L'Arme Fatale 2

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Lethal Weapon 2"de Richard Donner. 1989. U.S.A. 1h54. Avec Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci, Joss Ackland, Derrick O'Connor, Patsy Kensit, Darlene Love, Traci Wolfe, Steve Kahan.

Sortie salles France: 2 Août 1989. U.S: 7 juillet 1989

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York. 1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).

Réalisé 2 ans après le premier volet avec un identique succès commercial (1 844 828 vs 1 857 521 entrées), l'Arme Fatale 2 demeure une séquelle à la hauteur de son modèle avec toutefois un goût plus prononcé pour l'humour (Joe Pesci en trublion gentiment vénal jouant le faire-valoir) et la violence teintée de sadisme si j'ose dire. D'ailleurs, sur ce dernier point, on s'étonne de la brutalité de certaines mises à mort de la part d'un divertissement si fun et plutôt familial, principalement lors de sa dernière demi-heure fertile en règlements de compte hargneux. Mel Gibson se taillant une fois de plus une carrure borderline en flic vindicatif transgressant sa déontologie en lieu et place de deuils inconsolables. Autant dire que ça déménage en diable à travers une ribambelle de gunfights et cascades toujours aussi épiques de par leur vigueur chorégraphique. On apprécie d'autre part l'intensité et la précision de ses bruitages explosifs sous l'impulsion d'une partition musicale aux sonorités souvent jazzy !

Et donc à travers une intrigue typiquement simpliste (gentils vs méchants lors d'un incessant jeu d'intimidations et de règlements de compte sanglants), quoique un chouilla originale (un consulat  d'Afrique du Sud et ses sbires profitent de leur immunité diplomatique afin de parfaire leur juteux trafic de drogue en plein Los Angeles), Richard Donner dose très efficacement action, humour, romance (qui peut oublier le charme longiligne de la chanteuse anglaise Patsy Kensit !) et violence sous l'impulsion du duo policier le plus sympa de l'histoire du Buddy Movie ! Ainsi donc, si le divertissement rondement mené ne fait preuve d'aucune subtilité (même s'il y dénonce en filigrane l'apartheid); tant auprès de la romance plutôt furtive et sirupeuse entre Riggs et Rika, du numéro de bateleur que Joe Pesci endosse dans un rôle parodique à contre emploi, des réparties bonnards que Roger et Riggs renchérissent ou encore de quelques gags aimablement ubuesques (Roger cloîtré sur la cuvette de son WC piégé, sa fille aînée s'exhibant en bikini dans une pub pour préservatifs !), l'Arme Fatale 2 remplit aisément son contrat de pur divertissement grâce à sa fougue et sa vigueur généreusement sémillantes. C'est donc avec réel plaisir qu'on s'impatiente déjà du 3è opus (toujours réalisé par l'émérite Richard Donner 3 ans plus tard), et ce même si aujourd'hui on se rapproche davantage du plaisir coupable (du samedi soir) qu'à l'époque de sa sortie primeur.

*Bruno

Ci-joint la chronique de l'Arme Fatale : http://brunomatei.blogspot.fr/2016/08/larme-fatale.html

A star is born

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Bradley Cooper. 2018. U.S.A. 2h16. Avec Lady Gaga, Bradley Cooper, Sam Elliott, Rafi Gavron, Andrew Dice Clay, Dave Chappelle.

Sortie salles France: 3 Octobre 2018. U.S: 5 Octobre 2018

FILMOGRAPHIE: Bradley Cooper est un acteur, réalisateur et producteur de cinéma américain, né le 5 janvier 1975 à Philadelphie. 2018: A star is born.

"Beau, sensible et tellement grave à la fois. On en sort plutôt bouleversé avec une pointe d'amertume morbide."
Gros succès critique et commercial (1 911 488 entrées rien que chez nous) ovationné par une pléthore de récompenses (voir en fin d'article), A Star is born n'aurait été sans doute qu'une bluette standard s'il n'eut été interprété par le couple vedette d'une fulgurance musicale et amoureuse vertigineuse. Quand bien même nous sommes instinctivement déconcertés de retrouver à l'écran une réunion somme toute singulière. A savoir un acteur bellâtre bankable (pour la 1ère fois devant et derrière la caméra !) se disputer la vedette auprès d'une (réelle) star de la variété en initiation filmique (Lady Gaga s'étant fit remarqué un peu plus tôt auprès des saisons 5 et 6 de la série American Horror Story). Car si Bradley Cooper manque malgré tout d'une pointe de sincérité lors de la seconde partie s'attachant à décrire sans outrance la descente aux enfers d'un chanteur toxico sur le déclin, Lady Gaga irradie l'écran à chaque apparition de par sa candeur gracile. Car magnifique portrait d'une étoile montante vouée à sa passion pour la musique à travers les paillettes du showbizz, Lady Gaga  bouleverse le plus naturellement. Tant et si bien qu'elle se livre corps et âme avec une émotion épurée eu égard de sa fragilité humaine et de son amour immodéré pour Jack qu'elle tentera pour autant de préserver avec une résilience stoïque. Bradley Cooper filmant divinement l'actrice avec un sentiment de vérité morale dénuée de toute forme de complaisance.

Au-delà de l'alchimie sentimentale que distille sans fard ce couple incandescent à travers des plages musicales d'une vigueur émotionnelle capiteuse (d'autant plus que Bradley Cooper façonne plusieurs images d'une beauté naturaliste, voir parfois même poétique); A Star is born soulève en digression une vraie réflexion sur l'addiction toxicologique (l'alcool ici mêlé à la coke) et ses conséquences par le biais de ce chanteur de country soucieux de sa déchéance à la fois physique et morale et de son complexe d'infériorité après avoir projeté sa muse sur les sunlights des projecteurs. Rongé par le poids de la culpabilité, jaloux d'une notoriété autrement pailletée, d'une extrême fragilité à céder une énième fois à la tentation de l'addiction, Jack osera franchir les limites de la moralité pour le seul enjeu de l'amour de sa vie. Spoil ! Dans la mesure où le final d'une noirceur inouïe s'avère inévitablement grave et bouleversant sans pour autant verser dans le pathos. Fin du Spoil. Bradley Cooper se refusant intelligemment à mettre en exergue une démonstration de force opportuniste puisqu'il empreinte le hors-champs lors des moments les plus durs et cruels. De par la pudeur de ce parti-pris anti stéréotypé, A star is born gagne ainsi en force émotionnelle pour retrouver l'authenticité de sa remarquable première heure habitée par la rencontre fusionnelle de l'émoi amoureux.

Portrait douloureux de deux artistes prodiges confrontés à deux univers musicaux plutôt antinomiques, A star is born est transcendé d'un florilège de séquences musicales ou intimistes d'une pudeur particulièrement expressive. Ainsi, si la seconde partie (la déchéance latente de Jack et sa remise en question finale) n'évite pas quelques clichés, Bradley Cooper parvient néanmoins à réinstaurer par moments l'émotion de sa première partie lors d'instants d'intimité autrement houleux, sentencieux ou désespérés. Et ce en dépit de son jeu parfois perfectible, son manque de substantialité à instiller une émotion fébrile ou névralgique. En tout état de cause, les spectateurs les plus sévères auront beau lui reprocher une certaine tendance à la facilité et la routine lors d'un second acte moins percutant, A star is born est néanmoins sauvé par l'intensité dramatique du thème de la déprise tout en resplendissant de 1000 feux sous l'impulsion "humaine" de Lady Gaga, plus belle et chaste que jamais ! Rien que par sa présence démiurge aussi bien fragile que pugnace, le spectacle musical taillé dans une perpétuelle tendresse sentimentale vaut assurément le détour ! 

P.S: A noter également dans un second rôle subtilement discret mais avenant et plutôt poignant, une des stars oubliés des années 70 et 80: Mr Sam Elliott !

*Bruno

Récompenses:
Critics' Choice Movie Awards 2019
Meilleure actrice : Lady Gaga
Meilleure chanson originale : « Shallow » interprétée par Lady Gaga et Bradley Cooper
Golden Globes 2019
Golden Globe de la meilleure chanson originale : « Shallow » interprétée par Lady Gaga et Bradley Cooper
Satellite Awards 2019
Meilleur film
Meilleure chanson originale : « Shallow » interprétée par Lady Gaga et Bradley Cooper
Meilleure photographie
National Board of Review 2018
Meilleur réalisateur : Bradley Cooper
Meilleure actrice : Lady Gaga
Meilleur acteur dans un second rôle : Sam Elliott
AFI Awards
Film de l'année
LVFCS Awards
Meilleure chanson originale : « Shallow » interprétée par Lady Gaga et Bradley Cooper
Meilleure actrice : Lady Gaga
Meilleur acteur dans un second rôle : Sam Elliott
Meilleure révélation réalisateur de l'année : Bradley Cooper
North Carolina Film Critics Awards 2018
Meilleure Musique de film

Bloody Bird. Prix Section Peur, Avoriaz 1987

                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site antagonie.blogspot.com

"Deliria" de Michele Soavi. 1987. Italie. 1h31. Avec David Brandon, Barbara Cupisti, Domenico Fiore, Robert Gligorov, Mickey Knox, Giovanni Lombardo Radice, Clain Parker.

Sortie salles France: 11 Mars 1987. Italie: 22 Juillet 1987. Australie: 8 février 1987

FILMOGRAPHIE: Michele Soavi est un réalisateur italien né le 3 Juillet 1957 à Milan, (Italie).
1985: The Valley (vidéo). 1985: Le Monde de l'horreur (Documentaire). 1987: Bloody Bird. 1989: Le Sanctuaire. 1991: La Secte. 1994: Dellamorte Dellamore. 2006: Arrivederci amore, ciao. 2008: Il sangue dei vinti.

 

"Plumes et lames". 

Primé à Avoriaz, le premier film de Michele Soavi n’est pas passé inaperçu auprès des amateurs, grâce à son esthétisme onirique et à l’extravagance d’une réalisation certes perfectible, mais inventive, dynamique, habitée. À partir d’un argument éculé, le réalisateur cède d’abord au traditionnel psycho-killer, dans la lignée du giallo, avec son lot quotidien de meurtres sanglants. Dans un théâtre, de jeunes interprètes répètent leur numéro sous l’allégeance d’un directeur castrateur. Centré sur un scénario morbide, auquel un tueur donne soudain corps, un criminel vient justement de s’évader de l’asile pour se réfugier dans ce séminaire. Déguisé avec le masque d’un hibou – dépouillé sur l’une de ses victimes – il décide de les exterminer un par un.

Si le prologue jouait la carte de l’originalité avec l’effet de surprise du faux-semblant (l’assassinat d’une prostituée se révélant simple répétition), la suite retombe dans les conventions : troupe de comédiens, lieu clos, et confrontation inévitable avec un tueur impitoyable. Pourtant, la mise en scène expérimentale de Soavi parvient à instaurer une véritable efficacité par le dynamisme du rituel meurtrier, riche en effusions, avec en prime des décors disparates, baroques, somptueux. Avec une ironie assumée, et pour ravir les amateurs de gore, chaque crime est exécuté avec une arme différente - hache, perceuse, tronçonneuse, couteau - tandis que l’accoutrement du tueur, littéralement singulier, déroute et fascine.

Le premier homicide commis dans l’enceinte du théâtre évoque la rigueur graphique des plus belles morts d’Argento. Inspiré par son maître, Soavi peaufine le cadre de ses décors théâtraux avec une ambition stylisée, épurée. Mais c’est dans sa seconde moitié que Bloody Bird se révèle pleinement : lorsque la dernière survivante se retrouve seule avec le tueur, le film impose un suspense taillé au scalpel, dans une ambiance envoûtante. La mise en scène, inventive jusqu’au bout, exploite ses espaces restreints avec une intensité palpable, portée par la quête désespérée de l’héroïne pour atteindre une clef, en guise d’échappatoire. La photographie, flamboyante et crépusculaire, joue sur les bleus d’azur, les rouges sang, les teintes roses : des images picturales, un véritable ballet poétique.

Scène d’anthologie, restée dans les mémoires : à un moment de tension latente, le tueur orchestre sa propre mise en scène macabre, par un envol de plumes flottant au-dessus des cadavres regroupés sur l’estrade. Ces instants de poésie funèbre, portés par une mélodie envoûtante, ouvrent une brèche de grâce mortifère, lorsque le tueur réinterprète la pièce, poussé par son parti-pris morbide.

 

"Le Hibou et la Scène". 

Hormis le jeu parfois bancal mais si charmant et souvent attachant des comédiens de seconde zone, et malgré la conformité ludique de sa première partie, agréablement étrange et inquiétante, Bloody Bird parvient à surprendre, séduire, dérouter, avant de fulgurer dans un dernier acte halluciné. Ballet onirique et féerie macabre se télescopent dans l’affrontement haletant entre la survivante et le tueur volatile. Premier essai finalement singulier, certaines scènes - étonnamment anthologiques - marquent durablement les esprits. Bloody Bird imprime la rétine, s’incruste dans l’encéphale, et ne lasse jamais l’initié au fil de ses moult revisionnages (j’en suis personnellement à la 6e), que le temps ne parvient pas à émousser.

*Bruno
31.10.23. 6èx Version Anglaise STFR

14.01.19. 
01.04.13. (88 v)

Récompense: Prix Section Peur, Avoriaz 1987

Emmanuelle et Françoise / Le sorelline / Emanuelle's Revenge

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site 

de Joe d'Amato. 1972. Italie. 1h37. Avec George Eastman, Rosemarie Lindt, Karole Annie Edel, Patrizia Gori, Mary Kristal, Massimo Vanni.

Sortie salles France: 21 Septembre 1975 ou 77 (Int - 18 ans). Italie: 1975.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Joe d'Amato (né Aristide Massaccesi le 15 décembre 1936 à Rome, mort le 23 janvier 1999) est un réalisateur et scénariste italien. 1975: Emmanuelle et Françoise. 1977 : Emanuelle in America, 1977 : Viol sous les tropiques, 1979: Buio Omega (Blue Holocaust), 1980: Anthropophagous, La Nuit Erotique des morts-vivants, Porno Holocaust, 1981: Horrible, 1982: 2020, Texas Gladiator, Caligula, la véritable histoire, Ator l'invincible, 1983: Le Gladiateur du futur.

Exhumé de l'oubli par l'éditeur Le Chat qui fume si bien que j'ignorai l'existence de cet ofni signé du petit maître du ketchup dégueulbif, Joe d'Amato (Blue Holocaust / Horrible / Anthropophagous / Caligula restent dans toutes les mémoires des cinéphages), Emmanuelle et Françoise s'avère une formidable curiosité que les fans d'érotisme, d'étrangeté et d'horreur ne doivent rater. Car si personnellement je ne suis pas fervent admirateur de ce genre de produit d'exploitation lubrique parfois putassier et si souvent gratuit, j'avoue qu'Emmanuelle et Françoise est soigneusement conté, mis en scène et interprété (George Eastman dans l'un de ses rôles les plus intenses se dispute la vedette parmi 2 charnelles beautés italiennes sobrement incarnées par Rosemarie Lindtsi en némésis goguenarde et la tendre Patrizia Gori en soumise éplorée). Si bien qu'il s'agit probablement de la meilleure réalisation de Joe d'Amato maniant ici l'érotisme, le charme et la séduction de manière justifiée sous l'impulsion de l'entêtant score mélancolique de Gianni Marchetti. 

Baignant dans une superbe photo sépia éclairée de nuances pâles, Emmanuelle et Françoise relate la romance tragique de Françoise éperdument amoureuse de son amant sans vergogne puisque la réduisant en esclave lubrique avec l'appui de disciples érotomanes. Noyé de douleur morale et de chagrin, cette dernière se suicide sous les rails d'un train (le prologue est d'ailleurs particulièrement touchant auprès de son intensité mélancolique). Après les funérailles, sa fidèle soeur Emmanuelle s'empresse de séduire son bourreau Carlo afin de le séquestrer dans sa demeure derrière un miroir sans teint. S'ensuit donc entre 2/3 flash-back explicatifs (pour la rencontre et les liaisons d'asservissement entre Carlo et Françoise) une succession de jeux de drague et situations érotiques à la fois sulfureuses et malsaines. Notamment eu égard des fantasmes déviants, hallucinatoires de Carlo couramment drogué et contraint d'endosser le voyeur en témoignant de sa geôle vitrée d'inlassables étreintes sexuelles bâties sur le streap tease, le triolisme, le cannibalisme et le lesbianisme. Et ce avant que les 10 dernières minutes ne convergent vers une horreur rationnelle (feuille de boucher à l'appui) avec une dérision sardonique aussi punitive que cauchemardesque.

Renaissant de ces cendres grâce à sa superbe copie HD (même si le réducteur de bruit est peut-être un trop appuyé à mon goût), Emmanuelle et Françoise est une détonnante curiosité Bis d'un charme voluptueux étrangement tendre et colérique. Sorte de rape and revenge tout à fait personnel car étonnamment inspiré dans sa façon d'illustrer dans la singularité érotisme parfois scabreux, tendresse sournoise, horreur grand-guignolesque, marque de fabrique d'un artisan d'une provocation typiquement transalpine, Joe d'Amato à son apogée. A découvrir avec un vif intérêt. 

*Bruno

22.04.25. 2èx. Vost

Chats rouges dans un labyrinthe de verre

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Gatti rossi in un labirinto di vetro/Eyeball" d'Umberto Lenzi. 1975. Espagne/italie. 1h32. Avec Martine Brochard, John Richardson, Ines Pellegrini, Andrés Mejuto, Mirta Miller, Daniele Vargas, George Rigaud.

Sortie salles France: 23 Octobre 1975. Italie: 24 Janvier 1975

FILMOGRAPHIE: Umberto Lenzi est un réalisateur et scénariste italien, né le 6 Aout 1931 à Massa Marittima, dans la province de Grosseto en Toscane (Italie). 1962: Le Triomphe de Robin des Bois, 1963: Maciste contre Zorro, Sandokan, le Tigre de Bornéo, 1964: Les Pirates de Malaisie, 1966: Kriminal, 1967: Les Chiens Verts du Désert, 1968: Gringo joue et gagne, 1969: La Légion des Damnés, Si douces, si perverses, 1970: Paranoia, 1972: Le Tueur à l'orchidée, 1972: Au pays de l'Exorcisme, 1973: La Guerre des Gangs, 1974: Spasmo, La Rançon de la Peur, 1975: Bracelets de Sang, 1976: Brigade Spéciale, Opération Casseurs, La Mort en Sursis, 1977: Le Cynique, l'infâme et le violent, 1978: Echec au gang, 1980: La Secte des Cannibales, l'Avion de l'Apocalypse, 1981: Cannibal Ferox, 1983: Iron Master, la guerre du fer, 1988: Nightmare Beach, la Maison du Cauchemar, 1991: Démons 3, 1996: Sarayevo inferno di fuoco.

Quelle heureuse surprise de découvrir par le truchement du Chat qui fume ce fort sympathique Chats rouges dans un labyrinthe de verre réalisé par l'éminent Umberto Lenzi plutôt avisé à inscrire sur pellicule un Giallo en bonne et due forme. Car s'inspirant des tous récents succès d'Argento, initiateur du genre neo-giallesque depuis l'Oiseau au plumage de Cristal, Umberto Lenzi nous confectionne avec stylisme raffiné (le travail flamboyant sur les couleurs contrastées ne cesse d'enivrer la vue !) une enquête policière aussi solidement menée que captivante. Ainsi donc, à travers une texture agréablement bisseuse, notamment auprès du jeu timoré de certaines victimes épeurées, Lenzi prend malin plaisir à nous balader à travers un whodunit fertile en rebondissements (notamment auprès du final binaire !) et séquences-chocs dont l'intensité monte parfois d'un échelon lorsque certaines victimes parviennent in extremis à s'extraire d'une mort brutale. Le procédé du maniaque s'avérant aussi sournois et vicié que radical et méthodique ! A savoir, arracher le globe oculaire gauche de sa victime et la larder de coups de poignards à l'aide de sa main droite gantée de rouge !

Multipliant à rythme métronomique faux coupables, fausses pistes et d'autres un peu plus habiles afin de nous douter du profil de chaque protagoniste (des pèlerins américains en voyage de groupe à Barcelone), Lenzi s'interroge de plus près vers Mark Burton. Un journaliste infidèle particulièrement inquiet quant à l'éventuelle disparition de son épouse débarquée également à Barcelone. Ainsi, nous apprendrons par ailleurs à travers une réminiscence que cette dernière fut 1 an plus tôt découverte par Mark inanimée aux abords d'une piscine, un poignard ensanglanté à la main. Voyageant avec sa maîtresse Paulette Stone, ils tenteront communément d'éclaircir cette longue liste de crimes avec l'appui d'un commissaire à l'affût des moindres suspects. Purement ludique à travers son intrigue horrifique impeccablement rythmée, Chats rouges dans un labyrinthe de verre exploite donc avec un savoir-faire technique et formel un Giallo assez sanglant distillant un mystère magnétique quant aux mobiles de l'assassin sans visage. La surprise s'avérera d'ailleurs d'autant plus percutante lorsque Spoiler ! le spectateur croira assister à la résolution de l'énigme avant que Lenzi n'y livre un ultime coup de théâtre à travers le fameux trauma psychotique. Fin du Spoiler. L'effet de surprise jouant à plein régime auprès du spectateur si ce dernier n'eut parvenu à suspecter son mystérieux profil. Et ce même si Lenzi se permit d'y inclure un audacieux indice lors de la première demi-heure.

C'est donc avec plaisir cinéphage que nous découvrons ce Giallo rarissime, qui plus est, dans une superbe version HD faisant honneur au travail stylisé de Lenzi, tant et si bien que Chats rouges dans un labyrinthe de verre peut même prétendre surpasser d'autres produits d'exploitation du même tonneau sanguin. A découvrir sans soupçon de réserve donc d'autant plus qu'à travers son défilé d'actrices italienne s'y détache la beauté laiteuse de la (convaincante) comédienne française Martine Brochard ! (avec en sus une apparition clin d'oeil en guise de préface du spectacle de samedi soir !). 

Dédicace à Céline Trinci
*Bruno

La Boum

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Claude Pinoteau. 1980. France. 1h49. Avec Claude Brasseur, Brigitte Fossey, Sophie Marceau, Alexandre Sterling, Denise Grey, Jean-Michel Dupuis, Dominique Lavanant, Bernard Giraudeau, Jacques Ardouin, Richard Bohringer.

Sortie salles France: 17 Décembre 1980

FILMOGRAPHIE: Claude Pinoteau est un réalisateur et scénariste français, né le 25 mai 1925 à Boulogne-Billancourt, décédé le 5 octobre 2012 à Neuilly-sur-Seine. 1973 : Le Silencieux. 1974 : La Gifle. 1976 : Le Grand Escogriffe. 1979 : L'Homme en colère. 1980 : La Boum. 1982 : La Boum 2. 1984 : La Septième Cible. 1988 : L'Étudiante. 1991 : La Neige et le Feu. 1994 : Cache cash. 1997 : Les Palmes de monsieur Schutz. 2005 : Un abbé nommé Pierre, une vie pour les autres (documentaire).

"Des écouteurs pour un slow en immersion, un slow forcément langoureux, et des souvenirs pour toute la vie. Ces années 80, tout de même !". Anna K. 25 Janvier 2023.

Grand souvenir d'ado en 1980 au moment de sa triomphale sortie commerciale (4 378 430 entrées chez nous, 15 000 000 en Europe !), La Boum exploite la légèreté d'une comédie romantique attendrissante sous l'impulsion d'une famille jouasse bientôt en crise d'adultère. Au moment même ou leur jouvencelle, Vic, connait les premiers émois d'un amour adolescent qui irrigue son cheminement au fil d'épisodes à la fois tendres, cocasses, sobrement dramatiques. La révélation Sophie Marceau nous communiquant une expression juvénile somme toute naturelle du haut de ses 13 ans avec une innocence à la fois fragile, badine, évidemment naïve et sémillante. D'ailleurs, ce qui fait notamment le charme de cette friandise nostalgique émane de la complémentarité des acteurs qui l'étreignent avec une sincérité infaillible tant ils se fondent dans leur personnage avec des forces de caractères résolument attachantes. Tant auprès de Claude Brasseur en papa bourru perfectible, de Brigitte Fossey en mère aussi autoritaire qu'indulgente, de Denise Grey en mamie débonnaire, de Dominique Lavanant en maîtresse incorrigible que des seconds-rôles candides jouant les ados en herbe avec un naturel nullement outré. 

Et si ce teen movie à la française paraîtra aujourd'hui inévitablement caduc auprès de la génération actuelle sevrée aux smartphones et réseaux sociaux, La Boum reste un formidable témoignage aussi fantaisiste et authentique que poignant auprès de la génération 80 ayant été bercée par les surboums, les Chipsters, le groupe Madness, les tournes disques, les posters de George Michael, les comédies de Pierre Richard (à l'instar du Coup du Parapluie apparu à l'arrière d'un car scolaire) et surtout par leurs prémices amoureux que l'on nous retranscrit ici entre humour, fantaisie (en roue libre) et sensibilité. Si bien qu'à la revoyure, passées ces quelques décennies, on reste infiniment émus, jouasses, attachés, enchantés même, par les tourments initiatiques de Sophie Marceau épaulés de Claude Brasseur, Brigitte Fossey, Denis Grey luminescents de bonhomie. Et puis il y a aussi et enfin le score nostalgique de Vladimir Cosma qui dynamise l'immense succès du film, accompagné (à trois reprises) de l'illustre chanson Reality interprétée par Richard Sanderson. Un tantinet ringarde certes, mais vibrante, poignante, si entêtante au point d'être devenu un "tube des années 80"...

*Bruno

3èx. 31.12.24

" A l'âge des premiers émois, des tressaillements à l'embrasement du coeur, la Boum reste le film culte de l'énamoration adolescente".
Cath 44. 8 Mars 2016.

The Hate U give - La Haine qu'on donne

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site amazon.fr

de George Tillman Jr. 2018. U.S.A. 2h13. Avec Amandla Stenberg, Regina Hall, Russell Hornsby, Common, Lamar Johnson.

Sortie salles France: 23 Janvier 2019. U.S: 19 Octobre 2018

FILMOGRAPHIE: George Tillman Jr. est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 26 janvier 1969 à Milwaukee, Wisconsin. 1997 : Soul Food. 2000 : Les Chemins de la dignité. 2009 : Notorious B.I.G. 2010 : Faster. 2015 : Chemins croisés. 2018 : The Hate U Give - La Haine qu'on donne

Changez le monde.
Film choc s'il en est, de par son sujet d'une brûlante actualité (une bavure policière raciste auprès d'une jeune victime afro issue du ghetto), The Hate U give provoque une émotion d'une grande intensité dramatique eu égard du parcours initiatique de la jeune Starr Carter, unique témoin du crime lâchement exécuté. Car suite à un banal contrôle d'identité (et d'une éventuelle violation du code de la route), Khalil est exécuté par un policier blanc sous les yeux de Starr, son amie d'enfance, faute de son indiscipline d'avoir contredit l'autorité. Après nous avoir ébranlé avec cette séquence d'une violence gratuite insupportable (faisant inévitablement écho à nombre de fait divers récents, tant Outre-atlantique que dans l'hexagone !), George Tillman Jr ayant en prime pris soin de nous attacher plus tôt à la fraternité de Starr et Khalil en concertation sentimentale; l'intrigue soulève le point de vue introspectif de cette dernière en désarroi identitaire et existentiel. Une adolescente de 16 ans traumatisée par une mort inéquitable sous couvert de discrimination raciale et d'abus de pouvoir que la juridiction ricaine demeure incapable de blâmer. Le poids de la ségrégation planant sur ses frêles épaules au fil de son initiation à l'affirmation, à la communication, au pardon et au désir de défendre ses opinions bâties en toute simplicité sur la tolérance et l'équité de la justice.

Portant à bout de bras le film sur ses épaules; Amandla Stenberg illumine l'écran de sa beauté naturelle sémillante (ses moult sourires lors de la 1ère partie s'avèrent irrésistibles de spontanéité !) et de sa présence chétive en voie de stoïcité, eu égard des préjugés et des regards réprobateurs auprès de son lycée privé bon chic bon genre et de sa communauté co-existant dans un ghetto en proie à une certaine marginalité. Le récit soigneusement structuré (car prenant son temps à étudier les états d'âme de Starr) dressant le sublime portrait de cette ado en voie de contestation, faute d'une justice à 2 vitesses discréditant son peuple noir en proie à une étouffante paranoïa face à l'insigne de l'ordre. Car soulignant notamment le caractère répressif d'une police autoritaire se pliant aveuglément à leur hiérarchie, The Hate U give tente de nous offrir en ultime recours une étincelle d'espoir et d'optimisme du point de vue de l'héroïne tentant de réveiller les consciences contradictoires par le biais d'un message d'amour et de paix universels. Et ce face à l'innocence galvaudée de l'enfant réitérant les mêmes actions haineuses que leurs parents ! (d'où son titre significatif: "la haine qu'on donne"). Pour cela, c'est à travers le dialogue qu'elle compte asseoir son éthique humanitaire en faisant preuve d'autant d'audace que de courage pour tenter de redorer le sens de la justice et rendre un vibrant hommage à Khalil (plus vivant que jamais dans le coeur de ses proches !). Starr étant notamment réduite depuis la tragédie à une victime sans visage s'apitoyant sur son sort, ou pire, discréditant sa propre race lors de son intervention télévisuelle à grande écoute, du moins du point de vue des esprits les plus faibles, les plus lâches et intolérants.

Etre une lumière dans les ténèbres.
En dépit d'un dénouement spectaculaire appuyant légèrement sur la corde sensible en usant du stéréotype (les postures maladroitement sentencieuses des deux policiers subitement éveillés par le discours pacifiste de Starr sonne faux à mon sens !) et d'une sous-intrigue peut-être dispensable (certains membres marginaux de la famille de Starr se déchirant trop violemment pour un enjeu d'orgueil), The Hate U give est immergé d'une acuité dramatique couramment bouleversante. Si bien que le spectateur infiniment impliqué dans l'introspection morale de Starr s'identifie à son désespoir et à sa révolte avec un humanisme fébrilement prude. Que l'on adhère ou non à ce réquisitoire anti-raciste, The Hate U give fait preuve d'une grande sensibilité pour ne laisser personne indifférent au vu du triste constat imparti à une Amérique xénophobe plongée dans le déni, l'hypocrisie, voire même le totalitarisme (le final anarchique faisant notamment écho à notre propre politique française davantage soumise à une idéologie répressive). Superbe de sincérité et de dignité (notamment à travers sa foi à l'affirmation et à la proclamation), et la révélation Amandla Stenberg emporte tout sur son passage au point de chavirer les coeurs les plus endurcis. 

* Bruno

Les Charlots font l'Espagne

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jean Girault. 1972. France. 1h22. Avec Gérard Rinaldi, Jean Sarrus, Gérard Filipelli, Jean-Guy Fechner, Jacques Legras, Jaime de Mora y Aragon, Yves Barsacq.

Sortie salles France: 13 Décembre 1972

FILMOGRAPHIE: Jean Girault est un réalisateur et scénariste français, né le 9 mai 1924 à Villenauxe-la-Grande (Aube), décédé le 24 juillet 1982 à Paris. 1960 : Les Pique-assiette. 1961 : Les Moutons de Panurge. 1961 : Les Livreurs. 1963 : Les Veinards (film à sketchs coréalisé). 1963 : Les Bricoleurs. 1963 : Pouic-Pouic. 1963 : Faites sauter la banque ! 1964 : Les Gorilles. 1964 : Le Gendarme de Saint-Tropez. 1965 : Le Gendarme à New York. 1966 : Monsieur le président-directeur général. 1967 : Les Grandes Vacances. 1968 : Le gendarme se marie. 1968 : Un drôle de colonel. 1969 : La Maison de campagne. 1970 : Le Gendarme en balade. 1971 : Jo. 1971 : Le Juge. 1972 : Les Charlots font l'Espagne. 1973 : Le Concierge. 1973 : Le Permis de conduire. 1974 : Deux grandes filles dans un pyjama. 1975 : L'Intrépide. 1976 : Les murs ont des oreilles. 1976 : L'Année sainte. 1977 : Le Mille-pattes fait des claquettes. 1978 : L'Horoscope. 1978 : Sam et Sally , (série TV), 2 épisodes : Le Collier et Isabelita. 1978 : Le Gendarme et les Extra-terrestres. 1979 : L'Avare. 1981 : La Soupe aux choux. 1981 : Ach du lieber Harry. 1982 : Le Gendarme et les Gendarmettes.

Un spectacle bas de plafond mais haut en couleurs dans son esprit cartoonesque ! 
Quand on songe à ses 4 162 897 entrées lors de sa sortie en 72, on se demande comment Les Charlots font l'Espagne ont-il pu faire salle comble tant cette comédie franchouillarde accumule sans modération gags cocasses et bas de plafond sous l'impulsion de nos 4 lurons toujours aussi guillerets ! Prétexte à situations burlesques littéralement absurdes ou nonsensiques (certains gags s'avèrent même incompréhensibles à travers leur mécanique du rire !), Les Charlots font l'Espagne fleure bon l'époque révolue d'une époque désinhibée n'accordant que peu d'intérêt pour son scénar étique et donc ne comptant que sur l'attachante complémentarité des Charlots (les parents pauvres des ZAZ !) particulièrement déchaînés à provoquer l'éclat de rire escompté. A condition de le savourer au 10è degré, les Charlots font l'Espagne devrait contenter les inconditionnels si bien que son rythme très alerte ne provoque jamais l'ennui, et ce en dépit de la nullité de ces gags les plus lourdingues tellement navrants qu'ils en deviennent parfois drôles ! Enfin, à titre subsidiaire, on peut également se rincer l'oeil auprès de ses seconds-rôles féminins (et quelques figurantes hispaniques filiformes) particulièrement sexy !

* Bruno

Les Rendez-vous de Satan

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer?" de  Giuliano Carnimeo. 1972. Italie. 1h35. Avec Edwige Fenech, George Hilton, Paola Quattrini, Giampiero Albertini, Franco Agostini, Oreste Lionello.

Sortie salle France: 7 mars 1979. Italie: 10 Août 1972

FILMOGRAPHIE: Giuliano Carnimeo est un réalisateur et scénariste italien, né le 4 juillet 1932 à Bari (Pouilles) et mort le 10 septembre 2016 à Rome (Latium), 1959 : Brèves Amours (réalisé avec Camillo Mastrocinque). 1968 : Le Moment de tuer. 1969 : Le Fossoyeur. 1970 : Bonnes funérailles, amis, Sartana paiera. 1970 : Django arrive, préparez vos cercueils. 1971 : Quand les colts fument... on l'appelle Cimetière. 1972 : Les Rendez-vous de Satan. 1972 : Alléluia défie l'Ouest. 1973 : L'Emprise des sens. 1975 : Simone e Matteo. 1976 : Pour pâques ou à la trinita. 1981 : Une fille vachement sympa. 1983 : Les Exterminateurs de l'an 3000.

Sympathique giallo sorti en grande pompe dans une superbe version HD chez l'éditeur qui miaule, Les Rendez-vous de Satan ne révolutionne nullement le genre si bien qu'il s'agit d'un produit d'exploitation en vogue. Tous les ingrédients étant ici réunis en bonne et due forme "fétichiste", et ce avec l'appui de la reine du sexe transalpin, Miss Edwige Fenech ! L'actrice irradiant en permanence l'écran de sa charnelle présence, une posture féline infiniment torride. Notamment à travers l'immensité de son regard noir à damner un saint et à la pâleur de sa peau laiteuse ! Erotique donc auprès de ses étreintes et séquences déshabillées stylisées (dont une plage onirique rappelant le Venin de la Peur parmi l'intervention d'un gourou !), Les Rendez-vous de Satan n'en n'oublie pas pour autant d'y inclure ses séquences de meurtres plutôt réussies. Notamment celui dépeint en plein centre-ville bondé ou encore celui du prologue cinglant que Brian de Palma se réappropria afin de parfaire son chef-d'oeuvre Pulsions. Car à travers cette séquence claustro instaurée dans un ascenseur, il est bluffant de constater à quel point De Palma exploitera certains de ces plans iconiques (notamment auprès de la morphologie de la victime blonde) avec un brio autrement chiadé et géométrique.

Nanti d'un rythme assez soutenu (surtout auprès de sa seconde partie plus inquiétante et affolante) au fil d'une intrigue somme toute classique, mais rehaussée d'un surprenant dénouement (quoique un peu trop facile alors que sa dernière image un brin ironique peut déconcerter !), Les Rendez-vous de Satan ne déçoit qu'en de rares occasions (comptez 1 ou 2 longueurs vite pardonnées et du jeu limite parodique du commissaire entêté et de son adjoint bateleur. Giuliano Carnimeo s'efforçant notamment d'y transfigurer la forme à travers la disparité de ses décors richement détaillés et magnifiquement photographiés d'une lumière tantôt limpide tantôt contrastée. Sur ce dernier point, Les Rendez-vous de Satan ravit donc les mirettes dans la noble tradition du genre, notamment après de la défroque sépulcrale du tueur encapuchonné et masqué assez magnétique lors de ses apparitions surprises. On regrettera en revanche son titre français complètement à l'ouest puisqu'il n'est ici nullement question d'occultisme ni de satanisme en dépit d'une ambiance d'étrangeté parfois trouble et sensiblement baroque (comme souvent chez tout bon Giallo qui se respecte).

A découvrir donc avec plaisir fétichiste, aussi mineure soit sa topographie narrative et ses sautes d'humour malvenues.

* Bruno

Guy

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Alex Lutz. 2018. France. 1h42. Avec Alex Lutz, Tom Dingler, Pascale Arbillot, Nicole Calfan, Dani, Élodie Bouchez, Brigitte Roüan.

Sortie salles France: 29 Août 2018 

FILMOGRAPHIE: Alex Lutz, de son vrai nom Alexandre Lutz, est un comédien, humoriste, metteur en scène, auteur de théâtre et réalisateur français, né le 24 août 1978 à Strasbourg. 2015 : Le Talent de mes amis. 2018 : Guy.

"Prenez bien soin de tous vos souvenirs car vous ne pourrez pas les revivre"
Immense cri du coeur que cette déclaration d'amour à la variété populaire par le biais d'un chanteur "ringard" (pour le nommer vulgairement comme qui dirait le bien-pensant) qu'un fils illégitime filme dans sa quotidienneté depuis son désir de remonter sur le podium à l'aide d'un album de reprises, Guy donne le vertige avec émoi sensitif ! Dans la mesure où Alex Lutz, réal et acteur habité par ses ambitions, empreinte la démarche du "documenteur" (les djeuns lui alloueront plutôt le terme "found footage") avec un vérisme plus vrai que nature. Tant et si bien que le cadre de la fiction s'efface ici promptement pour laisser place à une nouvelle réalité qu'une caméra avisée radiographie sans complaisance puisque vouée à immortaliser le tableau criant de vérité d'un chanteur sclérosé en quête (mélancolique) de seconde renaissance. Et n'y voyez aucune dérive sirupeuse de la part de l'auteur pétri de dignité pour son personnage chimérique ! Hymne à la vie, à l'amour, à l'indiscipline (ce refus de rester sage et d'y déroger la déontologie !) et surtout à la fragilité de la vieillesse qu'Alex Lutz  aborde avec pudeur et tendresse parfois bouleversantes, Guy nous fait participer à un moment de ciné "docu-vérité" d'une vigueur dramatique scintillante ! (lumières des projecteurs en sus afin d'y  d'assurer le spectacle en liesse !).

De par l'intensité du jeu contrarié d'Alex Lutz et du magnétisme de sa voix éraillée qu'un jeune vidéaste ausculte du bout de sa caméra amateur, Guy transpire l'émotion candide et la nostalgie du temps qui passe (images d'archive à l'appui d'une sidérante intensité évocatrice !) au rythme de chansons populaires entêtantes symptomatiques des années 60. Car derrière cet attendrissant personnage profondément humain et caractériel s'y cache un homme solitaire nanti de fragilité et de fêlures. De par ses doutes, ses regrets, sa mélancolie existentielle; ses remises en question, son complexe d'infériorité, sa réputation auprès des intellos condescendants, voir même sa jalousie auprès de la star Cloclo. Si bien que les chansons qu'il nous interprète avec sincérité indéfectible, en concert et dans l'intimité, possèdent cette même tonalité entraînante que les fans aiment chantonner en refrain. Tant auprès des ballades romantiques volontiers naïves que des thèmes pop que la tendance disco des années 70 et 80 perdurera avec succès. Outre ce sublime portrait imparti à un chanteur purement imaginaire (mais oh combien référentiel !) accédant difficilement au cycle du 3è âge, Guy nous imprime sur image un reportage sur la mémoire et le parfum de l'âme que symbolise le "souvenir" à travers cet homme dépassé par le temps et la modernité. Un album d'images fertile d'anecdotes, de confidences, de musique, de retrouvailles s'ouvre donc à nos yeux d'enfants car Guy remémore notamment l'innocence des premiers émois, des premiers amours, des premiers succès musicaux avec une intensité nostalgique profondément vertigineuse. Notamment eu égard des intervenants connus (Michel Drucker, Julien Clerc, Dany et quelques émettrices radios) et méconnus se fondant dans la fiction avec une vérité humaine confondante d'humilité.

Guy Jamet
Biopic musical lumineux par le biais d'une ringardise assumée si fédératrice, fougueuse, chaleureuse et communicative de par sa simplicité populaire, Guy fait entrer dans la légende des chanteurs oubliés un personnage méconnu aujourd'hui reconnu par le biais d'un vidéaste amateur en voie d'apprentissage auditif. S'il s'avère aussi beau, tendre et bouleversant qu'un futile coucher de soleil, Guy n'oublie pas pour autant de verser dans la drôlerie au travers de sa quotidienneté routinière ou de ses rapports intimistes jalonnés de répliques hilarantes (notamment les rapports parfois orageux entre Guy et sa jeune épouse). Inoubliable pour clore sur une note aussi spontanée que chétive si bien que, comme le résume Guy Jamet, notre destinée éphémère s'éclipse aussi vite qu'un battement de cil. Car même le souvenir n'est qu'une illusion...

Dédicace à Frederic Serbource
* Bruno

"Toutes les images disparaîtront. Elles s'évanouiront toutes d'un seul coup comme l'ont fait des millions d'images qui étaient derrière les fronts des grands-parents. Des parents eux aussi. Et l'on sera un jour dans le souvenir de nos enfants au milieu de petits enfants et de gens qui ne sont pas encore nés. Comme le désir, la mémoire ne s'arrête jamais, elle a pari les morts aux vivants, les êtres réels aux imaginaires, leur rêve à l'histoire. Tout s'effacera en une seconde. Ce sera le silence et aucun mot pour le dire. De la bouche ouverte il ne sortira rien. Ni je, ni moi. Dans les conversations autour d'une table de fête on ne sera plus qu'un prénom de plus en plus sans visage, jusqu'à disparaître dans la masse anonyme d'une lointaine génération."

Les Vampires de Salem. (Version Intégrale).

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Tobe Hooper. 1979. U.S.A. 3h05 (version intégrale). Avec David Soul, James Mason, Lance Kerwin, Bonnie Bedelia, Lew Ayres, Reggie Nalder, Ed Flanders.

Sortie salles France: 10 Septembre 1980 (dans une version tronquée). Diffusion TV U.S: 17/24 Novembre.

FILMOGRAPHIE: Tobe Hooper est un réalisateur américain né le 25 Janvier 1943 à Austin (Texas). 1969: Eggshells, 1974: Massacre à la Tronçonneuse, 1977: Le Crocodile de la Mort, 1979: The Dark (non crédité), 1981: Massacre dans le Train Fantôme, 1982: Poltergeist, 1985: Lifeforce, 1986: l'Invasion vient de Mars, Massacre à la Tronçonneuse 2, 1990: Spontaneous Combustion, 1993: Night Terrors, 1995: The Manglers, 2000: Crocodile, 2004: Toolbox Murders, 2005: Mortuary, 2011: Roadmaster.

Adapté au cinéma chez nous dans une version tronquée d'1h47, les Vampires de Salem est un télé-film d'une durée initiale de 3h05 que Tobe Hooper signa de son habile empreinte, tant et si bien qu'il s'agit d'une de ses meilleures réussites. Tiré d'un célèbre roman de Stephen King qui en adouba le résultat télévisuel, l'intrigue soigneusement charpentée nous dépeint le profil dubitatif de l'écrivain Ben Mears récemment installé dans sa ville natale, la paisible bourgade rurale de Salem's lot. Or, depuis l'arrivée de l'étrange Richard K. Straker, vieil antiquaire taiseux locataire d'une bâtisse à mauvaise réputation, Ben Mears s'interroge sur ses véritables motivations, quand bien même de mystérieuses disparitions d'ados ont lieu la nuit. A travers son agréable climat solaire implanté au coeur d'une région bucolique somme toute accueillante, les Vampires de Salem dégage un charme à la fois chaleureux et envoûtant, notamment eu égard de la fraternité des citadins, aussi véreux soient certains d'eux car n'hésitant pas à recourir à l'adultère, l'alcoolisme, voir aussi à la passion du ciné fantastique en guise d'ennui ou d'évasion. Incarné par une pléiade de seconds-couteaux familiers des genres et d'autant plus pleinement convaincants à témoigner communément d'une situation pernicieuse gravement hypnotique, les Vampires de Salem plante son univers chimérique et ses personnages bicéphales avec une scrupuleuse attention. Tobe Hooper prenant son temps à donner chair à son univers occulte par le biais d'un réalisme surnaturel ramifié et d'un souci formel cinégénique. Tant auprès de ses séquences horrifiques aussi originales qu'inquiétantes et fascinantes que de la scénographie gothique d'une bâtisse insalubre d'une vénéneuse beauté émeraude. D'ailleurs sur ce point, la vaste maison ornée de pièces secrètes et de cadavres d'animaux tantôt empaillés, tantôt putréfiés se réapproprie des codes de la hantise avec une diabolique suggestion.

D'autre part, sans sombrer dans le ridicule, les créatures vampiriques qui hantent chaque nuit de pleine lune fascinent promptement car elles nous provoquent une fascinante appréhension mêlée de malaise si bien que les maquillages concis et effets spéciaux retors (l'impression de flottement que les vampires exercent sous la brume) s'avèrent redoutablement efficaces pour là encore laisser place à une imagerie singulière. Car ne ressemblant à rien de connu, la grande réussite des Vampires de Salem demeure notamment d'y dépoussiérer le mythe vampirique dans un contexte moderne où plane pour autant un amour irrépressible pour l'épouvante archaïque eu égard du chef des vampires d'un charisme saphir, digne héritier du Nosferatu de Murnau. Outre son magnétisme visuel et narratif permanent et ses scènes chocs disséminées avec souci inventif (notamment la découverte macabre du chien, le croque-mort lentement attiré par l'essence spirituelle du cercueil ou encore l'eau bénite scintillante à l'approche d'un vampire), Les Vampires de Salem s'enrichit des prestances détonantes (pour ne pas dire déconcertantes) de James Mason, en fourbe antiquaire à l'identité quasi apatride, et de David Soul, étonnamment sobre et impliqué en chasseur de vampire toujours plus déterminé en vindicateur héroïque. On peut également applaudir l'interprétation subsidiaire à mi-parcours de Lance Kerwin en jeune ado féru de films d'horreur puis en voie d'initiation rebelle eu égard de son apprentissage à canaliser ses affres du surnaturel depuis une tragédie infortunée. Enfin la beauté naturelle de la sensuelle Bonnie Bedelia (Piège de Cristal, 58 minutes pour vivre) se décline également comme un atout de charme en sus, quand bien même sa romance entamée avec Ben se solde par une surprenante conclusion d'une alchimie onirique amère.

Une formidable réussite télévisuelle donc parvenant sans fard à rajeunir le mythe du vampire séculaire dans une stature cinégénique à la fois irrésistiblement flamboyante, fascinante et ensorcelante. Si bien que dès son générique final on rêve d'une éventuelle séquelle aussi digne que son modèle, et ce même si Larry Cohen s'y est brillamment entrepris 8 ans plus tard de manière autrement déjantée avec l'oublié et sarcastique les Enfants de Salem.  

* Bruno

Amityville, la maison du Diable / The Amityville Horror

                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site eightdayzaweek.blogspot.com

de Stuart Rosenberg. 1979. U.S.A. 1h58. Avec James Brolin, Margot Kidder, Rod Steiger, Don Stroud, Murray Hamilton, John Larch, Natasha Ryan, K.C. Martel, Meeno Peluce, Michael Sacks, Helen Shaver...

Dates de sortie : 27 juillet 1979 (États-Unis), 20 février 1980 (France)

FILMOGRAPHIE: Stuart Rosenberg est un réalisateur américain né le 11 août 1927 à New York (États-Unis) et mort le 15 mars 2007 à Beverly Hills (États-Unis). 1960 : Crime, société anonyme , 1961 : Question 7, 1964 : Calhoun: County Agent (TV), 1965 : Memorandum for a Spy (TV), 1966 : Une petite rébellion (TV), 1966 : Fame Is the Name of the Game (TV), 1967 : Luke la main froide 1969 : Folies d'avril , 1970 : Move, 1970 : WUSA, 1972 : Les Indésirables , 1973 : Le Flic ricanant , 1975 : La Toile d'araignée , 1976 : Le Voyage des damnés , 1979 : Amityville : La Maison du diable , 1979 : Avec les compliments de Charlie , 1980 : Brubaker , 1984 : Le Pape de Greenwich Village , 1986 : Let's Get Harry, 1991 : My Heroes Have Always Been Cowboys.

Une histoire vraie ?
La demeure d’Amityville, au 112 Ocean Avenue à Long Island, fut le théâtre d’un carnage survenu dans la nuit du jeudi 13 novembre 1974. Ronald Junior, fils aîné de la famille DeFeo, exécuta au fusil ses parents, ses frères et sœurs endormis. Plaidant la folie, il fut condamné à six peines de 25 ans de prison. Un an après le drame, la maison est rachetée par la famille Lutz, qui emménage le 18 décembre 1975. Ils n’y resteront que 28 jours, terrassés par des phénomènes inexpliqués. En 1977, les Lutz s’associent à l’écrivain Jay Anson pour coucher sur papier leur calvaire : The Amityville Horror — A True Story, best-seller immédiat. Après des années de doutes et d’enquêtes, on démontra que cette prétendue hantise n’était qu’affabulation, montée de toutes pièces pour une opération lucrative. L’affaire Amityville s’achève donc en supercherie médiatique, malgré l’obstination de certains spécialistes et passionnés de paranormal. Qui plus est, après le départ des Lutz, les familles suivantes (Cromarty, O’Neill) n’ont jamais signalé la moindre manifestation. En 2010, la maison est remise en vente pour environ un million d’euros, attirant encore badauds et curieux de tous horizons…

Énorme succès au box-office mondial, Amityville, la Maison du Diable doit beaucoup à son vernis de véracité — désormais écaillé — popularisé par le livre d’Anson. Peu coutumier du genre, Stuart Rosenberg se laisse tenter pour transposer à l’écran cette chronique démoniaque mâtinée de satanisme. On apprend, au détour d’une confession, que la demeure fut érigée par un adepte de sorcellerie banni de Salem… Sans outrances grand-guignolesques, Rosenberg distille avec efficacité des sursauts d’épouvante, scande l’angoisse à un rythme métronomique : à l’image de ces amis du couple Lutz, aussitôt saisis de malaise, viscéral, dès qu’ils franchissent la pelouse maudite. Quant aux Lutz eux-mêmes, unis par le mariage, leur amour se lézarde quand George, chaque nuit, se réveille à 3h15 — l’heure précise où DeFeo bascula dans la démence…

 

D’autres incidents plus inquiétants ou brutaux (le sort du prêtre et de la nourrice, la découverte dans la cave) renforcent l’emprise vénéneuse de la bâtisse — tandis que la fillette des Lutz, incarnée par la troublante Natasha Ryan, noue une amitié glauque avec un ami invisible. Réalisé avec un soin constant pour traduire la décomposition morale du couple, le film exprime sans tape-à-l’œil une angoisse rampante, imprégnant chaque recoin domestique — magnifiquement cadré et exploité ! Son réalisme sec, servi par une interprétation habitée jusque dans les seconds rôles, traduit l’incompréhension, la peur muette, la folie en gestation. Amityville reste suffisamment étrange et atmosphérique pour alimenter cette angoisse sourde : la silhouette coloniale de la maison, filmée sous tous les angles, fige notre insécurité, soutenue par le thème lancinant de Lalo Schifrin, gravé à jamais.

"Amityville : hantise factice, terreur authentique".

Si Amityville, la Maison du Diable ne rivalise pas avec les grands classiques du film de hantise, il s’impose pourtant comme une tentative sincère de rendre plausible le mythe d’une maison possédée. La sobriété fiévreuse des comédiens (Margot Kidder, épouse fragile sombrant dans la dépression), l’architecture insolite, les incidents vénéneux jouant cruellement avec les nerfs, son prologue et son final franchement terrifiants, et la musique obsédante de Schifrin, tout converge vers un climat anxiogène d’une belle intensité. Les nostalgiques des années 80 y retrouveront, avec une émotion complice, leurs héros acculés à la psychose et à la dérive meurtrière — George Lutz, lentement happé par une fureur homicide que James Brolin incarne d’une aigreur bourrue, inquiétante à souhait.

* Bruno
22.07.14. (100 v)
01.01.19. 6èx