POUR UNE POIGNEE DE DOLLARS

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site actionmovie.kronosline.com 

"Per un pugno di dollari" de Sergio Leone. 1964. Italie. 1h36. Avec Clint Eastwood, Gian Maria Volontè, Sieghardt Rupp, Wolfgang Lukschy, Marianne Koch, José Calvo, Joseph Egger, Antonio Prieto.

Sortie salles France: 16 Mars 1966. Italie: 12 Septembre 1964.

FILMOGRAPHIE: Sergio Leone est un réalisateur, scénariste et producteur italien, né le 3 Janvier 1929 à Rome, décédé le 30 Avril 1989.
1959: Les Derniers Jours de Pompéi, 1960: Sodome et Gomorrhe, 1961: Le Colosse de Rhodes, 1964: Pour une poignée de Dollars, 1965: Et pour quelques Dollars de plus, 1966: Le Bon, la Brute et le Truand, 1968: Il Etait une fois dans l'Ouest, 1971: Il était une fois la Révolution, 1973: Mon Nom est Personne (co-réalisé avec Tonino Valerii), 1975: Un Génie, deux Associés, une Cloche (co-réalisé avec Damiano Damiani), 1984: Il Etait une fois en Amérique, 1989: Les 900 jours de Leningrad (inachevé).

Succès international célébrant l'avènement du Western Spaghetti,  Pour une poignée de dollars fut sifflé par les critiques françaises de l'époque lui reprochant sans doute sa violence et son sadisme au sein d'un climat poisseux de dégénérescence immorale. A l'instar du massacre lâchement perpétré par Ramon et ses sbires contre les Baxter ou lors de leur passage à tabac infligé sur l'homme sans nom. S'inspirant d'un classique d'Akira Kurosawa, Yojimbo, Pour une poignée de dollars dépeint avec stylisme singulier (entendez par là, pour le genre !) la confrontation ardue entre deux clans de contrebandiers quand bien même un étranger américain viendra s'immiscer entre eux pour y semer la zizanie et réparer justice auprès de la population et du gouvernement.

Dans un rôle taillé sur mesure, Clint Eastwood crève l'écran dans sa carrure placide de redresseur de tort inscrit dans la loyauté et la bravoure. Nanti d'un charisme viril à travers l'intensité d'un regard reptilien, il magnétise ses rivaux lors de duels déjà emphatiques (zooms sur les regards en sueur, plans larges et iconiques de tronches insalubres aux yeux perçants) que Sergio Leone peaufinera avec d'autres westerns plus emblématiques (Et pour quelques dollars de plus, Il était une fois la Révolution, Le Bon, la Brute et le Truand et surtout le légendaire et inoxydable Il Etait une fois dans l'Ouest). Dosant efficacement humour noir, drame et action sous l'impulsion de subterfuges qu'exécute en catimini l'Etranger, Pour une poignée de dollars enchaîne les attaques et contre-attaques entre clans avant que ces derniers ne cernent la cause de leur discorde. Fort d'une violence réaliste inhabituelle pour le genre, et outre sa galerie de trognes burinées que les seconds-rôles se partagent de façon viciée, la présence cynique de Gian Maria Volontè renforce à merveille le climat putassier du cadre asséché de l'action ! Littéralement habité par sa prestance impudente, l'acteur se prête au jeu du leader sans vergogne avec une expressivité sadique. Outre le soin imparti à la structure narrative et à l'esthétisme vétuste du climat de désolation (photo sépia à l'appui), Sergio Leone convoque également le maestrio Ennio Morricone pour parfaire l'émotion des enjeux humains. Ce dernier composant avec une ambition sans retenue diverses mélodies par l'entremise d'un lyrisme tantôt solennel, tantôt enjoué.

Bien que Pour une poignée de dollars s'avère le western spaghetti le moins réussi de sa filmographie, Sergio Leone est tout de même parvenu avec ce premier essai à créer et imposer son style si bien que les duels archétypaux qui empiètent parfois l'intrigue font déjà preuve d'une vibrante intensité émotionnelle ! Un classique du genre avant-gardiste dont les effluves du temps ne semblent avoir aucune emprise.  

B-M

IN THE DEEP / 47 METERS DOWN

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Johannes Roberts. 2016. U.S.A. 1h29. Avec Matthew Modine, Mandy Moore, Claire Holt, Santiago Segura, Yani Gellman, Chris J. Johnson, Axel Mansilla.

Inédit en salles en France. Sortie Dtv France: 28 Septembre 2017

FILMOGRAPHIE: Johanne Roberts est un réalisateur, producteur, scénariste américain, né le 24 Mai 1976 à Cambridge. 2016: In the Deep. 2016 The Door. 2012 Storage 24. 2011 Roadkill (TV Movie). 2010: F.  2005 Forest of the Damned. 2004 Darkhunters. 2004: Hellbreeder. 2002/II Alice. 2001: Sanitarium (Video).

Uniquement disponible en Dtv sur notre territoire, In the Deep emprunte la démarche modeste d'une série B pour exploiter à nouveau la peur du requin. En villégiature au Mexique, deux soeurs décident de partir en croisière avec des inconnus rencontrés la veille d'une soirée festive. Pour contempler d'un peu plus près les requins, ces derniers les sollicitent à descendre au fond de l'océan à l'aide d'une cage d'observation. Mais un incident technique contraint les plongeuses à y rester embrigadées en attendant les secours. Alors que les requins sont à l'affût, leur masque de plongée commence à manquer d'oxygène. Sous le principe du survival tendu et oppressant, Johanne roberts surprend habilement dans sa capacité à décupler les situations de danger sans faire preuve d'esbroufe. Si les dix premières minutes présagent le pire dans ses clichés éculés (le dépit amoureux que l'une des héroïnes éprouve, la fiesta arrosée qui s'ensuit pour opérer le deuil), la suite embraye rapidement vers des enjeux de survie à couper le souffle (au sens littéral du terme !).

Fort d'une idée aussi ingénieuse que singulière (embrigader deux plongeuses dans une cage d'acier à plus de 50 mètres de profondeur alors que des requins accourent !), le réalisateur s'avère redoutablement inspiré pour faire monter la pression anxiogène d'une menace binaire (celle des requins et de l'oxygène en instance de ravitaillement). Qui plus est, l'utilisation d'authentiques requins à l'écran nous immerge dans l'action avec un réalisme cauchemardesque ! Nos deux héroïnes démunies s'efforçant de se triturer les méninges afin de solutionner leur espoir d'évasion tout en redoublant de vigilance pour l'hostilité des squales. Véritable descente aux enfers marins, In the Deep dépayse en diable afin d'extérioriser une angoisse viscérale permanente lorsque nos survivantes s'efforcent de s'épauler et de relever les défis avec une stoïcité teintée de désespoir. En instaurant une perpétuelle pression durant leur épreuve de force (notamment ce risque d'azote contracté dans le sang causant ainsi des hallucinations), Johanne Roberts pousse le vice jusqu'au bout pour culminer vers un final couillu aussi palpitant qu'escarpé (au risque de déconcerter une partie du public).

Filmant l'immensité de l'océan comme un enfer aquatique privé de tous repères, In the Deep immerge de plein fouet le spectateur dans une épreuve de survie aussi haletante que suffocante. Exploitant intelligemment son concept original d'embrigadement restreint à l'intérieur même d'un grand bleu sans échappatoire, Johanne Roberts recourt à un réalisme acerbe pour osciller angoisse et terreur sous l'impulsion solidaire d'héroïnes en perdition (sobre talent des comédiennes fondé sur une expression viscérale ). Une excellente pépite donc que les amateurs de requins-tueurs auraient tort de zapper !

B-M

JACK L'EVENTREUR

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site alchetron.com

"Jack the Ripper" de Robert S. Baker et Monty Berman. 1959. Angleterre. 1h24. Avec Lee Patterson, Eddie Byrne, Betty McDowall, Ewen Solon, John Le Mesurier, Garard Green.

Sortie salles France: 10 Août 1960

FILMOGRAPHIE:  Robert S. Baker est un producteur, réalisateur et directeur photo britannique né le 17 octobre 1916 et mort le 30 septembre 2009.
1949 : Melody Club co-réalisé avec Monty Berman. 1950 : Blackout. 1952 : 13 East Street. 1953 : The Steel Key. 1956 : L'ennemi invisible. 1959 : Jack l'Éventeur co-réalisé avec Monty Berman. 1960 : The Siege of Sidney Street co-réalisé avec Monty Berman. 1961 : Les Chevaliers du démon co-réalisé avec Monty Berman. 1961 : Le Secret de Monte Cristo co-réalisé avec Monty Berman.
Monty Berman est un producteur, réalisateur et directeur photo britannique né le 26 mars 1905 et mort le 14 juin 2006. 1959 : Jack l'Éventeur coréalisé avec Robert S. Baker. 1961 : Les Chevaliers du démon (The Hellfire Club) coréalisé avec Robert S. Baker. 1961: Le Secret de Monte Cristo.

Alors qu'ils venaient de produire la même année le chef-d'oeuvre de John Gilling, l'Impasse aux Violences, Robert S. Baker et Monty Berman repassent derrière la caméra pour mettre en scène les exactions d'un des plus illustres serial-killers de l'histoire criminelle, Jack l'Eventreur ! Filmé dans un noir et blanc sépulcrale, cette réactualisation surprend de prime abord par sa violence réaliste (son prélude aussi angoissant que percutant !) même si le contre-champ est de rigueur. De par les expressions de terreur que les victimes laissent en exergue sur leur visage et la manière âpre, cinglante, impassible dont le tueur fait preuve pour les trucider ! En se replaçant dans le contexte de l'époque, on se surprend encore aujourd'hui de l'aspect cru des mises à mort quand bien même les auteurs parviennent à écarter le racolage parmi l'effet de suggestion ! Le stylisme imparti aux cadrages obliques lorsque le tueur passe à l'action insufflant en outre une étonnante modernité à la réalisation.  On se surprend aussi du brio d'une direction d'acteurs très expressifs dans leur posture autoritaire (le personnel policier, le gérant de l'hôpital, le directeur du cabaret) ou lubrique (les prostituées ainsi qu'une novice fragile aussi influençable que vulnérable).

Jack l'Eventreur, tueur misogyne adepte du scalpel s'en prend donc aux prostituées du quartier populaire de Whitechapel en cette époque victorienne. Mais juste avant de perpétrer son rituel morbide, une question est proférée à chacune des victimes ! Etes-vous Mary Clarke ? Répondant par la négation, elles finissent étranglées, égorgées ou éventrées dans les rues les plus malfamées du quartier. Alors que la populace sombre rapidement dans une paranoïa collective depuis l'incompétence de la police, l'inspecteur O'Neill tente d'élucider l'affaire avec l'appui de sa compagne Anne Ford. A partir d'une trame convenue, le duo Baker/Berman parvient à renouveler l'intérêt des exactions de Jack l'Eventreur grâce à l'audace de sa résolution criminelle (que seul le spectateur connaîtra !) et à l'identité de l'assassin divulguée en toute dernière partie. Outre son effet de surprise imparti aux tenants et aboutissants de ce dernier, Jack l'Eventreur fascine irrémédiablement grâce à la maîtrise d'une réalisation s'efforçant de rendre le plus réaliste possible une situation de crise rendue ingérable parmi les mentalités archaïques. A l'instar de la posture irascible d'un magistrat trop imbu de sa personne pour se juger de son incompétence ou celle décervelée des habitants de Whitechapel proclamant la loi du talion de la manière la plus expéditive. Ce climat de paranoïa populaire, cette décadence humaine (la clientèle dépravée du cabaret) et cette appréhension permanente du danger sont rehaussés d'une atmosphère diaphane d'un Whitechapel enveloppé de brouillard.

Affichant modernité technique, audace conceptuelle et efficacité narrative afin de dépoussiérer les exactions sordides du tueur sous le ressort d'un réalisme étonnamment malsain (en tenant compte également du contexte de l'époque), Jack l'Eventreur fascine par son climat vénéneusement pervers ! Un authentique classique d'une horreur rétro délicieusement sulfureuse alors que le hors-champ est toujours de mise ! 

B-M. 4èx

THE WAVE

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com 

"Bølgen" de Roar Uthaug. 2015. 1h44. Norvège. Avec Kristoffer Joner, Thomas Bo Larsen, Fridtjov Såheim, Ane Dahl Torp, Jonas Hoff Oftebro, Edith Haagenrud-Sande, Arthur Berning

Sortie salles France: 27 Juillet 2016. Norvège: 28 Août 2015.

FILMOGRAPHIE: Roar Uthaug est un réalisateur, scénariste et producteur norvégien, né le 25 août 1973 à Lørenskog dans le comté d'Akershus. 2006: Cold Prey. 2008: Cold Prey 2. 2009: Le Secret de la montagne bleue. 2012: Dagmar : L'Âme des vikings. 2012: The Wave. 2018: Tomb Raider.

S'étant fait connaître auprès du public français grâce à de sympathiques séries B plutôt bien torchées (Cold Prey 1 et 2, Dagmar), le réalisateur norvégien Roar Uthaug semble s'essayer à tous les genres si on en juge son dernier-né, The Wave. Surfant sur le genre catastrophe sans faire preuve d'esbroufe et encore moins de surenchère, Roar Uthaug exploite la menace d'un Tsunami en plein coeur d'une vallée norvégienne. Après l'éboulement d'une montagne dans un lac, un père de famille tente désespérément de retrouver les siens au milieu des décombres. Situés à l'autre bout du hameau, sa femme et son fils sont parvenus à s'isoler avec un survivant dans le sous-sol d'un hôtel en dépit de la montée des eaux. Un pitch simpliste, éculé, sans surprise que le cinéaste exploite néanmoins avec une évidente efficacité. De par les situations de survie que nos protagonistes sont contraints de surpasser en se disputant leurs sentiments de vaillance et de désespoir, et les tentatives de sauvetage de dernier ressort.

Focalisant l'essentiel de l'intrigue sur la cohésion familiale du géologue Kristian Eikjord, Roar Uthaug parvient à nous attacher à leur caractérisation démunie sous l'impulsion de comédiens modestement expansifs. Sa facture série B de souche norvégienne ajoutant au charme de l'entreprise si bien que les interprètes s'avèrent inconnus du public français. Suspense, tension, asphyxie (la claustration en apnée de la mère et du fils) se chevauchent donc avec assez de succès pour nous impliquer émotionnellement à la précarité des protagonistes en porte-à-faux. Quand à la séquence catastrophe aussi escomptée que redoutée, le cinéaste mise sur la qualité d'effets spéciaux numériques et l'habileté du découpage pour provoquer l'effroi, notamment en insistant sur l'affolement d'une foule de masse après leur départ furtif en véhicule ! Sous le pilier de quelques séquences spectaculaires très convaincantes, The Wave s'inscrit donc dans une logique de réalisme plutôt que d'exploiter tous azimuts des séquences racoleuses aussi vaines que gratuites (remembre 2012 !). Au-delà de la fulgurance graphique impactée par le Tsunami, Roar Uthaux met également en lumière (crépusculaire) des images de cauchemars sitôt la résultante du chaos ! A l'instar des déambulations nocturnes de notre héros serpentant les chemins de traverse au sein de carcasses de voitures et de cadavres.

Sans aucune prétention puisque refusant de céder à la facilité d'une action redondante, Roar Uthaux respecte le cahier des charges du genre en n'oubliant jamais de faire vivre ses personnages d'un humanisme fébrile. Un sympathique divertissement un peu plus convaincant que les produits standards du Blockbuster ricain.    

B-M

Récompenses: Kosmorama, Festival du film international de Trondheim 2016 :
Meilleur montage pour Christian Siebenherz
Meilleure production pour Martin Sundland et Are Heidenstrom
Meilleur acteur dans un second rôle pour Kristoffer Joner

La Louve Sanguinaire / la louve se déchaîne / La Lupa Mannara

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de  Rino Di Silvestro. 1976. Italie. 1h39. Avec Annick Borel, Frederick Stafford, Howard Ross, Tino Carraro, Andrea Scotti, Elio Zamuto, Dagmar Lassander, Ollie Reynolds, Karen Carter.

Sortie salles France: 1982 (Int - 18 ans). Italie: 18 Mars 1976

FILMOGRAPHIE: Rino Di Silvestro (1932-2009) est un réalisateur, scénariste et acteur italien. 1985: Les nuits chaudes de Cléopâtre. 1984 À seize ans dans l'enfer d'Amsterdam. 1980 Bello di mamma. 1979 Baby Love. 1976 Les déportées de la section spéciale SS. 1976 La louve sanguinaire. 1974 Prostituzione. 1973 La vie sexuelle dans une prison de femmes.

Plus connue des fantasticophiles lors de son exploitation VHS sous la bannière Super Video Production, La Louve Sanguinaire fait figure d’ovni, hybride malsain mêlant horreur gothique, érotisme racoleur et rape and revenge. Typiquement transalpine dans son goût pour les meurtres graphiques, l’œuvre baigne dans une atmosphère macabre, trouble et poisseuse, malgré un scénario itératif, certes prévisible, mais assez vénéneux et captivant pour les aficionados de bisserie faisandée. 

Le Pitch: hantée par des cauchemars nocturnes d’une rare violence, Daniella s’imagine lycanthrope les soirs de pleine lune - à moins qu’elle ne soit la véritable réincarnation d’une ancêtre sacrifiée sur le bûcher deux siècles plus tôt. Depuis l’arrivée de sa sœur et de son nouvel amant au domicile paternel, Daniella épie jalousement leurs ébats nocturnes. Sexophobe depuis une agression brutale subie à l’âge de quinze ans, elle se laisse peu à peu submerger par des pulsions meurtrières incontrôlables.

En abordant la figure du loup-garou par un prisme féminin - parti pris identitaire encore rare dans le genre - La Louve Sanguinaire s’imprègne d’un climat onirico-macabre singulier. Le réalisateur, issu de l’écurie bis, accumule sans relâche les séquences d’érotisme polisson et de gore outrancier, zooms grossiers à l’appui, façon Fulci. L’étrangeté qui s’en dégage - du climat blafard et feutré de l’hôpital aux confessions d’une patiente nymphomane -, la partition musicale légèrement envoûtée, et surtout le jeu inquiétant d’Annick Borel, gesticulant et vociférant des insanités telle une possédée, instaurent une aura quasi ineffable. La narration, ouvertement misandre, fustige une gent masculine réduite à des phallocrates lubriques, avides de chair, que Daniella séduit dans son plus simple appareil.

Physiquement molestée après s’être laissée aguicher, Daniella s’abandonne alors à une riposte primitive, nourrie par le trauma de son agression infantile et ses visions de sorcière lycanthrope. Seul un cascadeur philanthrope lui offrira amour et déférence dans un dernier acte encore plus baroque et déroutant que tout ce qui précède. Car en adoptant pleinement les codes du rape and revenge dans un cadre fictif de cinéma - un village western -, La Louve Sanguinaire renchérit dans une violence crue (la séquence scabreuse du viol et le meurtre qui s’ensuit), après nous avoir trompés par la promesse des sentiments, pour mieux nous désorienter avec un épilogue aussi banal qu’étrangement insolite.

Série B d’exploitation soulignant sans retenue la dérive schizophrène d’une féministe sexuellement réprimée par un traumatisme archaïque, La Louve Sanguinaire cultive un art de la provocation putassière dont seuls les Italiens semblent détenir la clé. À mi-chemin entre érotisme ostentatoire et épouvante crasseuse, cette curiosité émaillée de détails saugrenus se destine aux inconditionnels. Son ambiance baroque parvient néanmoins à ensorceler, portée par l’énergie névralgique d’une Annick Borel étonnamment habitée, corps et âme, par ses pulsions désaxées.
À découvrir.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

4èx
03.11.23. Version Italienne stfr

Predator 2

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Stephen Hopkins. 1990. U.S.A. 1h48. Avec Danny Glover, Gary Busey, Rubén Blades, María Conchita Alonso, Bill Paxton, Kevin Peter Hall, Adam Baldwin, Robert Davi.

Sortie salles France: 30 Avril 1991. U.S: 21 Novembre 1990.

FILMOGRAPHIE: Stephen Hopkins est un réalisateur américain né en 1958 en Jamaïque.
1987: Dangerous Game. 1989: Freddy 5. 1990: Predator 2. 1993: La Nuit du Jugement. 1994: Blown Away. 1996: L'Ombre et la Proie. 1998: Perdus dans l'Espace. 2000: Suspicion. 2004: Moi, Peter Sellers. 2007: Les Châtiments. 2016: La Couleur de la Victoire.

Réalisateur prometteur ayant fait ses preuves avec Dangerous Game et surtout Freddy 5, Stephen Hopkins succède à John Mc Tiernan pour donner suite au chef-d'oeuvre Predator. Délocalisant l'action des confrontations en pleine jungle urbaine, le cinéaste joue à fond la carte de la série B décomplexée si bien que Predator 2 est à juger au second degré pour en apprécier sa pleine saveur. A l'instar des touches de cocasserie insérées entre deux actions pétaradantes et de la cool attitude de flics réactionnaires sévèrement contrariés ! Mais faute du désistement de la montagne de muscle Schwarzy, Stephen Hopkins recrute donc l'étoile montante Danny Glover récemment célébré dans les 2 premiers opus de l'Arme Fatale. Bien que l'acteur black fait preuve d'un jeu expressif plutôt timoré dans sa fonction pugnace de redresseur de tort, il parvient tout de même à nous attacher par sa volonté teigneuse à pourchasser fébrilement le predator.

Autour de lui, Bill Paxton et Maria Conchita Alonso lui prêtent main forte avec une spontanéité plus convaincante, notamment sous l'impulsion de réparties salaces que se disputent le couple. En dépit d'un schéma narratif malingre digne d'une série B lambda, Stephen Hopkins imprime sur pellicule une énergie insolente pour laisser libre court à des séquences d'actions aussi spectaculaires que violentes (effusions de sang à l'appui par l'entremise de règlements de compte primitifs !). Le predator se réjouissant d'y perdurer sa chasse à l'homme au sein d'un Los Angeles laminé par la criminalité de trafiquants basanés (colombiens et jamaïcains s'exterminant pour un enjeu de pouvoir dans une confusion totale !). D'ailleurs, sa séquence d'ouverture fait office de morceau de bravoure jouissif lorsque, sous un soleil écrasant, une guerre de gangs éclate en plein centre urbain face au témoignage d'une police stérile (du moins avant que n'intervienne stoïquement le lieutenant Harrigan !). Epaulé d'un montage aussi nerveux que maîtrisé, les échanges de fusillades se succèdent sans répit jusqu'au bain de sang que le predator renchérit avec sa traditionnelle lâcheté (son fameux camouflage invisible établi en vision thermique). Exploitant efficacement la diversité de ses décors urbains (métro, toits d'immeuble, abattoir, grotte souterraine), le cinéaste relance l'action des enjeux par le biais d'une traque inlassable entre Harrigan et le predator, quand bien même des agents spéciaux sont sur le point de démasquer la créature avec l'appui d'un stratagème technologique.

Pure série B aux allures de bande-dessinée sensiblement baroque (notamment l'intervention du vaudou que les jamaïcains pratiquent afin de terroriser l'ennemi), Predator 2 parvient miraculeusement à s'extraire de la routine dans un esprit bis de divertissement très musclé. Stephen Hopkins culminant la traque sanglante vers une ultime demi-heure généreusement épique ! Bougrement sympa donc même si on est à 100 lieux du chef-d'oeuvre initial estampillé Tiernan.

La Chronique de Prédator: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/04/predator.html

B-M. 4èx

Des Monstres attaquent la ville / Them !

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site horreur-web.com

de Gordon Douglas. 1954. U.S.A. 1h34. Avec James Whitmore, Edmund Gwenn, Joan Weldon, James Arness, Onslow Stevens, Sean McClory.

Sortie salles France: 3 Juin 1955. U.S: 19 Juin 1954

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Gordon Douglas est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain né le 15 décembre 1907 à New York (États-Unis), et décédé le 29 septembre 1993 à Los Angeles (Californie) d'un cancer. 1935 : Lucky Beginners. 1935: The Infernal Triangle. 1950 : Les Nouvelles Aventures du capitaine Blood (Fortunes of Captain Blood). 1953 : La Charge sur la rivière rouge (The Charge at Feather River). 1954: Des monstres attaquent la ville (Them!). 1959 : Quand la terre brûle (The Miracle) coréalisé avec Irving Rapper. 1967 : Tony Rome est dangereux. 1968 : Le Détective. 1968 : La Femme en ciment. 1975 : Nevada Smith (TV). 1977 : Le Casse-cou (Viva Knievel !).

Classique du Monster Movie des fifties, Des monstres attaquent la ville explore la thématique de l'insecte mutant depuis les effets radioactifs d'essais nucléaires causés par l'homme en 1945. Manifeste contre le péril atomique (comme l'avait déjà traité la même année Hinoshiro Honda avec le bouleversant Godzilla ou encore un an au préalable Eugène Lourie avec Le Monstre des temps perdus), Gordon Douglas cultive sa métaphore avec réalisme documenté si bien que l'intrigue rigoureusement efficace parvient à nous convaincre de sa menace improbable.

Celle de fourmis géantes retranchées dans des nids du désert du Nouveau-Mexique quand bien même une fillette rescapée parvient à se blottir dans sa maison en attendant les secours d'un duo de policiers. Inévitablement, les effets mécaniques des fourmis grossièrement articulées par des câbles suscitent aujourd'hui le sourire lorsque ces dernières tentent de nous terroriser par le biais d'une démarche trop hachée pour impressionner. Sur ce point, des trucages en Stop Motion auraient été une plus-value pour rendre un peu plus agiles la maniabilité de ces fourmis atteintes de gigantisme. Pourtant, en nous documentant avec souci du détail sur les us et coutumes de leur coexistence coloniale, Gordon Douglas parvient à nous convaincre de leur prochaine invasion lorsque deux reines sont parvenues à se délocaliser vers les canalisations souterraines de la ville adjacente. Mais bien avant ce suspense haletant présageant une invasion d'un genre singulier, le cinéaste aura pris soin de nous caractériser une foule d'investigateurs s'efforçant de géolocaliser les dernières reines (scientifiques, médecins et militaires se concertant avec un sérieux imperturbable !).

Grâce à la maîtrise de sa réalisation imprimant un réalisme documentaire (à l'instar du génial La Chose d'un autre monde !) et à l'aplomb des comédiens, Des monstres attaquent la ville renforce l'authenticité de cette invasion animale en dépit de ses trucages obsolètes. Pour parachever de la manière la plus haletante et spectaculaire, il clôture sa dernière partie avec la montée en puissance d'un suspense quant à la survie de deux bambins que l'armée tente d'extraire des égouts !  

*Bruno
20.06.24. Vostf. 4èx

Psychose 3

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

"Psycho 3" de Anthony Perkins. 1986. U.S.A. 1h30. Avec Anthony Perkins, Diana Scarwid, Jeff Fahey, Roberta Maxwell, Hugh Gillin, Lee Garlington, Robert Alan Browne, Gary Bayer, Patience Cleveland, Juliette Cummins.

Sortie salles France: 6 Aout 1986. U.S: 2 Juillet 1986.

FILMOGRAPHIE: Anthony Perkins est un acteur et réalisateur américain né le 4 avril 1932 à New-York, mort le 12 Septembre 1992, à Hollywood, Californie.
1985: Psychose 3. 1988: Le Dindon de la Farce.

Echec critique et public en salles, même si en France il engrange tout de même 1 294 469 entrées, Psychose 3 constitue un nouveau cas de film maudit depuis sa réputation timorée. Car si Richard Franklin su brillamment rendre hommage au maître du suspense avec l'excellent Psychose 2, Anthony Perkins, acteur et réalisateur, nous offre ici une amusante relecture du cas Norman Bates avec un goût prononcé pour la dérision macabre (tant par l'inventivité des meurtres référentiels que de son final tragique paradoxalement sarcastique). Après avoir assassiné Mme Spool dans le précédent volet (sa véritable mère préconisera Richard Franklin), Norman continue d'exercer au sein de son motel en l'attente d'une nouvelle clientèle. Mais depuis l'arrivée d'une jeune religieuse mécréante, le fantôme de Mme Spool refait surface afin d'influencer son rejeton au châtiment criminel. Dans son format clinquant de série B formellement stylisée (photo flamboyante à l'appui) et maîtrisé (cadrages alambiqués, montage retors truffé de clins d'oeil à Psycho), Psychose 3 fignole le cadre gothique du Motel sous l'impulsion schizo d'un Norman sur la corde raide.

Epaulé d'un scénario aussi efficace que surprenant (bien qu'inachevé et expédié pour son final un tantinet frustrant), l'intrigue alterne les ruptures de ton (slasher ludique / drame psychologique / réflexion spirituelle) face au témoignage aigri d'une religieuse en quête de rédemption. Si bien qu'après deux tentatives ratés de suicide, Maureen Coyle croit voir en Norman Bates son sauveur spirituel depuis que ce dernier est venu à son secours. Pied de nez à la religion (rien que le hors-champ sonore introductif - "il n'y a pas de Dieu !" - annonce immédiatement la couleur), Anthony Perkins malmène sévèrement son héroïne depuis son nouvel espoir de se rattacher à la cause divine. Fragilisée par sa culpabilité et ses remords (celle d'avoir incidemment causé la mort d'une bonne soeur) et aveuglée par son idéologie christique, Maureen Coyle croit trouver refuge dans les bras de Norman en espérant aussi déflorer sa virginité (ils ont comme point commun ce même refoulement sexuel). Cette douce romance impossible entre elle et Norman est contrebalancée d'une ambiance trouble et suspicieuse depuis la reconversion criminelle de ce dernier. Sous le témoignage trivial de seconds-rôles dépravés (formidable Jeff Fahey dans celui du dragueur sans vergogne !), Anthony Perkins se raille d'un des préceptes religieux fondés sur le pêcher capital de la luxure. Paradoxalement, et pour aviver une aura vénéneuse hybride, Anthony Perkins amorce efficacement des séquences-chocs davantage réalistes si bien que le climat pesant de sa dernière partie adopte une tournure dramatique aussi (étonnamment) cruelle qu'escarpée.

Flirtant subtilement avec la semi-parodie auprès de la caractérisation versatile d'un Norman toujours aussi perturbé dans sa sexualité refoulée, Psychose 3 oscille brillamment les genres (romance, drame, horreur) avec une dérision goguenarde (le corps religieux complexé par l'émancipation sexuelle). Scandé du magnifique score élégiaque de Carter Burwell planant sur le récit à l'instar d'une tragédie humaine, Psychose 3 constitue un savoureux cocktail de farce macabre au vitriol ! (réparties ciselées à l'appui).

Psychose: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/06/psychose.html
Psychose 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/05/psychose-2-psycho-2.html

B.M.  (02.09.11)
01.09.24. 6èx. Vostfr

L'ARME FATALE

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site fanforum.com   

de Richard Donner. 1987. U.S.A. 1h50. Avec Mel Gibson, Danny Glover, Gary Busey, Mitch Ryan, Tom Atkins, Darlene Love, Traci Wolfe.

Sortie salles France: 5 Août 1987. U.S: 6 Mars 1987

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York. 1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).

Gros succès commercial à travers le monde même si en France on aurait pu espérer quelques millions d'entrées en sus (on en comptabilise 1 857 521), l'Arme Fatale est le premier volet d'une série de films d'actions ludiques reposant sur la complémentarité (très) attachante d'un duo légendaire, Mel Gibson / Danny Glover. Et sur ce point, le film s'avère éminemment jouissif de par leur initiation amicale tant ces derniers se disputent leur contradiction avec une verve bonnard. Mel Gibson endossant la carrure d'un jeune flic stoïque et suicidaire depuis la mort accidentelle de sa femme, et donc constamment sur le fil du rasoir à se laisser gagner par le désespoir. Mais sa nouvelle relation professionnelle entamée avec Roger lui permettra de reprendre goût à la vie depuis leur sens fraternel et leur concertation à démasquer pugnacement les coupables d'une enquête rigoureuse ! En père de famille et sergent émérite beaucoup plus cérébral et prudent, Danny Glover lui prête la vedette en posture paternelle depuis que son partenaire multiplie les bravoures avec un héroïsme finalement payant. Si l'intrigue canonique reposant sur l'éminent réseau d'un trafic de drogue nous offre le minimum syndical, le réalisateur possède suffisamment de métier pour insuffler une incroyable efficacité au fil conducteur, notamment à travers sa construction narrative et son lot d'action et de poursuites en règle sobrement dosées. Parmi la vigueur de ses scènes les plus homériques (le point d'orgue explosif et le combat au corps à corps qui s'ensuit entre Riggs et Joshua !) et les tempéraments irrésistibles des deux acteurs, l'Arme Fatale s'accompagne d'une orchestration musicale d'Eric Clapton, Michael Kamen et David Sanborn ! Des sonorités épiques ou jazzy exacerbant un dynamisme acerbe à l'ensemble du récit.

 

En tant que film d'action moderne tributaire du Buddy Movie, l'Arme Fatale constitue sans doute l'un des meilleurs archétypes du divertissement commercial de par son efficacité haletante et l'extrême sympathie que sacralisent communément Mel Gibson / Danny Glover. Assurément l'un des tandems les plus amiteux et expansifs du genre !

B-M. 3èx

LES SOUS DOUES (passent le bac).

                                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site watch.i-fix.co

de Claude Zidi. 1980. France. 1h32. Avec Daniel Auteuil, Philippe Taccini, Françoise Michaud, Gaëtan Bloom, Patrick Laurent, Maria Pacome, Michel Galabru, Tonie Marshall, Richard Bohringer

Sortie salles France: 30 Avril 1980

FILMOGRAPHIE: Claude Zidi est réalisateur et scénariste français né le 25 juillet 1934 à Paris.
1971 : Les Bidasses en folie. 1972 : Les Fous du stade. 1973 : Le Grand Bazar. 1974 : La moutarde me monte au nez. 1974 : Les Bidasses s'en vont en guerre. 1975 : La Course à l'échalote. 1976 : L'Aile ou la Cuisse. 1977 : L'Animal. 1978 : La Zizanie. 1979 : Bête mais discipliné. 1980 : Les Sous-doués. 1980 : Inspecteur la Bavure. 1982 : Les Sous-doués en vacances. 1983 : Banzaï. 1984 : Les Ripoux. 1985 : Les Rois du gag. 1987 : Association de malfaiteurs. 1988 : Deux. 1989 : Ripoux contre ripoux. 1991 : La Totale ! 1993 : Profil bas. 1997 : Arlette. 1999 : Astérix et Obélix contre César. 2001 : La Boîte. 2003 : Ripoux 3. 2011 : Les Ripoux anonymes, série coréalisée avec son fils Julien Zidi.

Comédie culte des années 80 auréolée d'un énorme succès, tant en salles (3 985 214 en 13 semaines d'exploitation) qu'à la TV (plus de 13,46 millions de téléspectateurs le 10 Avril 1990 !), les Sous-doués a même engendré 2 ans plus tard une suite beaucoup moins réussie: Les Sous-doués en Vacances. Réalisé par Claude Zidi, un des maîtres de la comédie à la filmographie florissante (Les Bidasses en folie, Les Fous du stade, Le Grand Bazar, La moutarde me monte au nez, Les Bidasses s'en vont en guerre, La Course à l'échalote, L'Aile ou la Cuisse, L'Animal, Inspecteur la Bavure, Banzaï, Les Ripoux), les Sous-doués fait office de Teen Movie génialement franchouillard. 

 

Rappel des faits: Une classe de cancres mène la vie dure auprès de leur professeur en rivalisant de farces et brimades avec une insolence impudente. Mais depuis la réputation risible de l'établissement scolaire, la directrice s'est investie cette année d'une mission ardue ! Parvenir à les faire étudier pour qu'à la fin de l'année ils puissent empocher leur bac et que le cours Louis XIV remonte dans les sondages. Mais ces derniers indisciplinés n'ont comme seule ambition de provoquer le chaos en s'autorisant tous les excès.  

Dans un climat de douce folie quasi surréaliste (à l'instar des innombrables tricheries du bac littéralement anthologiques), Claude Zidi compile une succession ininterrompue de gags potaches avec une générosité insatiable ! Ce dernier ne se souciant d'aucune cohérence et de vraisemblance pour provoquer l'hilarité au gré de blagues aussi grotesques que démesurées. Tant du point de vue stratège des étudiants que de leurs professeurs délibérés eux aussi à les défier dans un inépuisable concours de règlements de compte ! (qui peut oublier la trouvaille improbable de la "machine à apprendre" !). Cette ambiance survoltée de ripostes entre élèves et professeurs est également rehaussée de la complicité de comédiens fringants s'en donnant à coeur joie dans la bonne humeur et l'exubérance déloyale (le dealer de mobylette arnaquant son propre camarade de classe !). Outre la vitalité en roue libre de chacun d'eux (Daniel Auteuil en tête car menant la bande avec une décontraction naturellement goguenarde !), on peut autant prôner les seconds rôles pédagogues que forment communément Maria Pacome en directrice castratrice (sans doute le personnage le plus drôle par son "sérieux" imperturbable !), Tonie Marshall en prof d'Histoire coquette, Hubert Deschamps en enseignant de science atteint de surdité (un personnage sclérosé franchement irrésistible !) et Dominique Hulin en professeur de gym d'une corpulence gargantuesque. Pour parachever, comment occulter les humeurs tempétueuses du regretté Michel Galabru en commissaire de police acariâtre régulièrement brimé par notre cohorte lycéenne. 

Sous l'impulsion énergivore d'une avalanche de gags souvent désopilants, Claude Zidi a engendré avec une générosité immodérée une hallucinante comédie potache aussi décomplexée que débridée. En dépit de la facilité de certains gags grossiers et de situations génialement incohérentes, les Sous-doués ne cesse de nous arracher les éclats de rire avec une sincérité qu'on ne retrouve plus aujourd'hui (à quelques exceptions, telle la bande à Fifi).  

B.M. 4èx

Flashdance

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

d'Adryan Line. 1983. U.S.A. 1h34. Avec Jennifer Beals, Michael Nouri, Lilia Skala, Sunny Johnson,
Kyle T. Heffner, Lee Ving, Ron Karabatsos, Belinda Bauer.

Sortie salles France: 14 Septembre 1983. U.S: 15 Avril 1983

FILMOGRAPHIE: Adrian Lyne est un réalisateur et producteur britannique, né le 4 Mars 1941 à Peterborough (Grande Bretagne). 1980: Ca plane les filles. 1983: Flashdance. 1986: 9 semaines et demi. 1987: Liaison Fatale. 1990: L'Echelle de Jacob. 1993: Proposition Indécente. 1997: Lolita. 2002: Infidèle. Prochainement: Back Roads.

 

Flashdance : le rêve, la sueur et les larmes du cœur

Classique de la comédie musicale auréolé par la génération 80, Flashdance fut un succès commercial retentissant (plus de 4 137 000 entrées en France !), à l’image de sa bande originale écoulée à plus de 20 millions d’exemplaires - un record absolu. Outre ses nombreux numéros musicaux toujours aussi (étonnamment) entêtants, on retiendra surtout les tubes planétaires What a Feeling chanté par Irene Cara et Maniac de Michael Sembello, que Jennifer Beals sublime en danses fiévreuses lors du prologue et de l’ultime audition - séquence anthologique d’une émotion lyrique, bien que doublée, hélas.

Trois ans avant 9 semaines ½, Adrian Lyne se fit connaître du grand public avec cette success story aux airs de conte de fée urbain. Un rêve américain au féminin, que Rocky lui-même n’aurait pas renié.

 

Synopsis: À Pittsburgh, Alex Owens tente de survivre comme soudeuse le jour, danseuse de cabaret la nuit. Quand l’amour surgit avec son contremaître, elle rêve enfin d’autre chose : intégrer le conservatoire de danse pour devenir étoile.

Comédie romantique rythmée par des chorégraphies électriques, Flashdance cultive par miracle un charme irrésistible, incarné par son archétype féminin : Jennifer Beals.
Présence filiforme et magnétique, elle insuffle un érotisme torride mais pudique, flattant avec grâce et candeur la gente masculine. Ses numéros de danse, éclairés par des jeux de lumières stylisés et des couleurs baroques, s’avèrent spectaculaires - bien que tous doublés par trois professionnelles (dont une danseuse française).

Issu d’un scénario de Tom Hedley et Joe Eszterhas (futur auteur de Basic Instinct), Flashdance ne brille pas par sa subtilité : clichés, bons sentiments, romance sirupeuse... Et pourtant, par une étrange alchimie et la modestie du regard que porte Lyne sur cette success story, le charme opère.
Au fil de séquences tantôt légères ou pittoresques (Richie, l’humoriste raté ; son idylle douce-amère avec une danseuse ; son amitié fidèle avec Alex), tantôt romantiques, le film distille une tendresse prégnante, symptomatique des Eighties.

Grâce à la caractérisation touchante de personnages modestes et intègres, à la douceur fragile de l’héroïne, on partage ses espoirs, ses peurs, ses doutes, son désir de grandeur.
Les réfractaires aux romances à l’eau de rose continueront sans doute de s’en moquer - mais Adrian Lyne, avec une efficacité redoutable, magnifie cette quête sentimentale. Et Alex, grâce à l’amour, retrouve confiance et courage, en dépit de sa terreur de l’échec : « Si tu n’accomplis pas ton rêve, tu seras morte », lui lance son amant.

Tendre et sentimental, propulsé par des chorégraphies vertigineuses savamment assemblées, Flashdance doit énormément à ses seconds rôles bienveillants - et surtout à Jennifer Beals, icône gracile, littéralement envoûtante dans la peau de cette danseuse en herbe, tourmentée par la gagne.
Un joli conte de fée étonnamment émouvant, capiteux même, malgré la naïveté des dialogues - exaltants, presque irrésistibles, tant la complémentarité du couple émeut, et tant on s’identifie à eux sans rougir.

À Sunny Johnson (Jeanie Szabo, sœur d’Alex), disparue à 30 ans d’une rupture d’anévrisme, un an après la sortie du film.

— le cinéphile du cœur noir

07.01.23. 3èx (4k)

Ci-joint le p'tit mot de Jérome André Tranchant:

Il y a un temps où au États-Unis, une ouvrière pouvait être l'héroïne d'un film hollywoodien. Produit par une grosse major, par deux gros producteurs dans le vent, Flashdance a rencontré son public. Pourquoi Hollywood ne produit plus ce genre de film ???
Flashdance est un morceau de rêve américain. L'histoire d'une femme qui veut accéder à son rêve par ses propres moyens. On peut voir ce film comme un manifeste féministe. Car Alexandra est une femme libre. Elle choisit ses mecs. Elle n'a pas sa langue dans sa poches. Elle n'a besoin de personne. Jennifer Beals restera toute sa vie l'actrice de ce rôle. Elle est à la fois naturelle et terriblement volontaire.
La musique fait partie intégrante de l'univers du long métrage. Évidemment, elle a contribué au succès du film. La bande originale est signée par Giorgio Moroder.
Flashdance est réalisé par Adrian Lyne, réalisateur anglais connu pour son esthétique particulier. Avec ses lumières très années 80, son visuel va influencé toute la décennies.
À notre époque, ce genre de long métrage manque cruellement.

L'INVASION DES PROFANATEURS DE SEPULTURES

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site avoir-alire.com

"Invasion of the Body Snatchers" de Don Siegel. 1956. U.S.A. 1h20. Avec Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates, King Donovan, Carolyn Jones, Jean Willes, Ralph Dumke.

Sortie salles France: 8 Novembre 1967. U.S: 5 Février 1956

FILMOGRAPHIE: Don Siegel (Donald Siegel) est un réalisateur et producteur américain, né le 26 Octobre 1912 à Chicago en Illinois, décédé le 20 Avril 1991 à Nipoma, en Californie.
1956: l'Invasion des Profanateurs de Sépultures. 1962: l'Enfer est pour les Héros. 1964: A bout portant. 1968: Police sur la ville. 1968: Un Shérif à New-York. 1970: Sierra Torride. 1971: Les Proies. 1971: l'Inspecteur Harry. 1973: Tuez Charley Varrick ! 1974: Contre une poignée de diamants. 1976: Le Dernier des Géants. 1977: Un Espion de trop. 1979: l'Evadé d'Alcatraz. 1980: Le Lion sort ses griffes. 1982: Jinxed.

Classique séminal des années 50 si bien qu'il engendre au fil des décennies 3 autres remakes (et qu'il a peut-être inspiré Wes Craven avec les Griffes de la Nuit - les victimes refusant de dormir pour éviter de mourir - !), l'Invasion des Profanateurs de sépultures puise son pouvoir de fascination grâce à la singularité de son scénario inspiré du roman de Jack Finney (The Body Snatchers publié en 1955). A partir du thème classique d'une invasion extra-terrestre, Don Siegel en extirpe un modèle d'efficacité par son contexte paranoïde d'une course pour la survie qu'un couple doit endurer afin de préserver leur propre identité. Venues de l'espace, des semences extraterrestres parviennent à germer à l'intérieur de cosses pour enfanter des êtres d'apparence humaine. Reproduisant à l'identique notre enveloppe corporelle durant notre sommeil, ces derniers tentent d'envahir notre planète de la manière la plus sournoise. Destitués de personnalité, d'amour, de sentiments, de joie et de passion, ces envahisseurs ressemblent à s'y méprendre à des zombies apathiques prônant une idéologie pacifiste dans leur société aseptique. 

Métaphorique à plus d'un titre (son analogie avec la Guerre Froide, les effets impassibles de la toxicomanie, le despotisme ou encore l'emprise des sectes comme le symbolise aujourd'hui Daesh), cette série B percutante sous-tend les vertus bénéfiques et salvatrices de l'empathie conférée à notre nature humaine. Nanti d'un montage nerveux et du jeu viscéral de comédiens habités par la paranoïa (Kevin McCarthy dominant la distribution avec un charisme neurotique !), l'Invasion des profanateurs de sépultures conjugue science-fiction et épouvante avec dextérité si bien que la menace se fond derrière notre apparence humaine ! Don Siegel misant sur une terreur psychologique plutôt qu'un racolage horrifique lorsque les habitants d'une bourgade rurale se retrouvent possédés un à un par l'entité d'une dictature extra-terrestre. Chacune des victimes adoptant une posture de fantôme déshumanisée dont l'unique ambition sera de contaminer son voisin. Insufflant au compte goutte un climat d'inquiétude de plus en plus étouffant, le cinéaste privilégie la caractérisation angoissée de nos deux couples d'amants en investigation. La première partie prodiguant des trouvailles horrifiques dérangeantes lorsque ces derniers découvrent avec stupeur le premier cadavre en phase d'incubation avant de démasquer l'implication végétale des cocons. Epousant ensuite la carte du survival sous l'impulsion d'un duo d'amants à bout de souffle, l'Invasion des profanateurs... avive son sentiment d'insécurité en dressant notamment un tableau effrayant sur une population de masse destituée d'expression émotive.

Les envahisseurs sont parmi nous !
Si à mon sens le remake colorisé de Philip Kaufman façonné en 1978 s'avère encore plus trouble et glaçant que ce modèle monochrome, Don Siegel est toutefois parvenu avec beaucoup d'efficacité, d'originalité et de brio à iconiser une angoisse paranoïaque subtilement malsaine, comme le souligne sa vénéneuse première partie. 

La chronique de l'Invasion des profanateurs (l'): http://brunomatei.blogspot.fr/2013/11/linvasion-des-profanateurs-invasion-of.html

B.M. 4èx

KEEPER. Grand prix du Jury au Festival Premiers Plans d'Angers.

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Guillaume Senez. 2015. France/Belgique. 1h34. Avec Kacey Mottet Klein, Galatéa Bellugi, Catherine Salée, Sam Louwyck, Laetitia Dosch.

Sortie salles France: 16 Mars 2016. Belgique: 9 Mars 2016

FILMOGRAPHIE: Guillaume Senez est un réalisateur et scénariste de double nationalité belge et française, né à Uccle (Belgique) en 1978. 2015: Keeper.

Drame social abordant le thème de la maternité pubère sans effet de pathos, Keeper fait l'effet d'un électrochoc si bien que son réalisateur en herbe (d'origine franco-belge) capte les émotions de ses jeunes acteurs avec une vérité humaine proche du cinéma de Cassavetes et de Pialat ! Multi récompensé dans divers festivals, Keeper nous immerge de plein fouet dans l'univers adolescent d'un couple en perdition morale vis à vis de leur prochaine responsabilité parentale. Maxime et Mélanie filent le grand amour du haut de leurs 15 ans, au moment même où cette dernière lui annonce qu'elle est enceinte. Perplexe mais attiré à l'idée de devenir père, Maxime lui propose de garder l'enfant malgré la tare de leur situation scolaire et la crainte d'affronter l'autorité parentale. Constamment tiraillés entre l'envie d'abandonner et de préméditer leur destin conjugal, ils s'efforcent maladroitement de s'épauler jusqu'au moment propice de l'accouchement.

A la manière d'un docu-vérité, Guillaume Senez inscrit sur pellicule un drame psychologique d'une rare justesse de ton, de par sa direction d'acteurs plus vrais que nature insufflant une pudeur bouleversante et la maîtrise sidérante d'une réalisation au plus près des tourments intrinsèques des personnages. Kacey Mottet Klein endossant avec une spontanéité naïve un ado dubitatif rapidement influencé par l'espoir d'un avenir professionnel payant (celui de devenir gardien de foot) et l'optimisme d'une paternité en apprentissage. Epoustouflante de naturel vertueux et pétillante de fraîcheur, Galatéa Bellugi crève l'écran pour s'imposer une toute première fois devant la caméra de Guillaume Senez ! Celle d'instaurer la fragilité d'une adolescente timorée extrêmement lunatique quant à son futur statut maternel et ses décisions de dernier ressort. Outre la posture réaliste de ses acteurs juvéniles se disputant la mise de leur futur bambin avec une émotivité malingre, les seconds-rôles pédagogues et ceux exerçant l'autorité parentale suscitent avec autant de rigueur leur fonction de mentor parmi l'influence d'une mégère habitée par l'échec conjugal (la maman défaitiste de Mélanie !).

Sans jamais juger ses ados immatures hantés par le doute et la crainte de l'échec, le remord, la colère puis la tristesse de la félonie, Guillaume Senez saisit leurs expressions intimistes sans céder aux clichés du misérabilisme. Abordant les thèmes de la maternité et de l'avortement de leur point de vue irresponsable, Keeper extériorise une palette d'émotions écorchées vives comme le souligne les déchirantes confrontations humaines (celle du couple mais aussi des parents) où les nerfs sont mis à rude épreuve. Spoiler ! A l'instar de l'amertume de sa conclusion pessimiste littéralement inconsolable Fin du Spoiler engendrant au final une leçon de vie que bien des ados devraient sagement méditer... 

B.M

Récompenses:
    Grand prix du Jury au Festival Premiers Plans d'Angers
    Prix d'interprétation féminine et prix du Jury au Festival international du film de Marrakech
    Label Europa Cinemas au Festival international du film de Locarno
    Prix du Jury Jeunes au Festival du film français d'Helvétie
    Prix de la critique au Festival international du film francophone de Namur
    Mention spéciale du Jury au Festival du film de Varsovie
    Young Talent Award au FilmFest Hamburg
    Prix spécial du jury au Festival international du premier film d'Annonay