Dents de la mer pour reprendre son concept horrifico-catastrophiste, l'Incroyable Alligator se porte également héritier des classiques alarmistes des années 50 parmi lesquels Des monstres attaquent la ville ou la Chose surgie des ténèbres. Dénonçant en filigrane les dérives illégales de la vivisection lorsque des scientifiques sans vergogne ont décidé d'expérimenter un produit chimique (un dérivé de la testostérone) sur des animaux de labo, Lewis Teague aborde les dangers de la pollution en guise d'agroalimentaire. Outre sa volonté militante de fustiger les dérives de la science sans toutefois en châtier ses responsables, l'intrigue met surtout en pratique l'investigation ardue d'un détective et d'une charmante scientifique afin de débusquer l'alligator.

Arpentant sans succès les égouts parmi une escorte de spécialistes, David Madison est également compromis par l'accueil impromptu d'un chasseur mégalo avant de se réconforter dans les bras de sa collègue. Si sa structure narrative conventionnelle (massacres, enquête, idylle amoureuse, traque en règle) fait preuve de paresse pour renouveler son concept horrifique, la bonhomie attachante du couple de héros formé par Robert Foster et Robin Riker, et l'aspect fascinant de la créature disproportionnée cultivent une constante efficacité à l'ensemble purement divertissant. Notamment par le biais de deux séquences aussi spectaculaires qu'audacieuses dans leur schéma catastrophique, témoignage de masse d'une population en panique à l'appui ! L'alligator ayant parvenu à rejoindre les ruelles de la ville, particulièrement celle où une réception bat son plein parmi l'élite d'invités mondains. Avec modestie, et afin de renforcer son degré de réalisme, le cinéaste combine astucieusement la qualité d'effets mécaniques avec l'authenticité d'un saurien déambulant autour de maquettes très réussies. Ainsi, en dépit de son aspect bricolé pour autant pétri de charme, ses séquences jouissives parviennent autant à amuser qu'à provoquer frisson et fascination, effets gores soignés en sus.

Si l'Incroyable Alligator pâti d'un manque de densité à travers sa structure narrative et d'une absence de psychologie du point de vue de nos héros bonnards, la décontraction amusée de l'excellent Robert Foster, ses seconds rôles tous aussi charismatiques (Henry Silva en tête !), ses touches d'humour fantaisistes (l'intrusion grotesque du poseur de bombe dans le commissariat, le merchandising autour de la célébrité de l'alligator), son savoir-faire technique, comme le souligne la présence surdimensionnée du caïman, parviennent à élever cette attrayante série B au rang de classique du Monster movie.

*Bruno Matéï
11/03/22.

4èx.

Les Monstres de la Mer / Humanoids from the deep/Monster

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site boblarkin.blogspot.com

de Barbara Peeters. 1980. U.S.A. 1h20. Avec Doug McClure, Ann Turkel, Vic Morrow, Cindy Weintraub, Anthony Penya, Denise Galik-Furey, Lynn Theel.

Sortie salles : 28 Août 1980

FILMOGRAPHIE: Barbara Peeters est une réalisatrice, scénariste, actrice et productrice américaine. 1970: Je suis une hard-girl. 1972: Bury me an Angel. 1974: Summer School Teachers. 1978: Starhops. 1980: Les Monstres de la Mer.

Produit par Roger Corman, juste avant qu’il ne se consacre à d’autres projets tout aussi débridés (La Galaxie de la Terreur, Mutants), Les Monstres de la mer peut sans conteste rejoindre ce duo gagnant tant il est conçu avec autant d’intention sincère que de maladresse. Cette contradiction engendre un divertissement d’une dérision irrésistible, porté par des ressorts dramatiques que la réalisatrice aborde gravement, à l’aide d’un montage sporadique mais efficace. Bourré de clichés et de personnages stéréotypés, Barbara Peeters en abuse sans complexe pour divertir un public complice, venu frissonner le sourire aux lèvres. Dominé par d’aimables trognes de seconde zone bien connues des amateurs (Doug McClure et le regretté Vic Morrow !), Les Monstres de la mer s’édifie en concentré d’horreur bisseuse, uniquement voué au plaisir innocent du samedi soir.

Ciblant pour thème la pollution via le DNA 5, substance conçue pour stimuler l’hormone de croissance des saumons génétiquement modifiés à des fins agroalimentaires, l’intrigue n’est qu’un prétexte à émailler, à intervalles réguliers, agressions sanglantes d’amphibiens humanoïdes, étreintes sexuelles de jeunes touristes en rut et stratégies d’attaque menées par les résidents d’un port ! Car après avoir dévoré ces saumons mutants, les cœlacanthes (poissons crossoptérygiens) ont fini par adopter une mutation génétique semblable à celle de l’homme-poisson.

Si l’on songe naturellement au Continent des hommes-poissons de Martino, leur anatomie visqueuse évoque tout autant la créature du lac noir de Jack Arnold. Et si ces créatures quasi omniprésentes prêtent à sourire par leur apparence grand-guignolesque et leur posture tantôt meurtrière, tantôt lubrique (elles n’hésitent pas à violer des filles en bikini, étendues sur la plage, pour parachever leur évolution !), la qualité des maquillages fascine néanmoins par leur aspect étonnamment réaliste. On est en tout cas loin de la défroque caoutchouteuse des Kaijus japonais issus de la Toho.

Délibérée à façonner un pur produit d’exploitation dédié à la vigueur trépidante, Barbara Peeters ne perd pas de temps et embraye dès les premières minutes : deux rebondissements tragiques précèdent une hilarante baston de rue, où les coups pleuvent sous l’œil hilare de la foule d’un bal populaire. L’intrigue se recentre ensuite sur les tensions entre un pêcheur raciste (Vic Morrow), très remonté contre la défiance d’un Indien placide, et un pêcheur pacifiste (Doug McClure), venu prêter main-forte au second avant de découvrir l’origine des humanoïdes, épaulé d’une scientifique.

Pour parachever ce traditionnel concept catastrophiste hérité des Dents de la mer, Les Monstres de la mer surenchérit avec la fête annuelle de la station balnéaire, où les créatures, réunies en masse, vont ébranler la tranquillité des invités. Une scène de panique anthologique, fertile en rebondissements sanglants et en explosions, quand bien même la drôlerie involontaire de la plupart des affrontements naît autant de la frénésie risible des monstres que de celle des protagonistes, surjouant leur condition épeurée.

Débordant de générosité entre action homérique, sexe polisson et effusions de gore parfois spectaculaires, Les Monstres de la mer alterne cocasserie et fascination. Par le biais de ses créatures avides de rancœur meurtrière et de la prestance cabotine de comédiens de seconde zone, sobrement impliqués dans leur héroïsme en herbe, il émane de cette savoureuse série B un charme bonnard, aussi grotesque que jouissif, fréquemment rehaussé par le grand-guignol d’effets spéciaux adroits et de gore cracra.

*Eric Binford.

Clin d'oeil à Jean-Pierre Putters.
01.06.26. 4èx

23/09/21.

La Chronique de Mutant: http://brunomatei.blogspot.com/2012/01/mutant-forbidden-world-grand-prix-du.html
La chronique de la Galaxie de la Terreur (la): http://brunomatei.blogspot.fr/…/la-galaxie-de-la-terreur.ht…

La critique de Mathias Chaput:
Produit par Roger Corman en pleine apogée des films fantastiques et d'horreur qui fleurissaient outre Atlantique et qui remplissaient les drive-in et les salles obscures, il faut être honnête et reconnaitre que ce "MONSTRES DE LA MER" est un véritable régal, un petit bijou du genre...

Le film s'apparente sans difficultés aux « pop corn movies » qui firent le bonheur des aficionados puis bien après des vidéastes, friands de films gore de monstres, pimentés par un soupçon d'érotisme et un sens de l'action inné, qui fit l'apanage et la marque de fabrique du père Corman, qui rencontra un gros succès grâce à cette recette parfaitement huilée et à l'efficacité inaltérable et inaltérée...
Doug Mac Clure (l'inoubliable acteur des films de Kevin Connorsur les continents oubliés, "LE SIXIEME CONTINENT", "LE CONTINENT OUBLIE" et consorts) tient une composition honnête dans son rôle de redresseur de torts bourru et forçant la sympathie et les autres comédiens sont parfaitement impliqués, amplifiant la crédibilité du métrage qui pousse même le détail sur une origine de l'apparition des monstres parfaitement concevable et identifiable pour le spectateur...

Il y a une logique à tout cela, les « monstres » issus de mutations génétiques ne tombent pas là comme un cheveu dans la soupe, leur présence est la résultante de faits bien précis !
La réalisation est soignée, les effets gore font mouche (notamment dans la scène de l'attaque lors de la foire, qui vire à la pantalonnade !) jusqu'à un dénouement particulièrement graveleux et cradingue, à réserver aux plus aguerris d'entre nous...

Une bonne histoire, un bon scénario, des moyens conséquents, tout cela fait prendre la mayonnaise correctement et l'ensemble s'avère convaincant et particulièrement réussi !
Un petit bijou, témoignage d'une époque révolue, où naïveté se conjuguait avec imagination via un postulat délirant certes, mais qui tient parfaitement la route !
Excellent ! 8,5/10

2000 Maniacs / Two Thousand Maniacs

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorsociety.com

d'Herschell Gordon Lewis. 1964. U.S.A. 1h27. Avec William Kerwin, Connie Mason, Jeffrey Allen, Ben Moore, Gary Bakeman, Jerome Eden.

Sorti uniquement en video en France. Sortie salles U.S: 20 Mars 1964

FILMOGRAPHIE: Herschell Gordon Lewis est un réalisateur, scénariste, producteur, directeur de photographie, acteur et compositeur américain, né le 15 Juin 1926 à Pittsburgh, Pennsylvanie (Etats-Unis). 1963: Blood Feast. 1964: 2000 Maniacs. 1965: Monster a go-go. 1965: Color me blood red. 1967: A taste of blood. 1970: The Wizard of Gore. 1972: The gore gore girls. 2002: Blood Feast 2.

 

"2000 Maniacs : rires et viscères". 

Un an après avoir révolutionné le cinéma d’horreur avec Blood Feast, premier film sanglant de l’histoire, le néophyte Herschell Gordon Lewis exploite à nouveau son filon sanguinolent avec 2000 Maniacs, considéré à juste titre comme son film le plus ludique. Partant d’un concept aussi original qu’ubuesque, 2000 Maniacs relate les épreuves de loisir endurées par trois couples de touristes égarés à Pleasant Valley, après un détour fatal. Accueillis en grande pompe par le maire et sa populace sudiste, ces derniers n’ont qu’un dessein : sacrifier ces jeunes yankees pour fêter, dans la viande fraîche, le centenaire de la guerre de Sécession.

Dépourvu de toute ambition psychologique, porté par des comédiens amateurs et bricolé avec trois bouts de ficelle, 2000 Maniacs mise tout sur l’inventivité de ses meurtres et l’euphorie d’une population ivre de festivités. À ce titre, et avec plusieurs décennies d’avance, Lewis peut se vanter d’avoir semé la graine du "torture porn", tant ses crimes absurdes redoublent de cruauté sous l’œil hilare d’une foule hystérique ! Du supplice équin au massacre à la hache, de l’épreuve du tonneau clouté à celle du rocher, chaque mise à mort, planifiée au cœur d’une kermesse champêtre, distille une cocasserie morbide malgré le ridicule des maquillages. Lewis s’attarde sur les gros plans de chairs fendues, de membres tranchés, de plaies béantes, baignant dans un sang criard et visqueux. Et cela fonctionne, mine de rien : l’hémoglobine dégoulinante a toujours son petit effet de répulsion. Dépourvu de suspense et de véritables enjeux dramatiques, le film concède malgré tout un mince frisson du côté du dernier couple en cavale. Qu'importe, il s'y dégage un tel charme (révolu) de la pellicule vintage que l'on se laisse aguicher jusqu'au générique de fin. 

"Guerre de Sécession et kermesse de l’horreur".

Perle vintage, où l’intrigue génialement improbable s’effrite au profit du grand-guignol de défouloir, 2000 Maniacs reste aussi plaisant que délirant, et imprime à jamais sa marque sur l’autel du ciné-gore. Grâce à l’audace de ses exécutions crapuleuses, la verve pittoresque de ses rednecks incultes et l’atmosphère estivale de sa kermesse banjo en bandoulière, 2000 Maniacs mérite d’être vu et revu, avec un plaisir sardonique inchangé.

*Bruno

26.08.19. 5èx

Les Prédateurs / The Hunger

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site pixshark.com

de Tony Scott. 1983. U.S.A./Angleterre. 1h36. Avec Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon, Cliff De Young, Beth Ehlers, Dan Hedaya, Rufus Collins, Suzanne Bertish, James Aubrey, Ann Magnuson... 

Sortie salles France: 13 juillet 1983   U.S.A: 29 avril 1983

FILMOGRAPHIE: Tony Scott (né le 21 juillet 1944 à Stockton-on-Tees, Royaume-Uni - ) est un réalisateur, producteur, producteur délégué, directeur de la photographie, monteur et acteur britannique. 1983 : Les Prédateurs, 1986 : Top Gun, 1987 : Le Flic de Beverly Hills 2, 1990 : Vengeance,1990 : Jours de tonnerre, 1991 : Le Dernier Samaritain,1993 : True Romance, 1995 : USS Alabama,1996 : Le Fan,1998 : Ennemi d'État, 2001 : Spy Game, 2004 : Man on Fire,   2005 : Domino, 2006 : Déjà Vu, 2009 : L'Attaque du métro 123, 2010 : Unstoppable.

"La Soif et le Silence".

Premier essai derrière la caméra de Tony Scott, Les Prédateurs marqua toute une génération de spectateurs, principalement grâce à son épure formelle scandant un requiem d’amour et de mort autour de l’avarice vampirique pour une jeunesse éternelle. Novateur dans son refus hétérodoxe du thème éculé, Tony Scott ose également confronter à l’écran deux icônes singulières que le duo David Bowie / Catherine Deneuve transfigure avec une grâce élégiaque.
 

Le Pitch: À New York, John et Myriam sont des vampires, unis dans un amour passionnel depuis des millénaires. Jusqu’au jour où John, frappé par une étrange maladie – peut-être la progéria –, commence à vieillir à vitesse accélérée. Condamné, Myriam accepte difficilement le fardeau avant de reporter son affection sur Sarah, une doctoresse spécialisée dans la longévité, contactée par John en ultime recours.

"Les Derniers Soupirs de l’Immortel".
Échec public à sa sortie, peut-être en raison de son rythme languide, entièrement dévoué à la beauté des images et à la fragilité de ses personnages en perdition, Les Prédateurs s’impose comme une œuvre atypique dans le paysage vampirique. En témoigne son prologue musical : clip new wave dans une boîte punk, où John et Myriam, lunettes noires et cuir noir, attirent leurs proies dans leur appartement pour une étreinte macabre. Le tube Bela Lugosi’s Dead de Bauhaus intensifie cette séquence hypnotique, entre exactions sanglantes et romantisme mortuaire.
En montage parallèle, Scott juxtapose deux séquences : la fureur d’un singe dévorant son compagnon et l’union charnelle de John et Myriam avant leur rituel sacrificiel. Leur Ankh, bijou égyptien renfermant une lame, scelle le destin de leurs victimes.
Passé cet interlude expérimental, l’ambiance bascule dans la douceur d’une mélodie classique, nous immergeant dans le cocon victorien du couple. La première partie, anxiogène et poignante, relate la dégénérescence inexorable de John. Les maquillages hyperréalistes de Dick Smith impressionnent dans leur précision à décatir Bowie étape par étape, jusqu’aux macchabées du final, saisis dans une putrescence glaciale. Ces instants de poésie charnelle éveillent une empathie profonde pour ce vampire en bout de course. Ue émotion élégiaque émerge, magnifiée par l’esthétisme épuré de Tony Scott. 

 

"Sous les draps de soir, le néant".
Les Prédateurs explore la fatalité de la mort sous le prisme de l’injustice du temps, qui érode inexorablement jusqu’à ce que nos restes rejoignent la poussière. Mais pour le vampire, point de repos ni de salut : seulement l’errance dans l’opacité, accompagné des soupirs d’ancêtres parcheminés pleurant leur immortalité.
La seconde partie s’oriente vers l’attraction de Sarah pour Myriam. Une union saphique consumée dans la douceur d’un appartement soyeux, drapé de linceuls, sculptures et soieries, où l’érotisme langoureux se mêle au poison. Sarah, séduite, devient l’héritière conjugale, remplaçant John, mais rattrapée bientôt par le doute et la culpabilité.
Que dire de ce casting ? Qui aurait imaginé Catherine Deneuve, icône française, aux côtés de David Bowie dans un film fantastique ?
Deneuve, tout en distance, froideur et majesté, incarne une vampire aristocratique, briseuse de cœurs, lasse de voir ses amants faner. Bowie, bouleversant dans sa posture de mourant, s’accroche désespérément à un reste de vie, jusqu’au dernier sacrifice. Susan Sarandon, quant à elle, s’impose par sa sensibilité confuse, tiraillée entre désir et rédemption.

"Éternité en cendres"

Réflexion sur la vieillesse comme lente agonie, sur le temps qui efface les visages et sur l’illusion de l’amour éternel, Les Prédateurs s’érige en poème funèbre, où l’obscurité s’impose comme ultime refuge.
Entre la fulgurance d’une photographie picturale aux accents classiques et le score électro-baroque de Rubini et Jaeger, ce chef-d’œuvre sensuel et glaçant irradie une beauté morbide. Le film distille une aura trouble, incandescente, suspendue entre deux baisers : Deneuve / Bowie, Deneuve / Sarandon. Deux crépuscules, deux tragédies. Une seule éternité.

Bruno Matéï
09.01.11. 4èX. (137 vues)
10.06.14. 5èx