Vampires vous avez dits vampires 2 / Fright Night 2

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Fright Night Part 2" de Tommy Lee Wallace. 1988. 1h44. Avec William Ragsdale, Roddy McDowall, Traci Lind, Julie Carmen, Jon Gries, Russell Clark, Brian Thompson.

Sortie salles France: 11 Janvier 1989. U.S: 19 Mai 1989

FILMOGRAPHIE: Tommy Lee Wallace (né le 06/09/1949) est un réalisateur, producteur, chef accessoiriste, monteur, chef décorateur et scénariste américain. 1982 : Halloween 3 : Le Sang du sorcier. 1988 : Aloha Summer. 1988 : Vampire, vous avez dit vampire 2 ? 1990 : Ça (It) (TV). 1991 : And the Sea Will Tell (TV). 1992 : The Comrades of Summer (TV). 1992 : Danger Island (en) (TV)
1994 : Witness to the Execution (TV). 1994 : Green Dolphin Beat (TV). 1996 : Born Free: A New Adventure (TV). 1996 : Alliance interdite (TV). 1997 : Steel Chariots (TV). 1998 : Une voleuse de charme (TV). 1998 : L'Ultime Verdict (TV). 2002 : Vampires 2 : Adieu vampires. 2010 : Helliversity

 

"La suite qu’on n’attendait pas… mais qu’on prend avec plaisir."

Trois ans après un premier volet devenu culte chez la génération 80, c’est à Tommy Lee Wallace - cinéaste du génial Halloween III et du téléfilm Ça !, sympathique madeleine de l’angoisse télévisée - qu’échoit la tâche délicate de donner une suite aux aventures nocturnes de Charlie Brewster. Sous l’égide des deux illustres revenants William Ragsdale (toujours aussi investi dans son combat contre les ténèbres) et Roddy McDowall, plus exubérant que jamais dans son rôle de Peter Vincent, le chasseur de vampires cabotin et touchant, Vampires, vous avez dit vampires 2 tente de raviver la flamme.

Synopsis: Quelques années après les événements surnaturels du premier film, Charlie suit une thérapie : il ne croit plus aux vampires. Mais l’arrivée de nouveaux voisins, au charme discret et inquiétant, va bousculer ses certitudes et le pousser à recontacter Peter Vincent. Reprenant à peu de choses près le schéma narratif du film original, cette suite conjugue horreur et comédie avec un peu moins de pétulance, mais parvient néanmoins à impliquer le spectateur grâce à un trio de héros toujours aussi attachants. Et c’est bien dans leur humanité que réside la clef de notre adhésion, encore une fois.

Si la nouvelle petite amie de Charlie - incarnée par la charmante Traci Lind - peut d’abord sembler un peu potiche, son évolution morale, à mesure qu’elle prend conscience de la réalité vampirique, lui redonne du corps. Son audace pour sauver Peter Vincent de la camisole, ses élans héroïques face aux vampires, tout comme la candeur douce-amère de sa romance avec Charlie, la rendent finalement touchante. Et même si l’impression de déjà-vu peut rebuter de prime abord, la mise en scène soignée de Tommy Lee Wallace et quelques idées originales - Charlie en mutation vampirique, Peter interné en psychiatrie, la filiation entre Régine et Jerry Dandrige (le vampire du premier opus) - suffisent à relancer l’intérêt.

Ajoutons à cela un parfum sensuel inédit : cette fois, le mal a le visage d’une femme. Julie Carmen incarne Régine avec un magnétisme vénéneux, félin, ensorcelant. Une antagoniste rare, qui fait varier le climat du film vers quelque chose de plus lascif, presque hypnotique. Et si la seconde moitié s’essouffle quelque peu, on suit malgré tout avec plaisir les nouvelles stratégies de nos héros affrontant des vampires aux allures de hipsters décadents, sur fond d’action horrifique inventive. Les effets spéciaux, encore une fois, étonnent par leur qualité technique et formelle.

"Retour à la crypte des années 80".
Efficace, fun, distrayant - et parfois même envoûtant (ah, la scène de danse entre Régine et Charlie sur la somptueuse mélodie de Brad Fiedel !) - Vampires, vous avez dit vampires 2 reste une suite tout à fait fréquentable, pétrie de charme et de savoir-faire.
Comme l’avait déjà prouvé Tommy Lee Wallace avec le percutant Halloween III, sa plus belle réussite à ce jour. Mais… ceci est une autre histoire.

— le cinéphile du cœur noir 

La Chronique de son modèle: http://brunomatei.blogspot.com/2011/09/vampires-vous-avez-dit-vampire-fright.html

MARCHE A L'OMBRE

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site kaxecommons.org

de Michel Blanc. 1984. France. 1h22. Avec Gérard Lanvin, Michel Blanc, Didier Agostini, Sophie Duez, Mimi Félixine, Béatrice Camurat, Prosper Niang, Katrine Boorman.

Sortie salles France: 17 Octobre 1984

FILMOGRAPHIE: Michel Blanc est un acteur et réalisateur français, né le 16 avril 1952 à Courbevoie (Hauts-de-Seine). 1984 : Marche à l'ombre. 1994 : Grosse fatigue. 1999 : Mauvaise passe. 2002 : Embrassez qui vous voudrez.

Premiers débuts de Michel Blanc derrière la caméra, Marche à l'ombre totalisa 6,1 millions d'entrées
au box-office français alors que son thème d'actualité traité avec légèreté et dérision (l'exclusion sociale des sans-logis) aurait pu fuir le grand public. Devenu depuis un classique du "buddy movie" auprès de la génération 80, Marche à l'ombre doit largement sa renommée envers la complémentarité du duo Gérard Lanvin / Michel Blanc crevant l'écran dans leur esprit de camaraderie indéfectible ainsi que leurs caractères distincts bien trempés. Michel Blanc endossant un faire-valoir râleur, pleutre, empoté et infortuné avec un naturel bonnard, quand bien même son acolyte Gérard Lanvin lui partage la réplique dans celui d'un débrouillard spartiate constamment rattrapé par son instinct débonnaire. Le tandem éminemment contradictoire dans leurs réflexions professionnelles et sociales cumulant les gaffes et p'tites querelles avec une verve impayable. A ce titre, Michel Blanc, réalisateur, nous a scrupuleusement travaillé ses dialogues avec un sens de l'inventivité à couper au rasoir si bien que rien qu'au niveau des joutes verbales, Marche à l'ombre demeure un régal auditif !

D'une grande simplicité, l'intrigue cinétique nous relate les tribulations de deux itinérants inséparables sillonnant les banlieues parisiennes en quête d'un toit et de p'tits boulots. Complètement à la dèche, ils s'efforcent en désespoir de cause de faire la manche dans les métros avant de sombrer dans le recel et la vente d'objets volés. Durant leur parcours semé de trafalgars, péripéties, rencontres amicales, hostiles et romantiques, ils vont se raccrocher au fil de leur amitié afin de résister à la sinistrose. Ces derniers ne cessant de bifurquer d'un foyer précaire à un autre sans pouvoir s'implanter durablement. Drôle et pittoresque au sein du cadre de la comédie sociale et de l'aventure urbaine si j'ose dire, Marche à l'ombre constitue une petite merveille d'émotions optimistes en dépit de la gravité du sujet (plus qu'actuel !). Michel Blanc se réservant tout pathos et misérabilisme afin de respecter le genre dans lequel il appartient. Pour autant, et par le biais de l'humour, de la légèreté et de la fantaisie, Marche à l'ombre conjugue harmonieusement chaleur humaine, tendresse et générosité auprès d'une galerie de marginaux inscrits dans la solidarité (car désargentés et donc renouant avec la simplicité de leur existence sans la corruption cupide du matérialisme !).

Un hymne à l'amitié et à la débrouille en pleine crise du chômage. 
Trépidant, tendre et constamment cocasse au travers de répliques anthologiques et de bévues rocambolesques, Marche à l'ombre transcende la comédie populaire avec une juste émotion si bien que cet humble témoignage imputé aux laissés pour compte ne cède jamais au pessimisme plombant pour nous chérir. Un dernier mot subsidiaire ! En p'tite amante chétive, la juvénile Sophie Duez ne manque pas d'élégance dans une candeur aussi suave que sensuelle ! 

Bruno Dussart
3èx

LE MONSTRE

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

"The Quatermass Xperiment" de Val Guest. 1955. Angleterre. 1h21. Avec Brian Donlevy, Jack Warner, Margia Dean, Thora Hird, Gordon Jackson.

Sortie salles U.S: Juin 1956. Angleterre: 20 Novembre 1955

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Val Guest de son vrai nom Valmond Guest est un scénariste, réalisateur et producteur britannique né le 11 décembre 1911 à Londres (Royaume-Uni) et décédé le 10 mai 2006 à Palm Springs (Californie). 1954 : La Revanche de Robin des Bois. 1955 : Le Démon de la danse. 1955 : Le Monstre. 1956 : It's A Wonderful World. 1957 : Scotland Yard appelle FBI. 1957 : La Marque. 1957 : Le Redoutable Homme des neiges. 1960 : Expresso Bongo. 1961 : Traitement de choc. 1961 : Le Jour où la Terre prit feu. 1967 : Casino Royale. 1970 : Toomorrow. 1970 : Quand les dinosaures dominaient le monde. 1982 : The Boys in Blue (en). 1984 : Mark of the Devil (en) (TV). 1984 : In Possession (TV). 1985 : Child's Play (TV).

Premier volet de la trilogie Quatermass inspiré de la série TV créée par Nigel Kneale, et première production de la Hammer, Le Monstre se solda par un gros succès public à sa sortie anglaise si bien qu'une suite fut rapidement mise en chantier 2 ans plus tard par Val Guest himself. Quant au troisième opus réalisé tardivement en 1968, Roy Ward Barker prendra le relais pour parfaire un chef-d'oeuvre encore plus retors et abouti que ces congénères, les Monstres de l'Espace. Influencé par la Chose d'un autre monde sortie 4 ans plus tôt, Val Guest nous relate (également) avec souci documenté l'atterrissage en catastrophe d'une fusée commandité par le physicien Quatermass. A bord, seul Victor Carroon parvient à s'y extraire avec l'aide des pompiers alors que ses 2 équipiers ont mystérieusement disparu. Emmené d'urgence à l'hôpital, celui-ci en catatonie semble possédé par une entité invisible (peut-être un spécimen végétale) ayant pour mission de contaminer la terre. Quatermass et la police vont tenter par tous les moyens d'enrayer la chose en constante métamorphose. En conjuguant avec homogénéité science-fiction, épouvante et une pincée de catastrophe, Val Guest parvient à distiller angoisse, suspense, terreur autour du thème d'une invasion extra-terrestre aussi sournoise que La Chose d'un autre monde. D'autre part, et au vu du potentiel de son traitement aussi débridé que singulier, Le Monstre sera une source d'inspiration auprès des générations à venir comme le démontreront les années 80 avec Contamination, Mutant, Lifeforce, le Monstre qui vient de l'Espace et consorts.

Formidablement intense et équivoque durant sa première partie jouant la carte de l'expectative parmi l'effet de suggestion et en se focalisant sur la vision de détails inquiétants (le métabolisme inexpliqué de Victor face à la perplexité des médecins et de son épouse), Le Monstre insuffle l'appréhension à travers la mutabilité d'une victime souffreteuse franchement patibulaire. L'acteur Richard Wordsworth provoquant un vrai malaise dans son désarroi aussi bien physique que moral, et quelques instants de frayeurs (la séquence scrupuleuse de son évasion puis sa planque dans la voiture parmi la complicité de son épouse), notamment grâce à la déliquescence de son apparence rachitique déshéritée d'un regard hagard ! Quant à la découverte des victimes liquéfiées ou surtout momifiées que Tobe Hooper reprendra dans le très attachant Lifeforce, on peut également vanter la qualité artisanale des effets-spéciaux, et ce jusqu'à l'apparence tentaculaire (et non caoutchouteuse) de la chose réduite à un amas d'organes lors d'un final en mode "Catastrophe". Si cette seconde partie autrement suggérée, moins terrifiante et immersive, se focalise sur les déambulations urbaines du monstre un peu plus discret à l'écran, Val Guest parvient pour autant à gérer le suspense grâce à son adroite mise en scène et une narration planifiée parvenant encore à surprendre quant à l'apparence disproportionnée du monstre polymorphe. Et ce jusqu'à son épilogue pour autant pessimiste évoquant une réflexion sur les dangers du progrès technologique à des fins scientifiques, Quatermass nous annonçant l'envoi d'une nouvelle fusée dans l'espace en guise d'orgueil.

Premier grand classique de la Hammer qui permettra à la firme de percer dans l'horreur de manière encore plus couillue et flamboyante (sexe et gore en sus en version technicolor !), le Monstre n'a rien perdu de son impact visuel à crédibiliser un récit de science-fiction où l'horreur des situations s'avère encore aujourd'hui effrayante et malsaine. Et dans ce domaine, on peut largement applaudir le jeu subtilement viscéral de l'acteur mutique Richard Wordsworth littéralement transi de mal-être en zombie végétale. 

Eric Binford
3èx

...ET LE VENT APPORTA LA VIOLENCE...

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site dvdclassik.com

"E Dio disse a Caino..." de Antonio Margheriti. 1970. Italie/Allemagne de l'Ouest. 1h34. Avec Klaus Kinski, Peter Carsten, Marcella Michelangeli |

Sortie salles France: 30 Décembre 1970. Italie: 5 février 1970

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi. 1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Western mythique s'il en est, de par son atmosphère crépusculaire aux confins de l'horreur gothique et de la présence magnétique de Klaus Kinski d'un flegme imperturbable, Et le vent apporta la violence élève le film d'ambiance à son firmament. Après 10 ans de bagne, Gary Hamilton retrouve enfin sa liberté après avoir été gracié par la justice. Délibéré à se venger auprès des responsables de son injuste condamnation, il retourne dans son village pour abattre tous les sbires son ancien ami, Acombar, aujourd'hui ennemi juré d'une ignoble trahison. Baignant dans une délicieuse atmosphère d'étrangeté sous l'impulsion d'une tempête d'outre-tombe, second rôle éthéré de l'histoire, Et le vent apporta la violence nous immerge de plein fouet dans une ambiance d'isolation au sein d'un village maudit. De par la complicité vénale de tous les responsables de la réclusion d'Hamilton et de l'intrusion soudaine de ce dernier délibéré à les exterminer un à un. Abordant le thème de la vengeance dans sa représentation la plus véreuse si bien que dès le départ Hamilton autrefois innocent nous exprime ouvertement sa damnation depuis sa motivation punitive, Antonio Margheriti fignole le cadre sépulcrale de sa tragédie macabre.

En brossant également les profils des seconds-rôles couards davantage gagnés par la peur du trépas (notamment l'ancienne maîtresse d'Hamilton incapable de canaliser ses affres au moment des retrouvailles !), voir même le remord ostensiblement avoué chez l'un d'eux ou autrement tacite du point de vue d'Acombar hanté de culpabilité. Mais au préalable, Margheriti développe lestement le cas docile du fils de celui-ci s'efforçant de découvrir la vérité sur l'étranger depuis sa longue absence au village. Le seul personnage véritablement candide de l'histoire mais pour autant contraint de céder in extremis à la trahison et à la corruption afin de préserver l'honneur de sa famille. Cette intensité dramatique qui émane du désarroi d'antagonistes impliqués dans un redoutable enjeu de survie permet à l'intrigue de redoubler d'efficacité sous le pilier de leur psychologie fébrile. Quand aux somptueux décors domestiques d'un gothisme inopinément flamboyant, on se croirait dans une oeuvre baroque de Roger Corman durant sa période florissante des adaptations de Poe, quand bien même Kinski perdure à traîner sa dégaine rigide à l'instar d'un fantôme errant sous l'acuité du regard impassible ! (notamment ses jeux de miroir invoqués sur sa présence ubique lors d'une ultime confrontation à la lisière du surnaturel !)

Modeste série B transfigurée par la perméabilité de son esthétisme mortifère et l'intensité d'une intrigue vénéneuse auquel personne ne pourra accoster la rédemption, Et le vent apporta la violence confine au chef-d'oeuvre du western crépusculaire, poème tragique sur l'engrenage de la vengeance habité par un Kinski aussi bien hypnotique qu'étrangement ambigu. 

Bruno Dussart
3èx

...Et le vent apporta la violence...
...Et Dieu dit à Caïn:

par ton crime tu as crée le mal 

et le sang versé retombera sur toi

et sur ta descendance qui ira 

errante et vagabonde sur la terre. 

LE CLAN DE LA CAVERNE DES OURS

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"The Clan of the Cave Bear" de Michael Chapman. 1986. U.S.A. 1h41. Avec Daryl Hannah, Emme Floria, Pamela Reed, James Remar, Thomas G. Waites, John Doolittle, Curtis Armstrong.

Sortie salles France: 6 Août 1986. U.S: 17 Janvier 1986

FILMOGRAPHIE: Michael Chapman est un directeur de la photographie américain, né le 21 novembre 1935 (81 ans) à Wellesley, Massachusetts. Il est aussi acteur, opérateur caméra, réalisateur.1983 : L'Esprit d'équipe. 1986 : Le Clan de la caverne des ours. 1986 : Annihilator, le destructeur. 1995 : The Viking Sagas.

Echec public lors de sa sortie en salles et sombré dans l'oubli depuis son exploitation Vhs locative, Le Clan de la Caverne des ours s'inspire du chef-d'oeuvre de Jean Jacques Annaud pour mettre en exergue un récit d'aventures préhistoriques truffé d'émotions, et ce même s'il cède parfois à la naïveté des bons sentiments. En toute simplicité, le récit retrace le périple ardu de Ayla, petite orpheline chaudement recueillie par le clan de la caverne des ours après la mort accidentelle de sa mère. Parvenant à se faire une place au sein du groupe, elle est toutefois discréditée par le fils du chef, Broud, n'hésitant pas à moult reprises à la violer. Armée de courage et de désir d'émancipation, elle va tenter d'imposer sa dignité et ses valeurs durant sa quête identitaire. Sous le moule de la série B ludique dénuée de prétentions, Michael chapman n'a pas pour ambition de singer le modèle d'Annaud en dépit de quelques thèmes similaires dénoncés (la condition de la femme au sein d'un peuple machiste ultra conservateur et les viols qu'ils perpétuent dans l'impunité) si bien qu'il s'intéresse ici à nous décrire la vie moderne des hommes de cro-magnon durant la période du Paléolithique moyen.

Bien conscient de ses moyens précaires à authentifier sa scénographie préhistorique mais pour autant rehaussé des magnifiques décors naturels du Canada (photo saturée à l'appui), le réalisateur lésine sur l'esbroufe (en dépit d'une étonnante scène de combat avec un ours !) pour se concentrer avec attention et chaleur humaine sur les conditions de vie primitives d'un clan en apprentissage existentiel. Et ce sous l'impulsion d'une héroïne en herbe peu à peu farouche et maternelle. Car curieuse, pédagogue et avide de liberté, Ayla va y transgresser quelques règles, ce qui aura comme conséquence une nouvelle prise de conscience (plus tolérante) de la part du clan après avoir été sujette au châtiment et à l'exclusion. Par le biais de cette icone subversive, Michael Chapman nous dresse un joli portrait de femme rebelle que la charmante Darryl Hannah insuffle avec une belle dignité. Les autres seconds-rôles particulièrement attachants dans leur dynamique de groupe se prêtant au jeu du mimétisme et du langage inaudible (les paroles sont sous-titrées en français dans la VO) avec un brin de naïveté non dénué de charme et parfois même d'intensité.

Epaulé du score lyrique et émotif d'Alan Silvestri sous le pilier d'une honnête distribution, Le clan de la caverne des ours parvient à séduire à travers un joli récit d'aventures militant pour la sagesse, l'enseignement et la tolérance du point de vue d'une affranchie en initiation de maturité. Sans prétention aucune car retranscrit avec autant de simplicité que de sincérité (d'où son charme innocent qui y découle !), il s'avère à mon sens le meilleur succédané de (l'inégalé) la Guerre du Feu. 

P.S: Le dvd édité chez TF1 ne comportant pas de VOSTFR, il faut donc se rabattre sur sa VF absconse car non sous-titrée.

Bruno Matéï
2èx

HIGHT SPIRITS

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Neil Jordan. 1988. Angleterre/U.S.A. 1h39 Avec Steve Guttenberg, Daryl Hannah, Peter O'Toole, Beverly D'Angelo, Liam Neeson, Martin Ferrero, Jennifer Tilly.

Sortie salles France: 18 Janvier 1989. U.S.A: 18 Novembre 1988

FILMOGRAPHIE: Neil Jordan est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain irlandais, né le 25 Février 1950 à Sligo. 1982: Angel. 1984: La Compagnie des Loups. 1986: Mona Lisa. 1988: High Spirits. 1989: Nous ne sommes pas des Anges. 1991: L'Etrangère. 1992: The Crying Game. 1994: Entretien avec un Vampire. 1996: Michael Collins. 1997: The Butcher Boy. 1999: Prémonitions. 1999: La Fin d'une Liaison. 2002: L'Homme de la Riviera. 2005: Breakfast on Pluto. 2007: A vif. 2009: Ondine. 2012: Byzantium. 

Echec public lors de sa discrète sortie en salles alors qu'il s'agissait de l'unique incursion de Neil Jordan dans la comédie, High Spirits conjugue avec une bonne humeur souvent expansive cocasserie et fantastique à travers le thème des esprits (farceurs). Oublié à tort depuis sa confection et peu diffusé à la TV, High Spirits empreinte le schéma de la série B décomplexée au travers d'une intrigue sommaire riche en quiproquos, incidents surnaturels et étreintes amoureuses. Neil Jordan s'appliquant avec intégrité à nous relater les vicissitudes d'une poignée de touristes débarqués au sein d'un manoir sclérosé. Le propriétaire des lieux alcoolo et au bord du suicide (que le cabotin Peter O'Toole campe avec une irrésistible dérision !) s'évertuant à séduire sa frêle clientèle par l'entremise de fantômes risibles que lui et ses comparses ont mis au point à l'aide de trucages vieux comme le monde. 

Seulement, après avoir cerné la supercherie, les hôtes vont soudainement se confronter à de véritables fantômes; quand bien même Jack Crawford va profiter de son idylle naissante avec une revenante afin de fuir son épouse acariâtre ! A travers cette intrigue simpliste plutôt redondante il faut l'avouer dans ses jeux de drague que s'échangent un couple de fantômes avec un couple d'humains, High Spirits amuse pour autant la galerie sous l'impulsion de gags pittoresques qu'une foule d'acteurs enchaînent avec exubérance contagieuse. Si la première demi-heure, la plus réussie dans sa démarche autoparodique, privilégie les situations comiques avec inventivité et vigueur effrénées, la suite s'oriente plus du côté de la romance à travers les charmants duos que forment Steve Guttenberg / Daryl Hannah et Beverly D'Angelo / Liam Neeson (à ses touts débuts dans une prestance subalterne) s'efforçant mutuellement d'adhérer à l'amour surnaturel. Bien que Neil Jordan abuse de temps à autre d'une esbroufe parfois gratuite par le biais d'effets-spéciaux néanmoins réussis, on lui pardonne ses facilités tant l'insolence des évènements surnaturels nous amusent constamment avec un esprit vintage (notamment ses décors marins de carton pâte se matérialisant soudainement sous nos yeux !). 

En dépit d'un rythme parfois défaillant saupoudré de quelques longueurs et d'un scénario à la fois linéaire et sans surprise (on devine aisément l'issue finale pour les 2 couples en ascension amoureuse), High Spirits parvient à distraire avec une simplicité aussi charmante qu'attendrissante. Sa modeste réussite résidant surtout dans la complicité festive des comédiens d'une spontanéité et d'une fraîcheur galvanisantes (jusqu'aux moindres seconds-rôles pétillants de naïveté - Meg Tilly en tête ! -). Enfin, tout en s'attachant peu à peu à l'onirisme candide d'une romance improbable, on se laisse aussi enivrer par l'esthétisme gothique du vaste manoir confiné à proximité d'une nature crépusculaire. 

Bruno Dussart

3èx

ELLE S'APPELAIT SCORPION

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"Joshuu sasori: Dai-41 zakkyo-bô / Female Convict Scorpion Jailhouse 41" de Shunya Ito. 1972. Japon. 1h28. Meiko Kaji, Fumio Watanabe, Kayoko Shiraishi, Yukie Kagawa.

Sortie salles Japon: 30 Décembre 1972. France: 22 April 2011 (Lyon Festival Hallucinations Collectives)

FILMOGRAPHIE: Shun’ya Itō (伊藤 俊也, Itō Shun’ya?) est un réalisateur japonais né le 17 Février 1937. 1972 : La femme scorpion. 1972 : Elle s'appelait scorpion. 1973 : La tanière de la bête. 1982 : Piège pour un Kidnapper. 1985 : Gray Sunset. 1988 : Labyrinth of Flower Garden. 1995 : Adieu, Nostradamus ! 1998 : Pride: The Fateful Moment.

Second volet d'une saga légendaire de 6 films et considéré comme le plus réussi, Elle s'appelait Scorpion empreinte le schéma du WIP ("women in prison") avant de bifurquer fissa vers le rape and revenge et le survival lorsqu'une poignée de prisonnières parviennent à s'échapper de leur geôle grâce à la complicité de l'indomptable Matsu. Une détenue tête de turc passée maître dans l'art de l'évasion mais pour autant molestée par ses propres rivales jouant l'indépendance à travers leur haine, leur jalousie, leur rancoeur et leur vengeance. Durant un houleux périple, elles n'auront de cesse de s'opposer à la police et aux gardiens lancés à leur trousse quand bien même les touristes d'un car vont leur servir d'otages afin de déjouer un barrage.

Sous le moule d'une série B d'exploitation alternant à rythme métronomique, sévices corporels, viols, humiliations et règlements de compte sanglants entre détenues et gynophobes (le terme est on ne peut mieux approprié !), Elle s'appelait Scorpion aurait pu sombrer dans le produit lambda si la mise en scène hyper stylisée n'avait su faire preuve d'autant de fulgurances visuelles, à mi-chemin de la bande dessinée, du western et du conte moderne. Véritable trip expérimental baignant dans un onirisme baroque, notamment de par ses décors géométriques, Elle s'appelait Scorpion se vit à l'instar d'un rêve éveillé sous la mainmise d'une anti-héroïne mutique (elle prononce à peine 3 phrases durant tout le métrage !) que campe avec pudeur la troublante Meiko Kaji. Sa présence spectrale inscrite dans le non-dit et l'intensité de son regard impassible restant une énigme chez le spectateur incapable d'en défricher sa véritable identité. Cruel, cynique et ultra violent, le récit suggère la métaphore sur l'émancipation féminine lorsque ces dernières sont traitées comme du bétail par des machistes sans vergogne. A cet égard, la ligue féministe devrait s'en réjouir puisque tous les protagonistes mâles qu'on nous présentent outrancièrement s'avèrent des ordures libidineuses n'hésitant pas d'autre part à bafouer leur déontologie pour mieux parvenir à leurs fins. Tandis que les fugitives, assoiffées de haine et de liberté, n'hésiteront pas à recourir à la vendetta expéditive durant leur traque de survie.  

Prenant à contre pied la norme du divertissement jouissif, Elle s'appelait Scorpion opte pour les ruptures de ton, l'expressionnisme baroque (photo contrastée à l'appui) et les expérimentations alambiquées afin de perdre sens et repères du spectateur embarqué dans une série B hybride quasi surnaturelle. A la lisière de la féerie macabre mais plutôt difficile d'accès, cette perle culte au pouvoir de fascination subtilement trouble et capiteux porte la signature du talent personnel de Shun’ya Itō.

Bruno Dussart
2èx

UNE MESSE POUR DRACULA

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com


"Taste the Blood of Dracula" de Peter Sasdy. 1970. Angleterre. 1h31. Avec Christopher Lee, Geoffrey Keen, Gwen Watford, Linda Hayden, Peter Sallis, Anthony Corlan, Isla Blair.

Sortie salles France: 7 Octobre 1970. U.S: 7 Juin 1970

FILMOGRAPHIE: Peter Sasdy est un réalisateur britannique né le 27 mai 1935 à Budapest. 1970 : Une messe pour Dracula. 1971 : La Fille de Jack l'Éventreur. 1971 : Comtesse Dracula. 1972 : Doomwatch. 1973 : Nothing But the Night. 1975 : Evil Baby. 1983 : The Lonely Lady.

Suite directe de Dracula et les femmes, Une messe pour Dracula est le 5è volet consacré au prince des ténèbres que Peter Sasdy dirige pour la première fois sous l'égide de la Hammer. A partir d'un scénario assez faiblard mais non exempt d'originalité, à l'instar de cette séance envoûtée de messe noire plutôt malsaine et à la résurrection qui s'ensuit, Une Messe pour Dracula est transcendé par l'efficacité d'une réalisation scrupuleuse où rien n'est laissé au hasard, par sa fulgurance gothique traversée d'images picturales à damner un saint, et d'un jeu d'acteurs parfaitement impliqués dans leur périple de survie où le désarroi gagne du terrain. En gros, trois notables plutôt dévergondés (on les rencontre de prime abord dans un bordel de catins aux poitrines ouvertement opulentes) se laissent influencer par un Lord adepte d'une messe noire bien spécifique. Car au sein d'une église décatie, ce dernier a pour ambition de réanimer le prince des ténèbres parmi leur frêle complicité. Mais la séance tourne au fiasco lorsque les hôtes terrorisés à l'idée de boire le sang de Dracula cèdent à la panique quand bien même le lord s'empresse d'ingurgiter lui même la potion avant d'être pris de convulsions.

C'est alors que ces derniers se ruent sur lui pour le battre à mort. Quelques jours après le drame, et alors que chacun des coupables se confinent dans le mutisme (voir l'alcoolisme pour l'un d'entre eux) au sein de leur foyer, Dracula parvient toutefois à renaître de ses cendres en prenant possession du corps du Lord Courtley. Uniquement bâti sur la vengeance de Dracula délibéré à venger la mort de son serviteur auprès des responsables, Une messe pour Dracula parvient pour autant à captiver grâce à la corruption de ces trois criminels rongés par le remord et l'angoisse de passer sous les verrous quand bien même les seconds-rôles féminins assujettis au prince font preuve d'un charme vénéneux dans leur posture pernicieuse. Bien évidemment, chacun des trois coupables périra de manière aussi cruelle que perfide si bien que Dracula utilise à chaque fois la complicité de ses maîtresses sous l'impulsion de l'hypnose. Une fois de plus, dans sa stature ténébreuse et longiligne, Christopher Lee crève l'écran à chacune de ses apparitions spectrales. Peter Sasdy cadrant l'acteur affublé d'une longue cape noire de manière stylisée afin de rehausser l'aspect surnaturel de sa présence sépulcrale.

Série B d'exploitation transfigurée par un esthétisme flamboyant (plusieurs images picturales sont franchement sublimes sous la lumière d'une photo sépia), une réalisation efficace et le talent spontané de comédiens dandy, Une Messe pour Dracula fascine irrémédiablement au sein d'une narration classique tantôt audacieuse par son climat malsain (la longue séance de messe noire s'avère le moment le plus intense et inquiétant, notamment auprès de sa poésie macabre !), son onirisme expérimental loin d'être banal (la mort vertigineuse de Dracula !) et enfin son érotisme démonstratif (la séquence du bordel) qui lui vaudra à l'époque quelques vétilles avec dame censure. 

Bruno Dussart
2èx

DEUX YEUX MALEFIQUES

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

"Due occhi diabolici / Two Evil Eyes" de George A. Romero et Dario Argento. 1990. U.S.A/Italie. 1h59. Avec Adrienne Barbeau, Ramy Zada, Bingo O'Malley, Jeff Howell, Harvey Keitel, Madeleine Potter, John Amos, Sally Kirkland, Kim Hunter.

Sortie salles France : 8 juillet 1992. États-Unis : 25 octobre 1991. Italie : 25 janvier 1990

FILMOGRAPHIE: Dario Argento est un réalisateur et scénariste italien né le 7 septembre 1940, à Rome (Italie). 1969: l'Oiseau au plumage de Cristal, 1971: Le Chat à 9 queues, Quatre mouches de velours gris, 1973: 5 Jours à Milan, 1975, Les Frissons de l'Angoisse, 1977: Suspiria, 1980: Inferno, 1982: Ténèbres, 1985: Phenomena, 1987: Opera, 1990: 2 yeux Maléfiques, 1993: Trauma, 1996: Le Syndrome de Stendhal, 1998: Le Fantome de l'Opéra, 2001: Le Sang des Innocents,2004: Card Player, 2005: Aimez vous Hitchcock ?, 2005: Jennifer (épis Masters of Horror, sais 1), 2006: J'aurai leur peau (épis Masters of Horror, sais 2), 2006: Mother of Tears, 2009: Giallo, 2011: Dracula 3D.
George Andrew Romero est un réalisateur, scénariste, acteur, auteur américain, né le 4 Février 1940 à New-York, et décédé le 16 juillet 2017 à Toronto. 1968: La Nuit des Morts-vivants. 1971: There's Always Vanilla. 1972: Season of the Witch. 1973: The Crazies. 1977: Martin. 1978: Zombie. 1981: Knightriders. 1982: Creepshow. 1985: Le Jour des Morts-vivants. 1988: Incidents de parcours. 1990: Deux Yeux Maléfiques. 1992: La Part des Ténèbres. 2000: Bruiser. 2005: Land of the Dead. 2008: Diary of the Dead. 2009: Survival of the Dead. 2011: Deep Red.

Inspiré de deux nouvelles d'Edgar Allan Poe, les maîtres de l'horreur George A. Romero et Dario Argento s'étaient réunis en 1990 pour un diptyque. A savoir la conjugaison de deux segments d'une durée de 55 minutes chacune, pour le meilleur et le moins bon. On commence donc avec le plus faible, La Vérité sur le cas de Monsieur Valdemar que George Romero nous emballe sans trop de fougue en dépit de l'originalité d'un pitch déjà beaucoup mieux traité dans le formidable Empire de la Terreur de Roger Corman (saisissante interprétation de Vincent Price en sus dans le rôle éponyme !). En gros, un couple d'amants tente d'escroquer le mari alité par le pouvoir de l'hypnose. Seulement, alors qu'ils salivent d'impatience à empocher l'héritage, ce dernier succombe prématurément à sa maladie. Ce qui remet en question le complot machiavélique des amants maudits. Au-delà du jeu parfaitement convaincant de Ramy Zada (en amant meurtrier burné) et d'Adrienne Barbeau (en complice pleutre hantée par le remord), La vérité sur le cas de Mr Valdamar peine à insuffler de l'intensité dans son récit macabre faisant intervenir au terme la figure du mort-vivant (une séquence d'autant plus fade dans son effet de surprise recherché !). Toutefois mis en scène avec un certain savoir-faire par son ambiance d'étrangeté quelque peu palpable, ce sketch se suit sans déplaisir et éveille même la stupeur lors d'une scène gore incroyablement percutante que Tom Savini transcende avec son habituel professionnalisme.

Le second sketch, le Chat Noir nous illustre la dérive meurtrière d'un photographe à sensations superbement campé par un Harvey Keitel transi de fascination morbide, et ce avant de succomber au vice le plus répréhensible ! En collaboration avec la police, il opère les clichés de victimes retrouvées sauvagement agressées sur la scène du crime mais finit peu à peu par se laisser séduire par le vertige du voyeurisme malsain ! Par l'entremise de cette déviance immorale, Savini nous concocte quelques visions horrifiques du plus bel effet ! Vivant paisiblement avec sa maîtresse, Roderick Fisher est aujourd'hui agacé par l'intrusion d'un chat que celle-ci vient d'adopter. De plus en plus soupe au lait car irrité par son omniprésence, il décide de se débarrasser de l'animal avant de sombrer dans une folie meurtrière. Original, débridé (notamment ce cauchemar éveillé que ce dernier subit durant l'époque médiévale en guise de châtiment !), pervers et sadique, Le Chat Noir est mené sur un rythme sans faille sous l'impulsion orgueilleuse d'un Harvey Keitel aussi bien détestable que couard ! Emaillé de scènes chocs une fois de plus incisives et très sanglantes, ce récit dépravé illustrant la déchéance sadique du photographe obsédé par la superstition du chat captive jusqu'à sa chute prévisible mais pour autant détonante lorsque Dario Argento y apporte à nouveau sa patte personnelle à une conclusion déjà connue. Car nonobstant une partition franchement peu inspirée, pour ne pas dire inadéquate, le Chat Noir nous entraîne dans une vénéneuse descente aux enfers parmi la compagnie secondaire de chats délétères dans leur esprit de revanche.

Si Deux yeux maléfiques n'est pas le sommet horrifique escompté de la part des deux grands maîtres, le segment du Chat Noir s'avère suffisamment ludique, audacieux, fou et surtout redoutablement pervers sous l'impulsion viciée d'Argento et Keitel en étroite complicité démoniaque.  

Eric Binford.
3èx

Hurlements / The Howling. Prix de la Critique, Avoriaz 81.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemovies.fr

 

de Joe Dante. 1980. U.S.A. 1h30. Avec Dee Wallace, Patrick Macnee, Dennis Dugan, Christopher Stone, Belinda Balaski, Kevin McCarthy, John Carradine, Slim Pickens, Elisabeth Brooks, Robert Picardo.

Sortie salles France: 21 Janvier 1981. U.S: 10 Avril 1980

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984). 1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978 : Piranhas (Piranha),1981: Hurlements (The Howling) 1983 : La Quatrième Dimension (Twiling Zone the Movie), troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich (Amazon Women on the Moon), 5 sketches 1987 : L'Aventure Intérieure. 989 : Les Banlieusards (The 'burbs) 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération (Gremlins 2 The New Batch) 1993 : Panic sur Florida Beach (Matinee) 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action (Looney Tunes : Back in Action) 2006 : Trapped Ashes , premier segment,Wraparound 2010 : The Hole. 2014: Burying the ex

 

"Le loup selon Joe Dante". 

Trois ans après Piranhas, démarquage semi-parodique des Dents de la mer, Joe Dante livre avec Hurlements sa déclaration d’amour au mythe du loup-garou, dépoussiéré ici dans un contexte contemporain. Saupoudrée d’humour noir et de clins d’œil, cette référence du fantastique moderne doit aussi son salut au talent respectif des maquilleurs Rob Bottin et Rick Baker. Plus de quarante ans après sa sortie et son trophée à Avoriaz (Prix de la critique !), Hurlements resplendit encore par sa capacité à nous faire croire à l’existence du lycanthrope — sans effets de manche.

Le pitch : une éminente journaliste, Karen White, doit rencontrer le mystérieux Eddie Quist, soupçonné de meurtre. La rencontre a lieu dans un sex-shop ; confinée dans une cabine, Karen se retrouve face à lui. Vision d’horreur. Panique. Elle appelle à l’aide. Un véhicule de police patrouillait non loin ; un agent intervient, tire, et abat froidement l’assaillant. Traumatisée, amnésique, Karen est envoyée avec son époux dans un centre de thérapie sous l’autorité du Dr George Waggner.

Sorti la même année que Le Loup-Garou de Londres, Hurlements partage avec son jumeau une certaine parité d’intentions : esprit sarcastique, humour noir (satire de l’addiction carnivore, reflet de l’instinct sauvage enfoui en chaque homme), contexte moderne pour ressusciter une figure mythique, et effets spéciaux révolutionnaires aussi bluffants que percutants.

Si ce joyau de série B demeure aussi envoûtant, c’est autant pour sa maîtrise formelle que pour ses scènes chocs, parfois cruelles (les morts inopinées de deux personnages marquants), et pour la caractérisation ironique d’antagonistes retors — à l’image du Dr Waggner, campé avec aplomb par Patrick Macnee, psychologue bienveillant en apparence, qui aide ses patients à canaliser leurs pulsions… meurtrières. Car nos loups-garous, depuis l’avènement de la civilisation moderne, sont contraints de réprimer leur instinct de chasseurs pour se contenter de consommer du bétail. Mais les plus anarchistes d’entre eux bafouent ces règles pour céder à leur besoin primal de chair humaine.

Visuellement, les décors champêtres d’une forêt embrumée, la photographie saturée d’azur et d’oranges transfigurent l’ensemble en un crépuscule fantastique, à la lisière du rêve.

Aussi simple que solidement construite, la narration diffuse une angoisse envoûtante, surtout durant les séquences nocturnes, portée par une partition intense de Pino Donaggio. Les FX artisanaux — jamais gratuits — émergent du parcours des personnages en quête de vérité. La transformation d’Eddie en lycanthrope, lente, progressive, reste un moment d’anthologie : un modèle de réalisme, une scène saisissante, contemplée par une victime catatonique, fascinée, terrorisée.

Le climat d’épouvante, renforcé par le désarroi des héroïnes en investigation, s’intensifie au fil des hurlements surgis du fond de la forêt — autant d’échos d’une présence invisible mais tapie. Outre cette ambiance ouatée, capiteuse, presque sensuelle, surgit une scène restée célèbre : l’étreinte torride des amants infidèles sous une pleine lune.

Les comédiens, principaux et seconds couteaux (les briscards John Carradine, Dick Miller, Kevin McCarthy, l’envoûtante et provocante Belinda Balaski, ou encore le placide Patrick Macnee) offrent une belle alchimie dans cette galerie de personnages tantôt rassurants, tantôt cyniques, notamment au sein de la colonie. Quant à Dee Wallace — que je n’ai jamais trouvée aussi charmante et glamour — elle vole presque la vedette, incarnant avec justesse la fragilité d’une amnésique en proie au surnaturel avant son ultime hurlement poignant, résonnant comme un cri du cœur inoubliable. 

 

"Hurlements, ou l’art du frisson artisanal".

Dirigé avec soin par un cinéaste transi d’amour pour son bestiaire lycanthrope, Hurlements s’impose comme une référence incontournable du cinéma de genre. Un conte horrifique d’une modernité fascinante, porté par une dynamique de groupe étonnamment attachante. Reste à savoir qui, un jour, parviendra à transcender — sinon égaler — cet artisanat féroce (aussi bien du côté du réalisateur que de ses techniciens). Car les chefs-d’œuvre sont inoxydables, et Hurlements, à l’instar du Loup-Garou de Londres ou de La Nuit du Loup-Garou, n’a nul besoin de rougir face à ses congénères.

Pour la petite anecdote personnelle : Hurlements fut mon tout premier film d’horreur vu en salle, un mardi après-midi de congé scolaire, en compagnie de ma tante. Un traumatisme fascinatoire inégalé — à l’exception peut-être de Frayeurs et L’Exorciste.

*Bruno

 

La Chronique du Loup-garou de Londres: http://brunomatei.blogspot.fr/…/le-loup-garou-de-londres-os…
 

25.04.12 (273 V)
14/08/17. 

31.07.23. 10èx

Récompense: Prix de la Critique à Avoriaz 1981

HALLUCINATIONS

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

"The Comeback" de Pete Walker. 1978. Angleterre. 1h30. Avec Jack Jones, Pamela Stephenson, David Doyle, Bill Owen, Sheila Keith.

Sortie salles Angleterre: 16 Juin 1978

FILMOGRAPHIE: Pete Walker est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né en 1939 à Brighton. 1968: l'Ecole du sexe, For men only, 1970: Cool, c'est Carol, 1971: Man of violence, Die Screaming, Marianne, 1972: Quatre dimensions de Greta, le Théâtre de l'angoisse, 1973: Tiffany Jones, 1974: Flagellations, Frightmare, 1976: The Confessionnal, Schizo, 1978: Hallucinations, 1979: Home Before Midnight, 1983: House of the long shadows.

Petit artisan brittish du B movie horrifique ayant principalement sévi dans les années 70 (si on excepte son sympathique House of the Long Shadows tourné en 83), Pete Walker réalise en 1978 l'un de ses meilleurs films avec Hallucinations. Un thriller à suspense mâtiné de psycho-killer alors que la même année sort sur les écrans son modèle du genre, Halloween. En mal de notoriété depuis 6 ans d'absence, un chanteur tente de remonter sur scène après son divorce conjugal. Séjournant dans une vieille bâtisse louée par un couple de retraités, Nick Cooper est sujet à de mystérieuses hallucinations durant certaines nuits, après quoi des gémissements infantiles lui martèlent l'esprit. Un peu plus tôt (face à notre unique témoignage !), un tueur affublé d'un masque de sorcière venait d'assassiner son ex femme dans son ancienne demeure ! Modeste série B horrifique imprégnée d'angoisse latente de par les cloisons audibles d'une demeure gothique, Hallucinations cultive un suspense soutenu par le truchement d'une intrigue simpliste pour autant efficace.

Car jonglant non sans savoir-faire avec les clichés des éventuels suspects et faux coupables et de la fameuse présence hostile prête à alpaguer sa proie, Pete Walker s'entoure notamment d'un casting tout à fait attachant afin de renchérir ce whodunit émaillé de visions putrides que n'aurait pas renié Fulci ou D'Amato ! Tant auprès de la ravissante et très sexy Pamela Stephenson en maîtresse plutôt prévenante, de David doyle (Bosley de la série TV Drôles de dames) en imprésario gentiment badin et bonnard, que de la présence de Jack Jones en chanteur vieillissant tiraillé par une psychose indécrottable. Qui plus est, les deux meurtres sauvagement exécutés face caméra s'avèrent d'une grande violence avec l'appui d'un montage ultra dynamique ne lésinant pas sur les focus de plaies entaillées. Autant dire que les visions sanglantes complaisamment étalées feront les choux gras des fans de Bis. Outre l'aspect ludique de ce psycho-killer sans prétention jouant en prime avec le thème de la hantise en soignant le cadre d'une demeure fétide, Hallucinations traduit scrupuleusement une ambiance d'insécurité et de mystère feutré sous l'impulsion fragile de notre héros en proie aux persécutions morales. Et si le final prévisible peut un brin décevoir quant à l'identité du coupable, les tenants et aboutissants ainsi que ses motivations ne manquent pas de densité dramatique Spoil ! notamment si je me réfère à l'influence que peut exercer la starisation auprès des fans. Fin du Spoil.

Efficace, agréablement mené et toujours attachant, Hallucinations laisse surtout en mémoire une ambiance horrifico-putride perméable comme seules les années 70 et 80 étaient capables d'en concevoir sous la mainmise d'un artisan intègre féru d'amour du genre. A redécouvrir ! 

Bruno Matéï
3èx

RASPOUTINE, LE MOINE FOU

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site comicartfans.com

"Rasputin, the Mad Monk" de Don Charp. 1966. Angleterre. 1h31. Avec Christopher Lee, Barbara Shelley, Richard Pasco, Francis Matthews, Suzan Farmer, Dinsdale Landen, Renée Asherson.

Sortie salles France: 28 Septembre 1966. U.S: 6 avril 1966

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Don Sharp est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur anglais d'origine australienne, né le 19 Avril 1922 à Hobart (Australie), décédé le 18 Décembre 2011.
1963: Le Baiser du Vampire. 1964: Les Pirates du Diable. 1965: La Malédiction de la Mouche. 1965: Le Masque de Fu-Manchu. 1966: Raspoutine, le moine fou. 1966: Opération Marrakech. 1966: Les 13 Fiancées de Fu Manchu. 1967: Le Grand Départ vers la lune. 1968: Les Champions. 1973: Le Manoir des Fantasmes. 1978: Les 39 marches. 1979: Le Secret de la banquise.

Un an après avoir réalisé le fort plaisant le Masque de Fu Manchu, Don Sharp reprend son acteur fétiche Christophe Lee afin d'immortaliser une nouvelle sommité diabolique ayant toutefois réellement vécue au sein de la Russie: Grigori Raspoutine. D'après un scénario d'Anthony Hinds plutôt fidèle à la réalité historique, Raspoutine, le moine fou repose largement sur les épaules du prince des ténèbres, Sir Christopher Lee. En Russie, un moine itinérant parvient à séduire la clientèle d'une taverne grâce à ces dons de guérisseurs. Grand manipulateur, notamment par sa faculté d'hypnotiser ses victimes, ce dernier a pour projet de s'introduire chez la famille d'un tsar afin d'accéder au trône. Récit horrifique d'une cruauté en roue libre quant au portrait putassier que nous offre sur un plateau d'argent Christopher Lee dans celui d'un gourou aussi bien vicié que pernicieux, Raspoutine le moine fou s'avère redoutablement efficace. De par son lot de stratégies morbides que ce dernier invoque avec un vénéneux pouvoir de séduction si bien que les jeunes innocentes, nobles dames et même souverains succombent comme des mouches à son charme reptilien jusqu'à ce que parfois mort s'ensuive.

Baignant dans une envoûtante atmosphère gothique chère aux studios Hammer (décors domestiques mais aussi nature réfrigérante) et épaulé de chaudes nuances d'une photo sépia, la mise en scène de Don Sharp s'avise pour autant de réalisme pour nous conter les méfaits sournois d'un provocateur passé maître dans l'art de la persuasion. Car en dépit de sa résistance surhumaine, le récit ne s'adonne pas aux facteurs ouvertement surnaturels pour justifier ses pouvoirs délétères et opte plutôt sur son acuité psychologique à travers l'hypnose, et ce même s'il s'alloue d'un éventuel pouvoir de guérisseur. Par le truchement de ce personnage débauché, railleur, sans vergogne, libidineux et alcoolique, Christopher Lee n'aura jamais été aussi terrifiant que dans ce personnage faussement ecclésiastique car à présent littéralement habité par le démon. Ces horribles méfaits perpétrés sur la gente tantôt féminine tantôt masculine instaurant parfois d'étonnantes conséquences dramatiques par sa simple volonté spirituelle. Ce qui nous vaudra d'ailleurs un rapport de force intense entre lui et une victime transie de remords et de haine à s'opposer désespérément à son irrépressible emprise. Sans doute la séquence la plus marquante par sa verdeur psychologique ayant comme répercussion un futur dénouement tragique.

Métaphore sur l'emprise des sectes sous l'apparat du séduisant gourou, Raspoutine le moine fou surprend par son intensité à la fois dramatique et horrifique que Christopher Lee extériorise avec un magnétisme aussi bien glaçant qu'ensorcelant. Un excellent cru "Hammer" d'après un fait divers fétide compromis d'interrogations, rumeurs et mystères irrésolus. 

Eric Binford.
2èx

La vérité historique (source WIKIPEDIA):
Grigori Efimovitch Raspoutine, par la suite Raspoutine-Novyi (en russe : Григорий Ефимович Распутин-Новый1), probablement né le 21 janvier (9 janvier) 1869 dans le village de Pokrovskoïe, est un pèlerin, mystique et guérisseur russe. Il a été le confident d'Alexandra Feodorovna, épouse de l'empereur Nicolas II, ce qui lui a permis d'exercer une forte influence au sein de la cour impériale russe, jusqu'à son assassinat, à Petrograd, dans la nuit du 29 décembre (16 décembre) 1916 au 30 décembre (17 décembre) 19162, à la suite d'un complot fomenté par des membres de l'aristocratie.

Originaire des confins de la Sibérie, il se présentait comme un strannik, un pèlerin mystique errant, et se prétendait starets et prophète. Aucune source ecclésiastique n’atteste néanmoins son appartenance à un quelconque ordre religieux, mais Raspoutine affirmait sa fidélité à l'église Orthodoxe russe. En revanche, il fut à plusieurs reprises suspecté d'appartenir à la secte des khlysts. L'hypothèse la plus généralement retenue est qu'il fut surtout un aventurier, se présentant comme pèlerin itinérant, doté d'un grand pouvoir de séduction.

En 1907, Raspoutine, qui s'est acquis une réputation comme guérisseur, est pour la première fois invité par le couple impérial au chevet de leur fils Alexis, leur unique garçon et l'héritier du trône, atteint d'hémophilie. Ce n'est que plus tard que Raspoutine devient un personnage influent, en particulier après septembre 1915. On a pu prétendre3 que Raspoutine a participé à jeter le discrédit sur la famille impériale, et qu'il a constitué l'un des éléments qui causèrent la chute des Romanov. La tsarine et sa famille ont pu le considérer comme un guérisseur, un mystique, voire un prophète, mais ses ennemis l'ont décrit comme un charlatan débauché, mû par un appétit sexuel démesuré, et même comme un espion.

Certaines zones d'ombre subsistent sur la vie et l'influence de Raspoutine, ce que l'on sait de lui est souvent basé sur des témoignages partiaux en partie alimentés par la propagande antimonarchiste, des rumeurs et des légendes.

Alors que le personnage a longtemps été diabolisé, bon nombre de personnes en Russie ont aujourd'hui de lui une opinion moins défavorable4. Quoi qu'il en soit, un mythe s'est construit autour de Raspoutine qui, de nos jours encore, continue à inspirer écrivains et artistes.