Moi, Christiane F., 13 ans, droguée et prostituée... / Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

(Nous, les enfants de la gare du Zoo) de Uli Edel. 1981. Allemagne. 2h10. Avec Natja Brunckhorst, Thomas Haustein, Jens Kuphal, Rainer Woelk, Jan Georg Effler, Christiane Reichelt, Daniela Jaeger.

Sortie salles France: 24 Juillet 1981 (Interdit aux - de 13 ans). Allemagne: 2 Avril 1981.

FILMOGRAPHIE: Uli Edel est un réalisateur, producteur et monteur allemand, né le 11 Avril 1947 à Neuenburg am Rhein (Allemagne). 1971: Der Kleine Soldat. 1976: Die Erzählungen Bjelkins (télé-film). 1977: Der Harte Handel (télé-film). 1978: Das Ding: (série TV). 1981: Moi, Christiane F., 13 ans, droguée, prostituée. 1984: Eine Art von Zorn (télé-film). 1987: Waldhaus (série TV). 1989: Dernière sortie pour Brooklyn. 1993: Body. 1994: Confessions d'une rebelle (télé-film). 1995: Mike Tyson, l'histoire de sa vie (télé-film). 1996: Raspoutine (télé-film). 1999: La Ville des Légendes de l'Ouest (télé-film). 2000: Le Petit Vampire. 2001: Les Brumes d'Avalon (télé-film). 2002: King of Texas (télé-film). 2002: Jules César (télé-film). 2003: Evil Never Dies (télé-film). 2004: L'Anneau Sacré (télé-film). 2008: La Bande à Baader. 2010: Zeiten Andern Dich.

« D'la pisse et d'la merde, partout ! Y'a qu'à r'garder ! Qu'est-ce que ça peut faire, que de loin tout ait l'air neuf et de grand standing, avec des blouses vertes, des supermarchés !
Ce qui pue l'plus à l'intérieur, c'est les cages d'escalier. Les enfants, qu'est-ce qu'ils peuvent faire quand ils jouent dehors et qu'ils ont envie d'pisser ? Le temps qu'l'ascenseur grimpe au 11ᵉ ou au 12ᵉ, ils ont fait dans leur culotte et s'en ramassent une. Autant le faire dans la cage d'escalier.
Et j'habite là depuis qu'j'ai six ans, avec ma mère, ma sœur et mes chats. Et j'en ai ras l'bol !
En ville, y a des affiches partout. Le Sound, la discothèque la plus moderne d'Europe. C'est là qu'je veux aller... »

"Moi, Christiane F. : la chute à nu".

Expérience jusqu’au-boutiste à l’intensité dramatique impitoyable, Moi, Christiane F. est un uppercut émotionnel, un choc quasi insoutenable pour notre regard impuissant face à la lente noyade d’une junkie dans le Berlin des années 70. L’épreuve sans répit d’une gamine de treize ans piégée dans son addiction à l’héroïne, contrainte de se prostituer pour survivre depuis la fuite du père. Cette déchéance, ce désespoir sans porte de sortie, le spectateur le contemple, nauséeux, poisseux de malaise. L’ambiance lourde, oppressante, glauque (score lancinant, hypnotique) rôde autour d’une gare berlinoise hantée par des jeunes SDF — et la caméra voyeuriste traque tout sans pudeur : l’aiguille dans la veine, la giclée de sang, le manque, les crampes, la sueur, le vomi, les draps souillés, les murs éclaboussés, le sexe forcé d’une clientèle immonde.

 

 

Uli Edel ne recule devant rien pour dire sans fard la misère de Christiane et de ses ombres, zombies crevés errant de trottoir en trottoir pour racler de quoi s’offrir leur offrande. Le réalisme est si brut qu’on jurerait ces acteurs inconnus vraiment camés devant l’objectif. Jamais un film n’avait écorché l’âme à ce point, tant la décrépitude des corps s’étiole sous nos yeux. Et si le jeu parfois balbutiant des seconds rôles et les dialogues terreux sentent l’impro, ce tremblement colle à la noirceur qu’ils habitent. La photo blafarde fore le crâne d’une mélancolie poisseuse, tandis que le montage, nerveux et elliptique, épouse la spirale du manque. Mais si Moi, Christiane F. reste à ce point viscéral et sans fard, il le doit surtout au talent écorché de Natja Brunckhorst, qui porte en elle l’effondrement et la solitude comme une blessure à vif.

 

"Poison blanc et draps souillés".

Cri d’alarme pour une jeunesse égarée, épreuve de survie noyée sous la poudre, Moi, Christiane F. demeure le témoignage le plus cru, le plus sale, le plus éprouvant sur le fléau. Adapté du best-seller glaçant de Kai Hermann et Horst Rieck, le film laisse le spectateur hagard, muet, vidé, bien après le générique.

À réserver aux cœurs solides, mais à projeter dans tous les collèges, lycées et universités.

À mon frère de cœur Pascal, disparu en décembre 93, et à tous ceux qui n’ont pas eu la chance de s’en sortir.

* Bruno
(4èx)

"Christiane F. : une sœur perdue sous la came"

 

J'ai refermé hier soir le livre avec la sensation d’avoir perdu ma meilleure amie. J’ai toujours eu, dans ma vie, cette attirance presque tendre pour les êtres torturés, marginaux, écorchés.

Comme le film, je n’ai jamais rien lu de plus fort sur la toxicomanie, la déchéance et le suicide. À travers cette jeunesse sacrifiée, souillée par la came, l’entourage et la SOCIÉTÉ, on comprend qu’un toxicomane est l’esclave de sa pathologie, abandonné à lui-même, et qu’il n’a rien à faire derrière des barreaux.

Plongé corps et âme pendant deux semaines dans l’esprit de Christiane (une quinzaine d’heures de lecture à tout casser), j’ai la troublante impression d’avoir connu mon double. Même passé balafré, mêmes amitiés fangeuses, même décomposition du corps, même impuissance morale. Par ses confidences à vif, ses états d’âme jetés comme des cailloux dans le vide, j’ai senti sa rage de survie, son désespoir à vouloir extirper le démon niché sous sa peau. Son calvaire, c’est Sisyphe shooté au poison blanc.

Inévitablement bouleversant, cruel, d’une âpreté insupportable, le chemin de croix de Christiane s’enracine aussi dans une histoire d’amour maudite — sa passion incurable pour Djev — et se clôt sur l’interrogation insoutenable d’une rédemption possible.

Un témoignage viscéral, sensitif, d’une humanité mise à nu, qu’on devrait placer entre toutes les mains, sur tous les pupitres. Christiane s’infiltre dans notre corps, notre cœur, notre esprit, avec une lucidité sauvage, une vérité sans fard, une audace de vivante. Inoubliable.

-- Bruno

21/04/18.

Biographie: Qu'est-il arrivé à Christiane F ?: http://brunomatei.blogspot.com/2011/03/quest-til-arrive-christiane-f.html

Natja Brunckhorst

Natja Brunckhorst, inoubliable interprète de "Moi, Christiane F., 13 ans, droguée, prostituée..."

À 14 ans, elle est remarquée par le réalisateur Uli Edel qui la choisit pour le rôle de Christiane Felscherinow. Le tournage dure d'août à novembre 1980. Son interprétation y fut saluée tant par la critique que par le public.

Le tapage médiatique autour de sa personne, à la suite du grand succès du film, la prend par surprise. Pour échapper à la pression, elle se rend en Angleterre, où elle poursuit ses études jusqu'en 1986. Elle séjourne ensuite à Paris.

En 1987, Natja Brunckhorst retourne en Allemagne, où elle suit des études d'actrice à la Schauspielschule Bochum. Elle en sort diplômée en 1991. Pendant ce temps, elle tourne d'autres films, relativement inconnus (comme Enfants de pierre ou Babylone). Sa carrière s'interrompt vers 1993/94, alors qu'elle se bat contre un cancer, dont elle guérit.

En 1998, elle écrit pour la première fois un scénario, celui de la série télévisée Einsatz Hamburg Süd. Elle poursuit pendant 26 épisodes. En 2000, Natja Brunckhort apparaît aux côtés de Franka Potente et Benno Fürmann dans le film La Princesse et le Guerrier. Depuis 2002, elle est également apparue dans 105 épisodes de la série Dr. Sommerfeld - Neues vom Bülowbogen.

Natja Brunckhorst vit à Munich avec sa fille Emma, née en 1991 d'une relation avec l'acteur Dominic Raacke qui dura de 1988 à 1993.

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L'avis de Mathias Chaput:
Ouch !
"Moi Christiane F." est un film très dur, presque atroce !
Plongée radicale et sans compromis dans le quotidien de toxicos, dans un Berlin gangrèné par la misère et la délinquance, vision très réaliste d'un contexte social en plein délitement, le métrage prend bien aux tripes !
Au début pour nous mettre directement dans l'atmosphère, le cinéma où va Christiane projette "Night of the living dead" de Romero !
Référence glauque et ambiance morbide qui seront inhérentes tout le long !
ça vomit partout, même des giclées intenses sur les murs, ça se pique dans les chiottes et la prostitution y est montrée ultra crûment !
rien ne nous est épargné, ni les urophiles, ni les scatophiles ou les sadomasochistes, Edel prend le parti de ne rien cacher !
On a l'impression que Christiane est atteinte du mythe de Sisyphe, à chaque fois qu'elle monte la pente, quelque chose la fait de nouveau dégringoler et basculer en arrière !
Nombre de fois elle essaiera de stopper l'héroïne pour replonger régulièrement !
Edel ne lésine pas sur les effets chocs et le film multiplie les gros plans de seringues plantées dans le bras (donc attention aux personnes sensibles ! personnellement il m'est souvent arrivé de tourner le regard sur certains moments que je jugeais profondément insupportables et indisposants !)...
La bienséance en prend un coup mais n'empêche pas le film d'être de qualité !
Interprétation soignée, réalisme abrupt, décors parfaitement appropriés et dynamisme dans la réalisation, "Moi Christiane F." tient bien en haleine et s'avère passionnant !
Un témoignage du désoeuvrement d'une certaine jeunesse, indispensable pour comprendre les mécanismes de la toxicomanie et les motivations "qui font que ..."
Inoubliable !
Note : 8.5/10

VICE-VERSA

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site cadependdesjours.com

"Inside Out" de Pete Docter et Ronnie del Carmen. 2015. 1h34. Avec les voix de Amy Poehler, Lewis Black, Mindy Kaling, Bill Hader, Phyllis Smithn Kaitlyn Dias.

Sortie salles France: 17 Juin 2015. U.S: 19 Juin 2015

FILMOGRAPHIE: Pete Docter est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 9 Octobre 1968 à Bloomington (Minnesota).
1988: Winter. 1989: Palm Springs. 1990: Next Door. 2001: Monsters and Cie. 2002: La Nouvelle voiture de Bob. 2009: Là-haut. 2915: Vice Versa.
Ronnie del Carmen est un dessinateur de bande dessinée et animateur américano-philippin, né le 31 Décembre 1959 aux Philippines.
1995-1996: Freakazoïd ! (2 épisodes). 2009: Doug en mission spéciale. 2015: Vice Versa.

Véritable odyssée humaine en interne du cerveau d'une fillette de 12 ans où chacune de ses émotions est symbolisée par des personnages fantasques, Vice Versa est un enchantement visuel de tous les instants, un hymne à l'optimisme du point de vue rebelle d'une adolescente en perdition. Car depuis que Joie et Tristesse ont été exclues par inadvertance de son quartier cérébral, Dégoût, Colère et Peur insufflent communément l'impression de la morosité afin d'inciter Riley à fuguer depuis que ses parents ont emménagé à San Francisco. Livrée à la solitude, le désespoir (notamment son échec sportif au Hockey) et la désillusion depuis l'absence de ces anciens camarades de classe, elle tente de rejoindre sa ville natale après avoir osé frauder ses parents.

Initiation à la sagesse et à la probité pour le parcours introspectif d'une fillette gagnée par ses sentiments pessimistes de peur, d'isolement et de tristesse, Vice Versa prouve avec une invention poétique fulgurante à quel point la fragilité de nos émotions influe sur notre comportement pour chambouler notre destin journalier. Totalement immersif, de par les stratégies épiques que les émotions de Riley tentent de véhiculer afin de l'accéder à l'optimisme, Vice Versa double l'aventure du point de vue interne de Joie et de tristesse, quand bien même Riley est illustrée sous l'angle externe parmi sa dépression du dépit. Par son cheminement psychologique en désarroi d'une nouvelle existence blafarde (l'état inconnu de San Francisco), Riley va notamment apprendre à mesurer la tristesse d'un point de vue autrement optimiste (passons par la souffrance pour accéder au bonheur !) lorsque la culpabilité lui permettra d'affronter ses remords avec soulagement. A travers cette passionnante réflexion sur la gestion de nos émotions afin de matérialiser la persévérance, la confiance en soi et le bonheur, Vice Versa s'édifie en puzzle psychanalytique par le biais d'une trépidante course contre la montre pour déjouer le défaitisme. On peut également souligner le bénéfice salvateur des rêves et de nos souvenirs, nos instants fructueux du passé permettant au cerveau d'y préserver les instants du bonheur afin d'y consolider un moral plus coriace.

L'Aventure Intérieure
Immodérément inventif parmi sa flamboyance d'un onirisme expérimental et immersif en diable au point de bouleverser nos émotions parmi la fragilité d'une adolescente en phase d'apprentissage, Vice Versa est également transcendé par la bonhomie altruiste de ses émotions contradictoires que Joie, Tristesse, Dégoût, Colère et Peur matérialisent ici avec tempérament en émoi. Un chef d'oeuvre d'émotions contradictoires, une aventure humaine pleine de lyrisme où la drôlerie irrésistible se télescope avec une poésie bouleversante. 

Bruno Matéï

COOTIES

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site thebergerie.net

de Jonathan Milott et Cary Murnion. 2014. U.S.A. 1h28. Avec Elijah Wood, Rainn Wilson, Alison Pill, Jack McBrayer, Leigh Whannell, Nasim Pedrad, Ian Brennan.

Sortie salles U.S: 18 Septembre 2015

FILMOGRAPHIE: Jonathan Milott et Cary Murnion sont deux réalisateurs américains. 

2014: Cooties

Précédé d'une réputation prometteuse grâce à l'ébauche de son trailer festif, Cooties emprunte la thématique de l'enfant-tueur sous le concept d'une comédie horrifique malencontreusement poussive ! De par son humour lourdingue gesticulé par des adultes héroïques trop orgueilleux et les épreuves de survie qu'ils doivent vaillamment endurer dont seuls le 1er acte plutôt prometteur (générique stylisé de mauvais goût à l'appui !) et son final homérique parviennent à éveiller un enthousiasme timoré. Car il faut avouer qu'au centre de l'intrigue, l'ennui s'y distille calmement lorsque nos survivants tentent par exemple de dénicher une issue de secours dans les conduits de l'établissement scolaire assiégé par des zombies en culotte courte ! La cause incombant à un virus infiltré dans les nuggets de poulets qu'une ado a incidemment ingéré à la cantine. 

La raison de ce ratage filmique émane indubitablement d'une réalisation maladroite façonnée par un duo de cinéastes en herbe puisqu'il s'agit de leur premier essai. Deux auteurs désinhibés dans leurs intentions louables de transgresser la morale du politiquement incorrect pour assassiner devant l'écran (en mode "gore pour rire") nos mioches et d'y dénoncer leur impudence comportementale ! Ces derniers n'hésitant pas arborer leur insolence triviale lorsqu'il s'agit de brocarder une écolière physiquement vérolée (la 1ère victime du virus) quand bien même le garnement le plus burné se vante fièrement de mater des photos X sur son smartphone auprès de l'autorité de son professeur (Elijah Wood endossant son rôle pédagogique avec une modestie sensiblement attachante). Si le thème sanitaire des méfaits de la Junk Found et son réquisitoire sur la démission parentale restent d'actualité en notre époque de crise, l'intrigue éculée se morfond ensuite uniquement sur l'enjeu stratégique des professeurs en sursis de survie. Des séquences de panique mollement emballées par son manque d'intensité débridée, alternant rebondissements horrifiques et gags de pacotille sous l'avarice de péripéties faiblement spectaculaires (si on épargne l'impact graphique de deux, trois bastons et agressions croquignolettes). On peut tout de même accorder un certain crédit au caractère spontané de nos insurgés éducateurs mais leurs réparties sensées provoquer l'hilarité, et leur comportement volontairement étourdi, finissent par ternir leur cohésion amiable, sans compter la pirouette annexe impartie à l'idylle du trio d'amants dont on éprouve aucune empathie. 

Une comédie triviale faussement trash et burnée, à contre-courant des outrances de Tromaville.
En résulte une série B de comptoir aux airs de déjà vu, une déception inconsolable malgré l'ambition louable des auteurs à daigner déroger les lois de la révérence par une violence cartoonesque trop hésitante et l'originalité d'un point de départ dénué d'audaces et de surprises (ou alors très peu !) .  

Bruno Matéï

MEN IN BLACK 3

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"MIB 3" de Barry Sonnenfeld. 2012. U.S.A. 1h46. Avec Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Jemaine Clement, Emma Thompson, Michael Stuhlbarg, Alice Eve, Nicole Scherzinger.

Sortie salles France: 23 Mai 2012. U.S: 25 Mai 2012

FILMOGRAPHIE: Barry Sonnenfeld est un réalisateur américain, acteur, producteur et directeur de la photographie, né le 1er Avril 1953 à New-York. 1991: La Famille Addams. 1993: Les Valeurs de la famille Addams. 1993: Le Concierge du Bradbury. 1995: Get Shorty. 1997: Men in Black. 1999: Wild Wild West. 2002: Big trouble. 2002: Men in Black 2. 2006: Camping Car (RV). 2012: Men in Black 3. 2016: Nine Lives.

Après un second volet clairement redondant (même si à la revoyure la sympathie du produit peut prêter à distraire avec clémence), Barry Sonnenfeld renoue avec la fougue du premier volet grâce à son concept narratif imparti autour du voyage spatio-temporel. Une idée judicieuse permettant également de revigorer la série par le biais d'une scénographie vintage faisant référence à l'évènement historique d'Apollo 11 (les premiers pas de l'homme sur la lune !) et du personnage de l'agent K que notre briscard Tommy Lee Jones endosse avec sa traditionnelle mine renfrognée. Et justement, grâce à l'astuce de son pitch temporel, nous allons ici comprendre les tenants psychologiques de son caractère acariâtre grâce à la mission que son co-équipier, l'agent J, va entreprendre vaillamment pour lui sauver la vie. Evadé de sa prison implantée sur la lune, Boris l'animal se jure d'éradiquer l'agent K, l'auteur de son emprisonnement d'il y a 40 ans et de l'amputation de son bras lorsqu'ils s'étaient tous deux confrontés sur le terrain de Cap Canaveral le 16 Juillet 1969. Avec l'aide d'une technique temporelle permettant de retourner dans le passé, l'agent J s'efforce de retourner sur les lieux de l'altercation afin d'empêcher Boris d'assassiner son partenaire. 

Ce scénario palpitant misant sur l'expectative d'une confrontation redoutée et culminant vers un point d'orgue viscéralement vertigineux, Barry Sonnenfeld l'exploite avec l'efficacité d'une action aussi homérique qu'inventive (le prologue démarrant sur les chapeaux de roue redoublant de subterfuges débridés !) et l'alternative allouée au duo d'exécutants que Josh Brolin remplace avec un naturel décontracté afin d'y afficher la jeunesse de l'agent K. En prime, pour redorer une note insolite à leur cohésion, ils sont épaulés d'un extraterrestre arcadien doué de prescience qui leur permettra aussi de protéger la terre par le biais de l'Arcnet. Un objet technologique servant de boucle de protection afin de déjouer toute invasion sur notre planète. Amusant, parfois drôle et souvent spectaculaire, Men in Black 3 parvient donc à séduire par ces nouveaux enjeux de survie (le sort alloué à l'agent K et à celui de la Terre) en délocalisant l'époque futuriste des années 2000 vers le cadre autrement rétro des sixties. Si la galerie éclectique de quelques humains extraterrestres continuent de provoquer la cocasserie face à leur impertinence insidieuse, la physionomie charismatique du "méchant" de l'intrigue se distingue du lot tant l'acteur Jemaine Clement jubile à exprimer une mégalomanie arrogante inscrit dans le machiavélisme. Pour parachever, et de manière inopinée, Barry Sonnenfeld clôt son chapitre avec l'émotion d'une situation tragique en compromis avec le passé de l'agent J. Une manière empathique de mettre en exergue la cohésion altruiste qui unie les deux agents en dépit de l'apparence bourrue (mais justifiée) de l'Agent K. 

Assez fun, cocasse et trépidant, Men in Black 3 doit principalement sa réussite à l'ossature d'un scénario retors où l'époque référentielle des années 60 sert de pilier émotif afin de lever un voile sur la jeunesse torturée de l'agent K que Josh Brolin et Tommy Lee Jones incarnent communément avec un tempérament aussi persuasif. 

La chronique du 1er volet: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/09/men-in-black.html

Bruno Matéï

2èx

PINK FLOYD THE WALL

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

d'Alan Parker. 1982. Angleterre. 1h39. Avec Bob Geldof, Christine Hargreaves, James Laurenson, Eleanor David, Kevin McKeon, Bob Hoskins, David Bingham, Jenny Wright.

Sortie salles France: 14 Juillet 1982. U.S: 13 Août 1982

FILMOGRAPHIE: Alan Parker (Alan William Parker) est un réalisateur, compositeur, scénariste et producteur britannique, né le 14 Février 1944 à Islington, Londres.
1975: The Evacuees (télé-film). 1976: Bugsy Malone. 1978: Midnight Express. 1980: Fame. 1982: Shoot the Moon. 1982: Pink Floyd The Wall. 1984: Birdy. 1987: Angel Heart. 1988: Mississippi Burning. 1990: Bienvenue au Paradis. 1991: Les Commitments. 1994: Aux bons soins du Dr Kellogg. 1996: Evita. 1999: Les Cendres d'Angela. 2003: La Vie de David Gale.

Chef-d'oeuvre du film musical qui mit en transe toute la génération 80 (que ce soit auprès des spectateurs lambdas, des millions de fans pour l'album référentiel de Roger Waters, des fumeurs de joint et des toxicos), Pink Floyd the Wall est l'objet filmique de tous les fantasmes, de toutes les exubérances. Une plongée vertigineuse dans l'âme d'un artiste moribond, un florilège de métaphores constituées autour de la question de libéralisme où sa puissance visuelle se télescope harmonieusement parmi une rythmique musicale tantôt tempétueuse, tantôt mélancolique.

Un méga trip visuel et auditif d'une puissance évocatrice dans son violent réquisitoire contre le fascisme des sociétés modernes, les sempiternels génocides des guerres d'états, le système scolaire et son éducation arbitraire, le conservatisme de nos juridictions, et à moindre échelle l'adultère provoquant chez la victime une déception morale en perdition. Conçu comme un gigantesque video-clip expérimental étalé sur une durée d'1h40, Alan Parker retrace avec onirisme, stylisme et lyrisme baroque (à l'instar des plages d'animation aussi fulgurantes qu'ensorcelantes !) le destin torturé de Pink, artiste rock notoire plongé dans une solitude aliénante. Reclus dans sa demeure tamisée, il se remémore avec hantise toute son enfance, de son trauma de la seconde guerre auquel son père s'y sacrifia, de sa relation avec sa mère poule, de sa solitude éprouvée à l'école, de son mariage raté et de son refuge vers la drogue. Au fil de ses souvenirs peu glorieux, il se rapproche un peu plus de la folie après avoir construit un mur mental l'empêchant de communiquer avec le monde extérieur. Alors que les fans hystériques s'impatientent à le retrouver sur scène, Pink se fond dans l'esprit schizophrène d'un dictateur tyrannique afin de châtier sa starification injustifiée et avant d'exploser les briques de son rempart.

Maelström d'imagerie musicale en roue libre, opéra-rock habité par la sédition libertaire d'un mélomane progressiste, Pink Floyd the Wall prêche pour l'assainissement de nos sociétés contemporaines sous la direction d'un cinéaste alchimiste adepte de poésie picturale. Sommet d'émotions viscérales et sensitives, ce cri d'alarme et de désespoir contre le carcan de nos magistratures politico-juridiques se porte en sacro-saint pour son appel à l'insurrection. Un témoignage essentiel, une validité musicale inoxydable traitée à la cadence infernale des tubes de Roger Waters, ténor légendaire de son double album fondateur. 

Bruno Matéï
4èx

Unhinged

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site vhscollector.com  

de Don Gronquist. 1982. U.S.A. 1h22. Avec Laurel Munson, Janet Penner, Sara Ansley, Virginia Settle, John Morrison, Barbara Lusch.

Sortie salles U.S: 15 Octobre 1982

FILMOGRAPHIE: Don Gronquist est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
1982: Unhinged. 1995: The Devil's Keep.

Listé dans la rubrique prohibitive "Video Nasties" à l'aube des années 80, Unhinged s'est inévitablement traîné une réputation de série B horrifique cradingue alors que certains amateurs de l'époque l'ont sans doute dénigré, faute du caractère timoré des séquences les plus sanglantes. Car hormis un final particulièrement choquant et malsain quant à la révélation de l'assassin et le meurtre sauvage qu'il ritualise vulgairement, Unhinged évite de se complaire dans une violence racoleuse en privilégiant l'atmosphère d'inquiétude régie autour d'une bâtisse funèbre. Le pitch: Après leur accident de voiture sur la route d'une campagne isolée, trois jeunes filles se retrouvent hébergées dans la demeure vétuste d'une mère et de sa fille. Mais la nuit, d'étranges respirations importunent leur sommeil quand bien même la disparition de l'une d'entre elles va attiser leur inquiétude. Avec son budget étriqué, sa réalisation aussi maladroite qu'intentionnée et ses comédiens amateurs au jeu théâtral mais pleins de bonnes intentions, Unhinged ne s'affiche pas sous ses meilleures auspices pour frissonner de plaisir. 

Surfant sur la vague du slasher initié par Halloween et Massacre à la Tronçonneuse, Don Gronquist privilégie néanmoins une ambiance Hitchcockienne (même si mon allusion au maître peut prêter à sourire !) au sein d'un huis-clos archaïque, à l'instar de l'attitude castratrice d'une mégère imposant sa dictature auprès de sa fille esseulée. Le réalisateur accordant beaucoup de crédit à leurs rapports de discorde avant de s'attarder sur la relation amicale que partagera l'une des convives avec cette dernière. Pendant ce temps, et avant de les blâmer à l'arme blanche, un mystérieux assassin rode autour de la bâtisse en les épiant par la fenêtre ! Avec son rythme languissant et son suspense menu rehaussé d'un climat anxiogène tantôt fascinant, tantôt capiteux, Unhinged exploite la thématique du dysfonctionnement familial au sein d'une intrigue nébuleuse lorsqu'on nous dévoile les aboutissants d'une révélation traumatique plutôt tirée par les cheveux. Toutefois, grâce à l'inspiration (malhabile) de la réalisation surfant sur le climat fétide de Massacre à la Tronçonneuse (l'entrepôt des macchabées) et le ressort psychologique de Psychose (la schizophrénie de l'assassin), ce point d'orgue cauchemardesque provoque chez le spectateur un sentiment tangible de malaise rehaussé de l'impact graphique d'un meurtre cradingue Spoiler ! ne laissant aucune échappatoire à l'héroïne ! Fin du Spoiler.

Produit d'exploitation au rabais de par sa réalisation bricolée et le jeu limité des comédiens plaisamment bonnards, Unhinged parvient constamment à cristalliser une ambiance lourde tantôt oppressante, tantôt envoûtante autour d'un obscur huis-clos au climat d'insécurité fantasque. Sa dissonance musicale rehaussant l'aspect ombrageux d'un climat gothique aussi feutré que malsain. Pâtissant d'un rythme monocorde pour autant jamais ennuyeux, cette attachante curiosité au charme désuet est à réserver en priorité aux nostalgiques aguerris du genre. Finalement très sympa pour qui raffole des purs films d'ambiance crépusculaire.

P.S: Pour les intéressés, le métrage est disponible en Dvd en France sous l'effigie Uncut Movies !

*Eric Binford
26.01.22. 4èx

THE SUICIDE THEORY

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Dru Brown. 2014. Australie. 1h38. Avec Steve Mouzakis, Leon Cain, Joss McWilliam, Matthew Scully, Todd Levi, Nicholas G. Cooper, Warwick Comber.

Sortie salles U.S: 10 Juillet 2015

FILMOGRAPHIE: Dru Brown est un réalisateur, scénariste et producteur australien.
2012: Sleeper. 2014: The Suicide Theory.

Seconde réalisation d'un jeune cinéaste australien, The Suicide Theory s'érige en petite oeuvre indépendante créant la surprise par son concept surréaliste (sauvé du ridicule par l'intelligence narrative et psychologique) et l'émotion qui en émane dans les contrariétés des protagonistes en quête de rédemption. Depuis ses tentatives ratées de suicide, Percival engage un tueur afin de mettre un terme à son existence esseulée. Après multiples essais inexplicablement infructueux, son assassin aguerri se prend de compassion pour lui au moment même où leur destinée va adopter une tournure inopinément bouleversante. Nanti d'un climat mélancolique palpable (notamment pour l'ambiance musicale du bar de nuit que notre duo fréquente en intermittence), de par le cheminement existentiel de deux personnages que tout oppose de prime abord, The Suicide Theory aborde les thèmes de l'autodestruction et de la destinée avec une surprenante pudeur.

Le réalisateur prenant soin de brosser leur portrait avec une sensibilité exponentielle, sachant que d'étonnantes révélations sur leur passé tragique nous seront dévoilées au fil de leur aparté psychologique. L'émotion fragile véhiculée par le brio du réalisateur et des deux acteurs nous prenant par surprise au gré d'une tournure d'évènements lourds de conséquences tragiques. Si la première partie du récit amorce une structure prévisible pour les exactions meurtrières du tueur à gages contraint de répéter les homicides sur sa victime increvable (éclairs de violence brutaux à l'appui !), la suite de leurs vicissitudes se focalise sur l'apprentissage de la compassion, l'écoute de l'autre et le respect d'autrui du point de vue de l'assassin en révélation identitaire. Son cheminement partagé entre son impuissance criminelle d'assister le suicidé, son appétence de vengeance et sa nouvelle stature héroïque lui ouvrant la voie de la raison existentielle parmi l'appui d'une destinée acquise d'avance. A travers ce thème métaphysique, le cinéaste tend à nous interroger sur le sens de notre fatalité par le biais des rencontres impromptues, de nos agissements personnels et des drames du quotidien n'ayant rien du fruit du hasard. C'est ce que nous illustre la seconde partie, notamment après nous avoir signalé l'intolérance de l'homophobie et la dépendance à la violence que les ignorants expriment par des pulsions de haine. A travers ce récit d'amitié en ascension compromis par l'inimitié rancunière, Dru Brown poursuit une autre réflexion sur le mal-être suicidaire où pardon, rédemption et culpabilité en seront les vecteurs psychologiques afin de décanter deux tragédies inconsolables.

"Vous avez beaucoup de chance d'être en vie"
Intrigant et captivant pour la tournure singulière des évènements (le scénario faisant preuve d'une structure baroque !), violemment brutal mais rattrapé par une émotion (à fleur de peau) au fil des états d'âme du duo maudit, The Suicide Theory déconcerte l'habitude du spectateur pris entre les mailles d'un drame psychologique inopinément bouleversant. Par le biais du suicide potentiellement salvateur et des conséquences de nos faiblesses (la rancoeur, l'inattention), il en émane un douloureux poème sur la sollicitation du pardon, la repentance criminelle et la logique de notre destinée où le hasard n'a pas lieu d'être. Un choc émotionnel nous prenant par stupeur d'une accablante confrontation entre coupable et victime ! (et inversement !).  

Dédicace à Jen Winter
Bruno Matéï

Men in Black

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Barry Sonnenfeld. 1997. U.S.A. 1h38. Avec Tommy Lee Jones, Will Smith, Linda Fiorentino, Vincent D'Onofrio, Rip Torn, Tony Shalhoub, Tim Blaney, David Cross.

Sortie salles France: 6 Août 1997. U.S: 2 Juillet 1997

FILMOGRAPHIE: Barry Sonnenfeld est un réalisateur américain, acteur, producteur et directeur de la photographie, né le 1er Avril 1953 à New-York. 1991: La Famille Addams. 1993: Les Valeurs de la famille Addams. 1993: Le Concierge du Bradbury. 1995: Get Shorty. 1997: Men in Black. 1999: Wild Wild West. 2002: Big trouble. 2002: Men in Black 2. 2006: Camping Car (RV). 2012: Men in Black 3. 2016: Nine Lives.

Succès planétaire que ce premier volet d'une illustre franchise, Men in Black est l'adaptation ciné du comics homonyme créé par Lowell Cunningham en 1990. A partir d'un pitch délirant détournant avec dérision la présence d'extra-terrestres au sein de notre société, Men in Black joue la carte de la comédie familiale sous l'autorité de deux agents en noir, experts en filature et traque d'une menace interplanétaire. En cool attitude, Tommy Lee Jones et Will Smith endossent le duo amical avec verve impayable (leur interrogatoire musclé imparti aux commerçants extraterrestres !) et héroïsme stoïque eu égard des gadgets ultra innovants (notamment l'outil permettant d'effacer la mémoire des témoins oculaires) que le doyen Agent K inculque à son équipier en herbe sur le champs de l'action. Outre le caractère saugrenu de l'intrigue (une créature hostile débarque sur terre pour s'emparer d'une galaxie préservée par le prince arquilien) et la stature distinguée de nos sympathiques agents secrets, le film tire parti de sa fantaisie grâce à l'univers excentrique décrit avec moult détails. 

Epaulé d'effets spéciaux en CGI souvent réussis (en dépit de la confrontation finale perfectible), Barry Sonnenfield nous ouvre les portes du MIB, agence ultra secrète surveillant les présences martiennes à travers les galaxies tout en tolérant depuis les années 50 leur arrivée hospitalière pour des milliers d'entre eux. D'une réjouissance sans modération pour les gags inventifs se chevauchant parfois avec l'action de poursuites homériques (le prologue sur les chapeaux de roue, l'échappée automobile au dessus du tunnel), Men in Black met également en appui le portrait insidieux d'une galerie d'E.T à la physionomie fallacieuse. Ainsi, par le biais de leur investigation et leur traque d'y appréhender un dangereux alien, nos agents sont contraints d'interroger (voir également débusquer certains d'entre eux) ces E.T à forme humaine. On peut notamment louer la présence du fameux "méchant" de l'histoire, une créature  arthropode (un cafard géant nous dévoilera le point d'orgue) ayant dérobé l'enveloppe humaine d'un fermier après l'avoir occis, mais en l'occurrence pourvu d'une posture dégingandée dans sa condition corporelle putrescente. Ce zombie extraterrestre provoquant (à l'instar d'un antagoniste du film Hidden !) des accès de violence erratiques lorsqu'il accoure dans les rues new-yorkaises pour se procurer un précieux pendentif.

De par la complicité impayable de notre duo en roue libre, de l'univers excentrique formellement fascinant et l'inventivité des gags et d'une action échevelée, Men in Black exploite son argument d'anticipation avec une dérision irrésistible. Mené sans répit donc, notamment grâce à l'efficacité d'une réalisation vigoureuse, cet excellent divertissement parvient surtout à réguler l'intérêt par les rencontres impromptues d'E.T de tous horizons que nos agents côtoient avec un flegme aussi distingué qu'amusé. 

La chronique du 3è opus: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/10/men-in-black-3.html

*Bruno
05.09.24. 5èx. Vostfr

MISSION IMPOSSIBLE: ROGUE NATION

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site lyricis.fr

de Christopher McQuarrie. 2015. U.S.A. 2h12. Avec Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Ving Rhames, Sean Harris, Simon McBurney.

Sortie salles France: 12 Août 2015. U.S: 31 Juillet 2015

FILMOGRAPHIE: Christopher McQuarrie est un réalisateur et scénariste américain, né en 1968 à Princeton, New Jersey.
2000: Way of the Gun. 2012: Jack Reacher. 2015: Mission Impossible: Rogue Nation

Cinquième volet d'une saga trépidante (plus inventive et attractive à mon sens que la série des James Bond !), Mission Impossible: Rogue Nation relance l'objectif ardu qu'Ethan Hunt doit aujourd'hui surpasser: c'est à dire prouver l'existence d'une organisation criminelle prénommée le Syndicat alors même que la CIA, délibérée à dissoudre l'IMF, se charge de l'appréhender sous l'autorité du gouvernement américain. Tandis qu'Ethan se rend à l'opéra de Vienne pour y déjouer un projet d'attentat contre le chancelier, il est épaulé par son équipier Benji Dunn au moment même où la nouvelle apparition d'une mystérieuse émissaire, Ilsa Faust, continue de semer le doute quant à sa véritable identité et ses mobiles meurtriers.

Afin d'assurer le spectacle fertile en traquenards, stratagèmes d'espionnage (le centre de données sécurisé imposant une opération sous-marine claustrophobe afin d'y dérober un fichier), manipulations, traîtrises et subterfuges dans les tractations d'une transaction capitale, Christopher McQuarrie équilibre un scénario retors parmi l'intelligence de moult bravoures au service narratif. Outre sa séquence d'ouverture aérienne épique, on peut surtout vanter deux séquences anthologiques où la mise en scène virtuose alterne suspense exponentiel et action chorégraphique avec ce projet d'attentat infiltré en pleine procession théâtrale (hommage non dissimulé à Hitchcock et l'Homme qui en savait trop pour la géométrie scrupuleuse du montage !) puis avec une course-poursuite en motos multipliant itinéraires urbains et routiers avec vigueur aussi fluide qu'effrénée ! Pour épicer la mission de longue haleine (que Tom Cruise rempile avec le même héroïsme outre-mesure !) engagée dans la traque du magnat Solomane Lane (Sean Harris s'avère délectable de prétention avec son faciès monolithique !), l'aventure est également compromise parmi l'ambivalence d'un personnage féminin (remarquablement campée par la charmante et flegmatique Rebecca Ferguson). Une espionne pugnace redoutablement finaude dans son art de distiller l'ambiguïté auprès de ses supérieurs et de la compagnie MFI par un sang froid infaillible !

Mené sur un rythme alerte ne laissant nul répit au spectateur, Mission Imposisble: Rogue Nation parvient à se démarquer de la routine grâce à ses séquences d'action renversantes (l'improbabilité de la bravoure s'insinue dans le domaine du crédible grâce à l'humour, l'inventivité et le réalisme d'une réalisation avisée) et la dextérité d'un scénario où protagonistes et antagonistes se disputent l'autorité avec une diabolique sagacité. Du Blockbuster intelligent donc d'une redoutable efficacité quand bien même le charisme distingué des comédiens s'y prête fougueusement avec une détermination en roue libre. 

Bruno Matéï

LIAISON FATALE

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieposter.com

"Fatal Attraction" d'Adrian Lyne. 1987. U.S.A. 1h59. Avec Michael Douglas, Glenn Close, Anne Archer, Ellen Hamilton Latzen, Stuart Pankin, Ellen Foley.

Sortie salles France: 27 Janvier 1988 (Interdit aux - de 12 ans). U.S: 18 Septembre 1987.

FILMOGRAPHIE: Adrian Lyne est un réalisateur et producteur britannique, né le 4 Mars 1941 à Peterborough (Grande Bretagne). 1980: Ca plane les filles. 1983: Flashdance. 1986: 9 semaines et demi. 1987: Liaison Fatale. 1990: L'Echelle de Jacob. 1993: Proposition Indécente. 1997: Lolita. 2002: Infidèle. Prochainement: Back Roads.

Phénomène de société au succès international mérité, Liaison Fatale préfigure le thriller érotique moderne en cette fin des années 80 bien qu'il s'inspirait déjà du pitch d'Un frisson dans la nuit réalisé par Clint Eastwood en 1971. Selon une récente enquête (2014) menée par Médiamétrie, plus de 13,27 millions de français auraient (re)vu le 7 Novembre 1993 à la télévision le thriller d'Adrian Lyne. Un réalisateur d'origine anglaise débutant sa carrière avec des spots publicitaires avant de mettre en scène un drame de la jeunesse sur fond de sexe et de drogue, Ca plane les filles. C'est dire si ce phénomène planétaire nominé aux oscars marqua les esprits, principalement au niveau du magnétisme qu'invoque le duo torride et l'acuité d'un suspense dramatique toujours plus éprouvant. Ainsi, prenant pour thème l'adultère du point de vue d'un notable respecté de par sa profession et son équilibre familial, Liaison Fatale met en exergue une confrontation au sommet entre cet époux infidèle et une aguicheuse psychotique que Michael Douglas et Glenn Close endossent avec une pugnacité galvanisante.

Ce couple maudit étant littéralement habité par leurs pulsions de haine après s'être laissés attendrir par leur désir sexuel à travers une passion dévorante. Nanti d'une tension progressive auprès des harcèlements imposés à cet avocat contrarié, l'intrigue puise sa densité dans les rapports discordants qu'entretiennent successivement nos deux antagonistes avant l'explosion de violence d'une vendetta criminelle. Mis en scène de façon circonspecte pour son habileté à distiller un climat anxiogène particulièrement vénéneux, Adrian Lyne exploite sa trame érotique (la 1ère partie redouble de sensualité torride pour les étreintes sexuelles échangées entre amants !) par le biais d'une direction d'acteurs infaillibles (notamment des seconds-rôles à la riche dimension humaine) et d'une intrigue nauséeuse où la passion amoureuse est traitée ici d'un point de vue pathologique. D'une riche efficacité pour son rythme envoûtant, le cheminement narratif emprunte donc le sentier d'une lente descente aux enfers que l'époux infidèle tentera de remonter avec un flegme compromis au sentiment d'impuissance. La maîtresse psychotique redoublant de perversité à humilier son ancien partenaire lors de provocations toujours plus audacieuses. Le cinéaste prenant également soin d'aborder la crise conjugale du point de vue de l'épouse trahie (intensité dramatique sans pathos à l'appui !)  tout en soulignant une réflexion sur le pardon que cette dernière serait prête à tolérer face à une situation inopinément délétère.

"L'amour, quand c'est trop fort, ça peut faire peur, très peur !"
Admirablement servi par deux acteurs époustouflants de charisme séducteur et de dépit solennel (Glenn Close s'avérant si inquiétante qu'elle fut menacée auprès d'une gente féminine épistolaire  après la sortie du film !) et dirigé avec brio par un cinéaste appliqué, Liaison Fatale exploite avec une belle efficacité son suspense horrifique où l'érotisme exaltant de la première partie n'était qu'un simulacre pour mieux nous converger vers une dérive psychotique à la terreur expansive. Fort de sa réputation notoire, ce thriller éprouvant n'a rien perdu de son aura malsaine et de sa vigueur éprouvante. Un classique du genre donc à contre-courant du thriller lucratif pour midinettes ! 

Bruno Matéï
3èx 

Ténèbres / Tenebrae

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site silverferox.blogspot.com

de Dario Argento. 1982. Italie. 1h41. Avec Anthony Franciosa, Daria Nicolodi, John Saxon, John Steiner, Giuliano Gemma, Carola Stagnaro, Christiano Borromeo, Veronica Lario.

Sortie salles France: 27 Avril 1982. Italie: 28 Octobre 1982. Interdit au - de 18 ans lors de sa sortie.

FILMOGRAPHIE: Dario Argento est un réalisateur et scénariste italien né le 7 septembre 1940, à Rome (Italie). 1969: l'Oiseau au plumage de Cristal, 1971: Le Chat à 9 queues, Quatre mouches de velours gris, 1973: 5 Jours à Milan, 1975, Les Frissons de l'Angoisse, 1977: Suspiria, 1980: Inferno, 1982: Ténèbres, 1985: Phenomena, 1987: Opera, 1990: 2 yeux Maléfiques, 1993: Trauma, 1996: Le Syndrome de Stendhal, 1998: Le Fantome de l'Opéra, 2001: Le Sang des Innocents,2004: Card Player, 2005: Aimez vous Hitchcock ?, 2005: Jennifer (épis Masters of Horror, sais 1), 2006: J'aurai leur peau (épis Masters of Horror, sais 2), 2006: Mother of Tears, 2009: Giallo, 2011: Dracula 3D.

Les artistes restent seuls, car le monde réel n'est pas le leur. 

Fleuron du giallo qu’Argento transcende avec une fulgurance stylisée, entre onirisme macabre et surréalisme expérimental — à l’image de ce fameux plan à la Louma auscultant une demeure de l’extérieur, dans l’œil du tueur — Ténèbres tire ses lettres de noblesse au thriller transalpin, guidé par un alchimiste inspiré par sa propre expérience : celle d’un fan obsessionnel, harcelant jusqu’à l’aveu glaçant de vouloir le tuer.

L’intrigue suit les vicissitudes d’un écrivain américain de renom venu à Rome promouvoir son dernier roman, Ténèbres, lorsqu’il devient la cible d’un mystérieux individu. En parallèle, un criminel s’attaque à de jeunes femmes lubriques, tandis que l’inspecteur Germani s’intéresse de près au sous-texte misogyne de l’œuvre de Peter Neal.

Porté par le score électro envoûtant de Simonetti, Pignatelli et Morante — ex-Goblin — ce néo-giallo, magnifié par la limpidité d’une photo tantôt azur, tantôt opaline, tranche net avec le pourpre des meurtres. Chargé d’un érotisme troublant — corps dénudés d’actrices félines, rituel punitif d’un misogyne incurable — Ténèbres réinvente les codes du giallo avec un lyrisme audacieux, imprégné d’un souffle moderniste. Argento choisit l’architecture urbaine comme décor, tantôt écolo, tantôt spectral, et y inscrit sa propre géométrie du cauchemar.

À l’image de cette course nocturne rendue incandescente par une lumière azur : une héroïne fuit un doberman enragé, ignorant que le tueur l’attend déjà chez elle. Cette frénésie atteint son apogée lorsqu’elle se jette, hébétée, dans la gueule du loup. Concerto visuel et musical d’une horreur picturale, Argento compose une succession de meurtres aussi baroques que fiévreux. Le spectateur, encerclé, ne peut échapper au sacre du cinéaste. La sensualité du désir féminin fusionne avec la cruauté perverse d’un voyeur haïssant ce qu’il convoite, jusqu’à ce que le film, dans un dernier vertige, brouille toutes les pistes.

La vision est l'art de voir les choses invisibles.

À partir d’une trame orthodoxe, fidèle aux fondements du genre, Dario Argento transfigure le giallo avec un parti pris moderniste : sensualiser la forme dans des teintes froides et rassurantes. Même lorsque le sang surgit — comme dans cette anthologie du bras sectionné, où la victime, titubant, vient tapisser de rouge la virginité du mur — Ténèbres explose l’écran avec l’élégance vénéneuse d’un script aussi insidieux qu’ensorcelant.

 

*Bruno

6è

Dédicace à Mathias Chaput

French Connection. Oscar du Meilleur Film,1972.

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site nearpictures.com

de William Friedkin. 1971. U.S.A. 1h43. Avec Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey, Marcel Bozzuffi, Tony Lo Bianco, Frédéric de Pasquale, Bill Hickman, Harold Gary.

Sortie salles France: 14 Janvier 1972. U.S: 9 Octobre 1971

FILMOGRAPHIE: William Friedkin est un réalisateur, scénariste et producteur de film américain, né le 29 août 1935 à Chicago (Illinois, États-Unis). Il débute sa carrière en 1967 avec une comédie musicale, Good Times. C'est en 1971 et 1973 qu'il connaîtra la consécration du public et de la critique avec French Connection et L'Exorciste, tous deux récompensés aux Oscars d'Hollywood.
1967: Good Times. 1968: l'Anniversaire. 1968: The Night they Raided Minsky's. 1970: Les Garçons de la bande. 1971: French Connection. 1973: l'Exorciste. 1977: Le Convoi de la peur. 1978: Têtes vides cherchent coffres pleins. 1980: The Cruising. 1983: Le Coup du Siècle. 1985: Police Fédérale Los Angeles. 1988: Le Sang du Châtiment. 1990: La Nurse. 1994: Blue Chips. 1995: Jade. 2000: l'Enfer du Devoir. 2003: Traqué. 2006: Bug. 2012: Killer Joe.

Traque infernale de deux flics délibérés à déjouer l'organisation mafieuse de plus grands dealers de drogue à l'orée des Seventies, French Connection nous laisse le souffle coupé de par son souci documentaire d'une mise en scène tirée au cordeau et ces acteurs habités d'une gagne effrénée. Gene Hackman endossant avec une hargne viscérale un détective sur le qui-vive des faits et gestes de ces rivaux, particulièrement Alain Charnier, contrebandier français à la tête du cartel d'héroïne aujourd'hui chargé d'importer 32 millions de dollars de drogue sur le territoire ricain. A travers son appui professionnel et amical, Roy Scheider lui prête la vedette avec une pugnacité plus avisée sachant par ailleurs que son compère décidera d'en tirer une affaire personnelle afin de se venger des brocards d'Alain Charnier (Fernando Ray s'avérant délectable de sournoiserie en baron de la drogue tranquille).

Modèle de rigueur pour sa mise en scène virtuose, William Friedkin renouvelle en 1971 le genre policier avec le parti-pris obsessionnel d'y prôner un réalisme documenté. C'est à dire transfigurer avec une précision chirurgicale une filature de longue haleine qu'entreprennent ardemment Popeye et Cloudy avant de se laisser entraîner vers les traques homériques instaurées en plein centre urbain. A cet égard, la séquence de poursuite automobile que Popeye doit arpenter afin d'alpaguer un dangereux criminel est d'une intensité toujours inégalée pour la vigueur dont Friedkin fait preuve face à un itinéraire routier semé d'embûches. Par le biais d'un découpage à couper au rasoir et ce sentiment permanent d'improvisation régi autour d'une population figurante, le cinéaste chronomètre le caractère inédit d'une poursuite infernale sachant que dans sa détermination primitive, Popeye s'efforce de suivre en véhicule le cheminement ferroviaire d'un train pris en otage. Bien avant cette séquence anthologique filmée à l'arraché, Friedkin prit soin de nous captiver parmi l'autorité draconienne de deux détectives chargés de prendre en filature jours et nuits les plus grands leaders du trafic de drogue. Grâce à cette réalisation alerte aussi maîtrisée que novatrice exploitant New-York comme un dédale tentaculaire, Friedkin parvient à rendre passionnante une traque policière de grande ampleur, entre deux descentes musclées au sein de bars malfamés et de règlements de compte sanglants entre mafia et force de l'ordre. A ce titre, ses éclairs de violence souvent spectaculaires font également preuve d'un réalisme couillu pour l'époque, à l'instar d'un tragique accident de voiture pris sur le vif sur l'aile d'une autoroute.

Nanti d'un suspense hypnotique et d'une intensité haletante sous l'impulsion névralgique de deux acteurs au sommet de leur carrière, French Connection inscrit sur pellicule l'un des faits divers les plus notoires d'une guerre (inlassable) contre la drogue avec un réalisme toujours aussi cinglant !  

Bruno 

4èx

Récompenses: Oscars du Meilleur Film, Meilleur Réalisateur, Meilleur Acteur, Meilleur Scénario adapté, Meilleur Montage en 1972