Insensibles / Painless

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Juan Carlos Medina. 2012. France/Espagne. 1h45. Avec Alex Brendemühl, Irene Montalà, Derek de Lint, Tomas Lemarquis, Juan Diego.

Sorties salles France: 10 Octobre 2012. Espagne: 1er Février 2013

FILMOGRAPHIE: Juan Carlos Medina est un scénariste et réalisateur né en 1977 à Miami, en Floride. 1999: Trinidad (court-métrage). 2001: Rage (court-métrage). 2003: Mauvais jour. 2012: Insensibles

Violent réquisitoire contre le régime franquiste qui perdura de 1939 à 1977, Insensibles s’impose comme le premier coup de maître d’un cinéaste engagé, décidé à dénoncer le despotisme hérité de la guerre d’Espagne. À partir d’une histoire d’enfants enlevés, martyrisés et séquestrés dans de sordides cellules, parce qu’affligés d’un mal inconnu (ils ne ressentent ni douleur physique ni souffrance morale), le film nous entraîne dans leur calvaire avec une âpreté réaliste. En parallèle, par un jeu de flash-back incessants entre passé et présent, une énigme tortueuse se déploie autour d’un neurochirurgien en quête d’identité. Après avoir perdu le contrôle de son véhicule en compagnie de sa femme enceinte, David se réveille à l’hôpital : elle n’a pas survécu, mais le nourrisson, lui, a été sauvé. Foudroyé par un cancer, il entreprend en désespoir de cause de retrouver ses parents biologiques pour une greffe. Ce cheminement jonché d’interrogations le conduit à remonter le temps, à exhumer le traitement inhumain infligé à ses géniteurs et à interroger la part de responsabilité de ses parents adoptifs.

À travers deux intrigues parallèles parfaitement imbriquées, Juan Carlos Medina choisit une démarche baroque, originale, pour illustrer le sort réservé aux enfants martyrs. Parce qu’ils sont condamnés à ne pas ressentir la douleur, un médecin nazi entreprend de les transformer en cobayes pour servir une race supérieure destinée à dominer le monde (thème déjà abordé par Franklin J. Schaffner dans l’audacieux Ces garçons qui venaient du Brésil). Dans l’humanisme désespéré de cette innocence crucifiée par le fascisme, Insensibles devient une épreuve de force que le spectateur subit pas à pas, contraint de sonder ses abîmes. Figure centrale, l’enfant monstre mutique incarne toutes les souffrances : engendré par le conservatisme des nationalistes, conditionné à infliger les pires tortures aux otages anarchistes, il symbolise une enfance déchue, livrée à la déchéance. À travers son destin martyr, le réalisateur interroge la violence éducative, la discipline autoritaire, l’intolérance, et la manière dont certains enfants, dès l’aube de leur vie, reproduisent les effets délétères de la haine. Derrière cette réflexion se dessine la quête identitaire de l’enfant en gestation, et son besoin instinctif d’amour maternel, seul rempart possible au sein de la cellule familiale.

Chronique de la douleur.
Superbement écrit à travers une intrigue foisonnante, Insensibles est un chemin de croix hypnotique dont la rudesse psychologique fera chanceler plus d’un spectateur. Métaphore de l’endoctrinement du mal, œuvre humaniste profondément désespérée, cri d’alarme pour la postérité des enfants martyrisés. Si son réalisme cru se révèle parfois insoutenable, Medina a l’intelligence de recourir au hors-champ pour éluder la violence la plus ignoble (les tortures infligées aux partisans). Il demeure pourtant impossible de sortir indemne d’une œuvre aussi abrupte, presque antipathique et bouleversante, fustigeant la candeur la plus sacrée : l’enfance violée.

Public averti

— le cinéphile du cœur noir

15.02.13
21.09.25. Vost

La Rose Ecorchée

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site reeldistraction.com

"Devil's Maniac / The Blood Rose" de Claude Mulot. 1969. France. 1h32. Avec Philippe Lemaire, Annie Duperey, Elizabeth Teissier, Olivia Robin, Michèle Perello, Valérie Boisgel, Jean-Pierre Honoré, Gérard Antoine Huart, Howard Vernon.

FILMOGRAPHIE: Claude Mulot (Frédéric Lansac) est un réalisateur et scénariste français, né le 21 août 1942 à Paris, décédé le 13 Octobre 1986 à Saint-Tropez. 1968: Sexyrella. 1969: La Rose Ecorchée. 1971: La Saignée. 1973: Profession : Aventuriers. 1974: Les Charnelles. 1975: Le Sexe qui parle. 1976: La Rage de jouir. 1977: Suprêmes jouissances. 1977: La Grande Baise. 1977: Belles d'un soir. 1978: Le Sexe qui parle 2. 1980: La Femme Objet. 1980: l'Immorale. 1980: Les Petites écolières. 1981: Le jour se lève et les conneries commencent. 1983: Black Venus. 1986: Le Couteau sous la gorge.

Claude Mulot, spécialiste du porno durant les années 70, réalise avec son second long-métrage un fleuron bisseux du fantastique français. L'une des rares incursions dans le gothisme flamboyant hérité des cinéastes transalpins Bava / Freda. Le casting étant constitué de comédiens hétérogènes parmi lesquels Annie Duperey (plus belle et gracile que jamais), notre future voyante astrale Elizabeth Tessier (!?), le vétéran Howard Vernon, Philippe Lemaire, puis enfin les deux nabots Roberto et Johnny Cacao. Sans occulter à moindre échelle le charme de demoiselles dénudées d'une beauté particulièrement lascive (Olivia Robin en tête pour son physique particulièrement longiligne et ensorcelant). Ainsi, la trame de la Rose Ecorchée est une déclinaison à peine voilé des Yeux sans Visages de Franju. Si bien que la femme d'un riche peintre se retrouve défigurée suite à un accident volontairement perpétré par la maîtresse jalouse. Éperdument amoureux mais anéanti par le chagrin, Frédéric se calfeutre à l'intérieur de son château parmi la présence monstrueuse de son épouse. Jusqu'au jour où l'un de ses amis botaniques, ancien chirurgien, lui offre l'opportunité de tenter une greffe de visage afin qu'Anne puisse retrouver sa beauté d'antan. Or, ils ont besoin de kidnapper une jeune pèlerine afin de pouvoir lui prélever des tissus vivants.

Esthétiquement splendide dans tous les coins de chaque cadre, la Rose Ecorchée s'avère de prime abord un régal formel tant Mulot s'attarde à fignoler ses cadrages, ses éclairages baroques à travers des décors d'architecture aux nuances polychromes. Le tout filmé en interne d'un château ancestral (comme le souligne le générique liminaire). Baignant constamment dans une ambiance mélancolique, le film est une élégie romantique auprès de deux amants maudits séparés par la jalousie d'une mégère capricieuse. Les protagonistes principaux qui évoluent durant le récit (Frédéric, Anne et le docteur Romer) se caractérisant par des individus meurtries et égoïstes davantage gagnés par le désagrément du remord. Spoiler ! C'est d'ailleurs avec la remise en question du docteur Romer (incarné par Howard Vernon étonnamment sobre dans sa posture carrée), épris de contrition, que l'opération tant escomptée convergera vers une débâcle familiale. Fin du Spoiler. D'un érotisme timoré pour contempler la présence suave de filles déshabillées, et frileux en terme d'effusions gores, la Rose Ecorchée déploie pour autant en de brèves occasions une certaine violence impudente auprès des altercations commises sur des femmes démunies. L'ambition de Claude Mulot n'est donc pas de nous façonner un film d'exploitation plagiant sans vergogne les thèmes chers à Georges Franju mais de nous narrer avec lyrisme prude une cruelle histoire d'amour. La présence saugrenue des deux nains peut parfois prêter à sourire dans leur jeu quelque peu inexpressif mais ils réussissent néanmoins à véhiculer une présence insolite autour des agissements d'antagonistes altiers.

Le château des amants maudits
Oublié de tous mais défendu bec et ongle par une poignée de fantasticophiles puristes, La Rose Ecorchée est l'une des rares réussites françaises à avoir su faire preuve d'ambition formelle en empruntant le patrimoine du gothisme italien. Le soin alloué à la mise en scène, la sincérité des comédiens et surtout l'esthétisme stylisé émanant des intérieurs du château convergent au conte aussi scintillant qu'infortuné. A revoir d'urgence. 

*Bruno
14.02.13. 

30.04.24. 

25.09.24. 4èx

Le Locataire / The Tenant

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinecube.wordpress.com

 

de Roman Polanski. 1976. France. 2h05. Avec Roman Polanski, Isabelle Adjani, Melvin Douglas, Shelley Winters, Bernard Fresson, Claude Dauphin, Jo Van Fleet, Rufus, Josiane Balasko, Michel Blanc, Gérard Jugnot, Bernard Pierre Donnadieu.

Sortie salles France: 26 Mai 1976 (interdit - de 18 ans). U.S: 11 Juin 1976

FILMOGRAPHIE: Roman Polanski (né le 18 août 1933 à Paris) est un comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra puis un producteur, scénariste et réalisateur de cinéma franco-polonais. 1962 : Le Couteau dans l'eau , 1965 : Répulsion, 1966 : Cul-de-sac, 1967 : Le Bal des vampires, 1968 : Rosemary’s baby, 1971 : Macbeth, 1972 : Quoi ?, 1974 : Chinatown, 1976 : Le Locataire ,1979 : Tess, 1986 : Pirates, 1988 : Frantic, 1992 : Lunes de fiel ,1994 : La Jeune Fille et la Mort , 1999 : La Neuvième Porte ,2002 : Le Pianiste,2005 : Oliver Twist, 2010 : The Ghost Writer 2011 : Le Dieu du carnage. 

 

Troisième film du cycle des appartements, Le Locataire marque l’ultime offrande du fantastique paranoïaque, dominée par la prestance transie du réalisateur lui-même, Roman Polanski. Adapté du roman Le Locataire chimérique de Roland Topor (1964), ce cauchemar kafkaïen d’un homme happé par la folie interroge sans relâche le spectateur, écartelé entre raison et surnaturel.

Synopsis : Alors que l’ancienne locataire s’est défenestrée du troisième étage, un jeune célibataire timoré loue son appartement malgré l’hostilité d’un voisinage prompt au commérage. Peu à peu, cet homme, sans cesse épié et réprimandé, sombre dans une paranoïa schizophrène.

Dans l’atmosphère feutrée d’un immeuble hermétique peuplé de vieillards acariâtres, Le Locataire nous entraîne dans la lente décomposition mentale d’un être introverti, persécuté à chaque souffle de manière aussi vénéneuse qu'insidieuse. Entre le suicide inexpliqué de Madame Choule et le harcèlement du voisinage, les signes s’accumulent : une dent encastrée dans le mur, une carte postale inquiétante, des hiéroglyphes gravés sur le muret des toilettes. Autant d’indices qui précipitent Trelkovsky dans l’abîme.

Polanski use d’abord de la dérision pour écraser peu à peu son héros : Trelkovsky, timide et dénué d’aplomb, devient la proie idéale de ces figures ridées, incapables de tolérer le moindre bruit. Contraint de subir l’impertinence de ses amis - jusqu’à une fête improvisée qui le condamne aux yeux du voisinage -, il tente en vain de préserver une tranquillité qu'on lui refuse. Grâce à une photographie désaturée et une mise en scène où rien n’échappe au hasard, Polanski entretient un climat d’étrangeté subtilement poisseuse : l’immeuble semble respirer l’oppression, et les silhouettes figées derrière les vitres paraissent guetter l’effondrement du locataire.

À mesure que l’angoisse enfle, Trelkovsky s’enferme dans la certitude d’un complot. Les voisins, le tenancier du café, les bruits, les regards : tout conspire à son anéantissement. Sous l’emprise d’une peur insidieuse, il se met à revivre les gestes de la défunte Madame Choule, buvant son chocolat, fumant ses Marlboro, jusqu’à s’y dissoudre. L’angoisse devient terreur, la terreur folie.

Saturé d’inquiétude et d’étrangeté palpable, le film également trouve sa force dans l’ambiguïté que Polanski cultive : sommes-nous témoins d’une malédiction, d’une contamination psychique, ou d’une simple dérive mentale ? L’appartement est-il hanté par l’esprit de la morte, ou par la tyrannie de ces voisins aux visages de pierre ? À travers des hallucinations cauchemardesques, Polanski déforme la réalité : reptiles démoniaques, théâtre morbide, visions absurdes - tout devient le miroir d’un esprit disloqué. Les quarante-cinq dernières minutes, d’une intensité dramatique suffocante, basculent dans un délire à la fois pathétique et terrifiant, jusqu'au malaise viscéral de deux séquences chocs inoubliables. 

Effrayant par son réalisme obscur et fascinant par son climat d'envoutement saupoudré d'humour sardonique, Le Locataire frôle le documentaire psychiatrique : une plongée clinique dans la schizophrénie, où la peur suinte des murs. En acteur, Polanski se livre à nu comme jamais: sa fragilité, son effacement progressif, rendent Trelkovsky bouleversant d’humanité. L’immeuble, prison psychique et corps organique, renferme jusqu’au bout son mystère.

Un chef-d’œuvre d’angoisse feutrée, d’une profondeur aussi trouble et dérangeante que Répulsion et Rosemary’s Baby, venant clore avec brio inégalé la trilogie des appartements.

— le cinéphile du cœur noir 

13.02.13. 26/10/25. 5èx

L'EVADE D'ALCATRAZ (Escape from Alcatraz)

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site pariscine.com

de Don Siegel. 1979. U.S.A. 1h52. Avec Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Roberts Blossom, Jack Thibeau, Fred Ward, Paul Benjamin, Larry Hankin.

Sortie salles France: 31 Octobre 1979. U.S: 22 Juin 1979

FILMOGRAPHIE: Don Siegel (Donald Siegel) est un réalisateur et producteur américain, né le 26 Octobre 1912 à Chicago en Illinois, décédé le 20 Avril 1991 à Nipoma, en Californie.
1956: l'Invasion des Profanateurs de Sépultures. 1962: l'Enfer est pour les Héros. 1964: A bout portant. 1968: Police sur la ville. 1968: Un Shérif à New-York. 1970: Sierra Torride. 1971: Les Proies. 1971: l'Inspecteur Harry. 1973: Tuez Charley Varrick ! 1974: Contre une poignée de diamants. 1976: Le Dernier des Géants. 1977: Un Espion de trop. 1979: l'Evadé d'Alcatraz. 1980: Le Lion sort ses griffes. 1982: Jinxed.

Pour la 5 fois, la collaboration Eastwood/Siegel converge au chef-d'oeuvre pour un suspense carcéral d'une intensité rarement égalée. Récit véridique de trois taulards ayant réussi à s'échapper d'une forteresse blindée, l'Evadé d'Alcatraz nous retranscrit leur exploit avec une science du suspense incisive !

Dans une mise en scène affûtée à l'efficacité inébranlable, ce modèle du film de prison nous illustre une tentative d'évasion qui relève de l'improbabilité tant le nombre de risques encourues pour chacun des détenus laisse présager la déroute. La manière documenté dont Don Siegel fait preuve pour retranscrire cette escapade charpentée nous immerge de plein fouet dans l'enceinte d'un pénitencier insulaire réputé inviolable. De prime abord, le réalisateur s'attache à nous décrire la condition de vie totalitaire que chaque détenu est contraint de subir sous l'allégeance d'un directeur pointilleux incapable d'indulgence. C'est le notable Patrick McGoohan qui incarne tout en magnétisme le rôle d'un dirigeant impassible auquel son intransigeance ordonne une discipline de fer chez les surveillants. Dans celui du prisonnier rusé et flegmatique, Clint Eastwood impose une posture inflexible afin de se mesurer aux provocations incessantes d'un taulard méprisable et de son directeur impérieux. Loyal et tolérant, il insuffle par ailleurs une dimension humaniste lorsqu'il se prend d'empathie pour un peintre désabusé et qu'il se lie d'amitié avec un archiviste noir condamné pour sa couleur de peau. Enfin, avec sagacité et patience, il détermine une dimension héroïque pour concrétiser un plan d'évasion où aucun détail n'est laissé au hasard (c'est avec un cure ongle que sa stratégie peut de prime abord aboutir !). Pour exacerber cette tension permanente qui émane des agissements frauduleux de prisonniers occasionnant des risques insensés, le score monocorde de Jerry Fielding est constitué d'une partition quasi insonore. Enfin, le point d'orgue impartie à l'insoluble escapade est un moment d'anthologie échevelé où les nerfs du spectateur sont mis à rude épreuve.

Passionnant et éprouvant, l'Evadé d'Alcatraz est un gros morceau de cinéma d'une puissance émotionnelle et d'une rigueur technique infaillible. Le récit authentique d'une seule évasion entreprise avec succès par des détenus utopistes (même si nous ne saurons jamais s'ils s'en sont sortis vivants !) au sein d'une île pénitentiaire intangible. C'est d'ailleurs après cette impensable défaite qu'Alcatraz clôturera définitivement ses portes pour se reconvertir en site historique !

12.02.13. 4èx
Bruno Dussart

Citadel. Prix du Public à South by Southwest.

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Ciaran Foy. 2012. Irlande/Angleterre. 1h24. Avec Aneurin Barnard, James Cosmo, Wunmi Mosaku.

Sortie salles U.S: 9 Novembre 2012

FILMOGRAPHIE: Ciaran Foy est un réalisateur, scénariste, monteur, acteur et producteur anglais.
2001: 1902. 2001: Wired. 2002: The Puppet. 2006: The Faeries of Blackheath Woods. 2007: Scumbot. 2009: Hotel Darklight (segment directeur). 2012: Citadel.

Dans la lignée des Révoltés de l'an 2000 pour son thème alloué à l'enfant martyr, cette modeste série B co-produite entre l'Irlande et la Grande Bretagne privilégie à point nommé un ton désenchanté pour établir un constat social sur la déliquescence des laissés pour compte. Le Pitch: Suite à l'agression mortelle de son amie par des enfants sauvages, un jeune père de famille sombre dans l'agoraphobie. Epié et menacé par ses meurtriers infantiles, il va tenter de transcender sa frayeur pour sauver sa vie ainsi que celle de son bambin. Imprégné d'une atmosphère à la fois anxiogène et dépressive, et renforcé de l'esthétisme blafard de ghettos défavorisés, Citadel est une oeuvre étrange d'une sensibilité prégnante. Un cauchemar urbain au cours duquel nous suivons l'introspection fébrile d'un jeune veuf traumatisé par la mort de sa compagne lors d'une violente altercation avec de jeunes agresseurs. Souffrant d'agoraphobie et totalement replié au sein de son appartement, Tommy sombre dans une grave paranoïa à force de daigner prémunir coûte que coûte l'existence de son enfant. Sa brève thérapie dans un centre spécialisé et l'aide amicale d'une amie de longue date lui apportent toutefois un frêle soutien, d'autant plus que les sauvageons semblent déterminés à l'appréhender. Mais ce n'est qu'avec l'entremise d'un prêtre accompagné d'un enfant aveugle que Tommy va pouvoir amorcer bravoure et courage afin de réprimer son inévitable frayeur.

Dominé par la prestance chétive de Aneurin Barnard habité par son expression névralgique, il parvient avec beaucoup d'humanisme désarmé à nous insuffler ces lourdes contrariétés au sein de sa solitude meurtrie. Cette ambiance dépressive émanant de sa psyché névrosée engendrant une inévitable empathie chez le spectateur, d'autant plus intrigué par l'hostilité meurtrière d'une bande organisée. En effet, nous ne saurons jamais dans quel but les enfants encapuchonnés atteints de cécité (on pense d'ailleurs aux mutants défigurés de Chromosome 3, tant pour leur apparence infiniment hostile que leur vocalité éraillée !) décident d'assassiner tous les adultes. Si ce n'est que seuls les quidams dominés par leur propre peur sont systématiquement identifiés et battus à mort. Spoil ! La cause de leur déficience mentale ainsi que leurs pulsions erratiques proviendraient d'une maladie infectieuse d'origine inconnue transmise par la mère de deux jumeaux Fin du Spoil. Sans fioriture, le film réussit avec réalisme cafardeux à y dépeindre un climat de peur palpable au sein d'une banlieue déserté de citadins, d'où seule plane la présence primitive d'enfants martyrs livrés à l'abandon. Son final particulièrement poignant véhiculant également une vibrante émotion pour la destinée précaire de nos héros, mais aussi celle des antagonistes infantiles, victimes malgré eux d'une société individualiste dénuée d'empathie.

Les Enfants du Silence
Réalisé avec autonomie au sein d'un climat malsain constamment éprouvant et dominé par une poignée de comédiens chargés d'humanisme torturé (ou altruiste), Citadel conjugue à travers son récit initiatique désespoir, angoisse et terreur quasi viscérales autour d'un constat social sur la délinquance juvénile. Y découle une oeuvre indépendante aussi fragile qu'austère, d'une efficacité constante (notamment pour l'habileté du réalisateur d'y entretenir le mystère jusqu'à mi-parcours du récit) et à la violence rugueuse, exacerbée d'une force émotionnelle désespérée. Un véritable must du genre, à réserver toutefois à un public averti de par son vérisme éprouvant imparti à l'innocence galvaudée.

*Eric Binford

24.12.21

11.02.13

Récompenses: Prix du Public (Midnight Audience) à South by Southwest, 2012
Prix Narcisse au Festival de Neuchâtel, 2012
Méliès d'Argent au Festival de Neuchâtel, 2012
Meilleur réalisateur au Festival du film fantastique de Puchon, 2012
Meilleur son aux Irish Film and Television Awards, 2013

FARGO. Prix de la mise en scène, Cannes 1996

                          Photo emprunté sur Google, appartenant au site blogaudessusducinema.over-blog.fr

de Joel et Ethan Cohen. 1996. U.S.A/Angleterre. 1h38. Avec Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Peter Stormare, Harve Presnell, John Carroll Lynch.

Sortie salles France: 4 Septembre 1996. U.S: 8 Mars 1996

Récompenses: Prix de la mise en scène, Cannes 1996
Meilleure Actrice (Frances McDormand) et Meilleur Scénario Original (Ethan et Joel Cohen) aux Oscars en 1997.
Meilleur Film Etranger: Australian Film Institute Awards 1996

FILMOGRAPHIE: Joel Coen (né le 29 novembre 1954) et Ethan Coen (né le 21 Septembre 1957) sont deux frères réalisateurs, scénaristes, monteurs, acteurs et producteurs américains.
1984: Sang pour Sang, 1987: Arizona Junior, 1990: Miller's Crossing, 1991: Barton Fink, 1994: Le Grand Saut, 1996: Fargo, 1998: The Big Lebowski, 2000: O'Brother, 2001: The Barber, 2003: Intolérable Cruauté, 2004: Ladykillers, 2006: Paris, je t'aime (tuileries), 2007: No country for old men, Chacun son cinéma (sktech: world cinema), 2008: Burn After Reading, 2009: A Serious Man, 2010: True Grit.

                                                    CECI EST UNE HISTOIRE VRAIE
Elle s'est déroulée dans le Minnesota en 1987.
A la demande des survivants, les noms ont été changés.
Par respect pour les morts, tout le reste a été conservé.

Glaçant de savoir que cette histoire d'enlèvement relève d'un fait divers macabre, rehaussé en l'occurrence d'un humour noir grinçant sous la houlette des frères Cohen ! Polar noir illustrant l'équipée risible d'une bande de pieds nickelés appâtés par le gain, Fargo est une peinture acide de la médiocrité humaine. Un vendeur de voitures endetté décide de faire enlever sa femme par deux malfrats pour la somme de 80 000 dollars qu'ils se partageront à part égale ! Ce compromis perfide négocié avec deux nigauds incultes va déboucher sur une sordide hécatombe meurtrière !

Sous le climat enneigé d'une paisible bourgade du Minnesota, les frères Cohen redoublent de sagacité pour nous élaborer un scénario machiavélique au cynisme décapant ! La manigance maladroite impartie à un entrepreneur raté, affilié à deux malfrats rétrogrades, débouche sur une succession de bévues irréversibles ! Sous l'égide d'une chef de police sereine menant son enquête avec aplomb, Fargo dépeint son portrait avec un humanisme payant, en totale décalage avec l'irresponsabilité d'individus cupides englués dans leur paresse. Sous l'oeil finaud de cette policière, les frères Cohen nous illustrent une descente aux enfers implacable où tous les antagonistes se vautrent dans une indolence régressive alors que les témoins innocents périront de leur lâcheté impudente. Si l'étonnante Frances McDormand insuffle une aisance naturelle pour interpréter le rôle flegmatique d'une femme flic intègre, William H. Macy impose un jeu insidieux pour endosser celui d'un père de famille de classe moyenne progressivement avili par sa cupidité. Sans doute le personnage le plus dérisoire, couard et négligent du film, ultime responsable de cette déchéance meurtrière. Enfin, Steve Buscemi et Peter Stormare forment l'improbable tandem de pieds nickelés lunatiques, abêtis par la pop-culture ricaine des soap-opera et de la malbouffe standard.

Bénéficiant d'un scénario charpenté complètement imprévisible et d'une mise en scène formelle fignolant sa nature réfrigérante, Fargo est une perle noire d'une drôlerie macabre particulièrement tragique. Sa peinture peu reluisante d'une Amérique profonde déshumanisée par son inculture laisse en exergue une satire au vitriol de la bassesse humaine. 

07.02.13
Bruno Matéï

JACK LE TUEUR DE GEANTS (Jack the Giant Killer)

                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinefantastiqueonline.com

de Nathan Juran. 1961. U.S.A. 1h34. Avec Kerwin Mathews, Judi Meredith, Torin Thatcher, Walter Burke, Don Beddoe, Barry Kelley.

Sortie salles U.S: 13 Juin 1962

FILMOGRAPHIE: Nathan Juran est un réalisateur, scénariste et directeur artistique américain, né le 1er Septembre 1907 à Bucovine (Roumanie), décédé de mort naturelle le 23 Octobre 2002 à Paolos Verdes Estates (Etats-Unis). 1953: La Légende de l'Epée Magique. 1957: La Chose surgie des Ténèbres. A des Millions de kms de la Terre. Le Cerveau de la Planère Arous. 1958: L'Attaque de la Femme à 50 Pieds. Le 7è Voyage de Sinbad. 1961: Jack, le Tueur de Géants. 1964: Les premiers Hommes dans la lune. 1966: The Deadly Mantis. 1967: Billy the Kid. Les Trompettes de Jéricho. Les Aventuriers de l'Espace. 1969: Land Raiders. 1973: The Boy who Cried Werewolf.

Trois ans après l'immense succès du 7è Voyage de Sinbad, Nathan Juran est à nouveau recruté par le  producteur Edward Small pour entreprendre un conte fantastique dans la plus pure tradition féerique ! D'après un roman d'Orville H. Hampton, Jack le tueur de géants est un film d'aventures haut en couleurs parmi ses traditionnelles créatures monstrueuses uniquement animées en stop motion ! A l'instar de Ray Harryhausen, les responsables des effets spéciaux Howard A. Anderson et Jim Danforth s'inspirent ici de son talent inimitable pour nous façonner une palette de monstres exubérants (un cyclope, un géant à deux têtes, un serpent de mer et un dragon hybride !). L'histoire intelligible est un prétexte pour nous confiner dans un univers de magie et d'aventures. Celle de Jack, modeste fermier, qui réussit in extremis à sauver la princesse Elaine des griffes du sorcier Pendragon et de son monstre géant. Seulement, l'alchimiste doué de pouvoirs maléfiques réussit à nouveau à enlever la jeune femme afin de l'embrigader au sein de son château. Déterminé à la libérer, Jack va user de vaillance et bravoure pour s'opposer à Pendragon épaulé de ses sbires diaboliques ! Sur sa route, notre aventurier rencontrera un viking et un garçonnet, mais aussi un gnome enfermé dans une bouteille. C'est grâce aux prestiges magiques du lutin que Jack va ainsi pouvoir déjouer les maléfices du sorcier lors d'un florilège de revirements rocambolesques.

Si Jack, le tueur de Géants accuse le poids des années par ses effets spéciaux archaïques moins perfectionnistes que ceux de Ray Harryhausen, il n'en demeure pas moins un spectacle aussi exaltant qu'enchanteur propre à émerveiller son public de 7 à 77 ans. Le caractère attachant des personnages, la mesquinerie perfide de Pendragon, sa fantasmagorie attractive (l'apparition du petit monstre dans la boite à musique et la danse qui s'ensuit, le premier combat de Jack contre le Cyclope, les facéties du génie) et son rythme haletant continuent de nous enthousiasmer avec une naïveté attendrissante. A titre nostalgique, l'ancienne génération n'oubliera pas de se remémorer sa toute première projection TV diffusée un mardi soir dans le cadre de l'émission d'Eddie Mitchel: la Dernière séance !

A noter que le film est ressorti plus tard dans une version musicale et qu'il fut interdit de projection en Angleterre durant 7 ans, faute de certaines séquences jugées impressionnantes ! En prime, il écopa à travers le monde d'une interdiction au moins de 13 ans !

06.02.13. 3èx
Bruno Matéï

The Bay

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineheroes.net

de Barry Levinson. 2012. 1h24. Avec Will Rogers, Kristen Connoly, Kether Donohue, Frank Deal, Stephen Kunken, Christopher Denham.

Sortie salles U.S: 2 Novembre 2012. Belgique: 21 Novembre 2012

FILMOGRAPHIE: Barry Levinson est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 6 Avril 1942 à Baltimore. 1982: Diner. 1984: Le Meilleur. 1985: Le secret de la Pyramide. 1987: Les Filous. 1987: Good morning Vietnam. 1988: Rain Man. 1990: Avalon. 1991: Bugsy. 1992: Toys. 1994: Jimmy Hollywood. 1994: Harcèlement. 1996: Sleepers. 1997: Des Hommes d'influence. 1998: Sphère. 1999: Liberty Heights. 2000: An Everlasting Piece. 2001: Bandits. 2004: Envy. 2006: Man of the Year. 2008: Panique à Hollywood. 2009: PoliWood (documentaire). 2012: The Bay. Prochainement: Gotti: in the shadow of my father.

Et un de plus ! Profitant du filon éculé du found footage, le réalisateur Barry Levinson s'essaie au concept documenteur avec une efficacité inespérée. Car illustrant avec souci d'authenticité la lente propagation d'un parasite chez les citadins d'une côte balnéaire, The Bay adopte l'unité de temps réel pour mieux nous convaincre du péril progressif. Avec l'appui de données scientifiques énoncés par des chercheurs indécis et l'impuissance des médecins de pouvoir dénicher un vaccin afin de déjouer la pandémie, The Bay provoque fatalement une anxiété extensive chez le spectateur. Sans faire preuve de complaisance, Barry Levinson réussit à provoquer une terreur viscérale par le biais des plaies purulentes figurants sur la peau des victimes contaminées (gestation de pustules, cloques et furoncles nauséeux).  L'aspect gluant du parasite, ressemblant au départ à une larve stéroïde, éclot de prime abord dans le ventre des poissons puis grossit rapidement pour muter en une forme de crustacé isopode (à l'instar de Frissons de Cronenberg !). 

C'est donc par l'eau salée de la baie empoisonnée par les ruissellements agricoles et les excréments de poulet, que les baigneurs vont se transmettre communément la bactérie à une vitesse grand V ! Un parasite se nourrissant d'abord de la langue de ces victimes avant de s'empresser de dévorer la chair humaine de l'intérieur du corps (on peut aussi suggérer les effets carnassiers du virus évoqué dans Cabin Fever). Avec une profusion d'images d'archives plutôt glauques et de reportages chocs retransmis par une journaliste scrupuleuse, The Bay nous entraîne dans un cauchemar catastrophiste dont l'homme impuissant ne peut avoir aucun recours pour enrayer la menace. C'est ce sentiment prégnant de réalisme docu illustrant avec une certaine verdeur l'affluence dégénérative des victimes infectées, agonisants dans d'horribles souffrances, qui nous suscite désarroi mais aussi malaise palpable face à l'imagerie gore déployée, même si la dernière demi-heure s'essouffle un tantinet.

Film d'horreur écolo dénonçant les méfaits pernicieux de la pollution et du nucléaire, tout en suggérant ironiquement le terrorisme biologique, The Bay aurait été une banale série B d'horreur s'il n'eut été conçu sous le principe du Found Footage. S'il se révèle sans surprise et inévitablement répétitif, son efficacité émane de la véracité des faits exposés face à une menace bactériologique épouvantablement délétère. Là où Soderbergh échoua de manière pompeuse à daigner nous terrifier avec son virus MEV-1 dans Contagion, Barry Levinson s'en tire honorablement en jouant sans compromis la carte du démonstratif épidermique. Et cela fonctionne plutôt efficacement durant une bonne heure de métrage. 

Dédicace à François Most

*Bruno

16.07.22

05.02.13

Grabbers. Prix du Public au Festival de Neuchâtel.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site tumblr.com

de John Wright. 2012. Angleterre/Irlande. 1h34. Avec Richard Coyle, Ruth Bradley, Russell Tovey, Lalor Roddy, David Pearse, Bronagh Gallagher

Sortie salles U.S: 23 Janvier 2012. Irlande: 10 Août 2012

FILMOGRAPHIE: John Wright est un réalisateur et scénariste né le 2 mars 1971 à Belfast, en Irlande du Nord. 2009: Tormented. 2012: Grabbers

Récompensé du Prix du Public à Neuchatel et présenté hors compétition à Gérardmer, le second long métrage de l'irlandais John Wright est une comédie burlesque à travers son monster movie trépidant !
Sur une île côtière de l'Irlande, un poulpe géant et ses nouveaux-nés sèment la terreur parmi les citadins réfugiés à l'intérieur d'un pub. 

A partir de cet argument simpliste plutôt éculé, le réalisateur novice John Wright réussit à tirer son épingle du jeu auprès d'un adroit sens de la dérision et du délire borderline. L'idée majeure de cette fantaisie bougrement bonnard résultidant dans la manière dont les citadins devront se prémunir de l'hostilité des poulpes extra-terrestres. Car se nourrissant d'eau et de sang humain, ces créatures venues d'une météorite ont la particularité de régurgiter l'alcool des clients éméchées.

Connaissant cette faille, un flic solitaire et une jeune recrue fraîchement débarquée sur l'île vont inviter toute la population au pub du coin afin de les inciter à participer à une beuverie improvisée. Au départ réticents mais rapidement convaincus que l'alcool coulera gratuitement à volonté, les habitants accourent vers l'établissement. Or, à l'extérieur, les créatures belliqueuses vont encercler l'open bar pour s'approvisionner en sang humain. S'ensuit une multitude de quiproquos où les clients atteints d'ébriété s'opposeront de façon tantôt preuse, tantôt erratique, faute du whisky ingurgité. Et en dépit de son caractère débridé particulièrement cocasse, cette comédie insuffle notamment une sensibilité candide pour la personnalité affable des habitants irlandais ainsi que pour la romance de deux policiers, O'Shea et Lisa. 

Dans celui du flic dépité de sa rupture conjugale, Richard Coyle dégage avec une sympathique bonhomie un tempérament loyal de héros malgré lui. Sa partenaire Lisa Nolan, incarnée par la pétillante Ruth Bradley véhicule de prime abord un charme innocent pour ensuite imposer une extravagance irrésistible quand la jeune fille est contrainte de supporter un taux d'alcool disproportionné ! Son aisance naturelle à se comporter telle une héroïne fantasque cumulant risques et catastrophes renforce le côté décalé de l'ambiance alarmiste.

Outre l'efficacité du récit mené sur rythme soutenu, le soin apporté aux FX numériques, la verve des dialogues et la bonne humeur impartie à chaque protagoniste, John Wright se permet notamment d'y soigner son décor d'archipel en surplombant la splendeur de sa nature irlandaise ! En résulte une excellente comédie fantaisiste tirant parti de son charme attractif de par sa simplicité candide.

*Bruno
05.02.13

Récompense: Prix du Public au Festival du film Fantastique de Neuchatel.

Universal Soldier: Le Jour du Jugement / Universal Soldier: Day of Reckoning

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site partage-ddl.com

de John Hyams. 2012. U.S.A. 1h55. Avec Scott Adkins, Jean Claude Van Damme, Dolph Lundgren, Kristopher Van Varenberg, Andrei Arlovski, Mariah Bonner.

Sortie DTV France: 23 Janvier 2013. Sortie salles U.S: 30 Novembre 2012. Russie et Malaisie: 4 Octobre 2012

FILMOGRAPHIE: John Hyams est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
1997: One dog Day. 2002: The Smashing Machine. 2003: Fight Day (télé-film). 2006: Rank. 2006: Bull Sessions: The Making of Rank. 2009: The Razzle Dazzle. 2009: Universal Soldier: régénération. 2012: Universal Soldier: le jour du jugement. 2012: Dragon Eyes.

Après une sympathique série B matricielle initiée par Roland Emmerich et deux suites mercantiles en demi-teinte (le 3è épisode plus sombre et violent se révélait plus ambitieux que l'antécédent), Universial Soldier: le jour du jugement continue de s'opposer au caractère docile et pittoresque de son modèle. Déjà responsable du 3è volet, John Hyams nous livre ici un film d'action aussi étrange que furibond, déployant à intervalle régulier des séquences homériques d'une barbarie jusqu'au- boutiste ! Ca démarre sec avec un prologue meurtrier d'une rare brutalité pour le massacre d'une famille prise en otage par une bande de malfrats encagoulés. Passage à tabac du père de famille avec le fer d'un tisonnier puis exécutions de la mère et sa fille, sommairement assassinées d'une balle dans la tête ! Passé cette séquence choc particulièrement crapuleuse, on continue dans la même veine cinglante avec l'entrée en scène d'un barbu renfrogné au sein d'un hôtel de passe en rut ! Coups de chevrotine fugaces envoyés sur chacun des clients alors que certaines de leur partenaire vont se retrouver projetées contre les murs par l'impact des balles assénées.

D'une sauvagerie inouïe dans son ultra-violence pourfendeuse et extrêmement spectaculaire dans ses combats chorégraphiés, le long métrage de John Hyams est une série B d'une audace subversive pour illustrer sans concession la quête identitaire d'une ancienne machine à tuer, délibéré à retrouver ses assaillants. Sans faire preuve d'originalité pour son scénario quelque peu décousu (voir parfois aussi expérimental dans les liens télépathiques qu'entretiennent les UniSol), Universal Soldier: le jour du jugement est suffisamment bien troussé et efficace pour prémunir l'intérêt du spectateur, constamment ébranlé par sa puissance épique ! Course poursuite endiablée contre véhicules, baston interminable entre deux antagonistes au sein d'un foyer délabré ou dans l'enceinte d'un commerce sportif et échanges de tirs méthodiques contre un groupe de mercenaires centralisés en camp militaire. Si l'interprétation reste tout juste honorable et que Scott Adkins tente comme il peut d'insuffler une certaine densité dans sa rancune vindicative, Jean Claude Vandamme véhicule une présence glaçante pour endosser l'icone mystique d'un leader aussi mutique qu'impassible. Alors que son fidèle allié campé par le vétéran Dolph Lundgren fait preuve d'un sarcasme mêlé de mépris afin d'intimider ses adversaires.

D'une férocité aussi incongrue que rigoureuse, Universal Soldier: le jour du jugement est une série B effrontée déployant sans répit des séquences homériques à l'impact foudroyant ! Si son scénario indécis et mal structuré l'empêche de dépasser le stade conventionnel du film d'action, son caractère trouble lié à la quête identitaire et au rapport émotif de nos réminiscences survole notamment une certaine réflexion existentielle. A découvrir sans préjugés pour les amateurs  d'action frontale !

04.02.13
Bruno Matéï

LA CHOSE D'UN AUTRE MONDE (The Thing from another world)

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Christian Nyby et Howard Hawks. 1951. U.S.A. 1h27. Avec Margaret Sheridan, Kenneth Tobey, Robert Cornthwaite, Douglas Spencer, James R. Young, Robert Nichols.

Sortie salles France: 14 Décembre 1951. U.S: 6 Avril 1951 / 29 Avril 1951

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Christian Nyby est un monteur et réalisateur américain, né le 1er Septembre 1913 à Los Angeles (Californie), décédé le 17 Septembre 1993 à Temecula.
1951: La Chose d'un autre Monde. 1957: Hell on Devil's Island. 1962: Elfego Baca: Six gun Law. 1965: Furie sur le Nouveau-Mexique. 1965: Operation C.I.A. 1967: First to fight. 
Howard Hawks est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 30 Mai 1896 à Goshen dans l'Indiana, décédé le 26 Décembre 1977 à Palm Springs en Californie. 1930: La Patrouille de l'aube. 1932: Scarface. 1933: Après nous le déluge. 1936: Brumes. 1936: Les Chemins de la Gloire. 1938: l'Impossible Monsieur Bébé. 1939: Seuls les anges ont des ailes. 1941: Sergent York. 1944: Le Port de l'Angoisse. 1946: Le Grand Sommeil. 1948: La Rivière Rouge. 1951: La Chose d'un autre Monde. 1952: La Captive aux Yeux clairs. 1952: Chéri, je me sens rajeunir. 1953: Les Hommes préfèrent les Blondes. 1955: La Terre des Pharaons. 1959: Rio Bravo. 1962: Hatari. 1966: El Dorado. 1970: Rio Lobo.

Bien avant The Thing de Carpenter, deux réalisateurs s’étaient déjà approprié le roman de John W. Campbell, Who Goes There ?, afin d’innover dans une anticipation alarmiste. Et même si Howard Hawks est officiellement crédité au poste de producteur, il aurait en réalité largement influencé - voire partiellement assuré - la mise en scène confiée à Christian Nyby.

Dans une région polaire de l’Arctique, des chercheurs font la stupéfiante découverte d’un vaisseau spatial échoué sur la banquise. Après l’avoir fait exploser, ils rapatrient à leur base militaire le corps congelé d’un extra-terrestre. Rapidement, la créature s’éveille, s’échappe et sème la terreur au sein du groupe.

Ce qui frappe d’emblée, à la redécouverte de ce classique de la science-fiction mâtinée d’épouvante, c’est la modernité de sa mise en scène rigoureuse, filmée à la manière d’un reportage pris sur le vif. D’illustres cinéastes comme Ridley Scott ou John Carpenter reprendront plus tard cette même recette pour façonner, avec un réalisme glaçant, leur terreur diffuse face à la menace extra-terrestre (Alien et, bien entendu, The Thing).

Doté d’un sens aigu du suspense sous-jacent, La Chose d’un autre monde s’impose comme une redoutable machine anxiogène, privilégiant l’effet de suggestion avec une efficacité remarquable. L’originalité de son récit confiné dans un décor hivernal réfrigérant, conjuguée à l’aspect hybride de sa créature végétale - une sorte de carotte vivante se régénérant grâce au sang humain - confronte le spectateur à une menace inédite, irrémédiablement fascinante.

La dextérité avec laquelle les réalisateurs retardent ses apparitions furtives afin de distiller l’angoisse permet de déployer, par intermittence, des séquences d’agression particulièrement cinglantes. L’affrontement avec la créature piégée dans un incendie demeure ainsi saisissant, lorsque les flammes se propagent à l’intérieur d’un espace clos, mettant brutalement en péril la vie des membres de l’équipe.

La sobriété de jeu des comédiens renforce l’aspect quasi documentaire du film, tandis que l’esprit de cohésion leur permet d’affronter avec courage cette menace singulière. Pour complexifier encore l’enjeu de survie, un scientifique renfrogné choisit de bafouer la hiérarchie afin de préserver l’existence d’une race inconnue.

Irrésistiblement fascinant et profondément inquiétant, La Chose d’un autre monde n’a rien perdu de sa rigueur technique ni de la modernité de sa réalisation, fondée sur un suspense méthodique et implacable. Un modèle du genre, étonnamment pragmatique et toujours stimulant.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

29.01.13. 3èx
Bruno Matéï 

The man from erath / Jerome Bixby's The Man from Earth. Prix du Meilleur Film à Rhode Island, 2007

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site aeriesguard.com

de Richard Schenkman. 2007. U.S.A. 1h27. Avec David Lee Smith, John Billingsley, Ellen Crawford, William Katt, Annika Peterson, Richard Riehle, Alexis Thorpe.

Sortie dvd et blu-ray en France: 5 Juillet 2011. Sortie salles U.S: 13 Novembre 2007

FILMOGRAPHIE: Richard Schenkman est un réalisateur, scénariste et acteur américain, né le 6 Mars 1958 à New-York. 2000: A Diva's Christmas Carol (télé-film). 2006: Muckraker ! (télé-film). 2007: The Man from Earth. 2007: And then came Love

Inédit en salles en France mais disponible en DVD et Blu-ray, The Man from Earth est l’une de ces perles rares, honteusement occultée, pourtant portée par un bouche-à-oreille fulgurant - notamment grâce à son téléchargement illégal massif, approuvé par le réalisateur lui-même.
Récit spéculatif de science-fiction sur les origines de l’univers et de la religion, The Man from Earth prend des allures de cours incandescent d’histoire et de philosophie, transmis par l’entremise d’un divin (affabulateur ?).

Sur le point de quitter ses proches, un professeur leur avoue qu’il est un homme de Cro-Magnon ayant survécu depuis plus de quatorze millénaires. Au fil des discussions enflammées, ses collègues, tour à tour sceptiques et fascinés, commencent à douter de sa santé mentale. L’un d’eux fait appel à un psychologue pour déterminer s’il est sain d’esprit, mythomane ou irrémédiablement dérangé. Et lorsque la conversation embrase la question religieuse, l’homme revendique ni plus ni moins être Jésus lui-même…

Avec des moyens dérisoires et un huis clos presque théâtral, le réalisateur nous convie à un aparté intime, incarné par un oracle venu de nulle part, décidé à livrer sa vérité à ses fidèles amis. Guidé par des échanges passionnés sur le sens de l’existence - en substance : faire le Bien - le film ébranle nos valeurs spirituelles, pointe la dérive du fanatisme et interroge la fatalité de la réincarnation. À travers ce débat chargé de mystère, il met en relief le lien philosophique entre bouddhisme et christianisme, comme si les grandes religions avaient bâti leurs mythes et paraboles pour guider l’humanité vers une sagesse mystique.

En s’emparant de cette idée improbable - un homme de 35 ans survivant depuis 14 000 ans - le film explore le pouvoir de persuasion, l’imagination et cette tension irrésistible entre le désir de croire et la soif de vérité. Étrange, mais captivant, le discours de John nous souffle finalement que l’homme est fait pour apprendre, aimer son prochain et respecter la nature. Que le paradis tant fantasmé se trouve ici, sur Terre, dans la bonté. Et que nous ne sommes peut-être qu’un seul et même être, voués à renaître indéfiniment.

La vie de Jésus.

Science-fiction cérébrale, riche en réflexions sur l’existence, la religion, la vieillesse et la peur de la mort, The Man from Earth est une allégorie agnostique sur l’incarnation et la foi. Avec un minimalisme radical fondé sur l’unité de lieu, Richard Schenkman signe une œuvre universelle, originale et sensible, culminant dans un épilogue poignant - là où l’amour implore que deux amants soient laissés en étreinte…

— le cinéphile du cœur noir

Dédicace à O du Moulin
26.01.13

Récompenses: Premier Prix du Meilleur Film, Grand Prix du Meilleur Scénario au Festival de Rhode Island en Août 2007.