vendredi 30 septembre 2011

BAD TEACHER


de Jake Kasdan. 2011. U.S.A. 1h32. Avec Cameron Diaz, Lucy Punch, Jason Segel, Justin Timberlake, Phyllis Smith, John Michael Higgins, Dave Allen, Jillian Armenante, Matthew J. Evans, Kaitlyn Dever.

Sortie en salles en France le 27 Juillet 2011. U.S: 24 Juin 2011

FILMOGRAPHIE: Jake Kasdan est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain né le 28 Octobre 1974.
1998: Zero Effect (télé-film)
2002: Orange County
2006: The TV Set
2007: Walk Hard: The dewey Cox story
2011: Bad Teacher


Dans la mouvance du cinéma provocateur de John Waters, le méconnu Jake Kasdan s'attelle à prendre la relève et bouscule les règles du genre à grand renfort de gags putassiers pour le plus grand bonheur du spectateur. A condition qu'il soit apte à ingérer un esprit cynique et un ton bordélique ne reculant devant aucune limite.

Une insouciante professeur de collège dirige ses cours de classe dans une totale exubérance et un refus des conventions traditionnellement acquises. Un jour, elle fait la rencontre d'un professeur juvénile particulièrement attrayant pour ses désirs lubriques de consommation de routine. Mais une collègue délurée et folichonne est également déterminée à conquérir le coeur du nouveau mâle pris à parti.

                            

L'une des comédies les plus trashs et effrontées de ces dernières années est ici ! Dans une irréfutable décontraction à concocter les gags les plus couillus et politiquement incorrects, Bad Teacher est une comédie décalée comme on en voit rarement dans le paysage balisé du genre.
Ici, la trame futile (deux donzelles se font la guerre pour un charmeur orthodoxe) n'est qu'un prétexte à accumuler les blagues douteuses, les tirades verbales dévergondées et des situations subversives particulièrement corsées pour le public puriste non averti. D'ailleurs, certains d'entre eux risqueront de faire grise mine devant la caractère outrancier, continuellement vulgaire des péripéties tolérées.


Ce qui rend aussi attractif et jouissif ce délire improbable est en grande partie dû au talent de comédienne de Cameron Diaz, littéralement déchaînée et spontanée dans un rôle idéal de blonde égocentrique, désinvolte, insidieuse, mécréante, dépravée et marginale. Une professeur amorale occupant son temps à railler et déprécier ses élèves en leur diffusant durant les cours des films ludiques sans intérêt (si ce n'est la projection du diablotin Scream !), quand il ne s'agit pas de draguer n'importe quel minet réfugié dans les bars sitôt la classe terminée, entre deux prises d'alcool et de Marijuana. La toute aussi allumée Lucy Punch (Dinotopia, Hot Fuzz) volerait presque la vedette à sa rivale mesquine tant elle endosse à merveille un rôle orgueilleux de potiche vindicative, constamment obsédée à vouloir s'approprier du coeur d'un chérubin faussement docile. C'est l'excellent Justin Timberlake (Southland tales, Black Snake Moan, The Social Network) , prouvant une fois de plus qu'il est particulièrement adroit et doué au jeu de comédien pour camper à contre emploi un jeune professeur intello à la posture maladroite (il se caricature aisément avec le port de lunettes risibles). Un ignorant peu érudit dont le fantasme atypique est de concrétiser un simulacre de relation sexuelle fégné jusqu'à l'orgasme, prouvant sa jouissance par la résultante d'une trace humide suintant de son pantalon !


Subversif en diable, provocateur sans retenue, vulgaire de bonne foi, sardonique et fièrement dévergondé, Bad Teacher est une forme d'ovni inespéré dans le genre souvent puritain et conservateur. Un véritable festival de mauvais goût assumé jusqu'au bout des ongles dans ses situations délurées toutes plus saugrenues les unes que les autres. L'abattage éhonté des comédiens s'en donnant à coeur joie, les dialogues irrésistibles de verve mesquine et le rythme frénétique des péripéties débridées concourent de nous soumettre à un délire lubrique rarement subtil mais rempli d'audace.
A contrario, autant mettre en garde que les âmes prudes ne risqueront jamais de s'en remettre !

30.09.11
Bruno Matéï

jeudi 29 septembre 2011

LA MACHINE A EXPLORER LE TEMPS (Time Machine)


de Georges Pall. 1960. U.S.A. 1h43. Avec Rod Taylor, Alan Young, Yvette Mimieux, Sebastian Cabot, Tom Helmore, Whit Bissell, Doris Lloyd.
Récompense: Oscar des meilleurs effets spéciaux (Gene Warren et Tim Baar) en 1961

Sortie en salles en France le 7 Décembre 1960. U.S: 17 Aout 1960.

FILMOGRAPHIE: George Pal, né Györgi Pál Marczincsák, est un réalisateur, producteur, scénariste hongrois, né le 1er février 1908 à Cegled en Autriche-Hongrie (aujourd'hui en Hongrie), naturalisé américain en 1940 et mort le 2 mai 1980 d'une crise cardiaque à Beverly Hills.
1934 : Le Vaisseau de l'éther ; 1935 : L'Atlas magique ; 1936 : La Symphone de l'éther ;1937 : Philips Broadcast ;1937 : What Ho, She Bumps (UK); 1938 : La Belle au bois dormant ; 1939 : Philips Cavalcade ;1939 : Les Amants des mers du Sud ;1942 : Tulips Shall Grow ; 1942 : Jasper et les pastèques ;1942 : Jasper et la maison hantée ; 1958 : Les Aventures de Tom Pouce ;1960 : La Machine à explorer le temps ; 1962 : Les Amours enchantées ; 1964 : Le Cirque du docteur Lao.


C'est en 1960 que le cinéaste hongrois George Pal réalise l'une de ses plus belles réussites, quatre ans avant son cultissime Cirque du Dr Lao. Gros succès commercial lors de sa sortie, La Machine à explorer le temps est tiré du fameux roman de Herbert George Welles, publié en 1895. Pour l'anecdote, c'est l'année clef où fut précisément inventé le cinématographe des frères ingénieurs, Louis et Auguste Lumière ! Londres, au réveillon du 31 Décembre 1899, un groupe d'amis attendent impatiemment dans sa demeure l'inventeur George qui devait s'y présenter à 20h00 précise. Après quelques heures de retard, celui-ci arrive et leur raconte l'improbable récit d'avoir fait un bond dans le futur à l'aide d'une machine révolutionnaire.


Quelques décennies avant Retour vers le Futur, Quelque part dans le Temps, Abattoir 5, C'était demain, Philadelphia Experiment et après l'Armée des 12 Singes, Timecrimes, Donnie Darko et l'Effet Papillon, une production d'anticipation au budget conséquent (1 million de dollars) va remporter un gros succès auprès de la critique et du public, récompensée également d'un oscar pour ses effets-spéciaux. Des trucages prêtant aujourd'hui à sourire dans leur aspect kitch, pour ne pas dire parfois ringards, au vu des maquettes et de l'apparence délurée de nos illustres Morlocks peinturlurés d'un bleu fluo ! En l'occurrence, cette merveille de fantaisie et d'anticipation post-apo n'a rien perdu de son charme et de sa magie dans ses péripéties superbement imagées. La grande réussite de cette fresque haute en couleurs (technicolor oblige !) est de nous narrer avec conviction un univers fantastique proprement dépaysant, littéralement immersif dans cet immense jardin d'Eden. Un endroit bucolique auquel l'ethnie des Elois cohabitent en autarcie parmi une nature environnante jalonnée de rivières et d'arbres fruitiers de taille démesurée en guise de nutrition. 


A travers le voyage prodigieux de george, inventeur de génie fasciné par la quatrième dimension afin de lui permettre de se déplacer à travers le temps à l'aide d'une machine consciencieusement élaborée, c'est un conte gentiment métaphysique (l'apprentissage de l'enseignement indispensable à l'évolution de l'espèce humaine) que nous transmet avec féerie George Pal. Ce saugrenu périple est entamé par un héros réfugié dans un avenir morose où les êtres humains en sont réduits à l'état de légume car incapable de se prendre en main pour édifier une nouvelle hiérarchie fondée sur la discipline, le travail, l'honneur, le sens du devoir, de bravoure et de courage. C'est après que la 3è guerre mondiale eut éclaté que les êtres humains auront fini par disparaître, laissant sur le côté des charniers quelques survivants réduits à l'état animal ou devenu esclaves par l'antagoniste. C'est ainsi que naquit le peuple docile des Elois condamnés à se soumettre à l'autorité des Morlocks. Des hommes mutants vivant sous terre ayant réussi à les dompter pour leur proposer quotidiennement de la nourriture gracieusement récoltée. Un subterfuge sardonique pour mieux les ravir à l'âge adulte et leur servir de garde manger en guise de cannibalisme. Au milieu de cet univers faussement édénique car établi sans gouvernement ni démocratie, George, en pourfendeur rigoureux, va tenter de redonner un sens à la vie des Elois pour les inciter à se rebeller contre la tribu des morlocks réfugiés dans une caverne transformée en forteresse. Décors idylliques aux trucages agréablement désuets, reconstitution soignée d'une époque victorienne ou d'un futur impassible et déploiement d'idées délirantes, La Machine à explorer le temps est une aventure atypique au pouvoir de persuasion inégalé. D'autant plus que la prestigieuse machine temporelle, façonnée avec soin esthétique se révèle éclatante ! Dans son premier rôle au cinéma, Rod Taylor apporte charisme et spontanéité dans sa volonté d'anarchiser des êtres humains subordonnés par des créatures perfides. Sa juvénile compagne endossée par Yvette Mimieux alterne candeur naïve dans sa chétive contribution à tenter de se rebeller contre l'autorité des Morlocks. Ensemble, ils forment un duo tout à fait attachant dans leur bonhomie et leur espoir d'ériger un avenir meilleur basé sur l'enseignement de la culture et le respect d'autrui afin de renouer avec l'expansion de l'évolution humaine.


L'art de narrer au cinéma une histoire rocambolesque quand un cinéaste inspiré est apte à retranscrire le plus fidèlement possible son imaginaire prolifique ! Entre romance attendrie, aventures intrépides, amitié virile (les rapports dignes de Filby et George), action rocambolesque (nous ne sommes pas prêts d'oublier l'apparence bisseuse des Morlocks !) et réflexion sur l'institution des lois , la machine à explorer le temps est un délicieux spectacle familial totalement dépaysant. Un classique vintage impérissable ayant facilement réussi à transcender les altérations du temps.

Dédicace à Olivier Dussart

29.09.11
Bruno Matéï




mercredi 28 septembre 2011

FAUX SEMBLANTS (Dead Ringers). Grand Prix à Avoriaz 1989.


de David Cronenberg. 1988. 1h55. U.S.A/Canada. Avec Jeremy Irons, Geneviève Bujold, Heidi von Palleske, Barbara Gordon, Shirler Douglas, Stephen Lack, Nick Nichols, Lynne Cormack, Damir Andrei, Miriam Newhouse.

Sortie en salles en France le 8 Février 1989. Canada: 23 Septembre 1988.

Récompenses: Grand Prix à Avoriaz 1989.
Prix du meilleur acteur (Jeremy Irons) et nomination au prix du meilleur film, lors du festival Fantasporto en 1989.

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada).
1969 : Stereo, 1970 : Crimes of the Future, 1975 : Frissons, 1977 : Rage,1979 : Fast Company, 1979 : Chromosome 3, 1981 : Scanners, 1982 : Videodrome, 1983 : Dead Zone, 1986 : La Mouche, 1988 : Faux-semblants,1991 : Le Festin nu, 1993 : M. Butterfly, 1996 : Crash, 1999 : eXistenZ, 2002 : Spider, 2005 : A History of Violence, 2007 : Les Promesses de l'ombre, 2011 : A Dangerous Method


Deux ans après son remake La Mouche (bouleversante métaphore sur le Sida laissant libre cours à des FX renversants pour la mutation du héros !), David Cronenberg réalise à mes yeux son plus grand film d'une filmo singulière. Le plus abouti, le plus trouble des drames humains concernant la gémellité de deux chirurgiens psychologiquement inséparables et incapables de surmonter la déchéance de l'autre. Adapté du roman Twins, de Bari Wood et Jacques Geasland, Faux Semblants a même été ovationné à Avoriaz en remportant le fameux Grand Prix un an après sa sortie ! Beverly et Elliot Mantle sont deux frères exerçant la profession de gynécologie dans une notable clinique. Jumeaux à la physionomie identique, ils vivent communément dans un appartement de luxe en multipliant les conquêtes féminines sans lendemain. Un soir, Beverly fait la rencontre d'une actrice, Claire Niveau, souffrant d'une anomalie physique rarissime au niveau de l'utérus. Éperdument amoureux l'un de l'autre, leur relation va cependant échouer quand Beverly, fragile et introverti, va peu à peu sombrer dans la dépendance toxicomane.


Drame psychologique d'une intensité crue dans sa caractérisation à nous dépeindre la déliquescence de deux illustres chirurgiens, Faux Semblants est une descente aux enfers hypnotique et implacable. Mis en scène avec une rare maîtrise dans la manière de distiller un malaise insidieux, ce portrait baroque de deux jumeaux incapables de départager leur existence commune nous entraîne dans une spirale de déchéance, faute d'une idylle amoureuse compromettante et d'une addiction pour les drogues dures. Sous l'influence de son frère, Beverly, le plus réservé et timoré, va en effet se laisser attendrir par la relation d'un soir avec une jeune actrice. Elliot, chirurgien pragmatique beaucoup plus spontané et décomplexé, lui propose de profiter ensemble de cette idylle grâce à leur ressemblance physique. Cependant, la jeune femme stérile est le fruit d'une mutation puisque possédant trois utérus en interne des organes. Mais la sensibilité fragile de Beverly, son accoutumance aux drogues, sa fascination exercée sur cette difformité et l'indifférence de son frère pour sa nouvelle relation vont le faire sombrer dans une grave dépression.


Avec un sens du suspense latent, le réalisateur traite ici du rapport viscéral de nos organes internes du point de vue de la gémellité. Qui plus est, la présence symbolique des instruments chirurgicaux en or fascine et dérange le spectateur pour ces opérations médicales exécutées sur des patientes pathologiques. C'est une épreuve autodestructrice que nous raconte Cronenberg pour deux laissés-pour-compte car livrés à leur déchéance humaine et l'échec professionnel . Un impossible retour à la stabilité lorsque ceux-ci sont incapables de surmonter leur séparation. Comme si un cordon ombilicale les reliait corporellement à la manière des siamois (le rêve traumatique fantasmé par Beverly en est une preuve !). D'une intensité dramatique exponentielle, Faux Semblants exacerbe sa force émotionnelle grâce à l'interprétation binaire du grand Jeremy Irons. Autoritaire, flegme, érudit et arrogant pour l'un, fragile, dépressif et schizophrène pour l'autre, le double rôle invoqué est notamment renforcé par l'illusion de trucages afin d'insérer dans le même cadre deux jumeaux au caractère bien distinct. Pourvu d'un charme trouble et vénéneux, Geneviève Bujold endosse une femme instable contrariée par sa solitude puisque accumulant les conquêtes sans lendemain, même si sa nouvelle relation avec Beverly en sera légèrement palliée. Quand bien même sa mutation génétique va l'éprouver sur un sentiment de défaite et de désillusion pour son éventuelle progéniture. A eux trois, ils forment un trio inclassable dans la précarité de leur relation amoureuse et leur rapport interlope pour l'altération du corps.


Frères de sang
Profondément dérangeant, bouleversant et traumatisant, le cheminement tragique d'Eliot et Beverly nous achemine vers une déchirante histoire d'amour sur les liens équivoques de la gemellité. Deux jumeaux nantis incapables de fonder une existence autonome et de reprendre en main leur situation socio-professionnelle. Renforcé par l'interprétation de Jeremy Irons et du score sensitif d'Howard Shore, Faux Semblants est un électro-choc émotionnel sur le dépit de l'amour, le désespoir et la déchéance humaine.  

Dédicace à Isabelle
28.09.11
B-M

La critique de Ruuffet Nelly

Un des meilleurs Cronenberg. Ici, ce dernier excelle dans ce qu'il fait de mieux en nous proposant un métrage dont le caractère horrifique repose sur de l'expérimental et du clinique. Cronenberg nous pousse à nous interroger sur la chair et ses dimensions physico-spirituelles. Les deux frères jumeaux font de leur vie une expérience à un tel point qu'ils font se côtoyer la chair et le monstrueux. Jérémy Irons est magistral et nous propose un double jeu extraordinaire. Paradoxalement, au début du métrage, le spectateur peine à différencier les jumeaux tant leurs faciès et leurs attitudes sont similaires, puis la rencontre entre Beverly et Claire fait tout basculer. Même si Eliott (le + insensible et machiavélique des deux) fait tout pour qu'ils restent identiques, la descente aux Enfers de Beverly nous le montre vulnérable et de plus en plus fragile. Mais qui est le + fragile des 2? Peut-être pas celui que l'on pense.

Claire entraîne Beverly malgré elle dans l'univers des drogues dites « légales ». Ce dernier se shoote afin d'aider sa patiente à concevoir un enfant en poussant son corps dans ses derniers retranchements. Beverly, assoiffé de performances, est malheureusement rattrapé par les limites de son corps, qui reprend ses droits. Car même si le mental tente de transcender la chair, la chair reste de la chair et, si on la triture et essaie de la rendre artificielle, elle devient monstrueuse. Telle pourrait être la moralité du film qui, en ce sens, est la même que celle de La mouche. Beverly ne contrôle plus son corps et sombre alors qu'il interprète mal une entrevue entre Claire et un autre homme. Pensant qu'elle l'a trompé, il se réfugie encore plus dans les somnifères et les anxiolytiques.
Son frère jumeau, Eliott, que l'on perçoit tout d'abord comme un monstre insensible au regard glacial, semble plus humain lorsqu'il assiste, impuissant, à la déchéance de son frère jumeau. Là encore, son penchant pour l'expérimentation reprend ses droits mais cette fois-ci cette dernière est au service d'une noble cause. Par esprit de fraternité, Eliott imite son frère et prend le même traitement que Beverly, les mêmes dosages. Le clinique et le fraternel se cotoient et se confondent. Commence alors une descente vers la démence.
En parallèle de l'évolution du frère le plus froid, qui se calque cliniquement sur Beverly, se développe un imaginaire clinique. Eliott cherche à transcender la chair par le mécanique en créant artificiellement la gémellité chimique des deux frères et tente d'imiter le parcours des premiers frères siamois en recréant des instruments capables de les séparer. Entraîné dans la spirale de la folie, il mais pousse le mécanique jusqu'à l'inhumain en testant des instruments qui ne sont pas faits pour être testés sur des humains sur de vraies patientes. Les consultations deviennent des séances de torture et Beverly le lui fait bien remarquer.
Claire, le tiers jadis à l'origine de la descente aux Enfers des deux frères, devient alors la médiatrice entre ces derniers et intervient tout particulièrement auprès d'Eliott en tentant de lui expliquer par tous les moyens possibles que leur gémellité ne fait pas d'eux des personnes complètement identiques. Les jumeaux ne sont pas des siamois et les dépendances chimiques ne sont pas innées. Mais Elliott ne le comprend pas et continue de pousser ses expérimentations jusqu'à adopter au milligramme près les doses qu'ingère son frère. A force de vouloir pousser leur gémellité jusque dans ses derniers retranchements, la chimie les rattrape et ils sont incapables de faire machine arrière.
Leur fraternité devient monstrueuse, Eliott s'en rend compte mais il est déjà trop tard. La folie l'a gagné et il essaie de sauver son frère en se séparant chirurgicalement de lui. L'imaginaire a dépassé la réalité. Mais Eliott ne voit que cette alternative, aveuglé par sa soif d'expérimentations. Le goût pour la science, poussé à l'extrême, mène à la destruction. Au coeur de la scène finale git un frisson empreint de grâce. Cronenberg a réussi à faire se côtoyer la grâce, l'amour et le frisson horrifique dans ce chef-d'oeuvre, un chef-d'oeuvre comme on en fait rarement à l'heure actuelle. Horriblement magnifique.


                                     

mardi 27 septembre 2011

LA MAISON DU DIABLE (The Haunting)

                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site horreur-web.forumactif.com

de Robert Wise. 1964. Angleterre. 1h51. Avec Julie Harris, Claire Bloom, Richard Johnson, Russ Tamblyn, Fay Compton, Rosalie Crutchley, Lois Maxwell, Valentine Dyall, Diane Clare, Ronald Adam.

Sortie en salles en France le 4 Mars 1964. U.S: 18 Septembre 1963.

FILMOGRAPHIE: Robert Wise est un réalisateur, scénariste, producteur, monteur né le 10 Septembre 1914, décédé le 14 Septembre 2005 à Winchester (Indiana).
1944: La Malédiction des Hommes Chats, 1945: Le Récupérateur de cadavres, 1948: Ciel Rouge. Né pour Tuer. 1949: Nous avons gagné ce soir. 1952: La Ville Captive. 1952: Le Jour où la terre s'arrêta. 1954: Les Rats du Désert. 1957: Marqué par la Haine. 1958: l'Odyssée du sous-marin Nerka. 1962: West Side Story. 1964: La Maison du Diable. 1966: La Mélodie du Bonheur. 1967: La Canonnière du Yang-Tsé. 1972: Le Mystère Andromède. 1975: L'Odyssée du Hindenburg. 1977: Audrey Rose. 1980: Star Trek. 1989: Les Toits. 2000: Une Tempête en été (télé-film)


Réalisateur prolifique dans la diversité des genres, Robert Wise s'inspire en 1963 d'un roman de Shirley Jackson pour tenter d'authentifier un cas de demeure hantée chez La maison du Diable. Psychanalyse passionnante sur la psychose de nos angoisses, ce chef-d'oeuvre inégalé laisse planer le doute quand à l'intrusion du surnaturel pour mieux nous entraîner dans le vertige d'une inhibition refoulée. Un professeur en parapsychologie rassemble trois adjoints autour d'un cas de maison hantée dans la célèbre demeure de Hill House. Eleanor, la femme la plus susceptible, semble aussi attirée que terrifiée par la présence spirituelle de la maison. Bientôt, sa vie va basculer dans la paranoïa et la névrose, faute de son angoisse accablée par le récent décès de sa mère et de cette vaste maison exerçant une occulte influence.


Modèle de suggestion d'une infinie richesse dans sa démarche thérapeutique vers la névrose de l'héroïne, La Maison du Diable constitue une ultime expérience avec la peur du tourment. Le réalisateur illustrant avec émotion le portrait introspectif d'une femme esseulée, profondément accablée par une existence de déréliction. Faute de supporter sa relation orageuse avec une soeur autoritaire auquel elles ont choisi de vivre communément dans l'appartement restreint d'une collocation, Eleanor est d'autant plus assaillie par la culpabilité du décès de sa mère impotente. Car un soir, alors que celle-ci, mourante, lui suppliait de lui rapporter ses médicaments, Eléanor omet involontairement de lui porter assistance.


En conteur circonspect, Robert Wise nous ausculte ici les tourments cérébraux d'une célibataire aguerrie. Une femme particulièrement susceptible des mesquineries de sa collègue de chambre désireuse de la provoquer pour mieux la confronter à sa paranoïa. Au climat d'insécurité instauré à travers les diverses pièces baroques (l'immense escalier circulaire, le jardin de statues de pierre), la jeune femme étourdie d'un environnement trop spacieux perçoit son climat ténébreux pour se laisser influencer par une imagination anxiogène. Les premiers phénomènes inexplicables sont causés par un assourdissant tambourin raisonnant inlassablement derrière la porte de la chambre auquel nos deux héroïnes s'y sont cloîtrées. Plus tard, des voix infantiles ou caverneuses, des bruits de pas diffus, une porte semblant respirer, tel un battement de coeur poussif, vont une nouvelle fois tourmenter les esprits (influençables) de la confrérie en quête de sensationnalisme. Ces séquences percutantes à l'angoisse palpable ou oppressante sont admirablement suggérées par un montage nerveux multipliant cadrages alambiqués devant le témoignage déconcerté de nos témoins. L'implacable force du récit émane de cet esprit susceptible sujet à des évènements potentiellement paranormaux, car davantage influencé par sa paranoïa toujours plus éprouvante. A moins que le pouvoir mystique de la maison possède finalement cette faculté irrationnelle de matérialiser les angoisses des esprits introvertis les plus réceptifs. Comme quoi, la peur, le doute, la crainte de pouvoir s'affirmer peuvent facilement nous mener à l'aliénation lorsqu'un esprit névrosé ne trouve pas matière à réprimer ses affres d'un passé traumatique (ici, la hantise d'une culpabilité pour avoir involontairement laissé pour morte une matriarche !).


La Locataire.
Sommet d'angoisse sous-jacente, de tension oppressante et de mystère insondable, La Maison du Diable constitue la clef de voûte du cinéma d'épouvante par le biais d'une réflexion complexe sur la névrose. A travers la hantise d'une demeure gothique (superbement photographiée dans des éclairages monochromes habilement contrastés), c'est la psychanalyse subjective d'une patiente déchue, entraînée par une délivrance morbide que nous conte avec acuité l'auteur. Alors que paradoxalement, le doute se porte garant quant à la véracité potentiellement irrationnelle de cette bâtisse aux secrets indéchiffrables. La maison du diable jouant avec une rare intelligence avec la suggestion d'une énigme laissée en suspens.

27.09.11   4



                                            

lundi 26 septembre 2011

LES RATS ATTAQUENT (Deadly Eyes/Night Eyes/The Rats)

de Robert Clouse. 1982. Canada. 1h27. Avec Sam Groom, Sara Botsford, Scatman Crothers, Cec Linder, Lisa Langlois

Sortie en salles au Canada le 23 Octobre 1982

FILMOGRAPHIE: Robert Clouse est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 6 mars 1928, décédé le 4 février 1997 à Ashland (Oregon).
1962: The Cadillac. 1964: The Legend of Jimmy Blue Eyes. 1970: La Loi du Talion, Dreams of Glass. 1973: Opération Dragon. 1974: La Ceinture Noire, les 7 Aiguilles d'Or. 1975: New-York ne répond plus. 1977: The Pack. The Amsterdam Kill. 1978: Le Jeu de la Mort. 1979: The London Connection. 1980: Le Chinois. 1981: Force 5. 1982: Les Rats Attaquent. 1985: Gymkata, le parcours de la mort. 1990: China O'Brien. 1991: China O'Brien 2. 1992: Iron Heart.


Robert Clouse est un modeste artisan de la série B avant tout réputé pour deux films de Kung-fu iconisés par Bruce Lee (Opération Dragon, le Jeu de la Mort) et pour une dystopie post-apo (New-York ne répond plus - précurseur de Mad-Max 2 -). En 1982, il cède au genre horrifique avec une oeuvre mineure influencée par les écrits du britannique James Herbert, 1er tome d'une trilogie des rats. A Toronto, des grains de maïs contaminés provoquent une mutation chez des rats déterminés à décimer la démographie New-yorkaise. Un professeur de sport est une experte médicale se concertent pour déjouer la menace ayant envahi la métropole avant de se réfugier dans un métro en inauguration.



Complètement occulté de nos jours, cette série B modestement réalisée avait crée son p'tit effet dans les rayons des vidéo-clubs des années 80. En l'occurrence, Les Rats Attaquent réussit encore à divertir grâce à la présence délétère de nos fameux rats de taille saugrenue. Point d'effets numériques révolutionnaires ici mais des trucages ingénieux empruntés à la morphologie de mammifères canins car costumés d'une fourrure de poils et d'une fausse queue (quand il ne s'agit pas de marionnettes mécaniques filmés en plan serré). Le scénario dérisoire est franchement le point le plus répréhensible puisque Robert Clouse s'attarde trop sur une idylle insoluble entre un professeur et sa jeune enseignante. Pourtant, aussi creux et vain que soit cette digression, la manière professionnelle dont le réalisateur structure le récit et la caractère attachant des personnages réussissent à éviter l'ennui. Quant aux scènes cinglantes d'attaques animales, elles sont disposées à intervalle régulier quand bien même la violence qui en résulte accorde parfois une certaine sauvagerie avec quelques gerbes de sang.


Mais c'est surtout dans son dernier acte que Les Rats Attaquent prend son envol dans l'implication dantesque de deux scènes imparties au mode "catastrophe". En effet, nos rats redoutablement hostiles vont investir la salle d'un cinéma de quartier (alors qu'est diffusé devant l'écran le Jeu de la Mort !) et décimer tous les spectateurs en panique ! C'est ensuite vers la rame d'un métro qu'ils se dirigent afin de dévorer les hôtes d'une inauguration. d'ailleurs, on pense inévitablement au même schéma alarmiste initié par les Dents de la mer lorsque ces personnages hautains et véreux réfutent de croire que l'improbable menace est sur le point de saborder leur projet industriel. Mais le caractère sympathique de nos acteurs de seconde zone (Sara Botsford, l'inoubliable catin de Class 84, Sam Groom - Jeux Mortels - et une pléthore d'illustres séries TV des années 70 et 80) parviennent à rendre ludiques leurs mésaventures.


Agréablement troussé, élaboré d'FX adroits et modestement campé par des comédiens attachants, mais handicapé d'un scénario risible et de situations éculées, les Rats Attaquent doit surtout sa petite notoriété à la physionomie monstrueuse des rats particulièrement voraces et teigneux (au passage, un bébé y trépasse !). L'intrusion finale et spectaculaire de deux séquences chocs de grande envergure achèvent de nous réconforter avec ce produit d'exploitation dénué de prétention. A réserver en priorité aux nostalgiques des années 80.

26.09.11.    4
E-B


jeudi 22 septembre 2011

SERIE NOIRE


d'Alain Corneau. 1979. France. 1h55. Avec Patrick Dewaere, Myriam Boyer, Marie Trintignant, Bernard Blier, Jeanne Herviale, Andreas Katsulas, Charlie Farnel, Samuel Mek, Jack Jourdan, Fernand Coquet.

Sortie en salles en France le 25 Avril 1979. U.S. 25 Juin 1982.

FILMOGRAPHIE: Alain Corneau est un réalisateur français né le 7 aout 1943 à Meung sur Loire (Loiret), décédé dans la nuit du Dimanche 29 au Lundi 30 Aout 2010 à Paris.
1974: France société anonyme, 1976: Police Python 357, 1977: La Menace, 1979: Série Noire, 1981: Le Choix des Armes, 1984: Fort Saganne, 1986: Le Môme, 1989: Nocturne Indien, 1991: Tous les Matins du Monde, 1995: Le Nouveau Monde, 1997: Le Cousin, 2000: Le Prince du Pacifique, 2002: Stupeur et tremblements, 2005: Les Mots Bleus, 2007: Le Deuxième Souffle, 2010: Crime d'Amour.


Après deux mémorables polars, Alain Corneau porte à l'écran en 1979 le roman de l'américain Jim Thompson paru dans la collection "série noire", sous le titre Des Cliques et des Claques. S'il n'a rencontré qu'un demi-succès d'estime (890 578 entrées au compteur), ce chef-d'oeuvre porté par le talent halluciné de Patrick Dewaere va entraîner au fil des années une réputation de classique impérissable. Franck Poupart est un représentant de commerce incapable de boucler ses fins de mois, faute d'un patron sans scrupule. Vivant dans un foyer précaire en compagnie d'une femme délaissée, il rencontre au hasard de sa clientèle une sexagénaire cohabitant avec sa nièce de 16 ans, Mona. Cette jeune fille est une prostituée aigrie contraint de racoler contre l'autorité de sa tante. Ils tombent communément amoureux. Un jour, elle lui dévoile que la mégère camoufle sous son toit les économies d'une grosse somme d'argent. Ensemble, ils décident de comploter un traquenard pour la dérober.


Alain Corneau, plus inspiré que jamais, nous entraîne ici dans une sordide descente aux enfers sur fond de misère sociale. Ce profil établi sur un quidam paumé et désoeuvré nous éprouve près de 2 heures durant lors d'une implacable série noire à l'atmosphère dépressive difficilement respirable.
C'est le portrait pathétique d'un homme au bord de la crise de nerf, un sociopathe au confins de la folie humaine car rongé par l'amertume, la morosité de son environnement insalubre, le désespoir de subir une morne existence toujours plus nécrosée. Conscient de sa défaite sociale défavorisée par un patron intransigeant, et lucide de son incapacité à redresser sa situation conjugale, Franck est sur le point d'exploser les barrières de sa moralité pour songer au meurtre crapuleux. Fantasmant une vie plus autonome et harmonieuse en compagnie d'une mineur mutique de 16 ans, ils vont préméditer un double homicide afin de soutirer une grosse somme d'argent à une rombière. Avec la fausse complicité d'un acolyte d'origine étrangère, Franck décide de se servir de son ami inculte pour mieux feindre sa pitoyable combine et ainsi se déculpabiliser de l'achèvement des odieux crimes.


Baignant dans une ambiance glauque et poisseuse, Serie Noire nous imprègne viscéralement de son environnement en décrépitude à proximité d'une banlieue parisienne engluée par la montée du chômage et de la délinquance. Avec ce portrait jusqu'au-boutiste d'un badaud misérable davantage insidieux et lâche, ce polar rugueux parfois caustique (l'humour tacite provoque parfois l'hilarité) transcende l'illustration d'un fait divers crapuleux par la déshumanisation d'un acteur de génie, Patrick Dewaere. Un monstre sacré proprement habité par son personnage de marginal erratique à la limite de la démence. Toute la narration étant confinée atour de sa dimension psychologique tributaire d'une déchéance sociale miséreuse. L'acteur transi de sentiment misanthrope nous dévoilant ouvertement un festival de gestuelle et mimique engagées sur l'insolence et l'impertinence d'une crise identitaire. Secondé par Marie Trintignant, l'actrice se fond dans la peau d'une potiche à la mine aussi renfrognée que timorée mais peu à peu éprise d'amour. Myriam Boyer se révèle touchante à endosser le rôle d'une épouse mal aimée incapable d'assumer son statut conjugal de bonne à tout faire ! Enfin, en patron véreux exécrable, Bernard Blier exacerbe à merveille son caractère cynique d'exploiter sans modération un ouvrier en perdition.

                                     

Traversé de célèbres tubes pop des années 70, mis en scène avec souci d'authenticité et transcendé par la prestance écorchée vive de Patrick Dewaere, Série Noire est un chef-d'oeuvre de sinistrose sur la misère humaine, le tableau tragique d'un marginal annihilé par le système. L'un des tableaux les plus durs et cruels que nous ait engendré le cinéma français. 
A Patrick...

Dédicace à Pierre Jean Gabriel Bertrand

22.09.11
Bruno Matéï


mardi 20 septembre 2011

THE THING


de John Carpenter. 1982. U.S.A. 1h49. Avec Kurt Russel, Wilford Brimley, David Clennon, Keith David, T.K Carter, Richard A. Dysart.

Sortie en salles en France le 3 Novembre 1982. U.S: 25 Juin 1982

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis).
1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward

                                       

Un an après le crépusculaire New-York 1997, John Carpenter enrôle à nouveau son acteur fétiche Kurt Russel pour élaborer un remake de La Chose d'un autre monde. Le terme "remake" est d'ailleurs un peu galvaudé puisque cette version réactualisée se révèle la plus fidèle au court récit originel de John W. Campbell (Who Goes there ?). Echec public lors de sa discrète sortie en salles en 1982, The Thing s'est taillé au fil des décennies une réputation de chef-d'oeuvre du fantastique moderne, au même titre que d'autres classiques comme Alien, Shining ou Carrie. Une oeuvre avant-gardiste (son bide commercial imbitable en sait quelque chose !) amorçant une trilogie sur l'Apocalypse, dont Prince des Ténèbres et l'Antre de la Folie en seront les futurs héritiers. Antarctique, 1982. Dans une station de recherche scientifique logée par des américains, un chien de traîneau vient y trouver refuge après avoir été pourchassé par une équipe de norvégiens. Après une rixe mortelle entre les deux équipes de chercheurs, deux des compagnons américains décident d'investir le camp adverse laissé à l'abandon. Sur place, ils découvrent un corps congelé et décident de le ramener à leur refuge pour l'autopsier. Pendant ce temps, l'animal est emprisonné dans une cage parmi la présence d'autres chiens. Rapidement, un métamorphe s'extrait du corps du canidé pour investir la chair des autres mammifères.
                                  

Sommet de terreur aussi palpable que sous-jacente, The Thing est un huis-clos implacable auquel un groupe de scientifique éreintés vont user de subterfuge et constance pour tenter de démasquer lequel d'entre eux est physiquement investi d'une chose extra-terrestre. Dès le magnifique préambule se déroulant dans de vastes dunes enneigées, l'inquiétude s'accapare de nos héros susceptibles, témoins malgré eux d'une chasse au loup perpétrée par des norvégiens. Après que nos héros se soient loyalement défendus contre des balles perdues, ils décident d'aller jeter un oeil au camp antagoniste situé à proximité de leur office. Carpenter distille au compte goutte un sentiment lattent d'inquiétude et de mystère à la vue de la découverte de divers cadavres congelés par la température climatique et dans un état inexplicablement décomposé. Le thème lancinant d'Ennio Morricone accentue à la perfection ce sentiment hostile d'une menace indicible s'infiltrant dans les corps étrangers. C'est avec la première agression de la chose extirpée du corps du chien de traîneau et retrouvée par nos protagonistes que l'affolement va s'accaparer de leur quotidien. Ce qui scotche littéralement le spectateur émane de la qualité optimale d'effets spéciaux prodiges élaborés par l'illustre Rob Bottin. Sans outre-mesure d'épater la galerie avec un quelconque prétexte grand-guignolesque, cette scène saugrenue impressionne autant qu'elle nous éprouve par son intensité émotionnelle. Si bien que les trucages mécaniques sidérant de réalisme sont filmés en temps réel ! Du jamais vu pour l'époque !



D'autres évènements vont décupler les métamorphoses incongrues endossées par "la Chose" dans une lente descente aux enfers fondée sur la psychose et le délire de persécution. Une dégénérescence psychologique est soumise à chacun de nos héros pris en otage par cette entité. Le doute, la paranoïa, la folie et la crainte de trépasser vont instinctivement s'approprier de leur moral dans leur refuge  réfrigérant ! Reste donc à savoir qui est qui ? Quel est le prochain à subir le viol de la chose, incessamment déterminée à annihiler toute présence humaine sur cette contrée polaire ! Un test sanguin prescrit pour chacun des membres de l'expédition leur est obligatoirement soumis afin de disculper ou condamner au grand jour le sujet potentiellement contaminé. Ce moment de vérité fatidique devient sous la caméra assidue de Carpenter un moment oppressant à la tension quasi insupportable ! Et les effets-spéciaux toujours plus renversants de rivaliser d'ingéniosité dans l'art de confectionner une créature hybride pour ses inlassables mutations organiques. Et cela sans jamais verser dans la gratuité, le ridicule ou la gaudriole ! La sobriété des interprètes tous remarquables d'austérité circonspecte nous mène par le bout du nez, à savoir quel est la prochaine victime apte à subir les sévices corporels de la chose toujours plus mesquine ! Kurt Russel menant la danse en leader opiniâtre sans héroïsme pédant puisque coupable d'avoir involontairement causé la mort d'un de ses acolytes. Accoutré d'une barbe et d'un parqua imperméable, notre chercheur chevronné s'alloue d'un flegme et d'une anxiété parano afin de tenter de débusquer la nouvelle victime contaminée.



NE FAITES CONFIANCE A PERSONNE !
Jeu de massacre transcendant le sentiment épidermique de la paranoïa, épreuve de survie insolente conférée à une poignée d'individus interlopes, The Thing constitue un sommet anxiogène à travers les motivations perfides de l'homme opposé à son pire ennemi: lui même !  Pour parachever, le caractère innovant des FX façonnés par Rob Bottin sont aptes à entrer dans la légende des images de cauchemar les plus improbables du 7è art.

P.S: Toute personne avide de redécouvrir ce monument se doit de posséder la magnifique édition Blu-ray sortie il y a quelques années chez Universal ! L'image immaculée s'avérant proprement fastueuse ! Une expérience viscérale qui laisse pantois et qui permet de savourer le film comme au premier visionnage !

20.09.11.    4
Bruno Matéï

                                    

lundi 19 septembre 2011

LE GAMIN AU VELO. Grand Prix au Festival de Cannes 2011.


de Jean-Pierre Dardenne et Luc Dardenne. 2011. France. 1h27. Avec Cécile de France, Thomas Doret, Jérémie Renier, Olivier Gourmet, Fabrizio Rongione, Egon Di Mateo.
Sortie en salles en France 18 Mai 2011

FILMOGRAPHIE: Jean-Pierre et Luc Dardenne sont des frères réalisateurs belges. Jean-Pierre est né le 21 Avril 1951 à Engis et Luc est né le 10 mars 1954 aux Awirs.
1987: Falsch, 1992: Je pense à vous, 1996: La Promesse, 1999: Rosetta, 2002: Le Fils, 2005: l'Enfant, 2008: Le Silence de Lorna, 2011: Le Gamin au Vélo.


12 ans après la Palme d'Or de Rosetta, drame social ayant révélé au grand public la débutante Emilie Dequenne (Prix d'interprétation à Cannes), les frères Dardenne renouent avec la jeunesse galvaudée sur fond de précarité sociale avec le douloureux portrait d'un enfant abdiqué par son père, Le Gamin à Vélo


Dans la lignée du cinéma de Truffaut et des 400 coups, le Gamin au vélo décrit avec un souci d'authenticité le portrait chétif d'un jeune garçon de 12 ans, incapable d'assumer sa nouvelle vie improvisée dans un foyer d'abandon, en l'attente d'une éventuelle famille d'accueil. C'est suite à une démission parentale engagée par son père que l'adolescent en quête de reconnaissance affective s'engage inlassablement à retrouver les traces de celui-ci incapable d'endosser ses responsabilités civiles. Dès lors, l'errance de ce jeune gamin multipliant les évasions et les crises de violence va voir son destin chamboulé lorsqu'il va faire la rencontre impromptue d'une femme prête à l'accepter pour l'héberger chaque week-end. C'est après avoir retrouvé les traces de son père, foncièrement délibéré à ne plus envisager de l'élever, que Cyril va s'apercevoir du lien familial rompu. Avec son vélo, il déambule quotidiennement dans les quartiers de sa nouvelle cité, à proximité de la demeure de Samantha, jusqu'au jour où suite à une altercation avec un jeune lascard, Cyril va faire la connaissance désobligée d'un dealer réputé par son influence perfide.

                                    

Réalisé sans fioriture et entièrement voué à ses personnages tourmentés débordant d'humanité, les frères Dardenne nous retranscrivent ici sans pathos le douloureux profil d'un enfant désuni, lâchement abandonné par sa propre famille. Le cheminement incertain de cet enfant sauvage, à deux doigts de sombrer dans le drame le plus pénal va démontrer comment un gosse livré à lui même peut facilement sombrer dans la délinquance quand l'amour, l'engagement familial et l'éducation parentale ont été exemptés de son équilibre psychologique et affectif. Ou quand la colère, la révolte et la haine alimentés par le sentiment d'injustice nous entraînent instinctivement vers la fréquentation marginale des laissés pour compte. Le jeune Thomas Doret réussit avec un naturel vigoureux à provoquer l'empathie dans son refus de se plier aux règles des autorités après avoir été banni du coeur de son père. Cette quête désespérée de fuir aveuglément les sentiers de la perdition d'une enfance démunie le mènera vers le danger le plus répréhensible. A moins qu'un adulte responsable ne réussisse in extremis à le rappeler à la raison. Lumineuse et pétillante, Cécile de France aura la difficile tâche d'apporter le soutien nécessaire et l'amour salvateur pour prouver à Cyril que sa vie peut néanmoins être un nouveau départ pour sa postérité.

Réalisé avec autorité, vérité prude et refus de mièvrerie, Le Gamin au Vélo est un drame poignant sur l'enfance fustigée d'une démission parentale. Un portrait en demi-teinte d'un jeune ado humilié, implacablement condamné à renouer avec de nouveaux liens pour pouvoir reconstruire un semblant de famille et cristalliser un avenir fructueux. L'interprétation pleine de justesse de nos deux comédiens impliqués dans une relation conflictuelle contribuant pour beaucoup à la puissance dramatique de cette oeuvre aussi fragile que candide.

19.09.11
Bruno Matéï

vendredi 16 septembre 2011

LA GUERRE DES ETOILES (Star wars : episode IV - A New Hope)


de Georges Lucas. 1977. U.S.A. 2h04. Avec Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew.

Sortie en salles en France le 19 Octobre 1977. U.S: 25 Mai 1977

FILMOGRAPHIE: George Walton Lucas, Junior est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 14 Mai 1944 à Modesto, en Californie.
1971: THX 1138
1973: American Graffiti
1977: La Guerre des Etoiles
1999: La menace Fantôme
2002: L'Attaque des Clones
2008: La Revanche des Siths


Deux ans après le triomphe des Dents de la mer qui aura terrorisé des millions de spectateurs (et baigneurs masochistes), un second blockbuster hollywoodien va venir bouleverser le paysage cinématographique avec l'entreprise d'une saga érigée juqu'à présent en 6 volets par George Lucas.
Titre légendaire, La Guerre des Etoiles ou plus familièrement Star Wars est un pur divertissement familial apte à séduire les spectateurs de 7 à 77 ans. Cette énorme production ambitieuse est une forme de réactualisation des Chevaliers de la Table Ronde et de la légende d'Oedipe si on soulève les rapports funestes entre Luke Skywalker et Dark Vador. Bénéficiant d'effets-spéciaux révolutionnaires pour l'époque, ce space opéra flamboyant maintes fois copié (mais surpassé par l'Empire contre-attaque !) reste en l'occurrence un fabuleux spectacle enchanteur au pouvoir de fascination aussi persuasif.

Il y a bien longtemps, dans une galaxie très lointaine... Une guerre civile éclate entre l'empire galactique et des insurgés téméraires. Capturé par l'armée de Dark Vador, la princesse Leia Organa se voit contraint de divulguer les plans volés de l'Etoile Noire. Réussissant malgré tout à les confier à son droïde R2-D2, elle lui demande de les remettre au Jedi Obi-Wan Kenobi. C'est le jeune Luke Skywalker, après avoir acheté à bon prix le droide et son complice C-3PO, qui va devoir s'unir avec Obi Wan, le trafiquant Han Solo et Chewbacca pour faire communément preuve de courage et d'effort à tenter de libérer la princesse et ainsi annihiler la station de l'empire.


Spectacle visuel à couper le souffle affiliant la féerie poétique, l'action belliqueuse hérité du film de guerre, de l'aventure, du western et du jeu vidéo, La Guerre des Etoiles est une fabuleuse épopée sur le combat sempiternel du Bien et du Mal. En immortalisant une poignée de héros bien spécifiques dans leur physionomie singulière et leur complicité fantaisiste épaulée de deux droïdes et d'un homme singe mutique, l'équipée engagée de Luke Skywalker, Han Solo et Obi Wan peut débuter !
Georges Lucas établit dans un premier temps chronologique la connexion entre ces personnages vaillants voués à combattre un empire maléfique régi par le diabolique et ténébreux Dark Vador. Avec naïveté infantile pleine d'entrain, de cocasserie docile et de charme poétique, c'est de prime abord les droïdes R2-D2 et son acolyte C-3PO qui attisent la sympathie du spectateur facilement amusé. Baignant dans un univers de voie lactée, et par intermittence dans la familiarité d'un globe terrestre, nous sommes particulièrement curieux et distraits de voir évoluer ces robots livrés à eux-mêmes car échoués sur la contrée de Tatooine. C'est ensuite avec le jeune fermier Luke Skywalker que nous allons prendre fugacement connaissance puis enfin de Obi Wan Kenobi, maître à penser du pouvoir mystique de la Force innée en chaque chevalier Jedi. C'est dans l'ambiance insolite et débridée d'un saloon futuriste regroupant des ethnies éclectiques, comme ce bestiaire de mutants extra-terrestres venus de toutes contrées, que nos comparses vont établir un périlleux compromis avec le marginal Han Solo afin d'unir leur force et mieux concrétiser leur divine mission.


C'est après cette cohésion fusionnelle bâtie sur l'union fraternelle que la seconde partie, capitale pour les enjeux factuels du devenir de l'humanité, va pouvoir enfin faire preuve de bravoure et courage à combattre l'antagoniste quand nos aventuriers de l'espace auront réussi à pénétrer en interne de l'empire de Dark Vador. Action chevronnée maniée au sabre et aux armes lasers sont déployés pour riposter face à l'armée engagée de Dark Vader arborant une multitude de figurants costumés en armure des temps modernes d'un blanc clinquant immaculé.
Après avoir sauvé la radieuse princesse Leia et évacuer l'enceinte de la station mécréante, le point d'orgue présagé va culminer son apogée dans une impressionnante course poursuite à travers la galaxie. Un combat aérien de vaisseaux spatiaux élancés à travers l'espace sidéral vont s'interposer pour défendre leur cause et combattre farouchement l'antagoniste hostile (la préservation de l'étoile noire pour l'armée de Vador et sa destruction radicale pour les insurgés pugnaces). Les effets-spéciaux prodigieux, lointainement inspirés des fameux combats d'aviation entrepris durant notre historique seconde guerre mondiale, restent encore aujourd'hui bluffants et superbement chorégraphiés, 
Outre la bonhomie sympathique et la caractérisation attachante allouées aux comédiens Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Alex Guiness, Anthony Daniels (C-3PO), Kenny Baker (R2-D2) et Peter Mayhew (le grand Wookie poilu), la guerre des étoiles accentue sa dimension épique et ombrageuse envers deux illustres interprètes entrés dans la légende. L'immense Peter Cushing, Grand Moff de l'Empire à la trogne famélique, impassible et dictatoriale affilié à Sebastian Shaw incarnant Dark Vador, icône maléfique sombrement camouflé de noir, à l'esprit perfide beaucoup plus hermétique dans les prochains épisodes à venir.


Spectacle foisonnant haut en couleurs scandé par l'inoubliable score de John Williams, film d'aventures intersidéral doté d'une véritable profondeur mystique (la force instinctive de l'âme apte à réfréner ses doutes pour transcender ses affres), La Guerre des Etoiles est un classique intemporel destiné à séduire et émerveiller dans un alliage d'émotions aussi fougueuses qu'exaltantes. Alloué d'un budget de 11 millions de dollars, son épopée fertile en péripéties ne cède jamais à l'artillerie cinglante de la gratuité et retrouve dans sa modernité insolite le souffle épique, romanesque des films d'aventures d'antan.

Dédicace à Luke (Skywlaker) Mars
16.09.11
Bruno Matéi
                                          

DISTINCTIONS:
1977: Saturn AwardsMeilleur film de science-fiction ; Meilleur acteur : Mark Hamill ; Meilleure actrice : Carrie Fisher ; Meilleur acteur dans un second rôle : Alec Guiness ; Meilleure réalisation : George Lucas ex-æquo avec Steven Spielberg pour Rencontres du troisième type; Meilleur scénario : George Lucas ; Meilleurs costumes : John Mollo ; Meilleur maquillage : Stuart Freeborn et Rick Baker ; Meilleurs effets spéciaux : John Dykstra et John Stears ; Meilleure musique : John Williams (récompensé également pour Rencontres du troisième type).

Los Angeles Film Critics Association Awards :
Meilleur film ;
Meilleure musique : John Williams.
1978: Oscars 1978 : Meilleure direction artistique : John Barry, Norman Reynolds, Leslie Dilley et Roger Christian ;Meilleurs costumes : John Mollo ; Meilleur montage : Paul Hirsch, Marcia Lucas et Richard Chew ; Meilleurs effets visuels : John Dykstra, John Stears, Richard Edlund, Grant McCune et Robert Blalack ; Meilleur son : Don MacDougall, Ray West, Bob Minkler et Derek Ball ; Meilleure musique originale : John Williams ; Oscar pour une performance spéciale : Ben Burtt pour les effets sonores (création des voix d'extraterrestres, robots et créatures).
Golden Globe de la meilleure musique de film : John Williams
Golden Screen du meilleur film
Grammy Award du meilleur album de musique de film : John Williams
Hochi Film Award du meilleur film étranger
Prix Hugo du meilleur film dramatique
Film préféré des américains lors des People's Choice Awards
Prix spécial de la part de la Science Fiction and Fantasy Writers of America
1979: BAFTA : Meilleur son : DonMacDougall, Ray West, Bob Minkler, Derek Ball, Sam Shaw, Robert R. Rutledge, Gordon Davidson, Gene Corso, Michael Minkler, Les Fresholtz, Richard Portman et Ben Burtt. Anthony Asquith Award de la meilleure musique de film : John Williams
Evening Standard British Film Awards :
Meilleur film;
Meilleur acteur : Alec Guiness.
Kinema Junpo Award du meilleur film étranger décerné par les lecteurs de la revue.
1989: Le film a été sélectionné par le National Film Preservation Board pour figurer dans le National Film Registry.
1997: Le film a reçu un prix spécial pour son 20e anniversaire de la part de l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur.