PEUR SUR LA VILLE

                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site archives.hauts-de-seine.net

d'Henri Verneuil. 1974. France/Italie. 2h04. Avec Jean Paul Belmondo, Charles Denner, Adalberto Maria Merli, Jean Martin, Lea Massari, Rosy Varte, Catherine Morin, Jean-François Balmer, Roland Dubillard.

Sortie salles France: 9 Avril 1975

FILMOGRAPHIE: Henry Verneuil (de son vrai nom Achod Malakian) est un réalisateur et scénariste  français d'origine arménienne, né le 15 Octobre 1920 à Rodosto, décédé le 11 Janvier 2002 à Bagnolet.
1951: La Table aux crevés. 1952: Le Fruit Défendu. 1952: Brelan d'As. 1953: Le Boulanger de Valorgue. 1953: Carnaval. 1953: l'Ennemi public numéro 1. 1954: Le Mouton a 5 pattes. 1955: Les Amants du Tage. 1955: Des Gens sans importance. 1956: Paris, palace Hôtel. 1957: Une Manche et la belle. 1958: Maxime. 1959: Le Grand Chef. 1959: La Vache et le Prisonnier. 1960: l'Affaire d'une Nuit. 1961: Le Président. 1961: Les Lions sont lâchés. 1962: Un Singe en Hiver. 1963: Mélodie en sous-sol. 1963: 100 000 Dollars au Soleil. 1964: Week-end à Zuydcoote. 1966: La 25è Heure. 1967: La Bataille de San Sebastian. 1969: Le Clan des Siciliens. 1971: Le Casse. 1972: Le Serpent. 1975: Peur sur la ville. 1976: Le Corps de mon ennemi. 1979: I comme Icare. 1982: Mille Milliards de Dollars. 1984: Les Morfalous. 1991: Mayrig. 1992: 588, rue du Paradis.

Gros succès populaire de l'époque, (près de 4 millions d'entrées dans l'hexagone !), Peur sur la Ville est un thriller vertigineux sublimé par la présence de notre Bebel national. L'acteur pugnace multipliant des risques inconsidérés pour l'entreprise de ces cascades non doublées. Opposé à la présence charismatique de l'acteur interlope Adalberto Maria Merli en maniaque borgne, leur confrontation s'avère une incessante course poursuite à travers l'urbanisation de la banlieue parisienne. Produit entre la France et l'Italie, on sent l'inspiration giallesque de son intrigue criminelle illustrant les exactions d'un tueur ganté sexuellement refoulé, et donc délibéré à supprimer les femmes émancipées. Sous couvert de sa pathologie misogyne, Henry Verneuil en profite pour dresser un regard social sur la liberté sexuelle de l'époque lorsque les films pornographiques en ascension envahissaient certaines salles de cinéma.

Pour corser l'investigation policière menée par le commissaire Letellier et épaulé de son bras droit Moissac (Charles Denner, parfait de sobriété en inspecteur flegme), une autre traque leur ait notamment imposée afin d'alpaguer un dangereux braqueur en fuite. A ce titre, l'interminable poursuite échevelée amorcée par nos flicards à travers les ruelles parisiennes bondées d'automobilistes et de piétons demeure un modèle d'efficacité ! Car tentant d'interpeller successivement deux individus en fuite au même instant, l'action redouble d'intensité pour compromettre à nos héros deux itinéraires contradictoires. Un dilemme inespéré jusqu'au moment où Letellier, épris de vengeance, décide de se rétracter pour finalement interpeller le braqueur criminel ! En casse-cou stoïque, Jean Paul Belmondo s'élance également sur les toitures des immeubles, accourt à travers les galeries marchandes et bondit sur les rames de métro avec une persuasion suicidaire ! Passé ce florilège de séquences vertigineuses réalisées avec souci de réalisme et extrême rigueur, Henry Verneuil continue de susciter une angoisse sous-jacente sous le mode opératoire du suspense progressif afin de parfaire les inévitables provocations délétères d'un tueur plutôt finaud.

Rythmé du score haletant d'Ennio Morricone et déployant avec une rare efficacité nombre de péripéties cinglantes lors d'une mise en scène avisée, Peur sur la Ville constitue un classique du thriller et du polar. Un concentré d'action, de suspense et d'angoisse réfutant l'esbroufe gratuite et redoublant d'intensité de par son réalisme inflexible. Enfin, Henri Verneuil n'oublie pas pour autant d'ajouter une certaine dérision chez la verve du duo formé par Bebel et Denner auquel les dialogues ciselés de Francis Veber font mouche. 

27.02.13. 3èx
Bruno Matéï

Rue Barbare

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site board.bloodsuckerz.net

de Gilles Béhat. 1984. France. 1h47. Avec Bernard Giraudeau, Christine Boisson, Bernard-Pierre Donnadieu, Michel Auclair, Jean Pierre Kalfon, Corinne Dacla, Nathalie Courval, Jean Pierre Sentier,  Jean Claude Dreyfus, Jean-Claude Dreyfus, Jean-Claude Van Damme (figurant, scène d'arrivée dans la police).

Sortie salles France: 4 Janvier 1984

FILMOGRAPHIE:  Gilles Béhat (Gilles Marc Béat) est un réalisateur et acteur français, né le 3 Septembre 1949 à Lille (Nord). 1978: Haro. 1981: Putain d'histoire d'amour. 1984: Rue Barbare. 1985: Urgence. 1986: Charlie Dingo. 1986: Les Longs Manteaux. 1988: Le Manteau de Saint-Martin. 1990: Dancing Machine. 1994: Le Cavalier des nuages. 1997: Un Enfant au soleil. 2000: Une Mère en colère. 2009: Diamant 13.

Gros succès surprise à sa sortie (2 050 496 spectateurs), Rue Barbare fit l’effet d’une bombe et provoqua même un tollé chez les critiques bien-pensantes, n’y voyant qu’un pseudo film d’action se complaisant dans une violence putassière. Adapté d’un roman de David Goodis, Gilles Béhat ne cache pas son inspiration de La Lune dans le caniveau de Beineix pour transcender le climat insolite d’une banlieue crépusculaire, fréquentée par des voyous sans vergogne.

Ce qui frappe d’emblée, lorsqu’on revoit aujourd’hui Rue Barbare, c’est l’onirisme stylisé qui se dégage d’un quartier glauque, livré à la débauche et à la délinquance criminelle, dans un isolement existentiel poisseux. Une véritable faune de rockers délurés occupe les sous-sols des immeubles et scrute les ruelles borgnes pour agresser, violer, assassiner les plus démunis, sous l’allégeance du leader Matt. Au cœur de cette jungle urbaine en délitement, un ancien voyou reconverti porte secours à une jeune Asiatique molestée. Un geste qui va sévèrement contrarier son ex-ami Matt, bien décidé à kidnapper la gamine.

La tonalité insolente des dialogues triviaux, le comportement erratique des marginaux et l’atmosphère fantasmatique qui imprègne le récit surprennent par un ton résolument décalé, franchement atypique dans le paysage français. Grâce au naturel décomplexé d’interprètes communément flamboyants, Rue Barbare attise un pouvoir de fascination halluciné et une empathie troublante pour l’errance désenchantée d’un ancien rebelle, pris entre rédemption et vengeance. Un homme solitaire cohabitant avec sa famille et son épouse dans un appartement sordide, mais peu à peu épris d’affection pour une ancienne idylle corrompue.

Pour incarner ce rôle à la fois contenu et rageur, Bernard Giraudeau parvient admirablement à briser son image de bellâtre, insufflant une densité virile mêlée de désespoir, tiraillé entre l’honneur à préserver et la tendresse qu’il s’autorise à accorder à ses deux maîtresses. En compagne esseulée, assujettie à l’autorité de Matt, Christine Boisson livre un superbe portrait de femme versatile au caractère trempé, irradiant une sensualité torride à travers sa silhouette longiligne. En mafieux rongé par une haine orgueilleuse, costume blanc bientôt teinté de sang, l’imposant Jean-Pierre Donnadieu magnétise l’écran de façon insidieuse, imposant son autorité déloyale à des sbires désœuvrés. Les seconds rôles, tous marqués par des gueules burinées et éclatées, renforcent encore cette galerie extravagante de délinquants sans vergogne.

Pour parachever le spectacle de cette rivalité anthologique, impossible de taire l’ultime mano à mano entre les deux antagonistes, qui fit couler tant d’encre à l’époque. Un affrontement d’une sauvagerie inouïe, à mains nues, coups de chaîne, barre de fer et poing américain. Point d’orgue chorégraphique d’une violence barbare, crue et sanguinolente, encore aujourd’hui. Visages tuméfiés, transpirant de sang, de sueur et surtout d’épuisement.

Porté par la musique envoûtante de Bernard Lavilliers, Rue Barbare s’impose comme une chronique de violence à mains nues. Une expérience de cinéma à la fois pulsatile et sensorielle, illustrant de manière underground l’insécurité gangrenant les quartiers défavorisés, là où toute présence policière demeure illusoire. Son onirisme très urbain et son ambiance insolite préservent une œuvre étrange, charnelle et ensorcelante, profondément ancrée dans les années 80, dont le look rétro distille un charme singulier. L’un des grands films français de cette décennie, à la marginalité de ton inégalée, dans un genre - le film de gang - que le cinéma hexagonal n’a que trop rarement osé affronter frontalement.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

A Pascal...
18.12.25. 26.02.13

Dadgmar: L'âme des Vikings / Flukt / Escape

                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site alapoursuitedu7emeart.over-blog.net

de Roar Uthaug. 2012. Norvège. 1h18. Avec Isabel Christine Andreasen, Ingrid Bolso Berdal, Milla Olin, Hallvard Holmen, Kristian Espedal.

FILMOGRAPHIE: Roar Uthaug est un réalisateur, scénariste et producteur norvégien, né le 25 Août 1973 à Lorenskog dans le comté d'Akershus en Norvège. 1994: En aften i det gronne. 1996: DX13036. 1998: A fistful of kebab. 2002: Regjeringen Martin. 2006: Cold Prey. 2009: Le secret de la Montagne Bleue. 2012: Flukt.

Uniquement connu dans l'hexagone pour son dyptique Cold Prey, excellents slashers norvégiens à l'ambiance réfrigérante, Roar Uthaug s'essaye au genre médiéval avec Flukt (en français: l'échappée). Film d'aventures épique sublimé par la splendeur de ces décors naturels dans une photo immaculée, le réalisateur emprunte à nouveau le schéma du survival pour retracer la traque impitoyable d'une orpheline poursuivie par une leader pugnace et ses sbires barbares.
Le pitch: Après avoir massacré sous ses yeux sa famille qui tentait de fuir la peste noire, la guerrière Dagmar prend en otage son unique survivante, Signe, jeune fille de 19 ans. Avec l'aide du rejeton de la mégère, Signe réussit à se défaire de son cordage pour prendre communément la fuite à travers bois. Le début d'une traque sans relâche commence afin de retrouver en vie la petite Frigg et sacrifier la fugitive.

Ainsi, à travers un script entièrement consacré à la quête vengeresse, Roar Uthaug entreprend un film d'aventures haletant dont l'intensité émotionnelle s'avère l'une de ses qualités prégnantes. Car si l'histoire se révèle assez simpliste, la densité psychologique des personnages motivés par la haine et la rancune y apporte une dimension humaine ambivalente. Véritable réflexion sur la vengeance, Flukt demeure ainsi une odyssée homérique où les bons et les méchants ne font plus qu'un à travers leur psychisme tourmenté. Et si de prime abord, la prédatrice nous apparaît comme une guerrière barbare éludée de vergogne, son passé torturé nous permettra de mieux comprendre ses tenants et aboutissants actuels. Du point de vue de la jeune victime incessamment poursuivie, Signe empruntera le même cheminement vindicatif tout en préservant toutefois une humilité de par son humanisme déchu. Or, cette confrontation intense inscrite dans la tragédie convergera vers une traque palpitante jalonnée de sauvages altercations entre rivaux, mais aussi de moments intimistes pleins de pudeur. C'est dans cette relation amicale et maternelle entretenue avec Signe et Frigg que le réalisateur instaure une inévitable empathie pour ces filles démunies. Et donc, avec une émotion candide, les thèmes des valeurs familiales, de la solidarité, de la confiance et du respect d'autrui nous sont abordés du point de vue de l'innocence bafouée.

D'un réalisme âpre et d'une sauvagerie épique, Flukt est surtout une aventure humaine inscrite dans la dignité féminine pour le refus de subvenir à une barbarie régressive. L'intensité émotionnelle des personnages incessamment confrontés à la notion de bien et de mal parachevant un survival initiatique compromis à la fraternité et à la quête familiale.

*Bruno
22.02.13

La Nuit des vers géants (Squirm)

"Squirm" de Jeff Lieberman. 1976. U.S.A. 1h33. Avec Don Scardino, Patricia Pearcy, R.A. Dow, Jean Sullivan, Peter MacLean, Fran Higgins.

FILMOGRAPHIE: Jeff Lieberman est un réalisateur et scénariste américain, né en 1947 à Brooklyn, New-York. 1972: The Ringer (court-métrage). 1976: Le Rayon Bleu. 1976: La Nuit des Vers géants. 1980: Doctor Franken (télé-film). 1981: Survivance. 1988: Meurtres en VHS. 1994: But... Seriously (télé-film). 1995: Sonny Liston: The Mysterious life and death of a champion (télé-film). 2004: Au service de Satan.

Plutôt discret et peu lucratif, Jeff Lieberman aura tout de même marqué une génération de cinéphiles avec trois séries B mineures mais plutôt originales, attachantes, captivantes, immersives, dépaysantes. Et si Survivance reste à ce jour son film le plus convaincant (en priorité au niveau de son ambiance anxiogène littéralement magnétique), notre petit maître du fantastique eut entrepris en 1976 (la même année que l'étonnant le Rayon Bleu), une production fauchée au concept délirant. Imaginez un peu une invasion de vers gluants (le titre français est tout à fait trompeur pour laisser sous entendre qu'ils sont atteints d'une taille irréelle !) après qu'un orage eut entraîné une panne d'électricité dans une bourgade champêtre. Plusieurs pylônes ayant été saccagés par la violence de la tempête, certains câbles s'y sont détachés pour extraire des décharges électriques sur le sol terreux. Dès lors, les vers sont atteints de folie meurtrière ! Mais bien avant cette inévitable invasion, un jeune couple sera témoin d'étranges évènements en lien direct avec les vers ! Avec un pitch aussi improbable que saugrenu, la Nuit des vers géants joue la carte de la pantalonnade grand guignolesque avec une conviction pittoresque (et c'est d'ailleurs parfois même délibéré !). La psychologie sommaire des comédiens déversant des tirades incohérentes laisse souvent place à un humour involontaire particulièrement attrayant. Tels ses multiples entretiens que nos deux héros sont contraints d'établir avec le shérif du coin pour tenter de le convaincre que les morts inexpliqués sont bien la cause d'une attaque de lombrics ! 

Un cliché éculé qui fonctionne encore au second degré grâce au surjeu des acteurs franchement (et étonnamment) attachants. Il y a aussi l'apparition grotesque d'un troisième personnage, un paysan déficient empli de jalousie maladive pour la compagne du héros. Un élément perturbateur finalement véreux occasionnant des conflits puérils impartis au triangle amoureux. Entre une conquête amoureuse et la découverte macabre de cadavres décharnés, il faut avouer qu'il ne s'y passe pas grand chose, nos trois témoins déambulant dans une campagne hostile durant une journée solaire. Pour autant, on ne s'ennuie jamais grâce à la bonhomie de ces protagonistes se prêtant au jeu du délire outré avec une conviction avenante lors de leur investigation fantaisiste bâti sur l'amateurisme. Il faudra ainsi attendre la nuit pour que l'attaque escomptée ait enfin lieu (les vers ne supportant pas la lumière du jour !) lors d'un final de 30 minutes aussi jouissif que très impressionnant ! Mais bien avant ces bravoures anthologiques résolument visqueuses, quelques estocades horrifiantes retiennent l'attention comme cette séquence explicite illustrant en mode focale des vers s'infiltrant sous la peau du visage de l'arriéré du village ! Un effet viscéral très efficace auquel les maquillages supervisés par Rick Backer s'avèrent particulièrement spectaculaires de par son réalisme épidermique. Et pour renforcer le caractère crédible de cette répugnante invasion, le réalisateur n'hésitera pas à utiliser de véritables invertébrés déployés en masse afin d'y provoquer une stupeur viscérale chez le spectateur. Ainsi, et j'insiste à nouveau, l'ultime demi-heure échevelée illustrant des milliers de lombrics s'infiltrant dans les parois des maisons et du bar du coin demeure infiniment fascinante à travers ses visions cauchemardesques vues nulle part ailleurs ! Effet répugnant garanti ! 

Les vers étaient gluants cette nuit-là !
Maladroit, naïf et sciemment simpliste à travers son parti-pris de B movie du samedi soir, mais irrésistiblement attachant et bougrement bonnard pour les cintrés de nanar débridé, La nuit des vers géants constitue une perle du genre auquel certaines séquences couillues ne manquent pas d'y provoquer une véritable révulsion viscérale ! Très fun, voir jouissif donc si bien qu'à la revoyure la Nuit des vers géants s'avère encore plus charmeur qu'à l'époque de sa location VHS. Qu'on s'le dise ! 

*Bruno

18/06/21

21.02.13. 4èx

                                          

BAD TASTE

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site myscreens.fr

de Peter Jackson. 1987. Nouvelle Zélande. 1h31. Avec Peter Jackson, Terry Potter, Pete O'Herne, Craig Smith, Mike Minett, Doug Wren.

Sortie salles France: 24 Août 1988. Nouvelle-Zélande: Décembre 1987

Récompense: Prix du Public Fantafestiva, 1989

Prix Spécial Gore au festival du film fantastique de Paris, 1989

FILMOGRAPHIE: Sir Peter Robert Jackson est un réalisateur, producteur et scénarise néo-zélandais, né le 31 Octobre 1961 à Pukerua Bay, North Island (Nouvelle-Zélande).
1987: Bad Taste. 1989: Les Feebles. 1992: Braindead. 1994: Créatures Célestes. 1995: Forgotten Silver. 1996: Fantômes contre fantômes. 2001: Le Seigneur des Anneaux. 2002: Les Deux Tours. 2003: Le Retour du Roi. 2005: King-Kong. 2009: Lovely Bones. 2012: Le Hobbit: un voyage inattendu. 2013: Le Hobbit: la Désolation de Smaug. 2014: Le Hobbit: Histoire d'un aller et retour.

Dans un petit hameau, une invasion extra-terrestre décime toute la population. Une équipe de mercenaires est déployée sur les lieux pour éradiquer ces envahisseurs d'un nouveau genre !
Tourné durant 4 ans avec l'aide de fidèles acolytes pour la modique somme de 11 000 dollars, le premier film du néo-zélandais oscarisé est un hommage parodique au cinéma gore et à la science-fiction archaïque. Avec un maximum d'efficacité, notre jeune débutant Peter Jackson réussit à créer un univers singulier dans un florilège d'action incessante et de gore outrancier. Eludant miraculeusement la redondance, la mise en scène agressive, filmée caméra à l'épaule et exploitant le zoom récursif, se révèle particulièrement inventive quand il s'agit de confronter nos héros à moult rixes contre des humanoïdes apathiques. L'action débridée se renouvelant au coeur d'une scénographie éclectique (une falaise, un jardin, une maison familiale, une route nationale, une forêt) que nos héros arpentent à l'instar d'une logistique militaire. Des mercenaires pugnaces donc délibérés à canarder de façon enjouée les zombies androïdes à l'aide de leurs mitraillettes et d'un lance-roquette !

Le lieu peu commun d'un village montagnard de la Nouvelle-Zélande participe notamment au caractère dépaysant de cette drôle d'invasion extra-terrestre confinée au sein d'une demeure familiale. Proche de l'esprit cartoonesque (préfigurant déjà les excès comiques de Brain Dead) et baignant dans un mauvais goût assumé (le festin organisé autour d'une bouillie verdâtre !), Peter Jackson rivalise d'idées grotesques pour nous amuser avec sa sarabande d'E.T cannibales adeptes de chair fraîche ! Avec de faibles moyens, il réussit adroitement à bricoler des effets gores vomitifs aussi spectaculaires qu'incongrus (Dekner se ceinturant le haut de la tête pour éviter que sa cervelle dégouline, le mouton explosé à coup de lance-roquette ou encore les multiples assauts sanguinaires perpétrés à la tronçonneuse !). Par ailleurs, la maquette élaborée pour simuler l'envol spatial de la maison se révèle bluffante de réalisme ! On peut également saluer l'originalité impartie à la confection des E.T quand ceux-ci décident de révéler leur véritable apparence lors d'un point d'orgue à nouveau belliqueux. Avec l'aide de masques en latex flexibles, leur physionomie monstrueuse provoque un effet de surprise inopiné et détonnant ! Enfin, les acteurs amateurs dénués de charisme renforcent le côté réaliste et décalé de l'entreprise et nous communiquent une spontanéité désinhibée.

Drôlement gore, insolite, décomplexé et mené à un rythme effréné, le premier métrage Z de Peter Jackson est un nanar atypique, véritable ovni culte dédié au gore vomitif sous le moule d'une anticipation académique. Débordant de trouvailles visuelles et d'insolence putassière, il n'a rien perdu de sa vigueur et de sa fantaisie déjantée !

20.02.13. 3èx
Bruno matéï

Popeye

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site royalbooks.com

de Robert Altman. 1980. U.S.A. 1h36. Avec Robin Williams, Shelley Duvall, Paul L. Smith, Paul Dooley, Ray Walston, Wesley Ivan Hurt.

Sortie salles U.S: 12 Décembre 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Robert Altman est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 20 Février 1925 à Kansas City dans le Missouri, décédé le 20 Novembre 2006 à Los Angeles. 1970: Mash. 1970: Brewster McCloud. 1971: John McCabe. 1972: Images. 1973: Le Privé. 1975: Nashville. 1976: Buffalo Bill et les Indiens. 1977: Trois Femmes. 1978: Un Mariage. 1979: Quintet. 1980: Popeye. 1982: Health. 1982: Reviens Jimmy Dean, reviens. 1987: Beyond Therapy. 1990: Vincent et Théo. 1992: The Player. 1993: Short Cuts. 1994: Prêt à porter. 1999: Cookie's Fortune. 2000: Dr T et les Femmes. 2001: Gosford Park. 2003: Company. 2006: The Last Show.

Véritable ovni dans la carrière du vénérable Robert Altman, Popeye est la transposition cinématographique du célèbre personnage de bande dessinée créé par Elzie Crisler Segar en 1929. Succès public rentable mais contesté par une majorité de la critique de l'époque, cette comédie lunaire totalement décalée fait aujourd'hui office de curiosité couillue pour son alliage d'insolence et d'extravagance en roue libre. Or, desservi d'un scénario aseptisé mais rattrapé par un humour débridé particulièrement effréné, le film de Robert Altman divisera sans doute encore une partie du public, irrité ou autrement amusé des pitreries infantiles de Popeye et de ses acolytes. 

Le pitch: Le marin solitaire Popeye débarque dans une petite ville côtière et fait la connaissance d'Olive, une femme éprise d'affection pour la terreur du quartier: Brutus. Leur relation de prime abord amicale attise la colère et la jalousie de ce dernier. Au fil de leur relation, les deux tourtereaux découvrent un bébé abandonné, planqué dans un panier d'osier. Doué de prescience, le bambin est rapidement enlevé par un transfuge de Brutus qui voit là l'opportunité de débusquer un fabuleux trésor caché sous l'océan. 

Comédie pittoresque à l'esprit cartoonesque euphorisant, Popeye doit son attrait sympathique grâce en priorité à l'excentricité de ses personnages tous plus saugrenus les uns que les autres. La reconstitution très soignée allouée au village folklorique, les numéros musicaux chantonnés avec allégresse et les séquences de baston improvisées autour d'un ring ou dans une taverne assurant un spectacle festif souvent entraînant. Agrémenté d'une jolie photo sépia, le film séduit d'autant plus par son esthétisme rétro si bien qu'il parvient majoritairement à contenter le public au gré d'un rythme fertile en gags burlesques, calembours et bagarres homériques. Ainsi, on a souvent l'impression d'assister à un dessin animé live résolument désinhibé à travers son insatiable sens de dérision. Et pour renforcer ce sentiment déjanté, la verve impayable (et sciemment inaudible) de l'acteur Robin Williams ainsi que le charme filiforme de Shelley Duvall parviennent à donner chair à des personnages gaffeurs tout droits sortis de la fameuse bande dessinée. Enfin, dans le rôle de Brutus, l'impressionnant Paul L. Smith (Midnight Express, Mort sur le Grill, Sonny Boy) cabotine de manière furibonde afin d'y parfaire un antagoniste mastard particulièrement sarcastique.

Irritant pour les uns à travers son esprit décalé trop foutraque et par sa minceur narrative, enthousiasmant pour les autres de par son ton irrésistiblement folingue ainsi que la caricature cartoonesque impartie aux protagonistes déjantés, Popeye demeure un ovni atypique dans l'univers cinématographique des adaptations BD. Une oeuvre maudite mal aimée, aujourd'hui complètement sombrée dans l'oubli, faute de sa liberté de ton aussi déroutante qu'inusitée et de sa réputation injustement galvaudée. A réhabiliter d'urgence donc, au risque de persévérer d'y déplaire une partie du public réfractaire aux projets aussi personnels que burnés.

*Bruno
19.02.13. 3èx

WAXWORK

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site fr.film-cine.com

de Anthony Hickox. 1988. U.S.A. 1h31. Avec Zach Galligan, Jennifer Bassey, Joe Baker, Deborah Foreman, Michelle Johnson, David Warner, Eric Brown.

Sortie salles U.S: 17 Juin 1988

FILMOGRAPHIE: Anthony Hickox est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né en 1964 à Londres.
1988: Waxwork. 1992: Waxwork 2. 1992: Hellraiser 3. 1993: Warlock: the Armageddon. 1993: Full Eclipse. 1995: Payback. 1996: Piège Intime. 1997: Prince Vaillant. 2000: Contamination. 2002: Témoin sous protection. 2005: Piège en eaux profondes. 2009: Knife Edge.

Un groupe d'adolescents est invité pour une soirée privée dans un étrange musée de cire consacré aux mythes horrifiques. Ils ignorent que derrière chacune des expositions est un portail vers un monde parallèle où rôde les créatures du mal.

Sympathique production des années 80, Waxwork avait su séduire son public grâce à l'originalité de son intrigue agréablement troussée, son patchwork de monstres légendaires issus de la Universal et ses effets gores généreusement explicites.
Malheureusement, il faut bien se rendre à l'évidence qu'en l'occurrence cette série B mineure a sévèrement pris la poussière pour faire figure de relique. La faute en incombe à un humour lourdingue véhiculé par des protagonistes crétins (pour ne pas dire insupportables !) et des situations souvent ridicules desservies par une mise en scène bricolée au budget trop restreint. On effet, on sent irrémédiablement le côté fauché au niveau de la reconstitution "carton-pâte" des époques éclectiques engendrées par les univers parallèles. Si certaines scènes restent gentiment attractives (son point d'orgue bordélique libérant une foule de créatures de l'enfer !) et que les effets sanglants s'avèrent jouissifs, Waxwork suscite une inévitable frustration pour tous ceux qui ont eu l'aubaine de le découvrir à la fin des années 80.
En guise de maigre consolation, reste quand même le plaisir de retrouver les aimables vétérans David Warner et Patrick McGee dans des compositions clins-d'oeil.

18.02.13.
Bruno Matéï

Insensibles / Painless

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Juan Carlos Medina. 2012. France/Espagne. 1h45. Avec Alex Brendemühl, Irene Montalà, Derek de Lint, Tomas Lemarquis, Juan Diego.

Sorties salles France: 10 Octobre 2012. Espagne: 1er Février 2013

FILMOGRAPHIE: Juan Carlos Medina est un scénariste et réalisateur né en 1977 à Miami, en Floride. 1999: Trinidad (court-métrage). 2001: Rage (court-métrage). 2003: Mauvais jour. 2012: Insensibles

Violent réquisitoire contre le régime franquiste qui perdura de 1939 à 1977, Insensibles s’impose comme le premier coup de maître d’un cinéaste engagé, décidé à dénoncer le despotisme hérité de la guerre d’Espagne. À partir d’une histoire d’enfants enlevés, martyrisés et séquestrés dans de sordides cellules, parce qu’affligés d’un mal inconnu (ils ne ressentent ni douleur physique ni souffrance morale), le film nous entraîne dans leur calvaire avec une âpreté réaliste. En parallèle, par un jeu de flash-back incessants entre passé et présent, une énigme tortueuse se déploie autour d’un neurochirurgien en quête d’identité. Après avoir perdu le contrôle de son véhicule en compagnie de sa femme enceinte, David se réveille à l’hôpital : elle n’a pas survécu, mais le nourrisson, lui, a été sauvé. Foudroyé par un cancer, il entreprend en désespoir de cause de retrouver ses parents biologiques pour une greffe. Ce cheminement jonché d’interrogations le conduit à remonter le temps, à exhumer le traitement inhumain infligé à ses géniteurs et à interroger la part de responsabilité de ses parents adoptifs.

À travers deux intrigues parallèles parfaitement imbriquées, Juan Carlos Medina choisit une démarche baroque, originale, pour illustrer le sort réservé aux enfants martyrs. Parce qu’ils sont condamnés à ne pas ressentir la douleur, un médecin nazi entreprend de les transformer en cobayes pour servir une race supérieure destinée à dominer le monde (thème déjà abordé par Franklin J. Schaffner dans l’audacieux Ces garçons qui venaient du Brésil). Dans l’humanisme désespéré de cette innocence crucifiée par le fascisme, Insensibles devient une épreuve de force que le spectateur subit pas à pas, contraint de sonder ses abîmes. Figure centrale, l’enfant monstre mutique incarne toutes les souffrances : engendré par le conservatisme des nationalistes, conditionné à infliger les pires tortures aux otages anarchistes, il symbolise une enfance déchue, livrée à la déchéance. À travers son destin martyr, le réalisateur interroge la violence éducative, la discipline autoritaire, l’intolérance, et la manière dont certains enfants, dès l’aube de leur vie, reproduisent les effets délétères de la haine. Derrière cette réflexion se dessine la quête identitaire de l’enfant en gestation, et son besoin instinctif d’amour maternel, seul rempart possible au sein de la cellule familiale.

Chronique de la douleur.
Superbement écrit à travers une intrigue foisonnante, Insensibles est un chemin de croix hypnotique dont la rudesse psychologique fera chanceler plus d’un spectateur. Métaphore de l’endoctrinement du mal, œuvre humaniste profondément désespérée, cri d’alarme pour la postérité des enfants martyrisés. Si son réalisme cru se révèle parfois insoutenable, Medina a l’intelligence de recourir au hors-champ pour éluder la violence la plus ignoble (les tortures infligées aux partisans). Il demeure pourtant impossible de sortir indemne d’une œuvre aussi abrupte, presque antipathique et bouleversante, fustigeant la candeur la plus sacrée : l’enfance violée.

Public averti

— le cinéphile du cœur noir

15.02.13
21.09.25. Vost

La Rose Ecorchée

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site reeldistraction.com

"Devil's Maniac / The Blood Rose" de Claude Mulot. 1969. France. 1h32. Avec Philippe Lemaire, Annie Duperey, Elizabeth Teissier, Olivia Robin, Michèle Perello, Valérie Boisgel, Jean-Pierre Honoré, Gérard Antoine Huart, Howard Vernon.

FILMOGRAPHIE: Claude Mulot (Frédéric Lansac) est un réalisateur et scénariste français, né le 21 août 1942 à Paris, décédé le 13 Octobre 1986 à Saint-Tropez. 1968: Sexyrella. 1969: La Rose Ecorchée. 1971: La Saignée. 1973: Profession : Aventuriers. 1974: Les Charnelles. 1975: Le Sexe qui parle. 1976: La Rage de jouir. 1977: Suprêmes jouissances. 1977: La Grande Baise. 1977: Belles d'un soir. 1978: Le Sexe qui parle 2. 1980: La Femme Objet. 1980: l'Immorale. 1980: Les Petites écolières. 1981: Le jour se lève et les conneries commencent. 1983: Black Venus. 1986: Le Couteau sous la gorge.

Claude Mulot, spécialiste du porno durant les années 70, réalise avec son second long-métrage un fleuron bisseux du fantastique français. L'une des rares incursions dans le gothisme flamboyant hérité des cinéastes transalpins Bava / Freda. Le casting étant constitué de comédiens hétérogènes parmi lesquels Annie Duperey (plus belle et gracile que jamais), notre future voyante astrale Elizabeth Tessier (!?), le vétéran Howard Vernon, Philippe Lemaire, puis enfin les deux nabots Roberto et Johnny Cacao. Sans occulter à moindre échelle le charme de demoiselles dénudées d'une beauté particulièrement lascive (Olivia Robin en tête pour son physique particulièrement longiligne et ensorcelant). Ainsi, la trame de la Rose Ecorchée est une déclinaison à peine voilé des Yeux sans Visages de Franju. Si bien que la femme d'un riche peintre se retrouve défigurée suite à un accident volontairement perpétré par la maîtresse jalouse. Éperdument amoureux mais anéanti par le chagrin, Frédéric se calfeutre à l'intérieur de son château parmi la présence monstrueuse de son épouse. Jusqu'au jour où l'un de ses amis botaniques, ancien chirurgien, lui offre l'opportunité de tenter une greffe de visage afin qu'Anne puisse retrouver sa beauté d'antan. Or, ils ont besoin de kidnapper une jeune pèlerine afin de pouvoir lui prélever des tissus vivants.

Esthétiquement splendide dans tous les coins de chaque cadre, la Rose Ecorchée s'avère de prime abord un régal formel tant Mulot s'attarde à fignoler ses cadrages, ses éclairages baroques à travers des décors d'architecture aux nuances polychromes. Le tout filmé en interne d'un château ancestral (comme le souligne le générique liminaire). Baignant constamment dans une ambiance mélancolique, le film est une élégie romantique auprès de deux amants maudits séparés par la jalousie d'une mégère capricieuse. Les protagonistes principaux qui évoluent durant le récit (Frédéric, Anne et le docteur Romer) se caractérisant par des individus meurtries et égoïstes davantage gagnés par le désagrément du remord. Spoiler ! C'est d'ailleurs avec la remise en question du docteur Romer (incarné par Howard Vernon étonnamment sobre dans sa posture carrée), épris de contrition, que l'opération tant escomptée convergera vers une débâcle familiale. Fin du Spoiler. D'un érotisme timoré pour contempler la présence suave de filles déshabillées, et frileux en terme d'effusions gores, la Rose Ecorchée déploie pour autant en de brèves occasions une certaine violence impudente auprès des altercations commises sur des femmes démunies. L'ambition de Claude Mulot n'est donc pas de nous façonner un film d'exploitation plagiant sans vergogne les thèmes chers à Georges Franju mais de nous narrer avec lyrisme prude une cruelle histoire d'amour. La présence saugrenue des deux nains peut parfois prêter à sourire dans leur jeu quelque peu inexpressif mais ils réussissent néanmoins à véhiculer une présence insolite autour des agissements d'antagonistes altiers.

Le château des amants maudits
Oublié de tous mais défendu bec et ongle par une poignée de fantasticophiles puristes, La Rose Ecorchée est l'une des rares réussites françaises à avoir su faire preuve d'ambition formelle en empruntant le patrimoine du gothisme italien. Le soin alloué à la mise en scène, la sincérité des comédiens et surtout l'esthétisme stylisé émanant des intérieurs du château convergent au conte aussi scintillant qu'infortuné. A revoir d'urgence. 

*Bruno
14.02.13. 

30.04.24. 

25.09.24. 4èx

Le Locataire / The Tenant

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinecube.wordpress.com

 

de Roman Polanski. 1976. France. 2h05. Avec Roman Polanski, Isabelle Adjani, Melvin Douglas, Shelley Winters, Bernard Fresson, Claude Dauphin, Jo Van Fleet, Rufus, Josiane Balasko, Michel Blanc, Gérard Jugnot, Bernard Pierre Donnadieu.

Sortie salles France: 26 Mai 1976 (interdit - de 18 ans). U.S: 11 Juin 1976

FILMOGRAPHIE: Roman Polanski (né le 18 août 1933 à Paris) est un comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra puis un producteur, scénariste et réalisateur de cinéma franco-polonais. 1962 : Le Couteau dans l'eau , 1965 : Répulsion, 1966 : Cul-de-sac, 1967 : Le Bal des vampires, 1968 : Rosemary’s baby, 1971 : Macbeth, 1972 : Quoi ?, 1974 : Chinatown, 1976 : Le Locataire ,1979 : Tess, 1986 : Pirates, 1988 : Frantic, 1992 : Lunes de fiel ,1994 : La Jeune Fille et la Mort , 1999 : La Neuvième Porte ,2002 : Le Pianiste,2005 : Oliver Twist, 2010 : The Ghost Writer 2011 : Le Dieu du carnage. 

 

Troisième film du cycle des appartements, Le Locataire marque l’ultime offrande du fantastique paranoïaque, dominée par la prestance transie du réalisateur lui-même, Roman Polanski. Adapté du roman Le Locataire chimérique de Roland Topor (1964), ce cauchemar kafkaïen d’un homme happé par la folie interroge sans relâche le spectateur, écartelé entre raison et surnaturel.

Synopsis : Alors que l’ancienne locataire s’est défenestrée du troisième étage, un jeune célibataire timoré loue son appartement malgré l’hostilité d’un voisinage prompt au commérage. Peu à peu, cet homme, sans cesse épié et réprimandé, sombre dans une paranoïa schizophrène.

Dans l’atmosphère feutrée d’un immeuble hermétique peuplé de vieillards acariâtres, Le Locataire nous entraîne dans la lente décomposition mentale d’un être introverti, persécuté à chaque souffle de manière aussi vénéneuse qu'insidieuse. Entre le suicide inexpliqué de Madame Choule et le harcèlement du voisinage, les signes s’accumulent : une dent encastrée dans le mur, une carte postale inquiétante, des hiéroglyphes gravés sur le muret des toilettes. Autant d’indices qui précipitent Trelkovsky dans l’abîme.

Polanski use d’abord de la dérision pour écraser peu à peu son héros : Trelkovsky, timide et dénué d’aplomb, devient la proie idéale de ces figures ridées, incapables de tolérer le moindre bruit. Contraint de subir l’impertinence de ses amis - jusqu’à une fête improvisée qui le condamne aux yeux du voisinage -, il tente en vain de préserver une tranquillité qu'on lui refuse. Grâce à une photographie désaturée et une mise en scène où rien n’échappe au hasard, Polanski entretient un climat d’étrangeté subtilement poisseuse : l’immeuble semble respirer l’oppression, et les silhouettes figées derrière les vitres paraissent guetter l’effondrement du locataire.

À mesure que l’angoisse enfle, Trelkovsky s’enferme dans la certitude d’un complot. Les voisins, le tenancier du café, les bruits, les regards : tout conspire à son anéantissement. Sous l’emprise d’une peur insidieuse, il se met à revivre les gestes de la défunte Madame Choule, buvant son chocolat, fumant ses Marlboro, jusqu’à s’y dissoudre. L’angoisse devient terreur, la terreur folie.

Saturé d’inquiétude et d’étrangeté palpable, le film également trouve sa force dans l’ambiguïté que Polanski cultive : sommes-nous témoins d’une malédiction, d’une contamination psychique, ou d’une simple dérive mentale ? L’appartement est-il hanté par l’esprit de la morte, ou par la tyrannie de ces voisins aux visages de pierre ? À travers des hallucinations cauchemardesques, Polanski déforme la réalité : reptiles démoniaques, théâtre morbide, visions absurdes - tout devient le miroir d’un esprit disloqué. Les quarante-cinq dernières minutes, d’une intensité dramatique suffocante, basculent dans un délire à la fois pathétique et terrifiant, jusqu'au malaise viscéral de deux séquences chocs inoubliables. 

Effrayant par son réalisme obscur et fascinant par son climat d'envoutement saupoudré d'humour sardonique, Le Locataire frôle le documentaire psychiatrique : une plongée clinique dans la schizophrénie, où la peur suinte des murs. En acteur, Polanski se livre à nu comme jamais: sa fragilité, son effacement progressif, rendent Trelkovsky bouleversant d’humanité. L’immeuble, prison psychique et corps organique, renferme jusqu’au bout son mystère.

Un chef-d’œuvre d’angoisse feutrée, d’une profondeur aussi trouble et dérangeante que Répulsion et Rosemary’s Baby, venant clore avec brio inégalé la trilogie des appartements.

— le cinéphile du cœur noir 

13.02.13. 26/10/25. 5èx

L'EVADE D'ALCATRAZ (Escape from Alcatraz)

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site pariscine.com

de Don Siegel. 1979. U.S.A. 1h52. Avec Clint Eastwood, Patrick McGoohan, Roberts Blossom, Jack Thibeau, Fred Ward, Paul Benjamin, Larry Hankin.

Sortie salles France: 31 Octobre 1979. U.S: 22 Juin 1979

FILMOGRAPHIE: Don Siegel (Donald Siegel) est un réalisateur et producteur américain, né le 26 Octobre 1912 à Chicago en Illinois, décédé le 20 Avril 1991 à Nipoma, en Californie.
1956: l'Invasion des Profanateurs de Sépultures. 1962: l'Enfer est pour les Héros. 1964: A bout portant. 1968: Police sur la ville. 1968: Un Shérif à New-York. 1970: Sierra Torride. 1971: Les Proies. 1971: l'Inspecteur Harry. 1973: Tuez Charley Varrick ! 1974: Contre une poignée de diamants. 1976: Le Dernier des Géants. 1977: Un Espion de trop. 1979: l'Evadé d'Alcatraz. 1980: Le Lion sort ses griffes. 1982: Jinxed.

Pour la 5 fois, la collaboration Eastwood/Siegel converge au chef-d'oeuvre pour un suspense carcéral d'une intensité rarement égalée. Récit véridique de trois taulards ayant réussi à s'échapper d'une forteresse blindée, l'Evadé d'Alcatraz nous retranscrit leur exploit avec une science du suspense incisive !

Dans une mise en scène affûtée à l'efficacité inébranlable, ce modèle du film de prison nous illustre une tentative d'évasion qui relève de l'improbabilité tant le nombre de risques encourues pour chacun des détenus laisse présager la déroute. La manière documenté dont Don Siegel fait preuve pour retranscrire cette escapade charpentée nous immerge de plein fouet dans l'enceinte d'un pénitencier insulaire réputé inviolable. De prime abord, le réalisateur s'attache à nous décrire la condition de vie totalitaire que chaque détenu est contraint de subir sous l'allégeance d'un directeur pointilleux incapable d'indulgence. C'est le notable Patrick McGoohan qui incarne tout en magnétisme le rôle d'un dirigeant impassible auquel son intransigeance ordonne une discipline de fer chez les surveillants. Dans celui du prisonnier rusé et flegmatique, Clint Eastwood impose une posture inflexible afin de se mesurer aux provocations incessantes d'un taulard méprisable et de son directeur impérieux. Loyal et tolérant, il insuffle par ailleurs une dimension humaniste lorsqu'il se prend d'empathie pour un peintre désabusé et qu'il se lie d'amitié avec un archiviste noir condamné pour sa couleur de peau. Enfin, avec sagacité et patience, il détermine une dimension héroïque pour concrétiser un plan d'évasion où aucun détail n'est laissé au hasard (c'est avec un cure ongle que sa stratégie peut de prime abord aboutir !). Pour exacerber cette tension permanente qui émane des agissements frauduleux de prisonniers occasionnant des risques insensés, le score monocorde de Jerry Fielding est constitué d'une partition quasi insonore. Enfin, le point d'orgue impartie à l'insoluble escapade est un moment d'anthologie échevelé où les nerfs du spectateur sont mis à rude épreuve.

Passionnant et éprouvant, l'Evadé d'Alcatraz est un gros morceau de cinéma d'une puissance émotionnelle et d'une rigueur technique infaillible. Le récit authentique d'une seule évasion entreprise avec succès par des détenus utopistes (même si nous ne saurons jamais s'ils s'en sont sortis vivants !) au sein d'une île pénitentiaire intangible. C'est d'ailleurs après cette impensable défaite qu'Alcatraz clôturera définitivement ses portes pour se reconvertir en site historique !

12.02.13. 4èx
Bruno Dussart

Citadel. Prix du Public à South by Southwest.

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Ciaran Foy. 2012. Irlande/Angleterre. 1h24. Avec Aneurin Barnard, James Cosmo, Wunmi Mosaku.

Sortie salles U.S: 9 Novembre 2012

FILMOGRAPHIE: Ciaran Foy est un réalisateur, scénariste, monteur, acteur et producteur anglais.
2001: 1902. 2001: Wired. 2002: The Puppet. 2006: The Faeries of Blackheath Woods. 2007: Scumbot. 2009: Hotel Darklight (segment directeur). 2012: Citadel.

Dans la lignée des Révoltés de l'an 2000 pour son thème alloué à l'enfant martyr, cette modeste série B co-produite entre l'Irlande et la Grande Bretagne privilégie à point nommé un ton désenchanté pour établir un constat social sur la déliquescence des laissés pour compte. Le Pitch: Suite à l'agression mortelle de son amie par des enfants sauvages, un jeune père de famille sombre dans l'agoraphobie. Epié et menacé par ses meurtriers infantiles, il va tenter de transcender sa frayeur pour sauver sa vie ainsi que celle de son bambin. Imprégné d'une atmosphère à la fois anxiogène et dépressive, et renforcé de l'esthétisme blafard de ghettos défavorisés, Citadel est une oeuvre étrange d'une sensibilité prégnante. Un cauchemar urbain au cours duquel nous suivons l'introspection fébrile d'un jeune veuf traumatisé par la mort de sa compagne lors d'une violente altercation avec de jeunes agresseurs. Souffrant d'agoraphobie et totalement replié au sein de son appartement, Tommy sombre dans une grave paranoïa à force de daigner prémunir coûte que coûte l'existence de son enfant. Sa brève thérapie dans un centre spécialisé et l'aide amicale d'une amie de longue date lui apportent toutefois un frêle soutien, d'autant plus que les sauvageons semblent déterminés à l'appréhender. Mais ce n'est qu'avec l'entremise d'un prêtre accompagné d'un enfant aveugle que Tommy va pouvoir amorcer bravoure et courage afin de réprimer son inévitable frayeur.

Dominé par la prestance chétive de Aneurin Barnard habité par son expression névralgique, il parvient avec beaucoup d'humanisme désarmé à nous insuffler ces lourdes contrariétés au sein de sa solitude meurtrie. Cette ambiance dépressive émanant de sa psyché névrosée engendrant une inévitable empathie chez le spectateur, d'autant plus intrigué par l'hostilité meurtrière d'une bande organisée. En effet, nous ne saurons jamais dans quel but les enfants encapuchonnés atteints de cécité (on pense d'ailleurs aux mutants défigurés de Chromosome 3, tant pour leur apparence infiniment hostile que leur vocalité éraillée !) décident d'assassiner tous les adultes. Si ce n'est que seuls les quidams dominés par leur propre peur sont systématiquement identifiés et battus à mort. Spoil ! La cause de leur déficience mentale ainsi que leurs pulsions erratiques proviendraient d'une maladie infectieuse d'origine inconnue transmise par la mère de deux jumeaux Fin du Spoil. Sans fioriture, le film réussit avec réalisme cafardeux à y dépeindre un climat de peur palpable au sein d'une banlieue déserté de citadins, d'où seule plane la présence primitive d'enfants martyrs livrés à l'abandon. Son final particulièrement poignant véhiculant également une vibrante émotion pour la destinée précaire de nos héros, mais aussi celle des antagonistes infantiles, victimes malgré eux d'une société individualiste dénuée d'empathie.

Les Enfants du Silence
Réalisé avec autonomie au sein d'un climat malsain constamment éprouvant et dominé par une poignée de comédiens chargés d'humanisme torturé (ou altruiste), Citadel conjugue à travers son récit initiatique désespoir, angoisse et terreur quasi viscérales autour d'un constat social sur la délinquance juvénile. Y découle une oeuvre indépendante aussi fragile qu'austère, d'une efficacité constante (notamment pour l'habileté du réalisateur d'y entretenir le mystère jusqu'à mi-parcours du récit) et à la violence rugueuse, exacerbée d'une force émotionnelle désespérée. Un véritable must du genre, à réserver toutefois à un public averti de par son vérisme éprouvant imparti à l'innocence galvaudée.

*Eric Binford

24.12.21

11.02.13

Récompenses: Prix du Public (Midnight Audience) à South by Southwest, 2012
Prix Narcisse au Festival de Neuchâtel, 2012
Méliès d'Argent au Festival de Neuchâtel, 2012
Meilleur réalisateur au Festival du film fantastique de Puchon, 2012
Meilleur son aux Irish Film and Television Awards, 2013

FARGO. Prix de la mise en scène, Cannes 1996

                          Photo emprunté sur Google, appartenant au site blogaudessusducinema.over-blog.fr

de Joel et Ethan Cohen. 1996. U.S.A/Angleterre. 1h38. Avec Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Peter Stormare, Harve Presnell, John Carroll Lynch.

Sortie salles France: 4 Septembre 1996. U.S: 8 Mars 1996

Récompenses: Prix de la mise en scène, Cannes 1996
Meilleure Actrice (Frances McDormand) et Meilleur Scénario Original (Ethan et Joel Cohen) aux Oscars en 1997.
Meilleur Film Etranger: Australian Film Institute Awards 1996

FILMOGRAPHIE: Joel Coen (né le 29 novembre 1954) et Ethan Coen (né le 21 Septembre 1957) sont deux frères réalisateurs, scénaristes, monteurs, acteurs et producteurs américains.
1984: Sang pour Sang, 1987: Arizona Junior, 1990: Miller's Crossing, 1991: Barton Fink, 1994: Le Grand Saut, 1996: Fargo, 1998: The Big Lebowski, 2000: O'Brother, 2001: The Barber, 2003: Intolérable Cruauté, 2004: Ladykillers, 2006: Paris, je t'aime (tuileries), 2007: No country for old men, Chacun son cinéma (sktech: world cinema), 2008: Burn After Reading, 2009: A Serious Man, 2010: True Grit.

                                                    CECI EST UNE HISTOIRE VRAIE
Elle s'est déroulée dans le Minnesota en 1987.
A la demande des survivants, les noms ont été changés.
Par respect pour les morts, tout le reste a été conservé.

Glaçant de savoir que cette histoire d'enlèvement relève d'un fait divers macabre, rehaussé en l'occurrence d'un humour noir grinçant sous la houlette des frères Cohen ! Polar noir illustrant l'équipée risible d'une bande de pieds nickelés appâtés par le gain, Fargo est une peinture acide de la médiocrité humaine. Un vendeur de voitures endetté décide de faire enlever sa femme par deux malfrats pour la somme de 80 000 dollars qu'ils se partageront à part égale ! Ce compromis perfide négocié avec deux nigauds incultes va déboucher sur une sordide hécatombe meurtrière !

Sous le climat enneigé d'une paisible bourgade du Minnesota, les frères Cohen redoublent de sagacité pour nous élaborer un scénario machiavélique au cynisme décapant ! La manigance maladroite impartie à un entrepreneur raté, affilié à deux malfrats rétrogrades, débouche sur une succession de bévues irréversibles ! Sous l'égide d'une chef de police sereine menant son enquête avec aplomb, Fargo dépeint son portrait avec un humanisme payant, en totale décalage avec l'irresponsabilité d'individus cupides englués dans leur paresse. Sous l'oeil finaud de cette policière, les frères Cohen nous illustrent une descente aux enfers implacable où tous les antagonistes se vautrent dans une indolence régressive alors que les témoins innocents périront de leur lâcheté impudente. Si l'étonnante Frances McDormand insuffle une aisance naturelle pour interpréter le rôle flegmatique d'une femme flic intègre, William H. Macy impose un jeu insidieux pour endosser celui d'un père de famille de classe moyenne progressivement avili par sa cupidité. Sans doute le personnage le plus dérisoire, couard et négligent du film, ultime responsable de cette déchéance meurtrière. Enfin, Steve Buscemi et Peter Stormare forment l'improbable tandem de pieds nickelés lunatiques, abêtis par la pop-culture ricaine des soap-opera et de la malbouffe standard.

Bénéficiant d'un scénario charpenté complètement imprévisible et d'une mise en scène formelle fignolant sa nature réfrigérante, Fargo est une perle noire d'une drôlerie macabre particulièrement tragique. Sa peinture peu reluisante d'une Amérique profonde déshumanisée par son inculture laisse en exergue une satire au vitriol de la bassesse humaine. 

07.02.13
Bruno Matéï