Les Vampires / I Vampiri

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site videowatchdog.com

de Riccardo Freda et Mario bava. 1956. Italie. 1h22. Avec Gianna Maria Canale, Carlo D'Angelo, Dario Michaelis, Wandisa Guida, Angelo Galassi, Antoine Balpêtré.

Sortie salles France: 27 Novembre 1957

FILMOGRAPHIE: Riccardo Freda (né le 24 février 1909 à Alexandrie, Égypte - mort le 20 décembre 1999 à Rome) est un réalisateur, scénariste et acteur italien. 1942 : Don César de Bazan
1945 : Toute la ville chante. 1946 : L'Aigle noir. 1948 : Les Misérables ou L'Évadé du bagne. 1948 : Le Cavalier mystérieux. 1949 : Le Fils de d'Artagnan. 1951 : La Vengeance de l'aigle noir. 1951 : Trahison. 1953 : Spartacus. 1953 : Les Mosaïques de Ravenne. 1954 : Théodora, impératrice de Byzance. 1956: Le Chateau des amants maudits. 1956 : Les Vampires. 1959 : Caltiki, le monstre immortel. 1960 : Le Géant de Thessalie. 1961 : Les Mongols (coréalisateur). 1961 : Le Géant à la cour de Kublai Khan. 1962 : Sept épées pour le roi. 1962 : Maciste en enfer. 1962 : L'Effroyable secret du docteur Hichcock. 1963 : Le Spectre du professeur Hichcock. 1964 : Les Deux Orphelines. 1964 : Roméo et Juliette. 1965 : L'Aigle de Florence. 1965 : Coplan FX 18 casse tout. 1966 : Roger la Honte. 1967 : Coplan ouvre le feu à Mexico.

Premier film d'horreur italien de l’après-guerre, Les Vampires réunit deux talents: Riccardo Freda, responsable de la première moitié du tournage menée en quinze jours, et Mario Bava, directeur de la photo et des effets spéciaux, qui prit en charge la seconde en seulement deux jours et demi après le départ précipité de son comparse. La faute, dit-on, à l’irascibilité de Freda selon Jean-Pierre Dionnet, qui l’avait personnellement fréquenté (voir interview du DVD français édité chez Carlotta). Après le succès de la Hammer, les Italiens exploitent à leur tour le filon vampirique, mais en s’inspirant davantage de la série française Les Vampires de Louis Feuillade et du théâtre du Grand-Guignol ; un croisement étrange entre néo-réalisme et classicisme gothique. Exit donc le vampire aristocrate, Van Helsing, la cape noire, l’ail et les canines : Freda a l’idée judicieuse de transposer l’action dans le Paris contemporain des années 50.

Synopsis. 1956. Des cadavres de jeunes femmes sont repêchés dans la Seine. On parle bientôt d’un serial-killer surnommé le Vampire. Puis c’est l’enlèvement d’une comédienne, Lorette Robert, qui embrase les journaux. Tandis que la police piétine, un journaliste s’obstine à éclaircir l’affaire - au moment même où il se retrouve courtisé par Giselle, nièce de la célèbre duchesse du Grand.

Ce récit inquiétant, alternant disparitions en série, expérimentations scientifiques et investigation journalistico-policière, distille un suspense habile grâce à la réalisation soignée de Freda et Bava. Ensemble, ils transfigurent une scénographie gothique - château, crypte souterraine, chapelle, magnifiés par des plans stylisés d’un onirisme macabre - au cœur d’un contexte urbain moderne (le Paris des années 50, bien que reconstitué en Italie). Cette hybridation convoque par ailleurs l’épouvante Universal à travers un duo de médecins proches du mythe du savant fou dévoré par ses expérimentations occultes. En mêlant vampirisme et quête de jeunesse éternelle, les auteurs renouvellent les codes sous l’impulsion d’un antagoniste féminin redoutablement sournois. Gianna Maria Canale (épouse à la ville de Freda !) incarne, avec un charme glaçant et une arrogance souveraine, une héritière avide d’élégance et de prospérité, prête à tout pour conserver son éternelle jeunesse. Outre la violence latente de son tempérament lâche et cruel, ses apparitions vénéneuses sont sublimées par les maquillages de Bava : sa transformation en temps réel dévoile un visage décati, atrocement repoussant - un effet spécial artisanal, d’une ingéniosité rare, inspiré du Dr Jekyll and Mr Hyde de Rouben Mamoulian. Les meilleurs instants du film se cristallisent autour de sa perfidie, de ces confrontations morales où elle déjoue l’intrusion de ses ennemis dans l’ombre du manoir.

Efficace et captivant, porté par une structure narrative originale où enquête policière, expérimentations médicales et vampirisme moderne se superposent dans un cadre néo-réaliste, Les Vampires demeure un divertissement d’une grande tenue - que Mario Bava transcende dans sa seconde partie par un esthétisme gothique d’une poésie sinistre et gracile.

— le cinéphile du cœur noir

21.11.25. 3èx. Vostf

L'Enfant Miroir / The Reflecting Skin

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site paperblog.fr

de Philip Ridley. 1990. U.S.A. 1h36. Avec Viggo Mortensen, Lindsay Duncan, Jeremy Cooper, Sheila Moore, Duncan Fraser, David Longworth, Robert Koons.

Sortie salles France: 28 Novembre 1990

FILMOGRAPHIE: Philip Ridley est un réalisateur et scénariste anglais né le 29 Décembre 1964 à Londres. 1990: L'enfant miroir. 1995: Darkly Noon. 2009: Heartless.

Réalisateur aussi discret que méconnu, Philip Ridley signe en 1990 un coup de maître avec L’Enfant Miroir. Un premier long-métrage bougrement ambitieux, rétif à l’orthodoxie, tendu vers un formalisme rare pour dépeindre un univers atypique, à mi-chemin entre le conte de fées et le drame horrifique. Empruntant les thèmes de la vieillesse, de la mort, de la cruauté, du sexe et de la perversité, L’Enfant Miroir est une odyssée sépulcrale, mélancolique, vue à hauteur d’un bambin moralement perturbé, livré à lui-même depuis la démission parentale : un père soupçonné de crimes pédophiles, une mère régnant par une autorité castratrice, tyrannique jusque dans ses châtiments expéditifs.

Synopsis: Au cœur de l'immensité des champs de blé, d’un jaune incandescent, l’action s’ancre dans une bourgade rurale de l’Amérique des années 50. En attendant le retour salvateur de son frère aîné, parti au front, Seth fuit l’ennui dans des jeux sordides avec ses camarades — comme ce supplice infligé à un crapaud. Témoin de cet acte gratuit, une voisine étrange, Blue Dolphin, se prend d’intérêt pour l’enfant. Invitée dans sa demeure, après un échange autour de jeux morbides, Seth se persuade que, derrière la pâleur spectrale de cette veuve solitaire, se cache un vampire.

Ce pitch tortueux, dénué de raison, Ridley l’aborde à la manière d’un conte macabre, rêvé, fantasmé par un enfant fragile et esseulé. Fasciné par la mort, hanté par l’idée que son frère soit kidnappé par « la femme », Seth déforme son monde malingre, alors que des cadavres d’enfants sont mystérieusement découverts. Dans une mise en scène épurée, baignée d’onirisme — tantôt féerique, tantôt morbide —, Philip Ridley réinvente le langage cinématographique pour nous mener, main dans la main, vers une expérience métaphysique de la mort.

Abordant la peur de vieillir et du trépas à travers le prisme de l’innocence, L’Enfant Miroir déroute par l’émotion fragile qu’il distille, à travers l’enfant et le couple en étreinte, Blue/Cameron. Envoûtant par son étrangeté solaire, baroque, pour le comportement pétulant d’adultes autoritaires envers l’enfant, Ridley construit une succession de scènes singulières autour du témoignage équivoque de Seth — bambin impénétrable, impassible lorsqu’il écoute les adultes.

Criant de naturel trouble dans son petit corps d’enfant, Jeremy Cooper incarne son personnage avec une intensité rare : un regard noir traversé d’une innocence galvaudée. Littéralement transi d’émoi et de fascination dans ce cheminement initiatique, il insuffle un humanisme teinté de désespoir dans sa ballade tortueuse avec les anges et la mort.

Jeux Interdits
Étrange, baroque, dérangeant, mais d’une beauté capiteuse, gracile, flamboyante — L’Enfant Miroir est une expérience unique, tiraillée entre macabre et féerie. Un joyau noir, beau à en pleurer (ces images crépusculaires et incandescentes qui défilent au rythme d’une partition élégiaque !), une œuvre sublime et désenchantée sur la quête insoluble de l’amour, seule promesse d’une jeunesse éternelle pour l’élu.

Bruno
10.05.25. 3èx. Vost

CHUTE LIBRE. Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario.

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieposter.com

"Falling Down" de Joel Schumacher. 1993. U.S.A. 1h52. Avec Michael Douglas, Robert Duvall, Barbara Hershey, Tuesday Weld, Rachel Ticotin, Frederic Forrest, Lois Smith.

Sortie salles France: 26 mai 1993. U.S: 26 février 1993

FILMOGRAPHIE: Joel Schumacher est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 29 août 1939 à New York. 1981: The Incredible Shrinking Woman. 1983: SOS Taxi. 1985: St. Elmo's Fire. 1987: Génération perdue. 1989: Cousins. 1990: L'Expérience interdite. 1991: Le Choix d'aimer. 1993: Chute libre. 1994: Le Client. 1995: Batman Forever. 1996: Le Droit de tuer ? 1997: Batman & Robin. 1999: 8 millimètres. 1999: Personne n'est parfait(e). 2000 : Tigerland. 2002: Bad Company. 2002: Phone Game. 2003: Veronica Guerin. 2004: Le Fantôme de l'Opéra. 2007: Le Nombre 23. 2009: Blood Creek. 2010: Twelve. 2011: Effraction.

Réalisateur capable du pire comme du meilleur en de brèves occasions (selon mon avis personnel), Joel Schumacher réalise sans doute un de ses films les plus percutants avec Chute Libre. Une charge virulente contre l'hypocrisie du consumérisme du point de vue erratique d'un ingénieur de la défense tributaire de ses pulsions de revanche sur la société matérialiste. Alors qu'il tente de rejoindre son ex femme au foyer afin de souhaiter dignement l'anniversaire de sa fille, William Foster est en proie au pétage de plomb moral depuis sa condition d'exclu. Que ce soit auprès de son licenciement économique ou de son mariage raté, il décide aujourd'hui de prendre sa revanche sur son existence sinistrée, quand bien même la faune urbaine de citadins marginaux, arrogants ou nantis va déclencher chez lui une explosion de violence en perdition.

Film choc s'il en est pour la violence incontrôlée du sujet névrosé et les thèmes brûlants conférés au racisme et à la cupidité que Joel Schumacher dépeint au travers de seconds-rôles, Chute Libre cultive un jeu de provocations aussi caustiques que jouissives chez le spectateur. S'identifiant pleinement au marasme social et à la fragilité névralgique de cet ex-ingénieur en voie de rébellion, nous parcourons son itinéraire routard avec l'adrénaline au ventre pour ses pulsions destructrices de revanche contre l'autorité. Outre l'intensité des séquences les plus spectaculaires (la prise d'otage dans le Fast-food, l'affrontement sanglant avec le gang des Chicanos) où la dramaturgie des situations se conjugue à l'absurdité d'un comportement irresponsable, Chute Libre est transcendé par la présence symbolique de Michael Douglas. Portant littéralement le film sur ses épaules, l'acteur se taille une carrure schizo aussi fascinante que malsaine dans ses sentiments d'aversion sociale mêlés de dépit amoureux. Ses interventions inopinées et homériques provoquant chez nous une empathie gênée pour sa décision de précipiter l'acte de riposte auprès d'individus matérialistes, voir fétichistes pour le cas le plus pathologique. Sa rencontre exubérante avec un vendeur xénophobe et homophobe s'avérant l'un des moments les plus dérangeants quand on songe au degré de haine que peuvent véhiculer librement des individus primaires dans leur idéologie fasciste.

Avec une ironie caustique pas toujours du meilleur goût (en de brèves occasions) et au-delà de l'inutilité de quelques séquences triviales (la fête d'anniversaire de l'inspecteur Prendergast au sein du commissariat, le portrait caricatural imparti à son épouse dépressive), Joel Schumacher dresse avec Chute Libre l'aigre constat d'une société mercantile engluée dans l'affabulation et l'hypocrisie, quand bien même les plus démunis tentent d'en tirer profit avec une insolence capricieuse (la sollicitation du Sdf gay, ou à moindre échelle, la baignade du gardien et de sa famille chez son riche propriétaire). Il en émane un divertissement aussi efficace qu'inquiétant dans le portrait imparti à l'affable ingénieur, machine de guerre frondeuse engendrée par la suprématie de nos sociétés modernes. 

Dédicace à Franck Gossard
Bruno Matéï

The Harvest

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de John Mc Naughton. 2013. U.S.A. 1h48. Avec Michael Shannon, Samantha Morton, Natasha Calis, Charlie Tahan, Peter Fonda, Leslie Lyles.

Sortie salles: INEDIT

FILMOGRAPHIE: John Mc Naughton est un réalisateur américain, né le 13 Janvier 1950 à Chicago.
1984: Dealers in Death. 1986: Henry, portrait d'un serial killer. 1991: Sex, drugs, Rock and Roll. 1991: The Borrower. 1993: Mad Dog and Glory. 1996: Normal Life. 1998: Sexcrimes. 2000: Condo Painting. 2001: Speaking of sex. 2004: Redliners. 2009: Backstabbers. 2013: The Harvest.

Révélé par Henry, portrait d'un serial-killer, John Mc Naughton renoue de manière plus édulcorée avec le genre horrifique avec The Harvest. Plus précisément un thriller à suspense où s'y télescope efficacement le drame psychologique lorsqu'une famille dysfonctionnelle s'efforce de préserver la santé de leur jeune fils paraplégique. Mais l'arrivée fortuite d'une jeune voisine soucieuse du sort de l'adolescent va semer le désordre au sein de leur cellule. Un pitch facilement séduisant dans la manière leste dont John Mc Naughton juxtapose le thriller et le drame avec un sens du suspense modestement convaincant.

La condition estropiée d'Andy, l'humanisme fragile des parents et la suspicion de leurs comportements permettant au spectateur de s'y identifier avec une compassion interrogative. Eprouvant une inévitable empathie pour le sort d'Andy atteint de grave paralysie, le cinéaste nous confronte à son désarroi moral et physique (il est un fan de baseball) parmi le témoignage d'une jeune voisine, élément perturbateur car témoin-clef de circonstances aussi malchanceuses que profitables quant à la condition précaire d'Andy. En dépit de la fluidité de son intrigue soigneusement charpentée dosant avec juste mesure rebondissements et revirements, The Harvest tire-parti de son intensité dans la présence dépouillée des comédiens. Outre le plaisir de retrouver Michael Shannon (Take Shelter) dans celui du paternel lunatique, Samantha Morton en mère castratrice ou encore l'apparition annexe de Peter Fonda en grand-père avenant, la prestance de la néophyte Natasha Calis (découverte dans Possédée) leur vole la vedette tant elle apporte beaucoup de tension et de naturel à la progression de l'énigme en porte à faux. Endossant de manière étonnamment expressive (pour un si jeune âge) une investigatrice juvénile aussi craintive que burnée, la comédienne oscille sentiments d'amitié, d'anxiété et de courage avec une sobre vigueur pour le sort de son compagnon d'infortune.

Efficace thriller à suspense soutenu de l'implication enjouée des comédiens, The Harvest aborde les thématiques de l'amour maternel, de la maltraitance infantile et de la perte de l'être cher avec une dimension humaine à la fois poignante et erratique. Un bon divertissement plutôt agréablement mené même si perfectible et assez gentillet dans sa globalité, surtout issu d'un auteur aussi réputé que John Mc Naughton.

*Bruno.

29.01.25. Vost

Rocky. Oscar du Meilleur Film, 1977.

                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de John G. Alvidsen. 1976. U.S.A. 2h00. Avec Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, Burgess Meredith, Thayer David, Joe Spinell

Sortie salles France: 25 Mars 1977. U.S: 3 Décembre 1976

FILMOGRAPHIE: John Guilbert Avildsen est un réalisateur américain né le 21 décembre 1935 à Oak Park, en banlieue de Chicago dans l'Illinois. 1969 : Turn on to Love (en). 1970 : Guess What We Learned in School Today? 1970 : Joe, c'est aussi l'Amérique. 1971 : Cry Uncle! 1972 : Okay Bill. 1972 : Sauvez le tigre. 1975 : W.W. and the Dixie Dancekings. 1976 : Rocky. 1978 : Slow Dancing in the Big City. 1980 : La Formule. 1981 : Les Voisins. 1984 : Karaté Kid. 1986 : Karaté Kid : Le Moment de vérité 2. 1987: Happy New Year. 1988 : Et si on le gardait ? 1989 : Karaté Kid 3 (The Karate Kid, Part III). 1989 : Lean on Me. 1990 : Rocky 5. 1992 : La Puissance de l'ange. 1994 : 8 secondes. 1999 : Inferno.

Oscars du Meilleur Film, Meilleur Réalisateur et Meilleur Montage, Rocky reçut un succès planétaire à travers le monde (même si en France le nombre d'entrées fut timoré) pour marquer à jamais plusieurs générations de spectateurs éblouis par le récit initiatique d'un boxeur de seconde zone hanté par l'esprit de revanche. Un symbole du "rêve américain" dans sa détermination, sa philosophie, sa labeur et son courage à prouver aux yeux du monde qu'il n'est point un loser comme le sous-entend son passé perfectible. Par le biais de ce personnage marginal inscrit dans la fragilité humaine et la volonté de transcender son train de vie précaire, Rocky révéla aux yeux du public la future égérie du cinéma d'action moderne, Sylvester Stallone. L'acteur, littéralement habité par son statut symbolique, laissant libre court à ses sentiments contradictoires de constance, d'endurance et d'angoisse de l'échec avec un humanisme romantique. A l'instar de l'idylle entamée avec Adrian que John G. Alvidsen dépeint avec beaucoup d'humilité. Tourné en seulement 28 jours avec un budget de 1 075 000 dollars, le film en rapporta 225 000 000 $ aux quatre coins du monde alors que son thème, Gonna Fly Now, composé par Bill Conti accèdera à la première place du Billboard Hot 100 du 2 au 8 Juillet 1977. D'après un scénario entièrement écrit par Sylvester Stallone, le film suit donc le parcours initiatique d'un boxer ayant l'opportunité de prouver ses atouts en affrontant un champion du monde de poids lourds le jour du bicentenaire.

Ainsi, avec une émotion emplie de tendresse pour ces personnages, John G. Alvidsen brosse les portraits intimes de prolétaires conscients de leur statut besogneux car hantés par la peur de l'échec, la désillusion et l'hésitation d'affronter leur propre vie. Je songe surtout à Paulie Pennino, l'ami de Rocky, boucher bourru désespéré à l'idée de perdurer sa profession, quand bien même sa soeur introvertie Adrian, occupe une place de vendeuse en animalerie avec une discrétion timorée. Par le biais de ce duo atone, Rocky va tenter d'y apporter une touche d'optimisme et de s'y faire une place empathique en courtisant de prime abord Adrian (ce qui nous vaut des scènes romantiques d'une pudeur émotionnelle souvent poignante). Ces personnages de désoeuvrés truffés de fragilité dans leur condition d'exclu, John G. Alvidsen les filment avec une sobre dignité. Quand bien même le personnage secondaire de Mickey, manager grincheux subitement épris d'empathie pour l'ambition de Rocky, intervient pour contrer l'angoisse de l'échec. Par conséquent, à travers les contradictions du manque de confiance et du dépassement de soi, le parcours personnel de Rocky n'est pas de remporter la victoire pour le trophée d'une ceinture mais de résister au combat, tenir la distance, marquer la cadence de l'endurance afin de tenir tête à son adversaire jusqu'au dernier round. Ce qui donne lieu à un combat final d'une intensité émotionnelle ardue de par l'appétence morale de notre boxeur délibéré à parvenir jusqu'au bout de son dessein avec une fulgurante résignation.

A travers les plages intimistes d'une romance inscrite dans la candeur des sentiments, et par l'initiation morale d'un boxeur avide de revanche sur sa condition lambda, Rocky nous offre une leçon de vie et d'obstination avec une vibrante acuité émotionnelle. Outre le caractère attachant de ces laissés pour compte que les comédiens endossent avec une spontanéité somme toute fragile, Rocky enivre les coeurs sous l'impulsion héroïque d'une légende de cinéma: Sylvester Stallone. Un grand moment de cinéma, une odyssée de l'espoir et du courage par le travail de l'endurance, et ce doublé d'un noble hommage à la pratique controversée de la boxe. 

Dédicace à Stéphane Passoni.

*Bruno

3èx

Rocky 2: http://brunomatei.blogspot.fr/20…/…/rocky-2-la-revanche.html
Rocky 3: http://brunomatei.blogspot.fr/…/12/rocky-3-loeil-du-tigre.h…

La Pluie du Diable / The Devil's Rain !

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site hollywood70.com

de Robert Fuest. 1975. U.S.A/Mexique. 1h27. Avec Ernest Borgnine, Tom Skerritt, Joan Prather, Eddie Albert, William Shatner, Ida Lupino, Woody Chambliss, Keenan Wynn, Claudio Brook, Erika Carlsson, George Sawaya, John Travolta

Sortie salles France: 27 juillet 1977. U.S: Juillet 1975.

FILMOGRAPHIE: Robert Fuest est un réalisateur et scénariste anglais, né le 30 Septembre 1927 à Londres, décédé le 21 Mars 2012. 1967: Just like a Woman. 1970: And soon the Darkness. 1970: Les Hauts de Hurlevent. 1971: L'Abominable Dr Phibes. 1972: Le Retour du Dr Phibes. 1973: Les Décimales du Futur. 1975: La Pluie du Diable. 1977: Three Dangerous Ladies. 1980: Revenge of the Stepford Wives (télé-film). 1981: The Big Stuffed Dog (télé-film). 1982: Aphrodite.

Relativement peu connu du public et oublié des cinéphiles, La Pluie du Diable fait office d'ovni horrifique pour sa thématique empruntée au satanisme auquel son esthétisme funéraire fait tout le sel d'une narration assez superficielle. Sa réussite formelle émanant de son ambiance ombrageuse particulièrement palpable au sein d'un village fantôme abritant une secte d'adorateurs du diable. Et donc, en dépit de son scénario linéaire plutôt redondant et sans véritable surprise (si ce n'est la découverte du réceptacle des âmes maudites), La Pluie du Diable parvient néanmoins à entretenir l'intérêt grâce à la cristallisation de cette atmosphère insolite implantée en plein désert californien. Quand bien même des suppôts encapuchonnés récitent leur prière dans une église désaffectée après avoir dédié leur âme auprès de leur gourou. Enlaidis d'un visage tuméfié et de yeux énucléés, Robert Fuest y apporte une touche d'originalité pour leur physionomie difforme si bien que si la pluie venait à s'abattre sur eux, leurs corps s'y liquéfieraient jusqu'à former une mare gélatineuse sur le sol !

Récompensé du Prix des Meilleurs Effets Spéciaux au festival du Rex, ses séquences chocs sont assez convaincantes pour impressionner (et aussi divertir) le spectateur, témoin contemplatif d'un spectacle d'épouvante aussi inédit que délirant. Principalement lors de son final explosif auquel un orage purificateur y sèmera la zizanie alors que l'église se retrouve assiégée par les flammes. Epaulé d'une partition dissonante et d'une photo sépia mortuaire (horizon picturale d'une nature crépusculaire à l'appui) de toute beauté, le film fait preuve d'une volonté expérimentale à nous immerger dans les manigances occultes d'une secte multipliant les sacrifices humains afin d'asseoir leur suprématie. L'intrigue se focalisant sur le patrimoine d'une famille maudite auquel l'un des membres, Jonathan Corbis, jura de se venger après avoir été condamné au bûcher. 300 siècles plus tard, par on ne sait quel miracle, ce dernier réapparaît d'entre les morts pour perdurer sa doctrine sataniste auprès de ses disciples en ascension. Mais pour parfaire son dessein et y sacrifier les âmes, il doit être en possession d'un précieux livre qu'un de ces ancêtres sauvegarde secrètement. Une intrigue parfois confuse résolument étrange qui parvient néanmoins à convaincre, à captiver par le biais d'une distribution impliquée (on y croise le vétéran Ernest Borgnine, Tom Skerritt, William Shatner et même John Travolta lors d'une apparition furtive !) tout en conférant une certaine empathie au sort précaire de la famille Preston. Pour l'anecdote, aussi étonnante que troublante, et afin de renforcer la véracité des faits diaboliques, Anton Szandor LaVey, créateur de l'Eglise de Satan édifiée en 1966, fut consultant et figurant durant les scènes des divers rituels.

En dépit d'une intrigue sommaire donc et d'un suspense à court de carburant, La Pluie du Diable puise son charme formel et son intérêt ludique dans la cristallisation d'une atmosphère démoniaque littéralement ensorcelante. Il y émane une excellente série B occulte, efficace, baroque et parfois même impressionnante pour la parenthèse des scènes-chocs. Une expérience sataniste aussi convaincante dans sa description emphatique d'un séminaire à la fois obscure, ombrageux, laconique, macabre.   

*Bruno
4èx. Vostf

Récompenses: Prix du meilleur second rôle féminin pour Ida Lupino, par l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur en 1976.
Prix des meilleurs effets spéciaux, lors du sixième festival du film fantastique de Paris en 1977.

Y'a-t-il un pilote dans l'avion ? / Airplane !

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site board.dailyflix.net

de Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker. 1980. U.S.A. 1h25. Avec Robert Hays, Julie Hagerty, Lloyd Bridges, Leslie Nielsen, Robert Stack, Peter Graves, Kareem Abdul-Ja.

Sortie salles France: 24 septembre 1980. U.S: 2 juillet 1980

FILMOGRAPHIE: Les ZAZ est un trio de réalisateurs, scénaristes et producteurs américains que représentent les frères Zucker (David Zucker et Jerry Zucker) et Jim Abrahams. 1977 : Hamburger film sandwich. 1980 : Y a-t-il un pilote dans l'avion ? 1982 : Série télévisée Police Squad. 1984: Top secret ! 1986: Y a-t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988: Y a-t-il un flic pour sauver la reine ? 1991: Y a-t-il un flic pour sauver le président ? 1994: Y a-t-il un flic pour sauver Hollywood ?

Précurseur de la parodie survoltée dans laquelle chaque gag fuse en moyenne toutes les 10 secondes, Y a-t-il un pilote dans l'avion ? ébranla le public et la critique des années 80 peu habitués à fréquenter une comédie aussi désopilante. Pastichant les films catastrophes des Seventies, particulièrement A l'heure zéro et la série des Airport, cette comédie frénétique assura la notoriété d'un trio de réalisateurs surnommé ZAZ alors qu'il s'agissait de leur second long métrage. 

Le pitch: A destination de Chicago, les passagers et pilotes d'un avion sont victimes d'une intoxication alimentaire provenant du poisson avarié. Après avoir installé le pilote automatique, un praticien et une éminente hôtesse, Elaine Dickison, suggèrent l'aide d'un éventuel pilote parmi les voyageurs. C'est là qu'intervient Ted Striker, l'ancien petit ami d'Elaine embarqué à bord depuis qu'il tente en ultime recours de la reconquérir. C'est le début d'une nuit de panique qu'endurera tout l'équipage alors que Ted tentera par tous les moyens d'imposer un atterrissage forcé aux supérieurs de la tour de contrôle.

Pratiquant sans modération l'humour nonsensique et l'hyperbole afin de surenchérir un suspense catastrophiste gagné d'hilarité, Y a-t-il un pilote dans l'avion ? fait preuve d'une insolence effrontée sous l'impulsion de personnages tous plus erratiques les uns les autres. Les gags visuels autant que verbaux fusant tous azimuts pour alterner éclats de rire et sourires radieux aux moments les moins frappadingues. Car si tout n'est pas du meilleur goût, la bonne humeur qui émane des comédiens en roue libre et le déchaînement d'idées absurdes et grotesques défilant au rythme d'une progression dramatique parviennent à pallier certains rares couacs débridées. Outre l'irrésistible cocasserie qu'insufflent chacun des seconds-rôles impliqués dans un contexte d'extrême danger, le récit est dominé par la présence saugrenue de Robert Hays incarnant avec un naturel volontairement empoté un pilote faillible en initiation héroïque. Dépeignant en sous intrigue sa romance avec l'hôtesse de l'air, Julie Hagerty lui partage la vedette avec un charme aussi innocent que sémillant, à l'imnstar de sa silhouette filiforme discrètement sensuelle. Ce duo improbable partagé entre les instincts de survie et de reconquête amoureuse parvient à nous familiariser dans la simplicité d'une complicité amiteuse bientôt rattrapée de regain de tendresse. De cette romance en ascension émane une entraide folingue quand bien même de multiples flashback vont venir nous rappeler de quelle manière à pu débuter leur accointance. A savoir, sur la piste d'une danse disco faisant référence parodique à la Fièvre du Samedi soir !

Huis-clos de tous les dangers où les catastrophes les plus incongrues se déchaînent sans répit à bord d'un avion animé d'hystérie collective, Y a-t'il un pilote dans l'avion ? n'a pas volé sa réputation de comédie culte tant la verve insolente du trio ZAZ fait des étincelles sous l'impulsion de gags et clins d'oeil aussi givrés que décomplexés. Un authentique chef-d'oeuvre dont il est impossible de se lasser. 

*Bruno
3èx

Elmer, le remue méninge / Brain Damage

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site avoir-alire.com

de Frank Henenlotter. 1987. U.S.A. 1h25. Avec Rick Herbst, Gordon McDonald, Jennifer Lowry, Lucille Saint-Peter, John Zascherle.

Sortie salles U.S: 15 Avril 1988

FILMOGRAPHIE: Frank Henenlotter est un réalisateur américain de films d'horreur né le 29 août 1950 à New-York. 1982: Frères de sang. 1988: Elmer, le remue-méninges. 1990: Frères de sang 2. 1990: Frankenhooker. 1992: Frères de Sang 3. 2008: Sex Addict.

Six ans après avoir surpris les amateurs d’horreur mal élevée avec Frères de sang, Frank Henenlotter renoue avec le culte d’une série B underground toujours aussi effrontée et crapoteuse. Elmer retrace avec un humour noir acéré la déliquescence morale d’un junkie soumis à la liqueur qu’une créature lui injecte dans la nuque. Seul prix à payer pour ce paradis artificiel : sacrifier d’innocentes victimes afin de nourrir l’appétit vorace de son nouveau compagnon, incapable de subsister sans dévorer un cerveau humain. Métaphore évidente de l’emprise narcotique, Elmer, le remue-méninges joue la carte du divertissement gore à renfort de séquences cradingues d’une efficacité redoutable, quand l’humour ravageur assume crânement le mauvais goût de situations lubriques (l’infâme scène de fellation alternant rire nerveux et dégoût viscéral).

Grâce à l’inventivité des morceaux de bravoure gore et à la rigueur d’effets spéciaux artisanaux, Henenlotter parvient à amuser et donner vie à une créature phallique aussi atypique que faussement amicale. D’abord charmeur, Elmer se révèle rapidement cynique et sournois dès lors que l’on comprend les aboutissants de sa démarche perfide. Par la complicité toxique entre la bestiole et le jeune étudiant, le film nous entraîne dans une odyssée meurtrière délirante, tandis que Brian sombre dans des hallucinations psychédéliques, ignorant la posture criminelle qui le consume. Oscillant entre horreur morbide et féerie onirique (score envoûtant à l’appui), Elmer cultive une fascination immersive, nous embarquant dans un trip tour à tour stimulant et cauchemardesque. Henenlotter ne lésine pas sur la violence sanguinolente, avec une verdeur inattendue.

Si la conduite minimaliste du scénario peut laisser sur sa faim, le film captive irrémédiablement sous l’impulsion excentrique du duo Brian/Elmer, tandis qu’un couple de vieillards erratiques (anciens propriétaires de la créature) tente frénétiquement de retrouver sa trace, l’écume aux lèvres. En dépit du jeu bancal de quelques seconds rôles amateurs, Rick Herbst convainc pleinement, incarnant avec intensité l’euphorie addictique et les crises de manque atroces qui le déchirent lors de la dernière partie. Un final sanglant, débridé, culminant sur une dernière image d’une singularité fantasmagorique.

Drôlement morbide, cartoonesque et ultra-violent, Elmer le remue-méninges distille une insolente liberté de ton dans son cocktail de mauvais goût assumé et d’horreur salace. Plus de quarante ans après sa sortie, Frank Henenlotter demeure un franc-tireur du genre : insolent, imaginatif, persifleur, livrant sans prétention une diatribe furieuse contre les mirages mortifères de la drogue. Indispensable. 

— le cinéphile du cœur noir 🖤

5èx

ROSALITA, POUR UNE POIGNEE DE SPAGHETTIS 2

de Pascal Frezzato. 2015. France. 16 minutes. Avec Bruno Dussart, Krystin Chaplain, Patrick Lalande, Martial Marie, Adrien Erault, Dominique Botras.

FILMOGRAPHIE: Pascal Frezzato est un réalisateur français de court-métrage, né le 4 Décembre 1972.
2010/11: Predator. 2012: Le Règne des Insectes. 2013: Memory of the dead. 2014: Pour une poignée de Spaghettis. 2015: Rosalita: Pour une Poignée de Spaghettis 2.

                                                          Court visionnable ci-dessous:
                                 https://www.dailymotion.com/…/x3eye27_per-un-pugno-di-spagh…

Suite au bouche à oreille enthousiaste des spectateurs internautes, Pascal Frezzato s'entreprend de réaliser une suite au détonnant Pour une poignée de Spaghettis en y ajoutant cette fois-ci une touche féminine en la présence lumineuse de Krystin Chaplain. L'actrice, charismatique en diable dans sa pétulance, volant quasiment la vedette au personnage de l'Etranger ici sévèrement raillé et malmené. Si le premier volet était parvenu à distraire efficacement dans son lot de cocasseries, d'action et d'effet de surprise couillu, cette suite techniquement plus ambitieuse compte sur l'action trépidante des règlements de compte tout en continuant de surfer sur la science-fiction parmi l'attirail d'effets spéciaux numériques. Sur ce point, Pascal Frezzato continue d'y soigner sa topographie avec un sens du bricolage et du détail faisant souvent illusion. On peut même prétendre qu'il s'agit là de sa plus belle réussite depuis l'entreprise de son premier court: Predators. Alors qu'il déambule au milieu de nulle part afin de retrouver une fugitive du nom de Rosalita, l'Etranger est lâchement blessé par cette dernière. Fait prisonnier par une équipe de mercenaires, il va tenter en désespoir de cause de prendre la poudre d'escampette. Mais l'autorité opiniâtre de Rosalita va le contraindre à nouveau au baroud d'honneur du duel. 

Ce pitch d'une linéarité scolaire, Pascal Frezzato l'exploite assez efficacement grâce au sens du cadrage, à la clarté des bruitages, à la rigueur du montage (à un ou deux faux raccords près), au stylisme de la mise en scène ayant parfois recours aux plans vertigineux (utilisation d'un drone pour ceux aériens) et au caractère épique des échanges de tir belliqueux. "L'étranger" usant notamment de sa technologie futuriste pour duper l'agressivité meurtrière de ses assaillants. Si l'effet de surprise ne joue plus quant à l'origine du héros, les genres détournés du western et de la science-fiction communient à merveille grâce à sa scénographie flamboyante (photo ocre à l'appui), l'inventivité des gadgets futuristes et la présence plus ostensible du vaisseau spatial. Sur ce dernier point, Pascal Frezzato filme cette apparition et son atterrissage à la manière d'un ballet dantesque (score lyrique à l'appui) afin d'insuffler chez le spectateur le même sentiment de fascination que les antagonistes éprouvent sans fléchir. Quant au jeu perfectible des comédiens cabotins issue de l'enseigne Z, il s'avère tantôt habile, tantôt maladroit, quand bien même la rutilante Krystin Chaplain fait preuve d'intense éloquence à exprimer ses sentiments castrateurs sous l'impulsion d'un regard félin. Quand au final, inopiné dans l'issue de la rivalité musclée, Pascal Frezzato prend le parti-pris de bousculer les habitudes du spectateur dans son refus du traditionnel happy-end. Un duel d'autant plus inéquitable que le héros maltraite sa partenaire avec une certaine violence misogyne. Il en émane un sentiment de frustration selon l'interprétation du spectateur, sachant qu'en inversant subitement les rôles on ne sait plus trop vraiment à qui accorder le bénéfice de l'héroïsme. En tous cas, cette conclusion à contre emploi des codes traditionnels ose se démarquer de la routine tout en prenant le risque de déstabiliser le spectateur (quitte à peut-être le décevoir), ce qui n'est pas négligeable.

Inévitablement moins surprenant que le premier opus mais techniquement plus soigné et tout aussi fun dans l'harmonie de son action fougueuse et l'usage délirant des trucages numériques, Pascal Frezzato consolide un sympathique divertissement Z inscrit dans la sincérité et l'émotion, à l'instar de la complicité dévouée des comédiens en herbe. 

Remerciement à toute l'équipe ^^
Bruno Matéï

Le film:
https://www.dailymotion.com/…/x3eye27_per-un-pugno-di-spagh…
Pour rappel, la 1ère partie : http://www.dailymotion.com/…/x28si2w_per-un-pugno-di-spaghe…
La Chronique de la 1ère partie: http://brunomatei.blogspot.fr/…/per-un-pugno-di-spaghetti-p…

L'Echelle de Jacob. Grand Prix de l'étrange, Prix de la critique et Prix du public, Avoriaz 1991.

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorpedia.com

"Jacob's Ladder" de Adrian Lyne. 1990. U.S.A. 1h53. Avec Tim Robbins, Elizabeth Peña, Danny Aiello, Matt Craven, Pruitt Taylor Vince, Jason Alexander.

Sortie salles France: 16 janvier 1991. U.S: 2 novembre 1990.

FILMOGRAPHIE: Adrian Lyne est un réalisateur et producteur britannique, né le 4 Mars 1941 à Peterborough (Grande Bretagne). 1980: Ca plane les filles. 1983: Flashdance. 1986: 9 semaines et demi. 1987: Liaison Fatale. 1990: L'Echelle de Jacob. 1993: Proposition Indécente. 1997: Lolita. 2002: Infidèle. Prochainement: Back Roads.

Grand Prix de l'étrange, Prix de la critique et Prix du public à Avoriaz en 1991, classé comme l'un des 10 films les plus terrifiants de tous les temps selon certains sites spécialisés, l'Echelle de Jacob aborde le thème de la drogue synthétique que certains chimistes auraient expérimenté sur des soldats ricains afin de décupler leur performance physique au front vietnamien. Inspiré d'évènements réels quant à l'utilisation frauduleuse du Benzilate de 3-quinuclidinyle que le Pentagone s'est toujours forcé de nier (ce que surligne le générique de fin), l'Echelle de Jacob est une descente aux enfers paranoïde lorsque la réalité du quotidien se télescope parmi les hallucinations d'un groupe de survivants soumis à leurs effets secondaires psychotiques. Mais sous ses allures de thriller d'épouvante aussi oppressant qu'éprouvant (notamment ce prologue belliqueux illustrant de façon erratique le carnage d'un guet-apens) se cache un douloureux drame psychologique du point de vue de Jacob. Un ancien vétéran du Vietnam sévèrement molesté par ces visions de cauchemar surgissant de son esprit sans prévenir. A ce titre, plusieurs visions d'effroi nous ébranlent durablement l'esprit lorsque que le héros, déjà fragilisé par son expérience du Vietnam et la mort de son fils, assiste impuissant à endurer ses images démoniaques.

C'est donc une terreur "psychologique" que nous illustre froidement Adrian Lyne par le biais de ce cobaye en perdition, d'autant plus isolé à combattre son mal-être depuis la démission de ses collègues et celui de son avocat. Pour pimenter la donne, certains de ses comparses tous aussi marqués par la guerre sont sujets à d'étranges incidents mortels quand bien même la tête de Jacob se retrouve mise à prix par une organisation mafieuse ! Avec l'originalité d'un tel scénario inspiré d'un fait réel et témoignant du trauma de la guerre sous un aspect baroque rarement abordé, l'intrigue dégingandée passionne de bout en bout sous l'impulsion d'un Tim Robins habité par l'aliénation. De par sa prestance viscérale névrosée où l'angoisse suinte de chaque pore de son visage, sa présence malingre distille un climat malsain terriblement anxiogène au fil de son investigation à tenter de percer les aboutissants de sa pathologie et à dénoncer au grand jour les expérimentations de la guerre chimique. Outre le fait de cafarder ces pratiques immorales de l'armée américaine, Adrian Lyne aborde en annexe une réflexion spirituelle vis à vis du cheminement introspectif de Jacob. Par le biais de séquences intimistes imparties à l'innocence sacrifiée, l'Echelle de Jacob évoque notamment la perte de l'être aimée et la peur de la mort avec une émotion poignante jamais sirupeuse. Spoil ! La mort ici rédemptrice et apaisante venant clarifier la donne pour délivrer notre héros de sa condition torturée. Fin du Spoil ! 

Malsain et dérangeant, anxiogène et proprement terrifiant auprès de ses multiplies visions de cauchemar sorties de l'enfer, l'Echelle de Jacob insuffle un malaise paranoïaque au spectateur embarqué, comme le héros, dans un bad-trip expérimental sans échappatoire. Un grand film d'épouvante donc communié à l'intensité du drame humain car entièrement dédié à la psychologie d'une souffrance schizophrène. 

Dédicace à Pand Emy

*Bruno

28.08.24.

3èx. Vostfr

Récompenses: Grand Prix de l'étrange, Prix de la critique et Prix du public au Festival international du film fantastique d'Avoriaz 1991.

BLUE STEEL

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site nitehawkcinema.com

de Kathryn Bigelow. 1990. U.S.A. 1h42. Avec Jamie Lee Curtis, Ron Silver, Clancy Brown, Elizabeth Peña, Louise Fletcher, Philip Bosco, Kevin Dunn.

Sortie salles France: 25 Avril 1990. U.S: 16 Mars 1990

FILMOGRAPHIE: Kathryn Bigelow est une réalisatrice et scénariste américaine, née le 27 Novembre 1951 à San Carlos, Californie (Etats-Unis).
1982: The Loveless (co-réalisé avec Monty Montgomery). 1987: Aux Frontières de l'Aube. 1990: Blue Steel. 1991: Point Break. 1995: Strange Days. 2000: Le Poids de l'eau. 2002: K19. 2009: Démineurs. 2012: Zero Dark Thirty.

Trois ans après son sublime western vampirique, Near Dark, Kathryn Bigelow s'attelle au genre policier avec Blue Steel. Un thriller noir à la lisière de l'horreur lorsqu'un boursier, fasciné par l'héroïsme d'une flic novice, s'empresse de la séduire pour l'inciter à un duel de longue haleine après avoir dérobé le flingue d'un braqueur d'épicerie. A mi chemin entre Liaison Fatale (pour la romance puis le harcèlement du tueur délibéré à tyranniser sa victime féminine) et Un justicier dans la ville (pour le ressort vindicatif de cette dernière délibérée à bafouer les lois depuis l'incrédulité de ses supérieurs), Blue Steel multiplie rebondissements musclés et exactions sanglantes au sein d'une mégalopole soigneusement documentée. Baignant dans une photo azur, le stylisme imparti à la mise en scène fait preuve d'esthétisme léché parmi le score envoûtant de Brad Fiedel conçu pour sa part à alimenter un climat de séduction poisseux autour de l'inimitié des amants maudits.

Par le biais d'une intrigue aussi tortueuse que charpentée, Kathryn Bigelow brosse admirablement deux portraits sur la corde raide. Celui glaçant d'un sociopathe fasciné par les armes à feu et l'autorité de la mort, ce dernier jubilant de perversité à observer du regard des victimes leur peur lorsque l'arme est ciblée contre eux. Et le profil pugnace d'une jeune flic en herbe pleine de constance à pourchasser son ennemi tout en s'efforçant de prouver ses capacités professionnelles afin de convaincre le scepticisme de ses supérieurs. Hanté par sa déficience schizophrène (crises incontrôlées de démence à l'appui !), Ron Silver endosse un tueur cynique redoutablement retors dans ses stratégies d'attaques pour la victime molestée et dans ses subterfuges à déjouer les preuves policières. D'un charisme longiligne dans son costume de flic taillé sur mesure, Jamie Lee Curtis lui partage la vedette avec sensualité et héroïsme martial dangereusement vénéneux. De par ses pulsions vindicatives toujours plus addictives à courser le criminel depuis son impuissance d'assister à l'agonie de ses proches. Oscillant un jeu du chat et de la souris puis une chasse à l'homme de dernier ressort en plein centre urbain, Kathryn Bigelow convoque un duel à bout de souffle entre la victime et son persécuteur. Et si la succession de rebondissements parfois outranciers du dernier acte finissent malgré tout par ternir leur affrontement psychologique, la manière haletante dont l'intrigue est coordonnée et le savoir-faire technique de la réalisation finissent par transcender ses menus défauts.

En dépit de son final ostentatoire un peu fort de café pour les escapades du tueur rendu increvable, Blue Steel insuffle un climat trouble de fascination dans le portrait du schizophrène transi d'émotivité perverse. Quand bien même Jamie Lee Curtis lui dispute la vedette dans une fonction de flic novice attisée par une soif de justice et une volonté de convaincre ses atouts professionnels. Un thriller rondement mené donc autour d'une atmosphère urbaine aussi délétère que magnétique. 

Bruno Matéï
3èx

Récompenses: Mention spéciale pour Jamie Lee Curtis, lors du Festival du film policier de Cognac en 1990.
Prix de la meilleure actrice et nomination au prix du meilleur film, lors du Mystfest en 1990.

Killing Zoe

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinefacts.de

de Roger Avary. 1993. U.S.A/France.1h39 (Director's cut). Avec Eric Stoltz, Jean-Hugues Anglade, Julie Delpy, Tai Thai, Bruce Ramsay, Kario Salem.

Sortie salles France : 31 août 1994 (Interdit aux - de 16 ans). États-Unis : septembre 1994

FILMOGRAPHIE: Roger Avary est un réalisateur et scénariste canadien né le 23 août 1965 à Flin Flon, Manitoba. 1993 : Killing Zoe. 1995 : Mr Stitch. 2003 : Les Lois de l'attraction. 2005 : Glitterati.

Expérience cinégénique comparable au trip hallucinogène oscillant les effets de drogues dures (Acide, Héro, Coco), Killing Zoe réinvente le film de braquage au gré d'une ambiance horrifique immersive. Roger Avary créant à l'aide d'une scénographie d'un rouge criard (les couloirs et chambres du sous-sol où sont entreposés les lingots d'or) un univers cauchemardesque au sein d'un établissement pris en otage par une escouade de psychopathes effrontés. Génialement exubérant, Jean Hugues Anglade se prête au jeu psychotique du leader toxicomane avec une verve sardonique et irascibilité imprévisible. Entièrement vêtu de noir dans sa posture filiforme et sa chevelure raide, l'acteur insuffle une présence délétère aussi répulsive que fascinante. A l'instar de son flegme quasi imperturbable d'y réfuter la peur depuis la présence policière quadrillant l'extérieur de l'enceinte. Si le scénario éculé s'avère d'une limpidité scolaire, la manière opératique de porter à l'écran cette sanglante prise d'otages ne cesse (heureusement) de nous surprendre et d'y détourner les codes (notamment le rôle insaisissable imparti aux forces de l'ordre dont nous ne verrons jamais le visage à l'écran). Tant auprès de son climat baroque quasi indicible que de l'excentricité (j'insiste) des preneurs d'otages pleins de sérénité et de fantaisie (à l'instar de leur visage recouvert d'un masque grotesque). A titre éloquent, l'un d'eux énoncera de façon expansive une blague salace à ses comparses face au témoignage médusé des otages, quand bien même leur leader se confine tranquillement dans les wc pour s'offrir un shoot en guise de jouissance.

Or; prenant pour cadre la métropole parisienne sous son aspect noctambule, la première partie s'oriente sur les défonces et beuveries récursives de nos braqueurs confinés dans leur appartement avant d'aller s'engouffrer dans la cave d'un cabaret. Par le biais d'une réalisation expérimentale où l'image se déforme au fil de leur état aviné, Roger Avary parvient de manière éthérée à nous faire retransmettre les sensations du trip que nos antagonistes éprouvent face au témoignage novice du perceur de coffre peu habitué à tant de stupre (Eric Stoltz endossant la fonction d'un professionnel émérite avec une attitude paradoxalement docile). La seconde partie, toute aussi sensorielle et immersive, nous invite enfin à participer au braquage escompté à l'instar d'une vertigineuse descente vers l'enfer. Les sous-sols de l'établissement conférant une atmosphère sépulcrale au fil des exactions meurtrières du leader habité par le vice et le goût du sang. A partir du moment où les otages vont se confronter aux exactions aléatoires des gangsters, Killing Zoe se transforme en farce sardonique où les coups les plus couards y seront permis sous l'impulsion de dégénérés en perte de vitesse. Bêtes et méchants, ces derniers vont non seulement se confronter à la bravoure de certains otages mais aussi s'entretuer lors d'une déchéance suicidaire Et ce avant que la police n'intervienne à son tour pour surenchérir le chaos. A travers ces explosifs règlements de compte, ces comportements délurés et la position vaillante du second-rôle féminin (superbe Julie Delpy en douce catin insurgée !), Roger Avary joue avec nos nerfs avec une diabolique maîtrise et vigueur émotive éprouvante.

Speedball
Concentré d'adrénaline et d'ultra violence sardonique à corps perdu, Killing Zoe s'édifie en vilain petit canard dans son brassage de vulgarité, de provocations assumées et de délire en roue libre. Expérience sensitive en compagnie marginale de psychopathes shootés à la coke, ce bad-trip s'avère sans conteste le film de braquage le plus violent, brillé, atypique et couillu vu sur la toile avant qu'une romance ne vienne un peu adoucir la donne parmi le duo complémentaire Eric Stoltz/Julie Delpy. Une référence culte à ne pas mettre entre toutes les mains.  

*Bruno
23.04.24. 4èx 

Comme un chien enragé / At close Range

(Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).                                                                

de James Foley. 1986. U.S.A. 1h55. Avec Sean Penn, Christopher Walken, Mary Stuart Masterson, Chris Penn, Millie Perkins, Crispin Glover, Kiefer Sutherland, Tracey Walter

Sortie salles France: 14 janvier 1987. États-Unis: 18 avril 1986

FILMOGRAPHIE: James Foley est un réalisateur, scénariste et acteur américain né le 28 décembre 1953 à Brooklyn, New York. 1984 : Reckless. 1986 : Comme un chien enragé. 1987 : Who's That Girl. 1990 : La Mort sera si douce. 1992 : Glengarry. 1995 : Instant de bonheur. 1996 : Fear. 1996 : L'Héritage de la haine. 1997 : Gun ("Gun") (série TV). 1999 : Le Corrupteur. 2003 : Confidence. 2005 : Man and Wife. 2007 : Dangereuse Séduction. 2013-.... : House of Cards, série télévisée. 2017: Cinquante nuances plus sombres.

Le scénario s'inspire d'un fait réel survenu en 1978 à Chester County dans la banlieue de Philadelphie, Pennsylvanie. 

Film culte d’une génération de vidéophiles, Comme un chien enragé marqua les esprits des années 80 par son ambiance mélancolique, terriblement prégnante, et son aspect dramatique aux relents de fait divers, où la figure paternelle impose à sa progéniture un enseignement sans foi ni loi. En inversant les codes, James Foley retrace, avec une émotion ténue, la déliquescence morale d’un jeune paumé privé de toute pédagogie dès l’enfance, avant une ultime tentative de sursaut. 

Le pitch : depuis son renvoi du lycée, Brad Whitewood et son frère tuent le temps entre joints et bières, à l’abri du cocon familial. Un soir, il croise Terry, jeune fille timorée de 16 ans, sur l’esplanade de son village. Coup de foudre. Mais le retour de Brad senior, père fantôme réapparaissant au foyer après des années d’absence, vient bouleverser la trajectoire. Fasciné par son train de vie vaguement fastueux, Brad junior se laisse happer. Très vite, il glisse dans la spirale du banditisme, avant de tenter, in extremis, de s’arracher à l’emprise paternelle — malgré le chantage.

Polar noir à la rigueur dramatique ascendante, Comme un chien enragé ausculte la lente corruption d’un fils par un père, enseignant à son propre sang la déontologie du cambriolage et l’immoralité du meurtre. Foley hypnotise les sens avec une mise en scène aussi sombre que lyrique, où chaque événement entraîne le suivant dans un engrenage inéluctable. Et pourtant, derrière la fétidité de l’intrigue - où le père se désolidarise de toute tendresse - se déploie une mélancolie diffuse, portée par la romance candide des deux amants. Ressort de rédemption, ce lien sentimental devient le seul contrepoids à la soumission filiale : le cinéaste le transfigure par une stylisation onirique, où la nature rurale épouse les états d’âme des amants en herbe (sublimée par une photographie vaporeuse). Exacerbé par le score hanté de Patrick Leonard en complicité avec Madonna, le film distille les notes malingres d’une mélodie ensorcelante, accompagnant Brad et Terry dans leur passion - juste avant la chute.

Au-delà de la puissance émotionnelle d’un drame criminel empreint de fourberie, Comme un chien enragé brille par le face-à-face de deux géants. Sean Penn, tout en fragilité nerveuse, incarne un délinquant vacillant sur le fil d’une possible rédemption, tandis que Christopher Walken, d’un jeu feutré, campe un père aussi veule qu’insidieux, stratège désaxé d’un crime sans honneur. Leur antagonisme culmine en une confrontation psychologique d’une intensité rare.

Au nom du père.

D’une beauté formelle quasi éthérée, pour la stylisation de sa mise en scène comme pour l’émotion fulgurante de sa romance juvénile, Comme un chien enragé explore l’endoctrinement au crime et la banalisation du mal, à travers un fait divers d’une bassesse édifiante. Il en émane un moment de cinéma inoubliable, magnétisé par le score fragile de Leonard, qui imprime au récit une ivresse bouleversante.

*Bruno

Dédicace à Ludovic Hilde et Nicolas Bruguet.