L'HOMME AU MASQUE DE CIRE (House of Wax)

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site fearsforqueers.blogspot.com

d'André De Toth. 1953. U.S.A. 1h28. Avec Vincent Price, Paul Picerni, Frank Lovejoy, Phyllis Kirk, Carolyn Jones, Charles Bronson.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: André De Toth (Endre von Toth) est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, d'origine austro-hongroise, né le 15 Mai 1912 à Mako (Csongrad), décédé le 27 Octobre 2002 à Burbank (Californie). 1942: Le Livre de la Jungle (réalisation de 2è équipe). 1944: Dark Waters. 1947: Femme de feu. 1947: l'Orchidée Blanche. 1951: Le Cavalier de la mort. 1952: Les Conquérants de Carson City. 1953: L'Homme au Masque de cire. 1954: Chasse au gang. 1955: La Rivière de nos amours. 1959: La Chevauchée des bannis. 1960: Contre-espionnage. 1961: Les Mongols. 1963: l'Or des Césars. 1968: Enfants de salaud.

"L'un des plus beaux films en couleurs dans l'histoire du cinéma d'épouvante", à découvrir impérativement en HD !

Remake d'un petit classique oublié des années 30, l'homme au Masque de Cire va largement dépasser son modèle sous la houlette d'André De Toth, cinéaste plus habitué aux westerns traditionnels que de l'épouvante gothique. Pourvu d'un Technicolor resplendissant et de l'interprétation magnétique du monstre Vincent Price, ce chef-d'oeuvre inspiré du Fantôme de l'Opéra suscite toujours la même fascination, sans tenir compte du procédé 3D révolutionnaire de l'époque. Le Pitch: Régisseur d'un musée de cire, Henry Jarrod voue un amour immodéré pour ses mannequins de cire. Un soir, son associé cupide décide d'incendier l'établissement afin de toucher une prime d'assurance de 25 000 dollars. Porté disparu, Henry élabore une vengeance diabolique au sein de ses nouvelles créations. 

Ainsi, à travers la vengeance morbide d'un sculpteur entièrement voué à sa passion, André De Toth livre un classique d'épouvante d'une santé florissante auprès de sa réalisation alerte prenant soin de tailler une carrure à ses divers personnages. Que ce soit notre "monstre au masque" accompagné de sbires disciplinés (dont l'un d'eux est incarné par le tout jeune néophyte Charles Bronson !), l'investigatrice Sue Allen (très convaincante dans son rôle de limier scrupuleuse !) et son fidèle amant, ou encore les policiers fureteurs aux réparties sarcastiques. Chacun de ces protagonistes s'impliquant dans l'action avec intégrité pour faire progresser les évènements dans une notion de suspense habilement dosée. L'amour désespéré que porte Henry pour son (nouveau) modèle féminin et l'enquête suspicieuse menée par cette dernière (Sue Allen) demeurant les principaux moteurs émotionnels où leur confrontation s'avèrera toujours plus intense et risquée ! Outre l'esthétisme raffiné imparti à sa scénographie gothique du musée de cire, l'Homme au masque de cire est donc rehaussé d'une intrigue solide (même si classique) alternant rebondissements horrifiques, humour noir et étude policière. Au delà de la prestance sacrée de Vincent Price, artiste maudit féru d'amour pour sa "Marie Antoinette", la fascination exercée est notamment décuplée par les mannequins historiques qui jalonnent le musée dans une reconstitution minutieuse afin de mieux coller à la réalité des faits exposés. Cette aura fantastique sous jacente qui enveloppe le récit est d'autant plus trouble quand on sait que sous l'apparence étrangement humaine de ces figures encaustiques s'y planque un cadavre humain !

Au-delà de son attrait irrésistiblement ludique, son incroyable rutilance formelle et la densité des personnages, l'Homme au Masque de cire aborde en sous-texte une réflexion sur l'art perfectible, la quête du sensationnalisme au sein de l'entertainment (le public en quête d'émotions toujours plus intenses !) et surtout la passion dévorante allant à l'encontre de la raison. Or, sous l'allégeance indéfectible de Vincent Price et de ces fameux mannequins de cire, cette vengeance macabre s'est également immortalisée en classique inoxydable !

*Bruno

29.02.24. 6èx

28.10.13. 

TOP SECRET !

                                          Photo empruntée sur Google appartenant au site fan-de-cinema.com

de Jim Abrahams, Jerry et David Zucker. 1984. U.S.A/Angleterre. 1h30. Avec Val Kilmer, Lucy Gutteridge, Billy J. Mitchell; Christopher Villiers, Michael Gough, Sydney Arnold, Jim Carter, Omar Sharif, Peter Cushing, Jeremy Kemp.

Sortie salles France: 26 Septembre 1984. U.S: 8 Juin 1984

FILMOGRAPHIE: David Zucker est un réalisateur, producteur, scénariste, acteur, cascadeur américain, né le 16 Octobre 1947 à Milwaukee, Wisconsin (Etats-Unis). 1980: Y'a t-il un pilote dans l'avion ? 1984: Top Secret. 1986: Y'a t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988: Y'a-t'il un flic pour sauver la reine. 1991: Y'a t'il un flic pour sauver le président ? 1993: For Goodness Sake. 1998: BASEketball. 2003: Mon boss, sa fille et moi. 2003: Scary Movie 3. 2006: Scary Movie 4. 2008: An American Carol.
Jim Abrahams est un scénariste, réalisateur, producteur et acteur américain, né le 10 Mai 1944 à Shorewood. 1980: Y'a t-il un pilote dans l'avion ? 1984: Top Secret. 1986: Y'a t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988: uand les jumelles s'emmêlent. 1990: Roxy est de retour. 1991: Hot Shots ! 1993: Hot Shots 2. 1997: Au risque de te perdre. 1998: Le Prince de Sicile.

Jerry Zucker est un producteur, réalisateur, scénariste et acteur américain, né le 11 Mars 1950 à Milwaukee, Wisconsin. 1979: Rock 'n' Roll Hgh School. 1980: Y'a t-il un pilote dans l'avion ? 1984: Top Secret. 1986: Y'a t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1990: Ghost. 1995: Lancelot. 2001: Rat Race.

Quatre ans après le succès phénomène Y'a t'il un pilote dans l'avion ?, le trio Jim Abrahams, David et Jerry Zucker récidive dans la parodie afin de rendre hommage en l'occurrence à l'espionnage et l'action belliqueuse. Pour anecdote, l'apparition clin d'oeil d'Omar Sharif (franchement à l'aise dans un rôle aussi grotesque !) est d'ailleurs une note d'intention au film d'espionnage homonyme de Black Edwards réalisé en 1974. Comédie débridée au non-sens que n'aurait pas renié les Monty Python, Top Secret brasse tous azimuts les classiques vintage des années 40/50 (la Grande Evasion, le Magicien d'Oz, l'Homme qui en savait trop, Stalag 17) et les produits modestes des années 80, à l'instar de l'inénarrable le Lagon bleu, gros succès "fleur bleue" des années 80. A travers la simplicité d'un scénario improbable (avec l'aide de résistants, un chanteur de rock va tenter de faire évader un savant notoire emprisonné en Allemagne de l'Est pour l'achèvement d'une arme secrète), nos réalisateurs perpétuent leur tradition du pastiche cartoonesque avec toujours autant de verve impayable.

En comptant un gag visuel ou verbal toutes les 15 à 20 secondes, Top Secret ne peut pas concourir à la perfection de l'hilarité. Mais l'abattage des comédiens (Val Kilmer en tête, imitant spontanément Elvis Presley dans la peau de Nick Rivers !), les numéros musicaux chorégraphiés avec entrain et sa frénésie visuelle lorgnant vers le fantastique (la démarche et le langage verso du bibliothécaire incarné par Peter Cushing, la scénographie d'un saloon subitement régie sous la mer !) nous plongent dans un délire anarchique où l'absurdité est à son apogée. Si les éclats de rire ne sont pas aussi probants que leur indémodable premier chef-d'oeuvre, les ZAZ ont tout de même procréé l'objet culte d'une farce impétueuse !

26.10.13
Bruno Matéï

Les Révoltés de l'an 2000 / ¿Quién puede matar a un niño? / Who can kill a child ?

                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinaff.com

de Narciso Ibanez Serrador. 1976. Espagne. 1h50. Avec Lewis Fiander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, Maria Luisa Arias, Marisa Porcel, Juan Cazalilla.

Sortie salles France: 2 Février 1977. Espagne: 26 Avril 1976

FILMOGRAPHIE: Narciso Ibanez Serrador est un scénariste, producteur et réalisateur uruguayen, né le 4 Juillet 1935 à Montevideo (Uruguay).
1969: La Résidence. 1976: Les Révoltés de l'An 2000 

 

"Et l’enfant égorgea le monde".

Longtemps resté inédit en DVD/Blu-ray en France, Les Révoltés de l'an 2000 est une perle rare signée par un cinéaste discret, natif d’Espagne, qui avait déjà ébranlé les cinéphiles avec un premier chef-d'œuvre de perversité gothique : La Résidence. Sur une petite île, un couple de vacanciers doit affronter une ribambelle d’enfants tueurs. Cette trame, aussi linéaire qu’improbable, s’érige sous la caméra de Narciso Ibáñez Serrador en acmé d’effroi, par sa tension éprouvante, dénuée de toute concession.

La force incisive de ce cauchemar hermétique émane de son thème – l’enfance meurtrie – et d’une mise en scène alerte, qui rejette toute gaudriole grand-guignolesque. À l’image de son générique abominable, franchement insoutenable jusqu’aux larmes, où défilent des images d’archives de crimes de guerre perpétrés contre des enfants. Cette introduction, d’une brutalité extrême, illustre ce que l’humanité peut envisager de pire pour sa propre progéniture en cas de génocide. Passée cette turpitude, le film en extrait une fable contestataire, où des bambins passent à l’action du talion contre la cruauté des adultes.

Quoi de plus banal, après tout, qu’un garçonnet innocent batifolant avec ses camarades dans une ruelle ? Sauf qu’ici, leur environnement insulaire est épargné de toute présence parentale. Serrador tisse alors, avec un sens du suspense latent et un climat de mystère littéralement perméable, une toile d’araignée autour de ce couple désorienté, pris dans le mutisme pesant des citadins.

Et c’est à travers le témoignage de deux survivants qu’ils prendront la mesure du danger. Car ici, les bambins fripons à la bouille angélique tuent, sans la moindre hésitation, tout étranger majeur. Aucune justification n’est donnée pour leurs exactions vengeresses — si ce n’est l’hypothèse d’une haine transmise par télépathie. Ce refus d’explication rationnelle renforce d’autant plus le malaise diffus que perçoit le spectateur, happé dans une impuissance de plus en plus désespérée.

L’enjeu de survie auquel le couple est confronté devient alors d’autant plus malsain que la rigueur du récit les pousse à riposter par une violence intolérable. Mais que dire des enfants goguenards, capables d’exercer des sévices indécents contre l’étranger ? Le vieillard battu à mort à coups de bâton, le jeu de la serpe, la défunte déshabillée par des enfants ricanants, le lynchage du père provoqué par sa propre fille… Par son réalisme âpre et une dimension psychologique terrassante, Ibáñez Serrador orchestre une impitoyable descente aux enfers pour la frêle destinée de ses héros. À l’image de son final nihiliste, d’une intensité dramatique sans compromis, jusqu’au malaise moral.

"L’île aux enfants perdus".

Inquiétant et dérangeant, psychologiquement effrayant et d’une cruauté inouïe, Les Révoltés de l’an 2000 est une épreuve de force d’une rare puissance émotionnelle et d’évocation. À l’image insensée de ce fœtus exterminant, de l’intérieur de l’abdomen, sa propre génitrice — il fallait oser pareille idée tordue ! L’originalité burnée du scénario, la rigueur d’un climat d’étrangeté irrespirable et le jeu étrangement naturel des enfants n’ont jamais été aussi convaincants pour transcender la thématique de l’enfant tueur.

Et si un jour leur révolte avait lieu… serions-nous capables d’enrayer pareille menace planétaire ? Visionnaire au possible, cette date de l’horreur reste d’une maturité indéfectible.

Note : En raison de sa violence jugée insupportable, le film fut interdit en Finlande et en Islande.

Récompense: Prix de la Critique à Avoriaz, 1977

*Bruno
23.07.24. 4èx. Version anglaise

25.10.13. 

La critique de Mathias Chaput: http://horrordetox.blogspot.fr/2011/07/les-revoltes-de-lan-2000-de-narciso.html
La critique deThierry Carteret: http://www.arkepix.com/kinok/DVD/SERRADOR_Narcisso/dvd_revoltesan2000.html

Le Blob / The Blob

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site backtothemovieposters.blogspot.com

de Chuck Russel. 1988. U.S.A. 1h35. Avec Kevin Dillon, Shawnee Smith, Donovan Leitch, Ricky Paull Goldin, Jeffrey DeMunn, Candy Clark, Joe Seneca, Del Close.

Sortie salles U.S: 5 Août 1988. France: 1er Février 1989

FILMOGRAPHIE: Chuck Russel est un réalisateur, producteur, scénariste américain, né le 6 Août 1952 à Highland Park dans l'Illinois (Etats-Unis). 1987: Freddy 3. 1988: Le Blob. 1994: The Mask. 1996: l'Effaceur. 2000: l'Elue. 2002: Le Roi Scorpion. 2014: Arabian Nights.

Remake d'un petit classique des années 50 incarné par le tout jeune débutant Steve McQueen, Le Blob revient 30 ans plus tard sous la houlette du néophyte Chuck Russel. Après avoir succéder à Wes Craven  et Jack Sholder pour l'entreprise du 3è opus de Freddy, cet habile faiseur de série B élabore avec son second métrage une réactualisation beaucoup plus stimulante que son ancêtre. Si bien que grâce aux incroyables effets spéciaux conçus en partie par la société Dream Quest Images, le Blob redouble de punch, d'intensité, d'efficacité d'élaborer des séquences cinglantes aussi inventives que spectaculaires. Or, dans un esprit cartoonesque parfois épaulé d'une dose de dérision sardonique, les attaques récurrentes de la fameuse gélatine organique s'avèrent redoutablement jouissives lorsqu'elle s'attaque aux quidams pour les ingurgiter. A l'instar de ce pauvre clochard ayant osé toucher la masse visqueuse à l'aide d'un bâton après avoir été témoin du crash d'un météore. 

Ainsi donc, avec originalité et une surprenante maîtrise au niveau du dynamisme du montage et de sa réalisation avisée allant droit à l'essentiel, Chuck Russel rivalise d'audaces à piéger les victimes au sein d'endroits familiers lors des confrontations avec la chose. Que ce soit à l'intérieur d'une cabine téléphonique ou d'une voiture, dans une chambre d'hôpital ou sous la bouche d'un évier, au plafond d'un cinéma ou encore dans les sous-sols de conduits, le Blob se faufile et s'infiltre dans chaque recoin avec une sagacité redoutable ! Car plus elle ingurgite de victimes, plus sa masse protéiforme s'amplifie ! Néanmoins, cette germe tueuse venue de l'espace par la faute de l'homme possède une faille, celle de ne pas supporter la température extrême du froid. Alors qu'un couple d'adolescents à la fois attachants, réfléchis et débrouillards (une fois n'est pas coutume au sein du moule de la série B de Samedi soir !) tentera d'avertir les autorités et la population du danger exponentiel, une équipe de confinement biologique (des bactériologues véreux) tentera de préserver la chose pour l'asservir en arme de guerre au péril des citadins.

Attention au Blob, ça colle !
De par sa mise en scène rigoureusement nerveuse et son intrigue efficiente multipliant courses-poursuites, action explosive et scènes gores inventives sous le pilier d'un monstre d'un réalisme visqueux à couper au rasoir, le Blob parvient à divertir avec un savoir-faire artisanal débordant de générosité. A l'instar de ces remarquables trucages (j'insiste) adroitement peaufinés afin d'y caractériser l'horreur graphique ainsi que l'aspect dévastateur d'une gélatine rose d'une redoutable voracité. Enfin, le duo fraternel formé par les deux amants pugnaces (Kevin Dillon n'est autre que le frère de Matt Dillon dans une sobriété héroïque jamais outrée) contourne le stéréotype du teenager écervelé avec une dose d'humanité lestement intègre. Un modèle de série B n'ayant pas pris une ride (à 2/3 plans cheap près).

*Bruno
26.04.23. 4èx

24.10.13. 

Mother's Day

                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site backtothemovieposters.blogspot.com

de Charles Kaufman. 1980. 1h31. U.S.A. Avec Nancy Hendrickson, Deborah Luce, Tiana Pierce, Holden McGuire, Billy Ray McQuade, Robert Collins, Rose Ross.

Sortie salles U.S: Septembre 1980

FILMOGRAPHIE: Charles Kaufman est un réalisateur, producteur et scénariste américain. Il est le frère du producteur de la firme Troma. 1977: The Secret Dreams of Mona. 1980: Mother's Day. 1982: Ferocious Female Freedom Fighters? 1985: When Nature Calls. 1988: Jakarta.

"Mother’s Day : la tendresse crasse d’une mère indigne".

Hit vidéo des années 80, Mother’s Day fit les beaux jours des fantasticophiles friands de bandes horrifiques décomplexées. Et si aujourd’hui cette bisserie estampillée Troma a un peu sombré dans l’oubli, on se surprend encore de l’efficacité de ce concept familial soumis à un survival aussi brutal que sardonique.

Le pitch : trois amies célibataires s’offrent un week-end bucolique en camping sauvage. La nuit tombée, elles tombent sur une bande de rednecks affamés de violence. Surexcités par leurs trophées vivants, ces brutes les livrent aussitôt à leur génitrice.

D’entrée, le ton est donné : impossible d’oublier ce prologue goguenard, où un jeune couple paie le prix d’une panne simulée. À l’orée du sentier forestier, deux hommes masqués surgissent, les prennent en chasse : décapitation sèche du pauvre hère, passage à tabac de la fille sous nos yeux — et, face à cette tuerie, une mamie hilare applaudit, tout sourire, les exploits de ses rejetons. Fondu au noir : générique. Bienvenue chez Mother’s Day, dont le titre seul est déjà une blague de mauvais goût. Par le prisme du psycho-killer couplé au survival, Charles Kaufman orchestre une farce sanglante, bardée de clichés empruntés aux bandes déviantes seventies (Massacre à la Tronçonneuse, La Colline a des Yeux) et au phénomène Vendredi 13, sorti quatre mois plus tôt.

Si les personnages potaches (mais attachants) et les situations attendues foisonnent durant la première demi-heure, la suite bascule dans un spectacle cartoonesque, bête et méchant — pour ne pas dire jouissif. Héritier des séries B d’exploitation, Mother’s Day aligne viols, sévices et humiliations comme un calvaire grotesque pour nos trois héroïnes. Cloîtrées dans une bicoque infecte, noyée sous les télés, les déchets et la junk food, elles s’acharnent à s’évader, soudées par leur sororité. L’intrigue, classique, vaut surtout pour le portrait délirant du trio familial : deux crétins gavés de pub, de télé et de malbouffe, dressés à la dure par une rombière narcissique qui les mène à la baguette pour mieux sacrifier les égarés. Leur entraînement spartiate est d’ailleurs un sommet d’ironie crasse, quand ils rivalisent d’acrobaties sous l’œil humide de fierté maternelle.

Pour relancer le survival, Kaufman entremêle courses-poursuites dans les bois et bascule vers un rape and revenge émaillé de soubresauts empathiques (le sort tragique de l’une des victimes). À bout de nerfs et de chair, les filles organisent une vengeance d’une sauvagerie animale : hache dans les testicules, aiguille dans le cou, acide dans le gosier, téléviseur encastré dans la tronche, strangulation, charcutage au couteau électrique ! Autant dire que la cruauté fuse à un rythme de dessin animé furieux, jouant la catharsis à pleine puissance. Et dans ce déferlement, l’amitié brute, la rage sororale, la revanche viscérale se cristallisent en un dernier feu d’artifice de bestialité libératrice.

"Quand Maman applaudit le carnage".

Porté par sa folie potache inégalable, Mother’s Day se croque comme une sucrerie empoisonnée : l’humour noir du clan dégénéré, la cohésion éreintée de ses proies, la satire viciée d’une Amérique sous perfusion de pop culture en font un petit monument d’irrévérence, méchamment subversif et joyeusement immoral. On osera dire qu’il compte parmi les psycho-killers les plus finauds et inattendus de l’ère 80.

À réserver aux estomacs lestés.

 

Bruno
11/08/18. 6èx
23.10.13. 

Jaquette Vhs appartenant au site l'Antre de l'horreur

Gravity

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de Alfonso Cuaro. 2013. U.S.A/Angleterre. 1h31. Avec Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris.

Sortie salles France: 23 Octobre 2013. U.S: 4 Octobre 2013

FILMOGRAPHIE: Alfonso Cuaro est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur mexicain, né le 28 Novembre 1961 à Mexico. 1991: Solo con tu pareja. 1995: Le Petite Princesse. 1998: De Grandes Espérances. 2001: Y tu mama tambien. 2004: Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban. 2006: Les Fils de l'Homme. 2013: Gravity.

Repoussant les limites du réalisme au cinéma, Gravity marque un nouvel échelon au sein du space opera dans une forme minimaliste réfutant la surenchère traditionnelle. Nous sommes donc ici à contre-emploi des blockbusters lucratifs conçus pour épater le public ado friand de batailles intergalactiques. Ici, c'est une invitation au voyage en apesanteur auquel nous participons de plein gré. Une contemplation de notre système stellaire tel que nous ne l'avions jamais observé auparavant ! Qui plus est, avec l'entremise du relief, ce procédé perfectible n'aura jamais été aussi inhérent afin de s'immiscer dans l'action où l'immensité de l'espace, la structure détaillée des navettes fissiles ainsi que les pluies fortuites de projectiles déploient une profondeur de champ irréelle !

Ainsi, à travers la survie d'une astronaute perdue au milieu de l'infini, sévèrement perturbée par moult incidents techniques et intempéries de particules, Alfonso Cuaro nous entraîne dans une dérive cauchemardesque où la tension s'avère toujours plus expressive ! Car 1h30 durant, nous sommes immergés dans la conscience fébrile de Ryan Stone, doctoresse préalablement meurtrie par le deuil accidentel de sa fille et prise de marasme lorsque le manque d'oxygène de sa combinaison s'y fait sentir. A travers son cheminement personnel partagé entre l'instinct de survie et le désir du sacrifice, le réalisateur célèbre le courage et le dépassement de soi. La capacité psychologique de pouvoir se relever en désespoir de cause et obstruer ses pensées les plus noires, notamment la dignité du baroud d'honneur pour la reconquête d'une vie terrestre. Bouleversante quand elle livre ses confidences morales face à notre témoignage ou devant son poste émetteur en guise de solitude, Sandra Bullock livre une interprétation viscérale à coeur ouvert. La puissance émotionnelle qui émane de son désespoir existentiel et sa volonté de déjouer son défaitisme nous accablant d'une manière d'autant plus intimiste que personne ne peut lui venir en aide au coeur de cet abyme mutique.

Alone
Prouesse technique et visuelle étourdissante de virtuosité à tel point que certaines images anthologiques confinent au vertige (les astronautes incessamment livrés au vide de l'apesanteur) ou à la claustration suffocante (l'intérieur des sas auquel Ryan est contrainte de se blottir), Gravity exalte le lyrisme poétique d'un cinéaste entièrement voué à l'humanité de son personnage. Confrontés à un enjeu de survie redoublant de vicissitudes mortelles, Alfonso Cuaro nous fait participer à une expérience cinématographique sensitive, nouveau langage expérimental établi via une caméra amovible. Et de porter à l'édifice un magnifique portrait de femme fragile où la dernière image, symbolique, nous déchire le coeur de par son onirisme naturaliste.  

23.10.13
Bruno Matéï

    

Ne vous retournez pas / Don't look now

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieramblings.com

de Nicolas Roeg. 1973. Angleterre/Italie. 1h50. Avec Donald Sutherland, Julie Christie, Hilary Mason, Clelia Matania, Massimo Serato, Renato Scarpa.

Sortie salles France: 18 Septembre 1974

FILMOGRAPHIE: Nicolas Roeg est un réalisateur anglais et directeur de photo, né le 15 Août 1928 à Londres. 1970: Performance. 1971: La Randonnée. 1973: Ne vous retournez pas. 1976: l'Homme qui venait d'ailleurs. 1980: Enquête sur une passion. 1984: Eureka, 1985: Insignificance. 1986: Castaway. 1988: Track 29. 1990: Les Sorcières. 1991: Cold Heaven. 1995: Two Deaths. 2007: Puffball.

Pierre angulaire du fantastique cérébral, Ne Vous retournez pas est l'une des rares expériences cinématographiques à avoir su transcender l'inquiétude oppressante de manière éthérée si bien que nos sentiments troubles se laissent voguer au rythme d'une intrigue latente perpétuellement envoûtante. A contrario de son point d'orgue terrifiant culminant vers un meurtre graphique à la vision d'effroi, Nicolas Roeg brode une intrigue machiavélique où la (hantise de la) mort, le faux semblant et la prémonition s'avèrent les thèmes essentiels de cette excursion avec le mysticisme. Car par l'entremise du prélude traumatique auquel une fillette en manteau rouge vient de perdre la vie en se noyant dans une rivière, Ne vous retournez pas suit le cheminement des parents endeuillés au sein de la ville spectrale de Venise.

Ainsi, à travers une photo naturaliste, c'est un véritable voyage touristique que le réalisateur nous guide parmi la présence de citadins instinctivement craintifs de présence étrangère. Dans cette région mutique aux ruelles obscures, John et Laura Baxter établiront la connaissance de deux soeurs décaties dont l'une s'avère médium. Réfractaire à l'existence d'un au-delà alors qu'au moment de la mort de sa fille un présage inscrit sur une diapositive se révéla à lui, John se retrouve confronté à son scepticisme face au témoignage d'incidents alarmistes. De son côté, sa femme Laura se réconforte dans les bras de l'extralucide après avoir appris que sa fille se trouve en harmonie dans un au-delà serein. Néanmoins, un avertissement divinatoire les mettra en garde pour le sort de John. Tandis que ce dernier sera nouveau être témoin d'une étrange vision (sa propre femme vêtue de noir en compagnie des soeurs inséparables), un mystérieux tueur accoutré d'une capuche rouge perpétue ses crimes dans les parages.

La peur innée de la mort, notre questionnement sur l'existence d'un "ailleurs", la paranoïa s'insinuant dans notre fragilité lorsqu'un deuil familial vient de nous accabler, Nicolas Roeg traite ces thèmes avec un pouvoir de suggestion aussi trouble qu'hypnotique. Sa mise en scène avisée et expérimentale, exploitant à merveille le cadre touristique d'un Venise diaphane, s'enrichit d'un montage rigoureux afin de nous perturber les sens entre présent, passé et futur. Qui plus est, le jeu viscéral du couple Julie Christie / Donald Sutherland (à l'instar de leur étreinte charnelle où l'érotisme ne fut jamais aussi virginal à l'écran) agrémente un climat sensitif où nos facultés semblent délibérément s'abandonner à l'alchimie créatrice du cinéaste. Errance obsédante avec l'insolite d'une réalité indécise, balade crépusculaire avec la mort et ses prémonitions, Ne vous retournez pas s'accapare de notre psyché à la manière sensorielle du paternel rongé par son deuil filial. Ainsi, à travers son parcours introspectif (auquel il est aussi permis d'évoquer le rêve de sa culpabilité), Nicolas Roeg évoque une réflexion spirituelle sur l'angoisse de l'inconnu, sur l'illusion de notre réalité ("rien n'est ce qu'il semble être") et sur la force de l'intuition en interne d'un cauchemar insurmontable.

*Bruno

31.05.24. 4èx. Vostfr

22.10.13. 

All the boys love Mandy Lane

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site ecranlarge.com

de Jonathan Levine. 2006. U.S.A. 1h30. Amber Heard, Anson Mount, Whitney Able, Michael Welch, Edwin Hodge, Aaron Himelstein, Luke Grimes.

Sortie salles U.S: 11 Octobre 2013 (sortie limitée). Angleterre: 15 Février 2008. France, uniquement en Dvd: 3 Août 2010

FILMOGRAPHIE:  Jonathan Levine est un réalisateur et scénariste américain, né le 18 Juin 1976 à New-York. 2006: All the Boys love Mandy Lane. 2008: Wackness. 2011: 50/50. 2013: Warm Bodies.

Inédit en salles en France et tardivement programmé aux States (il est sorti le 13 Octobre 2013), faute d'une défaite financière des distributeurs (l'insuccès du dyptique Boulevard de la mort / Planet Terror), All the Boys love Mandy Lane aura connu bien des déboires pour accéder à son exploitation commerciale. Le pitch: Une bande d'ados décide de passer un long week-end bucolique dans le ranch familial d'un de leurs camarades. C'est aussi l'occasion pour les garçons de courtiser la jeune Mandy Lane, fille candide à la beauté renversante. Mais une série de meurtres violents ébranle leur festivité. Sous le mode opératoire du psycho-killer de base influencé par Vendredi 13, le réalisateur  Jonathan Levine se réapproprie des clichés avec une ambition somme toute personnelle afin de se démarquer de l'ornière. On est d'abord frappé par la beauté naturelle de ces images poétiques (métaphore de la puberté) mais aussi impressionné par la troublante Mandy Lane lorsqu'elle déambule dans son lycée sous le regard éperdu des adolescents. Cette égérie sexuelle attisant d'autant plus curiosité, concurrence et jalousie qu'elle semble faire preuve d'abstinence pour la luxure.

Ce personnage central, Jonathan Levine en tire un archétype féministe où l'aura trouble de sa présence virginale planera durant tout le récit. Au niveau des stéréotypes impartis à la description des protagonistes (le dragueur, la blonde potiche, le bouffon, la grande gueule, le quidam valeureux, etc...) le réalisateur les fait voler en éclat en accordant une certaine humanité dans leur malaise pubère insolent. Car si nos jeunes fêtards continuent à se droguer et forniquer lors d'une insouciance libertaire, le témoignage innocent de Mandy Lane ainsi que la présence meurtrière d'un tueur aux aguets vont les rappeler à l'ordre de la raison. Ou lorsque le psycho-killer rencontre la chronique sociale d'une jeunesse déshumanisée par la compétition. En dépit de la stature imposée à ces personnages si souvent déconsidérés à travers l'iconographie du genre, All the Boys love Mandy Lane est notamment transcendé de la stylisation d'une mise en scène rigoureuse (voire parfois même expérimentale) en multipliant les prises de risque. Celles d'y bousculer les habitudes du spectateur pour son ton anti ludique et son refus de concession si bien que l'aspect spectaculaire des meurtres n'a ici rien de divertissant. Si bien que la violence est froide, crue, même si parfois hors-champs afin d'éviter la complaisance, et son réalisme désespéré nous laisse dans une certaine contrainte émotionnelle quant à son ultime demi-heure rigoureusement éprouvante, surprenante, impressionnante. Quand bien même l'aspect équivoque du personnage de Mandy Lane accentue cette force émotive nous laissant au final un arrière goût fort amer dans la bouche. En crescendo, Jonathan Levine distillant une terreur moite davantage ardue pour le sort des ados, alors que son point d'orgue nihiliste nous laisse sur le carreau pour la révélation du meurtrier ainsi que son parti-pris à la fois immoral et désenchanté.

Elephant. 

Etrangement poétique, désabusé, dérangeant mais aussi poignant, All the Boys love Mandy Lane réfute la redite triviale pour nous livrer un psycho-killer littéralement vénéneux, fascinant, hypnotique en somme. Le soin formel accordé aux images graciles et la beauté envoûtante de Mandy Lane se complétant harmonieusement pour laisser en mémoire une élégie défaitiste, malaise social du constat de l'amour du point de vue de l'ado ici provocateur, vulgaire, égoïste, bonimenteur. Pour un premier long-métrage aussi atypique, on peut peut-être évoquer le coup de maître de cet auteur sagace infiniment attentionné d'y dépeindre un malaise existentiel aux conséquences factieuses.

*Bruno 
21.10.13

21.07.2024. Vostfr

A HIJACKING. (Kapringen)

de Tobias Lindholm. 2012. Danemark. 1h39. avec Pilou Asbæk, Søren Malling, Dar Salim, Roland Møller

Sortie salles France: 10 Juillet 2013

FILMOGRAPHIE: Tobias Lindholm est un réalisateur, scénariste et acteur danois.
2010: R
2012: A Hijacking

Dans l'océan Indien, sept marins danois vont devenir les victimes d'une prise d'otages à bord de leur navire. Leur entreprise professionnelle va tenter de négocier avec les terroristes une demande de rançon exorbitante afin de la réévaluer et sauver l'équipage. 

Un film choc d'un réalisme décoiffant et au jeu d'acteur bluffant de vérité ! Le réalisateur danois réinventant ici le concept d'une prise d'otage avec un souci de vérité faisant office de documentaire. Principalement dans les rapports de force étroits que des hommes d'affaires et un affréteur doivent entretenir avec des terroristes afin d'établir un consensus sur la somme désirée. Alors que nos bureaucrates vont tout mettre en oeuvre pour réduire le montant de la rançon, les pirates n'auront de cesse à pratiquer le chantage contre la vie d'innocents afin d'exiger une somme extravagante.
Du point de vue des victimes, le réalisateur privilégie une émotion viscérale envers leur traitement infligé pour des problèmes d'hygiène et auquel humiliations et jeu de soumission sont pratiquées par des rebelles sans vergogne. Un sentiment tangible de claustration est également transmis au spectateur à travers leur interminable embrigadement au sein du navire. En auscultant leur humanisme sévèrement contrarié par la chance de survie car contraints de patienter durant des mois une décision majeure, A Hijacking met en exergue leur épreuve de force toujours plus ardue jusqu'au traumatisme psychologique. Sans parler de l'attente des familles stressées, sévèrement malmenées par une situation insoutenable.
A la manière d'un reportage, le réalisateur nous immerge donc dans un cauchemar en haute mer oppressant où l'abattement semble également nous atteindre. Au delà du jeu rigoureux de l'interprétation, on peut également louer la prestance des comédiens somaliens aux gueules faméliques éludées de moindre empathie. Impassibles et opiniâtres, même si parfois épris d'une certaine sympathie pour les otages (la séquence de beuverie qu'ils se partagent aux premières semaines des négociations), leur posture belliqueuse laisse augurer le pire quand à la mise de rançon incessamment remaniée par des notables obtus !

Avec le réalisme tranché d'une situation de crise interminable, A Hijacking nous fait traverser le calvaire d'une prise d'otage dans une volonté immersive de nous impliquer en interne des négociations. Sa mise en scène épurée éludée de moindre fioriture, son émotion parfois ardue (le final en demi-teinte laisse une trace indélébile dans l'esprit du spectateur) et surtout le jeu authentique des comédiens laissent en mémoire un suspense éprouvant où le courage de survie est mis à rude épreuve.   

Bruno Matéï
19.10.13

Le Village des Damnés / Village of the Damned

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de John Carpenter. 1995. U.S.A. 1h39. Avec Christopher Reeve, Kirstie Alley, Linda Kozlowski, Michael Paré, Meredith Salenger, Mark Hamil.

Sortie salles France: 16 Août 1995. U.S: 28 Avril 1995

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis).
1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward

Si tout le monde (ou presque) s'accorde à dire que Le Village des Damnés fait parti d'un des métrages les moins renommés de la carrière de John Carpenter, il serait toutefois temps de réévaluer cette petite pépite d'angoisse parano, remake intelligemment réactualisé en couleurs d'un scope éclatant. Adapté du célèbre roman de John Wyndham (The Midwich Cuckoos) et déjà porté à l'écran par Wolf Rilla en 1960, le Village des Damnées doit sa réussite à son traitement original d'une menace surnaturelle envers l'apparence anodine de chérubins blonds. Avec une certaine émotion, c'est également l'occasion de retrouver dans un dernier rôle valide le grand Christopher Lee, parfaitement à l'aise dans celui d'un médecin flegmatique au destin valeureux. Le Pitch: Dans la petite ville de Midwich, plusieurs habitants s'évanouissent à un endroit précis de la région après qu'un nuage invisible vogua au dessus de leur banlieue. Réveillés quelques heures plus tard, plusieurs femmes se retrouvent inexplicablement enceintes afin d'enfanter des rejetons aux pouvoirs surnaturels !

Avec sa réalisation consciencieuse peaufinant l'espace du cadre au sein d'un esthétisme flamboyant, John Carpenter possède le don inné de nous plonger dans des contes cauchemardesques où l'aura trouble s'insinue naturellement en nous. L'art de narrer un sujet original où de petits blondinets possèdent la faculté de lire et contrôler nos pensées par un simple regard télépathique et dont le but égotiste et d'y régir notre monde. Réflexion spirituelle sur l'indépendance de l'âme, l'impulsion de l'amour et notre sens humaniste nécessaire à la clef de survie, le Village des Damnées contraste ces thèmes parmi l'immoralité d'une colonie d'enfants impassibles, métaphore sur la fascisme. Des marmots délétères à la conscience collective incontrôlable, dénués de compassion et de sentiments pour pouvoir s'adapter avec la race humaine. Ainsi, dans une éthique d'asservissement et de dictature, leur déontologie est donc essentiellement vouée à se reproduire biologiquement afin d'accéder à la suprématie. A travers ce récit fantastique aussi envoûtant (les enfants possèdent un magnétisme psychologique réellement inquiétant avec leurs yeux scintillants), intense et captivant (les enjeux de survie sont toujours plus alarmistes jusqu'au point d'orgue vertigineux), John Carpenter renouvelle le principe du remake avec l'habileté du conteur studieux.

Pourvu d'une narration privilégiant l'étude de caractère des personnages en oscillant intelligemment avec les scènes chocs horrifiques (le bras plongé dans un bain d'eau bouillante, le cuisinier carbonisé sur son barbecue) ou explosives (la fusillade sanglante perpétrée entre les forces de l'ordre, l'ultime confrontation psychologique entre le docteur et les enfants), Le Village des Damnés est un efficace jeu d'angoisse en acmé, métaphore sur la soumission et le totalitarisme. Un cauchemar d'autant plus inquiétant, trouble, anxiogène qu'il est transcendé du charisme surnaturel de ces charmantes têtes blondes et d'une partition envoûtante si chère à Carpenter. 

*Bruno

18.10.13. 3
11.09.24. 4èx.Vostfr

La Malédiction Finale / The Final Conflict

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site blushots.weebly.com

de Graham Baker. 1981. U.S.A. 1h48. Avec Sam Neill, Rossano Brazzi, Don Gordon, Lisa Harrow, Barnaby Holm, Mason Adams.

Sorties salles France: 7 Octobre 1981

FILMOGRAPHIE: Graham Baker est un réalisateur, producteur et scénariste américain.
1981: La Malédiction Finale. 1984: Impulse. 1988: Futur Immédiat, Los Angeles 1991. 1990: The Recruit. 1991: Ni dieu ni maître (Born to Ride). 1999: Beowulf

"Regarde le Lion de Juda ! Le messie qui est venue d'abord enfant et ne revient pas enfant, mais en Roi des Rois, pour régner dans la gloire à jamais !"

Dernier volet d’une trilogie à succès (en épargnant le calamiteux téléfilm des années 90), La Malédiction Finale scelle l’achèvement de l’Antéchrist, désormais mû par des motivations politiques.
Car à présent âgé de 32 ans, Damien Thorn vient d’être nommé ambassadeur en Grande-Bretagne, après s’être débarrassé de son prédécesseur. Tandis que la renaissance du Nazaréen approche, il met tout en œuvre pour l’éradiquer, aidé de ses fidèles disciples.

Cinéaste discret, mais auteur de deux séries B fort honorables (Impulse, Futur Immédiat), Graham Baker contourne l’horreur cinglante du second opus pour retrouver la sobriété psychologique du chef-d’œuvre de Donner, avec un esthétisme gothique plus affirmé - ruines monumentales où se réunissent les moines, final crépusculaire dans une abbaye fantomatique où Damien s’est retranché.
Renforcé par l’interprétation inquiétante de Sam Neill, tout en magnétisme contenu, La Malédiction Finale se montre plus ambitieux que son prédécesseur, préférant explorer les stratégies politiques de Damien pour accéder à son omnipotence.

Exit donc le rythme effréné d’une horreur spectaculaire : place à un thriller politico-spirituel, traversé par le combat éternel du Mal contre le Bien.
C’est un Damien au sommet de sa puissance, mais hanté, que nous dévoile Baker, sa crainte de la résurrection du Christ devenant plus viscérale à l’approche d’une date prophétique : le 24 mars, entre minuit et six heures.
En parallèle, une confrérie de sept moines, guidée par les Écritures et les signes astraux, s’apprête à déjouer ses plans, tentant de l’éliminer à l’aide des fameuses dagues sacrées.

Et si la mise en scène, constamment efficace, accuse parfois quelques facilités (la rapidité avec laquelle la maîtresse de Damien décèle le chiffre 666 sous sa chevelure, ou un affrontement final peut-être trop vite expédié), la tension alarmiste et la densité des enjeux tiennent le spectateur en haleine jusqu’à la chute inéluctable du Fils du Diable.

L’horreur graphique s’efface au profit d’une dimension mystique, mais certaines morts restent redoutablement percutantes : le suicide mécanique du premier ambassadeur, une balle dans la bouche déclenchée par un ingénieux dispositif ; le chrétien foudroyé et brûlé vif sur un plateau télévisé ; ou encore cette chasse à courre d’une brutalité implacable, galvanisée par le souffle homérique de la mise en scène.
Ajoutons à cela une dimension tragique, quasi biblique, lors des harangues de Damien à ses fidèles ou face au Christ de pierre, dans un monologue aussi intime que glaçant.

"Et Dieu essuiera toute larme de leurs yeux.
La mort ne sera plus. Il n’y aura plus ni deuil, ni cri, ni souffrance,
car le monde ancien a disparu."
Apocalypse 21:4

Avec son format scope classieux, La Malédiction Finale s’impose comme une conclusion digne, subtilement distincte de ses aînées. Un scénario solide, une mise en scène élégante, l’aura troublante de Sam Neill, la puissance grégorienne de Jerry Goldsmith…
Autant d’éléments qui parachèvent cette passionnante trilogie vers une épiphanie finale aussi téméraire que mystique.

Bruno — cinéphile du cœur noir

La critique de La Malédiction : http://brunomatei.blogspot.fr/2013/10/la-malediction.html
La critique de Damien: La Malédiction 2 : http://brunomatei.blogspot.fr/2013/10/damien-la-malediction-2-damien-omen-2.html

28.04.25. 5èx. Vost

26.11.24. 

17.10.13. 

Damien: La Malédiction 2 / Damien: Omen II

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site esplatter.com

 

de Don Taylor. 1977. U.S.A. 1h46. Avec William Holden, Lee Grant, Jonathan Scott-Taylor, Robert Foxworth, Nicholas Pryor, Lew Ayres, Sylvia Sidney.

Sortie salles France: 16 Août 1978. U.S: 9 Juin 1978

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Don Taylor est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 13 Décembre 1920 à Freeport, Pennsylvanie (Etats-Unis), décédé le 29 Décembre 1998 à Los Angeles (Californie). 1969: 5 hommes armés. 1971: Les Evadés de la Planète des Singes. 1973: Tom Sawyer. 1977: L'île du Docteur Moreau. 1978: Damien: la malédiction 2. 1980: Nimitz, retour vers l'enfer.

"Ces hommes-là sont de faux apôtres, des ouvriers trompeurs, déguisés en apôtres du Christ". 

Second opus d’une trilogie passionnelle consacrée à l’avènement de l’Antéchrist sur Terre, Damien : La Malédiction 2 poursuit son chemin de croix apocalyptique à travers l’éveil d’un adolescent en quête d’identité. Richard Donner n’étant plus aux commandes, la réalisation échoit à Don Taylor, artisan habile de la série B fantastique (Les Évadés de la planète des singes, L’Île du Dr Moreau, Nimitz). Quant à William Holden, qui avait décliné le rôle de père adoptif dans le premier volet pour cause de réticence envers le satanisme, il revient cette fois-ci, convoqué par le triomphe planétaire du chef-d’œuvre initial, pour incarner le frère de Robert Thorn.

Certaines scènes sont signées par le scénariste Mike Hodges (le dîner avec la tante, la visite de l’usine, l’enseignement militaire), mais des désaccords avec la production le poussent à quitter le projet. C’est donc à Don Taylor que revient l’honneur d’achever cette entreprise infernale.

Le pitch : aujourd’hui âgé de 12 ans, Damien Thorn est recueilli par son oncle Richard et son épouse, suite aux tragiques événements ayant emporté ses parents adoptifs. Inscrit dans une école militaire, le jeune garçon s’initie peu à peu à sa véritable nature, guidé par les murmures de ses disciples, tandis que de mystérieux accidents meurtriers sèment l’effroi au sein de son nouveau foyer.

Deux ans après La Malédiction, cette suite, lancée dans la foulée, ne retrouve pas l’intensité tragique de son prédécesseur, mais elle s’impose comme une œuvre rigoureuse, axée sur un florilège de morts violentes orchestrées par les forces du Mal - parfois incarnées par la figure énigmatique d’un corbeau noir magnétique.

Don Taylor mise sur l’efficacité brute, privilégiant des séquences choc, vertigineuses dans leur cruauté sèche : l’agression d’une femme par des corbeaux sur une route bucolique, la noyade sous la glace d’un vieil homme aspiré par les courants, ou encore le démembrement d’un médecin dans la cage d’un ascenseur pris de folie mécanique. Autour de ces morts plus explicites que dans le premier volet, le film s’attache à la montée en puissance du jeune Damien, désormais élève modèle dans un établissement martial, siège de sa métamorphose.

Si le récit s’avère un peu moins dense, il reste captivant, soutenu par une mise en scène nerveuse et stylisée : l’attaque des corbeaux sur cette femme au manteau rouge flamboyant, ou la séquence du lac gelé, véritable coup de froid claustrophobe gravé dans la rétine. Le couple William Holden / Lee Grant, bien que moins imposant que Gregory Peck et Lee Remick, apporte une prestance suffisante pour ancrer la narration, surtout grâce à la stature rassurante de Holden.

Mais c’est Jonathan Scott Taylor, au regard impassible et troublant, qui irradie. Son interprétation glacée insuffle à Damien une aura ensorcelante, sur le fil entre innocence perdue et détermination maléfique. Adolescent surdoué - comme en témoigne ce duel oral fulgurant avec son professeur d’histoire - il bascule progressivement dans l’ombre, conscient de sa destinée. Et si, parfois, une hésitation, un remords, viennent fissurer la carapace, la perte de valeur humaine est déjà amorcée.

 

Son pouvoir infini est sa solitude. Sa splendeur, la fatalité qui l’étreint.

"Le jour viendra, Damien, où le monde saura qui tu es..."

Soutenue par la partition enragée de Jerry Goldsmith (dans une version plus moderne mais tout aussi saisissante), Damien : La Malédiction 2 joue brillamment la carte du divertissement intelligent. Suspense horrifique, action brutale, tension spirituelle : tout s’harmonise dans un crescendo de damnation. L’empreinte de Damien, adolescent maudit en pleine mutation, demeure fascinante. Son regard transperce, ses choix dérangent, et son chemin, jalonné de sang et de renoncements, continue de hanter la mémoire du spectateur. Notamment dans ces séquences marquantes : sa joute pédagogique, son sacrifice final, ou l’éclair de lucidité qui scelle son abandon à la noirceur.

Une excellente séquelle, maîtrisée et fiévreuse, dont la mise en scène resserrée capte chaque battement de cœur… ou d’horreur.

Bruno — cinéphile du cœur noir

La chronique de La Malédiction : http://brunomatei.blogspot.fr/2013/10/la-malediction.html
La chronique de La Malédiction Finale: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/10/la-malediction-finale-final-conflict.html

16.10.13.
08.10.20. 4èx