Grave. Grand Prix, Gerardmer 2017

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Raw" de Julia Ducournau. 2016. France. 1h38. Avec Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Naït Oufella, Joana Preiss, Laurent Lucas, Marion Vernoux

Sortie salles France: 15 Mars 2017 (Interdit aux - de 16 ans). U.S: 10 Mars 2017 (Int - de 17 ans).

FILMOGRAPHIE: Julia Ducournau est une réalisatrice et scénariste française née le 18 novembre 1983 à Paris. 2011 : Mange (téléfilm co-réalisé avec Virgile Bramly). 2016 : Grave

Nouvel électro-choc à la réputation sulfureuse (évanouissements de spectateurs à Toronto et à Los Angeles, distribution de sacs à vomi dans certaines salles, interdiction aux - de 18 ans en Irlande, en Norvège et en Grande-Bretagne), Grave est un objet de scandale que notre pays hexagonal s'est une fois de plus imposer dans un parti-pris gore. Partagé entre une répulsion viscérale me provoquant à moult reprises une nausée (sous-jacente) et une irrésistible fascination pour les portraits morbides impartis aux deux adolescentes, Grave aborde les thèmes du bizutage, de l'éveil sexuel, du végétarisme et du cannibalisme avec une originalité incongrue. Esthétiquement soigné et stylisé et nanti d'une ambiance malsaine à l'acuité envoûtante, l'intrigue suit le parcours de Justine au sein d'une école vétérinaire de Belgique. Issue d'une famille végétarienne, elle est contrainte lors d'un bizutage d'avaler un morceau de viande. De prime abord révulsée par son exploit et éprise de nausée, elle finit pour autant par prendre goût à la chair au point d'en devenir addict comme tout bon consommateur carné. 

Descente aux enfers vertigineuse de deux adolescentes en proie à des pulsions cannibales incontrôlées, Grave s'avère diablement inventif et viscéralement émotif quant à son cheminement narratif truffé de revirements fortuits. Si bien qu'étonnement et stupeur se jumellent régulièrement afin de provoquer nos sentiments les plus vulnérables, la réalisatrice attisant autant notre curiosité que notre perplexité avec une diabolique alchimie. Outre la subtile pudeur qu'elle emploie pour brosser le portrait singulier d'une jeune ado chrysalide, car partagée entre l'éveil sexuel, le besoin de s'affirmer et le goût pour la chair, Grave aborde l'insatiabilité de ces sentiments matures sans jamais se complaire dans une complaisance putassière. Une gageure quand on se remémore son florilège de séquences extrêmes toutes plus provocantes les unes que les autres mais pour autant palliées d'une poésie macabre teintée de sensualité. De par sa mise en scène auteurisante et expérimentale abordant en filigrane la dictature du bizutage, Julia Ducournau y transfigure une satire sur le végétarisme sous l'impulsion du plaisir corporel. Celui du goût immodéré pour le sexe et la viande si bien que le corps virginal en mutation atteint ici des sommets d'orgasme lors de ses pulsions les plus outrancières. La sexualité (hétéro ou homo) et le cannibalisme ne cessant de télescoper afin de provoquer notamment chez le spectateur une confusion des sens gustatifs et olfactifs, jusqu'au malaise viscéral.

Parents
Beau, étonnamment épuré et parfois touchant, gore et sarcastique sous le pilier d'une narration iconoclaste habilement réinventée, Grave constitue une brillante réussite d'horreur à la française d'autant plus immersive et ensorcelante sous l'impulsion de jeunes comédiennes épatantes de spontanéité dans leur posture marginale. La réalisatrice rivalisant sans cesse d'audaces visuelles et d'inventivité afin de porter en dérision notre instinct primitif et carnivore, et ce jusqu'à sa toute dernière image glaçante d'ironie mordante. 
Pour public averti avec avertissement du "haut le coeur" !

Eric Binford

Récompenses: Festival de Cannes 2016 : Prix Fipresci de la critique internationale pour les sections parallèles, après sa présentation en compétition à la 55e Semaine de la Critique
Festival européen du film fantastique de Strasbourg 2016 :
Octopus d’or du meilleur long-métrage fantastique international
Prix du public du meilleur film fantastique international
Festival du film de Londres 2016 : Sutherland Trophy du meilleur premier film
Festival international du film de Flandre-Gand 2016 : Explore Award
Paris International Fantastic Film Festival#2016 2016 :
Œil d'or du meilleur film de la compétition internationale
Prix Ciné+ Frisson du meilleur film
Festival international du film fantastique de Gérardmer 2017 :
Grand prix du jury
Prix de la critique

DREAM DEMON

                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site blumhouse.com

de Harley Cokeliss. 1988. Angleterre. 1h28. Avec Jemma Redgrave, Kathleen Wilhoite, Timothy Spall, Jimmy Nail, Mark Greenstreet, Susan Fleetwood, Annabelle Lanyon

Sortie salles Angleterre: Août 88

FILMOGRAPHIE: Harley Cokeliss est un réalisateur, producteur, scénariste et acteur anglais né en 1945 à San Diego. Paris Connections (2010). An Angel for May (2002) : director (TV). Pilgrim (2000). The Ruby Ring (1997). Dream Demon (1988). Malone (1987). Black Moon Rising (1986).
Warlords of the 21st Century (1982). That Summer! (1979). The Glitterball (1977). The Battle of Billy's Pond (1976). Crash! (1971)

Surfant sur le succès des Griffes de la nuit, Dream Demon est une petite production anglaise exploitant le thème du rêve avec une certaine originalité. L'héroïne fraîchement débarquée dans son nouvel appartement étant en l'occurrence persécutée par de récurrents cauchemars au point de ne plus distinguer la réalité et d'entraîner dans ses délires sa nouvelle amie (l'ancienne propriétaire de l'immeuble occultant un sombre passé) ainsi que deux journalistes. Quand bien même ses propres rêves parviennent notamment à s'extirper de son psyché pour venir s'insérer dans sa réalité quotidienne et intenter à la survie de son entourage. Sur le point de se marier, elle tente d'excuser son sommeil perturbé par la peur de s'engager. Si la redondance des scènes de cauchemars aurait gagnée à être un peu moins appuyée, Harley Cokeliss parvient néanmoins à distiller l'inquiétude par le biais de situations tantôt grotesques, tantôt incongrues que nos héroïnes ne cessent mutuellement de déjouer. Le film se résumant à une longue course-poursuite chimérique au sein d'un huis-clos domestique de tous les dangers. A travers ses séquences horrifiques parfois débridées (les deux journalistes faisant office d'olibrius multiplie les provocations impudentes), on peut aussi vanter la qualité de ses effets gores sardoniques plutôt impressionnants et le jeu attachant des comédiennes s'épaulant mutuellement afin de démystifier une sombre intrigue de drame familial. L'héroïne servant finalement de vecteur cathartique pour elle même (son avenir potentiellement conjugal) et pour son amie amnésique depuis une enfance martyr !

En dépit de son cheminement narratif sans surprises et du manque de cohérence des situations surnaturelles (à force de confondre cauchemar et réalité on s'y perd largement !), Dream Demons demeure une sympathique série B au climat d'inquiétude assez perméable, à l'instar de l'esthétisme crépusculaire de sa photo azur instaurant un onirisme cauchemardesque. 

Bruno Matéï
2èx

Surveillance

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jennifer Lynch. 2008. U.S.A. 1h38. Avec Julia Ormond, Bill Pullman, Pell James, Ryan Simpkins,
French Stewart.

Sortie salles France: 30 Juillet 2008

FILMOGRAPHIE: Jennifer Chambers Lynch est une réalisatrice et scénariste américaine, née le 7 avril 1968 à Philadelphie en Pennsylvanie aux États-Unis. 1993 : Boxing Helena (également scénariste). 2008 : Surveillance (également coscénariste). 2010 : Hisss (également scénariste). 2012 : Chained (également coscénariste). 2014 : A Fall From Grace. 2014 : XX.

Seconde réalisation de Jennifer Lynch (fille du célèbre David Lynch) après avoir désertée les écrans durant plus de 15 ans, Surveillance est un ovni incongru délicieusement sournois par son intrigue sinueuse conjuguant habilement road movie et huis-clos. Cette dernière alternant judicieusement évènements du présent et flashbacks explicatifs afin de nous éclairer sur le cheminement sordide d'une succession de déconvenues grotesques. Dans un commissariat reculé, 2 agents du FBI interrogent quelques témoins ayant plausiblement un rapport étroit avec divers assassinats potentiellement perpétrés par un ou des serial-killers. Au fil de leurs interrogatoires, chacun d'eux feint la vérité, de par leur responsabilité et complicité véreuse, quand bien même les agents tentent de démêler le vrai du faux.  

Jeu de massacre en roue libre auquel deux flics ripoux, un couple junkie et une famille sans histoire vont malencontreusement se croiser lors d'une prise d'otages de fortune, Surveillance déstructure les codes du thriller sous le pilier d'une intrigue reptilienne résolument poisseuse. Sans dévoiler ses tenants et aboutissants, la brillante réussite de Surveillance émane de son ossature narrative constamment imprévisible si bien que l'on se surprend des moult épisodes dramatiques enfantés par un concours de circonstances aléatoires. Alors qu'autour de ses personnages sévèrement mis à mal avec l'infortune, une fillette témoin de ses actes immoraux s'avéra plus apte et lucide à démasquer le ou les éventuels coupables. Jennifer Lynch prenant notamment malin plaisir à avilir l'innocence sous ce témoignage infantile taiseux et d'inverser les rôles pour mieux nous piéger (et déranger) quant à sa résolution criminelle faisant office de cadeau empoisonné. D'une intensité de prime abord sous-jacente tout en distillant scrupuleusement un climat malsain aussi bien étouffant que méphitique, Surveillance nous confine au cauchemar escarpé au sein d'une réalité quotidienne bafouée par une romance viciée.

Danse avec le diable.

Empruntant un humour noir aussi bien vitriolé que décalé pour imposer sa personnalité et s'extirper des conventions du thriller, Jennifer Lynch s'improvise en alchimiste licencieuse afin de mettre en exergue une descente aux enfers horrifique au travers d'odieux portraits livrés à leurs bas instincts. Déjanté, malsain et d'une violence crue parfois insupportable (notamment lors du final en apothéose où le morbide se dispute au fantasme lubrique), Surveillance demeure un objet de fascination diaboliquement immoral. Du grand art subversif si bien que je parachève pour notamment célébrer sa brillante distribution (et ce jusqu'aux moindres seconds-rôles!), les comédiens fêlés de tics névrosés s'en donnant à coeur joie dans la dépravation et la soumission. 
Pour Public averti.

Bruno Dussart

2èx

REVES SANGLANTS

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb

"The Sender/Deadly Dreams" de Roger Christian. 1982. Angleterre. 1h22. Avec Kathryn Harrold, Željko Ivanek, Shirley Knight, Paul Freeman, Sean Hewitt.

Sortie salles U.S: 22 Octobre 1982.

FILMOGRAPHIE: Roger Christian est un réalisateur et scénariste britannique, né en 1944 à Londres. 1982 : Rêves sanglants. 1985 : Starship. 1994 : Nostradamus. 1995 : The Final Cut. 1996 : Underworld. 1997 : Masterminds. 1999 : Star Wars, épisode I : La Menace fantôme de George Lucas (réalisateur 2e équipe). 2000 : Battlefield Earth - Terre champ de bataille. 2004 : American Daylight. 2004 : Bandido. 2013 : La Malédiction de la pyramide (TV). 2013 : Intuition maternelle (Dangerous Intuition) (TV) . 2013 : Invasion sur la Lune.

Un jeune bambin est témoin de l'assassinat de ses parents par un individu masqué d'une peau de loup. Des années plus tard, il souffre de récurrents cauchemars nocturnes par le biais de ce psychopathe vindicatif désireux de le faire sombrer dans la folie. Rêves et réalité s'entrechoquant dans l'esprit d'Alex au point de lui faire douter de son état mental. Sa petite amie et son frère aîné tentent vainement de le rassurer avant le fameux coup de théâtre d'une terrible machination. 

Inédite en salles en France, Rêves Sanglants est une médiocre curiosité si proche de l'alibi narratif des Griffes de la Nuit (semer la confusion entre rêve et réalité) qu'on jurerait qu'elle eut été réalisée après le modèle de Craven ! Rêves Sanglants ayant été réalisé 2 ans au préalable par un cinéaste néophyte ! Parasité d'une intrigue minimaliste tentant d'apporter un regain d'originalité autour d'un nébuleux suspense empreint d'adultère, Rêves Sanglants sombre dans la redondance à conjuguer sans vigueur séquences de rêves et indices inquiétants d'une réalité quotidienne que notre héros confond. Et ce avant que son dénouement sans queue ni tête ne bifurque dans l'incohérence et le ridicule à daigner nous surprendre. Reste quelques scènes-chocs étonnamment soignées et réussies et l'effet de curiosité d'une production anglaise s'efforçant avec négligence de semer doute et confusion dans notre esprit peu inspiré par l'éventuelle cause surnaturelle des évènements.

Bruno Matéï
2èx

BEN

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Phil Karlson. 1972. U.S.A. 1h34. Avec Lee Montgomery, Joseph Campanella, Arthur O'Connell,
Rosemary Murphy.

Sortie salles France: 4 Octobre 1972

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Phil Karlson est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 2 juillet 1908 à Chicago, Illinois (États-Unis), et mort le 12 décembre 1985 à Los Angeles (Californie). 1944 : A Wave, a WAC and a Marine. 1945 : There Goes Kelly. 1945 : G.I. Honeymoon. 1948 : Les Reines du music-hall. 1949 : Le Chat sauvage. 1949 : Down Memory Lane. 1950 : The Iroquois Trail. 1951 : Les Maudits du château-fort. 1952 : Le Quatrième homme. 1953 : L'Affaire de la 99ème rue. 1954 : They Rode West. 1955 : Coincée. 1955 : Les Îles de l'enfer. 1955 : On ne joue pas avec le crime. 1955 : The Phenix City Story. 1957 : Les Frères Rico. 1958 : Le Salaire de la violence. 1959 : Les Incorruptibles défient Al Capone (Téléfilm). 1960 : Saipan. 1960 : Key Witness. 1961 : Le Dernier passage. 1961 : Les Blouses blanches. 1962 : Un direct au cœur. 1963 : Massacre pour un fauve. 1966 : Matt Helm, agent très spécial. 1967 : La Poursuite des tuniques bleues. 1968 : Alexander the Great (TV). 1968 : Matt Helm règle son comte. 1970 : L'Assaut des jeunes loups. 1972 : Ben. 1973 : Justice sauvage. 1975 : La Trahison se paie cash.

Profitant du filon commercial de Willard réalisé un an au préalable, Ben est une séquelle aussi vaine que poussive. Faute d'une mise en scène académique, d'un jeu d'acteurs transparents et d'une intrigue stérile oscillant maladroitement relation amiteuse entre un bambin et son rat domestique et attaques animales racoleuses si bien qu'elle sombrent parfois/souvent dans le ridicule (le prologue dans la cave évacué de toute tension dans sa tentative de susciter le frisson, l'invasion dans le gymnase digne d'une prod Z et le final vainement homérique sous les égouts). On se console timidement auprès de son générique final lorsque Michael Jackson prête sa voix de chanteur à travers la superbe mélodie Ben (présente dans son second album) et l'on se remémore avec nostalgie sa fantasmatique jaquette éditée chez Proserpine durant la sacro-sainte époque Vhs. Dénué de moindre émotion et de tension dramatique dans son intrigue de pacotille et l'entreprise de techniciens peu motivés, Ben demeure un divertissement beaucoup trop naïf et obsolète (que j'aurai pour autant aimer défendre dans mon souvenir d'enfance émue !), à réserver aux mômes entre 11 et 13 ans.

Bruno Matéï
2èx

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de Daniel Mann. 1971. U.S.A. 1H35. Avec Bruce Davison, Elsa Lanchester, Ernest Borgnine, Sondra Locke, Michael Dante

Date de sortie : 18 juin 1971

FILMOGRAPHIE: Daniel Mann est un réalisateur américain né le 8 août 1912 à Brooklyn, New York (États-Unis) et décédé le 21 novembre 1991 à Los Angeles des suites d'une insuffisance cardiaque. 1952 : Reviens petite Sheba , 1954 : About Mrs. Leslie, 1955 : La Rose tatouée, 1955 : Une femme en enfer, 1956 : La Petite maison de thé, 1958 : Vague de chaleur, 1959 : The Last Angry Man, 1960 : The Mountain Road, 1960 : La Vénus au vison, 1961 : Le troisième homme était une femme, 1962 : Five Finger Exercise, 1962 : L'Inconnu du gang des jeux, 1963 : Who's Been Sleeping in My Bed?, 1966 : Our Man Flint, 1966 : Judith, 1968 : For Love of Ivy, 1969 : A Dream of Kings, 1971 : Willard, 1972 : La Poursuite sauvage, 1973 : Interval, 1973 : Maurie, 1974 : Lost in the Stars, 1975 : Le Voyage de la peur, 1978 : Matilda

A l'origine du projet, il y a un roman, Ratman's Notebooks de Stephen Gilbert, paru en 1968 aux Etats Unis. Trois ans plus tard, le réalisateur Daniel Mann le transpose à l'écran en prenant pour vedette le débutant Bruce Davison (une sobre prestation perfectible mais néanmoins convaincante !) ainsi que d'éminents seconds-rôles parmi lesquels Elsa Lanchester (La Fiancée de Frankenstein), Sondra Locke et Ernest Borgnine. A sa sortie en salles, le film récolte un joli succès si bien qu'une suite beaucoup moins sombre (car plus familiale) intitulée Ben sera rapidement mise en chantier sous la houlette du cinéaste Phil Karlson. Timoré et introverti, Willard est un jeune employé d'une entreprise ayant des rapports houleux avec son patron tyrannique. Après le travail, il s'isole en compagnie de sa mère alitée dans leur grande bâtisse gothique quand bien même quelques acolytes de celle-ci viennent parfois leur rendre visite. Un jour, Willard se distrait de l'intrusion d'un rongeur dans son jardin. Le début d'une étrange et tragique histoire d'amitié va se nouer entre eux. Pour ceux ayant vécu leur adolescence à l'époque charnière des années 80 n'ont jamais pu oublier sa première diffusion TV du lundi soir dans le cadre de l'émission l'Avenir du futur. Alors que le lendemain, durant la cour de récré, on s'empressait de relater avec fascination passionnelle le fameux film d'épouvante diffusé à une heure de grande écoute !

46 ans plus tard, que reste-t'il de ce petit classique des années 70 après qu'un excellent remake fut mis en chantier en 2003 par Glenn Morgan ? On ne peut pas dire que la réalisation académique et le montage elliptique soient au beau fixe, et ce même si un charme désuet s'y fait ressentir à travers cette attachante histoire d'amitié entre un homme et deux rats que Daniel Mann nous content avec une sensible attention. En prime, sa partition musicale archaïque, en quasi décalage avec l'époque dans lequel il fut conçu prêterait même à confusion si bien qu'on croirait que le film pourrait dater des années 50 ! Outre ses couacs et son aspect vétuste émanant d'une réalisation beaucoup trop canonique, Willard parvient encore à nous séduire et nous toucher grâce à son récit à la fois débridé et dramatique évoquant les rapports troubles entre Willard et son escorte de rats. Quand bien même Daniel Mann fustige au passage l'exploitation ouvrière auprès de la dictature d'un patron vénal (formidable Ernest Borgnine dans ses outrances gouailleuses !), ce dernier étant prioritairement responsable de la déliquescence morale de son employé prochainement voué à une rancoeur vindicative. Willard s'impose alors en conte horrifique à travers ce portrait fragile d'un célibataire endurci constamment raillé et discrédité par son entourage amical (si on excepte sa vaine liaison avec une secrétaire), professionnel, voir même familial (sa mère possessive le considère comme un raté en dehors de son bon caractère), si bien que sa nouvelle relation entamée avec les rats va enfin lui permettre de se forger une autorité et s'affirmer auprès des autres lors d'un règlement de compte meurtrier. Un acte de rancoeur finalement aussi couard qu'ingrat, tant auprès de la victime assassinée que des rongeurs exploités à des fins criminelles puis finalement sacrifiés au profit de la nouvelle indépendance de leur mentor.

La nuit du Rat
En dépit de ces scories susmentionnés, Willard reste un divertissement aussi bien attachant que bonnard dans son lot de séquences intimistes et incidents progressivement horrifiques, certes désuets, mais néanmoins crédibles quant aux rapports de domination/soumission (et vice versa) imputés entre Willard et Ben. Réflexion sur leurs rapports de force où possessivité, jalousie et désir de surpasser son allié empruntent le cheminement de la sédition, Willard ne manque pas de provoquer l'empathie à travers le portrait sensible d'un marginal livré au désespoir de la solitude.   

Note: Il s'agit d'un des premiers rôles de Bruce Davison au cinéma. Dans le remake, il incarne le père de Willard.

Eric Binford
16.05.17
27.01.11. 92

WILLARD

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de Daniel Mann. 1971. U.S.A. 1H35. Avec Bruce Davison, Elsa Lanchester, Ernest Borgnine, Sondra Locke, Michael Dante

Date de sortie : 18 juin 1971

FILMOGRAPHIE: Daniel Mann est un réalisateur américain né le 8 août 1912 à Brooklyn, New York (États-Unis) et décédé le 21 novembre 1991 à Los Angeles des suites d'une insuffisance cardiaque. 1952 : Reviens petite Sheba , 1954 : About Mrs. Leslie, 1955 : La Rose tatouée, 1955 : Une femme en enfer, 1956 : La Petite maison de thé, 1958 : Vague de chaleur, 1959 : The Last Angry Man, 1960 : The Mountain Road, 1960 : La Vénus au vison, 1961 : Le troisième homme était une femme, 1962 : Five Finger Exercise, 1962 : L'Inconnu du gang des jeux, 1963 : Who's Been Sleeping in My Bed?, 1966 : Our Man Flint, 1966 : Judith, 1968 : For Love of Ivy, 1969 : A Dream of Kings, 1971 : Willard, 1972 : La Poursuite sauvage, 1973 : Interval, 1973 : Maurie, 1974 : Lost in the Stars, 1975 : Le Voyage de la peur, 1978 : Matilda

A l'origine du projet, il y a un roman, Ratman's Notebooks de Stephen Gilbert, paru en 1968 aux Etats Unis. Trois ans plus tard, le réalisateur Daniel Mann le transpose à l'écran en prenant pour vedette le débutant Bruce Davison (une sobre prestation perfectible mais néanmoins convaincante !) ainsi que d'éminents seconds-rôles parmi lesquels Elsa Lanchester (La Fiancée de Frankenstein), Sondra Locke et Ernest Borgnine. A sa sortie en salles, le film récolte un joli succès si bien qu'une suite beaucoup moins sombre (car plus familiale) intitulée Ben sera rapidement mise en chantier sous la houlette du cinéaste Phil Karlson. Timoré et introverti, Willard est un jeune employé d'une entreprise ayant des rapports houleux avec son patron tyrannique. Après le travail, il s'isole en compagnie de sa mère alitée dans leur grande bâtisse gothique quand bien même quelques acolytes de celle-ci viennent parfois leur rendre visite. Un jour, Willard se distrait de l'intrusion d'un rongeur dans son jardin. Le début d'une étrange et tragique histoire d'amitié va se nouer entre eux. Pour ceux ayant vécu leur adolescence à l'époque charnière des années 80 n'ont jamais pu oublier sa première diffusion TV du lundi soir dans le cadre de l'émission l'Avenir du futur. Alors que le lendemain, durant la cour de récré, on s'empressait de relater avec fascination passionnelle le fameux film d'épouvante diffusé à une heure de grande écoute !

46 ans plus tard, que reste-t'il de ce petit classique des années 70 après qu'un excellent remake fut mis en chantier en 2003 par Glenn Morgan ? On ne peut pas dire que la réalisation académique et le montage elliptique soient au beau fixe, et ce même si un charme désuet s'y fait ressentir à travers cette attachante histoire d'amitié entre un homme et deux rats que Daniel Mann nous conte avec sensible attention. En prime, sa partition musicale archaïque, en quasi décalage avec l'époque dans lequel il fut conçu prêterait même à confusion si bien qu'on croirait que le film pourrait dater des années 50 ! Outre ses couacs et son aspect vétuste émanant d'une réalisation beaucoup trop canonique, Willard parvient encore à nous séduire et nous toucher grâce à son récit à la fois débridé et dramatique évoquant les rapports troubles entre Willard et son escorte de rats. Quand bien même Daniel Mann fustige au passage l'exploitation ouvrière auprès de la dictature d'un patron vénal (formidable Ernest Borgnine dans ses outrances gouailleuses !), ce dernier étant prioritairement responsable de la déliquescence morale de son employé prochainement voué à une rancoeur vindicative. Willard s'impose alors en conte horrifique à travers ce portrait fragile d'un célibataire endurci constamment raillé et discrédité par son entourage amical (si on excepte sa vaine liaison avec une secrétaire), professionnel, voir même familial (sa mère possessive le considère comme un raté en dehors de son bon caractère), si bien que sa nouvelle relation entamée avec les rats va enfin lui permettre de se forger une autorité et s'affirmer auprès des autres lors d'un règlement de compte meurtrier. Un acte de rancoeur finalement aussi couard qu'ingrat, tant auprès de la victime assassinée que des rongeurs exploités à des fins criminelles puis finalement sacrifiés au profit de la nouvelle indépendance de leur mentor.

La nuit du Rat
En dépit de ces scories susmentionnés, Willard reste un divertissement aussi bien attachant que bonnard dans son lot de séquences intimistes et incidents progressivement horrifiques, certes désuets, mais néanmoins crédibles quant aux rapports de domination/soumission (et vice versa) imputés entre Willard et Ben. Réflexion sur leurs rapports de force où possessivité, jalousie et désir de surpasser son allié empruntent le cheminement de la sédition, Willard ne manque pas de provoquer l'empathie à travers le portrait sensible d'un marginal livré au désespoir de la solitude.   

Note: Il s'agit d'un des premiers rôles de Bruce Davison au cinéma. Dans le remake, il incarne le père de Willard.

Eric Binford
16.05.17
27.01.11. 92

LOGAN

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site lestoilesheroiques.fr

de James Mangold. 2017. U.S.A. 2h17. Avec Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen, Boyd Holbrook, Stephen Merchant, Elizabeth Rodriguez, Richard E. Grant.

Sortie salles France: 1er mars 2017. U.S: 3 Mars 2017

FILMOGRAPHIE: James Mangold, de son vrai nom James Allen Mangold, est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain né le 16 décembre 1963 à New York, dans l'État de New York, aux (États-Unis). 1995: Heavy. 1997: Cop Land. 1999: Une vie volée. 2001: Kate et Léopold. 2003: Identity. 2005: Walk the Line. 2007: 3 h 10 pour Yuma. 2010: Night and Day. 2013: Wolverine: Le Combat de l'immortel. 2017: Logan.

"On se met hors de la vie quand on a tué... Il n'y a pas de retour possible... Légitime ou non, un meurtre vous marque." 
Troisième volet imputé au personnage de Wolverine d'après Marvel Comics, Logan ressuscite le film de super-héros (en berne depuis une dizaine d'années si on excepte un ou deux sursauts) avec une grâce à la fois mélancolique et vertigineuse. Bouleversant drame familial si j'ose dire autour d'un survival mené avec une maîtrise sans fard, Logan constitue un concentré d'actions et d'émotions pures comme rarement le genre ait pu nous en offrir. Car à partir d'une intrigue linéaire relatant l'escapade d'un quatuor de super-héros contre l'armée, James Mangold en extrait un monstrueux divertissement inopinément sombre et sauvage. Sans concession, la vélocité des rixes entre bons et méchants s'avérant d'une barbarie viscérale lors des coups de griffes violemment assénés contre l'ennemi, quand bien même on se surprend de l'acuité dramatique des moments les plus cruels comme le soulignera une circonstance faussement rassurante. Sans céder à l'outrance ou le racolage comme il en pullulent chez les films de supers-héros mainstream, Logan demeure le p'tit canard subversif si bien que les séquences d'action chorégraphiées s'enchaînent (à en avoir parfois le tournis !) et se renouvellent au profit d'un récit substantiel faisant honneur à ses personnages tourmentés.

Modèle d'efficacité par sa structure soigneusement charpentée alternant bravoures homériques et émotion intimiste en la présence de Logan et de sa fille mais aussi de seconds-rôles malmenés (Xavier et Caliban), Logan distille un climat élégiaque (score au clavecin à l'appui !) au sein d'une campagne solaire contrastant avec la désillusion d'un Logan à bout de souffle dans sa retraite anticipée (il est proche du suicide). A travers ses dures expressions où se disputent l'irascibilité alcoolique, le désespoir latent mais aussi la rage de vaincre lors de furieux accès de révolte, Hugh Jackman nous délivre sans doute son plus grand rôle dans ce personnage sclérosé volontiers individualiste au point de délaisser le sort de sa partenaire incessamment traquée par des soldats sans vergogne. On peut d'ailleurs souligner le parti-pris réaliste du réalisateur à nous illustrer lors d'un bref passage explicatif la condition esclave de ces enfants martyrs souvent sacrifiés sous l'autel d'une hiérarchie militaire mégalo. Souvent mutique mais d'un charisme plutôt mature par son regard aussi bien revêche que torve, la petite Dafne Keen partage la vedette de son ascendant avec aplomb, soupçons d'arrogance et une émotion toujours plus fragilisée au fil de sa relation tendue avec son père. A eux deux, ils forment un duo improbable d'une belle dimension humaniste dans leur initiation fraternelle et familiale si bien que le réalisateur en extirpe au final un déchirant requiem avant de nous conclure une leçon de sagesse et de tolérance contre le venin de la haine meurtrière.

Transcendé par la densité humaniste de ces personnages en proie au doute, à la crainte de la vieillesse mais aussi à l'espoir de refonder un semblant de famille, Logan frappe en plein coeur dans son maelstrom d'émotions à la fois brutes et éthérées, notamment lorsque son sujet cible l'exploitation des enfants pour une cause belliciste. Au coeur des affrontements barbares émane une oeuvre initiatique épurée, pleine de bruit, de fureur et d'élégie, où perce une émotion lyrique. Un divertissement adulte avec une âme et un coeur, tel est l'emblème des grands classiques. 

Bruno Matéï