Les Misérables. César du Meilleur Film, 2020.

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Ladj Ly. 2019. France. 1h42. Avec Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djebril Zonga, Issa Perica, Al-Hassan Ly

Sortie salles France: 20 Novembre 2019

FILMOGRAPHIE: Ladj Ly est un réalisateur et scénariste français né le 3 janvier 1978 au Mali. 2019: Les Misérables.

"Mes amis, retenez bien ceci, 
il n'y a ni mauvaises herbes, ni mauvais hommes. 
Il n'y a que de mauvais cultivateurs."      Victor Hugo. Les Misérables. 

S'il n'est pas le choc annoncé et qu'il n'atteint que parfois le niveau émotionnel de La Haine lors d'occasions très tendues, Les Misérables reste une oeuvre aussi forte que grave à travers la fracture entre flics et jeunes des cités où les notions de Bien et de Mal volent en éclat pour des enjeux de survie, d'indépendance et d'autorité. Dénonçant l'abus de pouvoir chez certains policiers contraints de se tailler une carrure de Rambo afin de s'y faire respecter, Ladj Ly tente de résonner nos consciences à travers une peinture urbaine en perdition où chacun s'adonne à des menaces et provocations à couteaux tirés. Mais la puissance dramatique du récit émane surtout du point de vue des ados désoeuvrés ne pouvant même plus compter sur leurs aînés pour trouver un quelconque appui lorsque la police tente de négocier avec ces derniers un odieux chantage afin de sauver leur tête. Filmé à l'instar d'un documentaire de Zone Interdite (avec toutefois des plans aériens stylisés surplombant les immeubles), les Misérables ne peut laisser indifférent à travers son constat social anti-manichéen, tant et si bien que chaque camp ne compte que sur leur propre code (im)moral pour emporter la mise et maintenir leur autorité.

Là où le bas blesse, c'est au niveau de sa réalisation perfectible (il s'agit d'une 1ère oeuvre) et surtout de l'interprétation de certains comédiens amateurs dictant leur texte avec une élocution souvent théâtrale. Un défaut hélas récurrent dans la production française, et donc une nouvelle fois préjudiciable quant à la progression du récit désamorçant par moments la montée en puissance de la tension ou la véracité des affrontements psychologiques. Alors que d'autres rôles majeurs font preuve d'un aplomb autrement naturel ou d'une force d'expression de sûreté, quand bien même certaines gueules patibulaires impressionnent par leur nature à la fois sauvage et impassible. Pour autant, et grâce à son final belliqueux d'une violence pathétique, les Misérables laisse en mémoire un cri de haine et de révolte contre ses laissés-pour-compte en culotte courte se livrant à des actes de rébellion davantage inconsidérés de par leur condition de déréliction. Cette guerre de clans entre flics et banlieusards s'adonnant au jeu de pouvoir infructueux quant aux conséquences dramatiques de leur déchaînement de haine aussi suicidaire que désespérée. Toute communication s'avère donc rompue, faute des valeurs proscrites du Bien et du Mal destituées de leur propre signification. Le degré d'ultra violence s'élevant toujours un peu plus au fil d'une quotidienneté routinière démunie d'injustice.

*Bruno

Récompenses
Festival de Cannes 2019 :
Prix du Jury26
Prix Vulcain de l'artiste technicien : Flora Volpelière pour le montage et Julien Poupard pour la lumière et le cadre27
Prix de l'AFCAE : Mention spéciale28
Festival du cinéma américain de Deauville 2019 : Prix d'Ornano-Valenti29,30
Prix du cinéma européen 2019 : Discovery of the Year - Prix FIPRESCI
Durban International Film Festival 2019 :
Prix du meilleur film
Prix du meilleur scénario
Goyas 2020 : Meilleur film européen
Prix Lumières de la presse internationale 2020 :
Meilleur film
Meilleur scénario
Meilleur espoir masculin pour Alexis Manenti
César 2020 :
César du public
César du meilleur film
César du meilleur espoir masculin pour Alexis Manenti
César du meilleur montage

Box Office France : 2 009 992 entrées

Ex Machina

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Alex Garland. 2015. Angleterre. 1h48. Avec Oscar Isaac, Alicia Vikander, Domhnall Gleeson, Corey Johnson, Deborah Rosan

Sortie salles France: 27 Mai 2015

FILMOGRAPHIE: Alex Garland est un romancier, scénariste et réalisateur britannique né le 26 mai 1970 à Londres. 2014 : Ex machina. 2017 : Annihilation. 2020 : Devs (série télévisée).

Excellent thriller d'anticipation réalisé par le néophyte Alex Garland, Ex Machina aborde le thème de l'intelligence artificielle avec pudeur et réalisme eu égard de l'androïde criant d'expressivité innocente (Alicia Vikander bluffante de naturel diaphane !), notamment grâce à des effets numériques irréprochables. Ainsi, rien que pour sa trouble présence d'une beauté féminine épurée, le film s'alloue d'un climat irréel imprégné de douceur et de mystère diffus sous l'impulsion d'une partition lancinante lestement contradictoire. Jeu de manipulation d'une cruauté inattendue au fil d'un récit à suspense davantage oppressant, Ex Machina doit beaucoup de son magnétisme auprès de la sobriété de ses interprètes et de sa mise en scène envoûtante assez stylisée. Alex Garland prenant son temps à nous caractériser la relation équivoque d'un trio conjugal (si j'ose dire) qu'endossent son créateur Nathan, le jeune programmeur Caleb et l'androïde Ava communément cloisonnés dans une demeure high-tech où tout échappatoire semble perdue d'avance. Quand bien même une domestique dénommée Kyolo partage leur intimité avec un mutisme déstabilisant de par sa condition cruellement soumise.

L'intérêt de l'intrigue résidant dans l'amitié progressive de Nathan et d'Ava apprenant à se connaître lors d'entretiens personnels que Nathan observe scrupuleusement derrière ses caméras de surveillance. Caleb  ayant été désigné par Nathan afin d'étudier une semaine durant le comportement de celle-ci afin de lui soumettre si elle s'alloue d'une conscience. Mais au fil de leur aparté, Ava le met en garde quant aux véritables intentions de son créateur particulièrement impérieux et condescendant auprès de ses créations révolutionnaires. Métaphore sur l'esclavagisme du point de vue d'un être artificiel avide d'émancipation et d'indépendance (on songe inévitablement aux réplicants de Blade Runner, à Androïde ou encore à Terminator en mode feutré), Ex Machina s'alloue d'un climat onirique aussi tendre que sensuel à travers les sentiments d'Ava éprise d'affection pour Caleb mais pour autant contrariée à l'idée de perdurer une existence esseulée dans sa prison high-tech. Alex Garland finissant par laisser planer le doute quant aux profils de ces personnages se manipulant mutuellement pour des enjeux d'orgueil et de liberté, avec à la clef un potentiel mobile de vengeance que chaque être humain imprime secrètement en lui.

Vénéneuse liaison dangereuse entre un trio perfide impliqué dans une expérience humaine où les enjeux de survie et d'héroïsme se confrontent à l'amour interdit; Ex Machina nous questionne sur les dangers de l'intelligence artificielle apte à transcender son créateur par le biais d'une conscience aussi ambivalente que l'homme.  

*Bruno

Super 8

Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de J.J Abrams. 2011. U.S.A. 1h52. Avec Joel Courtney, Elle Fanning, Kyle Chandler, Ryan Lee, Zach Mills, Riley Griffiths, Gabriel Basso, Joel McKinnon Miller, Ron Eldard, Amanda Michalka.

Sortie en salles en France le 3 Août 2011. U.S: 10 Juin 2011.

FILMOGRAPHIE: J.J Abrams est un réalisateur, producteur, compositeur, acteur et scénariste américain pour le cinéma et la télévision, né le 27 Juin 1966 à New-york. Il est en outre le créateur des séries TV, Lost, Alias, Felicity, Fringe, Undercovers, Alcatraz et Obb Jobs. 2006: Mission Impossible 3. 2009: Star Trek. 2011: Super 8. en cours: Star Trek 2.

Vendu comme un vibrant hommage aux productions Amblin Entertainment natives des années 80 et à la féerie candide de Spielberg (ici co-producteur) ou encore de Joe Dante, Super 8 demeure un divertissement familial inespéré pour la génération 80 ayant été bercée par les classiques E.T,  Explorers, les Goonies, Stand by Me, Gremlins et consorts. Le pitch: Ohio, 1979. Alors qu'un groupe d'adolescents réuni à proximité d'une rame de chemin de fer poursuit le tournage de leur court-métrage en format super 8, un gigantesque incident ferroviaire leur est témoin. Dans un mouvement de panique précipité, ils réussissent malgré tout à filmer la séquence dantesque dans son intégralité lorsqu'une voiture entre en collision avec le train de marchandise. Depuis cet incident cinglant, d'étranges disparitions de citadins et d'appareils électroniques se produisent dans la contrée bucolique. Mais par l'entremise de leur court-métrage, les enfants y feront une stupéfiante découverte ! A travers une superbe photo saturée et du décor si rassurant d'une bourgade champêtre,  Super 8 débute sa trame à l'instar d'une prod Spielberg quant à sa scénographie cinégénique radiographiant de jeunes cinéphiles passionnés par le cinéma de genre. Instinctivement, le préambule au délicieux parfum rétro renoue donc avec nos souvenirs infantiles à travers un vibrant hommage au film de monstres et aux invasions extra-terrestres. Le crash ultra spectaculaire du convoi ferroviaire nous étant déployé face aux yeux ébaubis de nos héros en culotte courte férus de rêves, d'aventures et d'évasion.

Le hasard leur offrant sur un plateau la plus improbable des découvertes à venir ! Cette séquence d'anthologie chorégraphiée sous toutes les coutures s'alloue d'ailleurs d'un réalisme infaillible à travers l'utilisation judicieuse de ses effets numériques (on n'y voit donc que du feu !) parvenant à imposer leur crédibilité jusqu'au final en apothéose. Outre son attrait spectaculaire fertile en rebondissements davantage épiques, Super 8 puise principalement son charme à travers la caractérisation scrupuleusement humaine de ces ados candides transformés pour le coup en aventuriers en herbe. Ainsi, tous les clichés inhérents aux productions des années 80 (l'enfant meurtri d'un deuil familial, les rapports parentaux conflictuels, la romance indécise et timorée entre les 2 héros, la conspiration militaire et le gouvernement mégalo avide de découverte scientifique afin d'y embrigader un cobaye extra terrestre) s'avèrent efficacement exploités sans céder au vulgaire plagiat (comme ont pu le souligner certains critiques renfrognés). Et donc, de manière aussi fluide que naturelle, l'émotion distillée au compte goutte au fil narratif s'avère payante quant aux expressions curieuses, hésitantes ou contrariées de ces ados photogéniques. Notamment si je me réfère prioritairement à l'étonnante alchimie entre Joe et Alice épris de tendresse l'un pour l'autre (à l'instar de cette drague implicite lorsque cette dernière s'improvise "zombie" pour la confection de leur court d'épouvante). J.J Abrams faisant évoluer ses personnages (juvéniles mais aussi adultes) auprès d'un récit initiatique où suspense, action, science-fiction et romance convergent vers la rédemption et la maturité d'après les thèmes de l'acceptation du deuil et du conflit paternel (tant auprès de Joe que d'Alice partagés entre leur révolte interne et leur motivation de réconciliation).

Hommage plein de poésie (l'incroyable scène du médaillon particulièrement symbolique !) à notre adolescence fébrile marquée par un cinéma féerique profondément humaniste, Super 8 demeure une belle invitation au rêve dans sa palette d'émotions à la fois tendres, romantiques et dramatiques qu'une poignée d'ados (si semblables à nous !) parviennent à ranimer sans effet de manche.  

*Bruno
19.03.20
25.10.11

Color out of space

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Richard Stanley. 2019. U.S.A. 1h50. Avec Nicolas Cage, Q'orianka Kilcher, Joely Richardson, Tommy Chong, Madeleine Arthur, Brendan Meyer.

Sortie salles France: ?. U.S: 24 Janvier 2020

FILMOGRAPHIE: Richard Stanley est un cinéaste sud-africain né à Fish Hoek le 22 novembre 1966. 1991 : Hardware. 1992 : Le Souffle du démon. 2012 : The Theatre Bizarre (segment "The Mother Of Toads"). 2019 : Color Out of Space.

"La peur est une rose dont chaque pétale est une illusion et chaque épine une réalité."
Cinéaste sud-africain révélé à l'orée des années 90 auprès des singuliers Hardware et Le Souffle du Démon; Richard Stanley refait subitement surface avec son 3è long, Color out of Space d'après une nouvelle de H. P. Lovecraft (La Couleur tombée du ciel éditée en 1927). Et on peut avouer sans rougir que le bonhomme nous revient plus roboratif que jamais à travers son anticipation horrifique littéralement hypnotique (doux euphémisme si j'ose dire !). Tant et si bien qu'il réinvente le genre hybride avec une maestria terriblement inspirée eu égard de l'angoisse puis de la terreur exponentielle saisissant le spectateur au fil des vicissitudes d'une paisible famille en proie au plus indicible des cauchemars. Car isolé dans leur vaste demeure au coeur d'une paisible forêt, la famille Gardner voit sa vie bouleverser lorsqu'une météorite de couleur rose (!?) s'écrase sur leur terrain en pleine nuit étoilée (l'onirisme, crépusculaire puis étrangement féerique, régnera en maître durant tout le métrage !). Si bien que peu à peu, d'étranges incidents inexpliqués vont intenter à leur tranquillité au moment même où le temps semble se distordre afin de les désorienter. Ainsi donc, ils feront face à leurs démons intimement infiltrés en eux, de par la lâcheté de l'entité à la fois délétère et goulue. Chacun d'eux épousant un comportement à la fois irascible, ambigu et imprévisible au point d'y scarifier leur corps ou de se laisser muter par la "chose".

Digne des meilleures prods des années 80 auquel Color out of Space y voue une véritable affectation (il s'agit donc bien ici d'horreur "à l'ancienne"), tant auprès de ses références (The Thing, Poltergeist  - pour la caractérisation de la famille assez décomplexée et de leurs incidents surnaturels subtilement instillés en 1er acte - , Creepshow, From Beyond et même E.T) que dans sa manière raffinée de suggérer l'étrange sans trop en dévoiler (ou alors si peu), Richard Stanley s'alloue d'une implacable structure narrative pour tourmenter le spectateur impliqué dans un maelstrom d'images cauchemardesques inusitées. Car on a beau se remémorer certaines des meilleures séquences chocs de nos classiques précités, Color out of Space existe par lui même dans sa ferme détermination de nous foutre les pétoches de manière aussi bien insidieuse que perfide. Et ce parmi le témoignage de protagonistes habités par la peur de l'inexplicable. Car en y saturant l'image de fulgurances esthétisantes proche des effets hallucinogènes d'un psychotrope chimique (l'acide ou le LSD), Color out of space enivre nos sens, triture nos nerfs avec une démesure irréfragable. Tant et si bien qu'au fil des évènements dramatiques davantage éprouvants (nous ne sommes pas prêts d'oublier Spoil ! le sort escarpé réservé à l'épouse et au fils cadet ! fin du Spoil), le spectateur subit un malaise méphitique sous l'impulsion de visions cauchemardesques faisant office de bad trip pailleté ! Les protagonistes s'efforçant de repousser ces forces visuelles avec une appréhension davantage dépressive, de manière à nous impliquer dans leur désarroi expressif comme si nous faisions partis de leur famille. C'est dire si le récit cauchemardesque, davantage pesant et orageux, joue avec nos nerfs, nos peurs et nos émotions de par sa saisissante alchimie d'y confondre fiction et vérisme au point d'y omettre sa nature cinégénique.

Une expérience monstrueuse, une fascination répulsive avec la peur. 
Tour à tour angoissant, anxiogène et dépressif, de par la tournure des évènements toujours plus effrayants, Color out of Space parvient à relever la gageure de réinventer la peur, répulsive, viscérale, organique, cérébrale, avec un brio technique factuel. Tant auprès de sa première partie où tout ou presque y est lestement suggéré, que de son second acte autrement mortifère, hallucinogène et ténébreux faisant exploser une palette de couleurs sensuelles infiniment insidieuses. Déjà culte si j'ose dire, Color out of Space risque bien d'inspirer d'autres cinéastes, intègres ou margoulins, afin d'exploiter une nouvelle peur à l'écran sous la mainmise du monstre sacré H. P. Lovecraft.

*Bruno

Récompense: Film School Rejects' Fall Awards 2019 : Mention honorable pour Nicolas Cage

Ci-joint l'avis du journaliste Jean-Marc Micciche:
Séance découverte avec Color out of space....dieu que ça fait du bien de voir un vrai monsters movie aussi déjanté visuellement que puissament anxiogène....à l'issue du film, Color balaie tous les monsters movies de ces derniers années (même les plus chouettes genre Life, Underwater), carrément le meilleur film du genre depuis le tétanisant The Mist....Mieux que la première version du livre (aka The farm pour les plus anciens, très chouette), Color échappe pour le coup à une interprétation clair du récit...non pas que le film à la vague récente du post Horror, trés expérimental et parfois hermétique, Color est un vraie série b de SF horrifique comme on pouvait en voir dans les années 80 (cf les Xtro, The kindred, et autres Mutants / Forbidden World) à ceci prés que le film est entièrement remodelé par le regard allumé de Richard Stanley, aussi trash que pouvait être Hardware et aussi goro mystique que l'oublié le Souffle du démon....du coup la nature du 'Mal' échappe à toute interprétation direct et claires tant le réal parvient avec beaucoup de force à décrire le basculement d'une espace (géographique, familiale) qui plonge l'horreur le plus impalpable, le plus indéfinissable...Bref un grand film pas forcément du niveau de The thing, La mouche ou Alien, mais vraiment pas très loin...on regrettera pour la forme que la réal ne l'a pas réalisé le film dans les années 80 à l'époque où les grands génies du makeup up se bousculait. Imaginez ce que Rob Bottin, Stant Winston, Chris Wallas aurait pu accomplir avec un tel sujet (attention içi les efx reste performant et d'une grande force graphique). On peut aussi regretter que la carrière en dent de çi du réal, car à ne pas douter on a surement louper à émergence d'une grand cinéaste de genre..pour le reste, le film te marque durablement et laisse ton cerveau tourner à plein régime pour saisir ce qu'on a vu...

Bien placé pour être dans mon top 1 de l'année....

De si gentils petits monstres / The Children

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site t411.me

de Max Kalmanowicz. 1980. U.S.A. 1h35. Avec Gil rogers, martin shakar, gale garnett, Clara Evans, Jephta Evans, Julie Carrier, Sarah Albright, Nathanael Albright.

Sortie salles France: 24 Août 1983.

FILMOGRAPHIE:  The Children est le premier film de Max Kalmanowicz, réalisateur américain qui s'illustrera une seconde et dernière fois avec Dreams Come True, un film d'aventures datant de 1984 et distribué par la firme Troma.

Nous revenons de l'école... une chose terrifiante est arrivée ! Nous sommes devenus de... De si gentils petits... Monstres !
Sur un air connu de "l'enfant maléfique" (Le Village des Damnées, les Révoltés de l'an 2000, l'Autre, l'Exorciste, la Malédiction, The Children, Esther, etc...), De si gentils petits Monstres (dénomination plus ironique que son homologue ricain) fit les beaux jours des vidéophiles des années 80 fascinés par sa flamboyante jaquette imprimant dans le centre du cadre, et sur fond rouge, 3 visages de bambins au rictus diablotin. Et ce sans omettre l'accroche de sa tagline à l'humour aussi sardonique relevée plus haut ! Le pitch: Dans la bourgade de Ravensback, un car scolaire transportant des enfants passe sous un épais nuage jaune. Après son passage, l'autocar garé à proximité d'un cimetière est épargné de ses occupants. Au même moment, une maman inquiète part à la recherche de son enfant quand tout à coup elle entend une voix enfantine faisant écho au cimetière avoisinant. Arrivé au lieu dit, elle tombe sur le cadavre du chauffeur, retrouvé calciné près d'une tombe. Un bambin se rapproche alors d'elle, les bras tendus vers sa direction. Mais au moment de l'enlacer, elle se met à brûler aux contacts des mains vitriolées. Plaisir coupable bisseux comme il en pullulait lors des années 80, De si gentils petits monstres dégage un charme certain aussi mineur soit son contenu à la fois prévisible, frivole et bricolé. Le réalisateur empruntant l'efficace méthode du survival à suspense lorsqu'un flic et un paisible citadin unissent leurs forces pour retrouver les enfants disparus après l'abandon de leur car scolaire. Et ce avant de bifurquer vers le traditionnel huis-clos cauchemardesque lorsque ces derniers tentent de repousser la menace (avec une violence étonnamment tranchée !) au sein du foyer domestique de l'un d'eux.

Ainsi, de par son concept incongru (des enfants se mettant subitement à occire leurs parents après le passage d'un nuage radioactif) émaillé d'astuces saugrenues (les fameux ongles noirs sur leurs doigts, la manière insensée de les exterminer en leur tranchant les mains, son épilogue sarcastique présageant une redite), De si gentils petits monstres s'avère plaisamment bonnard. Tant auprès de ses péripéties horrifiques fertiles en visions grand-guignolesques (l'état décrépit des victimes comparables à des steacks saignants) que de la sympathie des acteurs de seconde zone multipliant les expressions d'appréhension, de stupeur et de terreur avec un attachant surjeu. Plusieurs séquences risibles flirtant avec l'humour involontaire, à l'instar de ses 2 rednecks venus prêter main forte à un adjoint policier en se raillant grivoisement de la petite amie de ce dernier. Qui plus est, les FX artisanaux parviennent à créer leur petit effet de fascination lorsque les victimes se voient consumées par l'épais nuage d'acide, leur chair noire et sanguine craquelant de toutes parts après y avoir enlacée leurs chérubins. Outre l'aspect ludique de ses scènes chocs parfois même envoûtantes et un chouilla angoissantes (de par la posture inquiétante des bambins déambulant la nuit à l'instar de zombies affectueux), De si gentils petits monstres est notamment soutenu du score d'Harry Manfredini aux sonorités semblables au futur Vendredi 13 tourné cette même année. Pour un peu, on penserait entrevoir par moments Jason en personne derrière un fourré si bien que la majeure partie de l'action se déroule dans un cadre bucolique ensoleillé !

Atomic College (priez le ciel de ne jamais les rencontrer !)
Attachante série B de Samedi soir de par son ambiance (un tantinet) malsaine émanant de la posture inquiétante d'impassibles marmots, De si gentils petits monstres demeure un agréable divertissement macabre sous couvert d'une inlassable traque assez alerte (si on fait fi de sautes de rythme poussif à l'issue de l'ultime quart d'heure). Ainsi, la génération 80 éprouvera peut-être encore plus de plaisir aujourd'hui, nostalgie aidant d'une époque révolue.  

*Bruno
17.03.20
27.01.11. 359 v
4èx

Le monde, la chair et le diable

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"The World, The Flesh and the Devil" de  Ranald MacDougall. 1959. U.S.A. 1h35. Avec Harry Belafonte, Inger Stevens, Mel Ferrer

Sortie salles France: ? U.S: 1er Mai 1959

FILMOGRAPHIE: Ranald MacDougall est un scénariste, réalisateur et producteur américain né le 10 mars 1915 à Schenectady, New York, décédé le 12 décembre 1973 à Los Angeles. 1955 : Une femme diabolique . 1957 : Man on Fire. 1959 : Le Monde, la chair et le diable. 1960 : Les Rats de caves. 1961 : Volupté. 1970 : Cockeyed Cowboys of Calico County. 

Un classique de la science-fiction post-apo uniquement bâti sur la confrontation psychologique entre 3 survivants partagés entre l'isolement, la solitude, le racisme et la rage de survie. Deux hommes: un blanc, un noir se disputant l'autorité à conquérir le coeur d'une jeune femme. L'intrigue démontrant au fil de leur évolution morale que l'homme, égotiste, est finalement contraint d'avoir recours à la guerre pour imposer ses idées et tenter de remporter le pouvoir. Parfaitement servi par un trio d'acteurs aux sentiments sobrement bipolaires, le Monde, la chair et le diable est notamment renforcé par son réalisme urbain quant au climat feutré d'un New-York monochrome épargné de cidatins. 

*Bruno

La Belle Epoque. César du Meilleur Scénario.

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Nicolas Bedos. 2019. France. 1h55. Avec Daniel Auteuil, Guillaume Canet, Doria Tillier, Fanny Ardant, Pierre Arditi, Denis Podalydès, Michaël Cohen, Jeanne Arènes.

Sortie salles France: 6 Novembre 2019

FILMOGRAPHIE: Nicolas Bedos est un dramaturge, metteur en scène, scénariste, réalisateur, acteur et humoriste français, né le 21 avril 1979 à Neuilly-sur-Seine. 2017: Monsieur et Madame Adelman. 2019: La Belle Époque. 2021: OSS 117 : Alerte rouge en Afrique noire.

Prenez bien soin de tous vos souvenirs car vous ne pourrez pas les revivre.
Feu d'artifices d'émotions hybrides à travers sa mosaïque de tendresse, de romance, d'humour, de mélancolie et de gravité, La Belle Epoque est une bulle de champagne se dégustant avec délectation eu égard de l'incroyable brio de Nicolas Bedos jouant l'alchimiste par le biais de la mise en abyme. Tant et si bien que fiction et réalité ne cessent de s'entrecroiser avec parfois le sentiment trouble de ne plus pouvoir distinguer le vrai du faux. Les acteurs se confondant aux vrais personnages avec une conviction à la fois fougueuse et expansive de manière à crédibiliser leur univers programmé, truffé d'artifices et de figurants costumés. Brillant à tous niveaux, tant auprès des dialogues ciselés émaillés de calembours, de sa mise en scène constamment inventive réinventant à elle seul le cinéma le plus vibrant, de ses sonorités et refrains rétros, du jeu criant de vérité des acteurs bouleversants d'élégie sentimentale (mention spéciale à l'incroyable numéro final de Fanny Ardant - plus belle que jamais - transperçant l'écran de par ses expressions aussi bien fébriles que subtilement meurtries), que de l'originalité du scénario (César non usurpé) en dépit du concept improbable. Ainsi donc, grâce à l'intelligence de Nicolas Bedos maniant comme jamais une palette d'émotions contradictoires JAMAIS PROGRAMMES (si bien que nos larmes coulent de manière naturelle sans pouvoir les retenir); La Belle Epoque nous fait basculer dans une nouvelle dimension.

Si bien que l'on s'immerge sans modération dans l'introspection vertigineuse de Daniel Auteuil tentant de retrouver son amour d'antan à un moment propice des années 70. Car comment peut-on oublier une première rencontre amoureuse destinée à perdurer au risque de s'effriter avec le temps ? Comment omettre chaque détail d'une situation mémorable conçue pour nous faire chavirer dans l'improvisation la plus totale ? Hymne à la vie et à l'amour imparfait puisque impossible à contrôler et à dompter, La Belle Epoque nous remémore nos propres souvenirs à travers le regret du temps révolu. Cette amertume de se contempler dans la glace pour y déceler de nouvelles rides, cette appréhension de ne plus pouvoir autant séduire au fil des années, cette nostalgie de se remémorer la beauté de nos jeunes conquêtes ivres d'émancipation, d'audaces et d'insolence. Voilà de quoi traite cette belle époque que chaque génération incarne en elle à travers le thème si délicat de la vieillesse que Nicolas Bedos illustre avec déférence et espièglerie afin de se dégager de l'ombre du pathos ou de l'émotion triviale. C'est dire si cette romcom tour à tour sémillante et enivrante nous balade d'un endroit à un autre avec une fulgurante émotion que les acteurs si impliqués expriment à travers une véracité extrêmement communicative. Ainsi, sans jamais vulgariser une nostalgie plombante (aucune époque ne sera meilleure qu'une autre semble finalement nous suggérer Bedos en dépit d'un modernisme technologique humainement préjudiciable), la Belle Epoque nous invite à ranimer notre motivation, à affronter ceux qui nous entourent. Dans la mesure d'y fréquenter les relations humaines les plus fructueuses, aussi imparfaites et différentes soient-elles, et ce avec attention et soupçon de tendresse au gré des différences caractérielles.

Le souvenir est le parfum de l'âme.
Histoire d'amour rocambolesque renouant avec la jeunesse d'esprit à travers son hymne aux souvenirs et au savoir-vivre, La Belle Epoque nous revigore pour nous ranimer le désir d'aimer et d'embrasser son prochain afin d'y transcender la fuite du temps. A moins qu'une inconnue d'un soir abordée au coin d'un bistrot ne nous bouleverse à jamais notre destin, pour le meilleur et pour le pire... Féerie de chaque instant, ce lumineux chant d'amour, d'espoir et de réconciliations nous transperce l'âme et le coeur avec une maîtrise irrationnelle confinant au génie. 

*Bruno

César 2020:
Meilleur scénario original : Nicolas Bedos
Meilleure actrice dans un second rôle : Fanny Ardant
Meilleurs décors : Stéphane Rozenbaum

1917

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Sam Mendes. 2019. U.S.A/Angleterre. 1h59. Avec George MacKay, Dean-Charles Chapman, Colin Firth, Andrew Scott, Mark Strong.

Sortie salles France: 15 Janvier 2020.

FILMOGRAPHIE: Samuel Alexander Mendes, dit Sam Mendes est un réalisateur et producteur de cinéma britannique, né le 1er août 1965 à Reading (Berkshire). 1999 : American Beauty. 2002 : Les Sentiers de la perdition. 2005 : Jarhead : La Fin de l'innocence. 2008 : Les Noces rebelles. 2009 : Away We Go. 2012 : Skyfall. 2015 : 007 Spectre. 2020: 1917.

"Nous sommes une civilisation qui sait faire la guerre, mais qui ne sait plus faire la paix."
Renouvelant les codes du film de guerre par le biais d'une mise en scène aussi originale que travaillée, 1917 tire parti de son brio technique afin de nous immerger dans la 1ère guerre comme si nous y étions. Tout du moins du point de vue subjectif du caporal William Schofield arpentant un parcours du combattant avec une vaillance suicidaire eu égard des hostilités allemandes qui interfèrent durant son vertigineux périple. A l'instar de son plongeon escarpé perpétré au fond d'une rivière sauvage, et ce à l'aube d'une nouvelle journée décisive quant à la sauvegarde de 1600 de ses compatriotes. Celui-ci étant chargé de retrouver le colonel Mackenzie afin d'annuler une attaque provoquée par les allemands. Par cette même occasion, et depuis la mort de son co-équipier, il s'est juré d'honorer ses ultimes souhaits en retrouvant la trace de son frère, le lieutenant Joseph Blake également de la parti pour attaquer les allemands. Récit d'aventures épiques donc par le biais d'un réalisme immersif si bien que Sam Mendes utilise les plans séquences parmi la diabolique habileté du temps réel, 1917 n'impose pas pour autant de surenchère homérique ou sanguine façon Il faut sauver le soldat Ryan.

Le cinéaste optant pour une mise en scène épurée à dénoncer sans brutalité explicite la folie de la guerre sous l'impulsion du caporal Schofiled; isolé de tous et à bout de souffle, mais délibéré à accomplir sa houleuse mission au péril de sa vie. D'un humanisme désespéré tantôt poignant, tantôt bouleversant au gré d'une intensité dramatique lestement instillée, 1917 dégage une prude émotion jamais ostentatoire. Tant auprès de celui-ci en état de résilience jusqu'à épuisement que de seconds-rôles accablés de fatigue et de fragilité quant au trama que peut imposer toutes barbaries belliqueuses. Sam Mendes conjuguant dans une harmonie technique géométrique le lyrisme, le réalisme morbide et l'onirisme crépusculaire pour imposer sa propre personnalité dénuée de redite ou de racolage. D'où ce sentiment persistant d'assister à un film de guerre à la fois intime et personnel, vibrant hommage à l'héroïsme des survivants tout en y dénonçant la haine que les plus hauts gradés provoquent auprès de leur escadron lors de bravoures suicidaires. Quant à la présence de George MacKay, il porte l'intrigue sur ses épaules à l'aide d'une force d'expression à la fois pugnace, fébrile et démunie eu égard de ses vicissitudes rencontrées avec l'ennemi (confiné tous azimuts) et d'un enjeu humain à grande échelle.

Une expérience de cinéma aussi prodigieuse que bouleversante. 

*Bruno

Récompenses:
Golden Globes 202029 : meilleur réalisateur et meilleur film dramatique
Prix des réalisateurs d'Hollywood 2020 (DGA Awards)30
BAFTA 2020 : meilleur film, meilleur film britannique, meilleur réalisateur, meilleurs décors, meilleure photographie, meilleurs effets visuels et meilleur son
Oscars 2020 : meilleure photographie, Meilleur mixage de son et meilleurs effets visuels
Satellite Awards 2020 : meilleure photographie

Une Vie Cachée. Prix du Jury oecuménique, Prix François-Chalais, Cannes 2019

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"A Hidden Life" de Terrence Malick. 2019. Allemagne/U.S.A. 2h54. Avec August Diehl, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Matthias Schoenaerts, Bruno Ganz.

Sortie salles France: 11 Décembre 2019 

FILMOGRAPHIE: Terrence Malick est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 30 novembre 1943 à Ottawa (Illinois). 1973 : La Balade sauvage. 1978 : Les Moissons du ciel. 1998 : La Ligne rouge. 2005 : Le Nouveau Monde. 2011 : The Tree of Life. 2012 : À la merveille. 2015 : Knight of Cups. 2016 : Voyage of Time : Au fil de la vie. 2017 : Song to Song. 2019 : Une vie cachée.

"...Car le bien grandissant du monde dépend en partie d'actes non historiques, et que si les choses ne vont pas si mal pour vous et moi, on le doit beaucoup à tous ceux qui ont vécu fidèlement une vie cachée et qui reposent dans leur tombe abandonnée." - George Eliott.

Bouleversant requiem contre la guerre du point de vue d'un objecteur de conscience refusant de partir au front pour honorer ses propres convictions, Une Vie Cachée est le nouveau grand film de Terence Malick résolument inspiré à nous conter sa tragédie avec un sens sensitif immersif. Tant auprès de sa lumière naturelle sublimant sa nature autrichienne, sa mise en scène épurée abusant de zooms auprès des visages, que de sa caméra expérimentale souvent filmée à l'épaule afin de nous rapprocher des états d'âme des personnages en proie à la dictature du 3è Reich. D'un onirisme à la fois incandescent, flegme et apaisant afin de contraster avec la nature belliqueuse de l'homme impliqué dans une guerre à échelle mondiale, Une Vie Cachée envoûte les sens dans une libre plénitude. Tant auprès du rapport spirituel avec sa contrée montagneuse sauvage que des réflexions existentielles du couple d'une sagesse capiteuse quant à leur idée du bonheur et de la simplicité. A la fois beau à en pleurer et triste à en mourir, Une Vie Cachée nous fait donc partager la quotidienneté de Franz et Franziska Jägerstätter en plein coeur de leur bourgade reculée.

De paisibles métayers labourant leurs champs dans une harmonie amoureuse en dépit des voix davantage discordantes de leur voisinage réfutant la félonie d'après une opinion anticonformiste.  Terence Malick radiographiant dans un premier temps les sentiments fusionnels du couple avec énormément de pudeur eu égard de leur éthique fondée sur l'amour (conjugal et filial), la tolérance, le respect d'autrui et la foi religieuse. Mais alors que Franz refuse de voter contre l'Anschluss (l'unification entre la population allemande et autrichienne), il est appelé à combattre auprès des nazis. Fermement convaincu de l'idéologie arbitraire d'Hitler et de ses sbires, il refuse de combattre à leurs côtés et se retrouve emprisonné avant d'y être jugé. Alors que la dictature de la pensée refait des siennes au sein de notre quotidien depuis quelques années déjà, Une Vie Cachée aborde ce thème alarmiste du point de vue atrabilaire de villageois pointant du doigt la posture si entêtée de Franz, seul contre tous à s'opposer au dessein funeste du 3è reich engagé dans le génocide qu'on lui connait. Tout le récit latent s'articulant autour des pensées et réflexions intimes de Franz et Franziska séparés malgré eux mais d'une fidélité hors-pair lorsqu'il s'agit de respecter le choix moral d'un homme près à se sacrifier pour sa propre dignité et celle de sa liberté.

D'une fulgurance formelle ensorcelante au sein d'un jardin d'éden naturaliste, Une Vie Cachée s'érige en magnifique poème spirituel du point de vue d'un objecteur de conscience délibéré à se soulever contre une autorité sournoise militant pour le chaos. Un hymne à la vie d'une infinie tristesse mais porteur d'espoir, de rédemption et d'optimisme. 

*Bruno

Récompenses:
Festival de Cannes 2019 :
Prix du jury œcuménique8
Prix François-Chalais

Hors Normes

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Olivier Nakache et Éric Toledano. 2019. France. 1h54. Avec Vincent Cassel, Reda Kateb, Bryan Mialoundama, Hélène Vincent, Alban Ivanov, Benjamin Lesieur.

Sortie salles France: 23 Octobre 2019

FILMOGRAPHIE: Éric Toledano est un réalisateur, scénariste et dialoguiste français né le 3 juillet 1971 à Paris. Il travaille en binôme avec Olivier Nakache à la fois pour l'écriture et la réalisation.  Olivier Nakache est un réalisateur, scénariste et dialoguiste français né le 15 avril 1973 à Suresnes. Il travaille souvent en coréalisation avec Éric Toledano. Il est le frère de l'actrice et réalisatrice Géraldine Nakache. 2005 : Je préfère qu'on reste amis... 2006 : Nos jours heureux. 2009 : Tellement proches. 2011: Intouchables. 2014 : Samba. 2017 : Le Sens de la fête. 2019: Hors Normes.

"Entre déférence et indifférence, à toi de faire la différence."
Réalisé par le duo prodige Éric Toledano / Olivier Nakache (Intouchables, Samba, Le Sens de la Fête); Hors Normes est une poignante comédie sociale militant pour la cause des autistes par le biais d'éducateurs franc-tireurs débordant d'audaces, de volonté et d'humanisme à travers leur persuasion de les insérer au sein de notre société aussi bien drastique que bien pensante. Tourné avec de véritables autistes afin de renforcer son réalisme documenté et pour éviter un racolage sentimental que le métrage élude admirablement, Hors Normes sonne juste à travers son manifeste pour la tolérance et le droit à la différence que Vincent Cassel et Reda Kateb prodiguent avec une spontanéité intarissable. Pour autant, faute d'un rythme inégal et d'une combinaison pas si fructueuse d'humour et de gravité, Hors Normes demeure perfectible à nous passionner pour l'évolution morale de 2 de ces autistes que leurs éducateurs (d'une patience à couper au rasoir) tentent d'enseigner durant leur parcours social ou professionnel.

Qui plus est, faute d'un climat parfois austère et d'un manque d'émotions à travers le jeu improvisé des autistes, Hors Normes ne parvient pas tant à provoquer l'émotion escomptée. Quoiqu'il en soit, de par l'implication expansive des comédiens (tant connus que méconnus) et l'intelligence de sa mise en scène épurée dénuée d'artifice, Hors Normes reste de toute évidence un film salutaire puisque porteur d'espoir quant à la condition d'exclusion de ses autistes en proie à l'éveil d'indépendance (aussi encadrés soient-ils par leurs mentors). Qui plus est, renforcé d'un émouvant final en état de grâce (notamment auprès des corps en mouvement chorégraphiant leur danse lyrique !) et d'un score entêtant terriblement envoûtant (que l'on entend à 3 reprises en intermittence), Hors Normes nous laisse sur une intense émotion d'optimisme quant au portrait intègre de ces handicapés jouant leur propre rôle avec une candeur et une liberté de ton davantage poignantes. A découvrir et à revoir afin de mieux s'adapter à leur univers feutré.

*Bruno

Box-Office: 2 100 857 entrées

Récompenses:
Festival international du film de Saint-Sébastien 2019 : Prix du public
Label « Club 300 aime » - meilleure note remportée au Club 300 :
César des lycéens 2020

Le cas Richard Jewell. AFI Awards 2019: Film de l'année

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Richard Jewell" de Clint Eastwood. 2019. U.S.A. 2h11. Avec Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Kathy Bates, Jon Hamm, Olivia Wilde, Ian Gomez, Wayne Duvall.

Sortie salles France: 19 Février 2020.

FILMOGRAPHIE: Clint Eastwood est un acteur, réalisateur, compositeur et producteur américain, né le 31 Mai 1930 à San Francisco, dans l'Etat de Californie. 1971: Un Frisson dans la Nuit. 1973: L'Homme des Hautes Plaines. 1973: Breezy. 1975: La Sanction. 1976: Josey Wales, Hors la Loi. 1977: L'Epreuve de Force. 1980: Bronco Billy. 1982: Firefox, l'arme absolue. 1982: Honkytonk Man. 1983: Sudden Impact. 1985: Pale Rider. 1986: Le Maître de Guerre. 1988: Bird. 1990: Chasseur Blanc, Coeur Noir. 1990: Le Relève. 1992: Impitoyable. 1993: Un Monde Parfait. 1995: Sur la route de Madison. 1997: Les Pleins Pouvoirs. 1997: Minuit dans le jardin du bien et du mal. 1999: Jugé Coupable. 2000: Space Cowboys. 2002: Créance de sang. 2003: Mystic River. 2004: Million Dollar Baby. 2006: Mémoires de nos pères. 2006: Lettres d'Iwo Jima. 2008: L'Echange. 2008: Gran Torino. 2009: Invictus. 2010: Au-delà. 2011: J. Edgar. 2014: Jersey Boys. 2015: American Sniper. 2016: Sully. 2017: 2018: Le 15h17 pour Paris. 2018: La Mule. 2019: Le cas Richard Jewell.

Inspiré de l'histoire vraie de l'agent de sécurité Richard Jewell considéré comme un héros après avoir déjoué un attentat lors des Jeux olympiques d'été de 1996, mais rapidement suspecté d'en être l'instigateur, Le cas Richard Jewell reconstitue avec minutie cette improbable mascarade négociée entre le FBI et une journaliste de The Atlanta Journal-Constitution. Si Clint Eastwood n'en finit plus de nous surprendre de par son âge avancé et ses passionnants projets, le Cas Richard Jewell prouve à nouveau qu'il perdure son mordant pour y fustiger les rouages d'une société paranoïde victime d'un cas de figure autrefois similaire (l'attentat des jeux olympiques de 1984 fut perpétré par un agent de sécurité), de faux témoignages auprès de riverains sans scrupule, des médias à sensations et d'une police judiciaire redoutablement sournoise lorsqu'il s'agit d'y manipuler (sans une once de preuve !) leur coupable(/victime) facilement influençable de par sa mentalité intègre. Paul Walter Hauser se fondant dans le corps placide de Jewell à l'aide d'une expression candide tour à tour empathique et irritante de par sa naïveté à se laisser berner par cet entourage impérieux. Ce dernier ayant toujours rêvé de porter l'uniforme, il porte donc sa plus haute estime au corps policier au grand dam de sa condition de culpabilité.

Nombre de scènes caustiques nous provoquant colère et dégoût à travers ses moments d'intimidation de par les chantages odieusement planifiées d'un dirigeant à côté de sa plaque. Jon Hamm s'avérant exemplaire de charisme impassible dans sa froide certitude d'y avoir profiler un coupable en manque de notoriété, selon son instinct et certains témoignages probants ! Mais pour revenir au jeu sobrement innocent de Hauser, acteur méconnu ressemblant comme 2 gouttes d'eau au véritable Jewell, Clint Eastwood y autopsie sa profonde loyauté à travers son nouveau quotidien (pour ne pas dire descente aux enfers morale) persécuté par la police et les feux de projecteurs. Et ce parmi le témoignage de sa mère démunie que campe avec intensité dramatique Kathy Bates dans une posture davantage éplorée, et de la tendre amitié que lui réplique l'infaillible Sam Rockwell en avocat d'une force d'expression tranquille. Ces derniers se soutenant mutuellement avec autant de persuasion que de désespoir quant aux stratégies et filatures licencieuses du FBI délibéré à mettre sous les verrous leur principal suspect. Autant dire que cette farce ubuesque nous provoque un aigre sentiment de gâchis (le vrai terroriste court toujours si bien qu'il sera appréhendé 6 ans plus tard !) et d'injustice quant à la dignité du héros amiteux mis au pilori du jour au lendemain par les médias et la police en concertation de gloire et de reconnaissance. Quand bien même la notion de héros s'y verra discréditée auprès du prochain quidam qui osera entreprendre pareille bravoure au péril de son éventuelle suspicion.

*Bruno

Récompenses:
National Board of Review Awards 2019
Meilleure actrice dans un second rôle pour Kathy Bates
Meilleur espoir pour Paul Walter Hauser
Top 10 films
AFI Awards 2019 : Film de l'année

La Créature du Marais

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinefusion.wordpress.com

"Swamp Thing" de Wes Craven. 1982. U.S.A. 1h31. Avec Louis Jourdan, Adrienne Barbeau, Ray Wise, David Hess, Nicholas Worth, Don Knight, Al Ruban.

Sortie salles France: 30 Juillet 1982

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio. 1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

Ereinté par la critique à sa sortie et considéré comme l'un des plus mauvais films de Craven, La Créature du Marais ne méritait pas tant de discrédit selon mon jugement de valeur. Car à la revoyure, et à condition de l'aborder au second degré, ce nanard bonnard dégage aujourd'hui un charme désuet plutôt irrésistible pour qui raffole des monstres caoutchouteux redresseurs de tort. D'ailleurs, tant décrié par les critiques, l'homme qui se tapi dans sa combinaison de latex ne s'avère pas si ridicule que cela, dans la mesure où l'on parvient facilement à s'attacher à sa condition miséreuse à travers ses expressions aussi candides que gentiment maladroites. Le rythme cinétique ne nous offrant que peu de répit à travers ses moults actions belliqueuses qu'enchaîne un escadron de militaires contre la créature traquée tous azimuts. Ainsi donc, tiré du célèbre comic Swamp Thing de Len Wein et Bernie Wrightson édité pour le première fois en 1971, La Créature du Marais joue la carte du cartoon ludique avec une attachante modestie eu égard des moyens low-cost employés pour donner chair à sa scénographie végétative.

Tant auprès du monstre mastard d'une force physique disproportionnée et d'une naïveté expressive émaillée de tendresse (son rapport amiteux avec un jeune afro avant de nous refaire le coup d'une variation de "la belle et la bête" parmi sa protégée Alice Cable qu'endosse Adrienne Barbeau), des seconds-rôles bellicistes forçant le trait du stéréotype avec un sérieux parfois hilarant (mention spéciale à David Heiss en militaire stoïque jamais avare d'y boire la tasse !) que d'autres créatures difformes qui interfèrent lors du final homérique (l'adjoint Bruno transformé en nabot, puis enfin le combat entre Alec et Arcane - épée à la main - dans les marais de l'enfer). L'intrigue linéaire arborant donc une chasse au monstre que des mercenaires aguerris affrontent dans les marais sous la mainmise du Dr Arcane. Ce dernier s'étant juré de s'approprier la formule du Dr Alec (une cellule végétale conçue à la base pour éradiquer la famine) afin de dominer le monde. Jamais ennuyeux car franchement distrayant de par son rythme alerte, La Créature du Marais s'avère donc truffé de situations impayables et d'action bon enfant sous l'impulsion de comédiens se prêtant au jeu de l'exubérance avec une spontanéité cocasse. Qui plus est, renforcé du score semi-horrifique d'Harry Manfredini (on croirait par moments sortir de l'ombre l'homme à la machette: Jason Voorhees !), la Créature du Marais se permet d'y injecter quelques scènes gores un tantinet cruelles de manière à renforcer son attrait autonome (pour ne pas dire franc-tireur).

Série B aussi mièvre que simpliste dans sa tentative avortée d'inscrire sur pellicule une BD réputée culte, La Créature du Marais s'avère pour autant plein de charme, de fantaisie, de tendresse et de cocasserie à travers sa naïve faculté de nous dépayser sous l'impulsion d'une action en roue libre aussi festive que décérébrée.  

*Bruno
3èx

Cold prey 2

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Fritt Vilt II"de Mats Stenberg. 2008. Norvège. 1h26. Avec Ingrid Bolsø Berdal, Marthe Snorresdotter Rovik, Kim Wilafdt, Fridtjov Såheim.

Sortie France (uniquement Dvd/BR): 5 avril 2010. Sortie Salles, Norvège: 10 Octobre 2008

FILMOGRAPHIE: Mats Stenberg est un réalisateur norvégien. 2008: Cold Prey 2.

Si le norvégien Roar Uthaug a cédé sa place à Mats Stenberg, ce dernier est parvenu avec efficacité à réaliser une sympathique séquelle en se référant au schéma narratif d'Halloween 2. L'action réfrigérante ayant été délocalisée dans un huis-clos hospitalier auquel l'héroïne (du 1er opus) tentera d'y survivre avec l'appui de quelques rescapés. Gore et violent à travers un réalisme sans concession, Cold Prey 2 divertit honorablement (à défaut de terrifier) en dépit de situations archi convenues, symptomatiques du psycho-killer standard. Relançant l'action sanglante avec l'intervention de la police lors du second acte, Cold Prey 2 rebondit à nouveau lors de son final épique que se disputent l'héroïne pugnace et le tueur increvable confinés dans l'hôtel poussiéreux. Outre certaines facilités et clichés grossiers quant à la posture empotée de certains protagonistes, Cold Prey 2 fait toutefois preuve d'un entrain autrement convaincant quant aux ultimes survivants (surtout les femmes !) redoublant de bravoure et d'audaces afin de nuire au tueur.

Ci-joint l'article du 1er opus: http://brunomatei.blogspot.fr/…/12/cold-prey-fritt-vilt.html

*Bruno
2èx