Darkness

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jaume Balaguero. 2002. Espagne/U.S.A. 1h42. Avec Anna Paquin, Lena Olin, Iain Glen, Giancarlo Giannini, Fele Martinez.

Sortie salles France: 18 Juin 2003. Espagne: 3 Octobre 2002. U.S: 25 Décembre 2004

FILMOGRAPHIE: Jaume Balaguero est un réalisateur et scénariste espagnol d'origine catalane, né le 2 Novembre 1968 à Lérida. 1999: La Secte sans Nom. 2002: Darkness. 2005: Fragile. 2006: A Louer (moyen métrage). 2007: REC (co-réalisé avec Paco Plaza). 2009: REC 2 (co-réalisé avec Paco Plaza). 2011: Malveillance.

Poème funèbre porté par une marche des Ténèbres, Darkness se dédie à la peur irrationnelle du noir, à l’aura de fascination qu’exerce l’obscurité. Sertie d’une photographie glacée et de décors baroques, l’œuvre de Jaume Balagueró renoue avec l’ambition des grandes histoires de fantômes, dans la plus pure force de suggestion. En se réappropriant les codes de la demeure hantée, de la possession et des prophéties antéchristiques héritées de La Malédiction ou de La 7ᵉ Prophétie (comme je l'aime cette perle maudite !), le cinéaste fait preuve d’audace et d’originalité, jusqu’à orchestrer un dénouement implacable scellant le sort de ses protagonistes.

Le pitch gravite autour d’une famille désunie, minée par l’irascibilité d’un père au passé obscur. Tandis que d’étranges phénomènes surviennent dans leur nouvelle demeure - et que les parents détournent le regard -, leur fille aînée, Régina, s’alarme de comportements erratiques, alors même que son jeune frère porte d’inquiétants stigmates au cou. Peu à peu, Régina et son amant tentent de percer l’identité de la maison en se rapprochant de son architecte. C’est alors que la mécanique infernale s’enclenche, précipitant les événements au fil de révélations toujours plus terrifiantes. 

Sans esbroufe grand-guignolesque - si l’on excepte deux ou trois apparitions spectrales entrevues au plafond de la bâtisse -, Balagueró compose un puzzle machiavélique autour d’une conjuration d’ampleur : la consécration des ténèbres sur Terre, dans leur forme la plus insaisissable, par le biais d’un rituel méticuleusement planifié. Entièrement dédié à l’obscurité du noir, dans sa dimension la plus éthérée, Darkness distille une ambiance magnétique semi dépressive lorsqu’une famille américaine devient l’objet d’une liturgie sataniste. Métaphore de l’influence du Mal et de la part d’ombre enfouie en chacun de nous, le film fascine lorsque les forces obscures tentent de fissurer la lumière rédemptrice afin d’imposer leur suprématie.

Si le film s’avère aussi pénétrant, inquiétant et anxiogène, il le doit également à la caractérisation dépressive de personnages à la lisière de l'antipathie et aisément manipulables. À l’exception (peut-être ?) de la jeune Régina, investigatrice studieuse qu’Anna Paquin (True Blood) incarne avec une humanité et une force de caractère telles qu’elle vole la vedette à l’ensemble de ses partenaires. Il le doit aussi à la densité d’un scénario habilement charpenté, distillant lentement le venin d’une machination abjecte où l’enfance martyrisée est offerte en sacrifice. Ce sentiment d’impuissance, conjugué à la volonté désespérée de surmonter la peur du Mal, converge vers quarante-cinq minutes aussi étouffantes qu’haletantes, scandées de rebondissements retors, jusqu’à un épilogue pessimiste jouant sur l’ambiguïté d’une possible échappatoire.

Hymne au crépuscule du noir et à ses secrets lourds, tapis dans l’ombre de notre fragile enfance, Darkness parvient à instaurer un climat d’inquiétude et de mystère subtilement ensorcelant. De la puissance de suggestion émanant de la psychologie tourmentée des personnages et de cette ambiance poisseuse et oppressante naît une perle noire, à la mise en scène si maîtrisée que les années pourraient bien la sacraliser "classique funeste" du cinéma d’horreur indépendant.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

La critique de la 7è Prophétie: http://brunomatei.blogspot.fr/…/la-septieme-prophetie-seven…

La critique de la Malédiction: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/10/la-malediction.html

03.01.22. 22.01.26. 5èx. VF sur video projo

L'ECHINE DU DIABLE (El espinazo del diablo). Prix du Jury, de la Critique Internationale et du Jury jeunes, Gérardmer 2002.

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site bronxscine.wordpress.com

de Guillermo Del Toro. 2001. Mexique/Espagne. 1h46. Avec Eduardo Noriega, Marisa Paredes, Federico Luppi, Fernando Tielve, Inigo Garcés.

Sortie salles Espagne: 20 Avril 2001. France: 8 Mai 2002

FILMOGRAPHIE: Guillermo Del Toro est un réalisateur, scénariste, romancier et producteur américain, né le 9 Octobre 1964 à Guadalajara (Jalisco, Mexique).
1993: Cronos. 1997: Mimic. 2001: l'Echine du Diable. 2002: Blade 2. 2004: Hellboy. 2006: Le Labyrinthe de Pan. 2008: Hellboy 2. 2013: Pacific Rim.

"N'oublions pas que nous sommes tous, et avant tout, des êtres déviants et marginaux. On est toujours l'étranger de l'autre." Guillermo Del Toro.

Pour son 3è long-métrage, et bien avant Le Labyrinthe de Pan, Guillermo Del Toro avait déjà abordé le thème douloureux de l'innocence bafouée par la guerre d'Espagne des années 30. Multi récompensé dans divers festivals, L'Echine du Diable emprunte le genre fantastique pour mettre en exergue un drame psychologique d'une rare dureté dans le traitement infligé aux personnages car sévèrement contrariés par une situation sociale en déclin et d'être ensuite molestés par un facho aussi cupide que fourbe. Sur ce point, on peut saluer la prestance insidieuse du bellâtre Eduardo Noriega endossant de manière viscérale un criminel sans vergogne habité par le Mal. Métaphore du fascisme, Del Toro restitue à travers cet antagoniste l'esprit dictateur de la guerre d'Espagne, celle de la période Franquiste, et le châtiment intenté aux enfants orphelins où les fantômes du passé patientent leur revanche. Alors que Carlos vient de perdre son père, il est envoyé par son tuteur dans l'orphelinat de la directrice Carmen et du docteur Casares. Sur place, il doit faire face aux provocations railleuses de certains camarades et de l'attitude castratrice de Jacinto, un trentenaire exploitant la faiblesse des autres par son aimable apparence. Rapidement, Carlos est désorienté par les visions récurrentes d'un fantôme infantile. Durant son intégration, il va tenter de percer le mystère qui entoure la disparition du jeune Santi avant que la direction ne décide de quitter les lieux, faute d'une guerre civile incontrôlable.

Sous couvert d'argument surnaturel, Guillermo Del Toro aborde la barbarie de la guerre Franquiste avec une belle singularité dans le cadre ensoleillé d'un orphelinat réduit au confinement. Baignant dans une poésie macabre stylisée pour les apparitions spirituelles de Santi, le film privilégie le suspense lattent autour du sort tragique autrefois intenté à ce bambin martyr. Et de transcender la caractérisation fragile des autres enfants avec une dimension désespérée car apeurés des exactions immorales de Jacinto. Du point de vue des adultes, Del Toro dessine également le portrait torturé d'un couple de sexagénaires discrédités par l'adultère et l'appât du gain, Spoiler ! Carmen s'autorisant au cours de certaines nuits les avances sexuelles de Jacinto. Rongée par le remord de son infidélité, leur relation va finalement éclater au grand jour lorsque son compagnon Casarès décide de quitter les lieux avec les enfants en daignant emporter un trésor de la cause républicaine. Fin du Spoiler. C'est à partir de ce départ précipité que l'intrigue va décupler son intensité dramatique dans les stratégies meurtrières intentées au couple de fuyards, à une jeune gouvernante et aux orphelins. Récit initiatique où les enfants sont confrontés à la dérive criminelle d'un être démoniaque (et non à celui du fantôme revanchard !), ils sont contraints de s'unifier et rétorquer par la légitime violence pour retrouver leur indépendance. Eprouvant par sa violence réaliste car souvent exercée avec une lâcheté intolérable, l'Echine du Diable met donc en relief le désespoir de survivants de la guerre contraints de vivre avec leurs démons intérieurs et de se rebeller contre l'ennemi, alors qu'un enfant martyr veille à concrétiser sa revanche.

Les fantômes du passé
Grave, difficile, cruel et éprouvant mais plein de sensibilité pour la dimension déchue de ces protagonistes en perdition, l'Echine du Diable exploite l'argument fantastique avec l'intelligence d'une situation historique de triste mémoire (le spectre d'une guerre) tout en portant humble témoignage à la maltraitance infantile. Un chef-d'oeuvre d'onirisme singulier dont il est difficile d'évacuer sa rigueur émotive.   

La critique du Labyrinthe de Pan (le): http://brunomatei.blogspot.fr/2013/08/le-labyrinthe-de-pan-el-laberinto-del.html

Bruno Matéï
2èx

Récompenses:
Festival du film fantastique d'Amsterdam 2002 : Grand Prix d'argent du meilleur film fantastique européen pour Guillermo del Toro
Festival international du film fantastique de Gérardmer 2002 : Prix du jury, Prix de la critique internationale et Prix du jury jeunes de la région Lorraine
MTV Movie Awards Latin America 2002 : meilleur mexicain travaillant à l'étranger pour Guillermo del Toro (également nommé pour Blade 2)
Young Artist Awards 2002 : meilleur jeune acteur dans un film international pour Fernando Tielve

ORCA

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemotions.com

de Michael Anderson. 1977. U.S.A. 1h32. Avec Richard Harris, Charlotte Rampling, Will Sampson, Bo Derek, Keenan Wynn, Robert Carradine.

Sortie U.S: 22 Juillet 1977. France: 21 Décembre 1977

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Michael Anderson est un réalisateur britannique, né le 30 Janvier 1920 à Londres.
1949: Private Angelo. 1950: Waterfront. 1956: 1984. 1956: Le Tour du monde en 80 Jours. 1960: Les Jeunes Loups. 1961: La Lame Nue. 1965: Opération Crossbow. 1975: Doc Savage arrive. 1976: L'âge de cristal. 1977: Orca. 1979: Dominique. 1980: Chroniques Martiennes. 1989: Millenium. 2000: Pinocchio et Gepetto. 2008: Tenderloin.

Comparé à tort comme un ersatz trivial des Dents de la Mer dès sa sortie, Orca n'a pourtant pas la prétention d'émuler le modèle de Spielberg, tant au niveau de son budget beaucoup plus modeste, de l'émotion empathique qu'il procure auprès du monstre marin que de l'intrigue focalisée sur la fonction vindicative entre un homme et un orque. Dans la lignée de Moby Dick, Orca relate l'implacable vengeance d'un épaulard auprès d'un capitaine ayant tué accidentellement une femelle lors d'une chasse en mer. Appâté par le gain d'une juteuse récompense, Nolan s'était mis en tête de capturer l'animal pour l'offrir dans un centre de loisir et ainsi pouvoir hypothéquer son bateau. Seulement, la traque se solde par un grave incident lorsque la femelle décide de se suicider en s'accrochant au moteur du bateau. Après avoir réussi à embarquer à bord l'animal grièvement blessé, un foetus s'en extrait de son estomac ! Témoin de l'horrible scène, le mâle décide d'entamer une vendetta criminelle auprès du capitaine et de ses sbires.

En dénonçant la cruauté de la chasse et le châtiment exercé auprès des orques lorsqu'ils sont envoyés dans des aquariums pour contenter la clientèle de parcs d'attraction, Michael Anderson prend inévitablement parti pour la cause animale et n'hésite pas à nous ébranler lorsqu'une femelle orque à l'agonie nous dévoile en dernier ressort la vision d'effroi de son bébé mort-né ! Soutenue par la sublime partition élégiaque d'Ennio Morricone et renforcé des hurlements stridents (comparables à ceux des humains) des épaulards en détresse, la première partie provoque une émotion accablée face à leur condition de souffre-douleur de l'homme, quand bien même un orque venait de sauver de la mort un biologiste lors d'une plongée sous-marine. La séquence illustrant ensuite le deuil communautaire du mâle emportant sa défunte sur les flots s'avère le moment le plus bouleversant dans sa poésie mélancolique et crépusculaire où la nature semble également pleurer leur triste fardeau. La seconde partie laisse place au revirement agressif de l'animal lorsqu'il décide d'affronter les membres de l'équipage du capitaine Nolan installés à proximité d'un hameau balnéaire. Hormis le caractère prévisible de ses situations belliqueuses et de la traque qui s'ensuit, Orca réussit avec efficacité à réguler l'intérêt de sa vendetta, notamment parmi la prise de conscience du capitaine Nolan, endossé avec autorité par le vétéran Richard Harris. Totalement impressionné par l'arrogance meurtrière de l'animal et hanté par le remord, car ayant préalablement vécu la même situation de deuil parental (sa femme et son fils ont été sacrifiés lors d'un accident de voiture par la faute d'un chauffard !), Nolan reconnait soudainement en lui ses prétentions d'orgueil, d'hypocrisie, de lâcheté et de cupidité qu'une biologiste militante (Charlotte Rampling, pourvu de son habituel charme vénéneux !) va également rappeler à la tolérance. La dernière partie, haletante et spectaculaire, nous dévoile enfin la traque impitoyable impartie entre nos deux adversaires, sachant que l'orque, seul mammifère au monde capable de tuer par vengeance, s'avère redoutablement finaud et opiniâtre dans sa soif de justice. Malgré son mea-culpa, l'homme s'avère donc ici contraint de combattre l'animal à armes égales et dans un ultime baroud d'honneur !

Si on aurait préféré à ce que l'intrigue soit plus intense et captivante dans les enjeux de survie et de rébellion et que la réalisation aurait mérité à être un peu plus solide, Orca réussit pourtant à provoquer l'émotion lors de cette traque improbable où, pour le coup, l'animal peut enfin parfaire sa revanche sur l'homme. Un beau film d'aventures, humble et dénué de prétention, émaillé de séquences spectaculaires parfois impressionnantes, et soutenu du score lancinant de Morricone. 

Dédicace à Gwendoline Lefaucheur
Bruno Matéï
3èx

La Balance. César du Meilleur Film, 1983.

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Bob Swaim. 1982. France. 1h42. Avec Nathalie Baye, Philippe Léotard, Richard Berry, Christophe Malavoy, Jean-Paul Comart, Bernard Freyd, Maurice Ronet.

Sortie salles France: 10 Novembre 1982

FILMOGRAPHIE: Bob Swaim (Robert Frank Swaim Jr.) est un réalisateur et scénariste français, né le 2 Novembre 1943 à Evanston, Illinois, U.S.A. 1971: L'autoportrait d'un pornographe. 1972: Vive les Jacques. 1977: La Nuit de Saint-Germain des Prés. 1982: La Balance. 1986: Escort Girl. 1988: Mascarade. 1992: L'Atlantide. 1994: Parfum de meurtre (télé-film). 1995: Femme de passions (télé-film). 1998: Le Défi. 2004: Nos amis les flics. 2006: Lumières Noires.

Pour faire face à la croissance d'une nouvelle criminalité, "sauvage" et plus violente, la police judiciaire crée les Brigades Territoriales, seules unités de la police intégrées dans le tissu urbain de la pègre. Chaque groupe a son propre réseau d'informateurs sans lequel il ne peut pas travailler. L'informateur ou l'indic est appelé par le milieu "la Balance". 

Gros succès commercial, La Balance rafle trois Césars en 1983: Meilleur film, Meilleur acteur pour Philippe Léotard, Meilleure actrice pour Nathalie Baye. Une reconnaissance méritée pour ce polar sec, nerveux, qui ne prend pas de gants, et qui offre un nouveau regard sur le cinéma de genre français.

Dès les premières minutes, le ton est donné. Une mise en scène tendue, où Bob Swaim injecte une énergie brute, héritée de ses origines américaines. Fusillades en plein chaos urbain, poursuites à vif dans les artères sales de Paris, violence frontale : La Balance respire la rue, la sueur, la peur, l'hypocrisie en diable. Rien n’est stylisé. Tout semble arraché au réel. On y croit dur comme fer, on est clairement au coeur de l'époque des années 80.

Mais derrière cette efficacité immédiate, le film distille un poison plus insidieux: celui d’une police gangrenée, manipulatrice, prête à broyer ses indics pour remonter la chaîne. Ici, la justice n’est qu’un rapport de force. On ment, on frappe, on fabrique des preuves si nécessaire. Et au milieu de ce jeu de dupes, les faibles servent de monnaie d’échange. C’est là que le film touche juste et fascine constamment tout en provoquant la colère d'une justice sans vergogne.

Dédé et Nicole. Deux âmes cabossées. Deux survivants qui s’accrochent l’un à l’autre comme à une illusion fragile. Philippe Léotard, hagard, usé jusqu’à la corde, donne à son macro une humanité désespérée. Nathalie Baye, elle, irradie - dure, vulnérable, toujours au bord de la rupture. Ensemble, ils ne jouent pas l’amour : ils le quémandent, dans un monde qui ne leur laissera jamais la place de l’exister. C'est ça le coeur du récit ! De nous transcender le superbe portrait d'une romance déchue.

Autour d’eux, une galerie de seconds rôles plus que solides - Richard Berry, Christophe Malavoy, Tchéky Karyo (salopard plus vrai que nature), Maurice Ronet - compose un univers cohérent, sans échappatoire. Chacun joue sa partition dans cette mécanique sale où personne ne sort propre. Aucun héros, aucun manichéisme.

Et c’est peut-être là la vraie force de ce polar impeccablement filmé : refuser l'échappée.
Pas de héros. Pas de rédemption. Juste une lente descente, où la trahison devient une nécessité, et l’amour une faiblesse.

Violent, âpre, profondément humain à travers ce puissant portrait d'amants paumés, La Balance ne cherche pourtant jamais à séduire. Il observe, il écrase ses personnages vers la déroute, il laisse des traces. Comme une nuit infernale dans un Paris qui pue la crasse et la fatalité.

Un polar brut, sans illusion, n'ayant rien à envier à certaines bisseries transalpines du même genre démonstratif. Et l’un des plus marquants des années 80.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

01.04.26. 4èx

Récompenses: César du Meilleur Film
César de la Meilleure Actrice, Nathalie Baye
César du Meilleur Acteur, Philippe Léotard

REC. Prix du Public, Prix du Jury, Gérardmer 2008

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Paco Plaza et Jaume Balaguero. 2007. Espagne. 1h15. Avec Manuela Velasco, Pablo Rosso, Ferran Terraza, Jorge Serrano, Javier Botet, Martha Carbonell.

Sortie salles France: 23 Avril 2008. Espagne: 23 Novembre 2007.

FILMOGRAPHIE: Paco Plaza est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1973 à Valence (Espagne). 2002: Les Enfants d'Abraham. 2004: L'Enfer des Loups. 2006: Scary Stories. 2007: REC. 2008: REC 2. 2012: REC 3 Genesis. Jaume Balaguero est un réalisateur et scénariste espagnol, né le 2 Novembre 1968 à Lérida (Espagne). 1999: La Secte sans Nom. 2002: Darkness. 2005: Fragile. 2006: Scary Stories (A louer). 2007: REC. 2008: REC 2. 2011: Malveillance. 2014: REC Apocalypse.

Premier volet d'une quadrilogie très inégale, Rec impressionna sans ambages le public lors de sa sortie, à l'instar de ces prix remportés à Gérardmer et à Catalogne. Car misant beaucoup sur l'effet de surprise des nombreuses agressions erratiques, le film s'édifie en train-fantôme cartoonesque lorsque les survivants d'un immeuble tentent de se protéger contre la menace virale d'individus atteints de cannibalisme. Partant du concept en vogue du Found Footage, Rec emprunte la voie du huis-clos pour insuffler sentiment de claustration et poussée d'adrénaline dans l'enceinte de cet appartement barricadé par les forces de l'ordre.

La faute incombant au chien d'un propriétaire ramené chez le vétérinaire après avoir contracté une éventuelle rage. Terriblement contagieux, la police décide donc de placer en quarantaine tous les locataires de l'immeuble au moment même où une équipe de pompiers y étaient dépêchés après la plainte d'un résidant. Enfin, un duo de journalistes qui étaient venus réaliser un reportage au siège même des sapeurs-pompiers se retrouve pris au piège parmi eux. A l'aide d'une caméra portée à l'épaule, ils décident de filmer leur condition de survie afin de divulguer aux médias et à la population la situation alarmiste d'une contagion inexpliquée. Ultra réaliste, les deux réalisateurs comptent donc sur le principe du docu-vérité et la persuasion des comédiens en roue libre pour foutre les pétoches et rendre plausible une histoire d'infectés, juste avant de culminer vers un dénouement inopinément sataniste. A cet égard, son point d'orgue filmé en vision infra-rouge réussit à provoquer un sentiment de peur inusité en jouant habilement sur la pénombre d'une pièce ornée de reliques et documents religieux, et ce avant de nous dévoiler l'apparence famélique d'un terrifiant individu. Pourvu d'un humour noir sous-jacent mais aussi d'un ton décalé dans les mouvements de panique, de par les hystéries et paranoïas collectives, les réactions imprévisibles des contaminés furibonds et leurs altercations sanguinaires, Rec exploite à peu de choses près la même recette que son binôme Evil-dead pour divertir le spectateur embarqué dans une délirante montagne russe.

Très efficace car aussi réaliste que ludique à travers son apanage de péripéties horrifiques et jump-scares impromptus (2 demeurent fulgurants au point de réellement bondir de son siège !), Rec exploite assez habilement son concept de Found Footage autour d'un huis-clos de tous les dangers. L'idée finaude de compromettre thématique virale et possession sataniste apportant également un peu de sang neuf au genre éculé. Mais aussi fun et trépidant qu'il soit, Rec attise finalement plus la réjouissance que la terreur escomptée (si on épargne certains moments chocs impactant et la teneur inquiétante de son dénouement infiniment effrayant à marquer d'une pierre blanche). 

*Bruno
29.04.23. 3èx

Récompenses: Prix du Jury, Prix du jeune public, Prix du Public à Gerardmer, 2008
Prix du Meilleur Film Fantasporto
Prix du Public, Prix de la critique, Prix du Meilleur Réalisateur, Prix de la Meilleure Actrice (Manuela Velasco) au Festival du film de Catalogne, 2007

New-York ne répond plus / The Ultimate Warrior

de Robert Clouse. 1975. U.S.A. 1h35. Avec Yul Brynner, Max von Sydow, Joanna Miles, William Smith, Richard Kelton, Stephen McHattie, Darrell Zwerling, Lane Bradbury, Nate Esformes, Mel Novak...

Sortie en salles en France le 7 Janvier 1976 (Int - 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Robert Clouse est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 6 mars 1928, décédé le 4 Février 1997 à Ashland (Oregon). 1970: La Loi du talion. Dreams of Glass. 1973: Opération Dragon. 1974: La Ceinture Noire. Les 7 Aiguilles d'or. 1975: New-york ne répond plus. 1977: The Pack. De la neige sur les Tulipes. 1978: Le Jeu de la Mort. 1979: The London Connection. 1980: The Kids who Knew to Much (télé-film). 1980: Le Chinois. 1981: Force 5. 1982: Les Rats Attaquent. 1985: Gymakata, le Parcours de la mort. 1990: China O'Brien. 1991: China O'Brien 2. 1992: Ironheart.

 

New-York ne répond plus : western urbain sur terrain cendreux

Spécialiste du cinéma d’action, Robert Clouse signe en 1975 un western d’anticipation réunissant à l’écran deux illustres briscards du cinéma de papa : Max von Sydow et Yul Brynner. Précurseur de Mad Max 2, New-York ne répond plus dépeint, avec des moyens modestes, la lutte de deux clans rivaux pour la sauvegarde d’une semence végétale après une catastrophe écologique.

Le pitch : au cœur de cet affrontement, Carson, mystérieux solitaire surgissant de nulle part, décide de s’interposer pour faire face à une situation désespérée après une transaction avec le "Baron", leader pacifique devenu fermier d’un potager miraculeusement cultivé par un agronome. Ces graines reproductives, ultime espoir pour l’humanité, deviennent la mission de Carson, qui, avec l’aide de la fille du Baron, doit se réfugier dans les tunnels de Manhattan pour rejoindre une île fertile. Mais l’impitoyable "rouquin" et ses sbires sont prêts à tout pour s’en emparer...

Sous couvert de bande dessinée ludique, Clouse livre un récit alarmiste, évoquant la dénutrition (déjà magnifiquement décriée dans Soleil Vert), la régression humaine au sein d’une société vacillante, et les erreurs de jugement propres à une hiérarchie instable (la bévue du Baron accusant à tort un voleur de tomate, et la conséquence tragique qui s’ensuit). Il orchestre des affrontements belliqueux entre bandes rivales, juste avant que n’intervienne l’ultime guerrier - incarné par un Yul Brynner d’une virilité imperturbable - venu prêter main forte au groupe pacifiste du Baron, qu’endosse un Max von Sydow tout en placidité et circonspection.

À travers l’iconisation de cet étranger salvateur, on devine l’influence qu’il aura pu exercer sur George Miller et son Mad Max 2, où Mel Gibson incarne lui aussi un héros solitaire chargé d’escorter un groupe de survivants vers une terre promise. À l’instar également de John Carpenter dans New-York 1997, Clouse transcende sa maigre enveloppe budgétaire pour dresser un tableau saisissant de désolation urbaine - immeubles saccagés, terrains vagues en décomposition - d’un réalisme brut.
Sans jamais esquisser un sourire, le film déploie une sauvagerie à vif : duels au couteau, lapidations, défenestrations, lynchages en communauté, voire la mort hors-champ d’un nouveau-né abandonné. L’interdiction aux moins de 18 ans lors de sa sortie s’impose alors comme une évidence.

Sa première heure, tendue, enchaîne combats physiques, stratégies de survie, trahisons et tentatives d’évasion pour s’emparer de la denrée précieuse. Mais c’est surtout sa dernière partie, confinée dans les sous-sols d’un métro désaffecté, qui imprime sa marque au fer rouge. Une longue poursuite haletante et sanglante (la fameuse main tranchée à la hache dans une situation désespérée de survie, un rival empalé d’un crochet dorsal !) alors que Carson et la fille du Baron tentent de fuir et de gagner l’île, traqués par les assaillants du "rouquin".

Réalisé avec savoir-faire, mené d’une main nerveuse et d’une narration limpide, New-York ne répond plus s’érige en classique old-school des seventies, post-nuke avant-coureur de la trilogie Mad Max. Abordant les thèmes du sacrifice, du devoir et du courage pour espérer un monde meilleur, cette solide série B, aussi sombre que rugueuse, rend tangible une urbanisation exsangue, où la violence est mise au service d’un constat sur la dérive primitive de survivants réduits à la famine, à la solitude et à la déchéance morale.
Porté avec aplomb par deux vétérans au charisme intact, rehaussé d’un score aux accents westerniens, ce récit dystopique reste aujourd’hui encore aussi attractif que glacial, barbare, trépidant.

Anecdote : lors de sa sortie aux États-Unis, les scènes de combat à l’arme blanche impressionnèrent tellement certains spectateurs que les ventes de couteaux augmentèrent de 2 % pendant l’exploitation du film en salles !

*Bruno Matéï
02.06.22. 5èx

07.01.15. 
05.02.10.

BOYHOOD. Ours d'Argent du Meilleur Réalisateur, Berlin 2013.

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site nightlightcinema.com

de Richard Linklater. 2002/2014. U.S.A. 2h46. Avec Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Zoe Graham, Tamara Jolaine, Nick Krause.

Sortie salles France: 23 Juillet 2014. U.S: 11 Juillet 2014.

FILMOGRAPHIE: Richard Linklater est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 30 Juillet 1960 à Houston, Texas. 1985: Woodshock (court-métrage). 1988: It's Impossible to learn to plow by reading books. 1991: Slacker. 1993: Génération Rebelle. 1995: Before Sunrise. 1996: SubUrbia. 1998: Le Gang des Newton. 2001: Waking Life. 2001: Tape. 2003: Rock Academy. 2004: Before Sunset. 2005: Bad News Bears. 2005: Fast Food Nation. 2006: A Scanner Darkly. 2008: Inning by inning: a portrait of a coach (doc). 2009: Me and Orson Welles. 2012: Bernie. 2013: Before Midnight. 2014: Boyhood. 2015: That's What I'm Taljing About.

Chronique familiale centrée sur le cheminement initiatique d'un enfant de 6 ans jusqu'à l'âge de sa majorité, Boyhood présente la particularité d'avoir été tourné durant plus de 12 ans afin de coller au plus près de la transformation physique des personnages. Pas de recours au maquillage donc ou de substituer l'acteur par un sosie pour divulguer leur nouvelle morphologie de maturité, mais simplement miser sur la présence naturelle de comédiens physiquement marqués par l'avancement de l'âge. Cet aspect inédit et couillu d'avoir osé suivre durant 12 longues années leur croissance physique engendre un parfum d'authenticité assez troublant dans la peinture de cette famille frappée par les aléas de l'existence.

Le réalisateur comptant notamment sur le jeu naturel de ces comédiens confondants d'aplomb ou de spontanéité dans leur condition humaine en constante mutation. Particulièrement le jeune Ellar Coltrane se fondant dans la peau d'un adolescent discret avec retenue et sagesse de son caractère flegme. Par son tempérament docile et tolérant s'y dégage une sobre émotion d'une intensité parfois accrue dans le reflet de ses sentiments. Fresque fleuve étalée sur une durée de 2h46, Boyhood transfigure l'intimisme d'une famille désunie avec un sens de vérité proche du reportage. On peut peut-être même évoquer une certaine allusion au cinéma de John Cassavetes dans certains sujets traités et la manière prude dont Richard Linklater filme les sentiments des personnages parmi la véracité de leur fragilité humaine. En abordant les thèmes universels de la famille, de l'amour, de la réussite professionnelle, de la puberté, de la maturité, de l'éducation parentale, puis ceux, plus graves, du divorce, de l'alcoolisme et la violence au sein du couple, Boyhood se condense en hymne à la vie du point de vue d'un adolescent en éveil de raisonnement. Le spectateur observant méticuleusement les points essentiels de son évolution à travers le témoignage de la responsabilité parentale, des camarades de classe, des premiers flirts de l'amour puis la déception qui s'ensuit avant de renouer avec l'optimisme d'une nouvelle rencontre. La manière habile et scrupuleuse dont la mise en scène fait preuve pour véhiculer l'émotion est entièrement adaptée à la caractérisation autonome des personnages confrontés au désordre de l'existence (la désillusion amoureuse, la discorde parentale, la crainte de l'échec, la peur de la solitude) mais épris d'une inévitable ambition à braver les difficultés sociales et humaines. C'est à dire celles de concrétiser leur carrière professionnelle, affirmer l'estime de soi et continuer de cueillir les nouvelles rencontres.

Sans aucun artifice dans son souci avisé de filmer la vie dans sa plus sobre intimité, Boyhood évite tout écueil de complaisance ou de pathos pour faire naître l'émotion. Outre la virtuosité de la mise en scène documentée, le cinéaste misant sur la candeur des ces comédiens habités par la fougue existentielle et la passion des sentiments, sans fioriture et encore moins d'emphase. 

Bruno Matéï

Récompenses:
Festival international du film de Berlin 2014 :
Ours d'argent du meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Reader Jury of the Berliner Morgenpost
Prize of the Guild of German Art House Cinemas
Festival international du film de Melbourne 2014 : People's Choice Award du meilleur film (1re place)
Festival international du film de Saint-Sébastien 2014 : Grand prix de la FIPRESCI7
Festival international du film de San Francisco 2014 : Founder’s Directing Award pour Richard Linklater
Festival international du film de Seattle 2014 :
Golden Space Needle du meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice pour Patricia Arquette
South by Southwest 2014 :
Louis Black Lone Star Award
Special Jury Recognition
American Film Institute Awards 2014 : top 10 des meilleurs films de l'année
Boston Society of Film Critics Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure distribution
Meilleur scénario pour Richard Linklater (ex-æquo avec Alejandro González Iñárritu pour Birdman)
Meilleur montage pour Sandra Adair
British Independent Film Awards 2014 : meilleur film indépendant international
Chicago Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice pour Patricia Arquette
Gotham Awards 2014 : Audience Award
Los Angeles Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice pour Patricia Arquette
Meilleur montage pour Sandra Adair
National Board of Review Awards 2014 : top 2014 des meilleurs films
New York Film Critics Circle Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice dans un second rôle pour Patricia Arquette
Washington D.C. Area Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice dans un second rôle pour Patricia Arquette
Meilleur espoir pour Ellar Coltrane
National Society of Film Critics Awards 2015 :
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater (1re place)
Meilleure actrice dans un second rôle pour Patricia Arquette (1re place)
Meilleur film (2e place)

DRACULA, PERE ET FILS

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site team-hush.org

d'Edouard Molinaro. 1976. France. 1h35. Avec Bernard Menez, Christopher Lee, Marie-Hélène Breillat, Catherine Breillat, Bernard Alane, Jean-Claude Dauphin.

Sortie salles France: 15 Septembre 1976

FILMOGRAPHIE: Edouard Molinaro est un réalisateur et scénariste français, né le 13 Mai 1928 à Bordeaux, en Gironde, décédé le 7 Décembre 2013 à Paris.
1958: Le Dos au mur. 1959: Des Femmes disparaissent. 1959: Un Temoin dans la ville. 1960: Une Fille pour l'été. 1961: La Mort de Belle. 1962: Les Ennemis. 1962: Les 7 Pêchers capitaux. 1962: Arsène Lupin contre Arsène Lupin. 1964: Une Ravissante Idiote. 1964: La Chasse à l'Homme. 1965: Quand passent les faisans. 1967: Peau d'Espion. 1967: Oscar. 1969: Hibernatus. 1969: Mon Oncle Benjamin. 1970: La Liberté en Croupe. 1971: Les Aveux les plus doux. 1972: La Mandarine. 1973: Le Gang des Otages. 1973: L'Emmerdeur. 1974: L'Ironie du sort. 1975: Le Téléphone Rose. 1976: Dracula, père et fils. 1977: L'Homme pressé. 1978: La Cage aux Folles. 1979: Cause toujours... tu m'intéresses ! 1980: Les Séducteurs. 1980: La Cage aux Folles 2. 1982: Pour 100 briques t'as plus rien... 1984: Just the way you are. 1985: Palace. 1985: L'Amour en douce. 1988: A gauche en sortant de l'ascenseur. 1992: Le Souper. 1996: Beaumarchais, l'insolent. 1996: Dirty Slapping (court-métrage).

Comédie pittoresque tournée vers la fin des années 70, Dracula, père et fils exploitait le filon en vogue de la parodie parmi l'association improbable d'un duo de comédiens antinomiques. C'est d'ailleurs ce que nous suggère l'intrigue puisque, après avoir fui la Roumanie communiste pour s'expatrier en France, Dracula, père et fils, se retrouvent en rivalité afin de courtiser une jolie pubard ! Dans sa condition précaire d'être mi-vampire, mi-humain et avant de pouvoir s'émanciper de sa déveine, Ferdinand essaie de ressembler à son père mais se retrouve travailleur immigré dans une province touchée par le chômage. De son côté, après s'être exilé en Grande-Bretagne, et fort de sa stature aristocrate, Dracula est rapidement enrôlé pour accepter le rôle d'un vampire dans une production horrifique. Si Ferdinand s'acharne infructueusement à se nourrir de sang frais en essayant de mordre à maintes reprises de quelconques victimes, Dracula est tombé sous le charme de Nicole abordée sur le plateau du tournage. Tout aussi amoureux, son fils va tout mettre en oeuvre pour la sauvegarder de la morsure immortelle de son père !

Il fallait oser, faire réunir à l'écran le légendaire Christopher Lee et le boute-en-train Bernard Menez sous l'égide du réalisateur de l'Emmerdeur et de la Cage aux Folles ! Vaudeville horrifique centré autour des vicissitudes de Dracula et de son fils, car communément épris de rivalité filiale, Dracula, Père et Fils peine à insuffler une quelconque drôlerie dans son lot de gags visuels ou verbaux aussi obsolètes que lourdingues. Epaulé d'un Christopher Lee manifestement gêné d'avoir eu à participer à telle pantalonnade, la comédie prête plus à engendrer le timide sourire dans son lot de situations farfelues incrédules. Néanmoins, en faisant preuve d'indulgence et d'un soupçon de nostalgie, l'aventure peut tout de même s'avérer sympathique parmi la complicité improbable de nos deux comédiens. Si son analyse sur le paraître (notamment celle de Ferdinand dans sa condition de faux vampire !), le chômage et la situation des immigrés au milieu des années 70 fait preuve de lucidité à opposer l'inégalité des classes sociales et le besoin d'affirmation (le cheminement évolutif de Ferdinand), le scénario peine malgré tout à captiver par son manque de drôlerie et la mollesse d'une réalisation peu inspirée.

Inévitable nanar franchouillard à l'humour bon enfant, Dracula, père et fils peut engendrer la sympathie dans ces facéties archaïques à répétition et dans l'effet de curiosité imparti au duo insolent, Christopher Lee/Bernard Menez.

Bruno Matéï
2èx

Peur Bleue (Silver Bullet)

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

de Daniel Attias. 1985. U.S.A. 1h35. Avec Gary Busey, Everett McGill, Corey Haim, Megan Follows, Robin Groves, Leon Russom.

Sortie salles France: 15 Janvier 1986. U.S: 11 Octobre 1985

FILMOGRAPHIE: Daniel Attias est un réalisateur et producteur américain, né le 4 Décembre 1951 à Los Angeles. 1985: Peur Bleue.

 

"La Bête et l’Enfant : Stephen King en série B solaire".

Adaptation dégingandée d’un roman de Stephen King, Peur Bleue trouva pourtant son public -- principalement adolescent -- lors de sa sortie en salles puis en VHS, au point qu’aujourd’hui encore, certains aficionados lui vouent un statut de classique bisseux.

Le pitch : alors qu’un loup-garou sème la mort dans une bourgade bucolique du Maine, le jeune paraplégique Marty en vient à soupçonner le révérend local d’être la bête sanguinaire. Avec l’aide de sa sœur et de son oncle, il façonne une balle d’argent pour tenter d’en finir. 

Sur la foi d’un scénario superficiel et elliptique, d’une réalisation passable mais appliquée, et de situations parfois farfelues (Marty hurlant dans une grange pour alerter un tracteur assourdissant à l’extérieur !), Peur Bleue ne révolutionne guère l’inspiration du maître King.

 

Et pourtant — aussi improbable que cela paraisse — le film séduit, porté par une émotion naïve et un charme de village solaire où chaque âme se croise en douce harmonie. On croirait frôler un Spielberg champêtre, ou l’innocence rebelle d’un Stand by Me. Peur Bleue ensorcelle l’œil et le cœur par sa fantaisie horrifique de hasard. Bien mené dans son rythme de croisière — entre enquête maladroite, braconnage nocturne, poursuites haletantes et morsures sanglantes — il se pare parfois d’un sang inattendu (le prologue en tête) tandis que ses métamorphoses minimalistes, latex bricolé en renfort, conservent une touche artisanale presque attendrissante.

Mais si cette aventure sans surprise évite le naufrage, elle le doit à ses héros bonnards et bancals : l’oncle obtus et jovial, protecteur de fortune, que Gary Busey incarne d’une bonhomie gentiment grotesque ; et surtout Marty, petit paralytique à l’innocence nue, que Corey Haim habite de sa douceur vive, entre camaraderie frondeuse et conflits tendres avec sa sœur.

Soutenu par la voix d’une narratrice suave murmurant l’amour filial sur une mélodie attendrie, Peur Bleue illustre la définition du « plaisir innocent » : une série B brinquebalante, sincère dans sa maladresse, touchante dans sa modestie. Ce sera l’unique incursion de Daniel Attias au cinéma, avant qu’il ne se réfugie dans le confort du petit écran. À prioriser aux nostalgiques d’un cinéma d’époque, quand le charme ludique se buvait encore au parfum du magnétoscope.

Bruno 

25.11.21. 4èx

18.08.24. 5èx. Vostfr

Jason et les Argonautes / Jason and the Argonauts

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Moviecovers.com

de Don Chaffey. 1963. U.S.A/Angleterre 1h44. Avec Todd Armstrong, Nancy Kovack, Gary Raymond, Laurence Naismith, Nigel Green, Niall MacGinnis.

Sortie salles France: 9 Octobre 1963. U.S: 19 Juin 1963

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Don Chaffey est un réalisateur britannique, né le 5 Août 1917 à Hastings, décédé le 13 Novembre 1990 à L'île Kawau (Nouvelle-Zélande).
1963: Jason et les Argonautes. 1966: Un million d'années avant J.C. 1967: Les Reine des Vikings. 1968: Du sable et des diamants. 1977: Peter et Elliott le dragon. 1978: La Magie de Lassie. 1979: C.H.O.M.P.S.

Chef-d’œuvre du film d’aventures mythologiques, Jason et les Argonautes s’impose comme le plus éclatant représentant d’un genre auquel le regretté Ray Harryhausen offrit son génie artisanal, avec une maîtrise sans faille.

Afin de reconquérir le trône de son père, mort vingt ans plus tôt, Jason doit rejoindre la Colchide et s’emparer de la Toison d’or. Gouvernant alors le royaume, le souverain Pélias lui confie cette mission périlleuse - prétendument bénie par les dieux - pour sauver son peuple de la misère. Mais l’expédition dissimule une ruse : s’approprier la Toison avec la complicité de son propre fils, que Jason accepte d’intégrer à son équipage. Épaulé par une armée d’Argonautes stoïques, il embarque à bord d’un navire pour un périple aussi long qu’éprouvant.

Spectacle flamboyant, porté par une succession quasi ininterrompue de morceaux de bravoure surréalistes, Jason et les Argonautes est un éblouissement visuel auquel le maître du stop-motion apporte une contribution décisive, donnant chair à d’incroyables créatures issues de la mythologie grecque. De la résurrection de Talos, géant de bronze rubigineux, au harcèlement de deux harpies auprès d’un vieil aveugle affamé ; de l’intervention d’un dieu marin pour libérer le navire coincé entre deux roches, à l’assaut d’une hydre à sept têtes ; jusqu’à l’affrontement belliqueux d’une armée de squelettes - hommage assumé que Sam Raimi rendra plus tard dans Evil Dead 3 - cette armada monstrueuse décuple l’intensité du récit sous l’autorité sagace d’Argonautes en quête de trésor. Le sentiment d’émerveillement né de ces instants de pure poésie, leur enchaînement fluide au sein d’une structure narrative captivante, célèbrent aussi la fraternité altruiste des héros : des combattants dont la force d’âme et le courage s’unissent pour déjouer les subterfuges de traîtres mégalos, les caprices de dieux goguenards, et surtout affronter l’hostilité imprévisible de créatures pernicieuses.

Porté par le score épique de Bernard Herrmann, insufflant une harmonie vibrante à la fureur des combats, et par l’aplomb de comédiens animés par l’esprit d’équipe et la bravoure, Jason et les Argonautes conserve intact son pouvoir de fascination, grâce à la vélocité d’une mise en scène rendant un hommage éclatant au bestiaire immortel de Ray Harryhausen.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

25.12.25. 5èx. Vostf

A HISTORY OF VIOLENCE

                                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site ign.com

de David Cronenberg. 2005. Allemagne/U.S.A. 1h36. Avec Viggo Mortensen, Maria Bello, Ashton Holmes, Ed Harris, William Hurt, Heidi Hayes.

Sortie salles France: 2 Novembre 2005. U.S: 30 décembre 2005

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada).
1969 : Stereo, 1970 : Crimes of the Future, 1975 : Frissons, 1977 : Rage,1979 : Fast Company, 1979 : Chromosome 3, 1981 : Scanners, 1982 : Videodrome, 1983 : Dead Zone, 1986 : La Mouche, 1988 : Faux-semblants,1991 : Le Festin nu, 1993 : M. Butterfly, 1996 : Crash, 1999 : eXistenZ, 2002 : Spider, 2005 : A History of Violence, 2007 : Les Promesses de l'ombre, 2011 : A Dangerous Method. 2012: Cosmopolis. 2014: Maps to the Stars.

Jeu de massacre segmenté en trois actes, History of Violence relate l'odyssée meurtrière d'un paisible restaurateur américain, un père de famille sans histoire mais dont le passé criminel va ressurgir depuis l'intrusion fortuite de tueurs professionnels au sein de son foyer. Après avoir échappé à la mort et sauvé la clientèle de son restaurant braqué, Tom Stall devient du jour au lendemain un héros aux yeux des médias et de sa population. Mais alors qu'il pensait avoir mis un terme avec son ancienne identité, un trio de mafieux a décidé de prendre leur revanche et de le rappeler à la raison de sa culpabilité. 

Réflexion sur l'influence et l'endoctrinement de la violence (voir les répercussions qu'elle peut engendrer chez l'épouse et le fils de Tom Stall !), sur la rancoeur convergeant à la rébellion et les conséquences de la légitime violence, David Cronenberg provoque un malaise trouble dans le cadre rassurant d'un quotidien bafoué par la paranoïa du danger. Sa mise en scène scrupuleuse prenant soin de dessiner le portrait d'une famille en crise depuis les conséquences traumatisantes d'une violence explosive au sein de leur intimité. Avec réalisme dérangeant, Cronenberg dresse le constat de la corruption de la violence, notamment du point de vue de la mutation morale d'une mère et de son fils, témoins malgré eux de règlements de compte inexpliqués et adoptant peu à peu par cette occasion une position hostile dans leurs pulsions de révolte. Jusqu'au moment où Tom Stall décide de lever le voile sur son ancienne identité afin d'apaiser leurs tensions, voir même expurger cette rancoeur grandissante par l'acte sexuel (la coucherie avec son épouse improvisée dans les escaliers). Dès lors, difficile de se débarrasser de ses anciens démons, de ses instincts criminels lorsqu'ils reviennent titiller vos anciennes habitudes pour réveiller le monstre tapi en vous. Avec une trouble ambiguïté dans sa psychologie insidieuse et sa posture rassurante de (anti) héros, Viggo Mortensen s'avère d'une sobriété ambivalente pour sa fonction d'aimable père de famille se fondant l'instant d'après dans celui d'un exterminateur méthodique. L'aura malsaine qui émane de ses exactions de défense, la manière explicite dont Cronenberg provoque le malaise dans l'imagerie sanglante assénée aux victimes moribondes, renforcent le caractère éthéré d'une atmosphère d'étrangeté au sein de la banalité du quotidien. 

Poisseux dans son ultra-violence parfois organique mais rehaussé d'un climat diaphane encore plus déstabilisant, A History of Violence aborde avec lucidité les effets pervers de la violence (notamment les conséquences de l'entourage) par le principe d'une légitime défense. Juste avant de nous dévoiler le visage hideux (mais fascinant !) d'un ange exterminateur tributaire de son ancienne déchéance et de nous laisser méditer sur son équivoque rédemption...

Bruno Matéï

2èx