Le Fantôme de l'Opéra / The Phantom of the Opera

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site www31horrorscom.blogspot.com

de Terence Fisher. 1962. Angleterre. 1h24. Avec Herbert Lom, Heather Sears, Edward de Souza, Michael Gough, Thorley Walters, Ian Wilson.

Sortie salles France: 23 Février 1963. U.S: 15 Août 1962. Angleterre: 25 Juin 1962

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Terence Fisher est un réalisateur britannique né le 23 février 1904 à Londres (Maida Vale), et décédé le 18 juin 1980 dans la même ville. 1957 : Frankenstein s'est échappé, 1958 : Le Cauchemar de Dracula , 1958 : La Revanche de Frankenstein , 1959 : Le Chien des Baskerville , 1959 : L'Homme qui trompait la mort , 1959 : La Malédiction des pharaons, 1960 : Le Serment de Robin des Bois , 1960 : Les Étrangleurs de Bombay, 1960 : Les Maîtresses de Dracula, 1960 : Les Deux Visages de Docteur Jekyll , 1961 : La Nuit du loup-garou, 1962 : Le Fantôme de l'Opéra , 1962 : Sherlock Holmes et le collier de la mort, 1963 : The Horror of It All, 1964 : La Gorgone , 1965 : The Earth Dies Screaming, 1966 : L'Île de la terreur , 1966 : Dracula, prince des ténèbres , 1967 : La Nuit de la grande chaleur , 1967 : Frankenstein créa la femme, 1968 : Les Vierges de Satan, 1969: Le Retour de Frankenstein, 1974 : Frankenstein et le monstre de l'enfer.

"A l'instar de la personnalité torturée du fantôme, une oeuvre personnelle à la fois maudite et mal aimée, à réhabiliter."

Echec commercial lors de sa sortie, le Fantôme de l'opéra dérouta sans doute le spectateur pour son climat austère particulièrement déroutant il faut avouer. En prime, Terence Fisher adapte le roman de Gaston Leroux de manière personnelle si bien que la romance impartie entre le fantôme et la cantatrice est ici occultée au profit d'une vengeance latente. Ce parti-pris anticonformiste frustra sans doute une majorité du public qui s'attendait à une représentation fidèle du bouquin. Or, sous la houlette d'un maître du Fantastique, le Fantôme de l'Opéra s'avère toutefois une grande tragédie sur la passion artistique, en l'occurrence celle de l'opéra et de sa composition musicale que le professeur Petrie eut studieusement écrit 10 ans durant. Car incité à vendre sa création auprès d'un directeur d'opéra mégalo, il se fera usurper son travail d'une frauduleuse signature. Fou de colère, Petrie s'empresse alors de brûler les publications de son texte dans l'atelier d'imprimerie mais se brûle gravement le visage avec de l'acide nitrique. Par chance, il réussit à plonger dans un fleuve pour y rejoindre les égouts avec l'aide d'un vagabond. Délibéré à accomplir sa vengeance auprès du directeur mais aussi à parfaire son numéro d'opéra, il hante les loges administratives afin d'y sélectionner sa cantatrice ayant l'opportunité de chantonner son texte. 

Ainsi, sous couvert de climat fantastique où plane l'ombre d'un fantôme au coeur d'un amphithéâtre, Terence Fisher suggère d'abord sa présence par des chuchotements qu'il souffle derrière les loges des cantatrices. Une manière anxiogène d'imposer son autorité uniquement motivée par le choix d'une artiste mais aussi par le besoin de vengeance et de reconnaissance. L'incarnation fantaisiste du fantôme n'est donc ici qu'une allégorie car elle se rapproche explicitement du monstre difforme dont le visage est ici protégé d'un masque. Par ailleurs, la densité du récit émane de son esprit torturé en mal de notoriété, ses ambitions artistiques n'ayant jamais pu être reconnues auprès du public. Ce sentiment d'impuissance et d'injustice atteindra son apogée lorsque Fisher nous relate par le biais du flash-back la transaction artistique de Petrie avec Ambrose et les conséquences désastreuses qui s'ensuivront passée la trahison. Au niveau des rapports intimes du fantôme et de la cantatrice confinés dans le sous-sol des égouts, on est également surpris de sa cruauté autoritaire puisque n'hésitant pas à gifler sa muse à plusieurs reprises afin de la forcer à peaufiner sa voix. Or, avec l'indulgence de cette dernière et celui du producteur d'opéra ayant finalement découvert sa planque, le fantôme réussira à exaucer son rêve pour découvrir en tant que "spectateur" sa représentation lyrique d'une pièce de Jeanne d'Arc ! Une mise en abîme, un final emphatique enfin émotif, tant par l'intensité du numéro musical chantonné par la cantatrice que par le témoignage poignant du fantôme, garant privilège de son ultime chef-d'oeuvre, quand bien même son sacrifice fera écho d'une rédemption.

Déroutant par son climat sévère et son rythme langoureux mais transcendé par la force du récit et la conviction des comédiens (Michael Gough excelle dans son personnage détestable de Lord égotiste, Herbert Lom exprime une émotion subtile sous son masque plâtreux et la jeune Heather Sears étonne dans sa discrétion naturelle !), Le Fantôme de l'Opéra s'avère peut-être la plus baroque des transpositions pour mettre en appui l'amour de l'art plutôt que la romance des coeurs. En résulte une production Hammer inhabituelle sollicitant une certaine exigence de la part du public de par son aspect hétérodoxe, son refus de facilité, de fioriture, d'intensité romantique. D'où ce manque d'émotions et d'une certaine vigueur le long du récit, et c'est un brin dommage car le chef-d'oeuvre fut à deux doigts de se concrétiser.  

*Bruno

19.02.25. 4èx. Vost

13.10.23. 

Retour vers le Futur 3 / Back to the Future Part III

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site craftbeertasters.wordpress.com

de Robert Zemeckis. 1990. U.S.A. 1h58. Avec Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Mary Steenburgen, Thomas F. Wilson, Lea Thompson, James Tolkan, Elisabeth Shue.

Sortie salles France: 18 Juillet 1990. U.S: 25 Mai 1990

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight.

Réalisé dans la foulée du précédent volet, Retour vers le Futur 3 renoue étonnamment avec les grands espaces de l'ouest américain lorsque Marty et Doc se retrouvent cette fois-ci projetés à l'époque du XIXè siècle. Mais souvenez vous un peu ! Après que la foudre frappa la voiture à explorer le temps, Doc s'était retrouvé propulsé en 1885. Délibéré à le ramener en 1985, Marty, toujours coincé en 1955, proposait au double de Doc d'emprunter sa voiture pour retourner dans le passé afin de récupérer son ami. Mais avant d'engager son nouveau périple et pour corser l'affaire, une pierre tombale indiquait que Doc sera assassiné par le bandit "Molosse" Tannen (un ancêtre de Biff Tannen) avant le 27 Octobre 1885. Ainsi, afin d'accéder au futur de 1985 et d'empêcher l'assassinat, une nouvelle course contre la montre est empruntée par nos acolytes, quand bien même une fuite de carburant de leur véhicule va les contraindre d'élaborer une stratégie de recours avec l'intervention d'une locomotive à vapeur ! Dernier volet d'une trilogie au succès tant mérité, Retour vers le Futur 3 ne change pas la recette infaillible humour/action dans cette nouvelle aventure bondissante aussi homérique que pittoresque. Bourré de clins d'oeil et d'hommages appuyés aux classiques du genre, le dépaysement est rendu encore plus extravagant auprès du genre du Western semi-parodique. 

Un concept toutefois alloué à l'acteur Michael J. Fox lorsque le cinéaste lui suggéra dans quelle époque il aimerait situer l'action afin d'y clôturer son dernier chapitre ! Toujours aussi téméraires et pleins d'enthousiasme, nos deux héros vont une nouvelle fois redoubler de bravoure et d'inventivité pour s'extraire de leur époque à l'aide d'une locomotive customisée tout en déjouant le défi de leur ennemi intarissable, Biff Tannen ! Enfin plutôt un ancêtre tout aussi couard, irascible et teigneux puisque délibéré à provoquer en duel le jeune McFly. La encore, l'acteur Thomas F. Wilson crève l'écran dans son rôle sardonique de gangster inculte habité par l'orgueil d'une soif de vaincre. Surnommé en l'occurrence Clint Eastwood, (nom emprunté à son héros préféré de westerns), Michael J. Fox jubile à l'idée de se fondre dans la peau d'un petit cow-boy toujours aussi finaud pour battre la lâcheté de "Molosse". Quand au Doc, il est cette fois-ci frappé par Cupidon depuis sa romance abordée avec la belle Clara, institutrice étrangère qu'il sauva d'un accident mortel de chariot bâché. Et pour parachever de manière aussi effrénée que périlleuse, Robert Zemeckis clôt l'aventure avec une échappée en voiture propulsée par une locomotive que nos héros achemineront à destination d'un pont pour traverser le temps ! Une scène d'anthologie remarquablement virtuose dans sa géométrie du montage cumulant incidents aléatoires lorsque nos héros tentent péniblement d'embarquer dans leur véhicule lancé à plus de 80 miles !

Drôle, spectaculaire et attendrissant, Retour vers le Futur 3 ne déçoit pas même si le concept spatio-temporel semble avoir utilisé toutes ses ressources. Mené sans répit avec l'aimable spontanéité de comédiens intarissables et rythmé du score formidablement épique d'Alan Silvestri, la trilogie s'achève avec le pincement au coeur de quitter nos héros iconiques de notre adolescence. Une offrande miraculeuse que le maître du divertissement, Robert Zemeckis, aura immortalisé de son empreinte alchimique ! 

Bruno Matéï

3èx

La critique de Retour vers le Futur: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-back-to-futur.html
La critique de Retour vers le Futur 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-2-back-to-

LES POINGS CONTRE LES MURS (Starred Up). Prix du Jury, Prix d'Interprétation (Jack O'Connell) au Festival des Arcs, 2013.

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site bandeannonce.le-bouzin.com

de David McKenzzie. Angleterre. 2013. 1h45. Avec Rupert Friend, Jack O'Connell, Ben Mendelsohn, Sam Spruell.

Sortie salles France: 4 Juin 2014. Angleterre: 21 Mars 2014

Récompenses: Prix du Jury, Prix d'Interprétation Masculine pour Jack O'Connell au Festival de cinéma européen des Arcs, 2013.
Meilleur Acteur de second-rôle pour Ben Mendelsohn au British Independent Film Award, 2013.
Meilleur Acteur pour Jack O'Connell au Festival du film de Dublin, 2014.

FILMOGRAPHIE: David McKenzzie est un réalisateur anglais, né le 10 Mai 1966 à Corbridge.
2002: The Last Great Wilderness. 2003: Young Adam. 2005: Asylum. 2008: My name is Hallam. 2009: Toy Boy. 2010: Perfect Sense. 2011: Rock'n'Love. 2014: Les Poings contre les murs.

Drame carcéral d'un réalisme saisissant dans son univers de claustration dépeint, Les Poings contre les murs relate la difficile insertion d'un mineur au sein d'une prison pour adultes, au moment même où il retrouve son père après de longues années, patriarche aujourd'hui renommé auprès d'une organisation mafieuse ! Film choc d'une intensité névralgique dans le parcours du héros confronté à ses pulsions de haine mais secondé par l'humanisme d'un thérapeute, les Poings contre les murs se réapproprie du film de prison avec l'efficacité d'un script intelligent. Son intérêt résidant également dans les relations de discorde qu'Eric entretient avec son paternel, Neville.

Car pour tenir lieu de leur fierté et aussi pour réfuter la responsabilité de leur échec commun, ils n'auront de cesse de se provoquer et se rejeter la faute avec machisme obstiné. Durant leur cheminement indécis où les épreuves de force ne cessent de les interposer, le cinéaste extériorise également les sentiments de compassion et de tendresse lorsque père et fils sont contraints de s'entraider pour éviter un sort tragique. Frénétique dans les violentes altercations qu'Eric doit déjouer et endurer avec ses rivaux, et pondéré dans les séances de thérapie qu'il tente d'apprivoiser, le film ne cesse de télescoper fureur et accalmie autour de ce personnage en apprentissage. Par l'entremise d'un enseignant lui inculquant le self-control dans cet univers malsain où la violence ne cesse de les opposer à leur instinct primitif. Au centre de ces conflits hargneux, le réalisateur en profite pour dénoncer la corruption carcérale du point de vue de ceux qui la dirige lorsque matons et directeur se compromettent au crime organisé avec certains détenus afin de maquiller un suicide ! Si Les Poings contre les murs véhicule une intense émotion auprès des personnages d'Eric et de Neville, il le doit beaucoup à la décence des interprètes. Littéralement habité par la rage de vaincre, Jack O'Connell trouve le ton juste et la carrure à adopter pour endosser le rôle d'un adolescent stoïque, un écorché vif suicidaire mais peu à peu engagé dans la prudence. Pourvu d'un visage buriné par son passé criminel, Ben Mendelsohn caractérise le paternel en échec parental toujours plus hanté par sa défaite et ses remords avant la rédemption du baroud-d'honneur !

"L'enfer véritable, c'est de cesser d'aimer. Cet état d'enfermement et de solitude correspond à une aliénation profonde de l'identité humaine. L'existence entière devient une prison qui empêche toute relation vraie avec les êtres les plus proches."

Ultra violent dans les corps-à-corps impitoyables et habité par la frénésie d'un délinquant juvénile en initiation, Les Poings contre les Murs dénonce intelligemment la corruption carcérale, la haine que peut extérioriser l'enfermement et la difficile réinsertion qui s'ensuit auprès des détenus livrés à eux-mêmes. A travers le pénible parcours d'Eric et Neville, c'est également une affaire familiale qui nous est contée avec tendresse et dignité humaine. En saluant l'habileté de sa mise en scène autonome et les compositions viscérales de deux pointures viriles: Jack O'Connell et Ben Mendelsohn ! 

Bruno Matéï

Mais... Qu'avez-vous fait à Solange ? / Cosa avete fatto a Solange ?

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Massimo Dallamano. 1972. Italie. 1h46 (version intégrale). Avec Fabio Testi, Cristina Galbo, Karin Baal, Joachim Fuchsberger, Günther Stoll, Claudia Butenuth, Camille Keaton. 

Sortie salles France: 1er Mars 1973 (Int - 18 ans). Italie: 23 Mars 1972.

FILMOGRAPHIE: Massimo Dallamano est un réalisateur et directeur de la photo Italien, ex-assistant de Sergio Leone, né le 17 avril 1917, mort le 4 novembre 1976 des suites d'un accident de voiture.
1969: La Vénus en Fourrure, 1972: Mais qu'avez-vous fait à Solange ? 1973: Piège pour un tueur, 1974, Innocence et désir, La Lame Infernale, 1975: Emilie, l'enfant des Ténèbres, 1976: Section de choc

Avertissement ! Il est préférable de lire cette chronique après avoir vu le film, son thème central étant un indice capital pour la révélation de l'intrigue !

Pour son second long-métrage, Massimo Dallamano frappe un grand coup dans le paysage du Giallo avec l'un de ses titres les plus emblématiques: Mais... qu'avez-vous fait à Solange ? Réalisé à l'orée des années 70, le film ose aborder le tabou de l'avortement sous couvert d'un thriller aussi vénéneux que pervers. Le pitch annonce déjà la couleur d'une infidélité transgressive lorsqu'un professeur renommé, Enrico Rosseni (Fabio Testi, tout en élégance virile !), entame depuis quelques temps une liaison  extraconjugale avec l'une des élèves mineures de son école catholique. Par un idyllique dimanche après-midi, alors que le couple roucoule dans la campagne, sa compagne est témoin d'un meurtre crapuleux. Celui d'une étudiante assassinée d'un coup de couteau dans le vagin. Quelques jours plus tard, par l'entremise de ses cauchemars, elle réussit à distinguer l'apparence peu commune du tueur dans une soutane de curé. Alors qu'un autre crime vient d'être perpétré, Enrico décide de mener seul son enquête. Mais les accusations se portent rapidement contre lui depuis qu'il a égaré un stylo sur les lieux du premier homicide. Thriller séminal comme seuls les italiens ont le secret, Mais qu'avez-vous fait à Solange ? joue la carte du suspense et du mystère avec une efficacité implacable !

De par sa construction affûtée alternant meurtres sordides (dont une impressionnante noyade dans une baignoire filmée en caméra subjective) et érotisme naturaliste (une assemblée de filles dévoilent leur nudité sous la douche de l'école quand bien même un voyeur est entrain de les zyeuter !) avec une efficacité métronome. Outre l'aspect captivant d'une enquête minutieusement menée par notre héros, l'intérêt émane également du titre du film en question et de la présence éventuelle de Solange si elle était en vie ? Ainsi, en brassant les thèmes du voyeurisme, du viol, de la frustration et de la perversité, Massimo Dallamano traite de l'émancipation sexuelle du point de vue de jeunes étudiantes au sein d'un institut catholique, alors qu'un enseignant infidèle se permet de courtiser avec l'une d'elles. Faute d'une doctrine puritaine inscrite dans l'abstinence, certaines auront donc décidé de former une communauté secrète afin de s'épanouir dans les bras des garçons à la sortie des cours. Si le film distille un parfum malsain plutôt dérangeant, c'est dans la culpabilité effrontée des ces lycéennes se livrant sans tabous à diverses expériences sexuelles (lesbianisme, orgie, etc...). Quand bien même l'ombre d'un tueur les traque sans relâche en les purifiant d'une lame de couteau dans l'entrecuisse. Emaillé de fausses pistes, d'indices scrupuleux (comme celui de la virginité d'Elisabeth ou des têtes d'épingles que certaines filles préservent) et de personnages interlopes, le film consolide au final une sordide histoire de traumatisme imparti à l'avortement. Bien que l'on devine facilement l'identité du tueur lors de sa dernière partie, le suspense exponentiel poursuit sa trajectoire lorsqu'il s'agit de lever le voile sur le douloureux passé de Solange mais aussi d'en expliquer les raisons vindicatives du coupable. 

Bercé par la musique timorée d'Ennio Morricone et mis en scène avec un soin esthétique épuré comme de coutume chez nos cinéastes transalpins, notamment dans la manière gracile d'y filmer ses sublimes italiennes ou dans son onirisme morbide (le premier homicide se dévoile en plein jour sous un rayon de soleil bucolique !), Mais qu'avez-vous fait à Solange ? dégage un trouble parfum de soufre et de perversité face à la responsabilité d'un catholicisme préjudiciable réfractaire à l'avortement (en Italie, il ne sera légalisé qu'à partir de 1978). 

P.S: copie HD splendide chez le Chat qui fume.

*Bruno
4èx

THE HOMESMAN

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site chronicart.com

de Tommy Lee Jones. 2014. U.S.A. 1h57. Avec Tommy Lee Jones, Hilary Swank, Hailee Steinfeld, William Fichtner, Meryl Streep, David Dencik, James Spader.

Sortie salles France: 18 Mai 2014. U.S: 3 Octobre 2014

FILMOGRAPHIE: Tommy Lee Jones est un réalisateur et acteur américain, né le 15 Septembre 1946 à San Saba, Texas.
1995: les Derniers Pionniers (télé-film). 2011: The Sunset Limited (télé-film). 2005: Trois Enterrements. 2014: The Homesman.

Pour son second long métrage, Tommy Lee Jones rempile avec le western iconoclaste au ton encore plus acide et désenchanté que son précédent coup de maître, 3 Enterrements. En 1854, Mary Bee Cudy, jeune femme esseulée en quête amoureuse, se porte volontaire pour escorter trois épouses atteintes de folie vers une paroisse . Sur son chemin, elle fait l'étrange rencontre d'un marginal sur le point d'être pendu mais décide de le sauver in extremis. Après leur accord de transaction, ils décident d'entreprendre le voyage ensemble. 

Dans la lignée de Missouri Breaks pour son humour au vitriol, l'esprit décalé des personnages et le caractère insolite des situations, The Homesman nous relate l'étrange relation amicale d'un couple contradictoire mais dont leur périple va les amener à mieux se connaître et se considérer. Avec une subtile provocation, le cinéaste nous dépeint le profil d'une femme courageuse dans sa volonté de rassurer son existence solitaire en prêtant main forte au pasteur du village. Dévalorisée par la population et conspuée par les hommes pour son physique anodin, Mary se résigne néanmoins à devenir utile aux yeux des autres tout en ayant l'espoir prochain de se marier avec le premier venu. Outre sa force de caractère d'escorter dangereusement trois épouses azimutées et sa dignité de ne pas se laisser miner par le désespoir, c'est également le portrait d'une femme trop fragile que le cinéaste nous suggère Spoiler !!! au moment même où un évènement cinglant chamboulera son compagnon de route fin du Spoiler. Emaillé d'incidents impromptus et de situations pittoresques tournant au vinaigre, Tommy Lee Jones déconcerte le spectateur dans sa structure narrative aléatoire où la plupart des personnages machistes sont influencés par l'intolérance, l'individualité et l'égoïsme. Dur et cruel dans son refus de concession pour le cheminement de nos héros puis dans leur relation affective qu'ils se partagent difficilement, The Homesman finit subitement par inverser les rôles au moment le plus inopportun. Ce brusque revirement annonce la seconde partie du film pour s'intéresser de plus près à l'introspection de George, anti-héros bourru préalablement cupide mais rattrapé par sa morale et le remord lorsqu'un évènement tragique le bouleversera à jamais.

Western hétérodoxe n'ayant de cesse de nous dérouter dans sa galerie de personnages mesquins et dans sa progression dramatique intempestive, The Homesman se porte en témoignage pour les laissés pour compte déconsidérés par la société, quand bien même la place de la femme est souvent mise en retrait. Dominé par les prestations poignantes d'Hilary Swank et de Tommy Lee Jones, cette initiation au respect d'autrui bouleverse d'émotion avec une ironie particulièrement cruelle dans les rapports du couple. On en sort donc la gorge nouée jusqu'aux larmes de l'expiation.

Bruno Matéï 

Nosferatu, Fantôme de la Nuit / Nosferatu: Phantom der Nacht

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site classic-horror.com

de Werner Herzog. 1979. France/Allemagne. 1h47. Avec Klaus Kinski, Isabelle Adjani, Bruno Ganz, Roland Topor, Walter Ladengast, Dan van Husen, Jan Groth, Carsten Bodinus, Martje Grohmann, Rijk de Gooyer.

Sortie salles France: 17 Janvier 1979. Allemagne: Février 1979

FILMOGRAPHIE: Werner Herzog, de son vrai nom Werner Stipetic, est un réalisateur, acteur et metteur en scène d'opéra allemand né le 05.09.42 à Munich (Allemagne). Il est parfois surnommé par certains critiques comme le "cinéaste de l'impossible" en raison de ses tournages risqués et chaotiques, sans compter sa relation irritable avec son acteur fétiche Klaus Kinski. 1968: Signes de vie. 1970: Les nains aussi ont commencé petits. 1972: Aguirre, la colère de Dieu. 1974: L'Enigme de Kaspar Hauser. 1976: Coeur de Verre. 1977: La Ballade de Bruno. 1979: Nosferatu, fantôme de la nuit. 1979: Woyzeck. 1982: Fitzcarraldo. 1984: Le Pays où rêvent les fourmis vertes. 1987: Cobra Verde. 1991: Cerro Torre, le cri de la roche. 1992: Leçons de ténèbre. 2001: Invincible. 2005: The Wild blue Yonder. 2006: Rescue Dawn. 2009: Bad Lieutenant. 2009: Dans l'oeil d'un tueur.

Remake du chef-d'oeuvre muet de Murnau, Nosferatu est la vision toute personnelle d'un autre cinéaste de génie, Werner Herzog. Porté par l'interprétation magnétique du grand Klaus Kinski, littéralement pénétré par la disgrâce à travers son regard morbide désemparé, cette nouvelle version impose un regard naturaliste au personnage, le comte étant ici rongé du spleen d'une existence pauvrement solitaire. 

 

Le pitch: Au XIXè siècle, Joanathan Harker se rend dans les Carpathes pour rencontrer Dracula afin de lui faire signer la vente d'une demeure. Mais il est loin de se douter que sous le nom de ce noble comte se cache un misérable vampire.  

 

D'une beauté plastique fulgurante, autant par ses éclairages expressionnistes qu'auprès de sa photo laiteuse, Nosferatu, Fantôme de la nuit est une invitation à l'évasion, un voyage au bout du crépuscule, une incursion dans l'âme torturée d'un vampire sclérosé. Dracula étant aujourd'hui condamné à supporter le poids des siècles lors d'une nonchalance aigrie, faute de son isolement dans un château en ruines où les enfants de la nuit (les loups) y implorent son désespoir. Imprégné de lyrisme par la posture hantée des personnages déambulant tel un rêve, Werner Herzog façonne autour de leur errance un recueil d'images picturales touchées par la grâce. 

A l'instar de ses chutes d'eau et des montagnes rocailleuses que Jonathan Harker franchit, tel un baroudeur tranquille. Ou de cette plage automnale lorsque Lucy s'y hasarde afin d'y contempler l'horizon. C'est donc l'illustration d'un univers onirique que nous retransmet le cinéaste avant son passage funeste, Nosferatu transmettant la peste du rat sur la population après son périple maritime. Avec audace et originalité, le cinéaste se réapproprie du mythe en remaniant le caractère des personnages iconiques évoluant autour du non-mort. Tant auprès du portrait de Jonathan Harker, victime passive gagnée par l'amnésie, de sa fidèle épouse contrairement motivée à s'opposer au Mal ou de Van Helsing, chasseur de vampire décati dépassé par les évènements. Outre le soin formel imparti à une mise en scène extrêmement appliquée, Nosferatu est inévitablement transcendé du score envoûtant de Popol Vuh et des interprétations hallucinées d'Isabelle Adjani et Klaus Kinski. Ce dernier endossant la posture longiligne d'un vampire chafouin miné par sa condition d'immortel. Pourvu d'un regard frigide car obsédé par la mort et la vue du sang, l'acteur se fond dans son personnage avec une élégance somme toute sépulcrale. Quand à Isabelle Adjani, elle lui partage la vedette avec une grâce autrement ténue à travers sa beauté opaline, son émotion candide lors de ses expressions apeurées rattrapées par l'ambition d'y vaincre le Mal.

Chef-d'oeuvre du film de vampire contemplatif ne ressemblant à nul autre, Nosferatu, Fantôme de la nuit s'édifie en odyssée funeste de par ses thèmes de la nonchalance, de l'élégie et du désespoir existentiel. Tant auprès de l'ultime périple du vampire en perdition, faute de sa condition d'immortel déchue, que de la nouvelle relève imparti à son suppléant si bien qu'Herzog privilégie un parti-pris inopinément nihiliste lors de sa conclusion d'un onirisme spatial. Une oeuvre intime picturale donc, chemin de croix inscrit dans la langueur et la nonchalance auprès de ce vampire léthargique dénué de ressort afin d'endiguer sa besogne immortelle. Car au bout de son désespoir, il reste peut-être quelque part un espoir sentimental pour le soustraire à l'abime.

*Bruno

 13.08.02. 28.09.10. 17.09.14. 18.03.22. 5èx

IN FEAR

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site horror-movies.ca

de Jeremy Lovering. 2013. Angleterre. 1h25. Avec Iain de Caestecker, Alice Englert, Allen Leech.

Sortie salles Angleterre: 16 Novembre 2013

FILMOGRAPHIE:  Jeremy Lovering est un réalisateur et scénariste anglais.
2003: Killing Hitler (Documentaire). 2004: Sex and Lies (télé-film). 2008: Le Choix de Jane (télé-film).  In Fear

Habitué aux séries TV et télé-films, Jeremy Lovering passe enfin au long métrage cinéma avec In Fear, un film d'angoisse orienté sur le climat d'une forêt crépusculaire qu'un couple en véhicule traverse indéfiniment. Après s'être échangé quelques mots sur le net, Tom et Lucy se rencontrent et décident de rejoindre un festival de musique. Ayant réservé une chambre d'hôtel, ils doivent emprunter une forêt pour y accéder. Mais leur itinéraire routier les mènent à une destination sans fin. 

A partir d'un pitch intrigant hérité d'un épisode de la 4è Dimension (et déjà abordé par Richard Marquand lors d'une séquence-clef de Psychose, phase 3), In Fear tente de distiller suspense et frissons lorsqu'un couple égaré est contraint de tourner en rond au sein d'une végétation hostile. En essayant de jouer avec les nerfs du spectateur, le réalisateur tisse une étrange intrigue majoritairement bâtie sur l'inquiétude et l'appréhension de nos protagonistes. Car sujets à divers incidents inexpliqués et brimades d'individu(s) planqué(s) dans l'obscurité d'un bois, Tom et Lucy n'auront de cesse d'expérimenter leur courage pour affronter la peur de l'inconnu. Qui peut donc en vouloir à ce jeune couple sans histoires, quel est l'intérêt de les traquer sans répit avec une raillerie insolente et pour quelle raison la route empruntée ne les dirigent qu'à leur point de départ ? Si la bonne intention du réalisateur est de privilégier l'atmosphère opaque d'une scénographie forestière et la claustration du huis-clos en interne d'une voiture, la redondance de l'intrigue finit par nous lasser, faute de rebondissements quasi inexistants et de personnages à la prestance perfectible. Pourtant, on sent bien une volonté des comédiens d'insuffler de la densité à leur fonction de victime pourchassée rapidement déconcertée par des évènements nonsensiques. Mais leur comportement apeuré parfois sujet à l'état de panique ainsi que leur faible audace à repousser l'antagoniste manquent cruellement de conviction pour nous convaincre de leur calvaire. Si deux, trois séquences parviennent à nous soutirer un sentiment d'oppression (principalement la première demi-heure jouant habilement de la peur du noir !), le cheminement prosaïque qu'empruntent nos héros s'avère d'autant plus rébarbatif que la résolution de leur harcèlement s'achève en queue de poisson !

A vouloir privilégier intelligemment la suggestion de l'angoisse et l'atmosphère nocturne d'une forêt propice à l'embrigadement, In Fear se laisse prendre au piège de sa vacuité narrative, faute d'une intrigue décousue rapidement dénuée de tension et de personnages ternes dans leur fonction de cobayes asservis.

Bruno Matéï 

Retour vers le Futur 2 / Back to the Future Part II

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site bestofthe80s.wordpress.com

de Robert Zemeckis. 1989. U.S.A. 1h47. Avec Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Thomas F. Wilson, Lea Thompson, Jeffrey Weissman, James Tolkan, Elisabeth Shue.

Sortie salles France: 20 Décembre 1989. U.S: 22 Novembre 1989

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight.

Alors que Robert Zemeckis n'eut pu prévoir d'y tourner une séquelle à Retour vers le futur, son gros succès commercial le contraint de se raviser puis de convaincre les producteurs de rempiler quatre ans plus tard avec une suite qui en engendra aussi une troisième ! Le pitch: Après avoir réussi à modifier le destin de ses parents, Marty Mc FLy et Doc doivent aujourd'hui se projeter dans le futur pour sauver de la prison le fils de Marty. Si leur mission est rapidement achevée, Mc Fly va néanmoins commettre une grave erreur lorsqu'il décide d'emporter un almanach détaillant toutes les victoires sportives de 1950 à 2000. Sous la consigne de Doc, il décide finalement de s'en séparer en le jetant dans une poubelle. Témoin de la scène, le vieux Biff Tannen (leur ennemi juré !) s'en empare et dérobe la voiture à voyager dans le temps pour en modifier son propre destin. Beaucoup plus haletante et endiablée, cette suite multiplie péripéties et rebondissements avec l'efficacité d'une trouvaille lucrative, un calendrier sportif que Doc et Marty doivent impérativement récupérer pour éviter la dictature de Biff Tannen. 

Et si le film s'avère encore plus ludique que son modèle, il le doit beaucoup au tempérament gouailleur de l'acteur Thomas F. Wilson incarnant avec plus de présence la posture d'un milliardaire véreux habité par l'omnipotence. D'un naturel inné dans son attitude impétueuse et ses caprices colériques, il en volerait presque la vedette à nos héros ! Une nouvelle fois, les ingrédients du premier opus oscillant humour et action autour des époques du futur et du passé sont parfaitement exploités et innovent également en terme d'univers exubérant de par la technologie high-tech de 2015 ! A l'instar du fameux skateboard volant (l'"hoverboard" !) que notre héros emprunte en dernier ressort pour devancer ses poursuivants, ce qui nous vaut une poursuite débridée à travers rues. Emaillé d'habiles clins d'oeil à l'intrigue du précédant opus, Robert Zemeckis se prend malin plaisir à lui rendre hommage si bien que nos héros se retrouvent à nouveau dans la même situation du 12 Novembre 1955 pour sauver leur destinée d'une apocalypse. Afin de mettre la main sur l'almanach de Biff, ils vont donc user de stratagèmes (et de bourdes que Marty accumulera lors d'un concours de circonstances infortunées) mais aussi éviter de rencontrer leur double qui pourrait engendrer l'inévitable paradoxe temporel ! 

Terriblement fun et jouissif, drôle et rondement mené, Retour vers le Futur 2 se targue même de dépasser son modèle en terme de rythme et d'invention d'où l'énergie communicative de nos héros continue de s'en donner à coeur joie afin d'y déjouer l'intarissable Biff Tanner ! Un régal de chaque instant. 

La critique de Retour vers le Futur: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-back-to-futur.html
La critique de Retour vers le Futur 3: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-3-back-to-future.html
Bruno Matéï

2èx

LA TOMBE DE LIGEIA (The Tomb of Ligeia)

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Roger Corman. 1965. U.S.A. 1h21. Avec Vincent Price, Elizabeth Shepherd, John Westbrook, Derek Francis, Oliver Johnston, Richard Vernon.

Sortie salles France: 18 Décembre 1968. U.S: 20 Janvier 1965

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan
1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: Le Masque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: La Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

"Les frontières de la vie et de la mort ne peuvent être au mieux qu'indécises et vagues. Qui dira l'endroit où s'arrête l'une et où commence l'autre ?". Poe.

Huitième et dernière adaptation d'un récit d'Edgar Poe chez Corman, la Tombe de Ligeia est sans doute son oeuvre la plus subtile et aboutie en matière de stylisme et d'énigme tortueuse où l'amour fou s'harmonise avec la hantise d'une possession morbide. Alors qu'il vient de perdre son épouse Ligeia, Verden Fell reste persuadé qu'elle est encore en vie puisque sa ferme volonté était de surpasser la mort par sa passion pour l'existence. Quelques jours après son enterrement, il rencontre une charmante inconnue ressemblant étrangement à sa défunte, Lady Rowena. Une étrange relation naît entre eux sachant que Verden adopte un comportement des plus versatile. 

D'une beauté plastique singulière dans son univers gothique d'abbaye en ruine et de sculptures égyptiennes ornant une des pièces du château, La Tombe de Ligeia se pare d'une ambition baroque pour nous séduire. Etrange et inquiétant, l'atmosphère que Roger Corman façonne assidûment s'avère d'une sensualité morbide autour de la présence d'une nouvelle épouse victime de persécutions. Que ce soit parmi l'hostilité d'un chat redoutablement agressif, du comportement interlope de son amant ou de l'aura invisible de Ligeia. Si le rythme latent du récit peut rebuter certains spectateurs, son cheminement narratif laisse planer un suspense sous-jacent où le sentiment d'inquiétude est subtilement diffus par l'entremise de Rowena. En empruntant les thèmes de l'amour, de la folie, de la réincarnation, de la vie et de la mort, le cinéaste nous conte un magnifique poème sur le refus de mourir et la peur de l'oubli du point de vue du défunt. Ligeia est-elle revenue d'entre les morts pour persécuter la nouvelle maîtresse de son ancien époux, Rowena en est-elle sa réincarnation ou s'agit-il d'une horrible machination ? La vérité cinglante éclatera lors d'un final mémorable car truffé de rebondissements et savamment pensé, là où le pouvoir de l'amour et celui de la mort fricotent communément parmi l'allégeance d'un chat et parmi la démence d'une victime. Affublé d'une paire de lunettes noires car trop sensible à la lumière du jour, Vincent Price adopte une posture extravagante et ne cesse de jouer avec l'ambiguïté de son caractère lunatique. Victime ou coupable, son interprétation s'avère autrement plus raffinée que celles du Masque de la mort rouge et de la Chute de la maison Usher. Secondé par Elizabeth Shepherd, elle lui partage la vedette avec une élégance candide en traînant d'un pas hésitant une silhouette soyeuse au sein du château. A eux deux, ils forment un tandem plutôt austère dans leur ligne de conduite nébuleuse et leur relation d'affection en voie de perdition. 

Cette fascination exercée par le pouvoir du mal et la hantise de la mort, La Tombe de Ligeia l'exploite avec suggestion et intelligence d'un scénario retors. D'un esthétisme aussi baroque que fulgurant, il s'agit sans doute de l'oeuvre la plus trouble dans la carrière de Corman pour son surnaturel éthéré où la vie et la mort ne cessent de se disputer la mise.

Dédicace à Berangere Soustre De Condat-Rabourdin
Bruno Matéï

3èx

La critique du Masque de la mort rouge: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/10/le-masque-de-la-mort-rouge-masque-of.html
La critique de la Chute de la maison Usher: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/la-chute-de-la-maison-usher-house-of.html

Les Tueurs de la Lune de miel / The Honeymoon Killers

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Leonard Kastle. 1969. U.S.A. 1h47. Avec Shirley Stoler, Tony Lo Bianco, Mary Jane Higby, Doris Roberts, Kip McArdle, Marilyns Chris.

Sortie salles U.S: 4 Février 1970

FILMOGRAPHIE:  Leonard Kastle est un réalisateur et scénariste américain, né le 11 Février 1929 à New-York, décédé le 18 Mai 2011 à New-York.
1969: Les Tueurs de la lune de miel.

 

"Jalousie crasse et crimes tendres".

Unique réalisation de Leonard Kastle, Les Tueurs de la lune de miel retrace l’histoire vraie des amants assassins Raymond Fernandez et Martha Beck, avec un réalisme quasi documentaire. La photo en noir et blanc accentue la dimension de vérité dans cette histoire d’amour dévoyé, corrompu par le vice et le sang. Surnommés les « Tueurs aux petites annonces », ils sont soupçonnés d’avoir commis pas moins de dix-sept homicides entre 1947 et 1949.

Jeune infirmière solitaire, Martha Beck tente de combler son vide affectif en s’inscrivant dans une agence matrimoniale. Raymond Fernandez, gigolo de bas étage vivant aux crochets de veuves esseulées, lui répond, et l’attire dans sa toile. Une étrange liaison adultérine naît entre eux : Martha, endossant le rôle fictif de sa sœur, accompagne Raymond dans ses escroqueries jusqu’à franchir, à deux, le seuil du meurtre.

En matière de crudité et de malaise palpable, Leonard Kastle frappe fort : il épouse avec une rigueur glaçante le quotidien pathétique d’un couple rongé par l’obsession amoureuse et la cupidité, complices dans la perversion. À travers leur relation dévorante, leur aplomb à flouer les femmes seules, le cinéaste dresse surtout le portrait sentimental de Martha : infirmière bedonnante, physique trivial, rongée par la jalousie. Sa rancœur envers les femmes que Raymond séduit sans répit se manifeste d’abord par des tentatives de suicide, pour éprouver sa fidélité. Mais cette aversion finit par la mener à l’irréparable, sous l’œil complice et trouble de son amant.

Dans un souci d’authenticité, Kastle s’attarde sur leur quotidien véreux, à mesure qu’ils s’infiltrent dans la vie de chaque nouvelle proie. Leur duplicité, leur cynisme distillent un malaise croissant, jusqu’au moment où Martha franchit le pas — et Raymond, ébranlé, découvre le poids du crime. Littéralement possédés par leur ignominie, Shirley Stoler et Tony Lo Bianco incarnent avec une intensité crasse un couple aussi paumé socialement que répugnant dans ses actes.

Avec son climat oppressant, quasi irrespirable, Les Tueurs de la lune de miel nous entraîne dans une spirale de violence d’autant plus brutale qu’elle semble surgir sans prévenir. Cette love story fangeuse se referme sur un épilogue sardonique.

 

"L'amour au bout du couteau".

Poisseux, malsain, incommodant jusqu’à l’écœurement, Les Tueurs de la lune de miel demeure l’un des portraits de serial killers les plus glaçants du septième art. Par son réalisme implacable et le jeu incandescent de ses comédiens, il s’inscrit sans honte aux côtés des mastodontes du genre : Maniac, Henry, Schizophrenia.

Public averti.

*Bruno
3èx

  

Retour vers le futur / Back to the futur

                                                                                              Photo emprunté sur Google, appartenant au site esquire.com

de Robert Zemeckis. 1985. U.S.A. 1h56. Avec Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson, James Tolkan.

Sortie salles France: 30 Octobre 1985. U.S: 3 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight.

Enorme succès commercial à travers le monde, la trilogie Retour vers le futur est le fruit de la collaboration entre Steven Spielberg (producteur) et Robert Zemeckis (réalisateur). Divertissement familial par excellence, il doit son potentiel amical grâce à un pitch des plus facétieux et à la complémentarité extravagante de deux héros débrouillards. Synopsis: A l'aide d'une voiture à voyager à travers le temps, Marty, jeune collégien, se retrouve projeté 30 ans en arrière après avoir tenté d'échapper à des terroristes. Délibéré à retourner dans le futur mais ayant modifié quelque peu son destin, il doit également essayer de rétablir un contact amoureux entre ses propres parents. Ainsi, en modernisant le concept du voyage temporel par le biais d'une voiture futuriste issue des années 80, Robert Zemeckis succède également à la nostalgie des années 50 lorsque notre héros se retrouve malencontreusement exposé au sein de cette période rétro. Mêlant teen movie et science-fiction, le cinéaste utilise les mécaniques de suspense, d'humour et d'action sous l'impulsion d'un scénario calibré multipliant rapports de force (George et Marty sévèrement mis à mal par les provocations récurrentes de Biff !) et vaudeville bâti sur le flirt. 

Puisque après avoir rencontré ses jeunes parents en 1955, et à cause d'un évènement accidentel ayant modifié un paradoxe temporel, notre jeune héros devra déjouer les avances amoureuses de sa propre mère ! Tout l'intérêt de l'intrigue se focalisant sur leurs rapports délicats quand bien même Marty tentera de convaincre son (futur) père de courtiser sa (future) mère lors d'un bal de promotion. Outre la complicité amicale irrésistible exercée par nos deux héros indissociables, mutuellement campés par Michael J. Fox, en collégien plein d'entrain, et Christopher Lloyd, en savant-fou utopiste, Retour vers le Futur tire-parti d'un scénario inventif exploitant intelligemment la caractérisation des protagonistes. A l'instar du père pathétique de Marty car souffre-douleur depuis son enfance d'un camarade de classe goguenard. Alors qu'au fil de son cheminement initiatique d'oser s'affirmer aux yeux des autres, Robert Zemeckis établit une réflexion sur le dépassement de soi. C'est à dire braver ses peurs pour préserver l'estime et la confiance et émuler la concurrence afin d'accéder à la réussite. Au-delà de son enjeu majeur (renouer le contact amoureux d'une cause parentale), le film cède place ensuite au suspense d'une course contre la montre que Marty et son comparse doivent finalement entreprendre pour un retour vers le futur sans dommage collatéral. 

Sur fond d'hommage au Rock and Roll des années 50 (Marty s'improvisera d'ailleurs avant-coureur dans sa prestation musicale littéralement effrontée !) et d'un tube des eighties resté dans les mémoires (The Power Of Love incarné par Huey Lewis and The News), Retour vers le Futur confond ces deux décennies de par l'alibi du paradoxe temporel. Outre l'efficacité indéniable d'un script retors accumulant péripéties et gags verbaux, il doit autant de sa fantaisie et de sa fraîcheur à l'autorité amicale de ces personnages remarquablement dessinés. Un classique immuable d'une fraîcheur, d'une fringance et d'une cocasserie immodérées admirablement conçu pour chatoyer toute la famille. 

La critique de Retour vers le Futur 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-2-back-to-
La critique de Retour vers le Futur 3: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-3-back-to-future.html

Bruno Matéï

3èx

La Chute de la maison Usher / House of Usher

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Roger Corman. 1960. U.S.A. 1h19. Avec Vincent Price, Mark Damon, Myrna Fahey, Harry Ellerbe, Mike Jordan, Eleanor LeFaber.

Sortie salles France: 11 Mars 1964. U.S: 22 Juin 1960

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan
1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: LeMasque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: Le Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

Première des huit adaptations d’un récit d’Edgar Poe, La Chute de la maison Usher s’immerge dans un gothisme flamboyant sous la houlette du maître de la série B, Roger Corman. Particulièrement inspiré, le cinéaste cisèle une intrigue funèbre où flottent folie et aura surnaturelle. Le spectateur ne sait jamais si les événements sont le fruit de l’obsession maladive d’un aristocrate rongé d’hypersensibilité, ou l’œuvre spectrale de fantômes voués à perpétuer le mal sur sa lignée.

Synopsis - À l’entrée de la demeure des Usher, Frédéric est froidement accueilli par le majordome. Il insiste pour pénétrer dans la maison afin de retrouver sa fiancée Madeline et la demander en mariage. Mais son frère, Roderick Usher, s’y oppose fermement, prétextant qu’elle est alitée. Philip décide pourtant de séjourner afin de convaincre Madeline de fuir ces lieux maudits.

Série B à petit budget mais somptueusement travaillée dans son esthétisme gothique - nature environnante spectrale, demeure décrépite au bord de l’effondrement - La Chute de la maison Usher s’impose d’abord comme un ravissement visuel pour amateurs d’atmosphère funèbre. Dominé par la présence hypnotique de Vincent Price, le film renforce son pouvoir d’envoûtement lorsque l’acteur endosse la posture hautaine d’un châtelain hanté par la mort, la maladie et peut-être la folie. À travers la suggestion et des répliques ciselées, Price se complaît à persuader son entourage que la maison est habitée par les ombres de ses ancêtres : assassins, voleur, escroc, faussaire, catin, contrebandier ou idiot du village, tous marqués par une marginalité sordide. Convaincu que lui et sa sœur sont promis à une malédiction sans repos, il se résigne à attendre le moment du sacrifice, prêt à rejoindre les siens sous la crypte de la demeure.

Rationnel, Philip croit au contraire que Madeline n’est qu’une victime influençable, manipulée par un frère préférant le néant de la mort à la souffrance de la vie. Hypersensible au moindre bruit, à l’odeur, au toucher, Roderick se consume dans la mélancolie. Jouant sans cesse avec l’ambiguïté du surnaturel et l’emprise maléfique que semble exercer la maison, Corman insuffle un climat d’étrangeté palpable, au cœur d’un édifice archaïque prêt à s’effondrer sous le poids de son propre passé. Et dans la dernière demi-heure, le cinéaste embrase le rythme : une course contre la mort haletante, Philip tentant d’arracher Madeline à un trépas annoncé, tension crue et suspense immersif.

Délicieusement envoûtant par son esthétisme gothico-flamboyant et porté par un scénario passionnant laissant libre cours à l’imagination, La Chute de la maison Usher est un superbe exemple de fantastique éthéré où la suggestion prime et entraîne le spectateur dans un poème diaphane, au bord fragile séparant la vie de la mort. Chef-d’œuvre au demeurant.

— le cinéphile du cœur noir 🖤
22.04.25. 
29.11.25. 4èx

La critique du Masque de la mort rouge: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/10/le-masque-de-la-mort-rouge-masque-of.html

La critique de La Tombe de Liegia: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/la-tombe-de-liegia-tomb-of-ligeia.html