Crash. Prix spécial du jury, Cannes 1996.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviemezzanine.com

de David Cronenberg. 1996. Canada/Angleterre. 1h40. Avec James Spader, Deborah Kara Unger, Elias Koteas, Holly Hunter, Rosanna Arquette, Peter MacNeill.

Sortie salles France: 17 Juillet 1996 (interdit aux - de 16 ans).

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada). 1969: Stereo. 1970: Crimes of the Future. 1975: Frissons. 1977: Rage,1979: Fast Company. 1979: Chromosome 3. 1981: Scanners. 1982: Videodrome. 1983: Dead Zone. 1986: La Mouche. 1988: Faux-semblants. 1991: Le Festin nu. 1993: M. Butterfly. 1996: Crash. 1999: eXistenz. 2002: Spider. 2005 : A History of Violence. 2007: Les Promesses de l'ombre. 2011: A Dangerous Method. 2012: Cosmopolis. 2014:Maps to the Stars.

Couronné du Prix spécial du Jury à Cannes mais sifflé par une partie du public et de la critique, Crash ne pouvait qu’attiser scandale et polémique - tout comme le roman de J. G. Ballard dont il est tiré, au point qu’un éditeur conseilla à l’auteur d’aller consulter un psychiatre après lecture (ah c'te blague !). 

Petite anecdote personnelle : à la sortie de la projection cannoise, je me souviens d’un sexagénaire interrogé par un journaliste de Canal+. Sa réponse, glaciale, tranchait sans détour : selon lui (pisse-froid absolu), Crash n’était qu’une œuvre provocatrice fondée sur la vacuité et le non-sens.

Expérience sexuello-morbide d’une audace incongrue - à côté, Basic Instinct paraît bien sage -, Crash dépeint avec un réalisme vénéneux et diaphane le fétichisme sexuel d’automobilistes trouvant l’extase dans les courses et les carambolages. Fascinés par les plaies ouvertes, les cicatrices béantes et la chair martyrisée par les collisions, ils vivent leurs pulsions au cœur même du métal broyé. Scène anthologique : la reconstitution de l’accident de James Dean, observée par une poignée de spectateurs avec une fascination aussi perverse que morbide. Autre moment glaçant : James Spader, Elias Koteas, Holly Hunter et Rosanna Arquette hypnotisés devant un reportage télévisé sur les crashs et leurs victimes. Il faut le voir pour le croire. 

Entre perversion, fantasme, sadomasochisme, obsession et jouissance d’une déviance sexuelle sublimée par le fétichisme des carrosseries, Crash accumule les provocations érotiques, flirtant parfois avec la pornographie, mais toujours avec une originalité vrillée. Cronenberg filme ces étreintes mécaniques avec un formalisme clinique, nous immergeant dans leur délire extatique jusqu’à nous confronter à notre propre voyeurisme. La vigueur visuelle, l’inventivité des ébats et l’abandon fiévreux des comédiens - possédés par le culte de la luxure - révèlent une émotion purement sensitive, trouble, magnétique.

Expérience baroque et licencieuse, Crash est une catharsis jusqu’au-boutiste, une plongée dans le désir pulsionnel qui cherche sa jouissance en transgressant l’interdit. À la frontière de la science-fiction - l’un des personnages rêve de remodeler le corps humain par la technologie - (remember Tetsuo), le film dérange, déconcerte, fascine et séduit. Subversif jusqu’à l’os, il fantasme une nouvelle chair de métal et de cicatrices. L’un des films les plus singuliers et scandaleux du maître, œuvre hantée et hallucinée à redécouvrir urgemment. 

Public averti.

— le cinéphile du cœur noir

18.11.16. 3èx
13.07.01

MISS PEREGRINE ET LES ENFANTS PARTICULIERS

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"Miss Peregrine's Home for Peculiar Children" de Tim Burton. 2016. 2h07. U.S.A. Angleterre. Belgique. Avec Eva Green, Asa Butterfield, Ella Purnell, Samuel L. Jackson, Terence Stamp, Chris O'Dowd, Judi Dench.

Sortie salles France: 5 Octobre 2016. U.S: 30 Septembre 2016

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie.
1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine et les Enfants particuliers.

Nouveau projet fantastique de Tim Burton inspiré du roman éponyme de Ransom Riggs, Miss Peregrine et les Enfants particuliers possède l'atout d'élever le genre avec une évidente ambition par son intrigue atypique truffée d'invention, de mystère et de suspense. La trame en deux mots, la quête de vérité d'un adolescent à connaître les raisons de la mort inexpliquée de son grand-père, ancien vétéran d'après-guerre. Sur ce point, la première heure s'avère franchement réussie lorsque notre héros juvénile tente de percer les tenants et aboutissants qui entourent la famille de Miss Peregrine (Eva Green et son sempiternel charme vénéneux !) confinée sur une île et répétant inlassablement la même journée existentielle. Chaque enfant ayant un don particulier, notamment afin de se prémunir de l'hostilité de monstres avides d'immortalité et d'aspiration à retrouver leur enveloppe humaine. Empruntant les thèmes passionnants de la boucle temporelle et des univers parallèles, Tim Burton les exploitent immodérément avec l'exubérance d'un script fourmillant de détails inquiétants, de rebondissements et péripéties vrillés en alternant fantaisie féerique et macabre.

Cette mosaïque des genres si chère au réalisateur parvient sans difficulté à nous envoûter si bien que certaines séquences déconcertantes surprennent d'autant plus par leur tonalité effrayante (les apparitions décharnées des Estres réveillent nos peurs enfantines jusqu'au malaise !). Il est d'ailleurs préférable d'avertir le jeune public que ce spectacle bigarré n'est pas conçu pour eux en dépit des plages romanesques que se partagent Jake (le héros) et Emma, et de la caractérisation prévenante de Miss Peregrine, directrice (de la boucle temporelle) assez indiscernable au premier abord. Là où le bas blesse (mais ça ne concerne que mon avis subjectif d'un premier visionnage !), c'est au niveau de l'ossature de son dernier acte (un peu /beaucoup trop) riche en actions et révélations en roue libre si bien que j'ai fini par décrocher le fil narratif du fait des multiples directions qu'empruntent nos protagonistes pour déjouer le mal. Il s'y dégage alors à mon sens un sentiment de confusion et de désordre au sein de stratégies d'attaques et de défense mal coordonnées quand bien même nos héros ont peine à susciter une vibrante émotion par leur élan héroïque !

Sans doute perfectible et inachevé, faute à une intrigue décousue un peu trop hirsute quant aux enjeux que se disputent le Bien et le Mal derrière le spectre du nazisme, et la profusion d'FX numériques désincarnés, Miss Peregrine et les Enfants particuliers arbore toutefois un univers hermétique assez fascinant sous l'impulsion gentiment attachante d'héros juvéniles en panne de souffle passionnel. 

PETER ET ELLIOTT LE DRAGON

                                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Pete's Dragon" de David Lowery. 2016. U.S.A. 1h43. Avec Oakes Fegley, Bryce Dallas Howard, Oona Laurence, Wes Bentley, Karl Urban, Robert Redford.

Sortie salles France: 17 Août 2016. U.S: 12 Août 2016

FILMOGRAPHIE: David Lowery est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2005: Deadroom. 2009: St Nick. 2013: Les Amants du Texas. 2016: Peter et Elliott le dragon. 2017: The Old Man and the Gun. 2019: Peter Pan.

Remake éponyme d'un classique de Disney réalisé en 1977, Peter et Elliott le dragon renoue avec la grâce du divertissement familial dans son éloge aux bons sentiments auquel l'émotion permanente fera chavirer le coeur des enfants parmi la complicité parentale (du moins pour ceux ayant su préserver leur âme candide). Quand bien même les plaideurs de la cause animale seront attentifs au réalisme de la créature chimérique confectionnée en images de synthèse, la rigueur des FX numériques s'avérant optimale en dépit de l'aspect délibérément peluche du dragon (fourrure vert fluo à l'appui !). Tant pour la fluidité de sa gestuelle, de ses expressions faciales sentimentales, de ses déplacements terrestres que pour ses envolées lyriques déployées sous un ciel solaire ou crépusculaire ! Bref, nous nous attachons pleinement au destin de l'animal si bien que nous nous mettons à la place de notre héros juvénile (Oakes Fegley, désarmant de naturel par sa pureté fragile et son héroïsme débrouillard) dans son désir de préserver la vie d'Elliott soudainement étrillé par la cupidité d'un chasseur avide de gloire !

Et le miracle de se produire ! Car aussi prévisible soit son cheminement éculé, Peter et Elliott le dragon réinvente le pouvoir d'enchantement sous la tradition universelle du conte de fée. Une histoire d'amitié débordante de tendresse et d'attention entre un garçon en berne (le prologue tragique illustrant avec subtile suggestion sa situation orpheline s'avère particulièrement rude dans sa vigueur dramatique !) et ce dragon ayant la faculté de se rendre invisible afin de feindre l'hostilité de l'homme ! Au passage, le cinéaste arbore un manifeste écolo contre la déforestation et la pratique de la chasse que des bûcherons exercent machinalement après avoir exploité un terrain de sapins ! Provoquant une immense empathie chez ce duo singulier à la fidèle complicité, David Lowery a bien saisi le vrai sens du cinéma consistant avant tout à croire à ce que l'on raconte. Car aussi improbable et naïve soit sa simplicité narrative, Peter et Elliott le dragon parvient à nous réveiller notre instinct d'enfant pour nous immerger (sans aucune prétention !) dans un univers onirique afin de nous remémorer nos souvenirs les plus enchanteurs restés en veille dans un p'tit coin de notre encéphale ! Pour conclure, on peut également souligner la substantialité des seconds-rôles paternels (Robert Redford notamment en papy doux-rêveur !) aussi attachants dans leur cohésion charitable à prémunir la cause des enfants !

Maelstrom d'émotions lyriques et candides que David Lowery parvient à cristalliser avec vibrante sincérité (une démarche digne devenue rare chez l'écurie Disney !), Peter et Elliott le dragon compte sur sa simplicité narrative et les sentiments fringants des personnages pour scander une éloge au rêve et à l'évasion (croire en l'impossible afin de l'exaucer !) sous le pilier d'une cause animale. La nouvelle magie Disney semble alors renouer avec la noblesse des anciens classiques en alternant larmes de chagrin et d'allégresse ! 

B-M

LES FLICS NE DORMENT PAS LA NUIT

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site premiere.fr

"The New Centurions" de Richard Fleischer. 1972. U.S.A. 1h43. Avec George C. Scott, Stacy Keach, Jane Alexander, Scott Wilson, Rosalind Cash, Erik Estrada, Clifton James, Richard E. Kalk, James Sikking, Beverly Hope Atkinson.

Sortie salles France: 11 Janvier 1973. U.S: 3 Août 1972

FILMOGRAPHIE: Richard Fleischer (né le 8 décembre 1916 à Brooklyn, New-York, décédé le 25 Mars 2006 de cause naturelle) est un réalisateur américain.
1952: l'Enigme du Chicago Express, 1954: 20 000 lieux sous les mers, 1955: les Inconnus dans la ville, 1958: les Vikings, 1962: Barabbas, 1966: le Voyage Fantastique, 1967: l'Extravagant Dr Dolittle, 1968: l'Etrangleur de Boston, 1970: Tora, tora, tora, 1971: l'Etrangleur de Rillington Place, 1972: Terreur Aveugle, les Flics ne dorment pas la nuit, 1973: Soleil Vert, 1974: Mr Majestyk, Du sang dans la Poussière, 1975: Mandingo, 1979: Ashanti, 1983: Amityville 3D, 1984: Conan le destructeur, 1985: Kalidor, la légende du talisman, 1989: Call from Space.

Polar noir des années 70 relatant avec un réalisme scrupuleux la chronique sociale de deux policiers en remise en question pour leur déontologie, les Flics ne dorment pas la nuit surprend par sa fragilité humaniste que George C. Scott (étonnant de présence rassurante et de charisme émérite !) et Stacy Keach retransmettent avec une vérité prude. Ce dernier insufflant une vigueur poignante dans sa fonction de flic infortunée partagé entre le désir de servir honorablement l'état ou au contraire de céder à la démission afin de préserver une nouvelle vie conjugale. Dans un commissariat de Los Angeles, la jeune recrue Roy Fehler et son adjoint Andy Kilvinski, briscard prochainement à la retraite, sillonnent en véhicule les rues malfamées d'un quartier réputé difficile. Macs, prostituées, mari violent, drogués, immigrés clandestins, escrocs, criminalité sont le lot quotidien de leur patrouille nocturne quand bien même la peur et la mort vont sévèrement les mettre à l'épreuve. 

A travers leurs errances nocturnes qu'ils parcourent avec bravoure et probité mais aussi amertume dans leur prises de risques inconsidérées face à la misère sociale et à une délinquance arrogante, Richard Fleischer s'efforce de rendre hommage au corps policier dans une facture documentée sans fard. Précurseur du Buddy movie que la plupart des prochains cinéastes vont exploiter sous une facture plus ludique, voir pittoresque, Les Flics ne dorment pas la nuit impose une dramaturgie en chute libre quant aux vicissitudes de ce duo policier affecté par le doute, le désespoir et le repli sur soi. Faute d'une vie de famille impossible à construire et d'une série d'incidents impromptus que leur profession leur contraint d'endurer avec un héroïsme couillu, l'intrigue multiplie les confrontations tendues ou violentes entre quidams gangrenés par le chômage, l'alcool et la drogue. Sans forcer le trait du misérabilisme et de la sinistrose, Fleischer frappe juste quant au portrait sensible projeté sur cette jungle urbaine que nos agents côtoient quotidiennement sans faire preuve de zèle. Mais ce qui interpelle avant tout à travers leur virée nocturne, c'est la touche profondément humaine que le cinéaste s'efforce de dresser à travers les personnages de Kilvinski et Roy Fehler. Ces derniers tentant fébrilement de s'accrocher à l'optimisme du jour meilleur en comptant sur l'efficacité de leur conduite héroïque.

Au fil d'un récit toujours plus imprévisible et sombre évoquant en sous-texte les thèmes de la bavure, du racisme et même de l'immigration clandestine (des sujets sensibles faisant tristement écho à notre actualité contemporaine !), les Flics ne dorment pas la nuit dressait déjà le constat pessimiste d'une police ricaine profondément fragilisée par leur désoeuvrement moral. En résulte une oeuvre dure et vulnérable, d'un réalisme parfois même perturbant (l'hallucinante séquence du bambin maltraité est à la limite du supportable !) si bien que sa conclusion abrupte ne nous épargne aucun espoir !   

15.11.16
29.04.11
B-M. 2èx

Inseminoïd / Horror Planet. Uncut Version

de Norman J. Warren. 1981. U.K. 1h36 (uncut uniquement dispo en Vostfr). Avec Robin Clarke, Jennifer Ashley, Stéphanie Beacham, Steven Grives, Barry Houghton, Rosalind Lloyd, Victoria Tennant, Trevor Thomas, Heather Wright, David Baxt.

Sortie salles France: 30 Septembre 1981. Allemagne de l'Ouest le 23 Janvier 1981 sous le titre Samen des Bösen. Royaume-Uni le 22 mars 1981.

FILMOGRAPHIE: Norman J. Warren, né Norman John Warren le 25 Juin 1942 à Londres en Angleterre, est un réalisateur, producteur et scénariste anglais.
1967: Her Private Hell, 1968: Loving Feeling, 1976: l'Esclave de Satan, 1978: Le Zombie venu d'ailleurs, 1979: Outer Touch, la Terreur des Morts-vivants, 1981: Inseminoïd, 1984: Warbirds Air Display, 1985: Person to person, 1986: Gunpowder, 1987: Les Mutants de la St-Sylvestre, 1992: Meath School, 1993: Buzz.

Modeste artisan du cinéma horrifique anglais, Norman J. Warren signe en 1981 son film le plus notoire. Sorti deux ans après le chef-d’œuvre Alien de Ridley Scott, Inseminoïd s’en inspire ouvertement, sous couvert d’une surenchère horrifique bien plus putassière, dans la veine des bisseries ritales délirantes ayant inondé les écrans de la décennie. Pour les nostalgiques, il fit d’ailleurs les beaux jours des vidéo-clubs, notamment grâce à sa tagline choc signée René Chateau : « Les films que vous ne verrez jamais à la télévision ! »

Sur la planète Xeno, les membres d’une équipe archéologique font l’hostile rencontre d’une forme de vie extraterrestre. Un cristal d’origine inconnue contamine l’une des équipières, la plongeant dans une irrépressible folie meurtrière.
À sa sortie, Inseminoïd s’imposa comme un titre phare des années 80 chez les fantasticophiles, grâce à son mélange couillu d’horreur craspec et d’ambiance fétide. L’éditeur Neo insistera d’ailleurs sur sa facture outrancière pour sa sortie DVD avec cette accroche racoleuse : « Le film qui a traumatisé toute une génération ! »

         

Le pitch, sommaire, s’articule autour de la survie précaire d’un équipage harcelé par les exactions d’une camarade devenue tueuse dans l’antre exigu d’une grotte tentaculaire.
En dépit de moyens techniques modestes, Warren confine l’action dans l’étreinte frigorifiante de galeries souterraines. Un décor caverneux d’une efficacité saisissante quand il s’agit d’instiller une angoisse permanente, malgré la psychologie superficielle des personnages, dont les actes s’enchaînent en vains défis pour éradiquer la menace.
Se succède alors, à rythme métronomique, une série de péripéties cauchemardesques, où la traque change de camp, les survivants se muant eux-mêmes en prédateurs.

Forte d’un climat rubigineux et malsain, Inseminoïd fascine, tenant en haleine grâce à ses estocades sanglantes et effrontées.
Si l’interprétation manque de relief (bien que touchante dans son cabotinage de groupe solidaire), Judy Geeson (Fear in the Night, Dominique) tire son épingle du jeu : elle campe avec outrance et abandon une meurtrière désaxée, hantée par des pulsions cannibales. Une idée nonsensique, incongrue, tout droit sortie d’une Zèderie italienne !
Et pour corser le tout, la tueuse contemple parfois l’agonie de ses victimes avec une perversité presque extatique…
Un parti pris démonstratif et cruel que Warren affectionne, mené tambour battant par une partition électro stridente et un sens du rythme haletant, jusqu’à cette séquence d’accouchement hallucinée, digne d’une décharge insalubre.

Grâce à son action en roue libre, sa violence graphique décomplexée, son esthétique glauque confinée au huis clos caverneux et sa bande-son entêtante, Inseminoïd procure ce plaisir innocent et transgressif cher aux amateurs de déviances bisseuses (aussi gratuite soit son horreur organique).
Incontournable, donc.

P.S. : La version uncut, uniquement disponible en VOSTFR, reste dispensable : elle n’apporte rien à la conclusion (l’arrivée d’un navire de secours constatant le carnage sur place).

*Bruno

27.01.23. 6èx. Vostf

14.11.16. 
06.07.11. (277 vues)

Récompense: Prix des Meilleurs effets spéciaux, au Fantafestival, en Italie, en 1982.
Nomination: Meilleur film à Fantasporto.

Les conditions de tournage: Pour un budget de 1 000 000 de livres, le tournage s'est déroulé durant 3 semaines dans les grottes de Chislehurst (35 kms de long), dans le sud-est du grand Londres et deux jours sur l'île Gozo, située à 4 kms de l'île de Malte. Le reste des décors a été établi en studio pour un tournage d'un semaine, dans la banlieue de Wembley (Londres).

CHARLIE ET SES DROLES DE DAMES

de Mc G. 2000. 1h38. Avec Cameron Diaz, Drew Barrymore, Lucy Liu, Bill Murray, Sam Rockwell,
Kelly Lynch, Crispin Glover, Tim Curry.

Sortie salles France: 22 Novembre 2000

FILMOGRAPHIE: Joseph McGinty Nichol, dit McG, est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 9 août 1968 à Kalamazoo (Michigan). 2000 : Charlie et ses drôles de dames (Charlie's Angels). 2003 : Charlie's Angels 2. 2006 : We Are Marshall. 2009 : Terminator Renaissance. 2012 : Target. 2014 : 3 Days to Kill. 2016 : The Babysitting.

Chronique express.

Blockbuster estampillé tous publics, Charlie et ses drôles de dames constitue un divertissement gogo 100% fun et jouissif dans son panel de bastons martiales et cascades chorégraphiques étonnement LISIBLES (à contre emploi des prods actuelles donc) au sein d'un cadre esthétique rutilant oscillant décors exotiques, boites de nuits et luxueuses villas. L'intrigue frivole (non exempt de rebondissements certes convenus) n'étant qu'un prétexte pour aligner sans modération un enchaînement de rixes endiablés sous l'impulsion pétulante de 3 sexy girls ivres d'aventures et de romance (mention spéciale au tempérament impétueux de la bombasse Cameron Diaz !) et sous la contribution musicale d'une BO survoltée !

Si on s'amuse autant comme des gosses durant leur cheminement fantasque c'est grâce à l'approche décomplexée d'un cinéaste ne prenant jamais au sérieux son intrigue débridée et parvenant même à transcender l'improbabilité de l'action dans le domaine du crédible.

Bref, un pop-corn movie (plaisir coupable ou nanar de luxe c'est selon !) plein de charme et d'adrénaline au point de nous donner la pêche avec un sourire de bambin extatique ! Vite la suite !

B-M

On prend les mêmes et on recommence, avec trois fois plus de super méchants (dont l'entrée en scène de la tigresse Demi Moore !) et de bravoures homériques siphonnées du bulbe !

Reprenant à peu de choses près le même schéma narratif, une séquelle aussi réussie que son homologue misant l'accent sur la semi-parodie dans son brassage de cocasserie, d'érotisme infantile, d'action déjantée et de références cinégéniques. Crevant l'écran à chacune de leurs apparitions (prédilection pour le tempérament impétueux de Cameron Diaz), nos 3 wonder womens au sourire ultra bright perdurent dans l'affrontement avec un héroïsme oriental aussi dégénéré qu'improbable. Comme pour son précédent modèle, et pour faire passer la pilule de la surenchère (on se rapproche clairement d'un film de super-héros !), le réalisateur mise sur le second degré afin de justifier sa débauche pyrotechnique ! Et ça fonctionne du tonnerre dans la majorité des situations toutes plus folingues !  

Un second plaisir coupable donc beaucoup plus impressionnant en terme d'action (numérique) calibrée, rehaussé d'un grain de folie que sa galerie effrontée de personnages excentriques traduit avec une dérision irrésistiblement cartoonesque.  

B-M

AVATAR

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site yourentertainmentnow.com

de James Cameron. 2009. U.S.A. 2h42. Avec Sam Worthington, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodríguez, Zoe Saldana, Wes Studi, CCH Pounder, Laz Alonso.

Sortie salles France: 16 Décembre 2009. U.S: 18 Décembre 2009

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada)
1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar.

Succès planétaire public et critique au profit d'un budget pharaonique, Avatar prône le Blockbuster familial sous l'effigie d'une 3D révolutionnaire ! Outre l'expérience sensitive qu'il suscite avec ce relief immersif, Avatar peut autant se savourer en version plate si bien que le sentiment d'évasion que Cameron parvient à nous procurer nous laisse béa d'admiration. De par la perfection d'effets-spéciaux numériques à la pointe de la technologie et du réalisme conféré à ses décors naturels artificiels. La planète bucolique Pandora se dévoilant sous nos yeux avec une harmonie lyrique ! La tribu aborigène des Na'vy doit bientôt se confronter à l'hostilité d'une armée américaine désireuse de leur dérober un minerai qui pourrait résoudre la crise énergétique sur Terre. Avec le subterfuge d'un clonage de Na'vy combiné à des gènes humains, Jake Sully infiltre leur tribu afin de gagner leur confiance et les inciter à quitter les lieux. En plein apprentissage de leur coutume guerrière et écolo, il finit par s'attacher à leurs liens familiaux au moment même ou il s'éprend d'amour pour Neytiri.

En créateur d'univers chimérique et de créatures humanoïdes jamais vus au préalable, James Cameron nous offre un spectacle à la fois épique et onirique au travers d'une intrigue truffée de thèmes tristement actuels. Manifeste contre le militarisme, l'impérialisme, le capitalisme, le racisme et la deforestation (on songe à la condition amazonienne), Avatar constitue une leçon d'enseignement pour les générations futures sous couvert d'une préservation écolo (la faune et la flore bafouées par l'homme constituant l'épice des enjeux bellicistes !). Science-fiction, fantastique, guerre, romance se chevauchant habilement sous l'impulsion d'une dimension humaniste si bien que James Cameron parvient à donner chair à ces humanoïdes avec une candeur souvent poignante. C'est dire l'exploit technique qu'il est parvenu à transfigurer en donnant vie à ces E.T d'un genre nouveau (leur corps longiligne contrastant avec leur épiderme d'une teinte azur !). Par ailleurs, en réinterprétant l’histoire coloniale de l’Amérique contre les amérindiens, Cameron exploite intelligemment le Blockbuster homérique par la noble cause d'une ethnie démunie mais pétrie d'espoir, de bravoure et de dignité afin de ne pas céder au chantage impérieux.

Le Blockbuster dans son apparat novateur !
Leçon d'apprentissage et de tolérance auprès des ethnies étrangères, respect pour l'environnement naturel mais aussi pour le sacre des sépultures (réflexion spirituelle en sus !), Avatar constitue un magnifique récit initiatique sous le pilier d'un transfuge en rédemption romantique. Nanti d'un souffle épique vertigineux et d'un lyrisme capiteux par le biais de décors édéniques, Avatar envoûte notre sentiment d'évasion avec une acuité humaine bouleversante.

B-M. 2èx

Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain. César du Meilleur Film, 2002.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Jean Pierre Jeunet. 2001. France. 2h02. Avec Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Jamel Debbouze, Clotilde Mollet, Claire Maurier, Isabelle Nanty, Dominique Pinon, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Urbain Cancelier, Maurice Bénichou, Michel Robin, Andrée Damant, Armelle, Claude Perron, André Dussollier, Flora Guiet .

Sortie salles France: 25 Avril 2001. U.S: 2 Novembre 2001

FILMOGRAPHIE: Jean Pierre Jeunet est un réalisateur et scénariste français né le 3 Septembre 1953 à Roanne, Loire. 1978: l'Evasion (court), 1980: Le Manège (animation de marionnettes), 1981: Le Bunker de la dernière rafalle (court 26 mns coréalisé avec Marc Caro), 1984: Pas de repos pour Billy Brakko (court), 1989: Foutaises, 1991: Delicatessen (coréalisé avec Marc Caro), 1995: La Cité des Enfants perdues (coréalisé avec Marc Caro), 1997: Alien, la Résurrection, 2001: Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2004: Un Long Dimanche de Fiançailles, 2009: Micmacs à Tire-larigot. 2013: L'Extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spive.

"Il n’y a que deux façons de vivre sa vie : l’une en faisant comme si rien n’était un miracle, l’autre en faisant comme si tout était un miracle."

8 636 041 entrées lors de sa sortie rien que sur notre territoire (aujourd'hui, il cumule 32 405 858 entrée à travers le monde), une vingtaine de récompenses internationales, une contribution musicale proverbiale de Yann Tiersen (BO écoulée à plus d'1 million d'exemplaires, César de la meilleure bande originale), Le Fabuleux Destin d'Amélie poulain déchaîna les passions d'un public galvanisé par ces bulles d'allégresse. Hymne existentiel nappé de nostalgie, message d'espoir et d'optimisme auprès de la conquête des coeurs, cantique au charme discret des petites choses de la vie par le biais de tocs et des saveurs culinaires, Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain exalte le rêve sous l'impulsion d'une (fée) philanthrope avide d'y bouleverser l'existence de son entourage. Car fuyant l'ennui et la solitude depuis sa difficile enfance sans affection parentale, Amélie s'empresse de se soucier des autres en leur élaborant des stratégies fructueuses afin d'y semer le bonheur sur leur cheminement personnel.

Illuminé de la présence candide d'Audrey Tautou, elle transfigure son portrait altruiste avec une fantaisie démiurge. Car discrètement gadin, introvertie, redoutablement timorée lorsqu'il s'agit de conquérir le coeur d'un inconnu, Amélie doit affronter l'épreuve du dépassement de soi, l'audace de transgresser ses peurs afin d'extérioriser ses propres sentiments. D'une inventivité endémique dans son lot de détails déjantés à la poésie évocatrice (notamment celle en rapport à l'enfance) et de situations cocasses où le baroque se disputent à l'effronterie, le destin singulier d'Amélie converge à l'endurence du jeu de piste romantique depuis sa remise en question d'y préfigurer son propre bonheur. Avec sa scénographie chaleureuse d'un paris provincial où cohabitent les petites gens, Jean Pierre Jeunet esthétise son cadre de carte postale parmi les teintes criardes de rouge, de vert et de jaune. Sous l'impulsion de ces citadins loufoques, caractériels, aigris, provocateurs, névrosés, voirs désespérément esseulés, Jeunet leur rend hommage avec un humanisme pétri de tendresse. Ainsi, par l'entremise de notre héroïne redresseuse de tort, telle une Zorro en juppe courte, le fabuleux destin d'Amélie Poulain ne cesse d'y prodiguer l'intensité du moment présent de par la fausse banalité de notre quotidienneté, quand bien même d'autres se morfondent dans le regrêt de n'avoir pu saisir leur chance au moment propice (j'en suis témoin).

La vie est un miracle
Instant d'émotions candides où l'onirisme enchanteur, l'humour coquin et le vertige amoureux se renouvellent sans cesse sous le tempérament pétulant de comédiens fantasques, le Fabuleux destin d'Amélie Poulain scande la festivité existentielle. Celle d'y dévorer sans complexe l'instant présent à l'instar d'une aventure riche en surprises et expériences humaines quand on s'y donne les moyens de les provoquer ! Une fulgurance féérique de tous les instants qu'Amélie nous prodigue généreusement avec une grâce scintillante. En d'autres termes, offrez le bonheur à votre entourage, ils vous le rendront.

B-M. 4èx

12.10.24

Récompenses:
Festival international du film de Karlovy Vary 2001 : Globe de cristal
Festival international du film de Toronto 2001 : People's Choice Award
Festival international du film de Chicago 2001 : Prix du public
Festival international du film d'Édimbourg 2001 : Prix du public
Festival du film de Cabourg 2001 : Prix du meilleur acteur pour Mathieu Kassovitz
Prix du cinéma européen 2001 :
People's Choice Award du meilleur film européen
Meilleur réalisateur pour Jean-Pierre Jeunet
Meilleure photographie
César 2002 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Jean-Pierre Jeunet
Meilleure musique originale pour Yann Tiersen
Meilleurs décors pour Aline Bonetto
Critics Choice Awards 2002 : meilleur film en langue étrangère
BAFTA Awards 2002 :
Meilleur scénario original pour Guillaume Laurant et Jean-Pierre Jeunet
Meilleure direction artistique pour Aline Bonetto
Prix Amanda 2002 : meilleur film étranger
Prix Goya 2002 : meilleur film européen
Prix Lumières 2002 :
Meilleur film
Meilleure actrice pour Audrey Tautou
Meilleur scénario
Lions tchèques 2002 : meilleur film étranger
Guldbagge Awards 2002 : meilleur film étranger
Independent Spirit Awards 2002 : meilleur film étranger
Prix Sant Jordi du cinéma 2002 : meilleure actrice étrangère pour Audrey Tautou
London's Favourite French Film 2004 : prix des internautes

Alice ou la dernière fugue

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site festival-gerardmer.com

de Claude Chabrol. 1977. France. 1h33. Avec Sylvia Kristel, Charles Vanel, André Dussollier, Bernard Rousselet, Fernand Ledoux, Jean Carmet, François Perrot.

Sortie salles France: 19 Janvier 1977.

L’ultime passage d’Alice

(Entre les limbes et la lumière).

Unique incursion de Claude Chabrol dans le fantastique, Alice ou la dernière fugue est une invitation au rêve, une dérive sensorielle dans l’errance d’une jeune femme piégée dans un monde sans repères. 

Lassée de sa vie conjugale avec son amant, Alice quitte le foyer et s’aventure vers une contrée inconnue. Sous une pluie battante, elle trouve refuge dans une vaste demeure nichée à la lisière d’un bois. Accueillie chaleureusement par un domestique affable, elle fait la connaissance du maître des lieux - si bien qu’elle accepte de passer la nuit parmi eux. Mais au matin, face à leur absence inexpliquée, elle tente de quitter la maison… pour découvrir qu’elle reste enfermée dans cet ailleurs sans issue.

Étrange, insolite, nonsensique, Alice ou la dernière fugue s’impose comme une expérience fantasmagorique irriguée par l’irrationnel. L’héroïne croise des figures tantôt excentriques, tantôt équivoques, au gré d’un cheminement en boucle, labyrinthique. Enraciné dans une nature vibrante que viennent troubler de légers soubresauts du réel - comme cette subtile rupture temporelle - le récit glisse peu à peu vers une douce inquiétude. Alice, guidée par son instinct aventureux, se heurte à des interlocuteurs volontiers provocateurs, presque hostiles (il est interdit de leur poser des questions !).

Portée par la beauté lunaire de Sylvia Kristel, inoubliable Emmanuelle, le film trouve son cœur battant. L’actrice insuffle à son personnage une grâce lascive, tout en pudeur et en sagesse, même lorsque Chabrol s’autorise un bref dévoilement de son corps, comme une offrande éthérée d’érotisme mélancolique. Curieuse, fragile, et pourtant paisible face aux mystères d’une demeure gothique, Alice tente d’en percer les secrets, au rythme de journées qui se répètent - visages croisés, phénomènes étrangement anodins, rituels absurdes. Grâce à la présence presque spectrale de Kristel, et au brio de Chabrol dans l’orchestration d’un décor à la fois gothique (la maison sombre, délabrée) et solaire (le jardin éclatant de lumière), le film nous immerge dans un rêve clos, suspendu dans l’instant. Unique en son genre. 

"La vie n’est qu’un long rêve dont la mort nous réveille."

Réflexion métaphysique sur la perception de la réalité, catharsis silencieuse sur l’acceptation de la mort, Alice ou la dernière fugue est l’une des rares pépites du fantastique français à réellement nous plonger dans un onirisme abscons, bientôt identifiable. Si la révélation finale se devine en filigrane, l’essence du film réside ailleurs : dans cette atmosphère feutrée, ensorcelante, où le surnaturel se drape de douceur et d’épure. Un joyau d’élégance et de mélancolie transcendé par Chabrol et par la divine Sylvia Kristel. Sans oublier la présence précieuse des excellents seconds rôles : Jean Carmet, André Dussollier, et surtout Charles Vanel, en énigmatique gardien des limbes.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Dédicace à Philippe Beun-Garbe

FILMOGRAPHIE: Claude Chabrol est un réalisateur français, producteur, acteur, scénariste et dialoguiste, né le 24 juin 1930, décédé le 12 septembre 2010.
1959 : Le Beau Serge. 1959 : Les Cousins. 1959 : À double tour. 1960 : Les Bonnes Femmes. 1961 : Les Godelureaux. 1962 : Les Sept Péchés capitaux (segment L'Avarice avec J.-C. Brialy). 1962 : L'Œil du Malin. 1963 : Ophélia. 1963 : Landru. 1964 : L'Homme qui vendit la tour Eiffel
(segment dans Les Plus Belles Escroqueries du monde). 1964 : Le Tigre aime la chair fraîche. 1965 : Paris vu par... (segment La Muette). 1965 : Marie-Chantal contre docteur Kha. 1965 : Le Tigre se parfume à la dynamite. 1966 : La Ligne de démarcation. 1967 : Le Scandale. 1967 : La Route de Corinthe. 1968 : Les Biches. 1969 : La Femme infidèle. 1969 : Que la bête meure. 1970 : Le Boucher
1970 : La Rupture. 1971 : Juste avant la nuit. 1971 : La Décade prodigieuse. 1972 : Docteur Popaul
1973 : Les Noces rouges. 1974 : Nada. 1975 : Une partie de plaisir. 1975 : Les Innocents aux mains sales. 1976 : De Grey, un récit romanesque Téléfilm. 1976 : Les Magiciens. 1976 : Folies bourgeoises
1977 : Alice ou la Dernière Fugue. 1978 : Les Liens de sang. 1978 : Violette Nozière. 1980 : Le Cheval d'orgueil. 1982 : Les Fantômes du chapelier. 1984 : Le Sang des autres. 1985 : Poulet au vinaigre. 1986 : Inspecteur Lavardin. 1987 : Masques. 1988 : Le Cri du hibou. 1989 : Une affaire de femmes. 1990 : Jours tranquilles à Clichy. 1990 : Docteur M.1991 : Madame Bovary. 1992 : Betty
1993 : L'Œil de Vichy. (une sélection des actualités du régime de Vichy). 1994 : L'Enfer. 1995 : La Cérémonie. 1997 : Rien ne va plus. 1999 : Au cœur du mensonge. 2000 : Merci pour le chocolat (prix Louis-Delluc). 2002 : La Fleur du mal. 2004 : La Demoiselle d'honneur. 2006 : L'Ivresse du pouvoir
2007 : La Fille coupée en deux. 2008 : Bellamy

Death Warmed-up. Licorne d'Or au rex de Paris, 1984.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemascream.com

de David Blyth. 1984. Nouvelle-Zélande. 1h18. Avec Norelle Scott, William Upjohn, Margaret Umbers, Michael Hurst, David Letch.

Sortie salles Nouvelle-Zélande: 25 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: David Blyth est un réalisateur, scénariste et producteur néo-zélandais né 1956 à Auckland. 2013: Ghost Bride. 2010 Wound. 2004 Bound for Pleasure (Video documentary). 2001 Exposure (Video). 1997 Rouge sang. 1995 The Call Up. 1994: Kahu & Maia. 1992: My Grandpa Is a Vampire. 1990 Virus vampire. 1989 House III (non crédité). 1984 Death Warmed Up. 1983 It's Lizzie to Those Close (télé-film). 1980 A Woman of Good Character. 1978 Angel Mine.

"Dans le crâne du cauchemar".

Expérience de cinéma extrême, inédite en salles dans l’Hexagone mais bien connue des vidéophiles grâce à sa location VHS éditée par René Chateau, Death Warmed Up est une production néo-zélandaise façonnée dans un esprit dégénéré. David Blyth nous entraîne dans une sarabande infernale, jusqu’au-boutiste, portée par un maelstrom d’images frénétiques où s’entrelacent gore craspec et excentricité comportementale noyée dans la démence. Trip expérimental dégingandé - cadrages obliques, caméra à l’épaule agressive, parfois rotative - Death Warmed Up fait office d’ovni vitriolé, dont le scénario foutraque et improbable ne sert que de prétexte à cristalliser un univers déluré, voué à perdre les repères d’un spectateur médusé par ce climat d’hystérie collective.

Synopsis: Après avoir purgé sept ans en psychiatrie pour le meurtre de ses parents, Michael part à la recherche du véritable responsable : un savant fou perfide, obsédé par le secret de l’immortalité, qu’il tente d’atteindre au moyen d’horribles expériences sur des cobayes humains. Accompagné de sa compagne et d’un couple d’amis, il retrouve sa trace dans un archipel isolé. Mais sur place, ils sont bientôt agressés par des marginaux motorisés, puis pourchassés par des zombies et des infirmiers persifleurs !  

Un pitch absurde digne d’une série Z que David Blyth transcende par une inventivité formelle, malgré des décors standards réduits au minimum, et une avalanche de situations horrifiques d’une vigueur dérangeante. Le cinéaste insiste avec fureur sur des plans serrés, captant les expressions hallucinées de comédiens exaltés, avant d’exacerber la violence des corps à corps entre survivants et agresseurs. Portés par une impulsion névrosée, ces interprètes amateurs — inconnus du public français — offrent un surjeu en parfaite harmonie avec le climat bisseux de cette production indépendante née des terres néo-zélandaises.

Sous les faisceaux de lumières criardes, une partition dissonante et une scénographie fétide érigée autour d’une clinique chirurgicale - où l’on dissèque des boîtes crâniennes en gros plan - Death Warmed Up nous enferme dans un dédale malsain en chute libre. Sa dernière demi-heure, apocalyptique, s’avère aussi explosive et méchamment sanglante que tragique et vertigineuse, culminant dans un plan final d’une vigueur émotionnelle gravée dans toutes les mémoires.

Une expérience schizophrène, en roue libre, animée par une démence contagieuse.

Totalement fou, saugrenu et nonsensique (ou alors si peu), Death Warmed Up transcende l’expérience atypique d’un cauchemar sur pellicule, aussi glauque que bigarré. Un authentique film culte, justement récompensé par la Licorne d’Or à Paris, preuve que son impact visuel reste aussi probant que dépaysant - avec, en arrière-plan, comme un pied de nez ironique, l’environnement rassurant de vastes plaines verdoyantes.

— le cinéphile du cœur noir

B-M. 5èx

05.08.24. Vostfr

08.11.16

08.03.11. (161)

Récompense: Licorne d'Or au festival du film fantastique du Rex à Paris, 1984.

Les Contes de la Nuit Noire. Grand Prix, Avoriaz 91.

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site luv-movies.com

"Tales from the Darkside: The Movie" de John Harrison. 1990. U.S.A. 1h33. Avec Deborah Harry, David Forrester, Matthew Lawrence, Christian Slater, Steve Buscemi, Julianne Moore, James Remar, Rae Dawn Chong.

Sortie salls France: 15 Mai 1991.

FILMOGRAPHIE: John Harrison est un réalisateur américain et compositeur de musique de films né en 1948. Au cinéma: 1979 : Effects. 1990 : Darkside, les contes de la nuit noire. 2009: Livres de sang. A la télévision: 1995 : Donneur inconnu. 1996 : The Assassination File. 2000 : Dune (mini-série). 2005 : Supernova (téléfilm). 2008: Blank Slate. Discographie: 1983 : Creepshow. 1986 : Le Jour des morts-vivants. 1990 : Tales from the dark Side, the Movie. 2007 : Effects (B.O. du film de 1979).

N'y allons pas par quatre chemins, Les Contes de la Nuit constitue un film à sketchs (déclinaison de la série TV Histoires de l'autre monde) de ce qu'il y a de plus élémentaire, faute à des scénarios peu surprenants et d'une certaine carence de suspense et de tension. A titre de comparaison, n'importe quel épisode des Contes de la Crypte s'avère largement plus fréquentable. Je me demande alors comment une oeuvre aussi mineure ait pu autant convaincre le jury d'Avoriaz au point de lui décerner le fameux Grand Prix malgré ses qualités techniques ? Or, Outre le plaisir de retrouver à l'écran Christian Slater, Steve Buscemi et Julianne Moore et de s'impressionner de la cruauté de certaines mises à morts, le 1er sketch concernant la résurrection d'une momie par des étudiants demeure agréablement bonnard et attachant, notamment auprès de sa réalisation soignée et du jeu convaincant des jeunes acteurs aujourd'hui notoires. 

Et si le second segment bénéficie d'un montage inventif, d'un pitch un peu plus original (la vengeance d'un chat noir et les morts qu'il accumule malgré le recrutement d'un tueur à gage) et une fois encore d'effets spéciaux convaincants (l'incroyable séquence du félin pénétrant à l'intérieur de la gorge d'une victime !), son manque de rebondissements et la monotonie des situations d'appréhension sont récupérés d'une certaine efficacité dans la réalisation et la conduite du récit quelque peu atmosphérique. Et pour clore en beauté, on s'immerge avec mélancolie envoûtante dans sa dernière histoire dépeignant avec sensibilité l'histoire d'amour impossible entre un peintre et une jeune inconnue. Ce dernier ayant préalablement conclu un étrange pacte avec une créature ailée. Celui de lui promettre de garder à jamais le silence sur sa sauvage agression en guise de clémence. Bien que son cheminement narratif ne cultive pas non plus de surprises, il demeure un peu mieux conté et étoffé au niveau de la caractérisation du couple en étreinte amoureuse, notamment grâce aux attachantes prestances de James Remar et Rae Dawn Chong. Sa conclusion épouvantable et ses séquences impressionnantes sublimant l'iconographie d'une créature mythologique rehaussant l'aspect tragique de ce conte horrifique émotionnellement cruel et empathique.

Soutenu de la présence sarcastique de la chanteuse Deborah Harry entrevue lors des interludes parfaitement ludiques, Darkside les contes de la nuit noire est finalement une sympathique série B du Samedi soir que la génération 80 ne manquera pas de revoir avec soupçon de nostalgie faute de son époque révolue. 

B-M. 
25.09.24. 4èx. Vostfr

Récompense: Grand Prix au Festival international du film fantastique d'Avoriaz 1991

LA MAIN SUR LE BERCEAU. Grand Prix, Cognac 92.

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site subscene.com

"The Hand That Rocks the Cradle" de Curtis Hanson. 1992. 1h50. Avec Annabella Sciorra, Rebecca De Mornay, Matt McCoy, Ernie Hudson, Julianne Moore, Madeline Zima, John de Lancie

Sortie salles France: 9 Septembre 1992. U.S: 10 Janvier 1992

FILMOGRAPHIE: Curtis Hanson, né le 24 mars 1945 à Reno (Nevada) et mort le 20 septembre 2016 à Los Angeles (Californie), est un réalisateur, producteur et scénariste américain. 1973 : Sweet Kill. 1980 : The Little Dragons. 1983 : American Teenagers. 1987 : Faux témoin. 1990 : Bad Influence. 1992 : La Main sur le berceau. 1994 : La Rivière sauvage. 1997 : L.A. Confidential. 2000 : Wonder Boys. 2002 : 8 Mile. 2005 : In Her Shoes. 2007 : Lucky You. 2012 : Chasing Mavericks (coréalisé avec Michael Apted).

En pleine vogue du thriller érotico-horrifique initié par Liaison fatale et Basic Instinct, La Main sur le Berceau fit sensation au festival de Cognac si bien qu'il remporte le Grand Prix, le Prix d'interprétation Féminine pour Rebecca De Mornay et le Prix du Public durant l'année de sa sortie. A la suite du suicide de son époux gynéco dénoncé par une de ses patientes pour attouchements sexuels, sa défunte épouse décide de se faire passer pour une nourrice auprès de cette dernière afin de se venger. A partir de ce pitch limpide préfigurant un divertissement formaté bâti sur l'efficacité de confrontations tendues entre une nurse psychotique et une famille prévenante, Curtis Hanson élude adroitement les conventions dans sa faculté d'instaurer un suspense latent au fil progressif d'une vengeance circonspecte. Epaulé de la prestance désarmante de naturel de Rebecca De Mornay littéralement habitée par sa fonction sournoise et par sa haine contenue (si on élude son accès de fureur extériorisée dans les toilettes et sa punition expéditive finale !), La Main sur le Berceau cultive des situations particulièrement cohérentes.

De par la perversité de cette mégère experte en art de la manipulation, de l'humiliation (la scène de la surprise-party) et du chantage jusqu'aux stratégies meurtrières (le piège à verre dans la serre, les inhalateurs d'asthme vidés de leur gaz). Tant auprès du domestique déficient (la proie la plus facile à incriminer) que du couple Bartel et de leurs enfants inévitablement naïfs d'apprivoiser sa fausse bonhomie. Cette dernière usant notamment de son charme raffiné et de son regard azur pour endormir ses victimes dans un jeu tacite de séduction. Grâce à la sobriété des seconds-rôles se partageant la sérénité dans la cohésion familiale, Curtis Hanson fait naître une tension en ascension depuis leur dégénérescence morale à s'opposer au simulacre de la félonie. Au travers de cette cellule conjugale en implosion, le réalisateur insiste surtout sur le témoignage démuni de l'épouse Bartel brillamment manipulée par la nourrice si bien qu'elle finit par y délaisser son époux et ses enfants. Dans ce jeu roublard de manipulation, la tournure cauchemardesque des évènements va monter d'un échelon lorsque la mort viendra frapper à leur porte. Curtis Hanson culminant cette déchéance vindicative vers un point d'orgue terrifiant dans son jeu de cache-cache rigoureusement charpenté ! (et ce en dépit de clichés usuels du genre).

Thriller à suspense mené avec savoir-faire et rehaussé d'une efficacité ciselée dans sa tension subtilement oppressante (l'incroyable séquence claustro d'une asphyxie asthmatique !), La Main sur le berceau bénéficie en outre d'un casting convaincant afin de crédibiliser les enjeux humains sévèrement molestés par une psychopathe maternelle (son unique dessein n'étant que de fonder une nouvelle famille, à l'instar du Beau-Père de Joseph Ruben !). Une mécanique frissonnante redoutablement pernicieuse et viciée ! 

3èx

Récompenses: Grand Prix, Prix du public et Prix de la meilleure actrice (Rebecca De Mornay), lors du Festival du film policier de Cognac 1992.

INCIDENTS DE PARCOURS

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Monkey Shines" de George A. Romero. 1988. U.S.A. 1h52. Avec Jason Beghe, John Pankow, Kate McNeil, Joyce Van Patten, Christine Forrest, Stephen Root, Stanley Tucci, Janine Turner.

Sortie salles France: 25 Janvier 1989

FILMOGRAPHIE: George Andrew Romero est un réalisateur, scénariste, acteur, auteur américain, né le 4 Février 1940 à New-York. 1968: La Nuit des Morts-vivants. 1971: There's Always Vanilla. 1972: Season of the Witch. 1973: The Crazies. 1977: Martin. 1978: Zombie. 1981: Knightriders. 1982: Creepshow. 1985: Le Jour des Morts-vivants. 1988: Incidents de parcours. 1990: Deux Yeux Maléfiques. 1992: La Part des Ténèbres. 2000: Bruiser. 2005: Land of the Dead. 2008: Diary of the Dead. 2009: Survival of the Dead. 2011: Deep Red.

Thriller horrifique d'une grande intensité psychologique autour des thèmes de la télépathie, la mégalomanie (l'orgueil de l'homme jouant à l'apprenti sorcier), l'exploitation animale (la vivisection) et notre instinct animal (notre nature délétère), Incidents de Parcours décuple son pouvoir de fascination sous l'impulsion d'une narration vitriolée d'une rare originalité. Devenu tétraplégique à la suite d'un accident, Allan établit la connaissance amiteuse d'un capucin, Ella, que son acolyte Geoffrey lui a offert pour lui prêter assistance. Peu à peu, une étrange relation irascible s'instaure entre eux depuis que Geoffrey continue d'expérimenter sur l'animal un sérum à base de cerveau humain afin d'altérer ses gênes.Variation tacite de la Planète des Singes si je me réfère à l'insurrection du capucin délibéré à transcender notre intelligence par le biais de l'autorité, de la domination et de la vengeance, Incidents de parcours nous entraîne dans un troublant jeu de pouvoir entre l'animal et son maître communément capables de communiquer par télépathie depuis l'expérimentation d'une potion frelatée.

D'un réalisme détonnant dans sa mis en scène studieuse si bien que le capucin se fond dans le corps d'un vrai comédien dans une posture rebelle en apprentissage criminel, Incidents de parcours distille un climat malsain redoutablement vénéneux par le biais d'un cheminement narratif vertigineux. Car si de prime abord, la relation amicale entamée entre eux s'avère gentiment ludique et que l'ambiance sereine préfigure une forme de divertissement convenu (clichés inévitables à l'appui), la tournure cauchemardesque des évènements converge à un vigoureux jeu de soumission entre l'animal et Allan littéralement envahi par la haine de sa compagne. Cette dernière étant inconsciemment déterminée (par l'effet du sérum) à prendre sa revanche sur l'homme depuis sa condition esclave ! A savoir, l'instrument de vivisection de chirurgiens sans vergogne qu'expérimentent Geoffrey ainsi que son adjoint fureteur. Parvenant à pénétrer à l'intérieur de l'esprit du singe par sa faculté mentale, Allan emmagasine toute sa colère interne et parvient même à visionner ses moindres déplacements lors de ses escapades nocturnes. Par le biais de ce sérum dérivé du cerveau humain, Ella finit donc par adopter nos sentiments perfides de tricherie, de vice, de trahison et de méchanceté engendrées par notre nature autocrate.

Epreuve de force à la fois corporelle et morale entre un tétraplégique et un primate, Incidents de Parcours transcende de manière bougrement singulière une réflexion sur l'instinct bestial de l'homme ("c'est ça le diable, c'est l'instinct" déclare Allan) et sa nature orgueilleuse à daigner exploiter plus faible qu'autrui. Passionnant, intense et immersif lorsque Allan et Ella ne font (cérébralement) plus qu'un jusqu'à s'entredéchirer pour un enjeu de survie, Incidents de parcours provoque un malaise psychologique quant à notre condition infortunée (l'influence du Mal sur notre raison !) sous couvert d'argument fantastique métaphysique. Une perle rare aussi ensorcelante que dérangeante, à redécouvrir d'urgence ! 

4èx