Apocalypse Now. Palme d'Or, Cannes 1979.

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Francis Ford Coppola. 1979. U.S.A. 2h27. Avec Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Albert Hall, Sam Bottoms, Laurence Fishburne, Dennis Hopper.

Sortie salles France: 26 Septembre 1979. U.S: 15 Août 1979

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Francis Ford Coppola est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 7 Avril 1939. 1963: Dementia 13. 1966: Big Boy. 1968: La Vallée du Bonheur. 1969: Les Gens de la pluie. 1972: Le Parrain. 1974: Conversation Secrète. Le parrain 2. 1979: Apocalypse Now. 1982: Coup de coeur. 1983: Outsiders. Rusty James. 1984: Cotton Club. 1986: Peggy Sue s'est mariée. 1987: Jardins de Pierre. 1988: Tucker. 1989: New-York Stories. 1990: Le Parrain 3. 1992: Dracula. 1996: Jack. 1997: L'Idéaliste. 2007: l'Homme sans âge. 2009: Tetro. 2011: Twixt.

"Qu'une culture puisse mentir sur ce qui se passe en temps de guerre, que des êtres humains soient brutalisés, torturés, mutilés et tués et que tout cela soit présenté comme moral, voilà ce qui m'horrifie." Francis Ford Coppola. Mai 2001.

Considéré comme l'un des meilleurs films de tous les temps par l'American Film Institute et auréolé d'une pléthore de récompenses, Apocalypse Now demeure une expérience de cinéma inusité au sein du paysage viril du film de guerre. Francis Ford Coppola filmant la guerre du Vietnam comme aucun autre réalisateur n'eut pu le concevoir. Tant auprès des moyens pharaoniques mis en oeuvre (l'offensive liminaire auprès d'un camp vietcong nous laisse pantois de stupeur face au sens du détail, au dynamisme du montage et à son fulgurant réalisme !), de sa logistique militaire, de sa stylisation onirico-baroque, de son casting notoire que des figurants cosmopolites déployés tous azimut. Car totalement habité par ses ambitions disproportionnées si bien que lui même et son équipe ont rapidement côtoyé une certaine forme de démence communautaire (voir l'illustre doc Au coeur des Ténèbres); le tournage littéralement houleux se solda par de graves bévues que je n'étalerai pas ici, notamment parce que les fans y connaissent la plupart des tenants et aboutissants. Imprégné d'un réalisme surréaliste eu égard de l'expérience psychédélique que le spectateur percute en quasi état de transe, Apocalypse Now est le spectacle de la démesure et du délire limite risible (concert nocturne en plein air parmi le déhanché endiablé de cowgirls sexy, partition classique afin d'y chorégraphier une épuration au Napalm). Un opéra vitriolé victime de ses excès et ses exubérances au sein d'une scénographie belliqueuse entachée par la routine, l'épuisement, la drogue, l'alcool et la folie criminelle. Et ce à travers une idéologie nonsensique (la séance de surf improvisée en plein chaos meurtrier !) qu'un vétéran cultive à renfort de répliques oniriques d'un ironisme caustique.

A la fois électrisant, perturbant (le massacre accidentel des paysans sur leur bateau de commerce) et envoûtant sous l'impulsion d'une BO électro hypnotique, Apocalypse Now nous faite suivre le périple d'endurance du capitaine Benjamin L. Willard (sobrement interprété par Martin Sheen dans le rôle de sa vie si bien qu'il demeure pénétré d'une fascination équivoque à témoigner d'une décadence humaine au soupçon de mysticisme !) et de ses acolytes à bord d'un patrouilleur. Ayant pour mission d'assassiner le colonel Kurtz retranché au fond d'une jungle parmi ses disciples à la frontière du Cambodge; Willard doit arpenter un fleuve jalonné d'embûches afin d'atteindre son repère. Sorte de gourou victimisée par les horreurs de la guerre, Francis Ford Coppola dépeint Kurtz comme un homme solitaire vivant reclus dans son cocon macabre orné de têtes décapitées mais n'escomptant au final qu'une main secourable pour le sacrifier et l'expier de sa folie. Pur film d'aventures à la fois baroque et initiatique de par son récit tentaculaire regorgeant d'actions impromptues, d'amères prises de conscience et de postures emphatiques animées d'une sordide dérision dans leur goût sulfureux pour la violence, Apocalypse Now nous ébranle autant la rétine que l'encéphale à l'instar du cinéma expérimental d'Alejandro Jodorowski si je peux me permettre un soupçon de rapprochement sensoriel. Ainsi donc, l'absurdité de la guerre nous est ici dépeint avec une acuité visuelle vertigineuse, dans la mesure où Coppola nous compile une succession de bravoures anthologiques où s'y extrait communément une éthique psychotique dangereusement perméable.

The Psychedelic Soldier: portrait d'un schizophrène. 
Témoignage halluciné de la folie de l'homme nourrit par l'absurdité d'une guerre erratique, Apocalypse Now y imprime avec une excentricité vitriolée leur déliquescence morale à travers une réflexion sur l'instinct pervers d'une violence suicidaire. Inoubliable et historique, il demeure un objet de scandale au vénéneux pouvoir de fascination, notamment auprès de son intensité dramatique, arc en ciel morbide d'une aura spectrale infiniment crépusculaire. This is the end ?

* Bruno
4èx

Box-Office France : 4 537 431 entrées

Récompenses:
Palme d'Or au Festival de Cannes 1979 :
Prix FIPRESCI de la critique internationale
Oscars 1980 :
Meilleure photographie : Vittorio Storaro
Meilleur son : Walter Murch, Mark Berger, Richard Beggs, Nathan Boxer
American Movie Awards 1980 : meilleur acteur dans un second rôle pour Robert Duvall
BAFTA du meilleur second rôle masculin pour Robert Duvall
Prix David di Donatello du meilleur film étranger pour Francis Ford Coppola
Golden Globes 1980
Meilleur acteur dans un second rôle pour Robert Duvall
Meilleur réalisateur pour Francis Ford Coppola
Goldene Leinwand
NSFC Awards : meilleur second rôle masculin pour Frederic Forrest
Prix du Cercle des critiques de film de Londres 1981 : Film de l'année

Le film a été sélectionné par le National Film Preservation Board pour figurer dans le National Film Registry en 2000.

Les Monstres sont toujours vivants

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

"It Lives Again" de Larry Cohen. 1978. U.S.A. 1h30. Avec Frederic Forrest, Kathleen Lloyd, John P. Ryan, John Marley, Andrew Duggan, Eddie Constantine

Sortie salles U.S: 10 Mai 1978

FILMOGRAPHIE: Larry Cohen est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 15 Juillet 1941. Il est le créateur de la célèbre série TV, Les Envahisseurs. 1972: Bone, 1973: Black Caesar, Hell Up in Harlem, 1974: Le Monstre est vivant, 1976: Meurtres sous contrôle, 1978: Les Monstres sont toujours vivants, 1982: Epouvante sur New-York, 1985: The Stuff, 1987: La Vengeance des Monstres, Les Enfants de Salem, 1990: l'Ambulance. - Comme Producteur: Maniac Cop 1/2/3. - Comme Scénariste: Cellular, Phone Game, 3 épisodes de Columbo.

Quatre ans après Le Monstre est Vivant, chef-d'oeuvre bouleversant ayant traumatisé toute une génération de femmes enceintes, Larry Cohen rempile derrière la caméra pour nous offrir une digne séquelle presque à la hauteur de son modèle. Nanti d'un rythme plus nerveux quant aux stratégies policières à duper la cause parentale, les Monstres sont toujours Vivants ne manquent pas d'audace et d'émotion (encore) poignante lorsque 2 jeunes parents s'efforcent avec antinomie de préserver la vie de leur bambin mutant. Deux ans après les tragiques évènements, un couple est sur le point d'enfanter un nouveau cas de bébé difforme. Soutenus par le veuf Frank Davies (ancien paternel du premier opus), et après leur avoir divulgué l'horrible vérité, il leur déclare que la police est sur le point de sacrifier l'enfant dès que la mère accoucherait à l'hôpital. Afin de préserver la survie du bambin, les parents acceptent de le confiner dans un endroit tenu secret afin que Gene puisse accoucher sans l'appréhension criminelle. Mais après avoir retrouvés leur trace, les forces de l'ordre s'apprêtent à assiéger la demeure alors que d'autres bébés monstres sont également embrigadés dans une cave sous la protection de Frank et de praticiens. A travers son prologue captivant (les avertissements à la fois poignants et alarmistes de Franck auprès de la famille Scott) faisant ensuite place à une situation hallucinée (les forces de l'ordre en faction autour du centre hospitalier depuis que la mère s'apprête à accoucher, alors que Frank s'improvise  preneur d'otage au profit du rejeton !), les Monstres sont toujours vivants s'avère percutant à travers sa facture débridée tenant de l'improbabilité ! Tant et si bien que Larry Cohen s'efforce avec la même inspiration de rendre plausible un contexte horrifique inusité par le biais du "bébé tueur".

Pour ce faire, on apprécie le soin des trucages, aussi modestes soient-ils, notamment grâce au dynamisme du montage appuyant la vélocité primitive de ces derniers d'un instinct criminel franchement impressionnant (jumpscares tétanisants à l'appui !). Retardant au maximum leur apparence monstrueuse pour mieux nous ébranler, ce dernier mise sur le suspense latent (le foyer des parents transformé en labo médical en attente d'un espoir révolutionnaire si les bébés - immunisés contre la pollution - parvenaient à survivre dans une éducation docile) puis oppressant eu égard de sa dernière partie d'autant plus poignante lorsque les parents indécis s'efforcent en désespoir de cause de préserver la vie de leur bambin. Ainsi, à travers l'illustre personnage de Frank Davies délibéré à tenter d'éduquer cette nouvelle race infantile en dépit de leur sauvagerie incontrôlée, Les Monstres sont toujours vivants captive à savoir si nos héros (accompagnés de médecins complices) parviendront à achever leur devise. A savoir sauver la destinée de ces bambins en les éduquant en bonne et due forme, et ce pour les enjeux du droit à la différence et du libre arbitre parental à décider du sort de leur progéniture. A moins que ces bébés (et comme l'exclamera l'un des protagonistes vindicatifs) n'ont comme unique dessein de distiller la terreur afin de dominer le monde et asseoir leur dictature. Un sujet burné aussi cintré que passionnant que Larry Cohen met en pratique avec une maîtrise constamment convaincante. Autrement dit, on y croit dur comme fer, à l'instar du 1er opus autrement bouleversant de par son intensité dramatique d'une rare cruauté. Un parti-pris émotionnel que l'on retrouve encore ici, notamment auprès de ses 10 dernières minutes plutôt émouvantes car d'un radicalisme dérangeant quant au sort précaire de l'ultime rejeton.

Séquelle de haute tenue, notamment auprès de l'attachante sobriété humaine du couple Frederic Forrest, Kathleen Lloyd, les Monstres sont toujours vivants se décline comme un intense suspense cauchemardesque tirant parti de sa fascination grâce à son concept improbable étonnamment persuasif. Les bébés monstres assez expressifs s'avérant aussi terrifiants que poignants à travers leur gémissement plaintif que Bernard Herrmann amplifie avec la même orchestration cafardeuse. Excellent. 

* Bruno
21.12.18. 4èx
29.06.16. (137 v)

La Chronique du Monstre est Vivant : http://brunomatei.blogspot.fr/2012/06/le-monstre-est-vivant-its-alive.html

Dracula, Prince des Ténèbres

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

"Dracula: Prince of Darkness" de Terence Fisher. 1966. Angleterre. 1h30. Avec Christopher Lee, Barbara Shelley, Andrew Keir, Francis Matthews, Suzan Farmer, Charles Tingwell, Thorley Walters.

Sortie salles France: 21 Décembre 1966. Angleterre: 9 Janvier 1966

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Terence Fisher est un réalisateur britannique né le 23 février 1904 à Londres (Maida Vale), et décédé le 18 juin 1980 dans la même ville. 1957 : Frankenstein s'est échappé, 1958 : Le Cauchemar de Dracula , 1958 : La Revanche de Frankenstein , 1959 : Le Chien des Baskerville , 1959 : L'Homme qui trompait la mort , 1959 : La Malédiction des pharaons, 1960 : Le Serment de Robin des Bois , 1960 : Les Étrangleurs de Bombay, 1960 : Les Maîtresses de Dracula, 1960 : Les Deux Visages de Docteur Jekyll , 1961 : La Nuit du loup-garou, 1962 : Le Fantôme de l'Opéra , 1962 : Sherlock Holmes et le collier de la mort, 1963 : The Horror of It All, 1964 : La Gorgone , 1965 : The Earth Dies Screaming, 1966 : L'Île de la terreur , 1966 : Dracula, prince des ténèbres , 1967 : La Nuit de la grande chaleur , 1967 : Frankenstein créa la femme, 1968 : Les Vierges de Satan, 1969: Le Retour de Frankenstein, 1974 : Frankenstein et le monstre de l'enfer.

 

« Le sublime est la résonance d’une grande âme »

Dracula, Prince des Ténèbres constitue le troisième volet du cycle vampirique de la Hammer, inauguré par leur chef-d’œuvre indétrônable, Le Cauchemar de Dracula. Sous la houlette du maître Terence Fisher, ce nouvel opus redore le blason du Prince nocturne avec le retour du vénérable Christopher Lee. Absent du second volet, l’acteur, ici dépourvu de paroles, renfile sa cape et ses canines acérées pour s’en prendre à deux couples égarés dans l’enceinte de son château.

Mais avant la résurrection tant attendue, Fisher se plaît à différer l’apparition du monstre, sous l’allégeance d’un majordome aussi sinistre que dévoué. Réduit en cendres dans le premier film, Dracula devra compter sur l’odieuse bienveillance de ce serviteur pour se voir offrir le sang frais d’une victime sacrifiée. C’est donc ce fluide, soigneusement versé sur les cendres, qui viendra raviver son impitoyable essence.

Cette attente savamment orchestrée nourrit une tension latente, d’autant plus captivante que Fisher distille une angoisse insidieuse, amplifiée par la crainte intuitive d’un des hôtes. Et avec la beauté gothique de ces décors flamboyants, chaque pièce du château semble suinter une aura envoûtante, aussi fascinante qu’hermétique.

Fisher n’hésite pas à transgresser les codes de l’époque en suggérant une violence alors peu coutumière. Ainsi, l’égorgement hors champ d’un homme suspendu par les pieds pour être vidé de son sang s’impose avec une puissance morbide. Le fluide dense ruisselant sur les cendres éclabousse l’écran d’un rouge tantôt rosé, tantôt rutilant. Plus tard, une séquence tout aussi saisissante montre, sans ellipse, l’exécution sauvage d’une femme vampire : à l’aide d’un zoom implacable, Fisher s’attarde sur une poitrine transpercée d’un pieu. L’horreur gagne en intensité quand la créature, encerclée par une horde de moines résolus, suffoque dans un affolement erratique.

La seconde partie, plus rythmée, s’oriente vers la survie du second couple, réfugié dans un monastère sous la protection du Père Sandor. Mais Dracula, sa maîtresse et son majordome rôdent déjà, guettant leur proie, prêts à fondre sur Helen. Si l’intrigue ne révolutionne rien, elle s’avère redoutablement efficace, parfaitement structurée, émaillée de péripéties et d’imbroglios qui maintiennent la tension.

La mise en scène ciselée de Fisher transcende le genre par sa poésie macabre et la conviction d’interprètes habités - en moine mastard, Andrew Keir remplace Cushing avec une autorité étonnante. Enfin, pour parachever ce cauchemar d’orfèvre, le film s’achève sur un final baroque et surprenant : Dracula mis à mal sur un lac gelé, dans une confrontation aussi glaciale que fatale.

"Le Sang pourpre du Prince Noir".

D’une efficience au savoir-faire inégalable, Terence Fisher façonne avec Dracula, Prince des Ténèbres un somptueux cauchemar gothique, porté par un Christopher Lee mutique mais plus magnétique que jamais, et des alliés farouches, attachants dans leur désarroi solidaire. Ou comment transfigurer une œuvre de commande en trésor horrifique, pur, sincère, d’une saveur vintage absolument authentique. Terence Fisher y réinvente encore une fois un modèle de mise en scène.

* Bruno
20.12.18. 4èx
01.11.13. (80 v)

Sale temps à l'hôtel El Royale

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Bad Times at the El Royale" de Drew Goddard. 2018. U.S.A. 2h22. Avec Jeff Bridges, Cynthia Erivo, Dakota Johnson, Jon Hamm, Cailee Spaeny, Lewis Pullman, Chris Hemsworth.

Sortie salles France: 7 Novembre 2018. U.S: 12 Octobre 2018

FILMOGRAPHIE: Drew Goddard est un scénariste et réalisateur américain, né le 26 février 1975 à Los Alamos, Nouveau-Mexique. 2012 : La Cabane dans les bois. 2016 - 2018: The Good Place, 4 épisodes. 2018 : Sale temps à l'hôtel El Royale.

Chronique express ! 

C'est bien, c'est même très bien à partir de sa seconde partie tendue, escarpée et fortuite. Or, dommage qu'il faille se coltiner une 1ère heure laborieuse peinant à captiver (le film dure 2h22). En tout état de cause, en dépit de ses (grosses) défaillances rythmiques, cet épigone Tarantinesque (bâti sur la même topographie chorale de Pulp Fiction) demeure un bon divertissement grâce à l'originalité de son intrigue gigogne et à ses têtes d'affiche plutôt inspirées (le vétéran Jeff Bridges monopolisant l'écran en prêtre vénal magnanime).

* Bruno

Assassination Nation. Grand Prix du Jury, Utopiales 2018

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Sam Levinson. 2018. U.S.A. 1h48. Avec Odessa Young, Suki Waterhouse, Hari Nef, Abra, Bill Skarsgård, Maude Apatow, Cody Christian, Joel McHale.

Sortie salles France: 5 Décembre 2018

FILMOGRAPHIE: Sam Levinson est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2018: Assassination Nation. 2011: Another Happy Day.

Dead Boys can't Fly.
Sentiments à chaud après avoir subi de plein fouet l'une des claques de l'année 2018 si bien que, à l'instar de son homologue infructueux, The Purge, je redoutais pour autant le pétard mouillé dans sa caractérisation graphique d'une Amérique anarchique livrée à la violence la plus expéditive ! Que nenni, Assassination Nation demeure une claque (c'est parfois bon de se réitérer !), un coup de boule inextinguible via sa descente aux enfers immorale, une oeuvre indépendante qu'est parvenu à imprimer avec stylisme Sam Levinson (magnifique plan séquence circulaire à l'appui rappelant à moindre échelle le fameux Ténèbres d'Argento). Et ce sans livrer à une démonstration de force opportuniste ou à des effets de manche complaisants, notamment pour y satisfaire les bas instincts du spectateur lambda croyant assister à une série B univoquement ludique. Dans la mesure où Sam Levinson s'avère un auteur consciencieux prenant malin plaisir à triturer nos sentiments doucement mis à mal de par son malstroem d'images dérangeantes parce que iconiquement si proches de notre réalité contemporaine ! C'est là où l'oeuvre (déjà) maudite fait très mal ! Elle est en prise direct avec notre conscience (Lily s'adressent directement à nous de manière assez récurrente). Car elle nous pousse à réfléchir sur notre situation personnelle quotidiennement soumise à l'outil informatique déversant esclandres tous azimuts, et ce jusqu'au harcèlement moral pour les proies les plus vulnérables !

Ainsi, et avec une étonnante inventivité, tant auprès de ses images à la fois arc-en-ciel et charnelles que du bouleversement temporel que nous subissons en live (du moins c'est l'impression que j'ai eu !), Assassination Nation se décline comme une montée en puissance de règlements de compte sexistes bâtis sur les préjugés, le sensationnalisme, le voyeurisme, les effets diaboliquement pervers des fake news, les hackers de Facebook et Twitter, plateformes diabolisées par ces esprits médiocres ou chétifs avides de notoriété et de "lol" pour se donner un but (ici nonsensique quand on connaît le véritable coupable de l'intrigue !). Flop commercial chez nous et aux States, Assassination Nation ne pouvait que miner le public ado sevré aux pop corn et aux pétards édulcorés genre The Purge ! Car objet subversif d'une violence psycho et corporelle ardues, Assassination Nation nous balance à la gueule nos quatre vérités depuis que les réseaux sociaux s'efforcent d'y violer notre vie privée. Et ce en asservissant notre façon de penser pour mieux nous isoler et nous soumettre à leur déontologie typiquement conservatrice. Diatribe cinglante contre le fanatisme de masse, la misogynie et le machisme à travers le spectre d'idéologies maximalistes, Assassination Nation dilue au fil de son cheminement tragique une aigre mélancolie, de par ses cruelles humiliations qu'une anti-héroïne endure avec un désespoir bouleversant. L'émotion contenue, dépouillée, ne s'avérant jamais démonstrative pour alpaguer le spectateur. Sam Levinson recourant avec une rare maîtrise à la subtilité de la suggestion à travers les états d'âme de Lily en remise en question identitaire et initiation rebelle. C'est que nous offrira sa dernière partie, baroud d'honneur féministe aux allures d'apocalypse sociétale fustigeant la révolte d'un peuple misogyne  abrutie par la résurgence de l'ultra conservatisme. Et le plus terrifiant à travers cette sarabande infernale, c'est que la nouvelle chasse aux sorcières est juste devant nos portes et ne demande qu'à propager sa violence primitive de par cette foule aliénante aveuglée de fiel !

Les Sorcières de Salem
Hypnotique et envoûtant sous l'impulsion d'une BO électro tantôt cosmique (avec en sus un clin d'oeil synergique à l'Oiseau au plumage de Cristal), furieusement contestataire, terrifiant, dérangeant, malsain et perturbant, Assassination Nation emploie avec autant de diabolique maîtrise (cadrages alambiqués dynamités du montage véloce !) que de dextérité la satire engagée pour dresser un tragique constat sur les nouvelles mentalités rétrogrades adeptes de la délation, de l'auto-justice et de l'intolérance. Mélancolique et finalement bouleversant, il demeure un témoignage résolument lucide sur les ravages d'une célébrité pailletée via l'ère du net (et son déversoir de haine) et du tout numérique. Film culte ou chef-d'oeuvre à l'âme fragile, il est pour moi cette (inopinée) mosaïque grâce à sa personnalité corrosive bâtie sur le pessimisme afin de mieux réveiller les consciences. 

* Bruno

Utopiales 2018 : Grand prix du jury

Roma. Lion d'Or, Venise 2018.

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Alfonso Cuaro. 2018. Espagne. 2h15. Avec Marina de Tavira, Daniela Demesa, Marco Graf, Yalitza Aparicio.

Diffusion sur Netflix à partir du 14 Décembre 2018

FILMOGRAPHIE: Alfonso Cuaro est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur mexicain, né le 28 Novembre 1961 à Mexico. 1991: Solo con tu pareja. 1995: Le Petite Princesse. 1998: De Grandes Espérances. 2001: Y tu mama tambien. 2004: Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban. 2006: Les Fils de l'Homme. 2013: Gravity. 2018: Roma.


Très beau dans sa poésie naturaliste et intimiste, même si à travers sa mise en scène contemplative j'escomptais le chef-d'oeuvre.

* Bruno

Récompenses: Lion d'or à la Mostra de Venise 2018
Grenouille de bronze au Camerimage 2018
New Hollywood Award au Festival du film de Hollywood 2018
Top Ten Films au National Board of Review 2018
Sonny Bono Visionary Award au Festival international du film de Palm Springs 2019

Terreur à l'hôpital central / Visiting Hours

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site en.wikipedia.org

de Jean-Claude lord. 1982. Canada. 1h44. Avec Michael Ironside, Lee Grant, Linda Purl, William Shatner.

Sortie salles France: 30 Juin 1982 (Int - 18 ans). Canada: 21 Mai 1982

FILMOGRAPHIE: Jean-Claude Lord est un réalisateur, scénariste, monteur et producteur canadien, né le 6 Juin 1943. 1966: Délivrez-nous du Mal. 1972: Les Colombes. 1974: Bingo. 1976: Parlez nous d'amour. 1977: Panique. 1979: Eclair au Chocolat. 1982: Terreur à l'hôpital central. 1984: Covergirl. 1986: The Vindicator. 1986: Toby McTeague. 1987: La Grenouille et la Baleine. 1989: Mindfield. 1989: Eddie and the Cruisers 2: Eddie Lives ! 1992: Landslide. 2002: Station Nord.

"Dans cet hôpital, votre prochaine visite pourrait être la dernière"
En pleine vogue du slasher initié par Halloween et Vendredi 13, le canadien Jean-Claude Lord se prête au genre afin de concurrencer les succès de l'époque. Alors qu'Halloween 2 venait de remporter un accueil commercial considérable, le réalisateur réexploite le même décor hospitalier pour planter l'action de Terreur à l'Hôpital central sous l'impulsion du score opaque de Jonathan Goldsmith (un tempo symptomatique des Eighties).

Le Pitch: Après qu'une journaliste fut invitée sur un plateau télévisé afin de débattre de la légitime défense chez les femmes, un psychopathe entre par effraction dans sa demeure pour l'assassiner. Blessée au couteau après une violente altercation, elle est affectée dans un centre hospitalier. Déterminé à ne pas lâcher sa proie, le tueur décide également de s'y rendre afin d'achever son projet. 

Série B conventionnelle à la réalisation pour autant assez soignée, Terreur à l'Hôpital Central pâtit notamment d'un scénario canonique où certaines situations éculées ne prêtent pas en sa faveur. Or, les inconditionnels de psycho-killer devraient tout de même largement y trouver leur compte grâce à l'efficacité des situations alarmistes où le tueur ne cessera de s'en prendre aux patients démunis d'un hôpital sous l'impulsion d'une tension fréquemment (et étonnamment !) payante.

Car avant d'atteindre sa cible, il se délecte à commettre par orgueil sadique diverses homicides (il photographie parfois l'agonie de ses victimes pour les mémoriser dans son album souvenir) à l'intérieur et en externe de l'établissement. Qui plus est, parmi la présence inquiétante de Michael Ironside diffusant une force tranquille en maniaque pervers, l'acteur nous dépeint la caricature d'un psychopathe misogyne au passé traumatique. Si bien qu'au travers de flash-back, on apprend brièvement que son père lui commettait des attouchements sexuels lorsqu'il fut enfant, quand bien même sa mère fut victime de violence conjugale. En prime, la brutalité de ses meurtres exécutés de sang froid impressionnent parfois par leur âpre réalisme, et ce sans sombrer dans une complaisance sanglante. La stature bedonnante du comédien, sa posture ostensiblement impassible appuyée de cynisme oscillant appréhension et aversion pour la lâcheté de ses exactions (à l'instar d'une prostituée brimée par ses jeux sexuels, tendance masochiste). Et si le scénario à tendance à se répéter (le tueur ne cesse d'aller et venir en interne de l'hôpital pour achever sa devise), on reste néanmoins attentif auprès de son acharnement à daigner assassiner une journaliste inévitablement gagnée de paranoïa (celle-ci étant parfaitement incarnée parmi la force de caractère de Lee Grant). La dernière partie haletante nous offrira d'ailleurs un retournement de situation plutôt habile à travers l'inversion des rôles d'une course poursuite toujours aussi bien gérée. 

Orthodoxe dans son ossature narrative mais efficace, voir même assez magnétique pour la science de son suspense affuté et audacieux (notamment en s'extirpant du cliché de la blonde juvénile ici quadra, intelligente et audacieuse), Terreur à l'hôpital central fait preuve de sincérité d'y élaborer un psycho-killer violent et tendu car dépourvu de concession (le châtiment réservé à certaines victimes détonne par leur froideur). La bonne volonté des comédiens (notamment William Shatner dans un second-rôle avenant) et la présence rigide de Michael Ironside nous impliquant d'autant mieux auprès des enjeux de stress, si bien que certains épisodes de tension réussissent à provoquer la frousse (le prologue dans la demeure de l'héroïne, une altercation liminaire dans l'hôpital, le sort indécis réservé à l'une des infirmières, la poursuite finale dans le sous-sol hospitalier). Tout bien considéré, un fort sympathique divertissement que la génération 80 savourera à nouveau avec nostalgie derrière un discours toujours aussi actuel sur la condition des femmes battues et leur parole parfois remise en doute par la jurisprudence comme le souligne son préambule lors d'un houleux débat TV en présence d'un avocat. 

P.S: Contrairement à ce qui est annoncé au dos des jaquettes Blu-ray et Dvd éditées chez nous, le film ne s'adresse pas à tous les publics, il fut d'ailleurs interdit aux - de 18 ans lors de sa sortie en France.

* Bruno
07.2014. 3èx. 103 v

24.02.25. 4èx. Vost

Douce nuit, sanglante nuit (Unrated)

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Silent Night, Deadly Night" de  Charles E. Sellier Jr.. 1984. U.S.A. 1h25. Avec Robert Brian Wilson, Gilmer McCormick, Lilyan Chauvin, Britt Leach, Toni Nero, Randy Stumpf, Linnea Quigley.

Sortie salles U.S: 9 Novembre 1984

FILMOGRAPHIE: Charles Edward Seller Jr., né le 9 novembre 19431 à Pascagoula (Mississippi) et mort le 31 janvier 2011 à Coeur d'Alene (Idaho), est un scénariste, producteur, écrivain et réalisateur américain .1985: Les insoumis. 1984 Snowballing. 1984 Douce nuit, sanglante nuit.

Réputé pour le haro médiatique qu’il subit Outre-Atlantique - déprogrammé des salles quinze jours après sa sortie alors qu’il commençait à battre Les Griffes de la nuit (si, si !), sorti la même semaine - Douce Nuit, sanglante nuit demeure un objet subversif, d’une audace burnée au regard de son iconographie aussi malsaine que dérangeante. En démystifiant la célébration catholique de Noël, Charles E. Sellier Jr. n’y va jamais avec le dos de la cuillère : il la raille (le grand-père déficient terrorisant Billy par son discours sur la malfaisance du Père Noël, le directeur de magasin insultant les marmots en leur absence avec une couardise triviale), la discrédite (la doctrine rétrograde des sœurs catholiques, niant toute émancipation sexuelle), et l’horrifie frontalement par la figure d'un Père Noël armé d’une hache meurtrière. Il fallait oser une telle représentation, que Sellier Jr. imprime sur pellicule avec une froideur constante, presque clinique.

Rappel des faits: Traumatisé par l’assassinat de ses parents, un soir de Noël, par un Santa Claus dégénéré, Billy est recueilli dans un orphelinat de carmélites où la Mère supérieure n’hésite pas à le flageller en guise de châtiment. Dix ans plus tard, encore plus marqué par cette expérience castratrice au couvent, Billy bascule. Devenu manutentionnaire dans une boutique de jouets, il s’en prend soudainement à son entourage professionnel puis aux familles lambda, en particulier celles qu’il juge coupables de luxure — lui qui fut jadis puni pour avoir surpris un couple en plein ébat dans une chambre de l’orphelinat.

Passée sa série de crimes au gore parfois crapoteux - j’évoque ici la version uncut, avec au passage un clin d’œil appuyé à Massacre à la tronçonneuse - la police, gagnée par une paranoïa collective, traque les Pères Noël susceptibles de représenter une menace aux abords des cocons familiaux. Série B tournée avec modestie, imprécision et naïveté (malgré quelques cadrages soigneusement tarabiscotés), Douce Nuit, sanglante nuit s’avère pourtant profondément dérangeant par son climat faussement féerique, en réalité résolument malsain.

Sellier Jr. tente, non sans maladresses dues à son inexpérience technique, de dresser le portrait névralgique d’un adolescent sombrant peu à peu dans la démence. En dépit d’une distribution globalement perfectible mais souvent convaincante - notamment le tueur, inexpressif et pourtant inquiétant - une empathie s’installe envers le destin broyé de Billy, témoin enfant des pires exactions (le meurtre de ses parents, prologue horrifiant d’une violence glaçante), puis victime de châtiments corporels répétés dans un enchaînement de circonstances funestes.

Si la seconde partie, plus répétitive mais jamais ennuyeuse, se révèle moins intense psychologiquement, elle conserve cette atmosphère licencieuse, nourrie d’outrances gore et de postures déviantes - Billy offrant un cutter à une fillette docile en guise de récompense. Les enfants deviennent alors témoins, entre stupeur et fascination malsaine, du comportement patibulaire de ce Père Noël prêchant une doctrine punitive et déstabilisante. La scène de la fillette assise sur ses genoux, hypnotisée par ses intimidations, demeure l’un des moments les plus profondément perturbants du film.

Sans rivaliser avec les réussites majeures du genre - faute d’une mise en scène et d’un casting un tantinet timorés - Douce Nuit, sanglante nuit marque durablement les esprits par son climat horrifique fétide. On comprend sans peine le scandale qu’il provoqua à sa sortie. Un des psycho-killers les plus malsains et dérangeants des années 80, à redécouvrir avec un vif intérêt, idéalement en période de fin d’année, en VO de préférence (la VF étant absolument exécrable), et impérativement en version non censurée.

— le cinéphile du cœur noir 🖤
2èx

Je sais rien, mais je dirai tout

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.com

de Pierre Richard. 1973. France. 1h18. Avec Pierre Richard, Bernard Blier, Didier Kaminka, Luis Rego, Georges Beller, Pierre Tornade, Daniel Prévost

Sortie salles France: 6 Décembre 1973

FILMOGRAPHIE: Pierre-Richard Defays, dit Pierre Richard, est un acteur, réalisateur, scénariste et producteur français, né le 16 août 1934 à Valenciennes. 1970 : Le Distrait.1972 : Les Malheurs d'Alfred. 1973 : Je sais rien, mais je dirai tout. 1978 : Je suis timide mais je me soigne. 1979 : C'est pas moi, c'est lui. 1991 : On peut toujours rêver. 1997 : Droit dans le mur.

Troisième réalisation de Pierre Richard couronné d'un succès public (1 485 350 entrées), Je sais rien, mais je dirai tout fustige en première ligne l'armée du point de vue d'un éminent fabriquant d'armes qu'endosse le génial Bernard Blier souvent irrésistible dans son orgueil maniaque. A contrario, son jeune fils, Pierre Gastié-Leroy, éducateur social utopiste et frondeur, rêve vainement de changer la mentalité militaire de ce dernier. Epaulé d'anciens amis d'enfance peu recommandables, il sème la zizanie au sein de l'entreprise totalitaire du paternel. Succession ininterrompue de sketchs tantôt hilarants, tantôt lourdingues (au point d'en avoir le vertige), Pierre Richard déploie une énergie à corps perdu à travers son personnage fantasque de fils à papa oscillant pitreries, gaffes et stratégies de camouflage afin de discréditer la sinistre réputation belliqueuse de son père. Borderline, erratique, insolent, irritable, philanthrope, Pierre Richard prolifère les gags nonsensiques à chaque seconde par le biais du mimétisme et de la verbigération. Tant et si bien que plusieurs seconds-rôles aussi cintrés se mêlent à ses infinies réparties avec une complicité aussi expansive.

Et donc, on a beau regretter l'approximation de la réalisation et la minceur de l'intrigue, prétexte à une moisson de sketchs inventifs tous plus dégénérés les uns que les autres, Je sais rien, mais je dirai tout finit par donner le tournis à force d'outrance comique généreusement illustrée avec un art consommé de la décontraction ! Ainsi, si tout n'est pas du meilleur goût et que quelques gags volent plutôt bas, l'abattage des comédiens (Luis Rego, Geroge Beller, Pierre tornade, Daniel Prevost en tête, sans compter la ravissante Danielle Minazzoli - ex épouse à la ville de Pierre Richard -) et surtout l'inimitié impayable entre Blier et Richard parviennent constamment à nous arracher les rires avec une fringance aujourd'hui révolue depuis nos comédies mainstream. A l'instar de la chanson volontairement infantile et frétillante de Michel Fugain interprétée parmi la complicité du Big Bazar ("qui sait qui est très gentil, les gentiils ! qui sait qui est très méchant, les méchaants !"). D'autre part, et avec une évidente volonté d'y cultiver le pamphlet socio-politique, Je sais rien mais je dirai tout s'avère résolument caustique lorsque Pierre Richard égratigne sans complexe l'armée (à travers la vente massive d'armes de guerre) et l'exploitation ouvrière en y dénonçant au passage le racisme et la pollution déjà bien florissantes à l'orée des années 70. Comme le prouve la constante scénographie blafarde des entreprises dégageant des nappes de fumées du haut de leur cheminée jusqu'à répercuter leur impureté auprès des champs ruraux.

A redécouvrir sans modération !

* Bruno
3èx

Meurtre au 43è Etage

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

"Someone's Watching Me" de John Carpenter. 1978. U.S.A. 1h37. Avec Lauren Hutton, David Birney, Adrienne Barbeau, Charles Cyphers, Grainger Hines, Len Lesser, John Mahon.

Diffusion TV U.S: 29 Novembre 1978. France: 1987 sur la chaine la Cinq

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Réalisé pour la TV la même année que le mythique Halloween, Meurtre au 43è Etage est un sympathique thriller à suspense que John Carpenter façonne avec une efficacité perpétuelle eu égard de sa structure narrative voguant autour du huis-clos domestique et du jeu fébrile de Lauren Hutton très convaincante en victime harcelée par un voyeur de palier. Le récit reposant largement sur ses épaules de par son omniprésence à l'écran, Carpenter nous esquissant une étude caractérielle à travers ses humeurs fringantes entachées de contrariété et de nervosité, et ce avant d'amorcer une initiation héroïque pour faire finalement front à son agresseur sans visage. Ce qui nous vaut un final tendu à l'angoisse délicieusement palpable, notamment grâce à la caméra subjective de Carpenter que celui-ci dirige déjà avec une habile maestria. Même si on a déjà vu mieux à travers son concept du "tueur au téléphone" (l'inégalé Terreur sur la Ligne, l'un des sketchs des 3 visages de la peur et surtout le classique Black Christmas), Meurtre au 43è étage est suffisamment bien mené, sobrement interprété (notamment auprès de la romance timorée du couple) et assidûment réalisé pour divertir sous l'impulsion d'une mécanique à suspense où plane l'ombre d'Hitchcock (l'inévitable Fenêtre sur cour  en tête).

* Bruno
26.01.24. 4èx

Terminator 3, le soulèvement des Machines

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Terminator 3: Rise of the Machines" de Jonathan Mostow. 2003. U.S.A. 1h49. Avec Arnold Schwarzenegger, Nick Stahl, Claire Danes, Kristanna Loken, David Andrews, Mark Famiglietti, Earl Boen

Sortie salles France: 6 Août 2003. U.S: 2 Juillet 2003

FILMOGRAPHIE: Jonathan Mostow est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 28 novembre 1961 à Woodbridge, Connecticut (États-Unis). 1991: Flight of Black Angel. 1997: Breakdown. 2000: U-571. 2003: Terminator 3: Le Soulèvement des machines. 2009: Clones. 2017 : The Professional.

Inexplicablement boudé par les fans, Terminator 3 demeure pourtant selon mon jugement de valeur un divertissement d'une énergie hallucinée (suffit de revoir l'ébouriffante poursuite automobile exposant un camion grue azimuté !), tant et si bien que l'on reconnaît bien la patte de Jonathan Mostwow déjà signataire des très efficaces Breakdown et U 571. Déclinaison survitaminée de Terminator 2, Terminator 3 retrace l'équipée de survie de John Connor, Katherine Brewster et le T-850 (à nouveau revenu du futur) afin de détruire l'ordinateur Skynet pour éviter le jugement dernier. Au même moment, le T-X (encore plus innovant et destructeur que le précédant volet) s'efforce de déjouer leur mission avec un acharnement inébranlable. Pour apporter un regain d'originalité, le cinéaste choisit d'impartir le rôle à la novice Kristanna Loken, autrefois jeune mannequin. Hyper charismatique dans sa combinaison latex couleur bordeaux, cette dernière crève l'écran de par sa beauté gracile redoutablement pernicieuse. Les FX ahurissants de réalisme rehaussant l'aspect indestructible de cette machine belliciste d'une vélocité sans égale. Ainsi, si l'intrigue prévisible n'apporte pas vraiment de surprises, Jonathan Mostow est suffisamment inspiré, circonspect, appliqué (voir même décomplexé par moments pour y apporter quelques savoureux clins d'oeil et touches d'humour) pour donner chair à un univers d'anticipation aussi photogénique (la touche mexicaine en sus !) que crépusculaire, eu égard de la tournure dramatique des évènements si je me réfère à l'impensable épilogue.

Et donc, on a beau anticiper son cheminement narratif (particulièrement bien construit), on se laisse facilement guider par cette palpitante aventure que mènent fougueusement le duo spontané Nick Stahl / Claire Daines (un couple antinomique en voie d'initiation identitaire et communicative) accompagné du mastard Schwarzy (toujours aussi iconique en cyborg redresseur de tort !) et d'une méchante increvable à imprimer dans Le Livre Guinness des records ! Outre le punch de sa réalisation, la perfection de ses effets-spéciaux hyper convaincants et la motivation pugnace de nos personnages se débattant contre le mal avec un humanisme parfois chétif, Terminator 3 exploite lestement la disparité de ses décors tantôt urbains (les poursuites sur bitume), tantôt ruraux (la fusillade dans le cimetière à titre d'exemple singulier), tantôt high-tech (la dernière partie située dans la base militaire occultant une technologie avancée) tout en sublimant ses scènes d'action sans céder à la fioriture. Et donc, de mon point de vue subjectif, Terminator 3 s'avère d'autant plus inexplicablement discrédité que Jonathan Mostow nous livre là avec autant de générosité que d'intégrité un monstrueux épigone du modèle de Cameron ! Tant et si bien que l'on reste constamment scotché au fauteuil grâce à la cristallisation de son univers belliqueux au confins d'une apocalypse nucléaire et grâce à l'attachante cohésion des personnages (le couple juvénile diffuse une force commune d'autant plus fragile à travers leur innocence galvaudée).

A réhabiliter d'urgence donc si on sait faire preuve de recul (évitez de revoir à la file Terminator 2 et 3 !) et d'un certain second degré (Jonathan Mostow redoublant d'efficacité à relancer l'intrigue - éculée - pour afficher un ersatz aussi sombre et violent que futilement truculent).  

* Bruno
3èx 

The Guilty. Prix du Public, Sundance 2018.

                                                              Photo empruntée sur Facebook, merci Thierry

de Gustav Möller. 2018. Danemark. 1h25. Avec Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Johan Olsen (da), Katinka Evers-Jahnsen, Omar Shargawi (da), Jeanette Lindbæk

Sortie salles France: 18 Juillet 2018. Danemark: 14 Juin 2018

FILMOGRAPHIE: Gustav Möller est un réalisateur danois né en 1988 à Göteborg, en Suède. 2018: The Guilty.

Drame psychologique ardu transplanté dans le cadre du thriller intimiste (un concept binaire d'autant plus pervers dans les échanges de rôles !), The Guilty ne laisse rien présager du tsunami émotionnel qu'il nous prodigue au fil de son cheminement à suspense ! En attente de jugement au tribunal, un flic est enrôlé opérateur d'urgence. Après plusieurs entretiens éclectiques, il témoigne de l'appel au secours d'une femme kidnappée par un homme dans une camionnette blanche. Au fil de leurs échanges téléphoniques, il va tenter par tous les moyens de la sauver en localisant chaque appel avec l'intervention de la police. Uppercut émotionnel aussi âpre qu'inopinément rigoureux, The Guilty est de prime abord un modèle de suggestion dans le cadre exigu d'un centre de régulation d'appels d'urgence. Le réalisateur ne quittant jamais de vue le héros de l'écran littéralement obsédé à l'idée de résoudre une affaire de kidnapping, si bien que toutes les scènes décrites, exclusivement dictées par les dialogues, font appel à l'imagination du spectateur embarqué dans une sombre histoire de kidnapping. Ainsi, au fil de ses conversations haletantes avec la victime, avec ses collaborateurs et son fidèle adjoint, nous nous prenons autant d'empathie que d'appréhension pour le sort précaire de cette dernière d'une fragilité plutôt névralgique.

Il faut d'ailleurs souligner la précision de la bande-son et la diction très expressive de chaque intervenant (tant en VF qu'en VO !) lors des nombreux échanges téléphoniques que le spectateur écoute aussi scrupuleusement que le héros psychologiquement malmené si je me réfère à ses nombreuses erreurs de jugement qu'il n'anticipa. Car à travers ce récit tendu à l'issue tout à fait incertaine, le réalisateur soulève intelligemment en parallèle une sous-intrigue criminelle à travers le profil équivoque de cet opérateur hanté de culpabilité Spoil ! à la suite d'une bavure policière Fin du Spoil. Et donc, en guise de rédemption, il tentera par tous les moyens de se racheter une conduite en daignant sauver la vie de la victime. C'est donc à mi-parcours, et alors que le héros et la victime commencent à éveiller des sentiments l'un pour l'autre, que l'intrigue adopte une nouvelle ligne de conduite autrement vertigineuse, pour ne pas dire traumatisante à travers un rebondissement d'une cruauté inextinguible. C'est donc à partir de ce point de rupture que The Guilty déploie toute sa puissance dramatique à travers le portrait de deux victimes rongées par leur démon interne, en voie de prise de conscience mais isolées d'une main secourable.

D'une intensité dramatique tempétueuse en second acte brut de décoffrage, The Guilty joue autant avec les nerfs que les sentiments du spectateur pris à parti avec le redoutable faux semblant. Remarquablement incarné par un unique acteur d'une sobriété d'expression bouleversante, The Guilty nous anéantit d'émotions sentencieuses eu égard de la tournure radicale des confrontations scrupuleusement radiographiées avec un art consommé de l'acuité psychologique. Il en demeure aussi inconsolable que traumatisant. 

* Bruno

Récompenses:
Festival du film de Sundance 2018 : Prix du public de la section World Cinema Dramatic.
Festival international du film de Rotterdam 2018 : Prix du public et prix du jury jeunes.
Festival international du film policier de Beaune 2018 : Prix de la critique.
Festival international du film de Transylvanie 2018 : Prix du public.
Festival international du film de Seattle 2018 : Prix du meilleur réalisateur.
Festival international du film de Thessalonique 2018 : Prix d'interprétation masculine pour Jakob Cedergren.
Festival du film de Turin 2018 : Prix du meilleur acteur pour Jakob Cedergren, prix du meilleur scénario et prix du public

Bambi

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site samuelowengallery.com

Walt Disney Pictures Presents: Bambi de David D. Hand. 1942. U.S.A. 1h08.

Sortie Salles France: 15 Juillet 1947. U.SA: 13 Août 1942. Belgique: 18 Décembre 1947

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: David D. Hand est un animateur, réalisateur et producteur américain, né le 23 Janvier 1900 à Plainfield, New Jersey (Etats-Unis), décédé le 11 Octobre 1986 à San Luis Obispo (Etats-Unis). 1936: Les Trois petits loups. 1937: Mickey Magicien. 1937: Blanche Neige et les 7 Nains. 1942: Bambi. 1980: Mickey Mouse Disco.

Considéré comme l’un des films les plus bouleversants de Disney, au point d’avoir marqué au fer rouge toute une génération, Bambi transfigure le conte initiatique de l’apprentissage et de la survie à travers le regard d’un équidé primitif. Adapté du roman Bambi, l’histoire d’une vie dans les bois de l’Autrichien Felix Salten, cet hymne à la nature nous montre l’éveil d’un faon grandissant sous l’aile de sa mère et la bienveillance de la forêt. Dès sa naissance, Bambi découvre l’éclat du monde bucolique et les joies de l’amitié, entre le grincheux Monsieur Hibou, Panpan le lapin malicieux et Fleur, le putois délicat. Au gré de ses tribulations avec ces compagnons fidèles, il fait aussi l’expérience des premiers émois face à Féline, élancée et mutine. Mais dans cette nature fastueuse, où chaque saison réinvente la lumière, il apprend aussi que l’existence n’est pas un Eden, et que certains dangers surgissent comme des ombres impromptues.

 

Chef-d’œuvre à l’enchantement intact, Bambi demeure un chant universel dédié à l’héritage parental, à la noblesse de l’amitié et à la force de l’amour, mais aussi au courage d’affronter l’abattement. Avec la bonhomie irrésistible de personnages fantasques - toujours aussi étonnamment expansifs pour le studio - et la tendresse du faon encore tremblant, le film déploie un florilège de scènes pittoresques et profondément touchantes. De la caractérisation délicatement disparate de chaque animal à l’élégance de la végétation forestière, jusqu’au lien maternel tissé avec pudeur par la mère de Bambi, tout respire la grâce. Jalonner le récit de péripéties alarmantes - combat homérique contre un cerf, fuite paniquée lors de l’incendie - permet au film d’explorer la perte de l’innocence, notamment dans l’épreuve tragique que le jeune faon devra surmonter pour apprivoiser le deuil. À travers ce drame brutal, qui hante encore la mémoire de nombreux enfants (même les plus grands), Bambi dénonce aussi l’orgueil vorace de l’homme, incarné par le chasseur qui tire fierté de traquer et d’abattre. De ces actes naît également la négligence fatale qui déclenche le brasier ravageant la forêt.

 

Cantique dédié à la protection animale et célébration de l’élan vital, Bambi continue d’émerveiller par sa simplicité lumineuse et la fougue tendre de personnages qui aspirent seulement à vivre en paix malgré l’hostilité humaine. Une leçon d’humanisme à méditer, surtout pour ceux que la chasse séduit encore, derrière cette symphonie de douceur vouée à la noblesse de l’innocence.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

09.01.13 (59 v)

Dracula et les Femmes Vampires

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site ecranlarge.com

de Dan Curtis. 1973. Angleterre. 1h38. Avec Jack Palance, Simon Ward, Nigel Davenport, Pamela Brown, Fiona Lewis, Penelope Horner, Murray Brown.

Diffusion France TV: 12 Mai 1976. U.S: 8 Février 1974.

FILMOGRAPHIE: Dan Curtis est un producteur, scénariste et réalisateur américain, né le 12 Août 1927 à Bridgeport, Connecticut (Etats-Unis), décédé le 27 mars 2006 à Brentwood (Californie). 1966: Dark Shadows (série TV). 1970: La Fiancée du Vampire. 1971: Night of dark shadows. 1973: Dracula. 1973: The Night Strangler (télé-film). 1975: La Poupée de la Terreur. 1976: Trauma. 1977: Dead of Night. 1977: La Malédiction de la veuve noire (télé-film). 1992: Intruders (télé-film). 1996: La Poupée de la terreur 2 (télé-film).

Réalisé par Dan Curtis, un des maîtres du Fantastique jamais reconnu à mes yeux (on lui doit tout de même le chef-d'oeuvre Trauma et bien d'autres pépites parmi lesquelles The Night Strangler, La Fiancée du Vampire, la Poupée de la Terreur et la Malédiction de la Veuve noire); Dracula demeure une sympathique adaptation télévisuelle du roman éponyme de Stoker. Car sans révolutionner le mythe séculaire, Dan Curtis possède suffisamment de savoir-faire et d'affection pour le genre afin de rendre assez ludique ce Dracula natif de 1973. Emaillé de séquences atmosphériques franchement immersives, tant auprès de la scénographie gothique des décors domestiques (avec un goût prononcé pour la nuance vermeille), de ses cryptes décaties que de sa nature crépusculaire tantôt onirique (notamment à travers la silhouette spectrale du vampire aussi mutique que diaphane), Dracula parvient efficacement à se renouveler sous l'impulsion d'un Jack Palance étonnamment inquiétant. Patibulaire à travers sa mâchoire carrée et ses petits yeux viciés, ce dernier magnétise l'écran avec (une sobre) conviction si bien que le spectateur reste régulièrement fasciné par ses factions sournoises. Quant aux seconds-rôles assez investis dans leur posture héroïque (la fraternité d'Arthur et de Van Helsing) ou démunie (les victimes féminines en proie à l'hypnose puis à la contamination) on parvient à s'y identifier grâce à leur jeu modéré dénué d'emphase. Et pour parachever dans l'horreur la plus ensorcelante, on apprécie également les quelques apparitions pernicieuses des femmes vampires disséminées à travers l'intrigue pour s'y insurger.

Produit pour la TV dans une facture formellement sépia, ce Dracula 73 parvient donc à s'extirper du carcan télévisuel grâce aux talents communs de Dan Curtis et de Jack Palance assez complices pour plonger le spectateur dans un révérencieux cauchemar gothique honorablement convaincant. 

* Bruno
15.03.13. 47 v
06.12.18. 2èx