lundi 3 octobre 2016

ELLE

                                                                                    Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Paul Verhoeven. 2016. France. 2h10. Avec Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny,
Charles Berling, Virginie Efira, Judith Magre, Christian Berkel, Jonas Bloquet, Alice Isaaz.

Sortie salles France: 25 Mai 2016

FILMOGRAPHIE: Paul Verhoeven est un réalisateur néerlandais, né le 18 Juillet 1938 à Amsterdam.
1971: Business is business. 1973: Turkish Delices. 1975: Keetje Tippel. 1977: Le Choix du Destin. 1980: Spetters. 1983: Le Quatrième Homme. 1985: La Chair et le Sang. 1987: Robocop. 1990: Total Recall. 1992: Basic Instinct. 1995: Showgirls. 1997: Starship Troopers. 2000: l'Homme sans Ombre. 2006: Black Book. 2016: Elle.


10 ans après Black Book, Paul Verhoeven nous revient avec Elle, un thriller singulier à contre courant des codes traditionnels du genre, d'après le roman Oh... de Philippe Djian. Production franco-allemande entièrement tournée avec des acteurs français (selon Verhoeven, il était impossible de localiser l'action à Boston à cause de son sujet jugé trop sulfureux), Elle relate la quotidienneté intime et professionnelle d'une divorcée esseulée après avoir été violée par un mystérieux inconnu. Lors d'une seconde agression, une étrange relation amiteuse va se nouer entre eux. Thriller d'une perversité vénéneuse où se télescope en annexe le drame psychologique, Elle constitue un magnifique portrait de femme torturée aux antipodes des conventions. Car subversif et anticonformiste, le cinéaste milite pour les ambiances licencieuses au travers d'une protagoniste austère en proie à ses fantasmes (la séquence de masturbation et son voyeurisme qui en émane par la fenêtre de sa chambre !) et ses pulsions sadomasochistes (les rapports de soumission/domination avec son agresseur).


SublimĂ© par la prĂ©sence diaphane d'Isabelle Hupert, cette dernière parvient Ă  extĂ©rioriser une aura malsaine sous l'impulsion d'une personnalitĂ© Ă©quivoque au sang froid mâtinĂ© de dĂ©viance. ProfondĂ©ment marquĂ©e par un Ă©pisode tragique de son enfance, Michele se glisse aujourd'hui dans la peau d'une directrice autonome au franc-parler parfois vexant ou offensant selon ses humeurs versatiles. Entrepreneuse d'une sociĂ©tĂ© de jeu-video, sa forte personnalitĂ© lui attire quelques jalousies et rancunes de la part de certains adjoints professionnels. Sournoise lorsqu'elle complote une relation d'adultère avec un ex mari, elle se rĂ©vèle donc instable pour renouer une vie conjugale Ă©quilibrĂ©e. EpaulĂ© de personnages secondaires au caractère bien trempĂ©, l'intrigue insuffle parfois un ton fantaisiste dĂ©calĂ© lors de leurs postures extravagantes ou dĂ©sinvoltes que caractĂ©risent l'entourage familial et amical. Ces jeux d'acteurs dĂ©complexĂ©s dĂ©peints sans romantisme avivant subtilement le cĂ´tĂ© dĂ©rangeant d'une intrigue dĂ©routante bâtie sur les rapports conflictuels que s'Ă©changent couples et amants. Car sans jamais juger ses personnages, et sous couvert d'une diatribe contre l'intĂ©grisme (le passĂ© traumatique de l'hĂ©roĂŻne Ă©levĂ©e sous l'autoritĂ© d'un père bigot), Verhoven en structure un suspense diffus au fil d'un cheminement tortueux (l'ambivalence psychologique de Michele) sur le fil du rasoir.


D'une perversitĂ© vĂ©nĂ©neuse indicible par son climat malsain sous-jacent ou contrairement explicite, Elle redore les composantes du thriller avec une provocation iconoclaste. De par l'Ă©tude caractĂ©rielle de personnages anti manichĂ©ens et du portrait lubrique imparti Ă  une femme d'affaire oĂą perce finalement une fragilitĂ© humaine (comme le constate son final rĂ©dempteur aussi beau que poignant !). Traitant sans fard ni tabou des thèmes de la nĂ©vrose sexuelle et de l'intĂ©grisme, Elle constitue un grand thriller cĂ©rĂ©bral n'hĂ©sitant pas Ă  dĂ©voiler la face cachĂ©e de nos fantasmes les plus intimes. 

B-M

Le mot de Jean-Marc Micciche:

Cycle film d'auteur avec ouf enfin un bon film et on dit merci Paulo. Donc disons les choses clairement pour bien situer le dernier opus du filmeur fou aussi bien dans le contexte actuel et dans sa filmo. Si on place Elle dans le contexte du cinéma français et sur celui du film d'auteur, ben c'est clairement ce qu'on voit de mieux à l'heure actuel. A l'inverse si on le place dans son immense filmo (on compte pas Tricked), faut reconnaître que le film n'a pas forcément les épaules pour se mesurer aussi bien sur le terrain du film sulfureux et dérangeant que sur le plan stylistique. Attention je dis pas que le film n'a aucun style mais on sent deux principaux manques. La première c'est bien la place qu'occupait ses deux chef op de prestige à savoir Jost Vacano et Jan De Bont qui réussissait même avec des films intimistes à avoir un style percutant (et parfois il faut bien le dire, certains passages de Elle pourront paraître anodin sur le plan formel). De l'autre la patte d'un vrai scriptwritter qui parviendrait à transfigurer un sujet soyons honnête un thriller de cul du samedi soir sur M6 en quelque chose de plus perver crade. Donc oui Elle pourra sembler comme trop sage et avec le recul on peut comprendre comment le public bourgeois de Cannes et les critiques Dandy des Cahiers ont pu être tenter d'élever le réal Paul Verhoeven à un statut proche horreur de Michael Haneke. Fort heureusement, le film reste du Verhoeven pur souche car il réussit à pervertir l'aspect bourgeois du récit en quelque chose de plus subtil de plus sournois. Et ça passe aussi bien par le jeu en nuance de Huppert, par des choix de montage déconcertant, des dérapages ironiques croustillants. En attendant son probable succès aux oscars et aux césars (et pourquoi pas opportunisme culturel oblige une nomination comme président aux festivals de Cannes, rigolez pas, ils l'ont fait pour George Miller), Elle est donc à sa façon une belle réussite, à relativiser bien évidement, mais concrète. Donc dans mon Top 20 en toute éventualité.

samedi 1 octobre 2016

BRAQUEURS

                                                                             Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Julien Leclercq. 2016. 1h20. France. Avec Sami Bouajila, Guillaume Gouix, Youssef Hajdi, Kaaris, Redouane Behache, Kahina Carina, David Saracino.

Sortie salles France: 4 Mai 2016

FILMOGRAPHIE: Julien Leclercq est un rĂ©alisateur et  producteur français, nĂ© le 7 aoĂ»t 1979 Ă  Somain, dans le nord de la France. 2004 : Transit. 2007 : Chrysalis. 2011 : L'Assaut. 2013 : Gibraltar. 2016 : Braqueurs. 2018 : Prost.


Sortie en catimini dans nos salles si je ne m'abuse, Braqueurs est une putain de série B d'action burnée comme on en voit peu dans le paysage français !

A partir d'une intrigue simple mais solide, Braqueurs nous immerge de plein fouet dans l'univers vénal de braqueurs émérites avec une efficacité incisive depuis l'entrée en scène de dealers belliqueux délibérés à les extorquer ! Tant par l'hyper réalisme des scènes d'actions ultra tendues et spectaculaires (à titre de comparaison, Heat a de quoi rougir pour l'ampleur épique de ces braquages et gunfights sanglants) que par la prestance charismatique d'une poignée de seconds couteaux totalement impliqués dans leur bravoure suicidaire où perce une contrariété en chute libre !


Froid, hargneux, violent (mais jamais complaisant), rapide, haletant, implacable, oppressant, car d'une intensité exponentielle à couper au rasoir, Braqueurs nous cloue au siège parmi le brio d'une mise en scène géométrique, comme le souligne la fluidité du montage et son sens du découpage ! (notamment un travail rigoureux sur le son !). Impliqués tête baissée dans une dérive criminelle escarpée, Braqueurs laisse les mains moites avec un réalisme blafard si bien que nous nous prenons d'empathie pour ces anti-héros solidaires fustigés par leurs conséquences immorales ! (les décisions aussi avisées qu'expéditives du leader du groupe).


Rappel du Synopsis (source allo ciné):
Yanis, Eric, Nasser et Frank forment l’Ă©quipe de braqueurs la plus efficace de toute la rĂ©gion Parisienne. Entre chaque coup, chacun gère comme il peut sa vie familiale, entre paranoĂŻa, isolement et inquiĂ©tude des proches. Par appât du gain, Amine, le petit frère de Yanis, va commettre une erreur... Une erreur qui va les obliger Ă  travailler pour des caĂŻds de citĂ©. Cette fois, il ne s'agit plus de braquer un fourgon blindĂ©, mais un go-fast transportant plusieurs kilos d'hĂ©roĂŻne. Mais la situation s’envenime, opposant rapidement braqueurs et dealers…

B-M


Le p'tit mot de Jean-Marc Miciche:
Séance découverte avec le bonnard Braqueurs, une chouette série B d'une heure 20. Carré, superbement bien joué, une mise en scène au plus proche de ses personnages, un récit ramassé qui va à l'essentiel, des seconds rôles attachants, quelques scènes d'actions bien senties....le meilleur film de son réal. Après certains reprocheront sans doute au film ses faux airs de Heat, référence obligatoire, mais le réal parvient à s'extirper de cet influence pour imprimer son propre univers. Franchement c'est de la série B que j'aime.



vendredi 30 septembre 2016

LES CICATRICES DE DRACULA

                                                                      Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

"Scars of Dracula" de Roy Ward Barker. 1970. Angleterre. 1h36. Avec Christopher Lee, Dennis Waterman, Jenny Hanley, Patrick Troughton, Michael Ripper, Michael Gwynn, Wendy Hamilton.

Sortie salles Angleterre: 8 Novembre 1970

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Roy Ward Baker est un réalisateur, producteur, scénariste anglais, né le 19 Décembre 1916 à Londres (Royaume-Uni), décédé le 5 Octobre 2010.
1947: L'Homme d'Octobre. 1952: Troublez moi ce soir. 1968: Les Champions. 1969: Mon ami le fantôme. 1970: The Vampire Lovers. 1970: Les Cicatrices de Dracula. 1971: Dr Jekyll et Sr Hyde. 1972: Asylum. 1973: Le Caveau de la Terreur. 1973: And now the Screamin starts. 1974: Les 7 vampires d'or. 1980: Le Club des Monstres. 1984: Les Masques de la mort (télé-film).


6è volet de Dracula issu de l'illustre firme Hammer, Les Cicatrices de Dracula peut se targuer d'ĂŞtre le plus violent et dĂ©vergondĂ© de la sĂ©rie dans son alliage d'Ă©rotisme polisson et de gore outrancier. A l'instar d'un homicide d'une rare sauvagerie intentĂ© sur une victime fĂ©minine prise en flagrant dĂ©lit d'adultère ! MĂŞme encore aujourd'hui, on se surprend du rĂ©alisme poisseux de la mise Ă  mort que Dracula perpĂ©tue avec frĂ©nĂ©sie lorsque le poignard perfore Ă  moult reprises la chair ensanglantĂ©e ! Outre le caractère graphique de ses sĂ©quences-chocs souvent impressionnantes (notamment le massacre dans l'Ă©glise ou encore l'agression d'une chauve-souris !), Roy Ward Barker prend Ă©galement soin d'instaurer un climat d'Ă©rotisme sulfureux (surtout pour l'Ă©poque !) en brossant les portraits dĂ©complexĂ©s de personnages lubriques.


Tant pour la présence vénéneuse de Tania, maîtresse infidèle de Dracula, de Paul, séducteur invétéré au point de courtiser en un temps furtif trois paysannes impudentes, ou encore de Klove, l'assistant versatile de Dracula aux penchants sado-maso et fétichistes ! En dépit d'une intrigue au cheminement classique (épaulé de son épouse, Simon tente de retrouver son frère aîné au sein du château de Dracula, quand bien même ce dernier s'efforce de vampiriser sa partenaire), Roy Ward Barker parvient efficacement à captiver sans modération par la nervosité d'un récit fertile en rebondissements, situations fortuites et péripéties haletantes. Prenant soin de fignoler la forme gothique au sein de magnifiques décors domestiques comme le souhaite la tradition Hammer, Les Cicatrices de Dracula envoûte les sens sous l'impulsion de personnages perfides. Comme le prouve le serviteur de Dracula pétri de contradiction et de fourberie en dupant ses adversaires avec perversité exubérante ! Avec une cruauté escarpée, Roy Ward Barker n'hésite pas non plus à y sacrifier quelques victimes innocentes alors qu'une empathie venait de s'instaurer auprès de l'une d'elles depuis sa bravoure de prêter main forte à notre héros. Quant au personnage vicié que caractérise orgueilleusement Dracula, l'irremplaçable Christopher Lee magnétise l'écran à chacune de ses apparitions avec une classe impérieuse ! Au visage blême se succédant parfois un regard éraillé dans son désir de nuire à autrui pour le plaisir d'asservir sa proie !


DĂ©clinaison couillue de la sĂ©rie des Dracula, les Cicatrices de Dracula s'affranchit de tout carcan afin d'extĂ©rioriser une atmosphère malsaine inhabituellement dĂ©pravĂ©e pour la firme. Par le biais d'une investigation pĂ©rilleuse et du traditionnel jeu du chat et de la souris Ă©mane un habile exercice de style auquel se prĂŞtent avec charisme infaillible la stature hiĂ©ratique de Christopher Lee, des seconds rĂ´les fielleux et un dĂ©filĂ© de jeunes actrices somptueusement Ă©moustillantes !  

B-M. 3èx

jeudi 29 septembre 2016

WOLF

                                                                  Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

de Mike Nichols. 1994. U.S.A. 2h05. Avec Jack Nicholson, Michelle Pfeiffer, James Spader, Kate Nelligan, Richard Jenkins, Christopher Plummer, Eileen Atkins.

Sortie salles France: 14 Septembre 1994. U.S: 17 Juin 1994

FILMOGRAPHIEMike Nichols, nĂ© Michael Igor Peschkowsky le 6 novembre 1931 Ă  Berlin et mort Ă  New York le 19 novembre 2014 (Ă  83 ans), est un rĂ©alisateur amĂ©ricain, d’origine russe et allemande. 1966 : Qui a peur de Virginia Woolf ? 1967 : Le LaurĂ©at. 1970 : Catch 22. 1971 : Ce plaisir qu'on dit charnel. 1973: Le Jour du dauphin. 1975 : La Bonne Fortune. 1983 : Le Mystère Silkwood. 1986 : La BrĂ»lure. 1988 : Biloxi Blues. 1988 : Working Girl. 1990 : Bons baisers d'Hollywood. 1991 : Ă€ propos d'Henry. 1994 : Wolf. 1996: Birdcage. 1998 : Primary Colors. 2000 : De quelle planète viens-tu ? 2004 : Closer, entre adultes consentants. 2007: La Guerre selon Charlie Wilson.


- Il y a bien des hommes qui sont plus monstres que vous, dit la Belle, et je vous aime mieux avec votre figure que ceux qui, avec la figure d’homme, cachent un cĹ“ur faux, corrompu, ingrat.

Immense rĂ©alisateur rĂ©vĂ©lĂ© par Qui a peur de Virginia Wolf ? et Le LaurĂ©at, Mike Nichols renoue avec le Fantastique après nous avoir dĂ©jĂ  sĂ©duit avec l'Ă©mouvant (et mĂ©connu) Le Jour du Dauphin. Prenant pour thème le mythe sĂ©culaire du loup-garou, Mike Nichols nous offre Ă©galement avec Wolf une variation moderne de la Belle et la BĂŞte que le duo Nicholson/Pfeiffer transfigure par le biais de leur romance en perdition. Après avoir Ă©tĂ© mordu par un loup un soir de pleine lune, Will Randall s'Ă©tonne de ses nouveaux dons olfactifs et auditifs. LicenciĂ© par son patron d'Ă©dition par la faute de son ennemi jurĂ©, l'opportuniste Stewart Swinton, il tente en dĂ©sespoir de cause de renĂ©gocier son emploi au moment mĂŞme oĂą il rencontre incidemment la fille du boss, Laura Alden. Sensiblement attirĂ©s l'un pour l'autre, cette dernière s'efforce de soutenir les angoisses expansives de son compagnon persuadĂ© qu'il est habitĂ© par un instinct primitif depuis sa morsure


Avec le brio d'une mise en scène classieuse, Mike Nichols renouvelle le mythe du loup-garou par le biais d'une trajectoire narrative prĂ©visible mais constamment captivante. Si l'intrigue linĂ©aire n'apporte rien de neuf, le cinĂ©aste compte sur l'art de conter son histoire en prenant son temps Ă  y poser les enjeux humains par l'entremise d'une Ă©tude caractĂ©rielle. Jack Nicholson et Michelle Pfeiffer formant sobrement le couple infortunĂ© avec un humanisme et une pudeur fragile. Charismatiques en diable et plein de sĂ©duction dans leurs Ă©changes amoureux, ces derniers portent le film sur leurs Ă©paules avec une densitĂ© psychologique que Mike Nichols prend soin d'intensifier sans prĂ©tention. La belle, partagĂ©e entre l'optimisme et l'angoisse, s'efforçant sereinement de protĂ©ger la bĂŞte en proie Ă  une contrariĂ©tĂ© davantage pesante. La force du rĂ©cit Ă©manant notamment de sa capacitĂ© Ă  nous faire croire Ă  l'improbable (la victime possĂ©dĂ©e par l'instinct lycanthrope) en optant Ă©galement pour l'effet de suggestion si bien que les sĂ©quences vĂ©ritablement horrifiques et homĂ©riques n'interviennent que durant le dernier tiers du film. Outre sa belle romance transcendĂ©e par l'aplomb de nos illustres comĂ©diens, Mike Nichols en extirpe Ă©galement en sous-texte social une satire sur l'arrivisme des financiers prĂŞts Ă  s'entretuer pour accĂ©der en haut de la pyramide. Sur ce point, James Spader s'avère dĂ©lectable de cynisme et de fourberie en endossant le rĂ´le annexe d'un transfuge habitĂ© par l'appât du gain.


Si Wolf aurait mĂ©ritĂ© Ă  ĂŞtre plus compact et surprenant si son cheminement narratif eut Ă©tĂ© plus original, Mike Nichols parvient nĂ©anmoins avec brio indiscutable Ă  instaurer une acuitĂ© Ă  travers la caractĂ©risation contrariĂ©e des personnages combattant le Mal, entre foi amoureuse et espoir de rĂ©demption. Habilement exploitĂ©s car retardant au possible les mĂ©tamorphoses spectaculaires, on peut enfin prĂ´ner le rĂ©alisme des maquillages Ă  l'ancienne (aussi concis soient-ils et inspirĂ©s des travaux de la Universal !) ainsi que sa partition musicale qu'Ennio Morricone transfigure avec une Ă©motion Ă©purĂ©e ! (suffit de capter l'essence onirique de son Ă©pilogue Ă©lĂ©giaque pour s'en convaincre !). 

B-M. 3èx

Récompense: Saturn Award du meilleur scénario par l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur.

mercredi 28 septembre 2016

Mamba / Fair Game

       
                                                                     Photo empruntĂ©e sur Google

"Fair Game" de Mario Orfini. 1988. Italie. 1h21. Avec Trudie Styler, Gregg Henry, Bill Moseley, John Randolph, Rene Auberjonois.

Sortie salles France: 28 Juin 1989

FILMOGRAPHIE: Mario Orfini est un réalisateur et producteur italien né en 1936 à Lanciano.
1978 : Noccioline a colazione. 1988 : Mamba. 1992 : Jackpot (classe spéciale). 1998 : L'anniversario.

SĂ©rie B oubliĂ©e des annĂ©es 80 malgrĂ© sa sĂ©lection officielle Ă  Avoriaz en 1989, Mamba exploite le snake movie dans l’Ă©tau d’un huis clos domestique de tous les dangers.

Ă€ la suite d’une rupture, un amant sans vergogne orchestre un jeu machiavĂ©lique Ă  l’encontre de son ancienne maĂ®tresse : introduire un mamba noir dans son studio, serpent rĂ©putĂ© pour ĂŞtre l’un des plus dangereux du monde, surtout si la victime est en proie Ă  l’adrĂ©naline. Ă€ l’aide d’un ordinateur et d’une mini-camĂ©ra de surveillance, il observe, tel un joueur devant son Ă©cran, les dĂ©placements du reptile, espĂ©rant la mort brutale de sa compagne dans un temps chronomĂ©trĂ© de soixante minutes. Seule, piĂ©gĂ©e malgrĂ© elle, Eva comprend bientĂ´t la menace lĂ©tale qui rampe autour d’elle. DĂ©terminĂ©e Ă  survivre, elle tente par tous les moyens de se dĂ©fendre contre l’intrus.


Modeste production signĂ©e par un cinĂ©aste transalpin mĂ©connu - sa filmographie ne comptant que quatre longs-mĂ©trages - Mamba joue la carte du survival intimiste Ă  travers le principe d’unitĂ© de lieu et de temps. L’hĂ©roĂŻne, confinĂ©e, Ă©labore des stratĂ©gies de dĂ©fense que la camĂ©ra vĂ©loce exploite habilement en vue subjective ou via des cadrages alambiquĂ©s. Si certaines pĂ©ripĂ©ties flirtent parfois avec la facilitĂ©, forçant le trait des effets de surprise, la plupart des rebondissements parviennent Ă  captiver en instaurant une angoisse oppressante, amplifiĂ©e par la partition haletante du mĂ©lomane Giorgio Moroder (La FĂ©line, Midnight Express). Sur une durĂ©e minimaliste d’1h21 (gĂ©nĂ©rique inclus), Mario Orfini exploite habilement le cadre restreint du cocon domestique, relançant sans cesse l’action : Eva, courant tous azimuts, tente de dĂ©sorienter le serpent et de le piĂ©ger Ă  l’aide d’accessoires retors dont je tairai ici la nature.

RĂ©alisĂ© avec un soin formel et une vraie habiletĂ© technique, distillant çà et lĂ  de jolis moments de terreur viscĂ©rale, Mamba s’impose comme une sĂ©rie B horrifique fort sympathique, construite sur un jeu pervers d’Ă©preuve de force impartie au survival. Le duo antinomique formĂ© par Trudie Styler (Ă©pouse du chanteur Sting) et Gregg Henry (Body Double, Scarface) assure vigoureusement une confrontation Ă  distance des plus sournoises, jusqu’Ă  un final sardonique… malgrĂ© une incohĂ©rence que l’on pourra juger grossière.

— le cinĂ©phile du cĹ“ur noir
3èx

mardi 27 septembre 2016

COBRA

                                                                            Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site tumblr.com

de George Pan Cosmatos. 1986. U.S.A. 1h26. Avec Sylvester Stallone, Brigitte Nielsen, Reni Santoni, Andrew Robinson, Art LaFleur, Val Avery, Brian Thompson.

Sortie salles France: 22 Octobre 1986. U.S: 23 Mai 1986

FILMOGRAPHIE: George Pan Cosmatos était un réalisateur et scénariste grec né le 4 janvier 1941 à Florence (Toscane, Italie), mort le 19 Avril 2005 à Victoria (Colombie-Britannique, Canada) d'un cancer du poumon.1973 : SS Représailles. 1971 : The Beloved. 1977: Le Pont de Cassandra. 1979: Bons Baisers d'Athènes. 1983: Terreur à Domicile. 1985: Rambo 2, la Mission. 1986: Cobra. 1989: Leviathan. 1993: Tombstone. 1997: Haute Trahison.


Petit succès commercial discrĂ©ditĂ© par les critiques de l'Ă©poque comme l'ont Ă©galement attestĂ© ses 6 nominations aux Razzie Awards en 1986, Cobra est la nouvelle association Cosmatos / Stallone après qu'ils eurent prĂ©alablement explosĂ© le box-office avec Rambo 2, la mission. B movie d'action dĂ©cĂ©rĂ©brĂ© dans la structure triviale d'un scĂ©nario aussi prĂ©visible que scolaire (Stallone en est lui mĂŞme le signataire !), Cobra constitue d'une certaine manière un miracle du divertissement bourrin grâce au savoir-faire de son auteur. De par la nervositĂ© du montage et d'un sens du dĂ©coupage que George Pan Cosmatos a su maĂ®triser sous le pilier de gunfights et poursuites automobiles en règle. En prime, en introduisant quelques codes du cinĂ©ma horrifique hĂ©ritĂ© du Slasher, Cobra distille une ambiance cauchemardesque Ă  la lisière du malsain, comme le souligne la brutalitĂ© des exactions perpĂ©trĂ©es Ă  la hache par des fanatiques fascistes (tuer les plus faibles afin d'accĂ©der Ă  la suprĂ©matie d'un nouveau monde !) ou Ă  l'instar de sĂ©quences haletantes lorsqu'une rescapĂ©e est poursuivie dans un parking souterrain jusqu'aux corridors d'un hĂ´pital !


Contraints de la protĂ©ger depuis que cette dernière fut tĂ©moin des agressions meurtrières du leader de la secte, Marion Cobretti et son acolyte Gonzales vont tenter de la protĂ©ger alors que la confrĂ©rie se lancera Ă  leurs trousses sans relâche, en vĂ©hicules et en motos ! DominĂ© par la prĂ©sence inĂ©vitablement attachante de Sylvester Stallone roulant des mĂ©caniques (allumette au bec, lunettes noires de soleil, flingue imprimĂ© d'une esquisse de cobra !) avec une virilitĂ© imperturbable, Cobra est vouĂ© Ă  sa fonction bankable dans sa posture rĂ©actionnaire d'inspecteur Harry de seconde zone. SecondĂ© par la charmante Brigitte Nielsen (son Ă©pouse danoise Ă  la ville et ancienne top-model internationale alors qu'il s'agit de sa 3è apparition Ă  l'Ă©cran !), cette dernière parvient Ă  susciter une certaine empathie dans sa stature fragile de victime molestĂ©e et pour son idylle entamĂ©e avec Cobretti. Dans un rĂ´le subsidiaire de faire-valoir, Reni Santoni invoque lui aussi une belle sympathie pour son amitiĂ© Ă©changĂ©e avec Cobretti (notamment leur divergence futile Ă  propos de la malnutrition !). Enfin, l'impressionnant Brian Thompson se glisse spontanĂ©ment dans la peau d'un maniaque patibulaire avec l'apparat de sa mâchoire carrĂ©e et d'un regard exorbitĂ© imprimĂ© de dĂ©mence !


Le crime est un poison, voici l'antidote !
Plaisir coupable du samedi soir vouĂ© au climat anxiogène d'une action inopinĂ©ment horrifique sous l'efficacitĂ© d'un script linĂ©aire fĂ©ru de gunfights et poursuites jouissives (aussi improbables soient-elles !), Cobra s'extirpe de la mĂ©diocritĂ© avec une vigueur Ă©motionnelle inespĂ©rĂ©e, comme le scande le score entraĂ®nant de Jean Beauvoir (son fameux hit: Feel the Heat !).  

B-M. 4èx

lundi 26 septembre 2016

Maniac Cop 2

                                                                          Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de William Lustig. 1990. U.S.A. 1h26. Avec Robert Davi, Claudia Christian, Michael Lerner, Bruce Campbell, Laurene Landon, Robert Z'dar.

Sortie salles France: 18 Juillet 1990

FILMOGRAPHIE: William Lustig est un rĂ©alisateur amĂ©ricain nĂ© le 1er fĂ©vrier 1955 dans Le Bronx Ă  New York. Il est le neveu du boxeur Jake La Motta. 1980: Maniac. 1983: Vigilante. 1988: Maniac Cop. 1990: Maniac Cop 2. 1993: Maniac Cop 3. 1997: Uncle Sam.


Deux ans après Maniac Cop, William Lustig rempile pour une sĂ©quelle ludique encore plus nerveuse dans son concentrĂ© d'action et de poursuites sur bitume souvent fort spectaculaires. Ainsi, Ă  travers une facture photogĂ©nique de B movie de samedi soir, Maniac Cop 2 n'affiche pas la redite inutile sous l'Ă©gide du mĂŞme scĂ©nariste que son prĂ©dĂ©cesseur, l'illustre Larry Cohen. L'intrigue efficace jouant la carte du second degrĂ© avec un humour noir incisif alors que le cadre urbain imparti Ă  sa scĂ©nographie new-yorkaise met en lumière (gĂ©nialement nocturne) une atmosphère d'insĂ©curitĂ© palpable. Le pitchMatt Cordell, flicard d'outre-tombe, continue de sillonner les quartiers en poursuivant ses exactions meurtrières auprès de citadins et forces de l'ordre. Mais une mission de plus grande ampleur l'attend bientĂ´t ! PĂ©nĂ©trer dans l'enceinte de son ancien pĂ©nitencier afin de punir les responsables de son lynchage.


Efficacement structurĂ©, ce pitch insolent regorge de pĂ©ripĂ©ties et trouvailles durant sa trajectoire fortuite comme le souligne la prĂ©sence complĂ©mentaire d'un maniaque sexuel venu aimablement Ă©pauler notre killer-cop. Ce dernier se concertant avec cet Ă©trangleur d'effeuilleuses qu'un flic rĂ©ac (le charismatique et burinĂ© Robert David) et une psychologue (la sexy Claudia Christian prĂ©alablement entrevue dans Hidden !) s'efforceront Ă©galement apprĂ©hender au fil de leurs pĂ©rĂ©grinations. Mais bien avant ces chasses Ă  l'homme perpĂ©trĂ©es en plein New-York crĂ©pusculaire, Lustig fait preuve d'audace subversive quand au sort tragique de notre duo d'hĂ©ros (Bruce Campbell / Lauren Landon) durant la première demi heure de mĂ©trage Ă  la fois dĂ©concertante et vĂ©ritablement couillue. 


GĂ©nĂ©reux en diable Ă  travers son panel de pĂ©ripĂ©ties frĂ©nĂ©tiques, et nanti d'humour sardonique avec un second degrĂ© aussi provocateur qu'assumĂ©, Maniac Cop 2 demeure une suite assez retorse sous l'impulsion de seconds couteaux attachants et du scĂ©nariste excentrique Larry Cohen (peu de le souligner).

*Bruno
26.09.16.
07.07.22. 4èx. Vostfr

                                       LA CHRONIQUE DE MANIAC COP 1

                                                                        Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de William Lustig. 1988. U.S.A. 1h25. Avec Tom Atkins, Bruce Campbell, Laurene Landon, Richard Roundtree, William Smith, Robert Z'dar, Sheree North.

Sortie salles France: 22 Juin 1988

FILMOGRAPHIEWilliam Lustig est un rĂ©alisateur amĂ©ricain nĂ© le 1er fĂ©vrier 1955 dans Le Bronx Ă  New York. Il est le neveu du boxeur Jake La Motta.
1980: Maniac. 1983: Vigilante. 1988: Maniac Cop. 1990: Maniac Cop 2. 1993: Maniac Cop 3.
1997: Uncle Sam.


Habile franc-tireur responsable du mythique Maniac et d'un classique de l'auto-dĂ©fense, Vigilante, William Lustig continue de verser dans la sĂ©rie B horrifique avec Maniac Cop, d'après un scĂ©nario du cĂ©lèbre Larry Cohen. Justement, c'est bien lĂ  la qualitĂ© première de cet efficace slasher dont l'intrigue adroitement Ă©crite juxtapose judicieusement pĂ©ripĂ©ties, course-poursuites, cascades, rebondissements en pagaille et crimes en sĂ©rie autour de l'itinĂ©raire meurtrier d'un flic psychopathe. Qui plus est, pour intensifier l'enjeu dramatique, un faux coupable est sĂ©vèrement malmenĂ© par la police et le tueur afin que ce dernier puisse librement continuer ses exactions lors d'une unitĂ© de temps. En empruntant au thème du zombie inscrit dans notre rĂ©alitĂ© du quotidien, Larry Cohen rĂ©ussit Ă  crĂ©dibiliser son intrigue bâtie sur la vengeance meurtrière de l'officier Matt Cordel, prĂ©alablement condamnĂ© Ă  tort pour abus de pouvoir et donc enfermĂ© en prison parmi les assassins qu'il avait autrefois alpaguĂ©. Spoiler !!! Après avoir Ă©tĂ© laissĂ© pour mort lors d'une sordide altercation dans les douches de la prison et après s'ĂŞtre Ă©chappĂ© de la morgue, il dĂ©cide d'accomplir une vengeance mĂ©thodique pour tenir lieu de son innocence auprès des citadins de son quartier. Maintenu en vie grâce Ă  sa rancoeur et ses pulsions de haine, il est aujourd'hui incarnĂ© en monstre invincible sous une panoplie d'agent impĂ©rieux. Fin du Spoil


Avec une dose d'ironie macabre et d'humour potache, la première partie s'alloue d'un pied de nez intentĂ© au corps policier lorsque ce flic dĂ©chu de ses fonctions se planque sous son insigne pour mieux se fondre dans la peau d'un psychopathe et semer une zizanie urbaine ! Du coup, les quidams gagnĂ©s par une paranoĂŻa collective n'osent plus aborder l'insigne de l'ordre de peur de finir Ă©gorger, quand bien mĂŞme certains d'entre eux finissent par se laissent gagner par une justice individuelle ! Car c'est affublĂ© d'une arme blanche que le maniac accomplit ses mĂ©faits en sillonnant les ruelles crĂ©pusculaires de New-York. Sur ce point, l'atmosphère d'insĂ©curitĂ© qui Ă©mane des sombres quartiers renvoie un peu au climat envoĂ»tant magnifiquement dĂ©peint dans son premier chef-d'oeuvre, Maniac. Alors qu'aujourd'hui les actualitĂ©s rĂ©centes nous Ă©numèrent certaines bavures des forces de l'ordre intentĂ©es sur les noirs amĂ©ricains, on peut dĂ©celer dans Maniac Cop une mĂ©taphore sur la corruption policière lorsqu'un flic zĂ©lĂ© n'hĂ©site plus Ă  sortir son arme pour abattre un quidam dĂ©sarmĂ©. EpaulĂ© d'une poignĂ©e de comĂ©diens de seconde zone, Tom Atkins et Bruce Campbell en tĂŞte, le film fait preuve d'une patine Bis dans la manière rustre et naĂŻve dont les interprètes font preuve pour s'exprimer avec machisme. Du point de vue musical, William Lustig fait de nouveau appel Ă  son compositeur fĂ©tiche, Jay Chataway, pour soutenir une partition tantĂ´t percutante, tantĂ´t entĂŞtante dans sa mĂ©lodie lancinante se prĂŞtant bien Ă  l'onirisme-macabre reflĂ©tant les Ă©tats d'âme du justicier d'outre-tombe rongĂ© par la haine et l'injustice. 


Efficace et carrĂ©, nerveux et haletant, inventif mais aussi naĂŻf, Maniac Cop assure le quota d'un psycho-killer de sĂ©rie B parmi l'originalitĂ© d'un script affĂ»tĂ© et la sympathie attachante de seconds couteaux du cinĂ© Bis. 

B-M
3èx

dimanche 25 septembre 2016

INSTINCT DE SURVIE

                                                          Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site zone-telechargement.com

"The Shallows" de Jaume Colle Serra. 2016. U.S.A. 1h26. Avec Blake Lively, Óscar Jaenada, Sedona Legge, Brett Cullen, Angelo José Lozano Corzo.

Sortie salles France: 17 Août 2016. U.S: 24 Juin 2016

FILMOGRAPHIE: Jaume Collet-Serra est un réalisateur catalan, né le 23 Mars 1974 à Barcelone.
2005: La Maison de Cire. 2007: Goal 2: La Consécration. 2009: Esther. 2011: Sans Identité. 2014: Non-Stop. 2015: Night Run. 2016: Instinct de Survie.


                                             Une chronique de Jean-Marc Micciche

Vue l'accueil mesuré voire glacial de Instinct de survie, ben moi je monte au créneau pour défendre ce petit film certes n'échappant à des défauts d'écriture mais qui à mon sens remplit bien son cahier des charges. Le programme de Instinct de survie est dénué d'aucune autre ambition que de nous livrait un spectacle et des frissons. Le film débute de manière direct avec la présentation d'une jeune femme traversant la jungle en jeep accompagnée d'un guide pour l'amener sur une plage secrète. A travers une séquence toute en simpliste, le réalisateur impose un personnage, un cadre et un enjeu. Apres le départ de celui-ci, la jeune femme, une véritable déesse blessée dans son cœur commence un rituel propre au surfeur. Fétichisée, filmée avec un soupçon d'érotisme, la jeune femme s'impose dans ce paradis oublié dominé par un fantasme (la mère nourricière des rochers). Et puis arrive cette scène visuellement fabuleuse où la jeune femme semble dompter les vagues avec une grâce inouïe captée par la merveilleuse camera de Collet Serra. Un paradis bientôt souillé par une figure monstrueuse. Simplement, le réal impose une touche de danger, un bruit un regard et puis une vision, celle d'une baleine à l'agonie avec des plaies immenses.


La suite vous la connaissez, vous l'avez dans la bande annonce et c'est exactement ce qu'on va voir non sans que la virtuositĂ© du rĂ©al Ă©clate comme celle magnifique (mais que les dĂ©fenseurs des belles images creuses de The NĂ©on DĂ©mon oublient de cĂ©lĂ©brer), cette ombre menaçante apparaissant dans l'ombre de la vague au moment d'attaquer la jeune femme. Tout le reste du film consistera Ă  mettre en place un programme narratif claire et minimaliste, la jeune femme est bloquĂ©e sur un rocher, tout l'intĂ©rĂŞt du film consistera Ă  voire comment le rĂ©al va Ă©tablir un suspense non pas Ă  travers un rĂ©cit dont j'entrevois dĂ©jĂ  les moqueries (ben on disait la mĂŞme chose avec Gravity) mais vraiment Ă  travers l'espace, donc de dĂ©coupage, donc de cinĂ©ma. Limiter le film Ă  ses dĂ©fauts (certains font tout un plat avec cette mouette allant jusqu'Ă  dire que ça prend tout le film alors que dans les faits, on a 5 minutes bout Ă  bout c'est beaucoup). Donc oui le film a les dĂ©fauts des sĂ©ries B de films de monstres, l'intrigue et le cheminement du rĂ©cit est prĂ©visible, le sort du requin est expĂ©diĂ© et certains fx sont discutables. Mais ces dĂ©fauts vĂ©ritables (je les nie pas) sont largement compensĂ©s par un sens de l'image et la capacitĂ© du rĂ©al Ă  sublimer un corps blessĂ©s. Instinct de survie n'est pas un grand film mais le film recèle suffisamment de qualitĂ©s pour ĂŞtre apprĂ©ciĂ© Ă  sa juste valeur.

J.M



Un p'tit mot subsidiaire de Bruno Matéï:
Moi qui avais une petite appréhension après avoir découvert l'excellente petite surprise, In the deep, j'ai été également surpris par ce sympathique survival aquatique constamment efficace, assez tendu, visuellement splendide et bien rodé (même si l'héroïne pêche un peu par manque d'expressivité). Par contre, quant à la complicité amicale entamée avec la mouette, je cherche encore où le ridicule eut pu s'instaurer !

B-M

vendredi 23 septembre 2016

Le Survivant / The Omega Man

                                      Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site Pinterest.com

"The Omega Man" de Boris Sagal. 1971. U.S.A. 1h38. Avec Charlton Heston, Anthony Zerbe, Rosalind Cash, Paul Koslo, Eric Laneuville, Lincoln Kilpatrick.

Sortie salles France: 24 Novembre 1971. U.S: 1er Août 1971

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Boris Sagal est un réalisateur et producteur américain né le 18 octobre 1923 à Ekaterinoslav (Ukraine), décédé le 22 mai 1981 à Portland (Oregon). 1963 : Le Motel du crime. 1965 : La Stripteaseuse effarouchée. 1971: Le Survivant. 1978: Angela. 1982: La 3è guerre mondiale (télé-film).


Seconde adaptation de Je suis une LĂ©gende, cĂ©lèbre roman de Richard Matheson publiĂ© en 54, Le Survivant reste le film le plus cĂ©lèbre de Boris Sagal, rĂ©alisateur prolifique ayant surtout oeuvrĂ© pour la TV avec diverses sĂ©ries et tĂ©lĂ©-films durant les annĂ©es 50 Ă  80. Car c'est en 1981 que Boris Sagal tire sa rĂ©vĂ©rence lors du tournage de son dernier film, La 3è guerre mondiale, après avoir Ă©tĂ© dĂ©capitĂ© par le rotor de queue d'un hĂ©licoptère. Petit classique post-apo des Seventies, Le Survivant relate la confrontation belliqueuse entre un praticien (unique survivant immunisĂ© contre une Ă©pidĂ©mie mondiale), et une communautĂ© sectaire atteint d'albinisme après avoir Ă©tĂ© frappĂ©s par le virus. Vivant reclus dans un palais de justice et ne sortant que la nuit du fait de leur hyper sensibilitĂ© Ă  la lumière, ces derniers multiplies les stratĂ©gies d'attaques afin de nuire Ă  la tranquillitĂ© de Robert Neville. Mais un soir, retenu prisonnier par ses membres prĂ©nommĂ©s "la famille", il est sauvĂ© in extremis par une afro-amĂ©ricaine. Ensemble, ils partent rejoindre un autre clan de survivants quand bien mĂŞme Neville tentera de les immuniser contre la maladie en recrĂ©ant un vaccin Ă  partir de son sang. SĂ©rie B efficacement menĂ©e dans son schĂ©ma narratif extĂ©riorisant un sentiment d'isolement tangible entre deux accalmies romanesques (la relation entre Robert et Lisa peut toutefois cĂ©der Ă  l'ennui) et confrontations homĂ©riques, Le Survivant n'a pas l'ambition de rĂ©volutionner le genre par son intrigue un chouilla redondante et sans surprises (si on Ă©pargne la dĂ©couverte des nouveaux rescapĂ©s et la noirceur de son final assez cruel).


Conçu comme un divertissement d'anticipation dĂ©nuĂ© de prĂ©tention car modestement haletant, Le Survivant distille un charme vintage, Seventie oblige, par son ambiance rĂ©aliste de dĂ©solation (les citĂ©s urbaines chargĂ©es de silence et Ă©vacuĂ©es de vies humaines nous ensorcellent la vue) et par la prĂ©sence secondaire de personnages attachants servant de faire-valoir au briscard Charlton Heston. Ce dernier endossant avec son charisme viril le rĂ´le pugnace d'un mĂ©decin militaire partagĂ© entre le devoir de prĂ©server sa vie et celle de ses nouveaux acolytes. On peut Ă©galement intenter une certaine ambiguĂŻtĂ© dans sa posture opiniâtre Ă  refuser de porter assistance Ă  "la famille" qu'il pourrait sans doute guĂ©rir depuis l'Ă©laboration du nouveau vaccin. On apprendra nĂ©anmoins plus tard que son Ă©goĂŻsme et son intolĂ©rance Ă©taient justifiĂ©es quant au comportement obscurantiste et psychotique des mutants renouant avec une foi primitive du fait de leur dĂ©gĂ©nĂ©rescence cĂ©rĂ©brale. Ces derniers encapuchonnĂ©s de vĂŞtements noirs et portant des lunettes de soleil s'avĂ©rant par ailleurs photogĂ©niques dans leur stature tĂ©nĂ©breuse hĂ©ritĂ©e de l'inquisition. LĂ  encore, le Survivant marque quelques points par son pouvoir de fascination formel si bien que ces antagonistes font office d'icone horrifique, quand bien mĂŞme nous serons notamment dĂ©contenancĂ©s d'apprendre que leur comportement rĂ©trograde et meurtrier Ă©mane de la nocivitĂ© cognitive du virus (Spoiler !!! ceci expliquant sans doute pourquoi Lisa semble subitement possĂ©dĂ©e d'un comportement hostile après avoir Ă©tĂ© frappĂ©e par le virus Fin du Spoiler).


A partir d'une histoire simple efficacement contĂ©e dans ces enjeux de survie se disputant les notions de progressisme et d'obscurantisme, Boris Sagal parvient avec sincĂ©ritĂ© Ă  nous immerger dans sa scĂ©nographie dystopique sous l'impulsion attachante de personnages hĂ©roĂŻques et d'un climat urbain sensiblement feutrĂ©. En dĂ©pit de son rythme dĂ©faillant Ă  mi-parcours il y Ă©mane un sympathique divertissement, notamment auprès de son charme rĂ©tro, que Charlton Heston porte sur ses larges Ă©paules, entre aplomb et spontanĂ©itĂ©. A privilĂ©gier toutefois Ă  la gĂ©nĂ©ration 80. 

B-M. 
02.06.23.
07.07.25. 5èx

jeudi 22 septembre 2016

Le Drive-in de l'enfer / "Dead-End Drive In"

                                                                   Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site en.wikipedia.org

de Brian Trenchard-Smith. 1986. U.S.A. 1h30. Avec Ned Manning , Natalie McCurry , Peter Whitford , Wilbur Wilde , Dave Gibson , Sandie Lillingston , Ollie Hall.

Sortie salles Australie: 1er Août 1986

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Brian Trenchard-Smith est un rĂ©alisateur, scĂ©nariste, producteur, acteur anglais nĂ© en 1946. 2014: Drive Hard. 2013 Meurtre Ă  double face. 2011 Un bungalow pour six (TV Movie). 2010 Arctic Blast. 2009 Pimpin' Pee Wee. 2007 Tyrannosaurus Azteca. 2006 Rendez-moi mon fils! (TV Movie).  2006 In Her Line of Fire. 2005 USS PosĂ©idon (TV Movie). 2003 DC 9/11: Time of Crisis (TV Movie). 2003 The Paradise Virus (TV Movie). 2002 Les fantĂ´mes de High River (TV Movie).  2002 PĂ©ril sur Sydney (TV Movie). 2001 La prophĂ©tie des tĂ©nèbres II. 1996: Leprechaun: Destination cosmos (Video). 1995: Leprechaun 3 (Video). 1995: Sahara (tĂ©lĂ©-film). 1994: Night of the Demon. 1989: Out of the Body. 1989: Le dernier assaut. 1988 La marque de la panthère. 1988 Strike of the Panther. 1986: Le Drive-in de l'enfer. 1986: Le secret du lac. 1986: Jenny Kissed Me. 1983: Le gang des BMX. 1982 Les traquĂ©s de l'an 2000. 1980 La rage de la casse. 1979 Le jour des assassins. 1976 Deathcheaters. 1975 L'homme de Hong Kong. 1974: The Making of Stone (TV Movie). 1973 Inside Alvin Purple (TV Movie).


"Le Drive-in de l’Enfer : prisonniers du nĂ©on, esclaves du vide"
Brian Trenchard-Smith, rĂ©alisateur anglais prolifique, reste surtout connu pour le cultissime Les TraquĂ©s de l’an 2000 et la sympathique sĂ©rie B Le Gang des BMX. Mais en 1986, il revient en force avec une pelloche encore plus barrĂ©e, portĂ©e par un concept aussi improbable que ridicule - comme le suggère sans dĂ©tour son titre : Le Drive-in de l’Enfer.

Le pitch : dans un futur apocalyptique, après quelques Ă©chauffourĂ©es avec des flics et des ferrailleurs, un jeune marginal et sa petite amie dĂ©cident de passer la soirĂ©e dans un drive-in. Mais pendant qu’ils batifolent dans l’habitacle, on leur dĂ©robe les roues de la voiture ! Une situation grotesque, et pourtant, c’est le point de bascule. Très vite, le garçon comprend qu’il est prisonnier dans ce gigantesque parking, dirigĂ© d’une main Ă©quivoque par un taulier impassible. Au fil des jours, las de sa condition servile, il tentera de fuir ce purgatoire, au moment mĂŞme oĂą la police dĂ©verse une nouvelle cargaison d’immigrĂ©s dans le camp.

Ă€ la lecture d’un tel pitch, on se demande bien ce qui a pu traverser l’esprit de Trenchard-Smith pour conter, avec un tel aplomb, les dĂ©boires d’un loser et de sa compagne, sĂ©questrĂ©s au cĹ“ur d’un drive-in dĂ©gĂ©nĂ©rĂ©, forcĂ©s Ă  cohabiter avec une populace de punks et marginaux dĂ©cĂ©rĂ©brĂ©s. Le film adopte la forme d’un huis clos futuriste aux allures de bande dessinĂ©e : graffitis criards sur les façades, costumes dĂ©bridĂ©s, typologies grotesques. Mais derrière le vernis, la narration patauge dans une affligeante banalitĂ©. Notre hĂ©ros, timorĂ© et sans relief, flirte avec l’inexpressivitĂ© ; sa compagne, en veilleuse permanente, bavasse avec les zonards entre deux provocations et quelques vaines tentatives d’Ă©vasion.

Et pourtant... Aussi trivial que singulier, Le Drive-in de l’Enfer tire son Ă©trange magnĂ©tisme de son concept absurde d’embrigadement forcĂ©, de ce microcosme en dĂ©composition morale, et du portrait rĂ©trograde d’une communautĂ© excentrique, en roue libre. Un immense drive-in hĂ©rissĂ© de carcasses calcinĂ©es, de nĂ©ons blafards, de fast-foods pour nourrir et neutraliser cette faune rĂ©sidente. Chacun tue le temps dans l’oisivetĂ© la plus complète, tandis que notre hĂ©ros - un peu moins passif que les autres - rĂŞve d’Ă©vasion, avec une obstination de plus en plus martiale. Et dans son dernier acte, le film bascule enfin : gunfights, poursuites, cascades... mis en scène avec une maladresse attendrissante, presque touchante dans sa dĂ©mesure.


Aberration filmique venue de nulle part, et bannie des salles hexagonales, Le Drive-in de l’Enfer s’impose comme une hallucinante curiositĂ© bis, joyeusement foutraque malgrĂ© une narration farcie d’incohĂ©rences et d’absurditĂ©s (comment ce drive-in a-t-il pu ĂŞtre transformĂ© en camp retranchĂ© du jour au lendemain ?). Un dĂ©lire surrĂ©aliste, totalement dĂ©connectĂ© du rĂ©el, qui fonctionne Ă  plein tube dans sa logique propre, pour peu qu’on s’abandonne Ă  son dĂ©lire dĂ©complexĂ©. Un OVNI dĂ©licieusement impayable et littĂ©ralement en envoĂ»tant - Ă  condition de faire abstraction de l’affiche racoleuse, gĂ©nial pastiche bon marchĂ© d’Orange MĂ©canique.
À (re)découvrir, absolument.

— le cinĂ©phile du cĹ“ur noir
3èx. 02.08.25 Vostf

mercredi 21 septembre 2016

STARRY EYES

                                                                               Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Kevin Kolsch et Dennis Widmyer. 2014. U.S.A. 1h38. Avec Alex Essoe, Amanda Fuller, Noah Segan, Fabianne Therese, Shane Coffey, Natalie Castillo.

Inédit en salles en France. Sortie U.S: 14 Novembre 2014.

FILMOGRAPHIE: Kevin Kolsch et Dennis Widmyer sont des rĂ©alisateurs, producteurs et scĂ©naristes amĂ©ricains.
2016: Holidays (segment "Valentine's Day"). 2014: Starry Eyes. 2009: Absence. 2003: Postcards from the Future: The Chuck Palahniuk Documentary (Documentaire).


InĂ©dit en salles en France et sous support numĂ©rique, Starry Eyes porte la signature de deux rĂ©alisateurs nĂ©ophytes si bien qu'il s'agit de leur second long-mĂ©trage si j'occulte leur documentaire (Postcards from the Future: The Chuck Palahniuk Documentary). Jeune serveuse de fast-food en intermittence, Sarah rĂŞve d'accĂ©der Ă  la consĂ©cration en postulant pour un rĂ´le majeur de film d'horreur. Mais sa rencontre avec un Ă©minent producteur va l'influencer Ă  arpenter un voyage au bout de l'enfer. Alors que The Neon Demon de Nicolas Winding Refn fut accueilli en grande pompe Ă  la montĂ©e des marches de Cannes et qu'une majoritĂ© du public et de la critique l'encensèrent, Starry Eyes sort dans l'indiffĂ©rence gĂ©nĂ©rale comme en tĂ©moigne notamment sa discrète sortie en salles ricaines. Car prenant pour thèmes similaires l'Ă©litisme et le culte de la cĂ©lĂ©britĂ© qu'une jeune comĂ©dienne en herbe tente d'accĂ©der avec constance dĂ©sespĂ©rĂ©e, Starry Eyes Ă©pouse la carte d'une horreur psychologique hĂ©ritĂ© du cinĂ©ma de Lynch et de Polanski.


Tant par sa mise en scène expérimentale s'efforçant de distiller un malaise lestement palpable chez le portrait d'une héroïne en mal d'amour et de reconnaissance que de ses décors opaques provocant un sentiment d'insécurité éthéré lorsque Sarah auditionne face au témoignage présomptueux de deux jury. Par le biais de son cheminement psychologique endurant et contradictoire à céder ou à refuser le chantage d'un producteur lubrique, Starry Eyes constitue une charge virulente contre l'industrie prolifique du 7è art quand bien même nos deux auteurs n'hésitent pas à y dénoncer leurs méthodes immorales à repousser les limites de la bienséance lorsqu'une jeune actrice est forcée de se mettre à nu devant une caméra voyeuriste. Jusqu'où peut-on exploiter son éventuel talent au risque de provoquer chez le sujet une dégénérescence morale en perte identitaire ? Métaphorique quant au vampirisme de ces producteurs dénués d'humanité, Starry Eyes emprunte le genre fantastique pour mieux nous ébranler et semer la confusion chez l'esprit névrosé d'une actrice en perte de repères. Le spectateur étant témoin de ces agissements et réflexions personnelles avec une attention si scrupuleuse que l'on s'identifie viscéralement à sa déchéance immorale ! Ce qui nous converge à un dernier acte littéralement cauchemardesque si bien que le réalisme d'un gore crapuleux nous imposera des exactions à la limite du soutenable ! On peut d'ailleurs reprocher la facilité à laquelle les réalisateurs font preuve pour clôturer leur intrigue hermétique alors que l'impact émotionnel de ses séquences horrifiques escarpées nous dérangent par le refus du hors-champ !


"Le comédien est une personne atteinte de schizophrénie (in)contrôlée."
Bad trip expĂ©rimental jusqu'au-boutiste dans sa vision terrifiante d'une industrie hollywoodienne pactisant avec le mythe de Faust, Starry Eyes met Ă  mal les sens du spectateur partagĂ© entre l'effroi et l'empathie d'une victime soumise par le Mal. Pour parachever, on peut saluer le talent et la beautĂ© virginale d'Alex Essoe se livrant (et se transformant) corps et âme face camĂ©ra avec une acuitĂ© viscĂ©rale. 

Dédicace à George Abitbol
B-M

mardi 20 septembre 2016

Savage week-end

                                                    Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site mondoconfidential.wordpress.com

de David Paulsen  et John Mason Kirby (non crĂ©ditĂ©). 1976/79. 1h28. U.S.A. Avec Christopher Allport, Jim Doerr, David Gale, Devin Goldenberg, Marilyn Hamlin, Caitlin O'Heaney, Jeff Pomerantz, William Sanderson.

Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: David Paulsen est un réalisateur, producteur et scénariste américain.
1976/79: Savage Week-end. 1980: SchizoĂŻd.


                                                              Chronique express

Une curiositĂ© bis inĂ©dite en salles en France mais tout juste exhumĂ©e de l’oubli grâce Ă  notre Ă©diteur chĂ©ri, Artus Films ! En dĂ©pit de la maladresse Ă©vidente de sa mise en scène, du jeu superficiel de ses comĂ©diens mĂ©connus, de dialogues risibles et d’incohĂ©rences narratives (notamment les motivations vaseuses du tueur), Savage Weekend parvient Ă  distiller un climat malsain tout Ă  fait permĂ©able, nourri de sĂ©quences lubriques parfois audacieuses (la traite de la vache !) que des protagonistes interlopes s’Ă©changent sans fin pour tromper l’ennui. Qui plus est, en exploitant avec soin le cadre bucolique d’une nature idyllique, le film dĂ©gage un pouvoir d’envoĂ»tement permanent (un miracle !), renforcĂ© par le parti-pris bricolĂ© d’une mise en scène documentĂ©e, solidement ancrĂ©e dans son Ă©poque symptomatique des seventies.

Une sĂ©rie B très Ă©trange donc, psycho-killer avant-coureur, Ă  dĂ©couvrir avec attention pour les inconditionnels de curiositĂ©s marginales expĂ©rimentales… 

— le cinĂ©phile du cĹ“ur noir

23.08.25.
2èX. Vost