TOOTSIE. Oscar de la Meilleure Actrice pour Jessica Lange.

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemotions.com

de Sydney Pollack. 1982. U.S.A. 1h55. Avec Dustin Hoffman, Jessica Lange, Teri Garr, Dabney Coleman, Charles Durning, Bill Murray, Sydney Pollack.

Sortie salles France: 2 mars 1983. U.S: 17 Décembre 1982

FILMOGRAPHIE: Sydney Pollack est un acteur, réalisateur et producteur américain, né le 1er juillet 1934 à Lafayette, dans l'Indiana (États-Unis) et mort à Los Angeles le 26 mai 2008. 1965: The Slender Thread. 1966 : Propriété interdite. 1968 : Les Chasseurs de scalps. 1968 : Le Plongeon de Frank Perry, terminé par Pollack non crédité. 1969 : Un château en enfer. 1969 : On achève bien les chevaux. 1972 : Jeremiah Johnson. 1973 : Nos plus belles années. 1975 : Yakuza. 1975 : Les Trois Jours du condor. 1977 : Bobby Deerfield. 1979 : Le Cavalier électrique. 1981 : Absence de malice. 1982 : Tootsie. 1985 : Out of Africa. 1990 : Havana. 1993 : La Firme. 1995 : Sabrina. 1999 : L'Ombre d'un soupçon. 2005 : L'Interprète. 2005 : Esquisses de Frank Gehry.

Gros succès international des années 80 (en France il engrange 3 840 083 entrées) si bien qu'aujourd'hui il est répertorié comme un classique du genre, Tootsie est une comédie pétillante comme on n'en voit plus (ou alors si peu) de nos jours. Acteur au chômage débordant de talent et d'ambition, Michael Dorsey risque le tout pour le tout en se fondant dans le corps d'une sexagénaire prénommée Dorothy afin de mieux convaincre les producteurs d'un soap. Et le succès inespéré de se produire si bien que ce dernier, amoureux de sa partenaire à l'écran, essaie désespérément de s'extraire de la célébrité en osant dévoiler en dernier ressort son véritable visage ! Dirigé par l'éminent Sydney Pollack se refusant à vulgariser le thème du travestissement avec subtile émotion et parmi l'humilité de ses acteurs, Tootsie est justement l'occasion de mettre en valeur une pléiade de comédiens aux tempéraments sémillants, et ce jusqu'aux seconds-rôles. Tant auprès de Dabney Coleman en metteur en scène vaniteux, de Charles Durning en veuf subitement aimant de Dorothy, de Bill Murray en acolyte conciliant, de George Gaynes en acteur sclérosé gagné par la galanterie (car lui aussi épris de Dorothy !) que de l'explosive Teri Garr dans un rôle taillé sur mesure de maîtresse infortunée.

Outre l'intensité attachante de ces derniers issus de l'ancienne école, Tootsie décuple le pouvoir attractif de sa tendre fantaisie sous l'abattage de Dustin Hoffman partagé entre l'impudence de son personnage fictif, ses réels sentiments auprès de sa tendre partenaire hors écran et ses remords à oser duper son entourage dans celle d'une actrice autoritaire au tempérament autonome. A ses côtés, lui partageant sobrement la vedette du soap, la radieuse Jessica Lange (justement récompensée de l'oscar de la meilleure actrice dans un second-rôle) illumine l'écran dans sa fonction d'aimable confidente sitôt le tournage achevé car peu à peu enivrée par le magnétisme (masculin) de sa partenaire Dorothy. Débordante de charme et d'innocence, Jessica Lange insuffle une sensuelle affection, de par ses soupçons de sentiments véhiculés par son éventuelle homosexualité qu'elle se refuse à accepter. Sa délicate relation entamée avec Dorothy prouvant par cette occasion frauduleuse que l'amour ne se commande pas lorsque les sentiments restent plus forts que la raison quelque soit notre orientation sexuelle.

A travers ce jeu de cache-cache romantique compromis au vaudeville rocambolesque (les gags arborant une cocasserie toujours révérencieuse eu égard du tendre humanisme d'Hoffman), Tootsie traite des délicats problèmes du chômage, de la gestion de la starisation, de la quête identitaire, de l'affirmation de soi et de l'émancipation féminine avec une émotion subtilement poignante. Le divertissement efficacement structuré alternant mutuellement drôlerie, charme et romance parmi la motricité d'un scénario retors et celle d'un casting en roue libre. Un excellent anxiolytique aussi frais et pétillant qu'une coupe de champagne ! 

Eric Binford
3èx

Récompenses: Oscars 1983 : meilleure actrice dans un second rôle pour Jessica Lange
Golden Globes 1983 : meilleur film musical ou de comédie, meilleur acteur dans un film musical ou une comédie pour Dustin Hoffman, meilleure actrice dans un second rôle pour Jessica Lange
British Academy Film Awards 1984 : meilleur acteur pour Dustin Hoffman, meilleurs maquillages

WIND RIVER. Prix de la mise en scène, Cannes 2017.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site teaser-trailer.com

de Taylor Sheridan. 2017. U.S.A. 1h50. Avec Jeremy Renner, Elizabeth Olsen, Kelsey Chow, Jon Bernthal, Graham Greene, Julia Jones, Gil Birmingham.

Sortie salles France: 30 Août 2017. U.S: 4 Août 2017

FILMOGRAPHIE: Taylor Sheridan est un acteur, scénariste et réalisateur américain, né le 21 mai 1970 à Cranfills Gap au Texas, . 2011: Vile. 2017: Wind River.

Thriller choc d'une intensité dramatique aussi bouleversante qu'impitoyable, Wind River n'a pas volé son prix de la mise en scène à Cannes alors qu'il s'agit de la seconde réalisation du néophyte Taylor Sheridan. Ce dernier parvenant à tailler un suspense anxiogène autour d'un sordide fait divers (la découverte du cadavre d'une jeune indienne) qu'une agent du FBI et un chasseur vont tenter d'élucider en plein coeur de montagnes enneigées (magnifique paysages épurés). Intense et poignant quant à l'humanisme fragile que nos protagonistes véhiculent sans fard de par leur pudeur contenue et leur non-dit, Wind River nous immerge dans leur état de désagrément et d'impuissance morale sitôt les circonstances de la mort dévoilées ainsi que le chemin de croix que cette dernière parcourut en lieu et place de survie durant 10 kms dans une nature réfrigérante à - 30° ! Un exploit héroïque tenant du surpassement de soi auquel son ectoplasme va planer sur les épaules de nos héros durant leur investigation émaillée de rencontres ombrageuses cédant parfois aux brutaux éclairs de violence d'une vibrante intensité dramatique. Cet alliage d'émotions fulgurantes suscitant le vertige au spectateur (le + sensible) impliqué dans un règlement de compte d'une folie suicidaire !

Un peu comme l'avait d'ailleurs magnifiquement opéré Stanley Kubrick avec Full Metal Jacket (ou Spielberg avec le soldat Ryan...) lorsque les impacts de balles perforaient les chairs des victimes en émoi ou à l'agonie. La encore j'insiste sur le caractère éprouvant, voir résolument bouleversant de cette brutalité incisive que le réalisateur parvient à mettre en exergue avec un réalisme aride, et ce sans parti-pris racoleur. Notamment en tenant compte du caractère sournois du (ou des) coupable(s) compromis à la discrimination raciale et de rendre hommage avec vibrante humilité à cette victime sacrifiée en tenant compte de son exploit surhumain. Véritable oraison funèbre auprès des familles de défuntes tentant rigoureusement de se reconstruire après une tragédie aussi inique qu'impromptue, Wind River traite des thèmes douloureux du souvenir, de la survie, de la résilience, du dépassement de la souffrance avec une pudeur à fleur de peau et une ambiguïté morale quant à l'illégalité de l'auto-justice. Car outre la subtilité de sa mise en scène à sacraliser le "thriller" par le biais d'une caractérisation psychologique fouillée (et limpide) engendrant une réflexion sur la perte de l'être aimée, la providence et la canalisation de la souffrance, Wind River est illuminé par les présences des comédiens Jeremy Renner (un regard viril chargé de cicatrices morales derrière sa carapace stoïque) et Elizabeth Olsen (poignante d'empathie auprès de la victime et de son co-équipier puis de pugnacité durant son ascension professionnelle). Ces derniers formant de manière impromptue un duo commun de justiciers solidaires impliqués dans l'instinct de vengeance et l'initiation d'une survie propre à l'héroïsme.

Un coup de poignard en plein coeur, inextinguible. 
Hommage déchirant à la communauté amérindienne du point de vue d'une jeune martyr d'une endurance physique et morale symbolique, Wind River laisse en état de mutisme sitôt le générique écoulé. Le film s'édifiant en bouleversant requiem auprès des victimes sacrifiées au moment où leur famille se résigne à se reconstruire, entre fragilité démunie et regain de résilience. De mon point de vue personnel (puisque j'en sors traumatisé et que rares sont les films où leur saillie de brutalité me bouleverse aux larmes), Wind River constitue sans doute un chef-d'oeuvre intimiste sur la gestion de la souffrance et de la déveine, faute de la lâcheté de l'homme incapable de réprimer ses bas instincts. 

Bruno Dussart.

Récompenses: Prix Un certain regard, Prix de la mise en scène, Cannes 2017
Festival international du film de Karlovy Vary 2017 : prix du public pour Taylor Sheridan, prix du président pour Jeremy Renner

LES VIKINGS

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site cover.box3.net

"The Vikings" de Richard Fleischer. 1958. U.S.A. 1h55. Avec Kirk Douglas, Tony Curtis, Janet Leigh, Ernest Borgnine, James Donald, Alexander Knox, Maxine Audley

Sortie salles France: 15 Décembre 1958. U.S: 28 Juin 1958

FILMOGRAPHIE: Richard Fleischer est un réalisateur américain né le 8 décembre 1916 à Brooklyn, décédé le 25 Mars 2006 de causes naturelles. 1952: l'Enigme du Chicago Express, 1954: 20 000 lieux sous les mers, 1955: les Inconnus dans la ville, 1958: les Vikings, 1962: Barabbas, 1966: le Voyage Fantastique, 1967: l'Extravagant Dr Dolittle, 1968: l'Etrangleur de Boston, 1970: Tora, tora, tora, 1971: l'Etrangleur de Rillington Place, 1972: Terreur Aveugle, les Flics ne dorment pas la nuit, 1973: Soleil Vert, 1974: Mr Majestyk, Du sang dans la Poussière, 1975: Mandingo, 1979: Ashanti, 1983: Amityville 3D, 1984: Conan le destructeur, 1985: Kalidor, la légende du talisman, 1989: Call from Space.

Grand classique hollywoodien au pouvoir de fascination trouble, de par son réalisme historique surfant dans un contexte de spectacle flamboyant,  Les Vikings est bel et bien un chef-d'oeuvre du film d'aventures au souffle épique d'une étonnante envergure. A l'instar de sa spectaculaire bataille finale déployant gros moyens techniques et moult figurants sous l'oeil avisé de Richard Fleischer en pleine possession de ses ambitions. La vigueur des combats barbares se renouvelant sans cesse grâce au dynamisme du montage véloce exploitant aussi bien décors naturels que ceux de la bastille avec un brio d'autant plus formel (sa photo sépia sublimant sans modération des images picturales que l'on croirait extrait d'un bouquin d'histoire !).

Outre ce morceau d'anthologie à la fois immersif et palpitant, le récit se permet en prime de renchérir le goût du spectacle avec une diabolique efficacité lorsque Einar et Erik iront se combattre épées à la main sur la tour de la chapelle. Là encore, Fleischer chorégraphie ce corps à corps avec une inventivité constante car multipliant les angles de vues alambiqués au sein d'un cadre exigu édifié sous haute altitude ! En prime de la qualité percutante d'un jeu d'acteurs expansifs (le toujours aussi fringant Kirk Douglas se dispute ardemment la vedette avec Tony Curtis inopinément crédible dans sa posture bourrue d'esclave en quête d'affirmation et de rébellion héroïque !), Les Vikings bénéficie d'un scénario solide autour de la rivalité de deux frères pour autant indulgents car (inconsciemment lucides de leur parenté puis) communément contraints de collaborer afin de soutirer la promise du roi anglais, Aella. Janet Leigh se glissant dans le corps ténu de la princesse Morgane avec douce fragilité, tourments et perplexité quant à sa nouvelle condition de soumise en proie au chantage des vikings complaisamment machistes et belliqueux.

Décrivant dans un premier temps avec réalisme et souci du détail, fougue passionnelle et violence incisive (même si le hors-champs est souvent préconisé) les us et coutumes des vikings et leur goût pour la guérilla (notamment leur code d'honneur de périr avec l'épée afin de gagner le repos dans l'au-delà), Richard Fleischer parvient à infiltrer un souffle à la fois épique et romantique au fil d'un récit fertile en dissension psychologique lorsque les liens du sang fraternel sont compromis par un terrible secret autour des sentiments d'une promise. Envoûtant, sauvage et d'une beauté formelle capiteuse ! 

Bruno Dussart
2èx

MORT SUSPECTE D'UNE MINEURE

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au blog Lupanarsvisions

"Morte sospetta di una minorenne / Too young to die" de Sergio Martino. 1975. Italie. 1h40. Avec Claudio Casinelli, Mel Ferrer, Lia Tanzi, Massimo Girotti, Barbara Magnolfi.

Inédit en salles en France. Italie: 12 Août 1975

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sergio Martino est un réalisateur, producteur et scénariste italien né le 19 Juillet 1938 à Rome (Italie). 1970: l'Amérique à nu. Arizona se déchaine. 1971: l'Etrange vice de Mme Wardh. La Queue du Scorpion. l'Alliance Invisible. 1973: Mademoiselle Cuisses longues. 1973: Torso. 1975: Le Parfum du Diable. 1975: Morte sospetta di una minorenne. 1977: Mannaja, l'homme à la hache. 1978: La Montagne du Dieu Cannibale. 1979: Le Continent des Hommes poissons. Le Grand Alligator. 1982: Crimes au cimetière étrusque. 1983: 2019, Après la Chute de New-York. 1986: Atomic Cyborg. 1989: Casablanca Express. 1990: Mal d'Africa. Sulle tracce del condor.

Inédit en salles et sous support numérique sur notre territoire, Mort suspecte d'une mineure combine les composantes (en vogue) du polar (les puristes lui préfèreront le terme "poliziesco") et du giallo autour de l'efficacité d'un script assez bien structuré dénonçant (comme son confrère La Lame Infernale) la corruption d'un notable particulièrement aguiché par la coke et les jeunes adolescentes. En filature, un commissaire aux méthodes expéditives tente de découvrir le ou les coupables du meurtre sordide d'une mystérieuse adolescente avec l'appui d'un chapardeur véloce. Plutôt nerveux par son action policière entrebâillée d'une poursuite automobile étonnamment cocasse et assez violent auprès de quelques meurtres stylisés, Mort suspecte d'une mineure constitue un bon divertissement sous l'impulsion musicale du score percutant de Luciano Michelini n'ayant rien à envier au groupe Goblin (une partition rock et entêtante si bien que le chef-d'oeuvre d'Argento, Les Frissons de l'Angoisse s'y fait instinctivement écho !). Sans pour autant laisser de souvenir impérissable, cette série B correctement emballée par le spécialiste Sergio Martino doit notamment son capital sympathie grâce à la solidité de son casting réunissant Claudio Casinelli (très à l'aise en flic réactionnaire entêté), le vétéran Mel Ferrer et la charmante Barbara Magnolfi dans un rôle toutefois assez discret je dois avouer. Enfin, et à moindre échelle, on ne reste pas insensible à l'esthétisme raffiné des décors domestiques typiquement transalpins et parfois même baroques. A découvrir.

Eric Binford.

BETTER WATCH OUT

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Chris Peckover. 2016. 1h29. U.S.A/Australie. Avec Levi Miller, Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Patrick Warburton, Dacre Montgomery, Virginia Madsen.

Sortie salles France: Prochainement. U.S: 6 Octobre 2017

FILMOGRAPHIE: Chris Peckover est un réalisateur américain.
2010: Undocumented. 2016: Better Watch out.

Conte de noel horrifique d'une saveur vitriolée dans son jeu de cache-cache avec la peur et de manipulation morale auprès des victimes démunies, Better Watch Out demeure une heureuse surprise dans le paysage familièrement formaté du genre car si peu avare en originalité, impudence et créativité. D'une audace détonnante pour ses éclairs de violence tranchés, cette série B remarquablement menée et techniquement maîtrisée (notamment pour l'inventivité et la souplesse de certains plans vertigineux et pour la flamboyance de sa photo !) doit son salut à son scénario à tiroirs constamment surprenant, et aux portraits juvéniles que forment des ados dévergondés.

En pleine période de Noël, Ashley (incarnée par la séduisante et néophyte Olivia DeJonge préalablement entrevue dans The Visit !) joue la babysitter auprès d'une famille respectable en gardant leur fils unique. Mais l'intrusion de mystérieux tueurs dans la demeure va inciter le duo à faire preuve de ruse et courage pour rester en vie, notamment en s'efforçant de récupérer l'arme du paternel planqué sous son lit. Voilà pour le pitch présageant un huis-clos tendu et effréné, sorte de pastiche horrifique de Maman j'ai raté l'avion accouplé d'un autre illustre métrage dont je tairais le nom afin de préserver tout effet de surprise. Car cumulant sur un rythme soutenu péripéties et soubresauts avec autant d'intelligence que d'efficacité (notamment au niveau des réactions censées des ados en porte-à-faux se mesurant à leur vaillance et à leur esprit de provocation), Better Watch out est une pochette-surprise jusqu'au-boutiste. Le spectateur s'interrogeant de prime abord à savoir si dans la séquence redoutée le réalisateur osera aller jusqu'au bout de son concept criminogène par le biais d'idées putassières sachant qu'en l'occurrence tous les protagonistes (ou plutôt la plupart) sont des ados pré-pubères portés sur la sexualité, le machisme et le désir du dépassement de soi.

Progressivement malsain donc quant à la tournure (radicale) des évènements, voir parfois même choquant et dérangeant (sans dévoiler les résultantes des situations stressantes d'embrigadement !), Better Watch Out constitue une farce méchamment sardonique, pied de nez au politiquement correct en cette période sereine des fêtes de Noël. Intense, inventif, subversif, assez captivant et d'un humour noir décapant, le divertissement convainc d'autant mieux sous l'impulsion de comédiens juvéniles épatants de fourberie ou de sobre appréhension du côté des victimes. Spoil ! En tirant mon chapeau à un des acteurs dont je tairais le nom car portant le film sur ses épaules avec un charisme d'une vénéneuse séduction ! Fin du Spoil. Pour l'anecdote, on est également ravi de retrouver en second-plan l'une des stars des années 80, Virginia Madsen (Electric Dreams, Dune, Hot Spot, Highlander, le retour, Candyman, etc...), presque méconnaissable dans son visage tuméfié. Très sympa. 

P.S: Je vous déconseille de visionner tous trailers ou éventuels extraits afin de préserver les nombreux retournements de situation !

En remerciant Pascal Frezzato pour la découverte !
Bruno Matéï

LE CLAN DES SICILIENS

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Henri Verneuil. 1969. France/Italie. 2h05. Avec Jean Gabin, Alain Delon, Lino Ventura, Irina Demick, Yves Lefebvre, Marc Porel, Elisa Cegani, Amedeo Nazzari, Danielle Volle, Philippe Baronnet.

Sortie salles France: 5 Décembre 1969

FILMOGRAPHIE: Henry Verneuil (de son vrai nom Achod Malakian) est un réalisateur et scénariste  français d'origine arménienne, né le 15 Octobre 1920 à Rodosto, décédé le 11 Janvier 2002 à Bagnolet. 1951: La Table aux crevés. 1952: Le Fruit Défendu. 1952: Brelan d'As. 1953: Le Boulanger de Valorgue. 1953: Carnaval. 1953: l'Ennemi public numéro 1. 1954: Le Mouton a 5 pattes. 1955: Les Amants du Tage. 1955: Des Gens sans importance. 1956: Paris, palace Hôtel. 1957: Une Manche et la belle. 1958: Maxime. 1959: Le Grand Chef. 1959: La Vache et le Prisonnier. 1960: l'Affaire d'une Nuit. 1961: Le Président. 1961: Les Lions sont lâchés. 1962: Un Singe en Hiver. 1963: Mélodie en sous-sol. 1963: 100 000 Dollars au Soleil. 1964: Week-end à Zuydcoote. 1966: La 25è Heure. 1967: La Bataille de San Sebastian. 1969: Le Clan des Siciliens. 1971: Le Casse. 1972: Le Serpent. 1975: Peur sur la ville. 1976: Le Corps de mon ennemi. 1979: I comme Icare. 1982: Mille Milliards de Dollars. 1984: Les Morfalous. 1991: Mayrig. 1992: 588, rue du Paradis.

Triomphe en salles à sa sortie avec plus de 4 821 585 entrées, le Clan des Siciliens est la réunion de talents hors-pair qu'Henri Verneuil s'est permis de recruter parmi lesquels Jean Gabin, Alain Delon et Lino Ventura, et ce afin de parfaire un polar de l'ancienne école. Production franco-italienne, le cinéaste s'entoure également de la contribution d'Ennio Morricone pour transfigurer une mélodie élégiaque restée dans toutes les mémoires. Un thème métronomique que l'on entend tout le long du récit car collant si bien aux sobres déplacements d'une mafia partagée entre son orgueil professionnel et la rancune d'un code d'honneur conjugal bafoué. A peine évadé de prison, Roger Sartet propose à son ami sicilien de dévaliser une bijouterie avec l'accord du patriarche Vittorio. Réticent de prime abord, ce dernier finit par céder au vu de son alléchant casse notamment lorsque Roger lui annonce qu'il possède la topographie de la bijouterie. Mais une idée plus judicieuse amène Vittorio à reconsidérer leur plan. 

Film policier d'une distinction impériale si je me réfère au jeu dépouillé des 3 monstres sacrés cités plus haut, Le Clan des Siciliens constitue un grand moment de cinéma sous l'autorité infaillible d'Henri Verneuil érigeant, une fois n'est pas coutume (pointe d'ironie !), un modèle de mise en scène. Notamment auprès de l'épicentre du suspense, un fameux détournement d'avion qu'imposera la famille Manalese avec un flegme imperturbable si bien qu'aucune violence n'est imputée aux passagers (à l'exception d'un seul un brin zélé que Roger corrigera d'un coup de pied !). Une séquence d'anthologie d'une subtile intensité par sa coordination professionnelle réfutant tout dérapage criminel sous le pilier d'un habile montage à couper au rasoir. Outre la solidité de l'intrigue à la structure symétrique et un rebondissement aussi retors que dérisoire quant à la déroute du clan mafieux (une simple trahison d'adultère), Henri Verneuil transcende sa mise en scène au cordeau avec l'appui de ses trois immenses acteurs d'un charisme viril qu'on ne retrouve plus dans le cinéma mainstream. Ventura/Delon/Gabin jouant le jeu du chat et de la souris pour la mise du pouvoir dans une posture à la fois impassible, caractérielle et bourrue.

Chef-d'oeuvre du polar français emprunt d'une touche transalpine auprès de l'intense mélodie du maestro Morricone et chez ses seconds-rôles photogéniques (outre les frères de la famille Manalese au regard torve, on est aussi sensible à l'implication véreuse et fragile de la soeur de Roger, et à celle compromise dans une adultère aléatoire !), Le Clan des Siciliens perdure son pouvoir de séduction et de fascination, de par sa narration plausible (on croit dur comme fer au casse du siècle !) et le romantisme (tragique) qu'insuffle le trio divergeant, Delon/Gabin/Ventura. Du grand art ! 

Bruno Dussart
3èx

POUR 100 BRIQUES T'AS PLUS RIEN

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Edouard Molinaro. 1982. France. 1h22. Avec Daniel Auteuil, Gérard Jugnot, Anémone, Jean-Pierre Castaldi, François Perrot, Paul Barge, Georges Géret, Darry Cowl.

Sortie salles France: 12 Mai 1982

FILMOGRAPHIE: Edouard Molinaro est un réalisateur et scénariste français, né le 13 Mai 1928 à Bordeaux, en Gironde, décédé le 7 Décembre 2013 à Paris.1958: Le Dos au mur. 1959: Des Femmes disparaissent. 1959: Un Temoin dans la ville. 1960: Une Fille pour l'été. 1961: La Mort de Belle. 1962: Les Ennemis. 1962: Les 7 Pêchers capitaux. 1962: Arsène Lupin contre Arsène Lupin. 1964: Une Ravissante Idiote. 1964: La Chasse à l'Homme. 1965: Quand passent les faisans. 1967: Peau d'Espion. 1967: Oscar. 1969: Hibernatus. 1969: Mon Oncle Benjamin. 1970: La Liberté en Croupe. 1971: Les Aveux les plus doux. 1972: La Mandarine. 1973: Le Gang des Otages. 1973: L'Emmerdeur. 1974: L'Ironie du sort. 1975: Le Téléphone Rose. 1976: Dracula, père et fils. 1977: L'Homme pressé. 1978: La Cage aux Folles. 1979: Cause toujours... tu m'intéresses ! 1980: Les Séducteurs. 1980: La Cage aux Folles 2. 1982: Pour 100 briques t'as plus rien... 1984: Just the way you are. 1985: Palace. 1985: L'Amour en douce. 1988: A gauche en sortant de l'ascenseur. 1992: Le Souper. 1996: Beaumarchais, l'insolent. 1996: Dirty Slapping (court-métrage).

Comédie populaire des années 80 dirigée par le spécialiste du genre, Edouard Molinaro, Pour 100 briques t'as plus rien s'avère irrésistible de drôlerie sous l'impulsion du duo pétulant Gérard Jugnot/Daniel Auteuil incarnant des braqueurs de banque à la p'tite semaine avec une fringance saillante. Licencié de son emploi de serrurier, Sam propose avec son comparse Paul de braquer une banque en guise de survie. Après un entrainement intensif dans le logement de la petite amie de Sam, ces derniers décident de passer à l'action. Complètement improbable car multipliant les situations saugrenues (ah cette fameuse transaction avec le personnel bancaire !) autour d'une prise d'otages que 2 braqueurs endimanchés dirigent avec (une fantaisiste) détermination, Pour 100 braques t'as plus rien ne s'embarrasse nullement de crédibilité afin de privilégier les facéties déjantées de nos braqueurs redoublants de maladresses et d'utopie pour parfaire leur dessein.

Truffé de gags désopilants grâce à l'inventivité d'idées politiquement incorrectes et de situations grotesques tournant autour de l'appât du gain sous l'autorité du duo survolté Jugnot/Auteuil, Pour 100 briques t'as plus rien transpire la sincérité (assortie d'une générosité) pour amuser le spectateur immergé dans une action fertile en rebondissements. Outre la fougue expansive de nos deux illustres acteurs s'en donnant à coeur joie dans les effronteries délinquantes et criminelles (notamment la fausse mort de Sam !), et des seconds-rôles aussi convaincants dans leur fonction de victime en sursis, on peut notamment compter sur l'aplomb spontané d'Anémone se fondant dans le corps d'une otage avec un bagout décomplexé ! Plusieurs séquences délirantes émanant de son impertinence à débriefer la situation de crise à la police et aux médias tout en se concertant avec les malfrats. Sam, dragueur invétéré, n'hésitant pas à l'accoster afin de mieux parvenir à ses fins cupides. 

Divertissement mineur sans prétention mené à 100 à l'heure, Pour 100 briques t'as plus rien ne manque ni de drôlerie, ni d'audaces ni d'originalité pour pasticher une improbable prise d'otages sous l'impulsion de comédiens pétris de ferveur et de complicité amicale dans leur fonction vénale. Un antidépresseur d'une efficacité en roue libre !

Eric Binford.
3èx

Morts Suspectes / Coma

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Coma" de Michael Crichton. 1978. U.S.A. 1h53. Avec Geneviève Bujold, Michael Douglas,
Elizabeth Ashley, Rip Torn, Richard Widmark, Lois Chiles.

Sortie salles France: 28 Juin 1978. U.S: 6 Janvier 1978

FILMOGRAPHIE: Michael Crichton est un écrivain, scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 23 Octobre 1942, décédé le 4 Novembre 2008 à Los Angeles. 1972: Pursuit (télé-film inédit en France). 1973: Mondwest. 1978: Morts Suspectes. 1979: La Grande Attaque du Train d'or. 1981: Looker. 1984: Runaway, l'évadé du futur. 1989: Preuve à l'appui (Physical Evidence).

Thriller médical diablement ficelé sous l’autorité du maître du genre - l’écrivain et réalisateur Michael Crichton (à qui l’on doit les formidables Runaway, l’évadé du futur, La Grande Attaque du train d’or et les génialement visionnaires Mondwest et Looker) - Morts suspectes (dont on préfère d’ailleurs le titre US, plus concis et pertinent) est une machine à suspense aussi haletante que documentée, menée d’une main de fer par une Geneviève Bujold omniprésente dans sa fonction investigatrice redoutablement couillue et retorse.

Synopsis: Médecin-chef dans un éminent hôpital, Susan Wheeler s’alarme d’une série de cas de coma inexpliqués survenus durant l’année écoulée. Toujours plus suspicieuse, surtout depuis la mort subite de son amie d’enfance, elle s’efforce de convaincre son compagnon que sa paranoïa n’est pas qu’un délire de l’imaginaire. 

Dans un premier temps - passionnant, Crichton retranscrit, avec un réalisme chirurgical, la lente dérive morale d’une femme en proie au doute, à mesure que s’épaissit le voile de mystère autour de ces morts cérébrales. Le film joue d’abord la carte de la suggestion avec un souci documentaire impressionnant. C’est la grande force du récit : cultiver l’angoisse sourde, l’inquiétude rampante, à travers indices maigres et énigmes suspendues, sans sombrer dans les artifices éculés du genre. 

L’amant de Susan (sobrement incarné par le jeune Michael Douglas), figure ambivalente, vacille entre tendresse distante et résistance sceptique, ce qui densifie encore le récit. On ne sait s’il la croit, ou s’il cache une part d’ombre dans cette affaire de trafics de cadavres. Subtilement anxiogène, peuplé de figures troubles - collègues, supérieurs, hommes en blouse blanche au sourire trop poli - Morts suspectes distille un suspense progressif, à mesure que Susan s’enfonce dans l’illégalité pour toucher du doigt une vérité terrifiante. La seconde partie, autrement plus haletante et nerveuse dans sa mécanique de survie, déploie une tension suffocante lors d’une traque tentaculaire. Susan, proie lucide, brave chaque couloir, chaque sous-sol, chaque conduit glacial, pour déjouer l’ennemi et repérer le nid du poison : le monoxyde de carbone.

 

Michael Crichton orchestre un cauchemar clinique sans répit, où le décor hospitalier devient prison, piège, labyrinthe. Si le deuxième acte flirte agréablement avec le conventionnel, la maîtrise technique et le rythme implacable maintiennent l’adrénaline jusqu'au générique libérateur. Le climax, éprouvant, nous laisse suspendus au souffle fragile de Susan sur une table d’opération, menacée à son tour. Ultime suspense Hitchcockien d'une tension affolante, notamment auprès de l'appui d'un témoin capital. 

Formidable machine à suspense, implacablement menée, agrémentée de péripéties tendues et de pointes d’anticipation dérangeantes, Morts suspectes explore la corruption médicale, les savants fous et la marchandisation de la vie au cœur d’un monde froidement moderne. Servi par une distribution solide - en tête, Geneviève Bujold, viscérale, émotive, combative - ce classique des seventies conserve, cinq décennies plus tard, toute sa force et son pouvoir de fascination.

— le cinéphile du cœur noir
02.08.25. Vostf. 4èx

MAIS OU EST DONC PASSEE LA 7E COMPAGNIE ?

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Robert Lamoureux. 1973. France. 1h29. Avec Jean Lefebvre, Pierre Mondy, Aldo Maccione,
Robert Lamoureux, Pierre Tornade, Jacques Marin, Marcelle Ranson-Hervé, Érik Colin.

Sortie salles France: 13 Décembre 1973

FILMOGRAPHIE: Robert Lamoureux est un acteur, humoriste, auteur dramatique, réalisateur, poète, parolier et scénariste français, né le 4 janvier 1920 à Paris et décédé le 29 octobre 2011 à Boulogne-Billancourt. 1960 : Ravissante. 1960 : La Brune que voilà. 1973 : Mais où est donc passée la septième compagnie ? 1974 : Impossible... pas français. 1975 : On a retrouvé la septième compagnie. 1975 : Opération Lady Marlène. 1977 : La Septième Compagnie au clair de lune.

Juin 1940. A la suite de la capture de la 7è compagnie par les allemands, trois soldats réfugiés dans une forêt tentent d'échapper à l'ennemi avec l'aide du lieutenant Duvauchel, rescapé d'un crash d'avion. Au fil de leur escapade semée d'heureuses et mauvaises rencontres, puis dans un concours de circonstances aléatoires, ils parviennent in extremis à libérer leur compagnie. 

Comédie troupière d'une rare indigence et platitude par son cheminement routinier, Mais ou est donc passé la 7è compagnie ? est à mon sens l'une des plus racoleuses arnaques du cinéma français ! Faute d'une réalisation académique peu inspirée, d'un scénario linéaire exploitant fort maladroitement péripéties cocasses, gags adipeux et rebondissements ballots, et d'aimables têtes d'affiche batifolant dans leur accoutrement militaire avec une verve crédule. Seule la présence furtive de Jacques Marin dans le rôle d'un épicier collabo eut parvenu à m'arracher quelques sourires lors d'une séquence de racket alimentaire perpétrée par nos trois franchouillards déguisés en allemands.

Insipide, soporifique et déprimant alors que deux autres suites verront le jour avec plus (le 2è opus) ou moins (le 3è) de succès commercial.

Eric Binford.

37°2 LE MATIN

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Jean Jacques Beinex. 1986. France. 1h56/3h01. Avec Jean-Hugues Anglade, Béatrice Dalle, Gérard Darmon, Consuelo de Haviland, Clémentine Célarié, Jacques Mathou, Claude Aufaure.

Sortie salles France: 9 Avril 1986 (Int - de 16 ans)

FILMOGRAPHIE: Jean-Jacques Beineix, né le 8 octobre 1946 à Paris est un réalisateur, dialoguiste, scénariste et producteur de cinéma français. 1977 : Le Chien de M. Michel (court-métrage). 1980 : Diva. 1983 : La Lune dans le caniveau. 1986 : 37°2 le matin. 1989 : Roselyne et les Lions. 1992 : IP5 : L'île aux pachydermes. 2001 : Mortel transfert

Film culte de la génération 80 ayant rassemblé plus de 3,6 millions de spectateurs en salles, 37°2 le Matin demeure aujourd'hui une légende cinéma français sous l'impulsion d'un couple d'acteurs au diapason (alors qu'il s'agit de la toute première apparition de Béatrice Dalle du haut de ses 22 ans !) et d'un réalisateur aussi bien ambitieux, qu'inventif et audacieux à retranscrire sa fureur de vivre contemporaine. Ce dernier nous d'illustrant avec une fulgurance onirique et un parti-pris baroque la tragédie romantique de Zorg et Betty communément épris de passion dévorante dans une désinvolture outrancière (et donc sans modération !) au point d'y perdre la raison. Betty, trop jeune et instable, émotive et si fragile sombrant peu à peu Spoil ! dans une démence irrécupérable à la suite d'un tragique incident maternel Fin du Spoil. Comédie bipolaire dans sa palette d'émotions dichotomiques oscillant drôleries décalées et dramaturgie impermanente, 37°2 le Matin distille un vent de fraîcheur et de liberté sémillants au travers des escapades sentimentales de Zorg et Betty livrés à nu (aussi bien d'un ordre corporel que moral) face à une caméra elle-même gagnée par l'ivresse de leurs désirs !

D'un réalisme cru auprès des sautes d'humeur, caprices et crises d'hystérie que Béatrice Dalle insuffle avec instinct viscéral et névralgie troubles, le climat sensiblement ombrageux régi autour du couple dérange et fascine de manière sensitive si bien que l'actrice habitée par son rôle anxiogène nous immerge en interne de ses intimes contrariétés avec une acuité à la limite du supportable (du moins chez le public le plus fragile, son interdiction aux moins de 16 ans étant à mon sens justifiée lors de sa sortie). Outre la prestance écorchée vive des acteurs plus vrais que natures et souvent filmés dans leur plus simple appareil au sein de leur quotidienneté oisive et insouciante (et ce sans se livrer à un voyeurisme complaisant !), 37°2 le Matin fait voler en éclat les codes du genres avec un brio auteurisant adepte des ruptures de ton. Celui de la maîtrise de Jean Jacques Beinex extrêmement scrupuleux et inspiré à contempler l'évolution du couple fusionnel et de nous chavirer à travers leurs ébats aussi torrides que pétulants lors d'un maelstrom d'émotions dont la mise en scène folingue et énergique semble animée par la même fougue passionnelle de ces amants maudits.

La légende de Zorg et Betty

Furieusement érotique, drôle et décalé, voir par moments hilarant (notamment au niveau des personnages secondaires particulièrement exubérants - explosif boute-en-train Gérard Darmon ! - ), débridé et truffé d'insolence (noire), puis cédant en alternance et de manière progressive à une dramaturgie susceptible sans se prêter à une caricature prévisible, 37° 2 le Matin est touché par la grâce de Jean-Hugues Anglade (même s'il s'avère un chouilla moins convaincant lors des passages les plus graves) et surtout de la divine Béatrice Dalle littéralement ensorcelante de naturel, de pureté et de beauté fringante; et ce avant de nous anéantir la raison lors de sa déliquescence mentale en perdition. Du grand cinéma fantasque et poétique aussi bien épuré que burné car nous transfigurant une romance vitriolée à fleur de peau sous l'impulsion d'un des plus beaux couples du cinéma marginal ! Inoubliable et terriblement éprouvant au point de le vivre comme un traumatisme personnel.    

A Aurélie.
Bruno Dussart.
4èx

Récompenses:
Festival des films du monde de Montréal 1986 : Grand Prix des Amériques et prix du film le plus populaire du festival
Césars 1987 : meilleure affiche pour Christian Blondel, avec un portrait de Béatrice Dalle, réalisé par le photographe Rémi Loca
Prix 1987 de la société des critiques de Boston : meilleur film en langue étrangère
Festival international du film de Seattle 1992 : prix Golden Space Needle du meilleur réalisateur (également décerné pour IP5)

LA PLANETE DES SINGES: SUPREMATIE

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

"War for the Planet of the Apes" de Matt Reeves. 2017. U.S.A. 2h20. Avec Andy Serkis, Woody Harrelson, Judy Greer, Karin Konoval, Steve Zahn, Toby Kebbell.

Sortie salles France: 2 Août 2017. U.S: 14 Juillet 2017

FILMOGRAPHIE: Matt Reeves est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 27 Avril 1966 à Rockville Centre (Etats-Unis). 1993: Future Shock (segment "Mr. Petrified Forrest"). 1996: Le Porteur. 2008: Cloverfield. 2010: Laisse moi entrer. 2014: La Planète des Singes: l'Affrontement.

Dernier chapitre de la seconde franchise de la Planète des Singes, La Planète des singes: Suprématie relate, comme le laissait supposer la conclusion de sa 2è partie, l'épineux conflit que vont se disputer à nouveau un groupe d'humains et les singes repliés dans une immense forêt. A savoir César et ses fidèles acolytes rapidement pris à parti contre le despotisme du colonel McCullough à la tête d'une armée belliqueuse dénuée de vergogne. Toujours réalisé par Matt Reeves (responsable du second volet), celui-ci adopte aujourd'hui une mise en scène plus posée et autrement ambitieuse dans son souci circonspect de mettre en place l'intrigue et ses personnages sous le pilier d'une densité psychologique aussi intense que poignante. Tant auprès de la caractérisation fébrile mais aussi fragile de César en proie à la soumission et au venin de la haine (au point d'en faire une vengeance personnelle et de se résoudre à la solitude afin de préserver les siens !), que du colonel McCullough avide d'éradiquer les singes et donc d'asseoir sa réputation notable auprès de ses sbires impliqués dans un contexte (extrêmement précaire) de survie d'humanité.

Prenant son temps à planifier les bases de son intrigue à travers un cheminement d'errance que César et quelques comparses sillonnent de prime abord au coeur d'une nature réfrigérante (les images photogéniques distillent un dépaysement onirique parmi de vastes étendues enneigées et d'un panorama montagneux), Matt Reeves crédibilise son univers dystopique et ses héros de chair et de sang avec une émotion poignante d'une sobriété épurée (les singes numérisés sont encore plus criants d'expression humaine qu'autrefois et la fillette rescapée qu'ils entraînent avec eux ne manque pas de maturité à travers son regard enfantin découvrant compassion et différence de l'autre !). Le film adoptant par son aspect dépouillé et grave un réalisme blafard au sein du paysage formaté du blockbuster grand public. Car à travers cet inépuisable enjeu de survie que se compromettent singes et humains, La Planète des singes: suprématie surprend par son climat sombre et cafardeux d'où pointe un sentiment de désespoir sous-jacent (mais toujours plus perméable, notamment à travers l'ambiguïté de César luttant contre sa dichotomie de la haine et de l'indulgence !). Tant et si bien que le récit âpre et tendu (notamment sa seconde partie plus cruelle quant à l'asservissement des singes faisant naître ensuite une stratégie d'évasion) ne fait qu'énoncer l'éternelle déchéance morale des guerres mondiales entraînant inévitablement dans leur déchéance criminelle des instincts de suprématie, d'intolérance, de haine et de racisme (notamment sous couvert de la loi du plus fort).

"Tout pouvoir est violence"
Grand spectacle épique à l'émotion aussi bien contenue que fragile (son final mélancolique laisse extraire un afflux émotionnel bouleversant !), La Planète des singes: Suprématie surprend par son parti-pris modeste et adulte (les scènes d'action impressionnantes ne se destinent pas à renchérir bêtement dans la gratuité car dépendantes des motivations des personnages) à mettre en exergue une bataille aussi bien physique que morale entre un colonel couard (au final honteux de son statut de "perdant" et de dictateur !) et un primate fourbu par la violence (contagieuse) d'un monde d'inégalité qu'il peine au final à en saisir le sens. De ce message de tolérance désespérée émane donc une conclusion fragile emprunte de lyrisme si bien qu'elle  laisse derrière nous un sentiment d'amertume d'une vibrante émotion quant à l'avenir indécis (pour ne pas dire insoluble de l'homme). Reste enfin en mémoire le visage meurtri (et flegme) de son porte-parole, une icone contemplative, un symbole humanitaire rongé par la peine: César.

Eric Binford

La chronique des 2 précédents volets:
Planète des singes, les origines: http://brunomatei.blogspot.com/2011/08/la-planete-des-singes-les-origines-rise.html
Planète des Singes: l'affrontement (l'): http://brunomatei.blogspot.fr/2014/08/la-planete-des-singes-laffrontement.html

MA FEMME S'APPELLE REVIENS

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineclap.free.fr

de Patrice Leconte. 1982. 1h25. France. Avec Michel Blanc, Anémone, Xavier Saint-Macary, Christophe Malavoy, Catherine Gandois, Pascale Rocard, Michel Rivard.

Sortie salles France: 27 Janvier 1982

FILMOGRAPHIE: Patrice Leconte est un réalisateur, scénariste et metteur en scène français né le 12 novembre 1947 à Paris. 1971 : Blanche de Walerian Borowczyk (assistant réalisateur). 1976 : Les Vécés étaient fermés de l'intérieur. 1978 : Les Bronzés. 1979 : Les bronzés font du ski. 1981 : Viens chez moi, j'habite chez une copine. 1982 : Ma femme s'appelle reviens. 1983 : Circulez y a rien à voir. 1985 : Les Spécialistes. 1987 : Tandem. 1989 : Monsieur Hire. 1990 : Le Mari de la coiffeuse. 1991 : Contre l'oubli. 1993 : Tango. 1994 : Le Parfum d'Yvonne. 1995 : Lumière et Compagnie. 1996 : Ridicule. 1996 : Les Grands Ducs. 1998 : Une chance sur deux. 1999 : La Fille sur le pont. 2000 : La Veuve de Saint-Pierre. 2001 : Félix et Lola. 2002 : Rue des plaisirs. 2002 : L'Homme du train. 2004 : Confidences trop intimes. 2004 : Dogora : Ouvrons les yeux. 2006 : Les Bronzés 3. 2006 : Mon meilleur ami. 2008 : La Guerre des miss. 2011 : Voir la mer. 2012 : Le Magasin des suicides. 2014 : Une promesse. 2014 : Une heure de tranquillité.

Très loin de rivaliser avec ses précédentes réussites que formaient fougueusement Les Vécés étaient fermés de l'intérieur, Les Bronzés, Les bronzés font du ski et Viens chez moi, j'habite chez une copine; Ma femme s'appelle reviens est une comédie terriblement plate, bâclée et sans surprise, faute d'un scénario indigent qui ne raconte rien (ou pas grand chose). Le pitch s'étirant sur seule ligne: épris d'amitié, un jeune médecin et une photographe s'épaulent mutuellement à la suite de leur rupture conjugale difficilement gérable. Se rapprochant amoureusement, le couple finit toutefois par renoncer depuis le retour de l'ex amant de cette dernière. Rarement, voir jamais drôle (quelques scènes nous arrachent plutôt les sourires) et privilégiant un climat sentimental folichon, Ma Femme s'appelle reviens se repose essentiellement sur les épaules de Michel Blanc et d'Anémone formant spontanément un couple empoté aussi charmant qu'attendrissant. Et donc chez les nostalgiques des années 80, la comédie amiteuse reste pour autant agréable à suivre d'un oeil distrait.

Bruno Matéï

La Traversée de Paris

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Claude Autant Lara. 1956. France/Italie. 1h20. Avec Jean Gabin, Bourvil, Louis de Funès, Jeannette Batti, Jacques Marin, Robert Arnoux, Georgette Anys.

Sortie salles France: 26 Octobre 1956

FILMOGRAPHIE: Claude Autant-Lara, ou Claude Autant, est un réalisateur français, né le 5 août 1901 à Luzarches et mort le 5 février 2000 à Antibes. 1931 : Buster se marie. 1931 : Le Plombier amoureux. 1932 : L'Athlète incomplet. 1933 : Ciboulette. 1937 : L'Affaire du courrier de Lyon (coréal). 1938 : Le Ruisseau (coréal). 1939 : Fric-Frac (coréal). 1940 : The Mysterious Mr Davis. 1941 : Le Mariage de Chiffon. 1942 : Lettres d'amour. 1943 : Douce. 1946 : Sylvie et le Fantôme. 1947 : Le Diable au corps. 1949 : Occupe-toi d'Amélie. 1951 : L'Auberge rouge. 1952 : Les 7 péchés capitaux. 1953 : Le Bon Dieu sans confession. 1954 : Le Blé en herbe. 1954 : Le Rouge et le Noir. 1955 : Marguerite de la nuit. 1956 : La Traversée de Paris. 1958 : Le Joueur. 1958 : En cas de malheur. 1959 : La Jument verte. 1960 : Les Régates de San Francisco. 1960 : Le Bois des amants. 1961 : Tu ne tueras point. 1961 : Le Comte de Monte-Cristo. 1961 : Vive Henri IV, vive l'amour. 1963 : Le Meurtrier. 1963 : Le Magot de Josefa. 1965 : Humour noir. 1965 : Journal d'une femme en blanc. 1966 : Nouveau journal d'une femme en blanc. 1967 : Le Plus Vieux Métier du monde. 1968 : Le Franciscain de Bourges. 1969 : Les Patates. 1973 : Lucien Leuwen (Serie TV). 1977 : Gloria.

Grand classique de la comédie française ayant cumulé à sa sortie plus de 4 893 174 entrées, La Traversée de Paris est l’occasion de réunir trois monstres sacrés du cinéma d’après-guerre : Louis de Funès (dans un rôle éloquent mais assez discret, il faut bien l’avouer), Bourvil et surtout Jean Gabin, formant tous deux un duo impromptu aux caractères bien trempés. Tourné dans un noir et blanc étrangement expressionniste et envoûtant — on se croirait parfois plongé dans un vieux film d’épouvante de l’âge d’or —, le récit se déroule durant l’Occupation allemande, en plein Paris, même si la plupart des scènes furent tournées en studio.

Sous la houlette de l’épicier Jambier, Martin exerce un travail clandestin : acheminer de la viande chez un revendeur, de la rue Poliveau à la rue Lepic. Contraint de collaborer avec Grandgil, un inconnu abordé dans un café du coin, il va arpenter Paris la nuit avec, sous les bras, quatre valises contenant chacune de la viande de cochon. Entre prises de bec et échanges plus amicaux, un périple haletant s’ouvre à eux, tandis que la police française et l’armée allemande effectuent par intermittence leurs rondes menaçantes.

Comédie caustique traitant de l’illégalité du marché noir dans le grave contexte de la Seconde Guerre mondiale, La Traversée de Paris emprunte le schéma d’un road movie… à pied, sous l’impulsion galvanisante de deux personnages que tout oppose. Bourvil endosse le rôle du faire-valoir, oscillant entre crainte, contrariété, accès d’orgueil et colères maladroites pour tenter d’intimider son complice. Face à lui, l’impressionnant Jean Gabin impose un tempérament volcanique. De par sa voix éraillée et sa corpulence à la fois virile et râblée, il cumule brimades et jeux de manipulation envers son partenaire — et le fourbe Jambier — afin d’éprouver leur courage et leur force morale.

Alternant séquences burlesques — nourries par les affrontements psychologiques exubérants que se livrent Martin et Grandgil — et moments plus sombres, notamment ce final soudainement alarmiste qui laisse planer le spectre d’exécutions sommaires, La Traversée de Paris affiche une tonalité atypique dans le paysage de la comédie française des années 50. Claude Autant-Lara parvient intelligemment à orchestrer une structure narrative étonnante, d’autant plus subtile et finaude qu’elle n’y paraît — en particulier à travers le personnage de Grandgil, aussi badin que manipulateur, mais non exempt d’une certaine empathie envers son compère.

Dénonçant en filigrane l’hypocrisie, le profit et la lâcheté de certains « pauvres » dans un contexte de survie sous l’Occupation - « ces salauds de pauvres », lâche ironiquement Grandgil à deux reprises -, La Traversée de Paris utilise avec une audace presque insolente le ressort burlesque au cœur d’un climat de peur, d’inquiétude et de tension latente. Et c’est peut-être là toute sa force : nous faire traverser l’ombre avant de laisser surgir, presque malgré tout, l’ébauche d’une amitié singulière.

Du grand cinéma aujourd’hui révolu.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

14.03.26. 3èx

TANDEM

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinemapassions

de Patrice Leconte. 1987. France. 1h30. Avec Gérard Jugnot, Jean Rochefort, Sylvie Granotier, Julie Jézéquel, Jean-Claude Dreyfus, Ged Marlon, Marie Pillet, Albert Delpy.

Sortie salles France: 17 Juin 1987

FILMOGRAPHIE: Patrice Leconte est un réalisateur, scénariste et metteur en scène français né le 12 novembre 1947 à Paris. 1971 : Blanche de Walerian Borowczyk (assistant réalisateur). 1976 : Les Vécés étaient fermés de l'intérieur. 1978 : Les Bronzés. 1979 : Les bronzés font du ski. 1981 : Viens chez moi, j'habite chez une copine. 1982 : Ma femme s'appelle reviens. 1983 : Circulez y a rien à voir. 1985 : Les Spécialistes. 1987 : Tandem. 1989 : Monsieur Hire. 1990 : Le Mari de la coiffeuse. 1991 : Contre l'oubli. 1993 : Tango. 1994 : Le Parfum d'Yvonne. 1995 : Lumière et Compagnie. 1996 : Ridicule. 1996 : Les Grands Ducs. 1998 : Une chance sur deux. 1999 : La Fille sur le pont. 2000 : La Veuve de Saint-Pierre. 2001 : Félix et Lola. 2002 : Rue des plaisirs. 2002 : L'Homme du train. 2004 : Confidences trop intimes. 2004 : Dogora : Ouvrons les yeux. 2006 : Les Bronzés 3. 2006 : Mon meilleur ami. 2008 : La Guerre des miss. 2011 : Voir la mer. 2012 : Le Magasin des suicides. 2014 : Une promesse. 2014 : Une heure de tranquillité.

Comédie dramatique sur fond de road movie à la fois caustique et insolite au sein d'une campagne grisonnante, Tandem relate le déclin d'un animateur radio, Michel Mortez, et de son ingénieur du son, Rivetot, après avoir été communément licenciés de leur émission populaire (celle-ci réunissant 3 millions de fidèles depuis plus de 20 ans !). Surpris par cette décision fortuite, Rivetot décide de cacher la vérité à Michel trop susceptible d'encaisser pareille défaite. Réunissant à l'écran deux talents hors pair sous la houlette de l'éminent Patrice Leconte, Tandem souffle le chaud et le froid dans sa palette d'émotions fougueuses et dépressives. De par la prestance empathique d'un Jean Rochefort prodigieusement fringant, altier et exubérant mais dévoilant peu à peu son désagrément au fil de son introspection morale que le réalisateur exacerbe avec pudeur contenue (notamment par le biais du jeu de miroir et de sa solitude). On est d'ailleurs dubitatif à son statut de célibat endurci au point que ce dernier aurait-il préconisé une orientation homosexuelle faute de sa grande timidité envers les femmes ? La question reste à mon sens posée car le réalisateur joue sur cette ambiguité sexuelle lors de plusieurs échanges intimes qu'il approche auprès d'une inconnue et d'une connaissance "gay" qu'il décide ce soir là de repousser. Alors qu'un peu plus tard, lors d'une conversation téléphonique fantôme, son ami Rivetot sera témoin de la supercherie d'une vie conjugale inexistante ! Dans celui de l'adjoint prévenant, faire-valoir inépuisable, Gérard Jugnot lui partage ses services et son amitié avec une tendresse introvertie si bien que celui-ci s'efforce de préserver la célébrité de son ascendant avec une attention émue.

La rage de vivre chez une France profonde en discrédit. 
Hommage aussi bien sensible que mélancolique aux losers et à ces émissions populaires qu'une France profonde idolâtre en lieu et place d'ennui et de divertissement, Tandem y dresse au final le douloureux portrait d'une star déchue consciente d'avoir occulté une carrière autrement plus substantielle et méritante (Rivetot stupéfié d'apercevoir au domicile de Michel des centaines de livres ornant chaque pièce de l'appartement !). Sans jamais juger ce duo passionnel réputé comme obsolète, Patrice Leconte en sublime leurs portraits avec une fragilité démunie, et ce avant que la dignité et la tendresse d'une vibrante amitié ne s'y consolide en guise d'au-revoir. Soutenu par l'inoubliable tube Il Mio Rifugio de Richard Cocciante (spécialement écrit pour le film), Tandem développe une émotion bipolaire déroutante et rigoureuse (notamment de par sa mise en scène auteurisante qu'on a un peu de mal au départ à apprivoiser) au gré du cheminement initiatique de ces deux paumés avides d'amour, de réussite, de liberté et surtout de reconnaissance.

Bruno Matéï