MOTHER AND CHILD. Grand Prix au Festival de Deauville 2010.

 

de Rodrigo Garcia. 2010. U.S.A. 2H06. Avec Naomi Watts, Samuel L. Jackson, David Morse, Annette Bening, Carla Gallo, Brittany Robertson, Kerry Washington, Amy Brenneman, Tatyana Ali, Marc Blucas...

Date de Sortie: France: 17 novembre 2010, U.S.A: 07 mai 2010.

FILMOGRAPHIE:  Rodrigo Garcia est un réalisateur colombien né le 24 Aout 1959. Après diverses séries TV, il entreprend de passer au long-métrage en 2008 avec Les Passagers.
2008: Les Passagers. 2010: Mother and Child. 2011: Albert Nobbs.

                                        

Grand vainqueur du Festival de Deauville en 2010, Mother and Child établit sans niaiserie un drame intimiste et pudique décrivant avec une sobre sensibilité le témoignage tourmenté de trois femmes lamentées. Une frustration commune de ne pouvoir accéder à leur rêve d'une union familiale et maternelle inscrite dans la sérénité et l'épanouissement. Karen est une quinquagénaire caractérielle, solitaire et introvertie, contrariée par l'état de santé fébrile de sa mère gravement malade. Sa fille Elisabeth a été abandonnée à sa naissance alors que Karen n'avait que 14 ans au moment de l'accouchement. Elle est aujourd'hui une avocate cumulant les conquêtes masculines jusqu'au jour où elle envisage la naissance d'un enfant avec son patron. Lucy est une jeune fille inféconde mais qui décide en ultime recours d'adopter un enfant avec le soutien de son compagnon. Par le fruit du hasard, ces trois femmes inassouvies plongées dans l'amertume et les incertitudes vont finalement fusionner et s'épauler grâce à l'alchimie de l'amour cathartique.

                                     

Dominé par la présence chétive et gracieuse de trois actrices formidables de justesse et de frugalité, Mother and Child est comme son titre le suggère l'union universelle des relations parentales bafouées. Une description introspective sur les rapports difficiles et conflictuels de trois femmes confrontées à la lâcheté, l'égoïsme et l'immaturité de parents complexés car eux mêmes fustigés par leur enfance déloyale soumise à la souffrance morale. C'est ce manque d'amour, de communication et de dignité qui aura à jamais changer leur destinée et leur manière précaire de prendre en main un avenir austère pour la naissance éventuelle d'une progéniture infantile. Le réalisateur Rodrigo Garcia décrit avec un soin humaniste entièrement dédié à la ligue féminine et sans discours pompeux le poignant cheminement de ces trois femmes profondément meurtries par leur passé troublé. Une fêlure ancrée dans leur mentalité depuis leur enfance galvaudée par la cause d'une démission maternelle, alors qu'une malformation congénitale est sévèrement réprimée pour l'une d'entre elles incapable de procréer. C'est ce parcours tortueux, semé d'obstacles que nous allons suivre durant leurs moments intimes de doute et d'espoir jusqu'au jour où la fatalité souhaite les unir pour tenter de réconcilier les rancoeurs et sauver l'avènement d'un nouvel enfant.

                                            

Naomi Watts incarne avec sensualité et un charme désenchanté sous-jacent le profil instable d'une jeune avocate courtisane et indépendante, incapable d'assumer un foyer familial à cause d'une mère absente depuis sa naissance. Son instinct maternel d'entreprendre malgré tout la naissance d'un enfant et le fait de retrouver sa mère biologique sont une manière rédemptrice de pouvoir offrir un regain d'intérêt à sa vie esseulée éludée d'un amour pur et épanoui. Et ce, même si son nouvel amant (Samuel L. Jackson) semble avoir la maturité nécessaire pour s'y accorder avant de se défiler au moment le plus opportun. C'est Annette Bening qui compose le rôle fragile d'une quinquagénaire taciturne et caractérielle, victime d'avoir enfanté dès son plus jeune âge un enfant qu'elle s'est vue contrainte et forcée d'abandonner. Sans doute le personnage le plus empathique du trio du fait d'une vie morne jalonnée de déceptions amoureuses mais surtout une femme à l'aube du 3è âge, rongée par la culpabilité à cause d'une fille qu'elle aura trop longtemps dénigré. Enfin, Kerry Wahington (les 4 Fantastiques / The Dead Girl) interprète avec conviction une jeune femme de couleur déterminée à adopter un enfant en guise d'infécondité mais lâchement abandonnée et trahie par deux évènements fortuits. Son impatience, son pessimisme illégitime et son manque de courage envers un enfant qu'elle ne connait pas seront malgré tout privilégiés par la présence cette-fois ci fructueuse d'une mère aimante et attentionnée qui aura l'intelligence maternelle d'inculquer à sa fille son éthique liée au devoir parental, aux sens des valeurs mises en exergue dans la dignité humaine.

                                        

Superbement interprété par trois actrices candides, Mother and Child est un drame fébrile réalisé avec modestie et pudeur compromis à la filiation générationnelle de femmes engagées à rendre leur vie plus harmonieuse par l'entremise de la fécondité. Dans une mise en scène dépouillée de sentiments lacrymaux, Rodrigo Garcia dépeint avec vérité mesurée le témoignage de ses femmes versatiles et refoulées blâmées par la faute de parents irresponsables. Mother and Child démontrant que l'innocence infantile est la période de la vie la plus précieuse, qu'il faut à tous prix en préserver sa pureté par l'amour conjugal engagé dans une relation de confiance et d'équilibrée épanoui.

28.03.11
Bruno Matéï.
                                       

Harry Brown

               
de Daniel Barber. 2009. Angleterre. 1h43. Avec Michael Caine, Emily Mortimer, Liam Cunningham, Iain Glen, Jack O'Connell, Charlie Creed-Miles, Ben Drew, David Bradley, Raza Jaffrey, Joseph Gilgun...

Date de Sortie. France: 12 janvier 2011 / U.S.A: 30 avril 2010

FILMOGRAPHIE: Daniel Barber est un réalisateur britannique. 2007: The Tonto Woman (court-métrage). 2009: Harry Brown.

                                           

Sur les traces d'Un Justicier dans la ville, Vigilante, le Droit de tuer ou plus récemment l'excellent hommage Death Sentence, ce premier film du réalisateur anglais Daniel Barber renoue avec la violence hardcore, abrupte et poisseuse du Vigilante movie sur fond de malaise des banlieues. Et ce sans ne jamais verser dans la surenchère racoleuse comme il est généralement requis chez les films d'exploitations. Ainsi, cet électro-choc subversif s'avère d'une puissance dramatique rarement illustrée de manière aussi clinique pour le genre (stigmatisé) de l'auto-défense, trop souvent engagé dans le pur divertissement réac (pour ne pas dire fascisant). Le Pitch: Après le décès de sa femme gravement malade, Harry est un retraité reclus dans l'immeuble précaire de son quartier contrôlé par la délinquance environnante. Profondément peiné de la disparition de sa défunte, il coule des jours langoureux en compagnie de son ancien ami Léonard en se remémorant avec nostalgie son passé idyllique entre deux parties d'échec. Un jour, Léonard résidant dans le même bâtiment lui avoue avec désespoir son ras le bol de devoir faire face à une bandes de jeunes désoeuvrés qui ne vivent que pour la violence, via leurs récurrents règlements de compte faute de trafics de drogue. Le lendemain de leur discussion, la police dépêchée au domicile de Harry lui apprend que son ami a été retrouvé sauvagement assassiné sous un tunnel à proximité de leur building. De surcroît, il aura fallu un autre incident majeur portant atteinte cette fois-ci à Harry pour que l'homme déchu se transforme en justicier vindicatif.

VIOLENT SHIT.
Ainsi, à travers une mise en scène rugueuse impeccablement maîtrisée portant une sensible attention à l'humanité meurtrie de ses personnages, Harry Brown nous emmène droit en enfer, au coeur d'un problème de société davantage expansif et sinistré: la montée de l'ultra-violence par l'entremise de la délinquance juvénile. Dès le âpre préambule, filmé caméra tremblotante à l'épaule, le ton est donné ! Un acte de violence lâchement gratuit est brutalement perpétré envers une mère de famille horrifiée ! Alors que sa conclusion ironiquement percutante ciblant nos meurtriers décervelés nous surprend de façon impondérable de par sa pathétique destinée involontairement fustigée. Sans compromis et refus du spectaculaire pétaradant, car avec souci de véracité proche du documentaire, Harry Brown nous entraîne irrémédiablement dans la moiteur d'un climat malsain tangible, sordide et poisseux octroyé à une folie meurtrière d'un nihilisme confondant ! Si bien que le cheminement mortuaire de ce retraité pacifiste et docile de prime abord demeure une langoureuse épreuve suicidaire afin d'y rétablir la justice individuelle au sein d'un monde putride en état d'agonie ! Chaque personnage marginal que Harry côtoie étant incarné par des comédiens sidérants d'authenticité de par leur charisme fétide de trogne burinée, fracassé d'une existence en déliquescence et ravagé par le fléau de la drogue dure. Des brutes psychotiques se vautrant en toute négligence dans l'insalubrité uniquement destinées à l'auto-destruction et l'addiction refoulée de la violence immorale. Des acteurs faméliques si criant de vérité que l'on en vient même à se demander s'il ne s'agit pas de véritables toxicomanes jouant leur propre rôle face l'écran ! A titre d'exemple imparable, la séquence qui voit Harry Brown pénétrer dans l'enceinte d'un appartement crasseux suintant la puanteur et l'écume auquel deux camés ont maltraité une jeune prostituée après avoir filmé leurs ébats sexuels s'avère sidérant de malaise persuasif. Une atmosphère licencieuse est dévouée à s'insinuer lentement à travers notre psyché tourmentée avant l'explosion de violence aussi explicite que radicale !
                             
Par conséquent, ce parcours funeste dirigé avec autorité par un cinéaste consciencieux démontre avec un esprit de maturité et une puissance dramatique acérée le cheminement de certains protagonistes épaulés par leur moralité mais irrésolus, impuissants face à la sauvagerie d'une jeunesse qu'ils ne comprennent plus. Un triste constat déloyal nous est donc établi sans détour si bien que la communication est définitivement rompue à travers l'intolérance des deux camps rivaux pour cause d'une parité davantage discriminatoire et tendancieuse. Alors que certains parents incriminés et responsables sont également de la partie pour déraciner une société laxiste en chute libre, sans déontologie, pratiquant une violence punitive sauvagement rétorquée. C'est l'immense Michael Caine qui s'accapare de l'écran avec une austérité amère pour envoûter chaque séquence dans la déchéance humaine de ces quidams toxicos et meurtriers qu'il combat sans restriction. Une imposante présence humaine chétive car n'oubliant jamais sa dignité empathique (voir la séquence où il décide de sauver une jeune fille droguée en allant la déposer devant l'entrée d'un hôpital) pour un homme soudainement laminé par le poison de la violence gratuitement perpétrée. Un vengeur spectral et méthodique étrangement diabolisé par l'emprise de la haine, l'iniquité et la rancoeur. Ce qui aura pour conséquence irréversible d'alimenter sa vengeance expéditive. Démuni de ceux qu'ils chérissaient, anéanti par la perte de son vieil ami sauvagement assassiné dans des conditions atroces, l'acteur habité par sa souffrance élégiaque nous envoie en pleine face son malaise insurmontable de devoir nécessairement affronter en ange exterminateur des jeunes délinquants réduits à l'état primal. 

TOUTE SOCIETE ENGENDRE LES CRIMES QU'ELLE MERITE.
Nonobstant un final futilement conventionnel dans son effet de suspense escompté, Harry Brown est un cauchemar urbain d'une aura viscérale suffocante. Noyé d'un pessimisme alarmant, le film profondément dérangeant dépeint avec une vérité aride qui laisse sur les rotules un terrifiant sentiment d'échec sur la délinquance juvénile. Un tableau tristement actuel sur cette jeunesse désoeuvrée réfugiée dans la drogue et la banalité de la mort, totalement désorientée d'un avenir impondérable et négligeable, et donc davantage enracinée dans leur révolte aliénée. Alors que les forces de l'ordre ordonnées à éradiquer les émeutes intempestives se regroupent machinalement à une guerre sans merci pour un scénario stéréotypé qui ne fera que se répéter à l'infini. Et ce n'est pas au final les résultats insidieux des chiffres prometteurs de la baisse de la délinquance qui viendront nous réconforter sur l'avenir d'une génération sacrifiée, prête à y ordonner le chaos ! Proprement effrayant de lucidité, tristement actuel et implacablement dévastateur !

Dédicace à Philippe Beun-Garbe et Daniel Aprin.
23.03.11
Bruno Matéï.
                     
                                       

NAVIGATOR (The Navigator: A Mediaeval Odyssey)

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinebisart.com

de Vincent Ward. 1988. Australie/Nouvelle Zélande. 1h31. Avec Bruce Lyons, Chris Haywood, Hamish McFarlane, Marshall Napier, Noel Appleby, Paul Livingston, Sarah Peirse, Mark Wheatley, Tony Herbert, Jessica Cardiff-Smith...

Date de sortie: U.S.A: Décembre 1988.

FILMOGRAPHIE: Vincent Ward est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur néo-zélandais né en 1956 à Greytown (Nouvelle-Zélande).
1984 : Vigil. 1988 : The Navigator: A Mediaeval Odyssey. 1993 : Map of the Human Heart. 1998 : Au-delà de nos rêves. 2005 : River Queen

Une décennie avant la guimauve Au delà de nos rêves (désolé pour les fans), le méconnu Vincent Ward s'était surpassé en 1988 pour mettre en boite un film maudit, chef-d'oeuvre d'aventures fantastiques inexplicablement condamné à l'oubli, voir l'indifférence depuis sa discrète sortie en salles. En 1348, dans un village anglais, la peste noire fait rage et terrorise les habitants. Mais un groupe d'aventuriers mené par un enfant prodige part à la quête d'une cathédrale située à l'autre bout du monde pour y déposer une croix. Pour cause, c'est à travers la vision d'un rêve prémonitoire que le jeune Griffin parvint à convaincre ses camarades que seule une icone religieuse pourrait les protéger de la maladie mortellement contagieuse. Mais en creusant un tunnel, ils se retrouvent projetés quelques siècles plus tard, en 1988, dans l'agglomération urbaine de la Nouvelle-Zélande ! Attention ovni immersif saisissant de réalisme historique, à situer quelque part entre Bandits, bandits de Terry Gillian et le (tristement) célèbre Les Visiteurs de Jean Marie Poiret ! L'oeuvre insolite s'avère d'autant plus captivante et dépaysante qu'elle est endossée par des comédiens méconnus criant de vérité tant et si bien qu'on les croiraient sortis de l'époque médiévale dans lequel ils évoluent ! Comme le sous-titre originel l'indique, cette odyssée médiévale conduite avec entrain par deux frères et quatre acolytes nous transporte au sein d'un périple fantastique à la fois baroque et délirant.

En effet, de manière récurrente, nombre de séquences impromptues vont interférer chez nos héros en herbe, comme celles de traverser prudemment une autoroute à la circulation intensive, s'opposer contre les grues d'un chantier industriel en travaux ou encore affronter à bord d'une barque, et accompagné d'un cheval blanc, un sous-marin s'extirpant brusquement de la mer déchaînée. Sans compter qu'un peu plus tard, l'un de nos héros affrontera un train en marche de manière suicidaire, bien avant qu'un autre n'escalade une gigantesque cathédrale pour y implanter la fameuse croix. Nombre de ces situations saugrenues transposées dans notre environnement contemporain auraient pu sombrer dans le ridicule (remember les pitreries des Visiteurs et de l'insupportable Clavier proférant à tout va ses répliques risibles !) si elles n'étaient pas mis en exergue avec autant de réalisme et de soin formel sous couvert du voyage temporel plus vrai que nature. Une escapade semée d'embûches rationnelles mais rendues extraordinaires sous l'impulsion effarée de nos héros confrontés à l'infrastructure de notre monde civilisé. Tel l'illumination féerique d'une métropole nocturne, l'apparence futuriste de nos véhicules routiers, la trajectoire outre-mesure d'un navire submersible ou celle rectiligne d'un convoi cheminant à grande vitesse. Outre son panel de cocasseries folingues, la force du récit émane aussi de son contexte médiéval illustrant, non sans humour, sensibilité et poésie, une période noire de pandémie via la transmission mortelle de la peste et d'y semer les thèmes de la peur de la maladie et du sens du sacrifice. Car à travers les songes d'un enfant aux pouvoirs divinatoires, Navigator entreprend notamment de nous conter le voyage initiatique d'une cohésion héroïque avec une candeur humaine fragile.

D'une fulgurance formelle alternant le noir et blanc et la couleur, et scandé de choeurs religieux, Navigator est un chef-d'oeuvre de fantaisies héroïques au pouvoir de fascination prégnant. Quand bien même on finit par se surprendre de sa dimension dramatique lors d'un final poignant prônant le sens du sacrifice et le code d'honneur familial. Une odyssée féerique inoubliable à découvrir d'urgence ! 

Note: Le film aurait été couronné de 21 récompenses à travers le monde dont le Meilleur Film à Sitges, au Fantafestival, au New Zealeand Film and TV Awards et à l'Australian Film Institute.

22.03.11
Bruno Matéï

Red Road. Prix du Jury au Festival de Cannes 2006

                                             

de Andrea Arnold. 2006. Angleterre. 1h53. Avec Kate Dickie, Andrew Armour, Tony Curran, Nathalie Press, Martin Compston...

Prix du Jury au Festival de Cannes 2006.

Sortie France: 06 décembre 2006, U.S.A: 13 avril 2007

FILMOGRAPHIE: Andrea Arnold, est une réalisatrice et scénariste britannique née le 5 avril 1961 à Datford dans le Kent en Angleterre. 2006 : Red Road. 2009 : Fish Tank
                                            

Trois ans avant le remarquable Fish Tank, qui dépeignait avec une vérité crue le portrait d'une adolescente en plein éveil sexuel et identitaire, Red Road, récompensé du Prix du Jury à Cannes, relate le douloureux parcours d'une femme esseulée, brisée par un destin meurtri, en quête désespérée d'une justice rédemptrice. Jackie, trentenaire solitaire, exerce la profession d'opératrice pour une société de vidéo-surveillance. Chaque jour, elle scrute les faits et gestes d’individus lambdas déambulant dans les ruelles d'une métropole anglaise. Un matin - et de façon répétée - elle aperçoit un homme suspicieux, auteur de petits larcins, jusqu’au moment où il semble être en transaction avec une jeune fille marginale. Fascinée par cet homme méfiant, elle décide de partir à sa rencontre, pour tenter d’en savoir plus à son égard.

Dans le même souci de réalisme, filmé à la manière du documentaire, Red Road est un drame humain particulièrement inhabituel, structuré comme un thriller qui laisse le spectateur perplexe, en suspens, durant les deux tiers du film. Les motivations de l’héroïne n’appartiennent qu’à elle, et restent voilées la majeure partie du récit. Nous ne savons rien - ou si peu - de ses agissements ordonnés, déraisonnés et contradictoires, lorsqu’elle décide d’approcher cet homme entrevu à travers ses caméras. L’individu, quadragénaire marginal, vit reclus avec un jeune couple dans une banlieue précaire, entre soirées arrosées et petits trafics de seconde zone. Jackie, femme austère, distante et secrète, vit une solitude volontairement introvertie, même si elle s’accorde, à intervalles réguliers, d’offrir son corps rigide en guise d’affection sexuelle à un collègue. Après avoir repéré cet homme mystérieux, elle décide de pénétrer un monde qu’elle ne connaissait pas, et se laisse doucement aguicher par cet inconnu sans identité, tout en faisant la connaissance d’un couple juvénile désorienté, vivant à trois dans une confusion affective. Dès lors, elle ne cessera de se contredire dans son état d’esprit tourmenté, hésitant, pris entre attraction et répulsion pour cet être instable et inflexible, porteur d’un secret douloureux. Ce n’est que dans la dernière partie du métrage - lors d’une confrontation physique entre un fils et son père dans un bar miteux - que le récit prend une ampleur nouvelle, psychologiquement abrupte et salvatrice pour le spectateur, libéré par les confidences subversives de ces personnages écorchés.

Avec son physique famélique et ce regard austère, étrangement attirant, Kate Dickie incarne avec un naturel brut une femme bafouée, involontairement fustigée, violée jusqu’au tréfonds de l’âme. Son parcours méticuleux et aride n’est qu’une quête intérieure, une tentative d’exorciser une douleur insurmontable née d’un drame inéquitable. Son instinct vindicatif prend une tournure imprévisible, jusqu’à un point d’orgue instable, qui pourrait, peut-être, lui permettre de renouer avec un semblant de vie normalisée.

Entaché de quelques longueurs et d’un rythme langoureux qui pourra rebuter certains, Red Road demeure pourtant une remarquable introspection d’un personnage taciturne, rongé par la rancune et l’aigreur, consumé par une tragédie intime. Avec force, réalisme cru (la scène de sexe entre les deux amants, à la limite de la pornographie, est d’une authenticité viscérale sidérante) et une émotion sans esbroufe, ce faux thriller à l’envers ne cesse d’interroger, jusqu’aux révélations finales, livrées dans la rugosité humaine de chacun des protagonistes. Une seconde vision s’impose alors, pour mieux capter, mieux saisir, toute l’essence dramatique enfouie dans la psyché de cette héroïne lamentée, obsédée par une quête de repentance potentiellement rédemptrice.

— le cinéphile du cœur noir                                         

Récompenses:
. Festival de Cannes 2006 : Prix du Jury
. BAFTA 2007 : prix Carl Foreman du nouveau venu le plus prometteur pour Andrea Arnold
. BAFTA écossais 2006 : BAFTA du meilleur film, BAFTA du meilleur réalisateur, BAFTA du meilleur scénario, BAFTA du meilleur acteur dans un film écossais pour Tony Curran, BAFTA de la meilleure actrice dans un film écossais pour Kate Dickie
. British Independent Film Awards 2006 (BIFA) : prix du meilleur acteur pour Tony Curran, de la meilleure actrice pour Kate Dickie, nommé pour le prix du meilleur film, du meilleur second rôle pour Martin Compston et au Douglas Hickox Award pour Andrea Arnold
. Coup de cœur du jury au festival du film britannique de Dinard 2006
. London Critics Circle Film Awards 2007 : nommé pour le prix du meilleur film, du meilleur acteur pour Tony Curran, de la meilleure actrice pour Kate Dickie, du meilleur nouveau venu britannique de l'année pour Andrea Arnold
Festival du film de Londres 2006 : trophée Sutherland

21.03.11.

                                         

Le Retour des Morts-Vivants / el ataque de los muertos sin ojos. Uncut.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

de Amando De Ossorio. 1973. Espagne. 1h35. Avec Tony Kendall, Fernando Sancho, Esperanza Roy, Frank Brana, Lone Fleming, Juan Cazalilla, Maria Nuria, José Canalejas, Ramon Lillo, José Thelman, Loli Tovar.

FILMOGRAPHIE: Amando de Ossorio (6 avril 1918 – 13 janvier 2001) est un réalisateur espagnol spécialisé dans le film d'horreur et connu plus particulièrement pour sa tétralogie dite « des Templiers ».
1956 : La Bandera negra (The Black Flag) ,1964 : La Tumba del pistolero,1966 : Massacre à Hudson River, 1967 : Pasto de fieras, 1967 : La Niña del patio,1967 : Arquitectura hacia el futuro, 1968 : Escuela de enfermeras, 1969 : Malenka, 1971 : La Révolte des morts-vivants , 1973 : La Noche de los brujos, 1973 : Le Retour des morts-vivants , 1974 : The Loreley's Grasp, 1974 : Le Monde des morts-vivants, 1975 : La Chevauchée des morts-vivants, 1975 : La Endemoniada,1976 : Las Alimañas (The Animals), classé S (= X en Espagne),1980 : Pasión prohibida (Forbidden Passion), classé S (-18 de ans) en Espagne, -18 puis reclassé -16 en France, 1984 : Hydra, le monstre des profondeurs.

                                             

Second volet de la célèbre saga des templiers créé par Amando De Ossorio, le Retour des morts-vivants est une forme de séquelle inspirée de La Nuit des Morts-vivants. Synopsis: Alors qu'une fête au village de Bouzano bat son plein, nos templiers revanchards reviennent à nouveau d'entre les morts pour trucider tous les invités à coups d'épées pourfendeuses. Mais un groupe de survivants plus chanceux que les autres parvient à trouver refuge dans une église prise d'assaut par nos zombies. En attendant que l'aube matinale revienne prendre ses droits sur l'emprise du surnaturel... Ce qui frappe d'emblée c'est qu'une attention esthétique est impartie à la photographie joliment saturée, notamment deux, trois images d'aube matinale à l'ambiance macabro poétique. Quelques effets gores typiquement latins dans leur graphisme morbide font également leur petit effet (du moins, dans la version Uncut). Eventrations, main ou tête tranchée et seins percés égayent notre esprit voyeuriste dans leur tonalité cracra  complaisamment étalée en plan serré, de manière à bien insister sur les plaies ouvertes déversant des giclées de sirop de grenadine. Enfin, sachez qu'au niveau de la narration, l'intrigue se divise en deux parties. L'une s'oriente sur l'esprit familial d'une fête estivale célébrant dans leur village l'anniversaire des templiers avant le massacre annoncé. Tandis que l'autre privilégie un groupe de survivants enfermés dans le huis-clos d'une petite église rapidement assaillie par nos zombies rancuniers. S'ensuit une succession de tentatives d'évasions perpétrées par nos rescapés, sachant que l'esprit de solidarité leur sera rarement acquis et que chacun devra personnellement compter sur son égocentrisme pour tenter de s'échapper de cet endroit barricadé.

Plus vigoureux et violent que son prédécesseur, le Retour des Morts-Vivants est un fort sympathique ersatz latin au charme rétro irrésistible. 

Bruno  
18.03.11

Cauchemars à Daytona Beach / Nightmare

de Romano Scavolini. 1981. U.S.A. 1h39 (uniquement en blu-ray chez Pulse Video). Avec Sharon Smith, Baird Stafford, CJ Cooke, Mik Cribben, Kathleen Ferguson.

Sortie salles France: 9 Juin 1982 (Int - 18 ans) ou 23 Février 1983

FILMOGRAPHIE: Romano Scavolini est un réalisateur italien né le 17 JuiN 1940.
2007 Two Families, 2005 L'apocalisse delle scimmie, 2004 Le ultime ore del Che (documentary), 1988 Dog Tags, 1981 Cauchemars à Daytona Beach, 1980 Savage Hunt, 1973 Servo suo, 1973 Cuore, 1972 Exorcisme tragique - Les monstres se mettent à table, 1969 Entonce, 1969 L'amore breve, 1968 La prova generale, 1966 A mosca cieca

 

"La chair, la hache et le miroir".

Romano Scavolini est un réalisateur méconnu du public français, exception faite de cette série B que l’amateur des années 80 s’était empressé de louer au vidéoclub, irrésistiblement attiré par le faciès ensanglanté esquissé sur la jaquette. Une œuvre scabreuse, surgie de nulle part, dépassant les frontières de la bienséance au point d’être bannie des écrans anglais et classée parmi les tristement célèbres "video nasties".

Après un internement en hôpital psychiatrique, un patient est relâché, sous l'effet d’un nouveau traitement. Mais son addiction à la folie meurtrière ressurgit aussitôt. 

Dès le préambule, l’horreur frappe : dans une chambre sombre, un homme en sueur convulse, dépossédé du sommeil. Tiré d’un délire délirant, il ouvre les yeux, agrippe ses draps… et aperçoit, au pied du lit, une tête tranchée, sanglante, muette. La caméra scrute furtivement le regard fixe de la défunte, accentuant l’inertie de cette vision infernale. Hurlements déchirants. Partition vrombissante. Tout nous écrase les tympans. Mais ce prologue n’était qu’un leurre : un cauchemar. Celui de Georges Tatum, immergé dans sa folie.

La scène suivante révèle l’enceinte psychiatrique où il est encore enfermé, camisole serrée. Puis viennent ses errances nocturnes, une fois libéré sous surveillance médicale. À Daytona, le cinéaste installe une atmosphère moite et glauque, entre peep-shows poisseux et bars en décomposition, grouillant de figures interlopes. C’est là que Georges tente, un temps, de se fondre. Mais ses pulsions reprennent vite le dessus : un meurtre crapuleux explose… À l’italienne, bien sûr, dans la veine d’un Fulci ou d’un D’Amato, avec cet égorgement graphique dont l’atrocité est sublimée par les maquillages incisifs d’Ed French.

En fondu au noir, les jours défilent. Le réalisateur ponctue les errances du tueur par un compte à rebours funèbre, comme pour mieux faire grimper la tension. Jusqu’au carnage final attendu…

Tatum finit par ralentir, fasciné par une famille banale — à ceci près qu’un gamin s’amuse à proférer des blagues morbides. Un nouveau meurtre, hors champ, alerte la police, non loin de la maison. La seconde moitié du film s’installe dans une forme plus classique mais toujours prenante, grâce à une ambiance pesante, quasi documentaire. Et quand enfin tout éclate, c’est pour sombrer dans un bain de sang obscène, indélébile. Un florilège de séquences gores au sommet de l’indécence, baignées de râles moribonds, d’agonies souillées, d’armes pénétrant la chair. Malaise total.

 

Si l’on peut regretter quelques menus longueurs dans la déambulation du tueur, sa prestation n’en reste pas moins saisissante. Baird Stafford, parfait inconnu, impose une présence ombrageuse, faciès patibulaire, regard éteint. Il incarne à merveille cette figure vacillante, épileptique, perdue entre spasmes, bave aux lèvres et pulsions de démence.

"Il tue. Il souille. Il recommence". 

Porté par une mélodie entêtante, une bande-son dissonante et un casting semi-improvisé, Cauchemar à Daytona Beach s’impose comme un classique marginal du psycho-killer eighties. Un docu-fiction dégénéré, impressionnant par l’alliage entre ambiance mortifère et effets gores complaisants. Si la narration reste balisée, le film de Scavolini fait figure de pavé jeté dans la mare putride de l’horreur underground. Une descente aux enfers où la transgression n’a plus de tabous, où les images cauchemardesques s’entrechoquent dans une spirale d’amnésie souillée. Image inoubliable du gosse ensanglanté fixant son reflet, hagard, une hache à la main.

⚠️ Warning : en France, le DVD édité par Neo Publishing est censuré. Seules la VHS d’époque (Sunset Video) et aujourd'hui l’édition Blu-ray de Pulse Video (1h39) proposent le film dans son intégralité.

*Bruno
01.07.16. 5èx
19.01.10. (850 v)

                                         

LES DISPARUS (APARECIDOS)

                                      

de Paco Cabezas. 2007. 1H46. Espagne/Argentine. Avec Ruth Diaz, Javier Pereira, Pablo Cedron, Hector Bidonde, Luciano Caceres, Damaso conde, Isabela Ritto.

L'ARGUMENT: Malena et Pablo, une soeur et un frère qui voyagent en Argentine, découvrent un journal intime qui décrit des crimes commis vingt ans auparavant. Cette même nuit, une famille est assassinée selon les détails du journal. Malena et Pablo tentent de faire la part entre le réel et l’imaginaire...

                                                 

Premier long-métrage de Paco Cabezas, également scénariste et déjà acteur de diverses séries TV, voir de la récente comédie franchouillarde "Camping 2" de Fabien Onteniente, "Les Disparus" mélange les genres en narrant une enquête troublante et passionnante ancrée dans le pur fantastique pour affronter de manière réaliste l'horreur humaine sur fond de génocide politique.
Un frère et une soeur vont être amené à élucider la mystérieuse disparition d'une mère et de sa fille après que le mari fut sauvagement assassiné dans un hotel. Aidé d'un journal de bord et des fantomes du massacre de cette famille, Malena et Pablo oseront à peine imaginer quelle abominable vérité se cache derrière cette énigme sordide jamais résolue !
A la manière du "6è sens" ou de "l'orphelinat" pour l'emploi maternel et fraternel de fantomes aidants, "Les Disparus" se propose à la manière d'une enquête policière, confuse et quelque peu maladroite de prime abord mais qui va rapidement installer un suspense et une tension distillée avec assez de savoir-faire grâce à une trame complexe mais passionnante et réalisée de manière assez judicieuse pour l'emploi renouvelé d'apparitions fantomatiques ancrées dans notre réalité ou tout du moins à travers celle des 2 héros du film, en quête éternelle de la vérité et de la véracité d'un journal décrivant multiples rebondissements dramatiques et horribles méfaits à diverses horaires de cadran d'une montre et endroits précis fatidiques dans une région reculée naturellement photographiée de l'Argentine.
La force scénaristique de Paco Cabezas est également de dénoncer à travers une énigme fantastique un sujet politique, fasciste qui a eu cours en Argentine durant les années 1976-1986, une dictature militaire qui a entrainé une éradication systématique des opposants au régime (les desaparecidos), qui ont été plus de 30000. Des milliers d'êtres humains torturés, nettoyés, lapidés, expérimentés au nom de la haine et du pouvoir totalitaire rappelant aussi les pires atrocités commanditées par Hitler dans les divers camps de concentration créés en sa faveur durant la seconde guerre mondiale. "Les Disparus" renvoit une dête chère à l'humanité à travers ses fantomes emprisonnés sur eux-mêmes au plus profond de leur âme souillée devant l'horreur crapuleuse des dictatures, l'épouvantable supplice que des milliers d'innocents ont dû subir durant des journées interminables. Et si la dernière partie est assez éprouvante et crue dans ces quelques séquences de tortures infligées c'est pour mieux nous rendre conscience de l'agonie et de la souffrance de ces victimes commises durant le 20è siècle.
Paco Cabezas nous emmene donc à travers cette histoire parfois émouvante de fantomes errants sur un terrain boueux d'une triste actualité, sur un ignoble fait divers honteusement trafiqué et camouflé par les pouvoirs publics et les forces de l'ordre. Une histoire douloureuse d'autant plus sensible car fragilisé par l'amour fraternel, l'union familiale d'un frère et d'une soeur déterminés à résoudre ensemble deux disparitions pour les remettre au grand jour et responsabiliser, condamner, voir tuer le coupable présumé.
Malgré quelques légères incohérences et certaines facilités de ficelles éprouvées (la fille qui se délivre facilement de ses menottes où les victimes s'échappant par le trou d'une cave alors que le meurtrier cherchera bêtement à sortir par le grillage !), "Les Disparus" intrigue, interpelle et tient en haleine au fur et à mesure de la progression du récit davantage intense dans un suspense enthousiasmant mené avec entrain et le final superbement touchant, relevé d'images poétiques lacrymales dans sa pâle tonalité, émeut avec son constat alarmiste renoué grâce au moment de vérité et sa délivrance libertaire qui s'ensuit. .
Un discours final optimiste, idéalisé et emprunt de naiveté pouvant prêter à sourire pour souhaiter de nous convaincre de ne pas recommettre les erreurs et les horreurs du passé et vivre de manière plus pacifiste, harmonieuse pour le prochain siècle à venir et à subir. Evènement décrit de manière caustique car à l'aube du 11 Septembre 2001 !
Une bonne surprise intelligente venue à nouveau du pays de l'Espagne qui manque de maitrise dans sa réalisation mais se révèle pleine de bonnes intentions sans jamais nous indifférer devant la force d'un sujet aussi brulant, authentique, douloureux et humaniste.

                                               

01/06/10.

FRAGMENTS (WINGED CREATURES)

                                

de Rowan Woods. 2009. 1H37. US.A. Avec Forest Whitaker, Kate Beckinsale, Guy Pearce, Dakota Fanning, Jennifer Hudson, Jackie Earle Haley, Jeanne Tripplehorn, Embeth Davidtz...

L'ARGUMENT: Un groupe de personnes ont été témoins d'un acte meurtrier et suicidaire dans un fast food. Leur vie, leur destin va basculer à tout jamais...

                   

"Fragments" est la 3è réalisation du méconnu Rowan Woods après "The Boys" et "Little Fish". Honteusement inédit chez nous en salles, ce drame psychologique intense et bouleversant retrace les destins croisés de cinq personnages lourdement commotionnés et secoués après qu'une sanglante fusillade ait éclaté dans la convivialité et sérénité d'un Fast-Food. Après cette tragédie soudaine sans aucun mobile nous allons suivre la difficulté de réadaptation à la vie sociale autour de cinq personnes qui étaient présentes durant ce drame sanglant. De simples citoyens honnetes et respectables peu à peu consumés par l'idée dérangeante de l'expérience avec la mort saisie en estocade, le but inavouable de notre raison d'être, du sens de notre existence quand un être cher se retrouve blotti et glacial dans un cerceuil six pieds sous terre.
Une jeune mère seule, désespérée et affolée commencera à délaisser son bébé, un adolescent réservé et fragile, se renfermera sur lui même après qu'il ait eu l'expérience du revolver du meurtrier dirigé sur sa tempe, une jeune fille traumatisée du décès de son père mort sous ses yeux dans le restaurant se plongera aveuglement dans un fanatisme religieux, un médecin ira droguer volontairement sa femme et un homme divaguant condamné par le cancer ira se réfugier dans les jeux de casino.
Rowan Woods nous délivre avec réalisme et sensibilité un portrait de personnages blessés rendus à fleur de peau où un simple fait divers morbide aura fait basculer leur vie à tout jamais. "Fragments" traite du choc émotionnel post-traumatique, des conséquences psychologiques irrémédiables qui s'ensuivent quand un drame brutal d'une telle violence se transforme en véritable tragédie sous les yeux de ces innocents témoins.

                    

Selon la force de caractère et de mentalité de chacun, le tempérament et leur personnalité, nous allons suivre le temps des premiers jours de réadaptation le douloureux chemin tortueux de ces cinqs protagonistes livrés à eux-même, même si un psychologue de renom viendra les prendre en charge à la suite du drame pour cet évènement aussi soudain auquel ils n'auraient jamais penser subir.
Chacun à sa manière va tenter de retrouver une vie convenable et normale en s'extériorisant, tenter de se rattacher, s'épanouir à une idée autre sortie du psyché, une envie déraisonnée comme droguer celle que l'on aime pour ensuite recevoir l'affection désirée après l'avoir guéri, adopter une foi comme la religion catholique, opter pour un loisir comme s'épanouir dans les jeux d'argent, embraser la luxure pour renouer avec un plaisir et une forme d'ultime jouissance physique. Tandis que le jeune garçon faible et perturbé témoin de tant de haine et du fait de son jeune âge retournera sur les lieux du drame pour tenter une dernière fois de comprendre ce qui est véritablement arrivé à ce moment précis.
Durant tout le film des nombreux flash-back de la scène du massacre vont nous revenir et nous accorder successivement un élément nouveau qui prouvera plus amplement le choc traumatique auquel nos cinqs protagonistes auront dû faire face jusqu'au final bouleversant en apothéose. Une délivrance d'une belle force émotionnelle formidablement renforcée par des comédiens tous interprétés avec conviction et l'émotion exacerbée qu'il nous renvoit nous touche et nous émeut sans ineptie ni effet gratuit.
L'immense et trop rare Forrest Whitaker ainsi que la jeune Dakota Fanning (Man on Fire, Trouble Jeu, La Guerre des Mondes) crèvent littéralement l'écran dans leur rôle respectif de victimes profondément tourmentées et dérangées, au bord du néant.
"Fragments" est un drame social riche en émotion et de dignité humaine, un témoignage bouleversant au plus près des sentiments qui ne cède jamais à la grandiloquence ou à la larme facile. Il touche juste et humblement emporté par des acteurs tous remarquables dans une mise en scène délicate, toute en retenue, sans effet tapageur.

                   

03/06/10

Le Convoi de la Peur / Sorcerer

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site hexdimension.com

de William Friedkin. 1977. 2h01. U.S.A. Avec Roy Scheider, Bruno Cremer, Francisco Rabal, Amidou, Ramon Bieri, Peter Capell, Karl John, Frederick Ledebur, Chico Martinez.

Sortie salles France: 15 Novembre 1978. U.S: 24 Juin 1977

FILMOGRAPHIE: William Friedkin est un réalisateur, scénariste et producteur de film américain, né le 29 août 1935 à Chicago (Illinois, États-Unis). Il débute sa carrière en 1967 avec une comédie musicale, Good Times. C'est en 1971 et 1973 qu'il connaîtra la consécration du public et de la critique avec French Connection et L'Exorciste, tous deux récompensés aux Oscars d'Hollywood.
1967: Good Times. 1968: l'Anniversaire. 1968: The Night they Raided Minsky's. 1970: Les Garçons de la bande. 1971: French Connection. 1973: l'Exorciste. 1977: Le Convoi de la peur. 1978: Têtes vides cherchent coffres pleins. 1980: The Cruising. 1983: Le Coup du Siècle. 1985: Police Fédérale Los Angeles. 1988: Le Sang du Châtiment. 1990: La Nurse. 1994: Blue Chips. 1995: Jade. 2000: l'Enfer du Devoir. 2003: Traqué. 2006: Bug. 2012: Killer Joe.

Échec commercial cinglant à sa sortie (au moment même où Star Wars monopolise les écrans), Le Convoi de la Peur est une œuvre maudite, d’autant plus invisible sur nos chaînes TV, longtemps bannie du support numérique. Jusqu’à ce qu’un Blu-ray édité chez Warner l’exhume enfin de sa torpeur. Déclinaison — non pas remake — du Salaire de la Peur de Clouzot, l’œuvre sépulcrale de Friedkin se donne les moyens de l’envergure pour accoucher d’un récit d’aventures haletant, tourné aux quatre coins du monde (Nouveau-Mexique, République dominicaine, New Jersey, Jérusalem, Mexico et Paris, excusez du peu !).

Soutenu par le score envoûtant de Tangerine Dream, qui insuffle aux images une dimension quasi mystique, Le Convoi de la Peur condense l’odyssée cauchemardesque de quatre escrocs contraints de transporter de la nitroglycérine à bord de deux camions, afin d’endiguer un incendie de pétrole. Pour ce faire, ils doivent traverser une jungle impénétrable, où embûches et intempéries décuplent leur calvaire. Richement rémunérés, ces hommes burnés s’embarquent dans cette mission suicide pour regagner une liberté qu’ils ont perdue en fuyant la justice, exilés en Amérique du Sud.

Richement documenté et d’un réalisme saisissant, autant dans sa première partie — posant les personnages et leur point de convergence dans une raffinerie — que dans son deuxième acte, illustrant leur périple insensé à travers la cambrousse, Le Convoi de la Peur trace une ligne de conduite rigoureuse, soucieuse du moindre détail.

Travail géométrique qu’un Friedkin au sommet affine avec une maîtrise féroce, pour mieux s’immerger dans les angoisses de ses personnages — la crispation avec laquelle ils livrent bataille contre les forces de la nature nous laisse les mains moites. La jungle, naturaliste et étrangement hostile, devient souffle épique lors de ses déchaînements climatiques, et ses séquences anthologiques nous clouent les yeux grands ouverts. À l’instar de la traversée du pont : séquence dantesque, supra-virtuose, aussi intense que visuellement éprouvante (déluge pluvial à l’appui), où nos anti-héros, stoïques, avancent en funambules du désespoir. Il faut le voir pour le croire, tant les protagonistes — et Friedkin lui-même — se transcendent pour atteindre une forme d’authenticité brute, rarement égalée.

Ce voyage au bout de l’enfer est filmé au plus près de leurs névroses, car tous plongés dans une épreuve de force où la folie rôde, prête à contaminer les chairs. Confrontés à des situations aussi risquées que disproportionnées, il s’agit ici d’un dépassement de soi, d’un retour à l’instinct primaire, d’un refus de rebrousser chemin pour empocher un butin empoisonné. Cette traversée impossible au cœur d’un enfer vert — redoutablement pernicieux (Victor Manzon/Bruno Cremer, soudainement pris à partie par les branches d’arbres qui enserrent son camion) — s’érige alors en fable sur l’aliénation et le désir de rédemption, quand l’homme dépasse ses limites physiques et morales jusqu’à défier la logique même. Car tel un spectre livide, Jackie Scanlon (Roy Scheider) finit par être hanté de visions d’horreur, ressortant littéralement traumatisé de l’expérience.

Dernière danse avant de mourir. 

Superbement réalisé, esthétiquement fascinant (Friedkin ausculte la jungle comme un dédale malfaisant), Le Convoi de la Peur est un cauchemar sensoriel et implacable, animé d’une intensité asphyxiante à couper le souffle. Une plongée hallucinée dans l’âme humaine, au cœur d’un environnement indomptable, pour ces fantômes stoïques gagnés par le surpassement, mais irrémédiablement rattrapés par leur corruption. Un chef-d’œuvre d’aventure naturaliste, aussi crépusculaire qu’horrifique, d’une fulgurance sauvage difficilement égalable. Il faut le voir pour le croire — et l’endurer pour n’en jamais ressortir indemne, comme le souligne sa conclusion, aussi illusoire que funèbre.
             

Note Wikipedia: William Friedkin souhaitait initialement confier le rôle principal à Steve McQueen. Ce dernier était d'accord pour l'endosser à la seule condition que sa femme, Ali MacGraw, se voit confier un des rôles principaux. Le cinéaste refusa et Steve McQueen quitta le projet. Par la suite, William Friedkin a annoncé avoir regretté ne pas avoir accepté ces conditions.

*Bruno

17.05.24. 4èx. Vostf

12.05.14. 
07/06/10.

The Night Strangler / La Nuit de l'Etrangleur

                          (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDB. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

 

de Dan Curtis. 1973. U.S.A. 1h30. Avec Richard Anderson; Scott Brady, John Carradine, Wally Cox, Margaret Hamilton, Simon Oakland, Jo Ann Pflug, Darren McGavin.

       

Producteur, scénariste et réalisateur américain, Dan Curtis, créateur de la série Dark Shadows en 1966, fut un artisan discret de l'épouvante à l'ancienne. On lui doit La Fiancée du Vampire (1970), les téléfilms La Poupée de la Terreur (1975) et La Malédiction de la Veuve Noire (1977), œuvre qui marqua toute une génération d’ados lors de sa rediffusion au début des années 80. Mais c’est surtout en 1976 qu’il livra son chef-d'œuvre définitif : l’inoubliable et terrifiant Trauma, récompensé dans plusieurs festivals.
The Night Strangler s’inscrit dans cette veine : téléfilm-pilote faisant suite à The Night Stalker, il donnera naissance à la série TV Kolchak: The Night Stalker, composée de 20 épisodes produits entre 1974 et 1975.

Synopsis: Un journaliste désinvolte et excentrique, détesté de ses confrères et méprisé par la police locale, enquête sur une série de meurtres rituels. Tous les 21 ans, pendant 18 jours, six jeunes femmes sont retrouvées étranglées, partiellement exsanguinées, le sang drainé vers le crâne, avec d’étranges marques nécrotiques incrustées dans leur cou.
La première série de crimes remonterait à 1889. L’assassin serait-il un vieillard impotent ?
Kolchak, journaliste obtus et farfelu, s’acharne à stopper cette horloge macabre avant que le sixième meurtre ne survienne… et que le tueur ne disparaisse à nouveau dans l’oubli — pour mieux ressurgir deux décennies plus tard.

À partir d’une nouvelle de Richard Matheson, Dan Curtis signe un film captivant. Une enquête décalée, à la Mike Hammer, assaisonnée d’humour noir et d’une épouvante gothique élégamment suggérée. Le mystère s’épaissit au fil des révélations, jusqu’à l’ultime vérité, livrée dans les dix dernières minutes. Suspense savamment dosé, mise en scène inspirée : tout fonctionne.
Quant au final, il surprend. Macabre, onirique, glissant vers le fantastique pur. Un tour de passe-passe temporel, clin d’œil au Dr Jekyll et Mr Hyde, saupoudré d’un zeste de Dorian Gray.

 

La grande force de The Night Strangler réside dans son scénario solide et sinueux. Chaque élément de l’intrigue, aussi bref soit-il, est distillé avec intelligence. Le polar glisse peu à peu vers l’étrange, jusqu’à frôler la quête impossible de l’éternelle jeunesse. Le mélange fonctionne à merveille, dans des ruelles suintantes de mystère et de brume, dignes d’un Jack l’Éventreur halluciné.

Le casting est un régal pour les amateurs de visages familiers du petit écran seventies : Simon Oakland (Les Têtes brûlées), Richard Anderson (L’Homme qui valait trois milliards), Scott Brady (Gremlins, Le Syndrome chinois, Johnny Guitare), l’immense John Carradine, et bien sûr Darren McGavin (Mike Hammer, L’Homme au bras d’or, Kolchak).

The Night Strangler pourrait, à sa manière, annoncer Jeepers Creepers par sa chronique des meurtres cycliques, ou préfigurer la série X-Files par son enquête policière dérivant vers l’inexplicable.
Un bijou télévisuel trop méconnu, à savourer comme un vieux cru, précieux et rare.
Encore une preuve éclatante du talent modeste mais indéniable de ce grand monsieur de l’ombre qu’était Dan Curtis.

— Bruno
09/06/10

LE MYSTERE ANDROMEDE (The Andromeda Strain)

                                   

de Robert Wise. U.S.A. 1971. 2H11. Arthur Hill, David Wayne, James Olson, Kate Reid, Paula Kelly, George Mitchell, Ramon Bieri, Peter Hobbs, Kermit Murdock, Richard O'Brien, Eric Christmas...

Date de Sortie: France, 19 avril 1972  U.S.A, 12 mars 1971

FILMOGRAPHIE: Robert Wise, né à Winchester (Indiana) le 10 septembre 1914 et mort à Los Angeles le 14 septembre 2005, est un réalisateur, producteur, metteur en scène et monteur américain.
1943 : La Malédiction des hommes-chats , 1944 : Guy de Maupassant; Mademoiselle Fifi 1945 : Le Récupérateur de cadavres,1945 : Un jeu de mort, 1946 : Cour criminelle, 1946 : Né pour tuer, 1948 : Mystère au Mexique, 1948 : Ciel rouge, 1949 : Nous avons gagné ce soir, 1950 : Les Rebelles de Fort Thorn, 1950 : Secrets de femmes ou Les Trois Secrets,1951 : La Maison sur la colline, 1951 : Le Jour où la Terre s'arrêta, 1952 : La Ville captive, 1952 : Something for the Birds, 1953 : Les Rats du désert, 1953 : Destination Gobi, 1953 : Mon Grand,1954 : La Tour des ambitieux, 1956 : Hélène de Troie, 1956 : La Loi de la prairie, 1956 : Marqué par la haine, 1957 : Ce peut être cette nuit, 1957 : Femmes coupables ,  1958 : L'Odyssée du sous-marin Nerka, 1958 : Je veux vivre ! , 1959 : Le Coup de l'escalier , 1961 : West Side Story, 1962 : Deux sur la balançoire , 1963 : La Maison du diable , 1965 : La Mélodie du bonheur ,1966 : La Canonnière du Yang-Tse , 1968 : Vedette !, 1971 : Le Mystère Andromède, 1973 : Deux personnes, 1975 : L'Odyssée du Hindenburg , 1977 : Audrey Rose, 1979 : Star Trek : Le Film, 1989 : Les Toits , 2000 : Une tempête en été (téléfilm).

Une partie du Nouveau-Mexique a été contaminé après le crash d'un satellite. Les scientifiques bataillent ferme afin de trouver l'origine du mal et d'y remédier au plus vite.

Les habitants d’une petite bourgade du fond de l’Arizona sont morts frappés d’un mal mystérieux, inconnu. Ils sont tous morts, sauf deux : un vieil alcoolique et un bébé. Quatre savants tentent de comprendre comment ces gens sont morts, pourquoi il y a deux survivants et quelle a été la cause du mal. Dans le cliquetis incessant des ordinateurs, sous la lumière irréelle des écrans où se projette ce que dévoilent les microscopes électroniques, trois hommes et une femme luttent pour percer le mystère de la « variété Andromède », ce micro-organisme ramené de l’espace par un satellite d’observation. Il s’agit d’une course contre la montre, car c’est la vie de l’espèce humaine toute entière qui, peut-être, est en jeu…

Lovely Bones

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Peter Jackson. 2009. 2H15. U.S.A. Avec Saoirse Ronan, Stanley Tucci, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Susan Sarandon, Rose McIver, Nikki SooHoo, Reece Ritchie, Amanda Michalka, Jake Abel...

Le murmure des âmes.

Il y a des films qui ne se regardent pas vraiment avec les yeux. Lovely Bones est de ceux-là. Il s’écoute comme une prière à peine formulée, un souffle suspendu entre deux mondes — celui des vivants, rugueux, désaccordé, et celui des morts, mouvant, mélancolique et pourtant étrangement lumineux. Peter Jackson, loin de ses épopées grandioses, nous livre ici une œuvre profondément intérieure, presque fragile, comme un poème murmuré depuis l’au-delà.

Saoirse Ronan, diaphane et magnétique, incarne Susie Salmon, jeune fille assassinée à l’âge où l’on commence à rêver. Son regard bleu, immense, nous guide à travers ce récit de perte, d’attente, d’amour figé. Elle est le cœur battant du film, à la fois présente et absente, ancrée dans les souvenirs de ceux qui l’aiment encore, mais déjà emportée dans un ailleurs insondable. Sa voix off n’est pas une explication : c’est une présence, une musique douce qui nous accompagne dans cette traversée du vide.

Le film est traversé d’images flottantes, parfois sublimes, parfois déroutantes — un champ de blés infinis, un navire en bouteille, des escaliers qui s’effacent. Jackson tente de donner forme à l’indicible, à ce lieu où les morts errent dans les limbes de l’inachevé. Parfois, il trébuche sur ses propres effets spéciaux, trop visibles, trop fabriqués. Mais souvent, il touche juste, et c’est dans ces instants suspendus que le film respire, comme une blessure qui palpite encore.

Stanley Tucci glace le sang dans le rôle du prédateur — un homme sans aspérités, banal et terrifiant. Jamais caricatural, il incarne cette monstruosité invisible qui rôde dans les rues tranquilles. À ses côtés, Mark Wahlberg et Rachel Weisz peinent à recoller les morceaux d’une vie explosée ; Susan Sarandon, en grand-mère flamboyante et maladroite, apporte une touche d’humanité chaotique, presque bienvenue dans ce drame étouffé.

Lovely Bones n’est pas un film parfait. Il hésite entre conte macabre et chronique du deuil. Mais c’est précisément dans ses failles que le film devient touchant. Car au fond, il ne s’agit pas de résoudre un meurtre, ni de rendre la justice. Il s’agit de laisser partir. D’apprendre à continuer, même avec un cœur ébréché.

Et dans le silence qui suit, quand l’écran devient noir, il reste quelque chose. Une sensation douce-amère, une tristesse belle. Comme un souvenir qu’on ne veut pas oublier.

15.06.10

Nouvelle Cuisine / Dumplings

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Fruit Chan. 2004. Hong-kong. 1h31. Avec : Miriam Yeung, Bai Ling, Tony Leung Ka Fai, Mi Mi Lee, Pauline Lau, Miki Yeung...

8è long-métrage du réalisateur hongkongais de "3 Extrêmes", Fruit Chan aborde avec poésie macabre la thématique de l'élixir du jeunisme à travers le portrait de deux femmes adeptes du cannibalisme, pratique ancestrale couramment étendue en Chine durant des siècles nous précisera l'héroïne. Un acte frauduleux pour le sacrifice d'avortons au prix de la beauté éternelle. Or, à cause d'un mari infidèle, une quadra sur le déclin va entretenir une rencontre impromptue avec une cuisinière possédant l'art culinaire d'y concocter des raviolis à la vapeur qu'on appelle en Chine les "jiaozi". L'irrésistible besoin de se sentir désirer et rajeunir pour pouvoir abolir les affres du temps va entraîner nos deux conquêtes dans un besoin irrépressible du plat culinaire quotidien. 

Ainsi, dans une superbe photo pastel à la recherche esthétique constamment inventive combinant horreur racée / poésie sulfureuse, "Nouvelle Cuisine" s'amuse avec subtilité à se jouer du désir addictif du goût alimentaire. C'est à dire affilier la cuisine modèle en fonction du "jiaozi" avec la chair humaine tendre d'un nouveau-né afin de retrouver l'éclat de notre épiderme. Par le biais de ce prétexte alimentaire macabre émane également un plaisir sensoriel de l'odorat et du goût !
Jusqu'ou serions nous capable d'aller pour oser transgresser le plaisir interdit de l'anthropophagie, cette pratique ancestrale dénuée de moralité et ainsi nuire à l'atavisme de la vieillesse ? 

Nous sommes tous des consommateurs de chair semblerait nous dire Fruit Chan. Tant pour le besoin vital de la gastronomie car manger est un besoin naturel que l'homme doit perpétrer pour assurer la vie de son corps animal, que pour le fantasme inconscient d'y mordre sa partenaire, idée fantasmatique de la dévorer pendant l'acte sexuel ! 

L'instinct du cannibale est en nous, alors que ferions nous s'il nous était permis d'accéder au secret de la beauté éternelle par le biais de cette pratique ? Un rajeunissement officieux dévoilant notre profil hautain pour l'apparence à travers une galerie de personnages arrogants dépendants de leur société de surconsommation.

Note: Prix du meilleur second rôle féminin (Bai Ling) lors du Golden Horse Film Festival 2004.
Prix du meilleur second rôle féminin (Bai Ling) lors des Hong Kong Film Awards 2005
Prix du film du mérite lors des Hong Kong Film Critics Society Awards 2005.

*Bruno 

21.06.10

DUPONT LAJOIE

                                   

d'Yves Boisset. 1975. France. 1H43. Avec Jean Carmet, Pierre Tornade, Isabelle Huppert, Jean Bouise, Michel Peyrelon, Ginette Garcin, Pascale Roberts, Robert Castel, Victor Lanoux, Jacques Villeret.

L'ARGUMENT: Un cafetier parisien parti en vacances avec sa femme viole et tue la fille d'un couple d'amis. Afin de maquiller sa culpabilité, celui-ci décide de faire porter le chapeau de son crime par un Maghrébin employé sur un chantier voisin.

                                           

MON AVIS: Ives Boisset est un réalisateur discret et talentueux qui ne connut pas la renommée qu'il méritait, un peu à la manière d'un autre grand du cinéma social: Serge Leroy.
Il réalise plus de 17 Films (et une plétore de métrages T.V) dont les plus essentiels resteront "Le saut de l'ange", "Folle à tuer", "Un Taxi mauve", "R.A.S", "Le Juge Fayard dit le Shériff", "La Femme flic", "Allons z'enfant", "Canicule" puis "Le Prix du danger".

"Dupont Lajoie", charge sociale brutale anti-conformiste est un puissant plaidoyer contre le racisme, une dénonciation brute sans effet de style qui n'ira pas par quatre chemin pour dépeindre à travers les vacances festives ensoleillées de paisibles citoyens venus s'évader le temps de leur congé une France profonde engluée dans ses préjugés, sa haine de l'étranger et sa médiocrité morale primaire autant pour ce triste tableau évoqué que la police permissive et ces politiciens lachement laxistes. Autant dire que tout le monde en prendra ici pour son grade.

Un cafetier (l'immense jean carmet dans un rôle monstrueux) parti en vacances avec sa paisible famille dans un camping populiste profitera de l'attention accordée aux jeux populaires traditionnels du village de la région pour se balader aux environs reculés campagnards et retrouver la jeune fille allumeuse de la famille des Colin (la débutante et naturellement belle Isabelle Hupert), allongée paisiblement demi-nue dans un discret coin de verdure.
Pris d'une pulsion sexuelle incontrolée, il décide de se lacher dans ses bas instincts pervers, voyeuristes et obsessionnels pour la violer et commettre un second acte irréversible: la tuer froidement par accident.
Il décide alors de se débarrasser du corps pour le déposer dans un chantier voisin, là ou des immigrés s'y sont récemment installés.

                                           

Yves Boisset dénonce avec réalisme et sincérité le portrait pathétique d'une poignée de vacanciers racistes, qui, épris de lâcheté, colère envahissante, langues de vipères déliées et rancune tenace vont se soumettre à une chasse à l'homme démesurée pour tenter de retrouver le fameux présumé coupable de ce meurtre crapuleux. Persuadés qu'il s'agit d'un des étrangers du chantier, à leur tour ils vont commettre l'impardonnable: lyncher violemment et aveuglément d'innocents maghrébins expatriés de leur pays d'origine et tuer froidement l'un des leurs dans un déchainement de violence commise en réunion.
Le metteur en scène alarmé et sensible aux problèmes raciaux décrit avec beaucoup de vérité dans cette période estivale chaleureuse et bon enfant du "camping du soleil" d'une France du début des années 70, l'assemblée de français moyens incultes, méprisants, autoritaires envers l'étranger.
Le moindre prétexte pour tenter de les condamner (la bagarre dans le bal) n'est qu'une astuce de plus pour enrayer la venue de ces paisibles algériens incapables de se combiner, se solidariser, se familiariser avec ces voisins enracinés dans leur pays natal. Le manque de communication, l'impossibilité d'être à l'écoute de celui que l'on ignore, l'incapacité à comprendre celui qui a osé pénétrer dans un pays étranger au sien. Toute cette agitation endoctrinée par la douleur d'un deuil soudain, cette contagion aveuglée par leur besoin de violence revancharde va mener cette ignoble farce dans une terrible impasse ou personne ne sortira victorieux mais vaincu. La vengeance n'étant qu'un acte supplémentaire pour se perdre dans les méandres du Mal et ainsi noircir, souiller l'âme de l'innocence dans une conclusion nihiliste indigne et radicale.

Servi par une mise en scène ancrée dans la réalité des années 70 et d'étonnants acteurs investis qu'on a l'habitude de voir dans un registre plus léger, "Dupont Lajoie" ne perdra malheureusement jamais de son impact pour une actualité si brûlante. Il reste une oeuvre essentielle, un témoignage fort et violent sur la montée progressive du racisme au début de cette décennie qui ne mènera au bout du compte qu'à la haine et la violence déployée, purement et pitoyablement gratuite.

                                    

NOTE: Ours d'argent spécial du jury au Festival international du film de Berlin de 1975 Prix du jury des lecteurs du Morgenpost au Festival international du film de Berlin de 1975 Recommandation Interfilm au Festival international du film de Berlin de 1975
Le film s’inspire en partie de la vague de meurtres racistes commis dans le sud de la France au début des années 70, notamment à Marseille durant l’été 1973.

22.06.10