Tremors

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Ron Underwood. 1990. U.S.A. 1h36. Avec Kevin Bacon, Fred Ward, Finn Carter, Michael Gross,
Reba McEntire, Robert Jayne.

Sortie salles France: 23 Mai 1990. U.S: 19 Janvier 1990

FILMOGRAPHIE: Ron Underwood est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 6 novembre à Glendale, Californie (États-Unis). 1986 : The Mouse and the Motorcycle (TV). 1988 : Runaway Ralph (TV). 1990 : Tremors. 1991 : La Vie, l'Amour, les Vaches. 1993 : Drôles de fantômes. 1994 : Chérie vote pour moi. 1998 : Mon ami Joe. 2002 : Pluto Nash. 2003 : Stealing Sinatra. 2003 : Monk Saison 2 Épisode 2 : Monk part à Mexico. 2004 : Back When We Were Grownups (TV). 2005 : In the Mix. 2006 : La Fille du Père Noël (TV). 2007 : Un fiancé pour Noël (TV). 2011 : Trois jours avant Noël.

 

Tremors — Les mâchoires de la terre.

Succès commercial timoré à sa sortie (211 585 entrées en France), Tremors s’est taillé au fil des ans une solide réputation de film culte, notamment grâce à sa carrière vidéo et à son concept aussi loufoque qu’ingénieux : une menace reptilienne jaillissant des entrailles de la terre. Par leur taille démesurée et leur appétit vorace, ces monstres souterrains rappellent les fameuses Dents de la Mer de Spielberg, à ceci près que le requin, ici, se faufile sous le sable.

Synopsis: Dans un hameau isolé du Nevada, deux cowboys de longue date s’allient à une poignée de citadins, à une sismologue et à un couple de survivalistes passionnés d’armes pour affronter l’hostilité de ces vers géants tapis sous leurs pieds. Contraints de se réfugier sur les toits des maisons, puis sur les roches brûlantes du désert, ils déploient mille ruses et une constance d’acier pour échapper aux mâchoires de la terre.

 

Série B jubilatoire mêlant les codes du western, de la comédie, de l’horreur, de la romance et du film catastrophe, Tremors s’impose comme un modèle d’efficacité : une action continue, menée tambour battant, au cœur d’un cadre naturel magnifiquement exploité. Ron Underwood ne cesse de varier les lieux, les pièges et les refuges, relançant sans cesse la tension avec une inventivité débordante. À partir d’une trame simplissime - prétexte à une succession de péripéties toujours au service du récit - le cinéaste fait jaillir une générosité contagieuse, entre surgissement de nouveaux personnages (le couple paramilitaire vaut son pesant de cacahuètes) et stratégies d’attaque et de défense menées avec un héroïsme ludique.

Porté par des effets spéciaux artisanaux d’un réalisme bluffant, conçus entièrement “à l’ancienne”, Tremors fascine par la présence tentaculaire de ces serpents de terre aussi véloces que chafouins. Grâce à un montage nerveux et un découpage habile, les séquences d’assaut s’enchaînent à un rythme métronomique, d’autant plus haletant que la camaraderie et l’humour des protagonistes électrisent chaque instant. Kevin Bacon et Fred Ward forment un duo d’une énergie irrésistible, épaulés par Finn Carter, figure féminine lumineuse, pleine de naturel et de simplicité. Tous affichent une bonhomie communicative, s’abandonnant avec ferveur à ce grand jeu du “cours après moi que je t’attrape !”.

Spectacle de survival épique à la fois familial et trépidant, Tremors déploie une générosité sans égale dans son panthéon de bravoures extravagantes. Véritable déclaration d’amour aux monstres des fifties et à la diversité harmonieuse des genres, ce petit bijou de série B n’a pas pris une ride. À redécouvrir d’urgence : la terre tremble encore.

Un dernier mot sur sa restauration 4K : elle exalte les paysages ocres et gris, la poussière brûlante du désert, avec une précision inédite. Chaque grain de sable, chaque ride de roche, chaque éclat de lumière semble revivre - comme si la terre, frémissante, reprenait vie sous nos yeux. Les acteurs, juvéniles, ressuscitent dans cet éclat retrouvé, tandis que les créatures, toujours aussi agressives, n’ont rien perdu de leur pouvoir de fascination, loin s'en faut.

— le cinéphile du cœur noir

4èx. 4K Vostf

DEMOLITION

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinebel.be

de Jean-Marc Vallée. 2015. U.S.A. 1h42. Avec Jake Gyllenhaal, Naomi Watts, Chris Cooper, Judah Lewis, C. J. Wilson, Polly Draper.

Sortie salles France: 6 Avril 2016. U.S: 8 Avril 2016

FILMOGRAPHIE: Jean-Marc Vallée est un réalisateur et scénariste américain, né le 9 Mars 1963 au Québec. 1992: Stéréotypes. 1995: Les Fleurs Magiques. 1995: Liste Noire. 1997: Los Locos. 1998: Les Mots Magiques. 1999: Loser Love. 2005: C.R.A.Z.Y. 2009: Victoria: les jeunes années d'une reine. 2011: Café de Flore. 2013: The Dallas Buyers Club. 2015: Demolition.

Drame psychologique d'une pudeur étonnante pour son traitement conféré à la difficulté d'assumer un deuil conjugal, Demolition bouscule les conventions avec une étonnante originalité. Jean-Marc Vallée façonnant une mise en scène épurée allant droit à l'essentiel pour entraîner le spectateur dans une dérive existentielle à la trajectoire indécise. Par son cheminement narratif impromptu bourré de situations erratiques, Demolition désarçonne le spectateur face à la quête identitaire d'un financier hanté par le remord et la soif de vérité. Celle de connaître ses véritables sentiments pour sa défunte épouse depuis que celle-ci succomba lors d'un accident de voiture. Dans sa dérive morale alternant fragilité, austérité et exubérance, Davis Mitchell multiplie les épreuves d'expiation afin de se soulager du poids de sa culpabilité et pour tenter de lever le voile sur sa nature amoureuse.

Parmi la sobriété d'une émotion poignante, Jean-Marc Vallée nous interroge sur la complexité de l'amour et l'essentialité de la cultiver au quotidien avec le témoignage d'une autre épouse (aussi lunatique que Davis) et de sa fille rebelle en crise sexuelle. Autour de ses trois quêtes identitaires (en comptant donc celle de Davis !), le réalisateur aborde la difficulté de s'accepter et d'assumer ses faiblesses, ses erreurs, tant au niveau de la responsabilité parentale, de l'infidélité et de la maturité. Par ces thèmes actuels émanant d'un malaise sociétal, Demolition injecte une dose d'ironie acide pour détourner les clichés, notamment afin d'y extraire un vent de liberté et une soif de vivre sous l'impulsion colérique de Davis et Chris. Déroutant, insolite et baroque, le récit tentaculaire imparti aux trois protagonistes ne pourra faire l'unanimité auprès du grand public quand bien même l'oeuvre aussi singulière que fragile est également transcendée par le jeu décomplexé de comédiens exprimant une humanité toute en discrétion. Au delà des prestances charismatiques du duo Jake Gyllenhaal, Naomi Watts, Demolition est largement favorisé par la présence de Judah Lewis (sa troisième apparition à l'écran !). Epoustouflant de naturel et d'autonomie dans sa condition rebelle, l'acteur juvénile parvient presque à voler la vedette à ses pairs tant il retranscrit avec subtilité une personnalité névrosée aussi attachante que dégourdie !  

Résurrection
Requiem de la solitude lorsque l'amour ne parvient pas à réconcilier les âmes perdus, récit initiatique auprès de son identité propre et de l'estime de soi sous le mobile d'une fidélité amicale (principalement la relation paternelle entre Davis et Chris), Demolition désarçonne pour mieux surprendre sous l'impulsion d'une violence libératrice allouée à la reconstruction. Superbe. 

Dédicace à Pascal Frezzato
B.M

Vendredi 13 (2009) / Friday the 13 th.

                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"" de Marcus Nispel. 2009. U.S.A. 1h46 (Uncut Version). Avec Jared Padalecki, Danielle Panabaker, Amanda Righetti, Travis Van Winkle, Derek Mears, Aaron Yoo, Julianna Guill, Arlen Escarpeta, Willa Ford.

Sortie salles France: 11 Février 2009. U.S: 13 Février 2009

FILMOGRAPHIE: Marcus Nispel est un réalisateur, producteur allemand, né le 15 avril 1963 à Francfort-sur-le-Main en Allemagne. 2003: Massacre à la Tronçonneuse. 2004: Frankenstein. 2007: Pathfinder. 2009: Vendredi 13. 2011: Conan. 2014: Backmask.

Après avoir dépoussiéré Massacre à la Tronçonneuse avec son excellent remake entrepris en 2003, Marcus Nispel s'attaque à la saga Vendredi 13 pour une nouvelle relecture aussi avisée que palpitante. Reprenant le canevas traditionnel de jeunes vacanciers partis en week-end au camp Crystal Lake, Vendredi 13 apporte toutefois une touche d'originalité en la présence d'une disparue (entrevue dans le prélude) que son frère s'efforcera de retrouver en côtoyant nos pèlerins. Ca démarre fort avec un prologue cinglant lorsqu'une poignée d'ados réunis autour d'un feu vont se faire étriper par Jason durant une chaude nuit estivale (couple en coït à l'appui). Étonnamment, on se surprend de la qualité de la mise en scène s'efforçant d'y distiller un climat anxiogène toujours plus oppressant quant à la vigilance des vacanciers et avant que la terreur ne s'abatte sur leurs épaules sous la dictature erratique de Jason. Confrontant en parallèle deux mises à mort aussi inventives que cruelles, Marcus Nispel décuple l'intensité des affrontements physiques avec l'appui d'une ultra-violence graphique. 

Outre les poursuites nocturnes effrénées impactées d'une bande-son punchy, Vendredi 13 nouvelle mouture cultive la terreur en la présence iconique de Jason Voorhees plus agressif et véloce que jamais ! Charismatique en diable, ce dernier impose une stature saillante, belliqueuse, mastard beaucoup plus réaliste que n'importe quel opus initié par Sean S. Cunningham. Et si la suite des vicissitudes de nos ados emprunte le schéma usuel de la saga (un meurtre sauvage toutes les 10 minutes entre 2 scènes de cul et une partie de défonce), la distribution convaincante permet un peu d'étoffer les moments d'angoisse et de stress avant les fameuses exactions primitives. En prime, en alternant avec la claustration d'une disparue secrètement isolée dans une tanière, Marcus Nispel insuffle un petit suspense autour de sa condition recluse si bien que les étudiants de Crystal Lake seraient-ils aptes à la débusquer pour la sauver ? Quant au final haletant se focalisant sur la survie de trois rescapés (une redite habilement contournée, notamment parmi leur cohésion héroïque), Marcus Nispel renoue avec le même climat d'affolement entrevu en préambule lors d'une succession de poursuites (souterraines et externes) fertiles en rebondissements. On est également ravi de retrouver en ultime épilogue un clin d'oeil cher à la saga, un "jump-scare" redoutablement incisif afin d'émuler dignement la conclusion inoubliable du premier volet.

Hormis le côté rebattu des situations de siège à mi-parcours du récit, Vendredi 13 fait preuve de savoir-faire et d'esthétisme saturé (photo rutilante à l'appui) pour honorer la saga avec l'appui de comédiens juvéniles plus spontanés que de coutume. Pour parachever, l'aspect vériste des meurtres gores (version Killer cut en sus) et son climat parfois malsain rehaussent l'aspect prosaïque d'une franchise surfaite si bien que l'on est ici plus proche d'un Carnage de Tony Maylam que de l'attachant modèle de Cunningham. 

*Bruno 
22.03.25. 3èx. Vost

GREEN ROOM

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site delibere.fr

de Jeremy Saulnier. 2015. U.S.A. 1h35. Avec Anton Yelchin, Imogen Poots, Patrick Stewart, Alia Shawkat, Callum Turner, Joe Cole, Macon Blair.

Sortie salles France: 27 Avril 2016. U.S: 1er Avril 2016

FILMOGRAPHIE: Jeremy Saulnier est un réalisateur, scénariste et directeur de la photographie américain. 2007 : Murder Party. 2013 : Blue Ruin. 2015 : Green Room

Révélé par l'excellent Blue Ruin, Jeremy Saulnier nous revient 2 ans plus tard avec Green Room, un survival primitif d'une violence à couper au rasoir ! Après leur concert, un groupe de punks se retrouvent piégés à l'intérieur d'une chambre après avoir témoignés d'un meurtre. Refusant d'alerter la police, les responsables de la boite décident d'éliminer tous témoins gênants. Une course pour la survie s'engage entre victimes et assaillants. Thriller à suspense conçu sur l'efficacité d'affrontements bellicistes qu'un groupe de jeunes musiciens doit opérer en guise de survie, Green Room renoue avec le survival brut de décoffrage par son réalisme tranché. D'une ultra violence aussi barbare que sauvage, le récit multiplie les situations d'auto-défense et les exactions meurtrières sous le pilier d'une intensité dramatique en crescendo. Les victimes molestées et prises pour cibles tentant désespérément de s'extirper de leur tanière avec une bravoure suicidaire !

Fort d'un climat ombrageux déroutant et d'une tension permanente, Green Room insuffle un climat d'insécurité omniprésent au sein d'une scénographie opaque. Le réalisateur exploitant habilement les sombres corridors de l'établissement que nos héros arpentent avec une vigilance apeurée. En dépit de la facilité de certaines situations éculées faisant parfois preuve d'incohérences (l'un des héros faisant croire à son agresseur qu'il fait parti de son équipe !), Green Room parvient à susciter une tension alerte au fil d'un cheminement de survie précaire où la moralité n'a plus lieu d'être. Les victimes adoptant contre leur gré un comportement meurtrier toujours plus hargneux si bien que le réalisateur redouble de cruauté à les confronter au trépas de manière souvent impromptue et avec l'hostilité de chiens cerbères (l'agressivité primitive des pit-bulls). Insufflant une sobre empathie pour leur esprit de cohésion et leur ascension héroïque, les comédiens juvéniles témoignent d'expressivité viscérale pour faire naître l'émotion.

Si on peut regretter le classicisme de son intrigue conçue sur l'itérativité des affrontements meurtriers, Green Room redore le sens du survival primal en exploitant assez efficacement une ultra-violence en roue libre. Par le biais de cette épreuve de force déshumanisée émane également le caractère déroutant d'un climat baroque au confins du genre horrifique. 

Ginger Snaps. Prix Spécial du Jury, Toronto 2000.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de John Fawcett. 2000. U.S.A. 1h48. Avec Emily Perkins, Katharine Isabelle, Kris Lemche, Mimi Rogers, Jesse Moss, Danielle Hampton

Sortie salles Canada: 11 Mai 2001. Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: John Fawcett est un réalisateur américain, né le 5 Mars 1968 à Edmonton, Alberta, Canada. 1997: The Boys Club. 2000: Ginger Snaps. 2001: Lucky Girl (télé-film). 2005: The Dark. 2008: The quality of life. 2006: Issue Fatale.

"La lune des filles perdues." 

Inédit en salles en France et sorti discrètement en DVD, Ginger Snaps aborde la lycanthropie avec une rare intelligence dans le traitement de ses personnages : deux sœurs inséparables, fascinées par le morbide (elles se mettent en scène dans diverses tentatives de suicide à travers leur caméra) et tiraillées entre le goût de la mort et les premiers désirs de séduction qui accompagnent leur puberté, malgré la présence d’ados machistes et libidineux.

Synopsis : sauvagement agressée une nuit par un loup-garou dans un parc, Ginger change peu à peu de comportement, tandis que sa sœur cadette, Brigitte, impuissante, tente de comprendre. Unies par un lien fusionnel, elles vont lutter ensemble contre le mal qui dévore Ginger de l’intérieur.

Sur le papier, le scénario pouvait laisser craindre une banale resucée du film de loup-garou. Mais John Fawcett en décortique une métaphore vibrante : celle de la crise adolescente et du passage à l’âge adulte, vus d’un point de vue féminin. Un angle rare dans la mythologie lycanthrope, qui renouvelle les clichés tout en convoquant Carrie de De Palma (notamment lors de la première menstruation post-transformation de Ginger) ou encore le si mésestimé Jennifer’s Body, qu’il serait urgent de réhabiliter.

Avec tact, réalisme tranché (notamment pour les sauvages scènes d'agression véritablement terrifiantes, même si suggérées par le montage ultra dynamique) et une tendresse sobre, Fawcett dresse le portrait fragile de deux adolescentes rebelles. Ginger Snaps adopte une approche quasi documentaire pour transformer sa tragédie horrifique en étude de caractère. En scrutant le malaise adolescent et la peur de la mort à travers deux sœurs marginales, le film, sous ses dehors de série B au formalisme étonnamment glauque, déploie une surprenante vigueur psychologique dans sa chronique d’une descente aux enfers identitaire. Autant du côté de la victime, rongée par des pulsions sexuelles et sanguinaires incontrôlées, que de celui de la sœur témoin, bouleversée par la lente métamorphose et déterminée à trouver un remède.

Impeccablement portées par deux actrices juvéniles - Emily Perkins et Katharine Isabelle - d’une spontanéité troublante, les héroïnes irradient une complicité affectée, presque vénéneuse, qui confine au vertige. On jurerait qu’elles sont sœurs dans la vie tant la fusion paraît si authentique.

Le réalisme du contexte horrifique, aussi improbable que dérangeant, surprend par la brutalité crédible des crimes commis par cette créature indomptable. Les effets spéciaux mécaniques, solides et organiques, donnent corps au monstre sans excès de complaisance, tandis que les scènes gores s’attardent juste assez sur les chairs déchirées et le sang coagulé pour nourrir le malaise. Ce climat insalubre, presque clinique, glace d’autant plus qu’il documente la bestialité avec une précision morbide et désenchantée.

John Fawcett transcende ainsi la série B pour en extraire une étude de caractère d’une intensité dramatique inattendue. Ginger Snaps devient un documentaire brut sur l’émoi pubère, sublimé par deux comédiennes transies de vérité fraternelle. En injectant un véritable drame humain dans la chair du film de monstre, le réalisateur signe, sans conteste, l’un des plus beaux films de loup-garou jamais tournés -digne de La Nuit du Loup-Garou, Hurlements ou Le Loup-Garou de Londres.
Quant à sa suite, tout aussi impactante, autrement plus funeste et étouffante, on y reviendra plus tard…

— le cinéphile du cœur noir

4èx. Vostf

Récompenses: Prix spécial du jury, lors du Festival international du film de Toronto en 2000.
Prix du meilleur film, meilleure actrice pour Emily Perkins et meilleurs effets spéciaux, lors de la Semaine du cinéma fantastique de Málaga en 2001.
Prix du meilleur film sorti en DVD, par l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur en 2002.
Prix du meilleur film, lors des International Horror Guild Awards en 2002.

Salut l'ami, adieu le trésor / Chi trova un amico, trova un tesoro

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

 

de Sergio Corbucci. 1981. Italie. 1h44. Avec Bud Spencer, Terence Hill, Sal Borgese, John Fujoka, Luise Bennett, Terry Moni Papuana.

Sortie salles France: 16 Décembre 1981. Italie: Décembre 1981

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sergio Corbucci est un réalisateur et scénariste italien, né le 6 Décembre 1927 à Rome, décédé le 1er Décembre 1990. 1962: Romulus et Remus. 1963: Danse Macabre (co-réalisé avec Antonio Margheriti). 1966: L'Homme qui rit. 1966: Django. 1966: Ringo au pistolet d'or. 1966: Navaja Joe. 1968: Le Grand Silence. 1969: Le Spécialiste. 1970: Companeros. 1972: Mais qu'est ce que je viens foutre au milieu de cette révolution ? 1978: Pair et Impair. 1980: Un Drôle de flic. 1981: Salut l'ami, adieu le trésor. 1989: Night Club.

Gros succès en salles à sa sortie, Salut l’ami, adieu le trésor est aujourd’hui l’occasion pour moi de rendre hommage à Bud Spencer, avec un brin de nostalgie, depuis que j’ai eu la chance de le découvrir en salle. Accompagné de mon père, un samedi après-midi à l’Apollo Lens, c’est un souvenir d’ado inoubliable que je garde précieusement en mémoire. Aujourd’hui, je le redécouvre pour la troisième fois, avec un enthousiasme teinté d’émotion. Autant pour la perte de cet acteur de seconde zone, aussi modeste qu’introverti, que pour celle d’un genre de comédie épique dont les Italiens s’étaient faits les maîtres. Car il faut l’avouer : les films du duo Bud Spencer / Terence Hill ne brillaient pas par leur subtilité, mais par leur simplicité narrative et surtout par la bonhomie de nos « gros durs » - une tendresse sincère qu’on ne retrouve plus, ou si rarement, dans le cinéma d’aujourd’hui.

                                       

À la recherche d’un trésor dans une île du Pacifique, Alan (Terence Hill) embarque clandestinement sur le bateau de Charlie O’Brien (Bud Spencer). Après leurs querelles incessantes, qui les mènent à l’abandon du navire, les deux compères rejoignent à la nage une île autrefois occupée par l’armée japonaise d’après-guerre. À peine la chasse au trésor entamée, ils sont accueillis par les indigènes, avant que pirates et gangsters ne s’en mêlent pour s’approprier le magot. 

Entre quiproquos insolents, gags improbables et rebondissements farfelus, Salut l’ami, adieu le trésor s’appuie autant sur l’extravagance des seconds rôles que sur l’inimitié complice du duo pour déclencher la jubilation. Terence Hill campe un espiègle chafouin, toujours prêt à titiller les nerfs de son partenaire taciturne ! Portée par un rythme nerveux, jamais ennuyeux, l’intrigue multiplie les rivalités contre des antagonistes hauts en couleur, permettant à nos héros de distribuer mandales et baffes tonitruantes avec une inventivité insatiable. Dépaysant par son climat tropical éclatant et entêtant grâce à sa partition antillaise délicieusement datée, Salut l’ami, adieu le trésor conserve un charme aussi folingue que surréaliste, orchestré par l’autorité intègre de Sergio Corbucci, cinéaste notoire déjà signataire de Django et du Grand Silence (excusez du peu).

Spectacle familial débordant de fantaisie et nourri d’une naïveté bon enfant, Salut l’ami, adieu le trésor reste une perle bis de la comédie italienne, immortalisée par le duo légendaire Bud Spencer / Terence Hill et leur concours de baffes décoiffantes.

A Bud Spencer (31.10.29 / 27.06.16)

— le cinéphile du cœur noir

Frogs

  

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de George Mc Cowan. 1972. U.S.A. 1h32. Avec Ray Milland, Sam Elliott, Joan Van Ark, Adam Roarke, Judy Pace, Lynn Borden, Mar Mercer, David Gilliam.

Sortie salles France: 2 Octobre 1974. U.S: 10 Mars 1972

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: George Mc Cowan est un réalisateur canadien né le 27 Juin 1927, décédé le 1er Novembre 1995. 1971: Face-Off. 1972: Frogs. 1972: La Chevauchée des 7 mercenaires. 1974: The Inbreaker. 1974: To kill the King. 1976: Shadow of the Hawk. 1979: Alerte dans le cosmos. 1990: Sanity clause (télé-film).

Série B horrifique réalisée par un artisan de séries TV (l'île Fantastique, Drôle de dames, Shannon, l'Homme à l'orchidée, Starsky et Hutch, Cannon, les Envahisseurs, etc...), Frogs emprunte la thématique des animaux meurtriers sous couvert de manifeste anti-pollution (les pesticides employées ici à outrance par un propriétaire cossu). D'une simplicité narrative, de riches résidents d'une bâtisse insulaire se voient agressés par des animaux à proximité de leurs étangs et de la forêt. Quand bien même un journaliste écolo tente de leur prêter main forte malgré l'intransigeance du patriarche à ne pas céder à l'affolement. Avec son affiche cartoonesque aussi grotesque que pittoresque, Frogs cultive l'esprit Bis d'un nanar ricain assez fallacieux. Dans la mesure où malgré leur omniprésence à l'écran (croassement rébarbatif à l'appui !), ni grenouilles ni crapauds éprouvent une pulsion meurtrière si on excepte l'ultime séquence lorsqu'ils se réunissent en masse pour provoquer une attaque cardiaque chez le propriétaire. Outre cet écart de conduite, nos batraciens occupent leur temps à observer inlassablement les exactions meurtrières de leurs congénères. 

A savoir, serpents, lézards, crocodiles et volatiles communément complices pour se venger de la morale irrévérencieuse de l'homme. Si l'intrigue sans surprises tourne à vide et que la direction d'acteurs est inégale de par l'aspect attachant des personnages parfois crétins dans leur maigre effort à repousser la menace, les séquences chocs qui empiètent le récit font preuve d'une certaine vigueur dans leur mise à mort à la fois viscérale et malsaine. Non pas que le cinéaste ne cède aux effusions de sang mais qu'il insiste à décrire de manière documentée l'agonie cruelle des victimes lorsqu'elles sont sauvagement prises à parti avec les reptiles. Et à ce niveau on ressent bien la patine  insalubre d'une oeuvre plutôt réaliste (tous les animaux, omniprésents et repoussants, sont authentiques !) symptomatique de l'époque des Seventies. En prime, le cadre insécure de l'environnement naturel dans lequel évoluent les animaux insuffle un climat hostile assez envoûtant (bruitages dissonants à l'appui fonctionnant à merveille). Si 1 ou 2 attaques chocs sombrent un peu dans le ridicule, faute du comportement incohérent ou ridicule des protagonistes (une des victimes s'efforçant maladroitement de se défendre contre un alligator au sein d'un étang, une autre se vautrant bêtement dans une fumée toxique au lieu de s'en écarter !), les animaux charismatiques, car bien communément réels, provoquent terreur et répulsion viscérale prégnantes !

Day of the Animals

Série B mineure à la réalisation stérile et à la distribution timorée bien qu'attachante (Ray Milland  cabotine aimablement dans sa prestance patriarcale) mais néanmoins rehaussée d'un climat anxiogène constamment inquiétant, Frogs constitue un fort sympathique divertissement pour les amateurs de relique bisseuse à l'aura génialement licencieuse (marque de fabrique des Seventies pour le genre).  

*Bruno

24.01.23. 5èx

27.06.16
10.03.10

Severance

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site aureliehuet.com 

de Christopher Smith. 2006. Angleterre. 1h30. Avec Danny Dyer, Laura Harris, Tim McInnerny, Toby Stephens, Claudie Blakley, Andy Nyman.

Sortie salles France: 18 Octobre 2006. Angleterre: 25 Août 2006

FILMOGRAPHIE: Christopher Smith est un réalisateur et scénariste britannique, né le 16 Août 1970 à Bristol. 2004: Creep. 2006: Severance. 2009: Triangle. 2010: Black Death. 2011: Paris I'll Kill You. 2014: Get Santa.

Empruntant le schéma du survival dans la tradition du genre (chasse à l'homme en milieu forestier), le réalisateur british Christopher Smith (révélé par l'excellent Creep !) parvient à contourner les clichés par le biais d'un humour sardonique particulièrement féroce. Car outre les situations aussi extravagantes qu'inventives et les comportements décalés des personnages, Severance se laisse également influencé par le Tortur'Porn (en vogue) avec un réalisme viscéral. 

Synopsis: Sept managers partent en week-end pour une partie de Pain-ball en pleine forêt hongroise. Epiés par une présence invisible et sévèrement mis à mal par moult pièges implantés dans les sentiers, ils deviennent la cible d'un groupuscule terroriste délibéré à les pourchasser jusqu'à ce que mort s'ensuive. 

Satire du milieu de l'entreprise auquel 7 employés n'auront de cesse de tester leur performance morale et physique avec un esprit d'équipe anarchique, Severance amorce la descente aux enfers d'un jeu de massacre où les coups les plus couards y seront permis. En comptant notamment sur la spontanéité attachante des personnages (notamment la romance improvisée entre le duo héroïque), Christopher Smith divertit généreusement avec l'habileté d'un script détonnant embrayant avec la montée en puissance d'un rythme homérique. Ce dernier exploitant également habilement les lieux-clos et son espace naturel pour les allés et venus de nos touristes s'efforçant de contourner la mort à travers  chausse-trapes et courses-poursuites en roue libre. 

De par la modestie du réalisateur à façonner un pur divertissement de série B, Severance constitue un spectacle retors constamment plaisant et haletant dans son lot de gags sardoniques et d'ultra-violence vitriolée. Une farce macabre redoutablement efficace au demeurant, pied de nez à la course à l'armement porté avec une dérision cinglante. 

*Bruno

10.11.24. 3èx. VF

INCASSABLE

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site fmaker.unblog.fr

"Unbreakable" de Night M. Shyamalan. 2000. U.S.A. 1h47. Avec Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Robin Wright Penn, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Eamonn Walker, Leslie Stefanson

Sortie salles France: 27 Décembre 2000. U.S: 22 Novembre 2000

FILMOGRAPHIE: M. Night Shyamalan est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, d'origine indienne, né le 6 Août 1970 à Pondichéry.
1992: Praying with Angers. 1998: Eveil à la vie. 1999: Sixième Sens. 2000: Incassable. 2002: Signs. 2004: Le Village. 2006: La Jeune fille de l'eau. 2008: Phenomènes. 2010: Le Dernier maître de l'air. 2013: After Earth. 2015: The Visit.

Un an après le succès notoire du 6è Sens, M. Night Shyamalan recrute à nouveau Bruce Willis pour le glisser dans la peau d'un super-héros hétérodoxe. Car à travers ce thème mythologique, l'intrigue audacieuse fait fi de surenchère homérique afin de privilégier la dimension torturée de deux personnages en discorde morale. David Dunn poursuivant durant son cheminement existentiel une quête identitaire sous l'influence d'un féru de bande dessinée. Miraculeusement indemne après un tragique accident ferroviaire, il rencontre Elijah Price, artiste peintre de BD atteint d'une maladie rare, l'ostéogenèse (grande fragilité des os dû à une anomalie congénitale). Ce dernier tente de convaincre David, agent de sécurité dans un stade de foot, qu'il est affublé de pouvoirs surhumains à l'instar d'un super-héros. Réfutant cette théorie improbable mais hanté par son don pour la survie, David ne cesse de se remettre en question parmi le témoignage de son fils toujours plus intrigué par sa santé prospère. Mais comme tous les personnages super-héroïques, ce dernier pâti d'un point faible qu'Elijah va tenter d'élucider.

Récit d'anticipation émaillé de rebondissements (l'évolution morale de David et Elijah donne lieu à une complicité ambivalente !) et de plages d'intimité d'une pudeur fragile (la complicité autant amicale que paternelle de David avec son fils, ses rapports conjugaux en quête de réconciliation), Incassable prend le contre-pied du divertissement lambda pour transcender le mythe du super-héros avec sobriété imperturbable. Dénué d'aucune prétention, M. Night Shyamalan exploite tous les codes du genre avec une rare subtilité (la prise de conscience surhumaine de David avec la séance des haltères) tout en offrant au passage une déclaration d'amour à la bande dessinée (le générique introductif, l'analyse d'un dessin pictural !). A l'aide d'une réalisation alambiquée, le cinéaste prend son temps pour peaufiner un récit diaphane à travers les profils contrariés de personnages en proie à la délivrance. Réflexion sur l'identité, la rédemption, le but de notre destinée mais aussi celui du sacrifice (sur ce dernier terme, le point de vue est établi par le "méchant"), Incassable oppose les sentiments contradictoires de vengeance et de justice avec singularité. Shyamalan multipliant les rivalités psychologiques avec un humanisme fragile plutôt que la tradition des confrontations musclées (un seul pugilat est à relever !). Tant pour la remise en question de David hanté par sa condition surhumaine (une tare l'empêchant de façonner sa vie de famille), la posture admirative du fils puis sa crise morale à vouloir démasquer l'identité de son père, que de la condition versatile d'Elijah depuis son handicap congénital.

Avec le parti-pris de déconcerter le grand public, M. Night Shyamalan a pris d'énormes risques à traiter sobrement de l'univers des super-héros et de la bande dessinée en misant essentiellement sur la dimension humaine de personnages partagés entre révolte et reconnaissance ou quête de rédemption et quiétude existentielle. Outre le brio technique du cinéaste conteur, on peut également prôner le jeu flegme des comédiens communément impliqués dans la vigueur émotionnelle. Déroutant mais passionnant sous le pilier de ses thèmes universels.  

2èx

LA SECTE SANS NOM. Prix du jury, prix de la critique, prix du jury jeune et Prix de la découverte, Gerardmer 2000.

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site papystreaming.com

"Los sin nombre" de Jaume Balagueró. 1999. Espagne. 1h39. Avec Emma Vilarasau, Karra Elejalde, Tristán Ulloa, Toni Sevilla, Brendan Price, Jordi Dauder

Sortie salles France: 23 Août 2000. Espagne: 19 Novembre 1999

FILMOGRAPHIE: Jaume Balaguero est un réalisateur et scénariste espagnol d'origine catalane, né le 2 Novembre 1968 à Lérida.
1999: La Secte sans Nom. 2002: Darkness. 2005: Fragile. 2006: A Louer (moyen métrage). 2007: REC (co-réalisé avec Paco Plaza). 2009: REC 2 (co-réalisé avec Paco Plaza). 2011: Malveillance. 2014: REC Apocalypse.

Premier long-métrage oh combien éprouvant du prodige Jaume Balaguero, la Secte sans nom fut salué à travers le monde par de multiples récompenses. En témoigne son accueil reçu en France lorsqu'il s'est vu attribué le Prix du jury, le Prix de la Critique, le Prix du Jury Jeune et le Prix de la Découverte Ciné-Live au Festival de Gérardmer. Thriller horrifique sans doute influencé par Rosemary's Baby, Seven et le Silence des Agneaux, la Secte sans nom fait parti de ses rares métrages où l'atmosphère putride et la terreur cérébrale nous saisissent à la gorge sans jamais lâcher prise ! A l'instar de son prélude auquel une fillette tuméfiée est retrouvée vitriolée après avoir été plongée dans un bain d'acide ! Une séquence morbide d'un réalisme halluciné d'autant plus dérangeante que le symbole candide est immolé au nom d'une confrérie néo-nazie.

Cinq ans après ce tragique évènement, Claudia reçoit un appel de sa défunte fille lui suppliant de partir à sa recherche. Oh départ dubitative mais gagnée par la curiosité et une soif de vérité, elle se lance à sa recherche avec l'aide d'un ex policier. Au même moment, un journaliste enquête en parallèle pour tenter de lever le voile sur ces sinistres disparitions d'enfants auquel Santini et un médecin nazi en seraient les principaux commanditaires. Prenant pour thème le satanisme (même si le mot n'est jamais ou si peu prononcé me semble t'il !), la pédophilie et le snuff movie, La Secte sans nom baigne dans un climat malsain difficilement respirable. Epaulé d'une photo désaturée et de décors désaffectés où plane une ombre hostile, l'ambiance poisseuse que Jaume Balaguero façonne scrupuleusement nous magnétise l'esprit sans complaisance. En dépit d'une intrigue complexe conçue comme un puzzle à devinettes, le cinéaste sème doute, trouble et confusion pour mieux nous plonger dans le désarroi sous l'impulsion délétère d'un ésotérisme parareligieux en concertation avec le nazisme. Cette secte ayant pour mission de synthétiser la pureté du mal autour des personnages martyrs d'Angela et de sa mère. Remarquablement interprété, les comédiens s'investissent dans leur rôle avec une mine aussi contrariée que sentencieuse. Les protagonistes avides de vérité s'efforçant de résoudre l'énigme avec une foi mêlée d'appréhension et de désespoir.

Une pellicule impure habitée par le Mal. 
Profondément malsain, trouble, dérangeant et réellement terrifiant lors de moments d'intimité chargés d'ambiguïté (l'aparté avec Santini, la posture gouailleuse et viciée du gourou), La Secte sans nom laisse des séquelles psychologiques sitôt le générique écoulé. De par son effrayante conclusion bâtie sur le nihilisme et son réalisme cru conféré aux faits de société tels que les enlèvements d'enfants et le satanisme. Epaulé d'une bande-son stridente, il en émane un chef-d'oeuvre du genre d'une angoisse dépressive dans sa manière capiteuse de susciter l'émoi au coeur d'un surnaturel laissé en suspens. 

3èx

Récompenses: Meilleure actrice pour Emma Vilarasau, meilleure photo pour Xavi Giménez au Festival international du film de Catalogne de Sitges. Prix du meilleur film international au festival FanTasia de Montréal.
Prix du jury, prix de la critique, prix du jury jeune et Prix de la découverte Ciné-Live au festival de Fantastic'Arts 2000 de Gérardmer.
Corbeau d'or au Festival international du film fantastique de Bruxelles.
Prix de la critique et prix du meilleur réalisateur du meilleur film international fantastique au Fantasporto à Porto.

SSSSnake

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Sssssss" de Bernard L. Kowalski. 1973. U.S.A. 1h39. Avec Strother Martin, Dirk Benedict, Heather Menzies-Urich, Richard B. Shull, Tim O'connor.

Sortie salles France: 8 Mai 1974

FILMOGRAPHIE: Bernard L. Kowalski est un réalisateur et producteur américain, né le 2 Août 1929 à Brownsville, Texas, décédé le 26 Octobre 2007 à Los Angeles, Californie. 1958: Hot car girl. 1958: Night of the Blood Beast. 1959: Attack of the Giant Leeches. 1959: Blood and Steel. 1961: Las Vegas Beat. 1968: Krakatoa à l'est de Java. 1969: Stiletto. 1970: Macho Callahan. 1971: Panique en plein ciel (télé-film). 1971: Black Noon (télé-film). 1972: Women in chains (télé-film). 1972: Two for the Money (télé-film). 1972: The New Healers (télé-film). 1972: The Woman Hunter (télé-film). 1973: SSSnake. 1975: The Supercops (télé-film). 1976: Risko. 1977: Flight to holocaust (télé-film). 1978: The Nativity (télé-film). 1979: Marciano (télé-film). 1980: Nick and the Dobermans (télé-film). 1980: Turnover Smith (télé-film). 1980: Patrouille de nuit à Los-Angeles (télé-film). 1983: Johnny Blue (télé-film). 1988: Miracle at Beekman's Place (télé-film). 1989: Nashville Beat (télé-film).

                                            

Autrefois inédit en Vhs et mais diffusé à l'époque sur la chaîne TV6 au coeur des années 80, SSSSnake marqua une génération de téléspectateurs pour ceux ayant eu l'opportunité de le découvrir un dimanche soir. Réalisateur prolifique ayant aussi bien oeuvré au cinéma qu'à la TV (on lui doit des épisodes de Magnum, K2000, Supercopter, Tonnerre de Feu, Mike Hammer, Simon et Simon, les Petits génies, Chips, Barreta, etc...), Bernard L. Kowalski réalise en 1973 une série B horrifique plutôt efficace par son rythme soutenu largement rehaussé du réalisme documenté imparti aux reptiles. Car comme le souligne son avertissement liminaire, tous les serpents sont bel et bien d'authentiques spécimens ramenés de Bangkok (les Cobras royaux) et de Singapour (le Python) et non de vulgaires effets spéciaux façonnés à base de prothèses et latex. 155 étaient d'ailleurs présents sur le tournage dont la moitié venimeux ! Quant à la métamorphose de David en reptile humain, si les effets cheap peuvent timidement prêter à sourire, le réalisme imparti à sa souffrance physique (râles d'agonie à l'appui !) finit rapidement par provoquer l'effroi avec une empathie teintée de désespoir. Certaines séquences fortement dérangeantes insufflant d'ailleurs un climat résolument malsain, tant pour la déchéance humaine des sujets (le héros en mutabilité puis celui exposé dans un cirque !) que du combat réalisé sans trucage entre une mangouste et un cobra royal ! Ainsi, en fustigeant la moralité du cinéaste, on peut donc se scandaliser de cette éventuelle maltraitance animale !

                                         

Prenant pour thème le savant fou délibéré ici à expérimenter du venin reptilien sur un cobaye humain au profit de notre survie (c'est à dire s'immuniser contre la pollution, les fléaux, la famine et l'holocaust), SSSnake emprunte le schéma classique d'une série B horrifique à l'aura de souffre perméable. De par ces quelques situations et clichés éculées (le rival aux gros bras molestant la tranquillité du couple avant une riposte punitive) et ses séquences chocs censées provoquer l'effroi (l'agression sous la douche puis celle dans la cave), SSSnake ne peut laisser indifférent l'amateur de déviance horrifique. Et en dépit de son cheminement inévitablement prévisible entrecoupé d'une situation sentimentale censée dramatiser la romance (la fille du docteur ne doit pas avoir de rapport sexuel avec David au risque d'être contaminée !), SSSSnake insuffle un suspense anxiogène quand au sort de ses amants (sobrement incarnés par Dirk Benedict et Heather Menzies-Urich) soumis à l'influence paternelle de Stoner. Ce dernier rivalisant de cynisme et sournoiserie à parfaire ses expérimentations inhumaines après avoir osé improviser une vendetta meurtrière. Tout un programme expéditif donc dénué de moralité. Strother Martin endossant avec charisme l'archétype du savant faussement affable habité d'un dessein littéralement exubérant pour notre grand bonheur de récit vrillé. Si la première partie n'apporte pas grand chose à l'évolution du récit (en dépit des enjeux humains pour l'idylle du couple), les personnages s'avèrent suffisamment attachants et la mise en scène assez adroite, notamment lorsqu'elle s'efforce de crédibiliser numéros d'exhibition et expérimentations avec les reptiles. Mais c'est lors de son second acte que SSSSnake renchérit dans l'effroi viscéral avec la condition torturée de David réduit à l'état de Cobra royal ! La encore, les effets spéciaux artisanaux parviennent sobrement à transcender l'improbable en insistant sur la dimension humaine de la créature soumise. Le final franchement malsain et audacieux s'avérant par ailleurs d'une grande cruauté dans son refus de compromis, sachant que l'image se fige sur un hurlement insoutenable.

                                           

En dépit de son aspect télévisuel (non dénué de charme) et du manque d'ambition d'un concept aussi saugrenu que débridé (Bernard L. Kowalski survole à mon sens le potentiel de son intrigue), SSSSnake parvient sans peine à fasciner, terrifier, révulser et impressionner par son climat malsain où (l'omniprésence) de réels reptiles se prêtent à la complicité des comédiens avec troublante hostilité ! A l'instar du combat final imparti entre le savant et le cobra domestique. Une authentique perle culte donc rehaussée d'une aura de soufre toujours plus tangible (la dernière demi-heure est immanquable) si bien qu'il m'a aujourd'hui beaucoup plus impressionné que lors de sa diffusion TV dans les années 80. 

*Bruno

02.11.22

21.06.16

"Tous les reptiles montrés dans ce film sont réels. Les cobras royaux ont été importé de Bangkok, le python de Singapour. Nous souhaitons remercier l'équipe et les acteurs pour leur courage... car ils ont été exposés à des conditions très dangereuses."

EMPRISE. Prix du Meilleur Film, Horror Guild Awards, 2003

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

"Frailty" de Bill Paxton. 2002. U.S.A. 1h39. Avec Bill Paxton, Matthew McConaughey, Levi Kreis, Powers Boothe, Matt O'Leary, Jeremy Sumpter

Sortie salles France: 15 Mai 2012. U.S: 12 Avril 2002

FILMOGRAPHIE: Bill Paxton est un acteur et réalisateur américain, né le 17 mai 1955 à Fort Worth (Texas). 1982: Fish Heads (court métrage). 2002: Emprise. 2005: Un parcours de légende.

Premier et avant-dernier métrage de l'acteur Bill Paxton, Emprise aborde les thématiques de la superstition et du fanatisme religieux avec une ambiguïté dérangeante. Spoil ! A l'instar de son final révélateur à contre emploi de tout ce que le réalisateur semblait nous dénoncer ! Par ce revirement inopiné, le film adopte dès lors une tournure beaucoup plus effrayante pour mettre en exergue une réflexion sur l'existence du Mal et la foi catholique depuis une injonction divine. Fin du Spoil ! Profondément malsain par son climat étouffant souvent régi en vase clos, par son idéologie religieuse rappelant un célèbre précepte de la bible (la tâche d'Abraham et son fils) et la barbarie qui émane des sacrifices humains (même si le hors-champs est louablement prescrit !), Emprise nous immerge dans la mission divine d'un père persuadé de sacrifier des quidams depuis une vision angélique. Selon une liste ciblée de personnes, il est contraint de les assassiner à la hache depuis que les démons les habitent. Dans son délire mystique, il s'efforce d'endoctriner ses deux fils vers l'initiation criminelle afin de contenter la parole de Dieu.

Remarquablement interprété, tant par la prestance parano de Bill Paxton en paternel castrateur, le  flegme rassurant de Matthew McConaughey en narrateur que par le duo infantile que forment spontanément Jeremy Sumpter et (surtout) Matt O'Leary, Emprise honore le genre horrifique sous le pilier du drame psychologique. D'une intensité cruelle, l'intrigue ne cesse de nous déstabiliser lorsque ces enfants candides témoignent impuissants à la gratuité d'une série de crimes sauvages. Ce sentiment anxiogène de fragilité et de perplexité qu'ils nous insufflent se traduit surtout en la présence de Fenton persuadé que son père n'est qu'un charlatan depuis ses exactions barbares. Multipliant vainement les tentatives d'évasion et de révolte alors que son frère cadet se conforte à l'emprise du père, Fenton provoque une digne empathie quant à sa pugnacité et son courage juvéniles (notamment son épreuve de force endurée dans le cachot). Outre ses moments horrifiques où le suspense ne cesse de rebondir quant aux tentatives désespérées de Fenton à s'extraire de la folie homicide (notamment lorsque son père lui ordonne de tuer un otage), Emprise se permet en prime de parachever cette sordide affaire familiale par le biais d'un thriller perfide quant aux tenants et aboutissants des personnages. Sa conclusion délétère s'avérant aussi salvatrice que perturbante !

La Nuit du Chasseur
Onirique (les allers-retours dans le jardin des roses, la reconversion de Fenton au travers de plans chimériques), dérangeant et machiavélique pour son final retors où Bien et Mal se contredisent, et d'une densité psychologique éprouvante quant à la condition soumise d'enfants innocents, Emprise transcende l'horreur réaliste en oscillant les composantes du drame, du fantastique et du thriller. Fort d'un scénario solide bâti sur le sens du sacrifice et la fraternité familiale, il en émane un manifeste (équivoque) sur la foi religieuse et notre conviction morale à tolérer l'obédience divine. 

Récompenses: Prix du meilleur film, lors des International Horror Guild Awards en 2003.
Prix Bram Stoker du meilleur scénario en 2003.

LES ARDENNES

                                                          Photo empruntée sur Imdb.com, appartenant au site Google

de Robin Pront. 2015. Belgique/Hollande. 1h32. Avec Jeroen Perceval, Kevin Janssens, Veerle Baetens, Jan Bijvoet, Sam Louwyck, Viviane De Muynck

Sortie salles France: 13 Avril 2016. Belgique: 14 Octobre 2015.

FILMOGRAPHIE: Robin Pront est un réalisateur et scénariste belge. 2015: Les Ardennes.

Drame psychologique sur fond de film noir, Les Ardennes relate la relation conflictuelle d'un trio d'amants maudits. Alors que Dave vient d'échapper à une peine de prison pour braquage, son frère Kenny écope de 7 ans de réclusion après avoir été alpagué. Quatre ans plus tard, il retrouve sa liberté mais sa fiancée Sylvie a décidé de rompre leur relation depuis qu'elle entretient une liaison avec Dave. Sévèrement contrarié, Kenny accumule les sautes d'humeur au moment même où le couple s'efforce de lui avouer la vérité.

Une trame convenue que Robin Pront parvient à transcender avec intensité psychologique pour les rapports insidieux du trio d'amants, quand bien même à mi-parcours le réalisateur relance l'intrigue par le biais d'un revirement inopiné. Si la première partie préfigure donc un drame de la jalousie, le second acte adopte une tournure beaucoup plus sordide quant aux règlements de compte en roue libre où les coups les plus couards y seront tolérés. Brossant avec réalisme et sans romantisme le tableau dérisoire de deux marginaux en quête impossible de rédemption, Robin Pront y dénonce l'influence du frère aîné ayant perpétuellement entraîné sa compagne et son frère vers la grande délinquance. Les Ardennes dressant sans concession les conséquences dramatiques de ce personnage aussi influent que perfide si bien que le frère cadet s'efforce désespérément de s'extirper de son emprise. Outre le soin de la mise en scène que le novice Robin Pront maîtrise avec brio, le jeu naturel des comédiens (trognes burinées en sus !) et la justesse des dialogues parviennent à nous familiariser à travers un jeu de massacre où la rigueur dramatique ira crescendo. Ce dernier multipliant rebondissements et situations insolites (seconds rôles excentriques à l'appui !) avec une inventivité insolente.

Prenant pour cadre la Belgique profonde avant de nous confiner dans la moiteur crépusculaire des vallées ardennaises, les Ardennes juxtapose film noir (on peut aussi songer à l'univers sardonique des frères Cohen !) et drame social pour mettre en exergue la déliquescence morale de deux frères incapables de s'extirper de leur médiocrité. Baroque, glauque et poignant, les Ardennes nous laisse dans une impression amère de déchéance criminelle depuis la déroute d'une réinsertion sociale.  

Dédicace à Mylène Lam