DON'T BREATHE

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site nerdly.co.uk

de Fede Alvarez. 2016. U.S.A. 1h28. Avec Stephen Lang, Jane Levy, Dylan Minnette, Daniel Zovatto, Franciska Töröcsik

Sortie salles France: 5 Octobre 2016. U.S: 26 Août 2016

FILMOGRAPHIE: Fede Alvarez est un réalisateur uruguayen, né le 9 Février 1978 à Montevideo.
2009: Ataque de Panico (court-métrage). 2013: Evil-Dead. 2016: Don't Breathe.

Avec son second long-métrage, Fede Alvarez confirme tout le bien que l'on pensait de lui après nous avoir déjà ébranlé avec son excellent remake Evil-dead ! Car à partir d'un pitch élémentaire (de jeunes cambrioleurs s'introduisent par effraction chez un particulier), Don't Breathe joue la carte du suspense oppressant en renversant subitement les rôles ! De par le brio de sa mise en scène exploitant à merveille l'unité de lieu du foyer domestique réduit en chausse-trappe (et en champ de bataille !) et la performance viscérale d'acteurs spontanés dans leur fonction victimisée depuis la menace d'un ange de la mort aussi finaud qu'inébranlable. Là où l'intrigue frappe juste et imprime un cachet d'originalité, c'est dans la caractérisation de cet ancien vétéran d'Irak (Stephen Lang, impressionnant de charisme démoniaque avec sa voix gutturale !) aujourd'hui atteint de cécité et profondément traumatisé par la mort accidentelle de sa fille. Ce dernier se taillant une carrure d'exterminateur vindicatif avec une sagacité et une vélocité terrifiantes !

Car en confondant les rôles de victimes/bourreau incessamment ballottées entre eux, Fede Alvarez conçoit une sorte de train fantôme sardonique si bien que les nombreux rebondissements qui empiètent le cheminement de survie de nos anti-héros nous scotchent à notre siège de la première à la dernière minute ! Tendu en diable, notamment sous le pilier d'un climat nocturne feutré et le mutisme des situations d'extrême d'urgence (les victimes contraintes d'endiguer leur respiration depuis la présence tangible de l'aveugle), Don't Breathe renoue avec un cinéma brut de décoffrage sous le prisme du thriller adulte d'une rare cruauté ! C'est également à mon sens l'une des grandes qualités du métrage que de n'invoquer aucune concession aux victimes pourchassées et molestées depuis leur intrusion illégale chez un particulier terriblement rancunier ! Avec son ambiance d'angoisse palpable, Don't Breathe halète notre stress avec l'intelligence de relancer l'action dans des directions jamais prévisibles si bien que nous nous acheminons de surprises en surprises jusqu'au générique de fin ! (à une ou deux facilités près Spoiler ! pour le sort perfide d'une des victimes et la facture increvable du tortionnaire fin du Spoiler).

Sous couvert de divertissement commercial déjà couronné de succès (140 millions de dollars de recettes dans le monde contre un budget de 9 900 000 $ alors qu'il débute son exploitation en salles !), Fede Alvarez manipule le genre au 1er degré afin de transfigurer un thriller acerbe sous l'impulsion d'un suspense à couper au rasoir ! Sans faire preuve de racolage et grâce à ces situations censées alternant bravoures stoïques des victimes et de leur bourreau, Don't Breathe nous plaque au siège avec le réalisme d'une vigueur dramatique en chute libre. Une excellente surprise.

RAMBO 3

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Peter MacDonald. 1988. U.S.A. 1h41. Avec Sylvester Stallone, Richard Crenna, Marc de Jonge, Kurtwood Smith, Spýros Fokás, Sasson Gabai

Sortie salles France: 26 Octobre 1988. U.S: 25 Mai 1988

FILMOGRAPHIE: Peter MacDonald est un réalisateur, producteur de cinéma, cadreur et directeur de la photographie britannique, né à Londres. 1988: Rambo 3. 1992 : Mo' Money.
1994: L'Histoire sans fin 3: Retour à Fantasia. 1997: Supply & Demand. 1998: Légionnaire. 2000: The Extreme Adventures of Super Dave (Vidéo). 2001: L'Empire du roi-singe

Trois ans après la séquelle pétaradante Rambo 2, la mission, c'est au novice Peter MacDonad qu'incombe la tâche de prendre la relève avec un 3è opus aussi fun et encore plus débridé que son prédécesseur. Rambo 3 misant autant sur l'action improbable d'une violence belliqueuse lorsque notre (super-)héros se charge de délivrer le colonel Trautman des griffes des soviets depuis l'échec d'une mission en Afghanistan. Pourvu d'un budget encore plus élevé que son homologue (62 000 000 $ contre 44 000 000 $), Rambo 3 joue plein pot la carte du divertissement décomplexé dans son lot de bravoures explosives quasi ininterrompues si bien que John Rambo est contraint de tenter une seconde fois de libérer son acolyte Trautman afin de décupler les prises de risques inconsidérées. Fort d'une distribution cabotine n'hésitant pas à caricaturer leur fonction héroïque ou torve (Stallone compris puisque jouant les super-héros avec une aimable mine de chien battu !), Rambo 3 imprime une ambiance surréaliste afin de dynamiter le genre guerrier pour peu que l'on sache apprivoiser le spectacle au second degré.

Si l'aventure belliciste traversée de séquences homériques (la fameuse charge des moudjahidines en plein désert nous remémore le souffle épique de Lauwrence d'Arabie !) s'avère aussi creuse dans sa narration éculée (sorte de contrefaçon de Rambo 2, la Mission, les otages américains étant ici substitués par un unique prisonnier, le colonel Trautman), Rambo 3 détonne par sa générosité insolente et l'énergie de sa mise en scène (montage retors à l'appui). Rondement mené donc et adoptant un esprit bande-dessinée assumé comme le souligne la verve de ses dialogues pittoresques ainsi que la décontraction davantage prononcée de notre duo d'héros engagés au front, Rambo 3 parvient à nous impliquer dans l'action improbable avec un savoir-faire qu'on ne retrouve plus chez les Blockbuster numérisés. C'est simple, à partir du moment où John Rambo intervient en filature dans le camp soviet afin de libérer Trautman durant la nuit, les séquences d'actions s'enchaînent sans répit tout en se renouvelant par le biais de stratégies à risques que Rambo entreprend à pied, en hélicoptère ou encore à bord d'un tank. Les paysages d'Asie centrale superbement filmés assurant notamment le dépaysement si bien que le réalisateur diversifie ses décors désertiques et rocailleux au fil de stratégies d'attaques que Rambo planifie avec un héroïsme surhumain.

Inévitablement naïf pour l'échange des confrontations musclées que se disputent nos héros indestructibles et narrativement rachitique par son impression de déjà vu, Rambo 3 parvient pourtant fougueusement à divertir dans sa pyrotechnie ostentatoire où le surréalisme se mêle au délire le plus fun comme le souligne son point d'orgue anthologique ! Dominé par un Stallone cabotin mais oh combien attachant dans sa fonction iconique de super-héros, ce (second) plaisir coupable est à réhabiliter si bien qu'il semble encore plus pétulant qu'à l'époque de sa sortie !  

B-M

de Ted Kotcheff. 1982. U.S.A. 1h33. Avec Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy, Bill McKinney, Jack Starrett, Michael Talbott, Chris Mulkey, John Mc Liam, Alf Humhreys, David Caruso.

Sortie en salles en France le 2 Mars 1983, U.S.A: 31 Octobre 1982.

FILMOGRAPHIE: Ted Kotcheff est un réalisateur, producteur, acteur et scénariste canadien d'origine bulgare, né le 7 avril 1931 à Toronto (Canada).
1974: l'Apprentissage de Duddy Kravitz, 1978: La Grande Cuisine, 1982: Rambo, 1983: Retour vers l'Enfer, 1988: Scoop, 1989: Winter People, Week-end at Bernie's, 1992: Folks !

                                          

Réalisateur touche à tout, Ted Kotcheff explose le box-office en 1982 avec un film d'action révolutionnaire mettant en scène un vétéran du Vietnam de retour dans son pays mais rejeté par sa société. Le phénomène Rambo est né et son personnage iconique interprété par un Stallone en pleine ascension (la même année sort Rocky 3 !) va influencer un nombre incalculable d'ersatz à travers le monde. Retour sur un modèle du film d'action aussi jouissif et trépidant que sa première sortie officialisée 30 ans au préalable, le 31 Octobre 1982 ! John Rambo est un ancien béret vert de retour dans son pays après avoir combattu la guerre du Vietnam. Sur le sol américain, l'homme gratifié d'une médaille d'honneur est pris à parti avec un flic irascible et raciste. La tension entre les deux hommes va rapidement s'envenimer à tel point que le shérif décide de l'appréhender pour vagabondage et port illégal d'arme blanche. Au commissariat, après avoir été battu et maltraité, John Rambo parvient à s'échapper de ses assaillants pour prendre la fuite à moto en direction de la forêt montagneuse. Une chasse à l'homme est sommairement engagée !

                               

Quand on revoit 30 ans plus tard pour la énième fois cet illustre film d'action, on se rend compte à quel point ses mécaniques de suspense, de tension et d'action échevelée étaient coordonnées à leur paroxysme. Parce que Rambo constitue un concentré d'émotions fortes, de par son rythme vigoureux d'une efficacité optimale. En y combinant l'aventure, le film de guerre, le survival, l'action et l'analyse sociale, Ted Kotcheff a trouvé la formule magique pour créer un nouvel archétype du divertissement moderne. En optant comme argument la difficile réinsertion des soldats du Vietnam de retour dans leur pays, le réalisateur livre une impitoyable chasse à l'homme, faute d'une Amérique hostile envers l'étranger, car réfutant les marginaux d'apparence interlope. Après un prologue jubilatoire pour les rapports conflictuels entamés entre un flic orgueilleux et notre briscard arrêté pour vagabondage, la première partie nous converge de plein fouet au sein d'un haletant survival. Une traque improbable auquel un fugitif devra user de subterfuge et traquenards belliqueux pour sauver sa peau contre une armée de 200 soldats lancés à ses trousses. La mise en scène impeccablement maîtrisée rivalise d'adresse et d'efficacité en terme de courses poursuites incessante à travers bois d'une forêt montagneuse, transcendant ainsi la sauvagerie de ses paysages dantesques lors d'un saut dans le vide anthologique ! John Rambo, sévèrement rebelle contre l'hypocrisie condescendante des flicards, renoue avec son instinct guerrier pour reproduire la même situation de guérilla dans son pays dit civilisé. Pièges artisanaux, cachettes et camouflages de guerre sont savamment façonnés par un soldat à nouveau en guerre contre sa propre patrie.

                                    

Ce fantasme viril de l'homme inéquitablement traqué contre une armée réussit ici le prodige de contourner ses invraisemblances parmi l'agencement de situations censées et la conviction de la prestance humainement fouillée de Sylvester Stallone. En outre, les séquences d'action rondement menées et techniquement bien orchestrées éludent habilement l'outrance dans lequel elles auraient pu facilement se vautrer. A contrario, les péripéties endiablées et cascades impondérables vont louablement servir le cheminement de l'histoire avant que ne culmine un règlement de compte pyrotechnique au sein d'une urbanisation réduite à feu et à sang. Pour le coup, la chasse à l'homme inverse les rôles lorsque notre héros échappé d'une mine désaffectée décide de mener une véritable guérilla urbaine au coeur de sa paisible bourgade. Ce baroud d'honneur survitaminé déploie généreusement des séquences explosives toujours aussi spectaculaires et intenses avant de nous émouvoir lors d'un épilogue particulièrement poignant si bien que Stallone extériorise tout son potentiel dramatique. Un moment intime assez bouleversant démontrant en un laps de temps les stigmates de l'horreur inhumaine de la guerre, du traumatisme et des séquelles irréversibles assénés aux soldats du front. En pourfendeur contre l'autorité intolérante de son pays (les flicards sont constamment ridiculisés dans leur machisme primaire et arrogance déloyale), Ted Kotcheff recourt à la sobriété pour débattre son réquisitoire contre l'abus de pouvoir, l'injustice et la haine de l'autre.

                                   

Phénomènes à part entière dans le domaine du cinéma d'action contemporain, Rambo, le film, et Stallone, l'acteur, auront définitivement marqué la décennie 80 en renouvelant l'actionner sous couvert d'étude sociale. Ultra efficace et spectaculaire, haletant en diable, intense et poignant , Rambo confine au chef-d'oeuvre sans jamais perdre de vue l'humanité déchue de son personnage emblème. Un héros chevronné moralement blessé par l'irrévérence de sa terre d'accueil n'ayant aucune révérence pour la bravoure de ces anciens combattants. 

B-M

de George Pan Cosmatos. 1985. U.S.A. 1h36. Avec Sylvester Stallone, Richard Crenna, Charles Napier, Steven Berkoff, Julia Nickson-Soul, Martin Kove, George Cheung, Andy Wood, William Ghent, Voyo Goric.

Sortie en salles en France le 16 Octobre 1985. U.S: 24 Mai 1985

FILMOGRAPHIE: George Pan Cosmatos était un réalisateur et scénariste grec né le 4 janvier 1941 à Florence (Toscane, Italie), mort le 19 Avril 2005 à Victoria (Colombie-Britannique, Canada) d'un cancer du poumon.
1977: Le Pont de Cassandra. 1979: Bons Baisers d'Athènes. 1983: Terreur à Domicile. 1985: Rambo 2, la Mission. 1986: Cobra. 1989: Leviathan. 1993: Tombstone. 1997: Haute Trahison

En 1982, Ted Kotcheff avait su renouveler le cinéma d'action avec Rambo, charge sociale illustrant avec beaucoup d'efficacité la difficile réinsertion des vétérans du Vietnam de retour au pays américain. En prime, la notoriété de l'acteur Sylvester Stallone déjà célébrée avec les 3 premiers Rocky va définitivement asseoir le personnage sur le trône de star mondiale. George Pan Cosmatos, habile artisan de la série B, prend cette fois-ci les reines de cette nouvelle mission axée sur l'action belliqueuse au sein d'une jungle vietnamienne ! Retenu en prison pour cinq ans de travaux forcés, John Rambo est rappelé par le colonel Trautman pour obtenir une éventuelle rémission judiciaire. Pour cela et en guise de preuve, il aura pour mission de prendre des clichés de prisonniers de guerre américains retenus en pleine jungle vietnamienne. Rambo décide contre l'autorité de son supérieur de ramener en vie un otage américain. Dépité, Murdock ordonne d'abroger la mission pour laisser notre héros seul contre les les viêt-công et les alliés russes. 
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Ted Kotcheff avait su nous divertir et émouvoir avec Rambo, modèle du film d'action contemporain exacerbé par le profil aigri d'un ancien vétéran du Vietnam débouté par sa propre patrie. En 1985, fort du succès mondial entrepris avec ce classique du survival musclé, George Pan Cosmatos et ses complices, James Cameron et Sylvester Stallone (attitrés au poste de scénaristes), entreprennent une suite entièrement conçue sur la surenchère guerrière. A titre anecdotique, c'est James Cameron qui écrivit d'abord une première version du scénario à résonance politique avant que Stallone ne le remanie en privilégiant l'action homérique. Le script originel avait d'ailleurs prévu que Trautman et Rambo se retrouvent en interne d'un hôpital psychiatrique et non dans une prison fédéral comme on peut le voir en préambule de l'oeuvre. Cette fois-ci, notre réalisateur déjà responsable d'un excellent film catastrophe (Le Pont de Cassandra) et d'une série B horrifique roublarde (Terreur à Domicile était un modèle d'efficacité) concentre la totalité de son intrigue dans un florilège de bravoures ultra spectaculaires perpétrées par notre (super) héros seul contre tous ! Tout ce qui avait fait jubiler les amateurs d'action débridée dans le dernier quart d'heure de Rambo (un condensé de destruction massive au coeur d'une bourgade ricaine) se retrouve ici condensé en 1h36 de péripéties haletantes et explosions héritées de l'univers de la BD.

D'une intrigue linéaire éludée de surprise (hormis le coup de trafalgard opté par Murdock contre Rambo), George Pan Cosmatos en tire donc un pur film d'action ludique et décérébré. Et cela même s'il fustige une nouvelle fois en toile de fond social son gouvernement américain fraudant des preuves sur l'existence de survivants américains, retenus en otage en pays hostile depuis leur détention au cours des seventies. S'ensuit à un rythme effréné une succession d'évènements trépidants auquel nos antagonistes déployés en masse vont tenter par tous les moyens de capturer Rambo, seul contre tous. Courses-poursuites à pied ou en hélico, mitraillages frénétiques ou coups de flèches destructeurs à embout explosif, torture à l'ancienne sous haut voltage et épuration de villages incendiés à grands coups de roquettes ! Cette fois-ci, notre héros indestructible réduit en machine à tuer est confiné en terrain connu pour s'engager à déclarer une guerre impitoyable contre les preneurs d'otages, tout en réclamant vengeance auprès de son gouvernement, faute d'un leader bureaucrate vénal. A ce titre, le règlement de compte opposant Murdock et Rambo dans le local bureautique s'avère un moment de bravoure orgasmique, de par l'intensité des coups de mitraillettes généreusement déchargées sur les archives administratives !

Handicapé par un scénario improbable multipliant à outrance les affrontements et prises de risques saugrenues, Rambo 2 la mission s'édifie en série B bourrine à l'efficacité certaine. Rondement mené sous le score épique de Jerry Goldsmith et dominé par l'icone virile d'un Stallone plus pugnace que jamais, le divertissement belliciste réussit par miracle à transcender ses lacunes dans une décontraction décérébrée.

B-M
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Note: le film restera dans l'histoire du box-office français, ayant été le premier film à passer la barre des 500 000 entrées en 1ère semaine d'exploitation (avec 510 096 entrée pour la capitale de Paris)

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site pixshark.com

de Sylvester Stallone. 2008. Allemagne/U.S.A. 1h31. Avec Sylvester Stallone, Julie Benz, Paul Schulze, Graham McTavish, Matthew Marsden, Reynaldo Gallegos.

Sortie salles France: 6 Février 2008. U.S: 25 Janvier 2008

FILMOGRAPHIE: Sylvester Stallone est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 6 Juillet 1946 à New-York.
1978: La Taverne de l'Enfer. 1979: Rocky 2, la Revanche. 1982: Rocky 3, l'Oeil du Tigre. 1983: Staying Alive. 1985: Rocky 4. 2006: Rocky Balboa. 2008: John Rambo. 2010: Expendables: Unité Spéciale.

Après avoir brillamment clôturé la saga Rocky avec Rocky Balboa, Sylvester Stallone, acteur et cinéaste, décide d'en faire de même pour la trilogie Rambo, 20 ans après le semi-échec du 3è épisode. Renouant un peu avec l'état d'esprit du premier film pour la dimension humaniste du vétéran replié sur lui même (on le retrouve reclus en Thailande entrain de chasser les cobras pour les vendre à un dresseur), John Rambo s'engage tout de même à renouer avec la voie du spectacle homérique à grand renfort d'ultra-violence jusqu'au-boutiste. C'est bien simple, jamais un film de guerre n'était allé aussi loin dans la barbarie pour dénoncer les horreurs du pays le plus totalitaire au monde (la Birmanie reste en guerre depuis plus de 60 ans en dépit de l'indifférence des médias !) et pour nous divertir de scènes d'action décoiffantes à l'efficacité optimale. Un peu comme si Rambo 2, la mission s'était incidemment retrouvé la tête plongée dans une bassine de vitriol ! Exit donc la caricature d'une bande dessinée décérébrée apte à divertir son public de 7 à 77 ans, Stallone misant sur l'ultra réalisme d'un contexte de guerre animé par l'emprise de la folie et de la haine.

A l'instar des exactions crapuleuses (et parfois diaboliquement inventives) quotidiennement perpétrées par les soldats birmans sur une population précaire d'où aucun enfant n'est épargné (Stallone refusant même le hors-champs dans ses séquences les plus innommables !). Outre le caractère poignant des états d'âme torturés de Rambo à nouveau compromis par son sens du devoir à rempiler une mission à haut risque (sauver la vie d'un groupe de missionnaires religieux pris en otage dans un village), John Rambo assume le spectacle épique d'un film de guerre habité par la frénésie de la violence. Qu'elle soit purement gratuite du point de vue des soldats Birmans ou justifiée du côté des mercenaires héroïques notamment impliqués dans une cause de survie. Dans ce maelstrom d'images apocalyptiques d'où s'extrait une sauvagerie à l'instinct primitif (Rambo arrachant de ses mains la gorge d'un geôlier !), l'intrigue conjugue mission d'infiltration, stratégies d'attaques et de défense et survival de dernier ressort avec une vigueur imperturbable ! Son pouvoir de fascination, son réalisme immersif et son sens jouissif de l'action explosive étant notamment véhiculés par l'autorité iconique de notre baroudeur une fois de plus contraint de reprendre les armes pour se donner une raison d'exister (celle de sauver la vie de son équipe et des missionnaires, en particulier un couple religieux). Et par cette occasion quasi suicidaire retrouver son blason de héros face à la considération des survivants puis peut-être renouer avec sa paix intérieure.

Un spectacle monstrueux, à feu et à sang.
Pur divertissement d'action belliqueuse où les bravoures anthologiques se succèdent à une cadence effrénée, John Rambo réussit néanmoins à justifier sa barbarie graphique (corps déchiquetés, broyés, explosés, décapités, éventrés !) pour dénoncer le contexte historique de la dictature Birmane (le film reste chez eux officiellement interdit en salles et en video au risque d'encourir 10 ans de prison ou la perpétuité pour ceux qui en braveraient le règlement). Rehaussé du score intense de Brian Tyler et de la célèbre reprise de Jerry Goldmisth, Sylvester Stallone en profite pour redorer la stature écorchée de sa machine à tuer, à l'instar de son épilogue bouleversant auquel Rambo renoue avec la civilisation de sa patrie.

B-M

Une Fille pour le Diable / To the devil a Daughter

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorpedia.com

de Peter Sykes. 1976. Angleterre/RFA. 1h31. Avec Richard Widmark, Christopher Lee, Honor Blackman, Denholm Elliott, Michael Goodliffe, Nastassja Kinski.

Sortie salles France: 30 Mars 1977. Angleterre: 4 Mars 1976

FILMOGRAPHIE: Peter Sykes est un réalisateur et scénariste australien né le 17 juin 1939 à Melbourne (Australie) et mort le 1er mars 2006. 1968 : The Committee. 1971 : Venom. 1972 : Les Démons de l'esprit. 1973 : The House in Nightmare Park. 1973 : Steptoe and Son Ride Again. 1976 : Une fille... pour le diable. 1979 : Jesus.

Avant-dernière production de la Hammer pour leur 1er cycle, Une Fille pour le Diable porte la signature de Peter Sykes, déjà auteur de l'excellent les Démons de l'esprit pour le compte de la firme. Tiré d'un roman de Dennis Wheatley, l'intrigue surfe sur la vague des films d'horreur satanistes initiés par Rosemary's Baby et L'Exorciste alors que la Malédiction prendra le relais quelques mois plus tard après la sortie d'Une fille pour le diable. Le Pitch: Un écrivain, spécialiste des sciences occultes, se porte garant pour protéger la fille d'un ami, une jeune religieuse tributaire des agissements maléfiques d'un prêtre excommunié. Un combat rigoureux contre les forces du Mal s'engage entre les deux hommes. En dépit d'une réputation timorée et de conditions de tournages houleuses entre la prod et certains acteurs,  Une Fille pour le Diable surprend beaucoup dans l'ossature de son climat malsain irrésistiblement ombrageux.

Bien que son cheminement narratif s'avère parfois un peu décousu pour les enjeux diaboliques compromis avec le Lord "Astaroth", la réalisation scrupuleuse de Peter Sykes détonne par son réalisme documenté en insistant notamment sur les pouvoirs machiavéliques que la confrérie parvient à animer à distance. Outre le soin consciencieux de son atmosphère méphitique, sa distribution de prestige doit autant à la véracité des évènements énoncés que le cinéaste s'efforce d'acheminer avec force et détails inquiétants (grimoire, médaillon, signes et symboles rituels). Tant par la présence du grand Richard Widmark dans une posture héroïque contrariée, du dandy Christopher Lee, impressionnant de charisme délétère sous l'intensité d'un regard vicié, que de la compagnie candide de Nastassia Kinski, étrange de sensualité en victime déflorée. D'autres seconds-rôles sont méritoires dans leur fonction de faire-valoir (Honor Blackman, Denholm Elliott, Michael Goodliffe), communément malmenés par l'emprise invisible du Mal. Enfin, on peut aussi souligner l'audace de la Hammer d'avoir osé tolérer des séquences chocs franchement licencieuses (l'accouchement sordide pour le projet du premier baptême, la transfusion sanguine d'une élue, la vision ensanglantée d'un bébé monstrueux que Catherine s'efforce de pénétrer à l'intérieur de son vagin et le sacrifice d'un nourrisson perpétré lors du rituel final).

Un "Hammer" indécent que les bien-pensants ont tendance d'occulter pour son réalisme fétide.

Série B perfectible dans sa narration biscornue un brin prévisible, Une Fille pour le Diable extériorise pourtant un sentiment persistant de malaise environnemental de par son réalisme clinique et l'aura de souffre suintant du moindre cadre de l'écran (tant pour les décors domestiques et gothiques que des extérieurs naturels subordonnés au cérémonial occulte). Fascinant, inquiétant, incongru et dérangeant, il doit beaucoup de sa vigueur dramatique dans la coordination de séquences-chocs sulfureuses et l'autorité renfrognée d'une distribution quatre étoiles.

2èx

BEFORE I WAKE

                                                                                                 

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site bom-boxoffice.over-blog.com

"Somnia" de Mike Flanagan. 2016. U.S.A. 1h37. Avec Kate Bosworth, Thomas Jane, Jacob Tremblay, Topher Bousquet, Annabeth Gish, Dash Miho.

Sortie salles France: Prochainement...

FILMOGRAPHIE: Mike Flanagan est un réalisateur américain né le 20 Mai 1978 à Salem, Massachusetts. 2016: Before I Wake. 2016: Hush. 2013: The Mirror. 2011: Absentia. 2003: Ghosts of Hamilton Street. 2001: I Still Life. 2000: Makebelieve.

Série B horrifico-fantastique toute en intimisme, Before I Wake renoue avec un cinéma mature pour honorer le genre sans céder à une facilité racoleuse dans son savant dosage de frissons et vives émotions. Dans la lignée des chefs-d'oeuvre d'un Fantastique épuré comme le caractérisent Le Cercle Infernal, l'Enfant du Diable ou encore Ne vous Retournez pas, Before i wake aborde lestement la thématique du deuil infantile sous le pivot d'un duo de comédiens dépouillés dans leur carrure parentale meurtrie. A la suite de la mort accidentelle de leur fils, le couple Hobson décide d'adopter un garçon orphelin du nom de Cody. Souffrant d'insomnie, ce dernier est terrorisé à l'idée de s'endormir depuis que ces rêves prennent vie dans la réalité. Affublé d'un don exceptionnel, Cody va bouleverser le destin de ses nouveaux parents après avoir matérialisé le fantôme de leur défunt rejeton. 

Dans son art de narrer un conte délétère sous l'impulsion énigmatique d'une autorité infantile, Mike Flanagan prend soin de développer ses protagonistes en étudiant les rapports conflictuels du couple fragile à tolérer la perte de l'être aimé. Face à leur témoignage, un enfant tributaire d'un passé traumatique doit également surmonter une double épreuve (sa hantise des cauchemars nocturnes et son deuil familial) si bien que le réalisateur oppose leurs points communs de l'angoisse et du chagrin inéquitable avec une étonnante pudeur. L'émotion jamais programmée nous saisissant en intermittence (la bouleversante projection du film en camescope !) parmi la juste mesure d'une maturité parentale ne s'apitoyant jamais sur leur sort. Jouant la carte du suspense anxiogène en la présence spectrale d'une créature famélique et d'énigmes en suspension, ce dernier nous traduit des séquences frissonnantes plutôt convaincantes dans son désir d'enchérir une terreur sournoise voguant vers la rancoeur. Baignant dans un climat d'angoisse palpable cédant parfois à un onirisme (inopinément) enchanteur (la présence incandescente des papillons nocturnes !), Before i wake condense avec une rare alchimie horreur et féerie afin de culminer vers une métaphore rédemptrice (l'amour spirituel et maternel). A ce titre, le final révélateur s'avère divinement bouleversant lorsque le cinéaste lève le voile sur le don singulier de Cody par l'entremise d'une main maternelle.

Sous le format minimaliste de la série B et parmi le parti-pris de crédibiliser son histoire surnaturelle sans pathos ni sinistrose, Mike Flanagan parvient à transfigurer un douloureux conte de fée dans son désir de conjurer les démons qui habitent les corps des personnages. Remarquablement interprété (le jeune Jacob Tremblay - révélation de Room - s'avère aussi modéré dans sa culpabilité candide !), Before i wake recourt au fantastique psychologique sous l'impulsion d'une caractérisation humaine en questionnement mystique. Une jolie réussite rehaussée d'un point d'orgue transcendant dans son acuité lyrique !

Dédicace à George Abitbol et Jean-Marc Micciche
B-M

PHANTASM: RAVAGER

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site scifi-movies.com

de David Hartman. 2016. U.S.A. 1h27. Avec Angus Scrimm, A. Michael Baldwin, Bill Thornbury,
Reggie Bannister, Kathy Lester, Gloria Lynne Henry. Scénario et Production: Don Coscarelli.

Sortie salles US: 7 Octobre 2016

FILMOGRAPHIE: David Hartman est un réalisateur américain.
2016: Phantasm: Ravager

18 ans après Phantasm 4: Oblivion, Don Coscarelli cède sa place à un spécialiste de séries TV, David Hartman (si bien qu'il s'agit ici de son premier long-métrage) afin de parachever son illustre saga. Scénarisé et produit par le maître en personne, Phantasm: ravager relance l'intérêt des enjeux belliqueux entre Reggie et Tall Man sous le pivot d'une narration (classiquement) fourre-tout et décousue. Ayant préalablement combattu en plein désert l'homme en noir, Reggie se retrouve à nouveau confronté à lui après avoir été hébergé au domicile d'une jeune automobiliste. Ayant perdu tous repères avec la réalité, il semble acquérir le don d'ubiquité au moment même où Mike vient lui rendre visite dans un hospice pour l'avertir de sa démence. Hanté par le spectre du Tall Man, Reggie s'efforce de le convaincre que ses fantasmes ne sont pas le fruit de son imagination délurée. A travers ce pitch délibérément tortueux, nous sommes en terrain connu depuis la ligne de conduite des précédents opus s'évertuant à nous entraîner dans un univers fantasmagorique en perte de repères (illusion et réalité se télescopant jusqu'à saturation).

Inscrit dans la sincérité et le respect des codes de la saga, Phantasm: Ravager constitue une pochette surprise assez dégingandée car alternant défauts formels (FX numériques souvent désuets, réalisation digne d'un télé-film, photo stérile) et qualités narratives (situations saugrenues truffées de péripéties inventives d'où perce en intermittence une émotion poignante lors de retrouvailles familiales). A mi-chemin entre la série B et Z (n'ayons pas peur du terme péjoratif !), Phantasm: Ravager tire parti de son attrait gogo grâce à la générosité du cinéaste s'efforçant de satisfaire l'attente des fans par le biais des composantes du gore et de l'action se disputant la mise sans répit. Outre le caractère ludique des rebondissements débridés menés avec esprit bonnard, les personnages familiers qui y évoluent s'avèrent toujours aussi attachants dans leur cohésion fraternelle mais aussi empathiques pour leur âge buriné (18 ans séparent le 4è opus de ce dernier chapitre !). Sur ce dernier point, et en abordant les thèmes de la peur de l'inconnu et l'injustice de la mort sous couvert de loyauté amicale, Phantasm: Ravager transfigure le conte métaphysique (la vie n'est qu'un long rêve dont la mort nous réveille !) avec une émotion franchement poignante. A l'instar des retrouvailles chaleureuses de nos héros lors du prologue ou encore lors des adieux émouvants (j'en ai d'ailleurs versé une larme !) instaurés vers sa conclusion. Truffé de clins d'oeil au 1er volet, les spectateurs seront notamment heureux de retrouver des antagonistes secondaires dont je tairais l'indice alors que des décors (et éléments) familiers ne manquent pas non plus de titiller notre nostalgie. Quant au regretté Angus Scrimm, le monstre sacré insuffle toujours autant d'aplomb et de vigueur dans son charisme délétère avec une persuasion indéfectible !

Des retrouvailles émouvantes pour un cadeau d'adieu fantasmatique.
En brossant avec imagination et maladresse une parabole sur l'illusion existentielle (la vie n'est qu'un rêve dans un rêve !), David Hartman en extirpe par le biais du fantasme une catharsis sur l'acceptation de notre mort. Cheap en diable et inabouti (comme chacun des précédents opus !) mais suscitant un charme tangible par son esprit Bisseux, Phantasm: Ravager tire parti de sa frénésie fantaisiste dans son esprit modeste de B movie intègre. Pour conclure, ce dernier chapitre ne comblera pas toutes les attentes des fans mais il parvient néanmoins à laisser en mémoire une émotion mélancolique pour sa cantique conférée à la chimère et à l'amour de la fratrie.  

La Chronique de Phantasm: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/05/phantasm.html
B-M

DESIERTO. Prix FIPRESCI, Toronto 2015.

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jonás Cuarón. 2015. Mexique. 1h32. Avec Gael García Bernal, Jeffrey Dean Morgan, Alondra Hidalgo, Diego Cataño, Marco Pérez,

Sortie salles France: 13 Avril 2016. Interdit - de 12 ans. Mexique: 15 Avril 2016.

FILMOGRAPHIE: Jonás Cuarón est un réalisateur et scénariste mexicain né en 1981 à Mexico. Il est le fils d'Alfonso Cuarón.
2007: Año uña. 2007: The Shock Doctrine (documentaire). 2013: Aningaaq (court métrage). 2015:
Desierto.

Survival cauchemardesque d'un réalisme percutant, Desierto est la seconde réalisation du mexicain Jonas Cuaron, fils du célèbre cinéaste Alfonso Cuaron (Les Fils de l'homme, Gravity). A partir d'un pitch linéaire (des migrants mexicains voulant rejoindre les Etats-Unis par le désert californien sont subitement coursés par un prédateur raciste), Jonas Cuaron exploite habilement son potentiel alarmiste sous l'impulsion d'une chasse à l'homme escarpée ! Optant comme unité de lieu la vaste scénographie d'un désert rocheux émaillé d'éléments hostiles (les sentiers des cactus, le nid des serpents, les immenses rochers blancs), le cinéaste magnifie son cadre solaire et crépusculaire (photo naturel à l'appui !) que les protagonistes à bout de souffle arpentent avec la peur au ventre !

En relançant efficacement l'action des règlements de compte par de multiples itinéraires que ces derniers improvisent par instinct de survie, Desierto laisse les mains moites à observer de manière aussi impuissante une dérive criminelle d'autant plus intolérable par ses actes xénophobes. D'un réalisme âpre quant au sentiment de déréliction que les survivants éprouvent inlassablement, Desiorto recourt à une violence tranchée lorsqu'un chasseur habité par la haine de l'étranger décide de les exterminer avec une ruse perfide. Et sur ce point, on peut compter sur le charisme impérieux de Jeffrey Dean Morgan (Sans retour, Extrême Préjudice) pour exprimer la posture virile d'un bourreau méprisant de lâcheté et de turpitude. Avec l'appui d'un berger allemand dressé pour tuer, le cinéaste compte notamment sur ce pilier secondaire pour perdurer la tension des poursuites par le biais d'estocades criminelles d'une grande violence ! Sans romancer la notion d'héroïsme, le cinéaste dresse notamment le portrait équivoque d'un migrant mexicain (Gael García Bernal impressionnant de vigueur viscérale dans son regard en émoi !) partagé entre un courage endurant mais aussi une lâcheté contestable (une condition pourtant indispensable à la survie !), Spoiler ! même si au final son instinct de préserver la vie d'autrui le rappellera à l'ordre ! Fin du Spoil.

“La lâcheté, cette condition que personne ne reconnaît ou n'accepte, pourtant indispensable à la survie.”
Pamphlet anti raciste, hymne à l'espoir de la liberté par l'entremise du courage de la survie, Desierto exploite le thème éculé de la chasse à l'homme avec une efficacité en roue libre. Tant par le brio de sa mise en scène ne cédant jamais à une vaine esbroufe que par la prestance humaine des seconds-rôles pleinement investis dans leur fonction de bêtes traquées. Excellent. 

B-M

Le point de vue de Jean-Marc Micciche: 

Séance de rattrapage avec le magnifique survival Desierto. On se souviens déjà l'année dernière de The sea fog, les clandestins, où comment un sujet qui prêtait un traitement dramatique se laissait déborder par l'horreur de son sujet pour embrasser quelques chose de plus viscérale. Par son jusqu'au boutisme, The sea fog transcendait les clichés pour afficher une vrai démarche d'auteur dans le cinéma de genre. Et un an plus tard, à travers un sujet qui malheureusement schlingue le fait divers, Desertio nous montre qu'il n'y a rien de mieux qu'un sujet de B Movies pour nous parler avec horreur de notre époque. Le méchant du film du film incarné comme un ange de la mort (magnifique Jeffrey Dean Morgan) est le prisme révélateur de notre époque. Dans les années 80, on tapait sur le clochard, sur le voyou, sur les russes. Aujourd'hui, la source de haine et de peur est incarné par l'émigré, l'étranger, le clandestin. A travers son postulat aussi simple qu'évident (des clandestins se font charcler comme des merdes par un malade et son clébard), Desertio suit une logique narrative inébranlable. Bien sûr, cerise sur le gâteau, Desertio renvoie par sa simplicité et sa force brute à une pléthorique bande culte, de Duel en passant par Hitcher, Calme Blanc, Blue Steel auquel on peut aussi cité le moins connu Marathon Killer), un sens du cadre et de l'atmosphère (le plan d'ouverture est sublime) qui captive et réjouit, un décor qui incarne à merveille cette descente en enfer. Pas de pose 'festival' (comme Ma loute, The Assassin ou The Neon Demon), juste une ligne brute, qui nous rappelle que le cinéma sera toujours le meilleur sous cette forme. Alors on peut regretter que le score musical ne soit pas plus tranchant (un truc à la Tangerine dream), que le face à face final ne se pas nourrit pas un idée plus marquante. Mais honnêtement pour un premier film, Jonas Curaon frappe juste et fort pour marquer les esprits.

Récompenses: Prix FIPRESCI au Festival international du film de Toronto 2015 : sélection « Special Presentations »

En plein Cauchemar. Corbeau d'Or, Bruxelles 84.

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

"Nightmares" de Joseph Sargent. 1983. U.S.A. 1h39 (version non censurée). Avec Cristina Raines, Emilio Estevez, Moon Unit Zappa, Billy Jayne, James Tolkan, Lance Henriksen, Tony Plana.

Sortie salles France: 13 Juin 1984. U.S: 2 Septembre 1983.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Joseph Sargent (Giuseppe Danielle Sorgente) est un réalisateur, acteur et producteur américain, né le 22 juillet 1925 à Jersey City, New Jersey (États-Unis), mort le 22 décembre 2014 à Malibu (Californie). 1966: L'Espion au chapeau vert. 1970: Le Cerveau d'Acier. 1974: Les Pirates du Métro. 1975: La Nuit qui terrifia l'Amérique (télé-film). 1979: De l'or au bout de la piste. 1983: En plein Cauchemar. 1987: Les Dents de la Mer 4. 2008: Un coeur à l'écoute (télé-film).

Cinéaste prolifique détenteur de 70 films (ciné / TV) à son actif, Joseph Sargent profite du succès de Creepshow réalisé un an au préalable pour façonner un film à sketchs avec En plein Cauchemar. Série B horrifique particulièrement soignée par sa réalisation adroite, sa photo parfois stylisée (l'épisode 3) et la sobriété de seconds-couteaux particulièrement attachants (Emilio Estevez, Lance Henriksen, Richard Masur, Veronica Cartwright), En plein cauchemar aborde différents thèmes du cinéma horrifique et de la science-fiction de manière inégale comme le veut la tradition du film à sketchs. Le 1er segment, le plus court et le plus faible (mais jamais ennuyeux), empreinte la voie du slasher lorsqu'une mère de famille en manque de nicotine décide d'emprunter sa voiture pour se payer un paquet de cigarette au tabac le plus proche. Mais quelques heures au préalable, non loin de sa contrée, un flic fut retrouvé assassiné depuis l'évasion d'un demeuré. Un pitch éculé et prévisible que seuls son prologue particulièrement sauvage (du moins dans la version uncut puisque dans nos salles françaises il fut expurgé de toute violence graphique !) et sa chute sardonique parviennent gentiment à surprendre.

Dénué de longueur, notamment en raison de sa faible durée, Terreur à Topanga parvient quand même à maintenir notre attention grâce à l'efficacité de sa réalisation et à l'atmosphère nocturne instaurée en bourgade urbaine parmi une galerie de citadins interlopes. Il demeure donc finalement plaisant, un tantinet atmosphérique même et quelque peu efficace en faisant preuve d'une certaine indulgence. Le second chapitre, l'Evêque des Batailles, l'un des meilleurs du lot, constitue une satire de l'addiction aux jeux videos par le biais d'un ado névrotique accro à sa passion si bien qu'il est réputé comme le meilleur joueur de sa région. Délibéré à accéder au 13è niveau d'un jeu d'arcades malgré ses tentatives infructueuses, ce dernier décide de pénétrer illégalement dans sa boutique de jeux-videos afin de défier une ultime fois "l'évêque des batailles". Démarquage sarcastique de Tron en mode inversé (ici les entités informatiques s'extraient du jeu pour pénétrer dans notre réalité et brimer le héros), l'intrigue pétulante parvient à captiver sans modération grâce au portrait caustique imparti à l'ado rebelle et à l'enchaînement de péripéties et rebondissements qu'engendrent ses épreuves de force avec la machine ! Pour parachever, on peut également souligner l'efficacité des FX conçus en images de synthèse lorsqu'ils se jumellent à notre réalité !

Le 3è segment, déclinaison de Duel en mode sataniste, s'intéresse à l'étude caractérielle d'un prêtre en reniement catholique depuis la mort accidentelle d'un enfant. Sur le chemin de son départ, il est harcelé par le pick-up d'un conducteur sans visage s'efforçant de le poursuivre dans l'unique but de l'assassiner. En dépit de timides moments spectaculaires de poursuites automobiles, La Bénédiction peine à insuffler une quelconque tension par son rythme poussif et la caractérisation trop rapidement expédiée du personnage en perdition spirituelle. Et ce, en dépit de l'esthétisme envoûtant de sa photo sépia et de la prestance sentencieuse de Lance Henrikson. Le 4è sketch, le plus jouissif et atmosphérique, met en exergue la nuit de cauchemar d'un couple et de leur fille pris à parti avec les agissements sournois d'un rat particulièrement destructeur. Ce dernier n'hésitant pas à saccager les meubles domestiques avec une vélocité cinglante ! Nanti d'un climat d'angoisse palpable sous l'impulsion d'une bande-son dissonante très efficace, La Nuit du Rat insuffle angoisse et suspense avec l'habileté de la suggestion et d'une tension en crescendo. Si les trucages cheaps de sa conclusion prêtent à sourire quant à l'apparition disproportionnée du rat, l'efficience de sa réalisation, l'implication spontanée des comédiens et sa narration soigneusement structurée empruntant au final les codes du "conte" (avec naïveté !) parviennent à transcender l'improbable.

Perfectible et inégal si bien que 2 chapitres sur 4 méritent le détour, mais habilement réalisé, formellement soigné et toujours attachant comme le confirme sa distribution de seconde zone, En plein Cauchemar constitue une série B bonnard que les nostalgiques auront plaisir à recôtoyer. 

B-M. 5èx

S.O.S FANTOMES. Version Longue.

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Ghostbusters" de Paul Feig. 2016. U.S. Version Longue 2h13 (vs 1h56). Avec Kristen Wiig, Melissa McCarthy, Kate McKinnon, Leslie Jones, Chris Hemsworth, Neil Casey

Sortie salles France: 10 Août 2016. U.S: 15 Juillet 2016

FILMOGRAHIE: Paul Feig, né le 17 septembre 1962 à Royal Oak (Michigan (États-Unis), est un acteur, réalisateur, scénariste et producteur américain.
1997 : Life Sold Separately. 2003 : I Am David. 2006 : Enfants non accompagnés. 2011 : Mes meilleures amies. 2013 : Les Flingueuses. 2015 : Spy. 2016 : S.O.S Fantômes. 2017 : Tango et Cash.

Déception, moi qui espérais tant le défendre (puisque vilipendé par la planète entière avant même sa sortie !).

La Gorgone

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site vicsmovieden.com

"The Gorgon" de Terence Fisher. 1964. Angleterre. 1h20. Avec Christopher Lee, Peter Cushing, Richard Pasco, Barbara Shelley, Michael Goodliffe, Patrick Troughton, Jack Watson.

Sortie salles Angleterre: 18 Octobre 1964

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Terence Fisher est un réalisateur britannique né le 23 février 1904 à Londres (Maida Vale), et décédé le 18 juin 1980 dans la même ville. 1957 : Frankenstein s'est échappé, 1958 : Le Cauchemar de Dracula , 1958 : La Revanche de Frankenstein, 1959 : Le Chien des Baskerville , 1959 : L'Homme qui trompait la mort , 1959 : La Malédiction des pharaons, 1960 : Le Serment de Robin des Bois , 1960 : Les Étrangleurs de Bombay, 1960 : Les Maîtresses de Dracula, 1960 : Les Deux Visages de Docteur Jekyll, 1961 : La Nuit du loup-garou, 1962 : Le Fantôme de l'Opéra , 1962 : Sherlock Holmes et le collier de la mort, 1963 : The Horror of It All. 1964 : La Gorgone. 1965 : The Earth Dies Screaming, 1966 : L'Île de la terreur , 1966 : Dracula, prince des ténèbres , 1967 : La Nuit de la grande chaleur , 1967 : Frankenstein créa la femme, 1968 : Les Vierges de Satan, 1969: Le Retour de Frankenstein, 1974: Frankenstein et le monstre de l'enfer.

Après avoir revisité auprès de la Hammer diverses icônes du cinéma d'horreur classique (le loup-garou, le monstre de Frankenstein, Dracula et Dr Jekyll), Terence Fisher aborde la mythologie grecque avec La Gorgone. Peu exploité au cinéma, surtout dans le domaine de l'épouvante, le réalisateur perdure son talent de conteur à travers le portrait fulgurant d'une antagoniste féminine ayant la faculté de pétrifier ses proies à la vue de son simple regard. Avec maîtrise formelle et brio technique, Terence Fisher cultive des séquences d'angoisse et de terreur remarquablement efficaces quant aux apparitions furtives de la Gorgone souvent inscrits dans la suggestion. A l'instar du reflet de son visage aperçu dans l'eau qu'un des protagonistes observe contre son gré !

Le Pitch: A la suite de la mort de son père et de son frère, Paul Heitz se rend au domicile familial afin de tenter de percer le mystère qui entourent leurs décès. Retrouvé pétrifié à son domicile un soir de pleine lune, son paternel est préalablement parvenu à lui écrire une lettre pour l'avertir du danger. Séduit par l'assistante du docteur Namaroff, Paul s'attire la jalousie de ce dernier au point que Carla Hoffman est contrainte de feindre leur relation sentimentale. Avec l'aide du professeur Karl Meister, Paul tente de démasquer l'identité de la gorgone surnommée "la mégère" quand bien même des soupçons se portent sur Carla. Alliant horreur et romance avec l'efficacité d'une intrigue à suspense davantage oppressante, la Gorgone nourrit son intensité dramatique dans la caractérisation contrariée de ces personnages. Paul Heitz (Richard Pasco, épatant de ténacité caractérielle !) se disputant les contradictions avec son acolyte Karl Meister (Christopher Lee dans un ton impérieux !) et l'énigmatique Dr Namaroff (Peter Cushing dans un jeu suspicieux de la réserve !) afin de préserver l'innocence de sa nouvelle maîtresse. Quant à la victime soumise à la malédiction antique, Terence Fisher prend soin de la dépeindre avec fragilité de par ses sentiments d'aigreur de repousser contre son gré l'amour de Paul. Car craignant de manière intuitive d'être à l'origine de ses homicides depuis ses récurrentes amnésies, elle tente en désespoir de cause de protéger son entourage en s'exilant vers une lointaine contrée. Dans ce rôle ambivalent, la sublime Barbara Shelley excelle à se fondre dans la peau d'une victime anxieuse avec une élégance étonnamment rassurante.

Baignant dans un climat onirique ensorcelant par le biais d'une nature crépusculaire à la lisière de la féerie (le jardin d'Eden du pavillon de Heitz), La Gorgone insuffle un suspense horrifique lattent sous l'impulsion d'investigateurs pugnaces s'efforçant de démystifier la plus sournoise des menaces. Si la créature féminine s'avère aussi magnétique que repoussante à chacune de ses terrifiantes apparitions, Terence Fisher aura pris soin d'y transfigurer son apparence machiavélique avec l'appui d'un sens retors du cadrage (tant auprès du plan serré ou large). Un splendide poème gothico-macabre au pouvoir vénéneux de séduction d'où s'y précise une tragédie sentimentale. 

B-M. 3èx

FRANKENSTEIN ET LE MONSTRE DE L'ENFER

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site vostfr.club

"Frankenstein and the Monster from Hell" de Terence Fisher. 1974. Angleterre. 1h34. Avec Peter Cushing, David Prowse, Shane Briant, Madeline Smith, John Stratton, Michael Ward, Elsie Wagstaff

Sortie salles France: Avril 1974. Angleterre: 2 Mai 1974

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Terence Fisher est un réalisateur britannique né le 23 février 1904 à Londres (Maida Vale), et décédé le 18 juin 1980 dans la même ville.
1957 : Frankenstein s'est échappé, 1958 : Le Cauchemar de Dracula , 1958 : La Revanche de Frankenstein, 1959 : Le Chien des Baskerville , 1959 : L'Homme qui trompait la mort , 1959 : La Malédiction des pharaons, 1960 : Le Serment de Robin des Bois , 1960 : Les Étrangleurs de Bombay, 1960 : Les Maîtresses de Dracula, 1960 : Les Deux Visages de Docteur Jekyll, 1961 : La Nuit du loup-garou, 1962 : Le Fantôme de l'Opéra , 1962 : Sherlock Holmes et le collier de la mort, 1963 : The Horror of It All, 1964 : La Gorgone , 1965 : The Earth Dies Screaming, 1966 : L'Île de la terreur , 1966 : Dracula, prince des ténèbres , 1967 : La Nuit de la grande chaleur , 1967 : Frankenstein créa la femme, 1968 : Les Vierges de Satan, 1969: Le Retour de Frankenstein, 1974: Frankenstein et le monstre de l'enfer.

Dernier chapitre de la saga des Frankenstein estampillé Hammer, Frankenstein et le Monstre de l'Enfer constitue le dernier chef-d'oeuvre de la firme sous l'égide du maître du genre, Terence Fisher. A partir d'un pitch que l'on connait par coeur, le réalisateur réussit l'exploit de transcender ses conventions sous l'impulsion d'une mise en scène inspirée et la prestance spontanée des comédiens pleinement investis dans leur fonction démiurge. Ces deux qualités essentielles permettant à l'intrigue de se réinventer avec une puissance visuelle prégnante ! Directeur d'un asile psychiatrique sous une fausse identité, Victor Frankenstein perdure ses exploits de ressusciter un mort avec l'aide d'un médecin marginal récemment inculpé pour sorcellerie. Victor n'ayant plus la faculté d'utiliser ses mains, c'est à Simon qu'incombe donc la tâche de redorer la vie du monstre avec l'appui d'une pensionnaire mutique. Baignant dans une atmosphère malsaine méphitique au sein d'un établissement psychiatrique peuplé d'aliénés et d'employés charlatans, Frankenstein et le monstre de l'Enfer captive incessamment par son sujet mystique auquel deux praticiens se concertent à nouveau afin de concurrencer Dieu !

Inquiétant par son climat d'insécurité aussi anxiogène qu'étouffant, le film imprime une dimension cauchemardesque en la présence renfrognée d'une créature insolite chez la saga car conforme à un homme-singe. Franchement impressionnant par sa musculature corpulente et la noirceur de son vaste regard chargé de haine et de mélancolie, David Prowse se fond dans le corps martyr avec une vigueur aussi terrifiante que poignante. Outre le réalisme imparti à sa caractérisation hybride de cobaye en apprentissage (comme le veut la tradition), les rapports tendus qu'entretiennent Simon et Victor font preuve d'un passionnant jeu d'autorité depuis l'orgueil immoral de ce dernier ne songeant qu'à son ego. Peter Cushing explosant une fois de plus l'écran de sa présence émaciée avec une autorité perfide déloyale. En assistant érudit beaucoup plus indulgent que son mentor, Shane Briant lui partage la vedette avec sobriété dans sa remise en question moraliste. Dans un second-rôle beaucoup plus modeste, Madeline Smith se prête au jeu introverti sous l'apparence timorée d'une servante traumatisée par un passé familial. Terence Fisher prenant soin avec habileté de développer la part sombre de cette dernière en nous dévoilant les motifs de sa pathologie mentale ainsi que l'identité du responsable. Tous ces protagonistes magnifiquement éclairés sous une lumière sépia servant l'intrigue avec une rigueur dramatique en crescendo. On peut d'ailleurs souligner le caractère barbare du dernier acte d'une rare violence auquel son climat de folie contagieuse semble avoir déteint sur la psychologie du baron !

A l'aube d'une fin de carrière déclinante, l'illustre firme Hammer compte une ultime fois sur leur architecte Terence Fisher pour imprimer sur pellicule un chef-d'oeuvre d'épouvante gothique inopinément fétide et névrotique (l'atmosphère dépressive suintant des corridors de l'établissement), sardonique et sans illusion quant à l'avenir infructueuse du baron Frankenstein.  

B-M. 3èx