LES EVADES DE LA PLANETE DES SINGES (Escape from the Planet of the Apes)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site sci-fimovieposters.co.uk

de Don Taylor. 1971. U.S.A. 1h38. Avec Roddy McDowall, Kin Hunter, Bradford Dillman, William Windom, John Randolph, Eric Braeden. 

Sortie salles France: Août 1971. U.S: 21 Mai 1971

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Don Taylor est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 13 Décembre 1920 à Freeport, Pennsylvanie (Etats-Unis), décédé le 29 Décembre 1998 à Los Angeles (Californie)
1969: 5 hommes armés. 1971: Les Evadés de la Planète des Singes. 1973: Tom Sawyer. 1977: L'île du Docteur Moreau. 1978: Damien: la malédiction 2. 1980: Nimitz, retour vers l'enfer.

Troisième opus de la saga réalisé par Don Taylor (habile faiseur de séries B responsable de L'île du Dr Moreau, La Malédiction 2 et Nimitz, retour vers l'enfer), les Evadés de la Planète des singes reprend le concept du voyage temporel en inversant cette fois-ci le rôle des protagonistes. 

Le docteur Milo, Cornelius et sa compagne Zira réussissent à embarquer dans la navette spatiale du capitaine Taylor afin d'échapper à la destruction de la terre. Suite à une défaillance, ils se retrouvent projetés 2000 ans avant leur règne, c'est à dire en 1973. 

Série B modestement réalisée, de par son budget deux fois moindre que son modèle, les Evadés de la Planète des singes se focalise aujourd'hui sur la destinée précaire du couple Cornelius/Zira, pris à parti avec l'orgueil de notre civilisation moderne. D'abord accueilli avec courtoisie et curiosité par le gouvernement, nos deux chimpanzés ne vont pas tarder à se confronter à l'hostilité du Dr Otto Hasslein. En effet, suite aux déclarations prémonitoires sur leur prochaine ascension et après avoir avoué leurs travaux de dissection autrefois pratiqués sur les êtres humains, le gouvernement aura décidé de s'en débarrasser afin de sauvegarder l'éventuelle extinction de la race humaine. Comme dans le premier volet, nos héros vont pouvoir compter sur le soutien humaniste de deux médecins chargés de leur trouver une planque afin d'échapper à leur sentence, et se rapprocher auprès d'un directeur de zoo, témoin capital pour leur postérité. A l'instar de son prélude (l'escale des chimpanzés affublés de combinaisons de cosmonautes !), Don Taylor ne manque pas de distiller certains moments de cocasserie lorsque Cornelius et Zira sont contraints de comparaître devant un tribunal en s'exprimant avec l'art du langage. En sous texte social, on peut aussi déceler un réquisitoire contre la vivisection lorsque les chimpanzés sont confrontés à leur responsabilité morale d'avoir osé disséquer des êtres humains au nom de la science. A travers les allégations de Cornelius (comment les chats et les chiens ont fini par disparaître pour laisser place aux singes !), le réalisateur ironise également sur notre instinct possessif envers la domestication animale dans le but de nous tenir compagnie et de nous divertir. Enfin, il souligne notre rapport masochiste face au divertissement du sport (en l'occurrence, la boxe chorégraphiée dans toute sa violence !) et notre goût immodéré pour l'action du spectacle ! La dernière partie, beaucoup plus sombre et brutale, joue la carte du suspense et ne manque pas de provoquer une émotion poignante quand au sort réservé à nos deux héros. 

Si Les évadés de la planète des singes se réserve de surpasser son modèle, il se tire honorablement de la redite par une pirouette scénaristique retorse en privilégiant avec humilité la dimension romantique du couple Cornelius/Zira. Un 3è opus attachant et efficacement mené, surpassant aisément son antécédente séquelle. 

La critique de La Planète des singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/la-planete-des-singes-planet-of-apes.html
Le Secret de la Planète des singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/le-secret-de-la-planete-des-singes.html
La Conquête de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-conquete-de-la-planete-des-singes.html
La Bataille de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-bataille-de-la-planete-des-singes.html

30.12.13. 3èx

Bruno Matéï  

Fondu au Noir / Fade to black. Prix de la Critique, Avoriaz 1981

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site colonelmortimer.blogspot.com

de Vernon Zimmerman. 1980. U.S.A. 1h40. Avec Dennis Christopher, Tim Thomerson, Linda Kerridge, Mickey Rourke, Eve Brent.

Sortie salles France: 20 Mai 1981. U.S: 14 Octobre 1980.

FILMOGRAPHIE: Vernon Zimmerman est un réalisateur et scénariste américain.
1964: The college (Documentaire). 1972: Deadhead miles. 1972: Unholy rollers. 1980: Fondu au noir
1995: Chuck and Wally on the Road (court-métrage)

Sorti en salles dans l'indifférence mais auréolé du Prix de la Critique à Avoriaz en 1981, Fondu au Noir s'est notamment attribué d'une certaine renommée dans les rayons des vidéos club au point de devenir culte chez une poignée de cinéphiles (Pascal Laugier le considère d'ailleurs comme l'un de ses films de chevet). Réalisateur méconnu uniquement responsable de trois longs-métrage, Vernon Zimmerman  nous traite ici un cas de schizophrénie du point de vue d'un cinéphile infaillible.

Le pitch: Passionné de cinéma, Eric vit reclus dans son foyer en compagnie de sa mère bigote. Pour pallier sa solitude, il visionne inlassablement ses films préférés qu'il connaît par coeur. Un jour, dans un bar, il tombe amoureux du sosie de Marilyn Monroe. Le soir même, il lui propose un rencart en ville pour une séance ciné mais la jeune fille étourdie oublie de le rejoindre. Dépité, il rentre chez lui et se replonge illico dans un vieux classique de film noir. Gagné par une rancune incontrôlée depuis que sa mère osa pénétrer dans sa chambre pour y détruire une bobine de pellicule, Eric finit par sombrer dans la folie.

Oeuvre insolite à la lisière du drame, de la romance et de l'horreur, Fondu au Noir se décline en hommage au cinéma de genre par le truchement d'un cinéphile dérangé. Plongé en apnée dans son désarroi de la solitude, faute d'une mégère incapable de lui porter regain d'amour maternel, Eric est d'autant plus contraint de supporter les railleries de ses confrères et l'intolérance d'un patron draconien. Son seul réconfort, il le retrouve donc dans les films qu'il se repasse en boucle du fond de sa chambre. Connaissant par coeur chaque séquence et réplique culte, à l'instar de la filmographie des acteurs et réalisateurs, il s'est taillé depuis une réputation de cinéphile incollable. Mais sa détresse et sa colère d'être systématiquement dénigré aux yeux des autres finissent par le faire sombrer dans une vendetta irréversible. 

L'originalité du sujet est ici traité de manière débridée afin de rendre hommage au 7 art mais surtout pour y dénoncer ses effets pervers sur l'emprise de l'image. Car afin de se permettre une raison d'exister et d'accomplir sa vengeance, notre cinéphile finit par s'inventer une nouvelle identité, à la manière du dédoublement de personnalité, pour pénétrer dans la peau de ses personnages favoris du cinéma. Travesti en vampire, cow-boy, momie ou gangster, Eric sème la panique et la mort autour de lui sous ses grotesques panoplies. 

Si les références et les clins d'oeil aux classiques du cinéma pullulent dans Fondu au Noir, c'est notamment pour y dénoncer l'influence que peuvent nourrir certaines images chez des esprits fragiles ou dérangés jusqu'à ne plus pouvoir distinguer réalité et fiction. En l'occurrence, l'intensité de la violence au cinéma que notre héros se remémore dans sa fascination maladive afin d'extérioriser sa rage meurtrière.

L'homme aux 1000 visages

Avec une tendresse indéniable pour ce personnage à l’émotivité vacillante, parfois déchirante, Vernon Zimmerman transcende le portrait d’un cinéphile égaré dans les méandres de ses chimères et de sa désillusion existentielle. Victime silencieuse, rongée par la solitude et l’indifférence d’une société avide, il s’accroche à l’icône Marilyn — mirage d’un idéal féminin et passerelle illusoire vers une célébrité fantasmée, reflet d’un acteur que le monde a déjà oublié.

Sous la fragile élégie du thème musical, porté par le jeu à vif de Dennis Christopher, Fondu au noir s’impose comme une œuvre inclassable, dérangeante, d’une beauté trouble, hantée par un sentiment d’amertume irrévocable.

Film magnifique, profondément singulier, Fondu au noir laisse une trace indélébile : un vertige émotionnel capiteux, frénétique et désabusé — une déclaration d’amour tragique au cinéma, et à ceux qu’il abandonne sur le bord du rêve.

*Eric Binford
27.12.13. 

29.07.24. 6èx. VF

Récompense: Prix de la Critique à Avoriaz, 1981

Le Bal des Vampires / The Fearless Vampire Killers or pardon me, but your teeth are in my neck

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Roman Polanski. 1967. U.S.A/Angleterre. 1h48. Avec Jack MacGowran, Roman Polanski, Sharon Tate, Alfie Bass, Jessie Robins, Ferdy Mayne, Iain Quarrier.

Sortie salles France: 1er Avril 1968. U.S: 13 Novembre 1967. Angleterre: Février 1967

FILMOGRAPHIE: Roman Polanski est un réalisateur, producteur, comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra et scénariste franco-polonais américain. Il est né le 18 Août 1933 à Paris.
1962: Le Couteau dans l'eau. 1965: Répulsion. 1966: Cul de sac. 1967: Le Bal des Vampires. 1968: Rosemary's Baby. 1971: Macbeth. 1972: Week-end of a champion. 1972: Quoi ? 1974: Chinatown. 1976: Le Locataire. 1979: Tess. 1986: Pirates. 1988: Frantic. 1992: Lunes de fiel. 1994: La Jeune fille et la mort. 1999: La 9è porte. 2002: Le Pianiste. 2005: Oliver Twist. 2010: The Ghost Writer. 2011: Carnage. 2013: La Vénus à la fourrure.

 

"Le Bal des Ombres Rieuses".

Chef-d'œuvre parodique, Le Bal des Vampires conserve intact son pouvoir ensorcelant grâce à l’esthétisme gothique hérité de la Hammer et à l’excentricité de personnages baignés dans la maladresse ou la mesquinerie. En confrontant l’horreur à la comédie, Roman Polanski orchestre une satire délicieusement ludique, tout en respectant les codes sacrés du puriste cinéphile. À travers ses paysages enneigés aux teintes immaculées, ses architectures décaties et sa forteresse en clair-obscur, Le Bal des Vampires devient une invitation au dépaysement — un voyage au bout de la nuit sous l’allégeance du comte Krolock. Là même où s’organise un bal annuel, danse macabre à laquelle une assemblée de morts-vivants s’extirpe lentement de ses cercueils, répondant à l’invitation comme à un rite ancestral.

Sur un scénario éculé — un professeur et son assistant tentent de sauver une jeune femme des griffes d’un vampire — Polanski échappe à la redite grâce à la verve insolente d’une succession de gags, dont les situations débordent d’audace : drague homosexuelle improvisée, stratégies coquines d’un aubergiste incapable de réprimer ses pulsions, et cet épilogue sardonique annonçant froidement la propagation du Mal à travers le monde.

C’est surtout dans les mésaventures de ses deux héros que le film déclenche une sympathie irrésistible. Abronsius, congelé par deux fois, se retrouve coincé dans l’embrasure d’une fenêtre menant à la crypte, tandis qu’Alfred, éternel étourdi, peine à affronter Krolock et son fils Herbert. L’aventure gagne en démesure à travers la galerie des seconds rôles hauts en couleur : l’aubergiste juif, tiraillé entre une midinette nocturne et sa femme bedonnante ; Herbert, vampire efféminé improvisant une lecture poétique pour séduire Alfred ; ou l’attardé Koukol, bossu au rictus large, fidèle larbin du maître. En comte Krolock, Ferdy Mayne se régale à parodier Christopher Lee avec une élégance amusée.

Et puis il y a cette bonhomie des deux chasseurs de vampires, malhabiles mais profondément unis dans une complicité presque filiale, et le charme étrangement sensuel de Sarah — Sharon Tate y dégage un magnétisme troublant. Le Bal des Vampires embrasse une forme d’héroïsme cocasse, presque absurde, pour enrayer la menace vampirique.

"Le Château aux Rires Maudits".

Merveille esthétique de tous les instants, rappelant les plus beaux fleurons de la Hammer, Le Bal des Vampires insuffle aussi une charge érotique, discrète mais tenace, en la personne lumineuse de Sharon Tate. En parodiant le mythe du vampire avec tendresse et irrévérence, Polanski rend hommage au genre avec drôlerie, mais aussi avec une infinie douceur pour ses personnages — comme ce moment suspendu où Alfred, transi, ose enfin déclarer sa flamme à Sarah, au cœur du bal costumé. Un classique inoxydable à la fraîcheur exaltante.

*Bruno

26.12.13. 4èx

FRUITVALE STATION. Grand Prix du Jury, Sundance, 2013

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Ryan Coogler. 2013. U.S.A. 1h29. Avec Michael B. Jordan, Melonie Diaz, Octavia Spencer, Kevin Durand, Chad Michael Murray.

Sortie salles France: 1er Janvier 2014

Récompenses: Grand Prix du Jury, Prix du Public, Sundance 2013
Prix de la révélation Cartier pour Ryan Coogler, Prix du Public à Deauville
Prix de l'avenir, un certain regard, Cannes 2013
National Board of Review Awards 2013: Meilleure Actrice pour Octavia Spencer
Meilleure révélation masculine pour Michael B. Jordan
Meilleur premier film pour Ryan Coogler
New-York Film Critics Circle Awards 2013: Meilleur premier film pour Ryan Coogler.
Africain-American Film Critics Association Awards 2013: Meilleur film indépendant.

FILMOGRAPHIE: Ryan Coogler est un réalisateur et scénariste américain, né le 23 Mai 1986 à Oakland, Californie.
2013: Fruitvale Station. Prochainement: Creed

Auréolé du Grand prix du Jury à Sundance 2013, Fruitvale Station est la reconstitution d'un fait-divers tragique survenu le 1er Janvier 2009 dans la station de métro Fruitvale à San Francisco. Auparavant, le film relate avec souci de vérité proche du documentaire la journée d'Oscar qui a précédé son arrestation musclée. Jeune black de 22 ans, ancien taulard condamné pour deal de came, Oscar est aujourd'hui père d'une petite fille et partage sa vie avec Sophina dans l'espoir d'une réinsertion sociale. Confronté au chômage, il tente de récupérer son job de vendeur dans un supermarché contre la réticence de son ancien patron. Livré à sa solitude et son désarroi (à l'instar de son appel à l'aide pour porter secours à un chien renversé par une voiture en fuite !), il décide de revendre un peu de came aux junkies du coin avant de se raviser.

Avec réalisme intimiste, Ryan Coogler tient à mettre en exergue l'errance quotidienne d'un ancien délinquant tributaire de ses pulsions irascibles mais néanmoins rattaché à sa valeur paternelle et à l'amour conjugal. Son réconfort et son soutien, il les retrouvent notamment auprès de ses grands-parents et d'une maman autoritaire. Durant une heure, le réalisateur insiste à décrire avec pudeur ces liens familiaux qui unifient Oscar afin d'afficher son caractère humaniste et l'environnement équilibré auquel il appartient. Avec l'impact saisissant d'une authentique vidéo d'archive préalablement apposée en prologue, on imagine le drame inéluctable qui se dessine lentement autour du personnage lorsqu'il décide d'emprunter le métro avec Sophina et quelques amies pour célébrer un feu d'artifice. Durant son déplacement urbain, une certaine tension sous jacente nous accapare au fil des bavardages amicaux entretenus avec ces amis et des inconnus du compartiment. Jusqu'à la confrontation inopinément brutale qui basculera le destin d'Oscar dans la tragédie accidentelle. Cette dernière demi-heure, d'une grande puissance émotionnelle, nous confine dans un malaise au bord de l'asphyxie. Le réalisme acerbe qui découle de l'altercation avec les délinquants éméchés et de l'opposition policière qui s'ensuit nous saisit à la gorge jusqu'au drame impardonnable. Sans pathos ni apitoiement, le réalisateur rend hommage à la victime avec une pudeur humaniste bouleversante tout en dénonçant froidement l'autorité zélée de flics avides d'oppression !

A la modestie humaine préservée dans sa première heure se succède une violence aussi soudaine 
qu'incontrôlée pour retransmettre sans répit la banalité du fait-divers dramatique. A partir de cet incident majeur où la haine raciale n'est pas pointée du doigt, Fruitvale Station délivre le portrait déchirant d'un ancien délinquant qui ne demandait qu'à cristalliser ses nouveaux espoirs. Son témoignage se porte notamment en étendard pour la communauté noire régulièrement stigmatisée par le motif quelconque d'une police intransigeante. Un électro-choc dont il est difficile d'en sortir indemne. 

25.12.13
Bruno Matéï

La Marque du Diable / Mark of the Devil / Hexen bis aufs blut gequält

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmundo.de

de Michael Armstrong et Adrien Hoven. 1970. Angleterre/Allemagne. 1h37. Avec Udo Kier, Herbert Lom, Olivera Vuco, Reggie Nalder, Herbert Fux, Michael Maien, Gaby Fuchs, Ingeborg Schöner, Adrian Hoven.

FILMOGRAPHIE: Michael Armstrong est un réalisateur et scénariste anglais, né le 24 Juillet 1944 à Bolton, Lancashire, Angleterre.
1969: The Haunted house of horror. 1970: La Marque du Diable. 1986: Screamtime

Avertissement: Il s'agit de la version intégrale inédite en France mais disponible aujourd'hui grâce à l'enseigne The Ecstasy of Films ! (la Vhs d'époque de René Chateau étant cut !)

"À vomir et à pleurer : La Marque du Diable".

Deux ans après le chef-d’œuvre inégalé Le Grand Inquisiteur de Michael Reeves, une production germano-britannique s’approprie à nouveau ce concept historique, avec une volonté féroce de surenchérir dans l’horreur sanglante. Pour preuve ultime : un sac à vomi était distribué à chaque spectateur, à l’entrée, pour flatter son instinct voyeur. 

Pitch: Dans une bourgade autrichienne, sous le joug de l’Inquisition, l’évêque Albino fait régner la terreur, perpétuant sa chasse aux sorcières avec une soif de sadisme inextinguible. Mais l’arrivée du juge Cumberland et de son jeune apprenti, Christian, vient troubler la quiétude de ses exactions. Témoignant, médusé, de ces rituels barbares, le candide Christian finit par s’éprendre d’une villageoise.

Série B d’horreur déviante, avant-coureuse du Torture Porn, La Marque du Diable s’érige en étendard d’un genre en pleine mue dans cette décennie charnière. Michael Armstrong y livre une orgie putassière presque inédite pour l’époque. Une plongée jusqu’au-boutiste dans l’enfer des tortures ancestrales, où des instruments rubigineux rivalisent d’ingéniosité pour briser l’hérétique. Sans répit, Armstrong (épaulé de Adrian Hoven) étale, à intervalles réguliers, toute une panoplie de sévices corporels, au nom hypocrite du clergé. Avec une volonté historique de dénoncer le fanatisme religieux et la corruption des notables (le juge lui-même cède à ses pulsions meurtrières et lubriques), il offre un constat féroce d’une société gangrenée par la superstition. Même les villageois, ivres de vengeance, n’hésitent pas à sacrifier un innocent pour abattre les sbires du dogme.

Si La Marque du Diable souffre parfois d’une mise en scène triviale — ces zooms insistants sur des trognes vicieuses, ce montage heurté —, il préserve une densité dramatique, tant pour les faits exposés que pour la romance contrariée de Christian et Vanessa. Le réalisme sordide, presque malsain, des supplices atteint une intensité émotionnelle rare : l’arrachage de langue, à lui seul, retourne les entrailles et précipite le spectateur dans un gouffre de cruauté pure.

Côté interprétation, le film s’en tire avec panache : l’apparence burinée de l’immense Reggie Nalder, baron pervers pétri de bestialité, hante la rétine, tout comme le juge endossé par Herbert Lom, massif et ténébreux, qui laisse suinter la pourriture de son âme. Udo Kier, en apprenti placide, peut agacer, mais son physique d’ange damné irradie un magnétisme troublant et arrache l’empathie, surtout dans sa romance blessée avec Vanessa — pulpeuse, frémissante de révolte et d’injustice.

"Orgie inquisitoriale : le supplice selon Armstrong".

Sommet d’horreur craspec, faux témoignage mais vraie dissection de la barbarie inquisitoriale, La Marque du Diable conserve intacte sa morsure graphique et nous entraîne dans une chute vertigineuse, portée par la caresse d’une mélodie lascive. Ruggero Deodato reprendra d'ailleurs cette note élégiaque pour distiller le malaise maladif de Cannibal Holocaust.

Dédicace à Christophe Cosyns
24.12.13. 3èx

Bruno Matéï 

Le Secret de la Planète des Singes / Beneath the Planet of the Apes

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Ted Post. 1970. U.S.A. 1h35. Avec James Franciscus, Kim Hunter, Maurice Evans, Linda Harrison, Paul Richards, Victor Buono, James Gregory.

Sortie salle France: Juin 1970. U.S: 26 Mai 1970

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Ted Post est un réalisateur, scénariste et acteur américain, né le 31 Mars 1918 à Brooklyn, New-York, décédé le 20 Août 2013 à Santa Monica.
1956: The Peacemaker. 1959: The Legend of Tom Dooley. 1968: Pendez les haut et court. 1970: Le Secret de la planète des singes. 1973: The Harrad Experiment. 1973: Magnum force. 1975: Whiffs. 1978: Le Merdier. 1978: Le Commado des Tigres noirs. 1980: Nightkill. 1992: The Human Shield. 1999: 4 Faces. 2000: Old Pals.

Deuxième opus d'une franchise à succès (il totalise rien qu'en France 1 163 547 entrées), le Secret de la Planète des Singes dénonce à nouveau avec une certaine originalité inattendue la folie de l'arme atomique derrière la thématique du fanatisme religieux. En jouant la carte du simple divertissement soigneusement illustré, cette déclinaison a également le mérite de ne jamais ennuyer de par sa réalisation efficace, son atmosphère baroque particulièrement étrange et immersive et la prestance virile d'un nouveau venu résolument convaincant: James Franciscus. µ

Le Pitch: Après avoir débarqué sur terre en l'an 3955, l'astronaute John Brent découvre la cité des hommes-singes par l'entremise de Nova, compagne mutique du capitaine Taylor aujourd'hui porté disparu. Rapidement embrigadés par les gorilles, ils réussissent à s'échapper grâce à la complicité des deux chimpanzés, Zira et Cornelius. Réfugiés vers la zone interdite, ils parviennent à découvrir une étrange confrérie religieuse vouée à l'adoration de l'ère atomique.

A travers cet étrange postulat, Ted Post tente de jouer la carte de l'originalité avec l'iconisation d'une menace encore plus délétère que celle des hommes-singes, une communauté de prêtres télépathes adeptes de l'arme nucléaire. De par son thème religieux imparti au sectarisme, c'est une nouvelle guerre aux enjeux destructeurs que nous impose ce second opus efficacement conté, si bien que les singes, davantage influencés par l'éthique belliqueuse des gorilles, ont décidé d'investir les fouilles de la zone interdite afin d'imposer leur mainmise. Au préalable, à travers quelques souvenirs laissés sur notre ancienne civilisation, l'astronaute Brent découvre la vérité sur l'extinction de la Terre et doit endurer une série d'épreuves psychologiques que des religieux vont lui soumettre afin de connaître la stratégie militaire des singes. On s'étonne d'ailleurs de leur apparence vestimentaire et de leur pouvoir psychique capable d'y tyranniser l'ennemi par la pensée (à l'écoute d'un son inaudible, la victime est éprise d'une folie meurtrière incontrôlée pour tuer son adversaire !). En prime, ils n'ont pas besoin de gesticuler la moindre syllabe pour se faire entendre puisque nous sommes capables de discerner leur parole à travers l'acuité d'un son. Enfin, Ted Post tente de nous surprendre à travers leur véritable apparence corporelle allouée à la mutation et relance en dernier acte un affrontement entre clans à la fois spectaculaire et incroyablement couillu parmi l'entremise inopinée du capitaine Taylor !

Etonnamment soigné et inspiré de la part d'une suite, interprété avec conviction par un James Franciscus aussi impliqué, et entrecoupé de scènes d'actions nerveuses, le Secret de la Planète des singes demeure un excellent divertissement à la fois ludique, inquiétant et sans concession. A l'instar de son hallucinant final encore plus nihiliste que son prédécesseur si bien que l'on en reste bouche bée au moment du générique (lestement) mutique. Une séquelle encore plus attachante aujourd'hui exploitant notamment un esthétisme mystique absolument délirant (la bombe atomique est à l'effigie du Christ ! ) autour de décors dévastés fortement dépaysants. 

*Bruno

La critique de La Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/la-planete-des-singes-planet-of-apes.html
Les Evadés de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/les-evades-de-la-planete-des-singes.html
La Conquête de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-conquete-de-la-planete-des-singes.html
La Bataille de la Planète des Singes: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/la-bataille-de-la-planete-des-singes.html

18.11.24. 4èx. Vostfr

23.12.13. 

LES AMANTS DU TEXAS (Ain't Them Bodies Saints)

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site insidemovies.ew.com

de David Lowery. 2013. U.S.A. 1h40. Avec Casey Affleck, Rooney Mara, Ben Foster, Rami Malek, Keith Carradine, Nate Parker.

Sortie salles France: 18 Septembre 2013. U.S: 16 Août 2013

FILMOGRAPHIE: David Lowery est un réalisateur américain.
2005: Deadroom. 2009: St Nick. 2013: Les Amants du Texas

Sélectionné à Sundance et couronné du prix de la meilleure photographie, Les Amants du Texas est tout à fait représentatif du métrage indépendant privilégiant les ambiances latentes au sein d'un drame intime tout en élégie. A la suite d'un braquage, Bob et Ruth sont contraint de se retrancher dans leur ferme prise d'assaut par la police. L'homme se rend devant la police et se dénonce afin d'épargner sa dulcinée. Incarcéré en prison, il réussit à s'échapper quatre ans plus tard après plusieurs tentatives. Sa seule aspiration est de retrouver sa femme et l'enfant qu'il n'a jamais pu connaître. Mais la police à l'affût veille sur son inévitable retour dans une contrée mutique du Texas.

Western contemplatif et drame romantique se télescopent pour dépeindre une idylle passionnelle conçue sur l'attente des retrouvailles. Avec son ambiance feutrée et l'expression aigre de ces personnages, Les Amants du Texas demande un certain effort d'adaptation au spectateur afin d'assumer un rythme languissant où les regards lamentés insufflent un climat de douceur diffus. D'une manière intimiste, David Lowery dépeint la remise en question d'une femme réduite à la solitude, partagée entre le remord d'un passé marginal et son expectative du retour de son amant. Car depuis quatre années d'espérance, Ruth se retrouve aujourd'hui démunie, épuisée à l'idée de renouer contact avec un malfaiteur en fuite. Pendant son éducation maternelle auprès de sa fille, un shérif fouineur mais attentionné se rapproche de son désarroi avec une empathie toujours plus affectueuse. De son côté, si Bob réussit à se planquer chez un comparse, un gang de malfrats lancés à ses trousses s'empressent de lui faire la peau. Dans une mise en scène circonspecte privilégiant la psychologie meurtrie du couple en déclin, David Lowery accorde beaucoup d'importance à ausculter leur état d'âme avec une sensibilité prude. A l'instar de sa nature crépusculaire où les visages marqués par la tristesse sont discrètement éclairés par quelques rayons de soleil. Traversé de quelques éclairs de violence fulgurantes, Les Amants du Texas met notamment en évidence l'anxiété du danger et celle de la mort, la prescience redoutée d'un destin fatalement tragique.

Les amants du regret 
Superbement interprété par des comédiens au charisme austère valorisant avec humanisme l'amertume du regret et l'espoir du bonheur conjugal, Les Amants du Texas est inscrit dans la pudeur d'une romance impossible. Un western poétique dédié à la mise en scène atmosphérique car rehaussé d'un climat envoûtant et d'une partition monocorde poignante. Au public de juger et de se laisser happer par sa grâce docile ou, à contrario, de s'en détacher, faute d'un rythme monotone qui ne pourra plaire à tous.  

Récompense: Prix de la meilleure photographie au Festival de Sundance, 2013

* Bruno

FLOP 15, 2013

1) 

2)

3)

Dans le désordre: 

BONUS ! 

Pour rappel: Top 15 2013: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/12/top-15-2013.html

The Body / El Cuerpo. Prix du Jury au Festival de Paris, 2012

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site dreadcentral.com

de Oriol Paulo. 2012. Espagne. 1h48. Avec Aura Garrido, Belén Rueda, Hugo Silva, José Coronado, Miquel Gelabert.

Sortie salles France: Prochainement. Espagne: 21 Décembre 2012

FILMOGRAPHIE: Oriol Paulo est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1975 à Barcelone, Catalogne, Espagne. 2006: Ecos (télé-film). 2012: The Body.

Ne révélez pas la fin du film: nous n'en n'avons pas d'autres !
Par le scénariste de l'excellent giallo Les yeux de Julia, The Body est le premier long-métrage de l'espagnol Oriol Paulo. Un thriller hitchcockien à la mécanique de suspense si infaillible qu'on en sort groggy après avoir été ébranlé par son ultime coup de théâtre !

Le Pitch: Après avoir été victime d'un infarctus, une femme déclarée morte disparaît mystérieusement de la morgue. Rapidement, le mari est suspecté puisque dans sa poche est retrouvé un flacon toxique, le TH-16. Cette cardiotoxine extraite des fluides de certains reptiles provoque un arrêt cardiaque 8 heures après ingestion sans laisser de traces ! L'enquête commence !

Thriller vertigineux au scénario retors bourré d'indices, rebondissements et fausses pistes, The Body est un jeu de manipulation auquel le spectateur plonge tête baissée dans les eaux troubles du faux semblant. Avec le jeu délétère de protagonistes toujours plus mesquins pour tromper l'adversaire, cette investigation de longue haleine véhicule un suspense exponentiel en jouant avec les nerfs du spectateur sur l'éventuelle apparition d'un cadavre récalcitrant. Farce macabre concoctée par une experte en blagues goguenardes, The Body est un film piège où chacun des protagonistes extériorise leur personnalité avec l'appui de persuasion et du subterfuge. Où est la part de vérité dans ce qu'énonce le potentiel coupable et surtout où se planque le cadavre de Mayka Villaverde et de quelle aide externe aurait-elle pu bénéficier ? Ainsi, à travers divers flash-back explicatifs, Oriol Paulo nous remémore également la liaison conjugale qu'entretenait le mari avec une épouse adepte de blagues sardoniques afin de mieux l'asservir. On nous dévoile ensuite sa liaison d'adultère qu'il entretenait avec une jeune étudiante jusqu'au fameux crime envisagé pour se débarrasser de sa femme. La suite n'est qu'une succession de vicissitudes, un jeu de provocation que le mari endurera avec la perspicacité d'un cadavre maître chanteur. Toute l'intrigue adroitement distillée est d'autant mieux charpentée que les comédiens charismatiques s'avèrent sobrement persuasifs dans leur carrure austère. 

Le crime était parfait
Mis en scène avec rigueur à travers son sens hitchcockien au service d'un scénario en trompe-l'oeil et fort du jeu hermétique des comédiens, The Body est un thriller palpitant à l'esprit manipulateur infaillible car ne cessant de jouer au simulacre avec une pernicieuse intelligence ! 

19.12.13
Bruno 

Récompense: Paris International Fantastic Film Festival 2012 : Prix du jury.